Sin embargo este onceavo álbum fue producto de un hecho casual y oportuno debido al fracaso comercial que supuso el anterior “Indian Summer”, publicado en 1977.
Por aquel entonces la banda estaba formada por Paul Cotton, Rusty Young, Timothy B. Schmit y George Grantham, sin embargo poco después del lanzamiento del mencionado “Indian Summer”, Schmit recibe la llamada de The Eagles, para sustituir a Randy Meisner y con ello se sumaba así a la larga lista de músicos que abandonaron la banda, quedando esta, como trío y además en medio de una gran crisis creativa y de malos resultados comerciales.
Con este panorama Paul Cotton y Rusty Young deciden seguir por su cuenta, formando el grupo Cotton-Young Band, contratando para ello al batería Steve Chapman y al bajista Charlie Harrison. Una vez tuvieron el material suficiente para grabar un álbum, la discográfica ABC, propietaria de los derechos de autor de Cotton y Young, accede de buen grado a su grabación y posterior lanzamiento, siempre y cuando fuera firmado bajo el nombre de Poco. Esto provoca que el tercer miembro oficial de la banda, George Grantham quedara fuera de la nueva formación de manera unilateral.
Un álbum en donde destacan sobresalientes cortes envueltos en un estilo cercano al pop rock como las enérgicas “Boomerang” y “Legend”, la fascinante “Crazy Love”, la preciosa “Heart Of The Night”, la melódica “Spellbound”, la pop rock “Little Darlin” o las arrebatadoras “Love Comes Loves Goes” y “The Last Goodbye”, todas ellas evocando el sonido de bandas coetáneas como The Eagles, America o Crosby, Stills & Nash, por su irresistible juego de voces y sus melodías cristalinas y cautivadoras.
Comercialmente “Legend” se convirtió en su álbum mas exitoso, entrando en el top 20 del Billboard, logrando varios discos de oro por sus ventas y al mismo tiempo se convirtió en el que daba comienzo a su época mas comercial, con un previsible country pop enfocado a las listas de éxitos.
Con “Demons and Wizard” y “The Magician´s Birthday”, Uriah Heep se aseguro su posición dentro del mundo del rock, como maestros de heavy metal con influencias góticas, con unos álbumes que contienen una serie de temas afilados de hard rock combinado con otras de carácter progresivo, con desarrollos épicos y densos, cortes melancólicos y oscuros, y baladas sublimes repletas de belleza, todo ello envuelto de manera conceptual en viajes fantásticos y mitológicos como demuestran las dos portadas de carácter medieval e imaginario diseñadas por Roger Dean.
El comienzo de “Demons and Wizard” no puede ser mas espectacular con la melódica y grandilocuente “The Wizard”, a la que le siguen las hard rock “Traveller In Time” y “Easy Living”, o la compleja y sobresaliente “Circle of Hands”, para retomar el hard rock con dos nuevos trallazos como son “Rainbow Demon” y “All My Life”. Como colofón nos encontramos con la suite apoteósica “Paradise/ The Spell”, que dividida en varias partes, comienza de manera atmosférica y melancólica, para convertirse en un contundente tema de hard rock progresivo liderado por un órgano omnipresente y una guitarra al mas puro estilo floydiano.
Siete meses después la banda lanzaba “The Magician´s Birthday”, para muchos la continuación natural al anterior, e incluso muchos consideraron que los temas aquí incluidos, fueron desechados para el anterior “Demons and Wizard".
Fuera como fuera, este “Magician´s Birthday” sigue la estela conceptual de la mitología fantástica del anterior, y comienza al igual que aquel, de manera sublime con la poderosa hard rock “Sunrise”. El resto de temas son generalmente mas cortos y de estructuras musical menos complejas, a excepción del tema que da titulo al álbum, el cual retoma las historias de magias y fantasías históricas del anterior y muestra esa faceta de hard rock progresivo. Entre el resto destacan “Spider Woman” con ese tono boogie rock, la efectiva “Sweet Lorraine” o la nostálgica “Tales”, que junto a melancólica “Rain” y la oscura “Echos In The Dark” otorgan un tono mas sombrío y melancólico a este álbum, aunque bastante alejado musicalmente del mas vigoroso y animado predecesor.
Su primer álbum contaría con una formación que ya nunca se volvería a repetir en ninguno de los posteriores lanzamientos de la banda, compuesto por tres teclistas, Mark Klingman, Ralph Schuckett y Jean-Ives Labat, el bajista John Siegler y el batería Kevin Ellman, además de la guitarra y la producción del propio Todd Rundgren.
