Rose's Pawn Shop es una banda que dio un soplo de aire fresco al sonido americano en el 2005, cuando se fundaron, ellos hacen de todo, desde música clásica ("clásica" si naciste en el sur de los Estados Unidos), bluegrass hasta country, pasando por folk, rock y el blues. "Dancing On The Gallows" fue el segundo trabajo de esta magnífica banda lanzado en 2010. Para entonces la banda estaba formada por Paul Givant, vocalista, guitarra y banjo, Tim Weed, mandolina, violín y voz, John Kraus, banjo, mandolina y guitarra, Stephen Andrews, bajo y el batería Christian Hogan.
Deudores del sonido de bandas como The Byrds o The Band, Rose's Pawn Shop manifiestan su estilo de folk y country rock en temas soberbios como "Strangers", "Debt Collector" o "Pine Box", temas todos ellos que si hubieran sido publicados en los años 70, hablaríamos de una joya del género americano.
Para esta nueva entrega Oldfield contaría con un plantel de lujosos artistas como el batería de Toto, Simon Philips, el cantante de Yes, Jon Anderson, la portentosa voz de Roger Chapman de Family, la extraordinaria cantante Maggie Reilly, el percusionista de Gong, Pierre Moerlen, los guitarristas Tim Renwick y Rick Fenn, el bajista Phil Spalding y el batería Morris Pert.
El tema principal, el cual ocupa toda la primera cara del vinilo original, comienza con una reafirmación del tema original de “Tubular Bells”, que durante los 20 minutos de duración, el multintrumentista británico va presentando una serie de viñetas musicales, a modo de tour de force, con momentos que bordean el rock duro, unas atmósferas hipnóticas y misteriosas con grandes percusiones y guitarras, desarrollando un fascinante tema progresivo, logrando con ello realizar una de las piezas mas emocionantes de dicho genero de toda la década de los ochenta.
La segunda cara del álbum esta enfocada en canciones cortas de pop accesible y mas comercial como las archiconocidas y pegadizas “Moonlight Shadow” y “Foreign Affair”, la rock “Shadow On The Wall”, o la lúdica y misteriosa “In High Places”, separadas por el interludio de la folk instrumental “Taurus 3”.
Sin embargo, “The Game” guarda entre sus surcos una serie de temas que son de una incuestionable calidad, y que han pasado a la posteridad como lo mejor que hayan hecho como la funk disco “Another One Bites The Dust”, uno de sus temas mas emblemáticos y uno de sus grandes hits.
La épica “Crazy Little Thing Called Love” o la nostálgica “Save Me”, son musicalmente lo mejor de un álbum menospreciado por su fans mas puristas, pero que reboza gran calidad y que cuajaría el mayor éxito comercial a ambos lados del Atlántico hasta esos momentos.
De entre el resto destacan la poderosa funky rock “Dragon Attack”, la añeja “Play The Game” o la enérgica y sobresaliente “Need Your Loving Tonight”.
Pese al varapalo que recibiría por parte de un sector de la critica y de una parte de sus fans, “The Game” fue un punto de inflexión que marcaría un antes y un después en el devenir del futuro de la banda británica.
Sin embargo en este nuevo álbum titulado “Power”, la banda dejaba atrás ese estilo característico, por un rock melódico muy cercano al AOR, realizando un poderoso y interesante trabajo que no disgustaría totalmente a su amplia legión de fans.
En este nueva entrega ya no participarían tres de los pilares fundamentales del grupo como eran el guitarrista y co-lider de la banda Kerry Livgren, el bajista Dave Hope y el cantante y violinista Robby Steinhardt, sustituidos aquí por el guitarrista Steve Morse y el bajista Billy Grear.
Pese a perder su estilo inconfundible con esa intensidad progresiva y ese toque vanguardista que otorgaba el violín de Steinhardt, “Power” resultaría un mas que meritorio trabajo en donde sobresalían cortes poderosos como “Silhouttes In Disguise", “Tom 19” o la homónima “Power”, rock melódicos como “Can´t Cry Anymore" o “All I Wanted”, y acercamientos a los sonidos progresivos como queda patente en la esplendida instrumental "Musicatto”.
Desde su icónica y nacionalista portada, Springsteen acentúo las sensibilidad del americano medio y del patriotismo mas arraigado.
Sin embargo este álbum en el fondo muestra una especie de desilusión por la realidad de la vida cotidiana norteamericana, todo ello bajo el sarcasmo y el humor como queda demostrado en la representativa y enérgica “Born In The USA”, un tema pegajoso con la voz desgarradora de Springsteen, una alegoría a los veteranos de la guerra del Vietnam.
