viernes, 31 de diciembre de 2021

Warhorse-Red Sea (1972)

“Red Sea” fue la segunda y ultima entrega de los británicos Warhorse, una de las bandas mas prometedoras del hard rock progresivo de los setenta, que tuvieron la mala suerte de competir con sus coetáneas Uriah Heep o Deep Purple, entre otras muchas bandas de la época. De esta ultima precisamente provenía su líder, el bajista Nick Simper, expulsado como no podía ser de otra manera por Ritchie Blackmore. Si ya desde su impresionante debut, esta banda reunía todos los elementos para tener el éxito asegurado, desde el sonido crudo de unos Creedence, el feeling de los Allman Brothers, la magia de Led Zeppelin, y el virtuosismo de ELP, su continuidad fue una demostración palpable que con distinta suerte y un mejor vocalista hubieran llegado mucho mas lejos.
Para este segundo álbum la banda seguía formada por Ashley Holt a la voces, el guitarrista Peter Parks, el teclista Frank Wilson, el batería Mac Poole y el mencionado Nick Simper al bajo.
En su momento fue muy debatido el motivo por lo que nunca obtuvieron el éxito merecido, quizás parte de ello, fue la insuficiente promoción por parte de la compañía discográfica Vertigo, mas interesada en promocionar otras bandas de su nomina, pero también es cierto y considerando el momento en el cual fue publicado, habría que matizar que por entonces existían docenas de bandas que eran lo suficientemente competitivas y enormemente creativas, como para lograr superarlas o igualarlas con su interesante propuesta sin caer en los repetidos clichés.
Aún así el áspero y crudo órgano de Wilson, la firme y precisa sección rítmica de Simper y Poole, las dulces armonías de guitarra de Parks y los alaridos tensos y vibrantes de Holt, llevaron en volandas al grupo en la serie de canciones de enorme calidad que componen este álbum, como queda demostrado con las hard rock “Back In Time” y “Mouthpiece”, ambas con ese estilo inconfundible a los Purple, la blues rock “Confident But Wrong”, la pausada “Feeling Better”, la rítmica “Sybilla” o la progresiva “I (Who Have Nothing)” .
“Red Sea” seria el colofón de una banda que en sus primeros días se mostró como una de las formaciones mas precoces del mejor hard rock, incluso casi a la altura de los mismísimos Deep Purple, pero que por diferentes razones no pasaron de la línea de salida y cayeron en el olvido mas absoluto, pese a crear dos fantásticos álbumes que hoy en día son considerados parte esencial de la evolución del proto-hard rock.

miércoles, 29 de diciembre de 2021

Khan-Space Shanty (1972)

Khan son una de las bandas consideradas de culto dentro de la escena del sonido Canterbury y al mismo tiempo una de las mas desconocidas. Una banda que nunca aparece en la lista de las mejores formaciones del genero y que sin embargo tiene en su haber, una de las mejores contribuciones al genero.
Formado por cuatro grandes músicos, celebridades todos ellos de bandas anteriores o posteriores a esta, como Gong, Egg, Hatfield and The North o National Health.
Ellos eran el guitarrista Steve Hillage, el bajista Nick Greenwood, el teclista Dave Stewart y el batería Pip Pyle. En 1972 esta banda publicaría su único álbum titulado “Space Shanty”, en el cual aparece el baterista Eric Peachy que reemplazaría a Pyle, que se marcharía poco antes de la grabación del disco para formar parte de los mencionados Gong.
“Space Shanty” esta constituido por seis ambiciosos temas compuestos casi en su totalidad por Steve Hillage, en donde el sonido esta dominado por las guitarras espaciales y blues del propio Hillage y el efervescente órgano Hammond de Stewart. En general la música aquí creada esta orientada al genero progresivo de Canterbury, con momentos agresivos, pero que sin embargo huye de los esquemas de la manifiesta influencia jazzistica, como era muy corriente en el genero, para orientarse hacia terrenos mas rock con memorables interacciones instrumentales
Los seis temas interrelacionados dan una clara sensación de álbum conceptual, alcanzando por momentos dimensiones grandilocuentes con acercamientos a la música de los primeros Yes, Caravan o la que algún tiempo mas tarde seria heredada por los progresivos Camel. Un álbum que comienza con el tema que da titulo al disco, una pieza con una suave intro que deriva en un vigoroso tema progresivo, mientras la atmosférica “Stranded”, pone la nota cósmica y espacial. La dinámica con influencias del jazz progresivo “Mixed Up Man Of The Mountain”, da paso a la psicodélica y heredera del genuino estilo Canterbury “Driving To Amsterdam”, para acabar con la compleja “Stargazers” y la jazz rock “Hollow Stone”, con las cuales concluye y que obtendría un gran recibimiento por la comunidad progresiva de la época, y que varios años mas tarde tuvo su continuación lógica con el álbum en solitario de Steve Hillage ,“Fish Rising”.

lunes, 27 de diciembre de 2021

Pete Sinfield-Still (1973)

Extraño álbum, que no por ello sea mucho menos interesante es el que publicara el letrista de King Crimson Pete Sinfield, con prácticamente todos los integrantes que pasaron por la banda a excepción de su líder Robert Fripp. De alguna manera este disco es una clara muestra de como hubiesen sonado los mencionados KC sin su guitarrista y líder. Aún así y sin Robert Fripp de por medio, es mas que evidente que en muchos momentos podemos intuir su clara influencia. Sin embargo el resultado final es bastante inferior a cualquier trabajo publicado por su banda madre, en donde los saxos disonantes, los teclados flotantes, el sonidos de flautas y las guitarras acústicas y eléctricas, unidas a las letras metafóricas y las hermosas poesías de Sinfield, confieren a este álbum una atrayente obra para los fans del progresivo.
Como ya hemos mencionado anteriormente, para la grabación de este álbum Sinfield se rodearía de un nutrido grupo de músicos que en alguna ocasión pertenecieron a las múltiples formaciones KC, aquí aparecen Ian Wallace, Keith Tippet, Boz Burrell, John Wetton, Greg Lake o Mel Collins.
Y pese a que la poca repercusión comercial lo hayan relegado a obra de culto en la escena del progresivo, contiene muchos momentos destacables como “Song Of The Sea Goat”, una versión arreglada del movimiento “Largo” de Antonio Vivaldi, sobresaliendo en ella las letras y la creación de metáforas inteligentes por parte de Sinfield. A este le siguen la filosófica y etérea “Under The Sky”, mientras la poética “Still” con la voz de Lake cantando unos versos, mientras Sinfield dicta un poema, es uno de los puntos culminantes del álbum.
La enérgica “Envelopes Of Yesterday” muestra el momento mas distorsionante, por contra la pastoral “The Piper” es el mejor retrato de esta obra, una tranquila composición de guitarra acústica y flauta, por un sendero parecido aparece la fina y emotiva “ a House Of Hopes And Dreams”, acabando con la free jazz disonante “The Night People”.
La poca repercusión posterior del disco precipitaría el fin de la carrera en solitario de Sinfield, dedicando los siguientes años a las labores de producción y letrista, participando en obras de artistas como Emerson, Lake and Palmer, Roxy Music, Gary Brooker, Moon Martin, Leo Sayer o la banda italiana de rock progresivo Premiata Forneria Marconi.

sábado, 25 de diciembre de 2021

Dark-Dark Round The Edge (1972)