“Todd Rundgren´s Utopia” consta de cuatro temas, dos de ellos exceden de los diez minutos, mientras en el lado dos del Lp aparece una suite de media hora de duración. Un álbum repleto de sonidos de sintetizadores psicodélicos burbujeantes, baterías hiperactivas y unas guitarras abrasadoras, con sonidos que van desde el jazz rock mas enérgico, los sonidos contundente del heavy rock y unas estructuras progresivas y vanguardistas.
Rundgren conseguiría lo imposible con este álbum, superando a casi todas las demás bandas progresivas en términos de destreza instrumental y el tono épico, empezando por la monumental “The Ikon”, 30 minutos de rock progresivo de exceso total, la cósmica “Utopia Theme”, la dinámica “Freedom Fighters” y el funk aterrador y progresivo “Freak Parade”.
Un disco que funciona asombrosamente como lo hace, es solo producto de la mente de un genio como Rundgren, que junto a otros cinco talentosos músicos consiguieron realizar una de las obras maestras del rock progresivo de todos los tiempos.
Después de su exitoso álbum debut, Dire Straits tenían la posibilidad de consolidar de modo convincente que eran una de las bandas mas solidas y prometedoras de finales de los setenta y principios de los ochenta.
Con un Lp compuesto por nueve temas, Mark Knopfler intentaba dejar claro su propuesta y su estilo, aunque a posteriori recibiría unas malas criticas por parte de la prensa por considerarlo una mera copia continuista de su primer disco.
Con una portada mágica y ensoñadora, la cual obtendría el premio a la mejor portada del año concedida por la revista británica New Musical Express, este álbum se inicia con una magistral intro de guitarra de Knopfler en la sensacional “Once Upon A Time In The West”, con ese sonido heredado de J.J.Cale, a la que le siguen las intimistas “News” y “Where Do You Think You´re Going” o “Communique”, un guiño lejano al sonido del gran Bob Dylan. Mientras “Lady Writer” sigue una estela parecida al monumental “Sultans Of Swing”, pero sin llegar a su excelencia instrumental, mientras el álbum acaba con tres de las mejores composiciones del disco como son la folky “Portobello Belle”, la encantadora y oscura “Single Handed Sailor" y la irresistible con sonidos bluesy “Follow Me Home”.
Pese al varapalo de gran parte de la critica especializada, el álbum conseguiría alcanzar unas cifras cercanas al millón de copias vendidas a nivel mundial.
Su formación original estaba comprendida por el vocalista Peter Filleul, quien además se encargaba de los teclados y las guitarras acústicas, el batería Jerry Robins, el bajista y voces Mark Ashley, el guitarrista Craig Anders y el cantante y segundo guitarrista Pix.
Su estilo estaba impregnado de coloridos arreglos y una gran variedad de sonidos, todo ello envuelto en un pop-rock suave y melódico, con unas destacadas voces armónicas.
Su único álbum titulado "Is A Friend?" comenzaba con la enérgica "Forgotten Dreams" en donde destacan un tintineante órgano hammond y los poderosos riffs de guitarras, la siguiente "Pretty Haired Girl, es una memorable y brillante pieza pop, mientras la somnolienta bluesy "Springs Sweet Comfort" muestra el lado psicodélico de The Parlour Band. En el resto del álbum destacan la alegre "Follow Me", la celestial y bucólica "Evening", la folk pop "Don´t Be Sad" y la mini suite con tonos progresivos "Home", con la cual dan por finalizado un magnifico y olvidado trabajo de una banda que después de este lanzamiento cambiarían su nombre por The O Band, con un estilo mas enfocado hacia los sonidos del rock melódico, publicando una serie de interesante discos hasta que en 1977 se disolvieron definitivamente.
Ejemplos hay muchos, desde los que fueron exitosos como el “Out Of Hell II” de Meat Loaf, o el “Tubular Bells II” de Mike Oldfield o hasta los rotundos fracasos o que fueron duramente criticados como “The Final Cut” de Pink Floyd, una clara secuela de The Wall, entre otras muchas.
En 1997 después de 20 años y siete álbumes de estudios, Jean Michel Jarre decidió continuar su antológico debut “Oxigene” de 1976, con una secuela a la que titulo “Oxigene 7-13”, en referencia a los naturales movimientos cronológicos que siguen al álbum original, el cual consta de seis piezas.