La melancólica “Cover Me” y la adictiva y sencilla “Darlington City” dan paso a la alegre rock and roll “Working On The Highway” para volver a la melancolía con la sentida “Downbound Train” y la simple y emotiva “I´m On Fire”.
Ya en la segunda cara aparecen la rebelde “No Surrender”, la triste y oscura “Bobby Jean”, las adictivas “I´m Goin´Down” y "Glory Days”, para acabar con la rítmica y todo un hit en las listas, “Dancing In The Dark” y la cálida “My Hometown”, que dan por finalizado un álbum que nos va relatando los valores de la sociedad norteamericana a través de unas historias en clave poética y musical.
Con este álbum claramente orientado hacia los terrenos del pop rock mas comercial y contagioso, Bruce Springsteen lograría su mayor éxito a nivel mundial, convirtiendo su figura en una solida estrella del rock de masas.
Si retrocedemos hacia atrás a finales de los 70, muchas de las grandes bandas de rock progresivo se estaban moviendo hacia una dirección mas comercial y accesible al gran publico, ya que el punk, los sonidos de la música disco, el nuevo heavy metal, el AOR y otros nuevos estilos estaban de moda. Es por aquellos años cuando EL&P lanzaron su séptimo y a la postre su ultima obra antes de separarse hasta muchos años después cuando volverían a reunirse. “Love Beach" es probablemente el trabajo mas débil de toda su discográfica y aunque los fans y la critica lo vapulearon ferozmente, también es cierto que el trío británico no estaba haciendo nada diferente a lo que otras bandas como Yes, Genesis, Jethro Tull o Gentle Giant ya no hubieran hecho.
Sin embargo y mirando en la distancia este “Love Beach” no es tan mediocre como se percibió en el pasado, aunque si lo comparamos con sus anteriores álbumes estelares, este es sin duda un paso atrás y en la dirección equivocada.
Mirando en retrospectiva “Love Beach” sigue conteniendo mucho material solido como la encantadora pop progresiva “All I Want Is You”, en donde destaca la voz del inconmensurable Greg Lake y los magníficos teclados sinfónicos de Emerson, otro momento estelar es la dramática y majestuosa “For You”, con esa voz sedosa de Lake, los intrincados rellenos de batería de Palmer y el ágil piano de Emerson.
La grandilocuencia atenuada “Taste of my Love” nos retraen a los primeros años de la banda y “Canario” es un soberbio tema instrumental clásico y progresivo que permite a sus tres miembros mostrar su grandes dotes instrumentales.
La epopeya de 20 minutos “Memories of a Office and a Gentleman” es otro momento álgido de rock progresivo con esos sonidos que a principio de los 70 les hizo vender millones de copias alrededor del mundo y que los colocaría en la vanguardia del rock progresivo.
Sin embargo son las mediocres “The Gambler”, un blues pop fuera de lugar, o la azucarada “Love Beach”, las que en parte difamaron su aceptable calidad final y que precipitaría la disolución definitiva del magnifico trío británico.
En conclusión, “Love Beach” realmente no es tan terrible como fue recibido en un principio, ya que aproximadamente la mitad de las canciones son bastante buenas, aunque es cierto que la inclusión de algunas pistas pop genéricas le merma en su resultado final, pero el álbum aún vale la pena por ese puñado de composiciones fuertes que mantienen el sonido clásico de ELP.
¿Quizás fue la portada del álbum con la banda de pie en una playa de Bahamas con las camisas abiertas lo que más asustó a todos? Ciertamente no es la imagen que todos esperábamos de ELP, y tal vez fuera uno de los motivos (uno mas) de la difamación general por parte de sus mas acérrimos fans.
Los temas que componen este directo fueron extraídos de la gira posterior al álbum “Rising”, durante los meses finales de 1976 en diferentes localizaciones de Alemania y Japón.
Con una puesta en escena donde sobresalía un impresionante arco iris de casi 15 metros de altura sobre el escenario, la banda formada además de Blackmore, por el vocalista Ronnie James Dio, el batería Cozy Powell, el bajista Jimmy Bain y el teclista Tony Carey, dejaron para la posteridad una grabación histórica y descomunal en donde sobresalen todos y cada uno de los seis temas que componen este doble álbum.
Para empezar con esa intro grabada extraída de “El Mago de Oz”, en la que se escucha la voz de la propia Judy Garland decir unas frases antes de la tremenda “Kill The King”, a la que se van sucediendo las grandiosas “Man On The Silver Mountain” y “Starstruck”, la sublime “Catch The Rainbow”, la fantástica “Sixteenth Century Greensleeves”, la frenética versión de Deep Purple, “Mistreated” y una monumental y excelsa versión del tema de The Yardbirds, “Still I´m Said”.
“On Stage” es el perfecto testimonio de una banda que en directo sonaba de manera apabullante y arrolladora y que lograría varios discos de oro por sus ventas a nivel mundial.