"Dark Round The Edge" es otro de esos álbumes de la década de los setenta muy codiciado por los coleccionistas. De este primer y único disco de los británicos Dark, solo se lanzaron medio centenar de copias, la mayoría de ellas fueron a parar a amigos y familiares de la banda y solo algunos pocos discos fueron puestas a la venta de manera oficial.
A mediados de la década del 2000, este álbum fue catalogado como el decimoséptimo registro mas valioso de todos los tiempos, llegando algunos coleccionistas a pagar sumas astronómicas por una copia original, alcanzando un precio de 25 mil libras a mediados de los noventa.
Dark fueron una banda de rock psicodélico fundada por el guitarrista Steve Giles, que junto al batería Clive Thorneycroft, el bajista Ron Johnson, y el segundo guitarra Martin Weaver grabaron bajo la producción de Alan Bowley, un oscuro y potente álbum de rock con gran predominio de viscerales y psicodélicos riffs de guitarras al mas puro estilo de The Jimi Hendrix Experience o Grand Funk Railroad.
El álbum contiene poderosos temas de hard y heavy blues rock como “Darkside”, "Maypole", "Live For today", "Cat" o "Zero Time", pero que pese a su enorme calidad quedaron relegados al ostracismo por la mala planificación posterior y una nula promoción artística por parte del grupo. Debido a la importante demanda que este álbum ha suscitado en los últimos años ha sido reeditado en varias ocasiones en los formatos de vinilo y CD.

 

jueves, 23 de diciembre de 2021

Stevie Wonder-Songs In The Key Of Life (1976)

La carrera de Stevie Wonder esta avalada por mas de 20 premios Grammy, una cifra con la que muy pocos artistas pueden competir. Descubierto como un niño prodigio, con apenas doce años grabaría su primer álbum, el primero de una serie de discos sujetos a un contrato abusivo que sus padres habían firmado con la Motown. Hasta llegar a la mayoría de edad ya tenia publicado la friolera de quince álbumes, entrando algunos de ellos en las listas de éxitos como ocurriría con el directo “Recorded Live: The Year Olg Genius” en 1963, el cual alcanzaría un rotundo numero uno en el Billboard norteamericano.
Una vez obtuvo la mayoría de edad, Wonder renovaría su contrato con la propia Motown, pero con diferentes acuerdos, entre otros el tener casi un total control sobre las grabaciones de sus posteriores álbumes. Y es que llegados a este punto, las ventas de sus discos habían superado los 30 millones de copias, convirtiendo a la Motown en una de las discográficas mas importantes de los Estados Unidos. A partir de aquí Stevie Wonder se dedico a pasar largas horas en los estudios Electric Lady de Nueva York aprendiendo todo lo que podía hacer con los teclados de ultima generación como los sintetizadores ARP y mini-Moog, con los cuales empezaría a trabajar en sus próximos discos. Una vez se familiarizo con las nuevas tecnologías electrónicas, Wonder se sentó definitivamente a negociar un nuevo contrato en donde exigió la absoluta libertad de decisión sobre las canciones a incluir en sus discos, los singles a publicar, y una serie de condiciones que se alargaban en unas 120 paginas de un contrato larguísimo y metódico.
Así llegarían tremendas obras como “Talking Box” en 1972, un álbum que fue avalado por la posterior gira que hizo junto a The Rolling Stones. En este primer álbum de su nueva etapa, destacaba la guitarra de Jeff Beck, la cual le daba una gran credibilidad en el ámbito del rock y los textos de algunas de las canciones incluidas como la netamente política “Big Brother” una clara alusión al presidente Richard Nixon en plena crisis de la Guerra del Vietnam.
A este le siguieron obras como “Innervisions” (1973) y “Fulfillingness´First Finale”, con los cuales conseguiría los premios Grammy y un primer puesto en las listas de R&B y en el Billboard.
Después de ello Stevie Wonder volvería a negociar otro nuevo contrato con la Motown, esta vez firmaría por siete años, siete álbumes y 37 millones de dólares, uno de los acuerdos mas grandes que se habían hecho hasta la fecha con una estrella del mundo del pop y del rock.
Después de ese ultimo álbum de 1974, Stevie Wonder se tomaría dos años para preparar su siguiente movimiento discográfico “Songs In The Key Of Life”, un doble álbum en donde mostraba su mejor creatividad, mostrando una ecléctica amalgama de estilos que iban desde el funk, el pop, el jazz y sutiles sonidos latinos. Temas que iban desde la rítmica jazz fusión “Contusion” hasta delicados duetos de voz y arpa “If it´s Magic”.
Aunque en los créditos figuran mas de 130 músicos que participaron en las labores de grabación, entre los que se encuentran Harbie Hancock, George Benson, Michael Sembello, Minnie Riperton o Ronnie Foster, el concepto nunca se aparta de la visión singular y ardiente de Stevie Wonder. El pre-estribillo casi furtivo de “Knocks Me Off My Feet”, contrastan con el vertiginoso funk pop de “As”, la funk rítmica “I Wish” o la armónica “Sir Duke”, dedicada a Duke Ellington.
Pero también hay momentos para las reivindicaciones y la protesta social, como queda demostrado en “Village Ghetto Land”, en donde expresa el dolor y la indignidad de la pobreza y la falta de viviendas sociales o en “Black Man”, una clara revisión histórica y literal, en donde da el ejemplo de como todos los colores y culturas han contribuido al progreso global.
“Songs In The Key Of Life”, publicado el año del bicentenario de los Estados Unidos, una época en donde la frustración y la desesperación en torno al gobierno y las instituciones del país eran constantes, fue visto como un correctivo y una contra narrativa a los continuos bombardeos de los dirigentes con historias y actos heroicos alabando la bandera norteamericana y el sueño americano.

martes, 21 de diciembre de 2021

10cc-...Meanwhile (1992)