En esta continuación, Jarre muestra muchas similitudes entre ambos álbumes, con una producción dominada por los patrones melódicos habituales en el músico francés, sin que por ello suenen los típicos clichés, ni intente repetir los mismos esquemas sonoros, dándole un enfoque mas moderno debido a los sonidos tecnológicamente mas avanzados. Sin embargo Jarre renuncia en gran parte del elemento pasional original, sustituyéndolo por una considerable emotividad y un mayor dinamismo, logrando un álbum refinado y muy atractivo, aunque sin lograr superar su asombroso debut.
Tras tres discos legendarios como son su debut “On Time” de 1968 y los posteriores “Grand Funk” (1969) y “Closer To Home” (1970), la banda de Michigan se encontraba en su máximo apogeo con esa combinación de blues, psicodelia, boogie rock y hard rock primitivo con acercamientos al funk y al soul mas visceral, enalteciéndolos con todo ello a la cúspide de la música rock de principios de los 70.
En esta cuarta entrega la banda formada por Mark Farmer, Mel Schacher y Don Brewer, tuvo al habitual Terry Knight en las labores de producción y fue grabado durante el mes de marzo de 1971 y publicado un mes mas tarde por la Capitol Records. En el la banda muestra un elaborado y pulido sonido que si bien les resta la vigorosidad y la furia que habían mostrado hasta esos momentos, también es cierto que es mucho mas accesible y comercial.
La refinada “Country Road”, abre este álbum mostrando todo lo anteriormente dicho, mientras la psicodélica “All You´ve Got Is Money”, muestra las virtudes de Mark Farmer con su lisérgica guitarra y su desgarradora voz. En la seductora “Comfort Me”, se observa la multifacética creatividad del grupo con una sus mejores composiciones. Cerrando la primera cara, esta el tema de Traffic “Feelin´Alright”, aquí versionado de manera brillante con ese toque hipnótico y adictivo.
Ya en la parte final se encuentran la soul rock “I Want Freedom” y la atractiva medio tiempo “I Can Feel Him In The Morning”, que son la antesala de la demoledora versión del tema de The Rolling Stones “Gimme Shelter”, concluyendo un álbum que fue pasto de las criticas por su alejamiento de la visceral propuesta original de sus primeras obras, pero con una gran acogida por parte de sus fans y del publico en general, logrando con ello un extraordinario sexto puesto en las listas del Billboard norteamericano.
No obstante tres de los temas de este álbum serian utilizados posteriormente en una película de serie B norteamericana, titulada "Black Angels", una biografía no oficial de los míticos “Hell Angels”.
La formación de Mad Dog estaba compuesta por el guitarrista y voz, Howard Leese, el bajista Terry Gottlieb, el batería Steve Goldstein, el guitarra rítmico Vincent Murphy y el vocalista Gary Witkosky.
Durante sus primeros años, esta banda fue telonera entre otros de Captain Beefheart and The Magic Bus, y sus actuaciones no pasaron inadvertidas para algunos productores como Toomy Coe, un aventajado alumno de Phil Spector quien les produjo este álbum utilizando una novedosa tecnología llamada “Phasing Sound”, un sistema muy parecido al “Wall Of Sound” que el propio Phil Spector había creado por esa misma época.
Mad Dog estuvieron durante varias semanas en los estudios Mark IV de Los Ángeles y completarían este "Down Of The Seventh Sun", en el cual destaca la intervención del teclista de Ray Charles, Bags Costello, además de las coristas Clyde King, Venetta Field y Maxione Waters. Una vez grabado, los derechos de este álbum fueron comprados por diferentes compañías discográficas, pero por alguna razón, ninguna de ellas se decidió a publicarlo de manera oficial, pese a la calidad del mismo.
Posteriormente y sin un contrato discográfico, la banda desanimada decidió separase definitivamente. "Down Of The Seventh Sun" esta compuesto por una serie de cortes deudores del sonido californiano del acid rock y dejaron su impronta en temas de gran calibre como la sudorosa "Military Disgust", las folk rock "Suite For Two Guitars" y "For Huachuca Blues", la psicodélica "Ala Ala" o las hard rock "Everything´s Alright" o "The Fast Song".
Menospreciado y olvidado en los almacenes de las discográficas, "Dawn Of The Seventh Sun" fue postergado durante décadas hasta que muchos años después el sello RD Records hizo justicia y reedito este interesante álbum perdido en diferentes formatos como el CD y el vinilo.
Algunos años después Howard Leese seria uno de los fundadores de la mítica banda norteamericana Heart, con quienes publicaría algunos de los mejores discos del hard rock melódico de las décadas de los setenta y ochenta.