El resultado es suntuoso, una exploración cerebral y emocional a través del tiempo y del espacio que comienza con “Velver Voyage”, un recorrido cósmico, en donde hay cabida para extraños sonidos y profundos contrastes etéreos de sintetizador acompañados de una amenazante línea de bajo. En el segundo corte “Crystal Lake”, Schulze ofrece una de las piezas electrónicas progresivas mas brillantes que se hayan grabado jamás, repleta de melodías celestiales, repetitivas e oníricas, cubriendo gran parte de la composición un estado hipnotizante y por momentos aterrador.
En “Mirage” el músico germano confecciono una amplísima gama de sonidos electrónicos abstractos que se van incorporando progresivamente para crear una música imaginaria, progresiva, fascinante y única.
Por otro lado, el hecho de dedicarlo al mundo de la política justo el mismo año que estallaría el caso Watergate, a muchos les pareció oportunista y de hecho Richard Nixon se vio obligado a dimitir casualmente un mes después de la publicación de este disco en Estados Unidos y para entonces su famosa afirmación "I'm not a crook" fue motivo de risas y burlas en todo el mundo, de ahí que muchos pensaron que este disco en realidad hablaba del caso Watergate, algo que siempre negaron rotundamente los miembros de la banda.
Sin embargo musicalmente y a diferencia de las obras anteriores, aquí Gentle Giant imprime más fuerza y furia a sus canciones, con un rock mucho más visceral y crudo, pero sin dejar de lado las principales características del grupo.
La inicial y melódica “Proclamation” es al mismo tiempo la mas compleja y emocionante, todo lo contrario ocurre con “Aspirations”, una sencilla balada cercana a los sonidos pop que contrasta con la tremenda “Playing The Game”, un corte progresivo con movimientos dinámicos y complejos.
La encantadora “No God´s Man”, la edificante “The Face” y la hard rock progresiva “Valedictory”, conformaban otro álbum de Gentle Giant de una estructura musical escabrosa y poco accesible.
Aún así, y siendo su disco más difícil y menos convencional con muchos momentos irritantes y de difícil escucha, tuvo unas grandes ventas y un aceptable puesto 78 en el Billboard estadounidense, lo que para un disco progresivo de estas características supuso un rotundo éxito.
Diez años después de su ultima obra como solista (“Guitar Shop”, 1989), Jeff Beck, saldría de su largo retardo para confeccionar uno de los mejores trabajos enfocado a la guitarra eléctrica de la década de los 90.En este “Who Else!” el guitarrista británico hace un despliegue musical impresionante, fusionando el rock con el jazz, el blues y el funk, todo ello aderezado con los sonidos mas vanguardistas de los 90.
Un álbum repleto de sentimientos, sonidos antológicos, solos apoteósicos y notas arabescas soberbiamente interpretadas como queda demostrado en cortes como la bluesy “Brush With The Blues”, la vorágine electrónica “Psycho Sam”, la exótica “Blast From The East”, las rock “Space for the Papa” y “Even Odds”, la jazz rock “Angel (Footsteps)” o la delicada con inspiración celta “Declan”.
“Who Else!” fue el gran regreso de Jeff Beck, un álbum que esta casi a la altura de cualquiera de sus grandes obras de los 70 y 80, y que sonando fresco y sin perder un ápice su característico sonido, conserva su esplendoroso talento con las seis cuerdas que lo mantendría en la cúspide de la música rock en las puertas del nuevo milenio.
En 1979 llegaría su quinto trabajo en donde aparecía una larga suite complementada con piezas mas cortas y con una estructura mainstream. También este trabajo supone el comienzo de su experimentación con los sonidos electrónicos y la técnica de los modernos estudios de grabación.
Sin embargo su música sigue teniendo su sello característico, aunque con ciertas influencias muy sutiles de pop, funk y jazz en muchos momentos del álbum.
La cara A esta totalmente ocupada con la suite “Platinum”, que dividida en cuatro partes es sin duda el momento mas convincente de todo el álbum, desde la inicial y poderosa “Airborne”, un perfecto escaparate para el virtuosismo de Oldfield con las guitarras, hasta la brillante “North Star”, pasando por la contagiosa “Platinum” y la sencilla pero adictiva “Charleston”
Para la segunda cara Oldfield opta por unas canciones mas “convencionales”, y que a diferencia de la soberbia suite anterior, estas resultan mas previsibles, como la rock callejera “Punkadiddle”, la ambiental “Woodhenge” o la alegre “Into Wonderland”.
Entre otros aquí participan el batería Pierre Moerlen, el teclista Tim Blake, el bajista Mike Howlett o el saxofonista Didier Malherbe, además Hillage también contaría con el teclista de Hatfield and The North, Dave Stewart o Lindsay Cooper de Henry Cow.