Una de las bandas del pop progresivo mas refinadas de la década de los setenta fue la formación británica 10CC. La habilidad de esta banda estaba en fusionar las canciones adictivas y pegadizas con un extraordinario universo sonoro de procedencia ecléctica, unos grandes arreglos y unas producciones de enorme clase, convirtiéndolos en los mas snob y desenfadados del art rock.
Su formación estaba comprendida por cuatro geniales músicos, todos ellos grandes compositores y experimentados instrumentistas, como son Lol Creme, Graham Gouldman, Kevin Godley y Eric Stewart. Ellos por separado antes de formar 10 CC se habían dedicado a componer éxitos para otros artistas en los sesenta como The Hollies, The Yardbirds, Herman´s Hermits o Jeff Beck entre otros muchos mas.
Ya en 1970 Eric Stewart construye los Strawberry Studios y contrata a Creme y Godley y de sus primeras colaboraciones surgió el tema “Neanderthal Man”, el cual obtiene un éxito inmediato bajo el nombre de Hotlegs. Este éxito les lleva a telonear a The Moody Blues en la gira que dieron durante aquel año para la cual se le uniría Gouldman. Las buenas sensaciones que el cuarteto ofrecía dio como resultado la creación de 10CC, motivado también por el éxito de varios temas como el boogie rock “Rubber Bullets”, el cual logro colocarse en la cima de las listas británicas en 1973. A finales de ese mismo año llegaría su primer álbum “10 CC” en donde demostraban las dotes compositoras del grupo con canciones muy originales de gran clase. A partir de aquí la carrera del grupo se dispararía con una serie de álbumes de gran calidad como “Sheet Music” (1974), “The Original Soundtrack” (1975) y “How Dare You” (1976), todos ellos unos impecables trabajos de estudio con arreglos muy sofisticados, melodías envolventes y eficaces, y ciertas dotes de romanticismo, creando con ello un estilo único e inconfundible.
Pero después de tres años en donde habían alcanzado la fama internacional, aún les quedaban conquistar el mercado norteamericano que se resistía a su sofisticada mezcla de pop y rock, el cual no estaba concebida para las giras y los grandes estadios norteamericanos. Todo esto fue motivo para que la critica empezara a acusarles de frío tecnicismo y parte del publico también empezaría a darles la espalda, algo que llevaría al grupo a su primera gran crisis que desembocaría en el abandono de Godley y Creme, los cuales decidieron seguir por su cuenta, formando el dúo Godley and Creme.
Sin embargo este abandono no limitaría la trayectoria de los otros 10CC, y así Stewart y Gouldman retomaron la carrera del grupo publicando el álbum “Deceptive Bends” (1977), al que siguieron el directo “Live And Let Live“ (1977), y el interesante “Bloody Tourists” (1978).
La década de los ochenta estuvo marcada por trabajos de dispares resultados como “Ten Out of 10” (1981) y “Windows In The Jungle” (1983), tras el cual la banda se desintegra hasta nueve años después.
En 1993 la formación original regresa creando con ello grandes expectativas en el mundo del pop y el rock que se ven refrendadas con la publicación del excelente álbum “...Meanwhile”, un trabajo en donde retoman su estilo inconfundible, con una serie de temas refinados de rock y pop empezando por el exito “Woman in Love” un tema de rock adictivo que recupera a los mejores 10CC, a la que se suman otros cortes destacados como la melódica y pegadiza “Wonderland”, la rock “Fill Her Up”, el reggae “Welcome To Paradise”, o la neo progresiva “Don´t Break The Promises”, mientras el resto conserva intacta la enorme calidad compositora del grupo con temas sofisticados de refinada calidad. 

domingo, 19 de diciembre de 2021

Nobody´s Business-Nobody´s Business (1978)

Nobody´s Business es una de esas bandas raras Avis que formada a modo de súper grupo apenas tuvo mucha continuidad, mas allá de un único y atrayente álbum de hard rock, que solo fue publicado para el mercado japonés y pocos meses de esporádicas giras de promoción.
Formados en 1977, el curriculum de sus integrantes era cuanto menos muy atractivo, empezando por el bajista de los Foghat y antiguo componente de Savoy Brown, Tony Stevens, el cantante y batería de los míticos Procol Harum; Bobby Harrison, el guitarrista de los Olympic Ruuners, Joe Jammer y el reputado batería de sesión Jerry Frank.
Su único álbum es un atractivo ejercicio de fusión de rock salpico de blues y funk, sin embargo era un estilo que fue lanzando cuando el blues rock y los sonidos proto rock estaban algo desfasados en esos momentos, remontando el revival por esos sonidos nuevamente a principios de la década de los noventa.
Este único álbum, titulado homónimamente “Nobody´s Business”, fue publicado en 1978 y contiene un atractivo repertorio de temas adictivos como la sombría “Losing You” o la amenazante “Unsettled Dust”, dos ejemplos perfectos para los fans del AOR, entretanto el lado mas hard rock están en las manifiestas “Cut In Two” y “Bleed Me dry” o en las alegres funk rock “Living Up To Love” y “Doing The Best I Can”, mientras el tema que da titulo al álbum es un poderoso rock que nos deja un regusto a los Humble Pie mas contundentes.

viernes, 17 de diciembre de 2021

Bruce Springsteen-The River (1980)

A finales de los 70, Bruce Springsteen había alcanzado la madurez necesaria para crear una obra alejada de los sueños de juventud de sus primeras obras. Sin embargo Springsteen encaraba una nueva década inmerso en una crisis creativa y personal.
Las ansias por entregar un nuevo álbum que colmara las expectativas del publico y de su propio sello discográfico, le mantenían en constante presión física y psicológica y por ello prescinde de una serie de temas que estaban destinados a un álbum que finalmente es desechado por el propio cantante por considerar que no tenían la suficiente cohesión y calidad para ser publicado. Algún tiempo mas tarde entra de nuevo en los estudios de grabación para afrontar su mas ambicioso trabajo y al mismo tiempo el que lo consagraría como una de las estrellas mundiales de la música rock.
Grabado durante los meses centrales de 1979 en los estudios Power Station de Nueva York, Springsteen vuelve a contar con su banda The E.Street Band, la cual curiosamente no aparece acreditada en la portada del álbum.
Publicado como doble Lp, contiene 20 temas en donde el músico de New jersey trata asuntos como la frialdad, la soledad, la melancolía, o el apego a la familia, pero también temas relacionados con la juventud como en “Independence Day”.
Musicalmente “The River” es un recorrido por todo lo que había hecho Springsteen hasta esos momentos, con ese rock crudo y descarnado fusionado con destellos de country, blues, soul y folk, todo ello secundado por una banda perfecta, sonando solida e intensa, pero al mismo tiempo con un sonido vibrante y adictivo.
Un álbum que contiene momentos memorables como “The Ties That Bind”, “Point Black”, “Drive All Night”, “Sherry Darling”, “Cadillach Ranch”, “Hungry Heart” o la mágica “The River”.
Con este disco Springsteen por fin conseguiría alcanzar el primer puesto en las listas de Estados Unidos y unas increíbles seis millones de copias vendidas a nivel mundial.

miércoles, 15 de diciembre de 2021

Focus-Hamburger Concerto (1974)

Este mítica banda holandesa revolucionaria el mundo del rock a principios de los 70 debido en gran parte al talento incomparable de Jan Akerman y Thijs Van Leer. El primero uno de los grandes guitarristas de la historia, tanto en el plano eléctrico como acústico, así como un maestro en el luth medieval, y el segundo por ser un consumado teclista en el clavicordio, piano y órgano Hammond, además de estar considerado uno de los mejores flautistas de la música contemporánea.
Antes de la publicación de "Hamburger Concerto", Focus había publicado diferentes trabajos orientados al jazz progresivo, con extensas jams, temas cargados de una instrumentación abrasadora y una interacción imponente entre el órgano, la flauta y una destacadísima guitarra.
En esta cuarta entrega destaca el rock progresivo puro como se queda demostrado en la pieza que da titulo al álbum, un extenso tema que ocupa toda la segunda cara en donde Jan Akerman y Thijs Van Leer, comparten el liderazgo en un tema que esta construido sobre una base de música clásica. Mientras en la cara A nos encontramos con la renacentista "Delitiae Musicae", la encantadora "La Cathedrale de Strasbourg", la poderosa "Birth", con uno de los solos mas antológicos de la historia a cargo de Akkerman o la contundente jazz progresiva "Harem Scarem".
"Hamburger Concerto" es el mayor logro en la carrea de Focus y uno de los puntos culminantes del genero progresivo de la década de los 70.

lunes, 13 de diciembre de 2021

Supertramp-Breakfast In America (1979)