Su formación estaba compuesta por el teclista Jacques Roman, el batería Victor Bosch, el bajista Philippe Roman, el guitarrista Gibert Gandil y el flautista y instrumentos de cuerda Rooland Richard.
Su debut discográfico llegaría en 1974 con el álbum “Polen”, el cual obtuvo unas favorables criticas pero al mismo tiempo sería un fracaso comercial. Dos años después regresaron con un segundo álbum “The Strands Of The Future”, uno de los hitos de la música progresiva gala en los años 70, el cual enriqueció el genero vanguardista en el mercado francés y europeo.
Influenciados claramente por el sonido de Pink Floyd, Pulsar rebosan de una personalidad propia y única, con esas obvias reminiscencias hacia la banda británica con su sonido atmosférico, etéreo y espacial.
En este segundo lanzamiento los movimientos de flauta tiene un uso mas marcado, que junto a los arreglos acústicos, las capas de sintetizadores y los mellotrones, dan un sonido ensoñador en donde se mezclan sonidos especiales, melodías psicodélicas y ambientes melancólicos.
Con la llegada de un nuevo bajista, la banda publica su tercer álbum “Halloween” tres años mas tarde, el cual esta considerado su mejor obra. “Halloween” consta de dos suites de múltiples movimientos, en las que la fascinación por los sonidos sinfónicos seguía creciendo, pero con el añadido de unos tonos mas densos y lúgubres.
Si con "The Strands Of The Future” el grupo lograba su madurez en busca de un estilo y un sonido propio, con “Halloween” fueron mucho mas allá, evolucionado hasta llegar a la conclusión de que esta es una de las joyas indiscutibles del progresivo francés, cuya especial belleza e inquietud es asombrosamente perfecta.
Considerado uno de los mejores álbumes del jazz fusión abstracto, con sonidos electrónicos, poli ritmos africanos y una soberbia producción psicodélica, que presta mucha atención a cada detalle, para crear un estilo de jazz futurista. Un álbum que después de cuatro décadas sigue sonando increíblemente adelantado a su tiempo.
Compuesto por solo tres cortes, la primera cara esta enfocada en la extensa "Sleeping Giant", una enorme suite africana futurista que alterna intensas improvisaciones de avant-funk con partes mas oscuras. La interpretación de Herbie Hancock durante las improvisaciones abstractas son increíblemente intensas y muestra cómo es el maestro en la construcción de unos sonidos unidos y originales, demostrando que también es un genio de la composición y las orquestaciones modernas, utilizando su sección de trompetas y la electrónica para construir texturas mini-orquestales que recuerdan a clásicos como Stravinsky y Ravel. La capacidad de componer a un nivel tan sofisticado, es una de las cosas que hace que Hancock y los miembros de su banda “The Sextant”, estén a un nivel por encima de otros conjuntos psicodélicos de su época.
La segunda cara esta exclusivamente dedicada al virtuoso de los instrumentos de viento Bennie Maupin, quien también demuestra que sabe escribir y orquestar, al convertir dos increíbles y soberbias piezas en unas deliciosas melodías para los oídos.
La que primero aparece es la tensa y misteriosa "Quasar", la cual presenta una melodía de soprano futurista que es similar a la melodía clásica de Star Trek. Gran parte de la interpretación de esta canción es abstracta e improvisada, pero los músicos se mantienen tranquilos y concentrados y evitan los clichés indulgentes de improvisación. La música resultante es delicada y sensible, muy lejos del cliché del avant-jazz 'freak out', con unas melodías que a menudo nos recuerdan a Moussourgsky, Stravinsky y otros tantos del sonido de la música de cámara rusa o francesa de principios del siglo XX.
La segunda cara se cierra con "Water Torture", en la que una línea de bajo profunda y lenta doblada en el clarinete bajo suena como un cruce entre un ritmo funk lento y una composición rusa oscura, destacando la electrónica del Mellotron a cargo de Hancock y una sección de trompetas cuidadosamente orquestada logrando con ello un sonido orquestal futurista.
Sin embargo y a pesar de las soberbias interpretaciones instrumentales y la enorme composición, es el productor David Rubinson, el verdadero protagonista de este álbum, uno de los mas meticulosamente producidos con todas y en cada una de las notas, las reverberaciones, los ecos, el volumen…un trabajo titánico de minuciosidad al milímetro, consiguiendo con todo ello una obra maestra sonora absoluta