En este primer álbum, Steve Hillage desarrolla un repertorio de tres canciones largas, la mayor parte de ellas instrumentales y complejas, el cual esta considerado uno de los mejores trabajos del rock progresivo de los 70.
En el tema de apertura “Solar Musick Suite”, Hillage nos adentra a los sonidos que ya había mostrado años atrás con su germinal banda Khan, un tema espacial y psicodélico de 17 minutos de alardes progresivos asombrosos. La dinámica y espacial “The Salmon Song” y la psicodélica “Aftaglid”, cierran un álbum exquisito e imprescindible de space rock y los mejores sonidos herederos de la escuela de Canterbury, que tendría continuación con los siguientes y soberbios “L” (1976), “Motivation Radio” (1977) y "Green" (1978).
Si para su álbum debut (“Flash”, 1972), contaría con su ex compañero en Yes, Tony Kaye a los teclados, para el siguiente "In The Can" publicado en 1972, prescindiría del mismo y consolidaría su nueva formación con Colin Carter en la voz, el bajista Ray Bennett y la batería de Michael Hought, que repetirían en el siguiente "Out Of Our Hands" (1973).
Musicalmente este álbum es una evolución lógica de Yes, pese a no contar con los teclados habituales en el rock progresivo, basando su estilo en la guitarra eléctrica y una base rítmica y melódica muy pronunciada
El extenso "Lifetime" de más de diez minutos es un ejercicio de guitarra del propio Banks con una variedad de ritmos que el grupo al completo despliega de forma soberbia. Lo mismo ocurre con "Black and White", otra progresiva pieza larga y exquisita.
Otras piezas como la ambiciosa “There no More” o “Monday Morning Eyes”, esta ultima con un trasfondo jazzistico y un ligero toque de R&B, son argumentos mas que suficientes para catalogar este álbum como una obra muy destacable dentro del panorama de la música progresiva de principios de los 70.
Ya desde la propia portada del álbum, que a diferencia de las anteriores obras no estaba diseñada por Roger Dean, ya denotaba por donde iban los derroteros musicales de este nuevo trabajo.
Sin embargo musicalmente la banda sigue en plena forma, con un Ken Hensley sensacional que domina por completo las composiciones, aunque esta vez inclinado aún mucho mas hacia su trabajo con los teclados, siendo menos frecuente aquí la participación de Mick Box. Este álbum incluye uno de los temas mas famosos de los Uriah Heep, básicamente una versión ralentizada del clásico “Easy Livin´” y que pudo haber sido un éxito arrollador en el top ten si no fuera por que se prohibió su reproducción en las estaciones de radio por su controvertida letra.
En “Dreamer” la banda ejecuta un poderoso rock con mucho groove donde en una de sus pocas apariciones, Mick Box demuestra sus enormes riffs de guitarra y su melodía de vanguardia.
La legendaria y poderosa “Stealin´” nos conducen a “One Day”, que muestran el sonido característico de Uriah Heep, mientras la melódica “Sweet Freedom”, la medio tiempo “If I Had The Time”, la intrascendente “Seven Stars" y la sobria “Circus”, son la antesala del mejor momento del álbum, la espectacular “Pilgrim”, un épico tema progresivo, dinámico, poderoso y oscuro que retoma la temática fantástica ofrecida en los dos álbumes anteriores y que hace justicia al resultado final de un trabajo que reflejaba el gran talento y el gran estado de forma de Uriah Heep a mediados de los 70.
Sin embargo antes de abandonar, el propio Rollie recomienda al resto de miembros el posible sustituto, el teclista Jonathan Cain que provenía de la banda The Babys, el cual influyo decisivamente en el devenir del estilo de Journey en los próximos años, dotando la música del grupo con unas dobles armonías de teclados y guitarras y comenzando así la época mas gloriosa del grupo a nivel comercial.
El primero de ellos seria “Escape”, un álbum repleto de contagiosas e irresistibles melodías empezando por la emotiva "Don´t Stop Believin", que la convierte en una de las canciones por excelencia del AOR.
El resto del álbum muestra a una banda que interpreta canciones enérgicas y rítmicas, con excelentes armonías de guitarra y teclados creando un mundo sonoro fascinante.
Con la voz de uno de los mejores vocalistas de la historia como Steve Perry, se suceden temas magistrales como "Stone In Love", "Who's Crying Now" o "Open Arms", que se convierten de inmediato en obras inmortales de la música rock.
El álbum logra obtener nueve discos de platino y unas ventas globales que superan hoy en día los veinte millones de copias vendidas y toda una obra maestra absoluta de la música rock y el AOR en particular.