Antes de que Supertramp publicaran “Breakfast In America” en 1979, ya tenían tras de si una serie de sencillos enfocados a las listas de éxitos como fueron “Bloody Well Right”, “School”, “Give A little Bit” o “Dreamer”, sin embargo nunca antes tuvieron o casi mejor seria decir, se atrevieron a escribir y componer tantas canciones pop tan pegadizas en un solo álbum como en este.
Si bien es cierto que Supertramp nunca fueron excesivamente progresivos, pese a contener entre todos sus álbumes cortes netamente con estructuras progresivas, siempre desde una perspectiva melódica con énfasis en las armonías vocales y en la melodía, las cuales tenían tanta importancia como los propios arreglos, con lo que conseguían el contrapunto perfecto entre las canciones pop gloriosamente vibrantes, unas letras inteligentes, unos arreglos deslumbrantes y un exquisito estilo de art-rock.
Sin embargo “Breakfast In America” también supuso la excusa perfecta para que muchos críticos intolerantes de la época, les acusaran de alejarse de su propuesta progresiva hacia derroteros mas comerciales, con canciones pegadizas y accesibles al gran publico, creando una obra repleta de canciones exitosas, con seis singles, todos ellos ocupando las listas de medio mundo, algo que por otra parte los alejaba del mundo progresivo de manera casi rotunda.
Ya se advertía lo que este álbum ofrecía cuando se radiaron sus tres primeros singles de adelanto con las melodías memorables de “Breakfast In America”, “The Logical Song” o “Goodbye Stranger”, temas de enorme impacto a las que se unían las melancólicas “Lord Is It Mine” y “Casual Conversations”, la dinámica “Gone Hollywood”, la cristalina y melódica “Oh Darling” o la gloriosa “Take The Long Way Home”, para acabar con la progresiva y frenética “Child of Vision”.
“Breakfast In America” se convirtió en el álbum mas exitoso de Supertramp con unas ventas que superaron con creces los veinte millones de copias a nivel mundial y logrando el Grammy a la mejor grabación en 1980, al mismo tiempo que esta considerado uno de los 50 mejores álbumes de la década de los setenta.


sábado, 11 de diciembre de 2021

Bodkin-Bodkin (1972)

Bodkin fueron un efímero quinteto escocés que lanzaron un soberbio álbum de heavy blues progresivo en 1972, pero que después de su lanzamiento desaparecieran de la faz de la tierra sin dejar rastro.
Emparentados al estilo pesado y oscuro de bandas como Nosferatu, Atomic Rooster o Bram Stoker, su sonido estaba basado en un rock enérgico en donde las poderosas guitarras y un predominante órgano dejaban una muy apetecible mezcla de rock oscuro y blues rock pesado, con elementos progresivos y cierta psicodélica impregnada de pasajes relacionados con el ocultismo y lo satánico, pero muy alejados del concepto general (literariamente hablando) de bandas como Black Sabbath o Black Widow.
Sus inicios se remontan a 1971 cuando el teclista Doug Rome recluta al guitarrista Mick Riddle y al vocalista Zeik Hume y forman el núcleo principal de Bodkin, mas tarde se les unirían el bajista Bill Anderson y el batería Dick Sneddon, formación con la cual entran en los estudios del productor Jim West, propietario al mismo  tiempo de la discográfica independiente West, quien les produce y les publica el álbum homónimo que fue lanzado a mediados de 1972.
Este único álbum cuenta con cinco cortes, empezando por la suite "Three Days After Death" que a su vez esta dividida en dos partes, una primera con gran dinamismo entre los sonidos de rock pesado y pasajes pausados de un órgano atmosférico y una segunda mas progresiva y rítmica con sonidos cercanos al hard rock de Uriah Heep.
Por una onda similar esta "Aunt Mary´s Traschan", el tema mas extenso que durante su desarrollo nos dejan ese olor a los Deep Purple mas clásicos, mientras las restantes "Aftur Yur Lumber" y "Plastic Man" al ser piezas mas cortas, tienen menos espacio para los momentos progresivos y están mas enfocadas en el heavy rock con afiladas guitarras que no recuerdan a los primeros Black Sabbath.

jueves, 9 de diciembre de 2021

Deep Purple-Stormbringer (1974)

El noveno álbum de Deep Purple titulado “Stormbringer”, fue publicado el mismo año que el anterior “Burn”, y fue el segundo con la nueva formación en donde aparecían el vocalista David Coverdale y el bajista Glenn Hughes que habían sustituido a Ian Gillan y Roger Glover después del álbum “Who Do We Think We Are” de 1973.
Pero además con estos cambios mencionados, también había comenzado un cambio en el estilo del poderoso hard rock de los clásicos Deep Purple, hacia derroteros enfocados a los sonidos funk y soul que ya se intuían de manera sutil en el anterior “Burn”.
En “Stormbringer” esos sonidos ya prácticamente inundan el estilo del grupo como queda demostrado en temas como la funk psicodélica “Love Don´t Mean A Thing” y la soul “You Can´t Do It Right”, que manifestaban las influencias de Coverdale y Hughes a la hora de componer en detrimento del liderazgo compositivo de Ritchie Blackmore. Otra muestra de ese cambio esta en la atmosférica y planeadora “Holy Man” y la soul rock “Hold On”. Sin embargo el sonido clásico no desaparece totalmente y esta presente en la dinámica “High Ball Shooter”, en la poderosa “Strombringer” y en la magnifica rock “Lady Double Dealer”, mientras la portentosa “The Gypsy” es una antesala de lo que muy pronto Blackmore haría con sus Rainbow.
El álbum acaba con una de las grandes baladas de toda la historia de la banda como es “Soldier of Fortune”, un prodigioso tema en donde sobresalen la voz de Coverdale, la guitarra de Blackmore y las enormes capas de teclados de Jon Lord.
“Stormbringer” tuvo un feroz recibimiento por parte de los fans de la banda, que con el tiempo fue recuperando el lugar que se merece como uno de los grandes momentos del hard rock de los setenta.
Meses después Blackmore abandonaba Deep Purple para fundar su propia banda “Ritchie Blackmore´s Rainbow” y el resto seguiría adelante con el nuevo guitarrista Tommy Bolin con el que publicarían el meritorio “Come Taste The Band”.

martes, 7 de diciembre de 2021

Winterhawk-Revival (1982)

El único álbum en estudio de los norteamericanos Winterhawk, titulado “Revival”, esta considerado por muchos, como uno de los mas destacados trabajos del hard rock orientado a las guitarra de todos los tiempos. Esta banda procedente de Chicago, son comparados con cierta frecuencia con los canadienses Rush, por su semejanza en sus patrones instrumentales y al timbre de voz de Doug Brown, que se asemeja enormemente a la de Geddy Lee.
Sin embargo musicalmente Winterhawk derivo su estilo hacia las raíces primitivas del hard rock americano, a diferencia de la banda canadiense, mas influenciada en el hard rock blues británico, heredera de bandas como Led Zeppelin, con un estilo que ya mostraban en sus tres primeras obras, “Rush”, “Fly By Night” y “Caress Of Steel”.
No obstante no cabe duda de que en muchos de sus pasajes instrumentales, la sombra del trío canadiense es elocuente, como demuestra el corte que da titulo al álbum, o la dinámica “Sanctuary”, e incluso en la hard rock con aires progresivos “Period Of Change”. Por otra parte “Ace In The Hole”, muestra la diversidad del grupo con una pieza musculosa de jazz rock instrumental, mientras la Southern rock “Can´t See The Forest For The Trees” y sobre todo la antológica jam “Free To Live”, demuestra el deslumbrante talento de su guitarrista Jordan Macarus con sus vertiginosos y arabescos solos con las seis cuerdas, dejando patente que es uno de los grandes y al mismo tiempo desconocidos guitarristas del hard rock de los setenta.

domingo, 5 de diciembre de 2021

George Hatcher Band-Dry Run (1976)

George Hatcher es uno de los mayores héroes anónimos del southern rock, uno de esos músicos que destilan genialidad y creatividad por igual y que tuvo que emigrar a mediados de los 70 a Europa para tener cierta relevancia con su banda George Hatcher Band.
Originario de Carolina del Sur, George Hatcher ya había experimentado su vena musical en varios grupos locales que pasaron sin pena ni gloria llamados Frantic y Flatrock. Ya en 1974 se decide probar fortuna en Inglaterra en donde forma junto a los ex Curved Air; Stuart Copeland, famoso algún tiempo después por fundar The Police, y Darrel Way, el grupo de corto recorrido Stark Naked And The Car Thieves, con los que gira durante algún tiempo por diferentes ciudades del país.
Después de esta efímera aventura, funda la George Hatcher Band, para la cual contó con la colaboración del guitarrista John Tomas y al ex batería de Renaissance, Terry Slade, para poco después integrarse el bajista Harris Joannou, el guitarrista Phil Swan y el teclista Steve Wren, completando de esta manera la banda de manera definitiva.
Gracias al sello United publicaron su primer álbum titulado “Dry Run”, un trabajo orientado a los sonidos sureños con acercamientos al boogie rock como queda demostrado en la inicial “Lucky Guy”, otros temas destacados son “All Night Gambler”, “Rockin´in The Morning, “Firts Thing Smoking” o “Good Friend”, en donde encontramos un estilo influenciado por el country rock y el blues sureño que en muchos momentos nos recuerdan a los Allman Brothers Band.
Durante los siguientes años la banda seguirá publicando grandes trabajos como “Talkin´Turkey” (1977), "Rich Girl” (1978) y “Coming Home” (1980), todos ellos de gran recibimiento mediático, lo que les valdría participar en el Festival de Reading o telonear a artistas como AC/DC, Ted Nugent, Aerosmith o Molly Hatchet por el Reino Unido.
Ya de regreso a los Estados Unidos, en 1985 publicaría su ultimo álbum “Hindsight”, retomando la actividad bien entrado los años 2000, con una serie de conciertos y una banda totalmente reformada y girando con bandas punteras como Molly Hatchet, Cheap Trick, Black Oak Arkansas, The Outlaws, Black Sabbath o Scorpions o actuando como banda principal para grandes audiencias de hasta 80 mil personas junto a los 38 Special, como el celebrado en el año 2002 en el famoso festival Speed Street de Charlotte.

viernes, 3 de diciembre de 2021

The Clash-Sandinista (1980)

En 1980 The Clash publicaban su quinto trabajo, “Sandinista”, un triple álbum que como perfectamente se refleja en su portada, se ven a sus cuatro componentes de espaldas a un muro, como a punto de ser fusilados, la imagen que describe perfectamente los últimos destellos y coletazos del punk.
Cuando fue publicado a nadie le sorprendería esta apabullante colección de canciones, un año antes ya habían hecho algo parecido cuando lanzaron el doble álbum “London Calling”, un trabajo repleto de temas herederos del rock´n´roll como queda demostrado incluso desde su icónica portada, en un claro guiño al famoso primer álbum de Elvis Presley.  "Sandinista" esta conformado por 36 canciones, no todas de gran calidad, pero como es obvio, en un numero tan elevado de composiciones es algo lógico que así sea. Por ironías del destino a pesar de ser un álbum íntimamente antiamericano, “Sandinista” fue un gran éxito de ventas en los Estados Unidos, gracias en parte a los diferentes estilos y sonidos que en el van enmarcados, desde el rap, hasta el blues, pasando por dub y el rock.
Estilos tan dispares como el rockabilly “The Leader”, las baladas épicas “The Magnific Seven” o el reggae “Junco Partner”, se alternan con composiciones realmente sorprendentes y de gran calidad como “Somebody Got Murdered”, “The Call Up”, “Washington Bullets”, “Police on My Back” o “Rebel Waltz”.
Aún así y con tanto derroche de canciones, “Sandinista” no resulta un álbum fácil, su desarrollo es bastante oscilante y su repertorio peca en exceso de desconcertante y desordenado, algo muy habitual en la filosofía punk, y este álbum en concreto escenificaría la biografía de toda una generación en el umbral de una nueva década y la decadencia y caída posterior de un genero que casi al mismo tiempo que macío fue devorado por su propia imagen.

miércoles, 1 de diciembre de 2021

Grateful Dead-Live Dead (1969)

En 1967 Grateful Dead habian publicado su primer álbum debut titulado genericamente “Grateful Dead”, un trabajo con un repertorio de canciones aún poco definidas e influenciadas por el blues y la gran personalidad de los músicos de la banda.
Después de ello el grupo se ampliaría con el teclista Tom Constanten y el percusionista Mickey Hart, dos músicos que serán fundamentales en el devenir de la carrera del grupo en los próximos años.
Por entonces el resto estaba formado por el guitarrista, líder y su alma máter Jerry Garcia, el batería Bill Kreutzman, el bajo Phil Lesh, el teclista Ron McKernan y el guitarrista Bob Weir.
Con esta formación la banda publico su primera gran obra maestra “Anthem Of The Sun” en 1968, al que seguirá un año después otra obra fundamental como “Aoxomoxoa”, trabajos en donde queda reflejado el impresionante poderío del grupo, con sus entramados y originales temas, sus jams instrumentales, las atmósferas difusas y los larguísimos solos de todos sus virtuosos músicos.
Sin embargo era en directo cuando Grateful Dead sabian sacarles el máximo rendimiento y las grandes posibilidades a su repertorio; con extensas exhibiciones que se prolongaban hasta el amanecer y en las que el publico quedaba atónito por la avalancha de sonidos creativos y apoteósicos.
Debido a estas memorables actuaciones crecería en torno al grupo un fenómeno llamado los “Deadheads”, multitudinarios grupos de fans organizados por todos los Estados Unidos, que nunca les abandonaron, hasta la disolución de la banda en el 2015, aún así, hoy en día el movimiento “Deadheads” es uno de las mas poderosos e influyentes que existen en los Estados Unidos.
Para divulgar lo mejor posible la magia de aquellos conciertos, se publico el doble álbum “Live Dead”, que aparecería casi a finales de 1969 y que esta constituido por un repertorio extraído en diferentes noches en el Fillmore West de San Francisco durante los primeros meses de 1969.
Pero también fue lanzado para de alguna manera paliar y compensar la deuda que Grateful Dead habían contraído con la Warner Bros con su álbum “Aoxomoxoa”, que debido a la extensa y minuciosa producción, les había costado la friolera de 180 mil dólares.
Dicho álbum en su momento no tuvo unas grandes ventas, pero no obstante sus directos si estaban obteniendo un aumento significativo de un publico de culto, gracias a sus prolongados shows, que oscilaban entre las tres y seis horas de concierto cada noche.
Hay que matizar que Grateful Dead fueron una banda excepcionalmente dedicada a la perfección de la interpretación, la originalidad musical, la producción de sus grabaciones y las vastas improvisaciones en vivo. En este punto no debemos olvidarnos de su famoso y mítico “Wall Of Sound”, un enorme y sofisticado sistema de sonido fabricado exclusivamente para la banda y del que tenéis mas información en el enlace del final del post.
“Live Dead” comienza con la monstruosa y monumental “Dark Star”, que con sus 23 minutos de duración es sin duda el “Santo Grial” de los mencionados “Deadheads”, y uno de los temas de vanguardia y exploración que se convirtió en una forma de arte en el rock. Construida sobre dos simples acordes principales, es sin duda el pasaje sonoro mas completo y complejo de la banda y requiere una cantidad sobrehumana de telequinesia, confianza y...LSD ( el estupefaciente preferido de la banda y sus seguidores) para su escucha y comprensión (o por lo menos eso manifestaban los miembros del grupo y los fans).
En su momento mas indulgente, los Dead podían tocar “Dark Star” durante literalmente horas sin parar, divulgando en muros de retroalimentación, exploración de vanguardia y largas improvisaciones, antes de volver a los dos simples acordes iniciales.
El resto de este doble álbum esta compuesto por la destartalada y psicodélica “St.Stephen”, la brillante “The Eleven”, el largo blues experimental “Turn On Your Love Light”, el cadencioso blues “Death Don´t Have No Mercy”, y la vanguardista y lisérgica “Feedback”.
“Live Dead” esta considerado para los mas puristas en la música en vivo, como el mejor registro en directo de la historia, fundamentalmente por que nunca nadie sonó tan sobrenaturalmente como ellos lo hicieron en sus memorables y únicos shows de aquellos añorados años.
 

Wall Of Sound 

lunes, 29 de noviembre de 2021

Lowell George-Thanks, I´ll Eat It Here (1979)

Lowell George es sin duda uno de los iconos de la música de raíces norteamericana, cantante, multi-instrumentista, y productor, salto a la fama después de su paso por los Mothers of Inventions de Frank Zappa y por liderar durante casi una década a los incombustibles Little Feat. En su faceta instrumental, destaco por su destreza con la slide guitar, sin embargo dominaba también otros instrumentos como la harmónica, el saxofón, la flauta o la guitarra.
Con Little Feat publico una serie de grandes obras como su álbum debut del mismo titulo, o los posteriores "Sailin´Shoes”, “Dixie Chicken” o “The Last Record Album”, sin dejar de mencionar el doble en directo “Waiting For Columbus”, todo un clásico de los discos en vivo.
No seria hasta finales de la década de los 70 cuando se decidiría publicar su primer álbum en solitario, "Thanks, I´ll Eat It Here", en donde mostraba su variopinto estilo musical, alternado temas de cosecha propia con versiones de artistas como Allen Toussaint o Rickie Lee Jones.
"Thanks, I´ll Eat It Here" muestra la enorme variedad de sonoridades musicales de Lowell George, como queda demostrado en el tema "What Do You Want The Girl To Do" en el cual confirma sus influencias de la música de Nueva Orleans, mientras las versiónes de Rickie Lee Jones "Easy Money", "I Can´t Stand The Rain" de Ann Pebbles o la de Jimmy Webbs "Himmler´s Ring", son adaptadas genialmente a su estilo ecléctico y versátil de manera brillante, por otro lado sus propias composiciones resultan atractivas como queda demostrado en los cortes "Two Trains" y "Twenty Million Things".
Para la grabación de este álbum Lowell George había contado con la colaboración de una parte de la flor y nata de la música de la costa oeste como David Foster, Bonnie Raitt, Nicky Hopkins, Jim Price, Michael Baird o Jim Keltner entro otros muchos.
Tras la publicación del álbum, Lowell George, formo una banda para promocionarlo en una serie de conciertos por todos los Estados Unidos, al mismo tiempo que anuncio la separación definitiva de Little Feat. Pero apenas le dio tiempo para empezar dicha gira, el 29 de junio de 1979, fallecería fulminado por un ataque cardiaco, dejando con su muerte un vacío irremplazable en la música norteamericana.
Posteriormente se celebraría un tumultuoso concierto en su homenaje en el Forum de los Ángeles en donde participaron su banda Little Feat, Bonnie Raitt, Jackson Browne o Linda Ronstadt entre otros. En los sucesivos años se han publicado varios álbumes de tributos de Lowell George como "Rock´n´Roll A Tribute Lowell George", con artistas como Randy Newman, Eddie Money o J.D. Souther, mientras otros artistas como The Black Crowes o Van Halen han hecho readaptaciones de temas suyos y otros como Christopher Cross le dedicaron canciones como la famosa y archiconocida "Ride Like The Wind".

sábado, 27 de noviembre de 2021

Bad Company-Desolation Angels (1979)

Este fue el penúltimo álbum de los Bad Company mas clásicos, aquella que tenia entre sus filas a su formación mas exitosa, compuesta por el vocalista Paul Rodgers, el guitarrista Mick Ralphs, el baterista Simon Kirke y el bajista Boz Burrell y que supuso su ultima gran obra antes del mediocre epitafio que supuso el lanzamiento “Rough Diamonds”.
En “Desolation Angels”, Bad Company abandonan de alguna manera sus raíces de blues por un rock poderoso y potente. La monumental “Rock´n´Roll Fantasy” abre este fantástico álbum, un tema que tiene todos los alicientes para convertirse en todo un clásico del rock, ritmo pegadizo, grandes melodías, un sonido pesado y unos estribillos irresistibles. “Crazy Circle” por su parte muestra a los chicos malos mas zeppelianos, con un tema acústico muy adictivo, con “Gone, Gone Gone” y “Evil Wind” asoma el hard rock de gran factura y enorme calidad. Con “Early in Morning” muestran su faceta mas sentida con una composición memorable. Para la segunda cara del álbum dejan sus momentos mas clásicos con la boogie rock “Lonely For Your Love”, la rock sureña “Oh Atlanta”, la country polvorienta “Take The Time” o la impresionante funky rock “Rhythm Machine”, para terminar este sobresaliente álbum con la épica medio tiempo “She Brings Me Love”.
“Desolation Angels” lograría un tercer puesto en las listas norteamericanas con varios discos de platino y volvería a colocar a Bad Company en la cúspide de la música rock, luego de varios años sin publicar un nuevo material desde aquel y prodigioso “Burnin´ Sky” de 1977.

jueves, 25 de noviembre de 2021

Creedence Clearwater Revival-Willy And The Poor Boys (1969)

En 1969 era tal la hemorragia creativa de la Creedence Clearwater Revival que se permitirían el lujo de publicar tres álbumes en un mismo año, un hecho insólito en la historia de la música rock.
Si en enero de ese año ya habían publicado su contundente “Bayou Country” en el que confirman el sonido del grupo, con ese primitivo y básico estilo que fusionaban el rock, el blues, el country, el soul y el rockabilly, en agosto lanzaban “Green River”, un álbum que mantenía un gran nivel dotando su sonido con mas contundencia y rotundidad, para ya a finales de ese año publicar “Willy And The Poor Boys”, con el cual terminan de consolidar su poderoso e irresistible rock con un lanzamiento que contenía memorables canciones como “Fortunate Son” y “Down On The Corner”. Sin embargo este soberbio cuarto álbum no solo vivía de las excelencias de esas dos canciones, además el resto estaba compuesto por tremendas composiciones como la rock and roll “It Came Out Of The Sky”, la country rock “Cotton Fields”, la cadenciosa “Feelin´Blue”, la adictiva rockabilly “Don´t Look Now”, la melódica rock “Midnight Special” o la bluesy “Side O´The Road”.

martes, 23 de noviembre de 2021

Eric Clapton-Journeyman (1989)

Durante gran parte de la década de los ochenta, el periplo musical de Eric Clapton estuvo marcado por álbumes de poco bagaje en términos de calidad y comercialidad, con trabajos bastante previsibles y muy alejados de sus obras de la década anterior. Así discos como “Another Ticket”, “Money and Cigarettes” y “Behind The Sun”, fueron experimentaciones muy apartadas de su estilo blues, mas enfocados en los sonidos electrónicos típicos de los ochenta, además con un descafeinado Eric Clapton, tanto en el plano compositivo como instrumental.
Casi al final de los ochenta llegaría su undécimo trabajo, “Journeyman” en donde recuperaba su estilo inconfundible y regresando a sus raíces blues. Grabado entre los estudios The Power Station en Nueva York y The Town House de Londres, durante gran parte de 1989, en los cuales colaborarían una retahíla de grandes músicos como Robert Cray (guitarra), Nathan East (bajo), George Harrison (guitarra), Pino Palladino (bajo), Phil Collins (batería), David Sanborn (saxo) o Daryl Hall (voces), entre otros muchos.
Un álbum que comienza con la espectacular “Pretending” que es junto a la encantadora bluesy “Running On Faith”, la pegadiza “Bad Love” y la soul rock “No Alibis”, lo mas brillante de este lanzamiento. Sin embargo su característico blues esta presente en los cortes  “Before You Acuse Me”, “Old Love” y en la jazzistica “Hard Times”, mientras “Lead Me On”, “Run So Far” y “Anything For Your Love”, muestra el Clapton mas pausado con sus habituales y encantadoras baladas.
Con este álbum Eric Clapton volvía a figurar entre los primeros puestos de las listas de éxitos, obteniendo media docena de discos de platino y unas ventas superiores a los cuatro millones de copias a nivel mundial, además y lo que es mas importante, volvió a recuperar su credibilidad perdida durante algunos años como uno de los mejores guitarristas de la historia del rock.

domingo, 21 de noviembre de 2021

Genesis-Live (1973)

Incomprensiblemente este fue el único registro en vivo de Genesis con Peter Gabriel durante casi 25 años, hasta que aparecería en 1998 el Box Set titulado “Genesis Archive 1967-1975”, en el cual se incluía diverso material en vivo de los primeros ocho años del grupo.
Lanzado en 1973, inicialmente fue concebido para hacerle sombra a la gran cantidad de discos piratas de Genesis que existían en aquellos años, la gran mayoría de ellos de pésima calidad, y si bien este “Live” sin tener una grabación en términos de calidad sobresaliente, es un digno y fiel testimonio de lo que el grupo era capaz de hacer en directo en aquellos años. Los temas que componen este directo fueron extraídos de la gira del álbum “Foxtrot” a principios de 1973 y mas concretamente durante un concierto ofrecido en la ciudad británica de Leicester. Antes de la publicación de este álbum, la Charisma Records barajo la idea de lanzarlo como doble Lp, pero finalmente fue publicado como álbum sencillo y debido a ello sacrificando el tema estrella de Genesis en aquellos años, la suite de 23 minutos “Supper´s Ready”. Esto fue motivado por diferentes causas, entre ellas para llegar a mas publico con un precio de salida de menor costo y así aumentar las ventas y la popularidad del grupo, sobre todo en el poderoso mercado norteamericano, el cual mostraba por la época un escaso interés por el grupo británico.
Sin embargo, fue publicada una edición limitada de doble LP, que solo fue lanzado en Holanda por el sello Philips, donde curiosamente se si se incluyó "Supper's Ready", el cual por motivos obvios se convirtió a partir de entonces en una pieza de coleccionista. 
Los cinco temas que aparecen aquí están sujetos a las previas explicaciones de Peter Gabriel contando brevemente las historias de las canciones a interpretar. El repertorio esta compuesto por vibrantes y poderosas versiones de los temas “Get´Em Out By Friday”, “The Return Of The Giant Hogweed”, “The Musical Box”, “The Knife” y la inicial, con una sombría e hipnótica entrada, “Watcher Of The Skies”.


viernes, 19 de noviembre de 2021

Neil Young and Crazy Horse-Zuma (1975)

En su séptimo álbum, Neil Young, volvería a contar con la participación de los Crazy Horse, aunque este seria el primero sin su guitarrista original Danny Whitten, fallecido tres años atrás, y sustituido aquí por Frank “Poncho” Sampredro. También es uno de los álbumes mas melódicos del músico canadiense, que sin embargo sigue manteniendo esa filosofía de rock contundente aunque impregnada sutilmente en algunos momentos de guitarras acústicas, con un acercamiento al country rock.
Para la grabación de este nuevo álbum firmado como Neil Young and Crazy Horse, el guitarrista canadiense obtuvo la colaboración de sus tres ex compañeros en CSN&Y; David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash, quienes ponen sus voces en el tema folk “Through My Salis”, el resto de músicos esta compuesto por el batería y voces Ralph Molina, el bajista y voces Billy Talbot, además del mencionado guitarrista Frank Sampedro.
En “Zuma” se escuchan ecos a álbumes como “Harvest” reflejado en acústica “Pardon My Heart”, o como “Everybody Knows This Is Nowhere” con la country rock “Lookin´For a Love”. El resto lo conforman temas de rock melódico como “Don´t Cry No Tears”, “Barstool Blues” o “Stupid Girls”, pero son las extensas y soberbias “Danger Bird” y la iconica “Cortez The Killer”, ambas una clara muestra del gusto por las improvisaciones guitarrísticas de Neil Young, las mas destacadas y piezas fundamentales en la carrera del mítico músico canadiense.

miércoles, 17 de noviembre de 2021

Metallica-...And Justice For All (1988)

Durante gran parte de la década de los ochenta, Metallica se labrarían una gran reputación dentro del genero del thrash metal con álbumes como el crudo y contundente “Kill ´Em All” (1983), el mas pulido y complejo “Ride The Lightning” (1984) y el incisivo y furioso “Master Of Puppets” (1986), sin embargo aún tenían que subir un peldaño mas para colocarse en la cúspide del heavy metal mundial y eso lo lograrían con su cuarto y descomunal álbum “...And Justice For All”, lanzado a mediados de 1988.
Sin embargo antes de su publicación la banda sufriría una perdida irreparable, como fue la muerte de su bajista Cliff Burton un año antes en un trágico accidente de carretera cerca de Copenhague, durante el traslado del grupo y su equipo para un concierto en dicha ciudad.
Algún tiempo después la banda recluta a un nuevo bajista, Jason Newsted, hasta entonces integrante de la banda Flotsam and Jetsam, con quien graban el EP de versiones “Garage Days Re-Revisited”, poco antes de entrar en los estudios para comenzar las sesiones para el siguiente álbum.
“...And Justice For All” fue publicado como doble LP y supuso el trabajo mas sombrío e instrumental de la banda hasta aquellos momentos, con densos sonidos de batería, de un ritmo frenético y vertiginoso de gran complejidad. Al mismo tiempo seria muy cuestionado por los fans por achacarlo de contener una grabación “defectuosa” deliberada, debido al escaso volumen del bajo, oculto siempre por las distorsionantes guitarras y la poderosa batería.
“...And Justice For All” esta compuesto por un soberbio y memorable repertorio de grandes cortes como las frenéticas “Blackened”, “Eye Of The Beholder” o “Harvester Of Sorrow”, las prolongadas y épicas “One” y “...And Justice For All” o la tremenda instrumental “To Live Is To Die”, situándolos con todo este arsenal de sobresalientes composiciones, en lo mas alto del heavy metal mundial, además de lograr una ventas multimillonarias, ocho discos de platino y una nominación a los premios Grammy en el apartado de mejor álbum del año.

lunes, 15 de noviembre de 2021

Ryan Adams-Gold (2001)

Ryan Adams había dejado el listón muy alto con su álbum debut “Heartbreaker”, en donde el joven músico dejaba su impronta en un soberbio y monumental trabajo de country rock. Su siguiente movimiento seria "Gold" de un año después, aquel nefasto y fatídico 2001, para esta nueva entrega Ryan Adams se acerca mas hacia los sonidos clásicos del rock americano, con un repertorio de grandes canciones como la atractiva “Firecraker”, o la relumbrante “New York, New York”, que curiosamente y como casualidades del destino, fue el tema promocional del álbum y grabado en video frente a las torres gemelas varios días antes de los atentados del 11 de septiembre. Pero además de estas dos sobresalientes canciones, destacan otras en donde toman protagonismo las guitarras acústicas en varios temas pausados de profundo sonido americano como “La Cienaga Just Smiled” o “When The Stars Go Blue”, o temas mas enérgicos como la stoniana “Tina Toledos Street Walkin´Blues” o la contundente “Gonna Make You Love”, sin dejar de mencionar el sentido blues rock “The Rescue Blues”, que ya había cobrado muchísima relevancia al haber sido incluida en la película protagonizada por Russell Crowe, Meg Ryan y David Caruso, “Proof Of Life”.

sábado, 13 de noviembre de 2021

Kiss-Alive ! (1975)

Este es uno de los grandes directos de la historia de la música rock, pero al mismo tiempo uno de los mas cuestionados por los sutiles retoques en el estudio, lo que no les supondría ningún lastre para que con este doble álbum, Kiss alcanzaran el estrellato mundial.
Para cuando fue publicado este “Alive”, Kiss llevaban tras de si tres enormes álbumes de poderoso hard rock norteamericano, estos eran el germinal glam heavy “Kiss”, el mas crudo y visceral “Hotter Than Hell” y el desenfadado y convencional “Dressed To Kill”, todo este arsenal se vería reflejado en este asombroso y colosal doble en directo que fue grabado a mediados de 1975 en diferentes ciudades norteamericanas en plena fiebre de la kissmania.
Sin entrar en la polémica que siempre ha suscitado los retoques posteriores por parte del productor Eddie Kramer, (los cuales simplemente fueron debidos a algunos fallos en la calidad del sonido original), el repertorio de este álbum es de lo mejorcito que hasta esos momentos la banda norteamericana había hecho, empezando por la inicial y machacona “Deuce”, a partir de aquí la banda no da tregua con una serie de temas incendiarios y viscerales, que no dejan tiempo para el respiro, así se van sucediendo “Strutter”, “Hotter Than Hell”, “Firehouse”, “Nothin´To Loose”, “C´Mon And Love Me”, “Black Diamond”, “Rock Bottom” o “Rock and Roll All Nite”.
Sin embargo lo que no capta esta grabación, es la inmensa parafernalia que había alrededor de los conciertos de Kiss, como por ejemplo una espectacular puesta en escena, un formidable juego de luces, diferentes plataformas movibles, los espectaculares atuendos y sus maquillajes y un sin fin de atrezos que junto a la música, era el combinado explosivo y perfecto para sus antológicos y apabullantes conciertos.

jueves, 11 de noviembre de 2021

Peter Hammill-The Silent Corner and The Empty Stage (1974)

"The Silent Corner And The Empty Stage” fue el tercer álbum firmado por Peter Hammill y pese a que esta incluido dentro de su discográfica en solitario, para muchos de los fans de la banda, es un trabajo de Van Der Graaf Generator, aunque atribuido oficialmente a su líder. En el proceso de grabación intervienen todos los músicos del grupo; Hugh Banton, David Jackson y Guy Evans.
Considerado uno de sus mejores trabajos, aquí Peter Hammill continua en esta tercera entrega con esas sensaciones tristes y melancólicas que ya mostraba en el anterior “Chamaleon In The Shadow Of The Night” o con sus álbumes junto a VDGG, y al mismo tiempo es su obra mas sinfónica y progresiva.
Cualquiera de las pistas que aparecen en este álbum podrían perfectamente pertenecer a la discografía de su banda madre, como las escalofriantes “The Lie” y “Forsaken Gardens”, otras como la que da titulo al Lp siguen una línea continuista que su predecesor “Chamaleon”, pero en un tono mas agresivo. La inicial “Modern” en cambio muestra el tono mas duro y arrollador de Hammill, con unas espeluznantes capas de guitarra interpretadas por Randy California, el quinto músico que participaría en la grabación de este disco y esos cantos frenéticos del propio Hammill, sobre el lado deshumanizado de la modernización.
La espiritualidad incendiaria de Peter Hammill continua en temas basados en el piano como “Wilhelmia”, la gótica “The Lie” o “Forsaken Gardens”, donde explora y se lamenta del lado destructivo del egocentrismo de manera progresiva, sonando muy similar a los ejercicios pomposos y barrocos del álbum “H To He, Who Am The Only One", demostrando también con ello, que una pieza puede ser tremendamente rockera sin guitarras, y son precisamente las guitarras las que dominan el tema “Red Shift”, con grandes riffs y texturas acompañadas de solos disonantes creando unas atmósferas que se acerca al blues eléctrico y psicodélico. El álbum finaliza con la extensa y efectiva “A Louse Is Not a Home”, sin duda el tema mas dramático y vigoroso en su parte final.
  

martes, 9 de noviembre de 2021

The Who-Who Are You (1978)

Estaban tardando en aparecer por este blog los legendarios The Who, y si bien la carrera de esta formidable e influyente banda tiene tras de si enormes obras maestras como “Tommy”, “Quadrophenia” o “Who´s Next”, hoy reseñaremos uno de sus grandes trabajos que al mismo tiempo esta oculto tras las excelencias de los mencionados álbumes, pero que es sin duda una gran muestra del poderío de esta magnifica banda británica.
Pero “Who Are You” paso a la historia no solo por seguir conteniendo la esencia característica de The Who después de tantos años (en 1978 la banda había cumplido trece años desde su álbum debut), si no también por ser el ultimo con el batería Keith Moon, quien fallecería varias semanas después de la publicación del álbum, producto de una fatal combinación de medicamentos y alcohol.
Musicalmente “Who Are  You” sigue una linea parecida a su antecesor “The Who By Numbers”, con unas excelentes canciones, unas brillantes y arrolladoras guitarras, una portentosa voz y una sección rítmica demoledora y precisa.
Temas como la soberbia que da titulo álbum, hoy en día, archiconocida por ser el tema de apertura de la mítica serie norteamericana “CSI”, o la melódica “Trick Of The Light”, hacen de este trabajo uno de sus mas brillantes obras, pero ademas el resto sigue estando a gran altura como la dinámica “New Song”, la sinfónica “Love Is Coming Down”, la adictiva “Had Enough” o la irresistible “905”.

domingo, 7 de noviembre de 2021

Megadeth-Youthanasia (1994)

Para mediados de la década de los noventa, Megadeth ya estaban inmersos en el cambio que supuso su renovación del thrash metal hacia sonidos mas accesibles, sin dejar de lado totalmente ese estilo, pero ya establecidos en un heavy metal mas convencional.
Si ya en el anterior y sorprendente “Countdown To Extiction” la banda había mostrado su faceta mas heavy, en el siguiente “Youthanasia” fueron un paso mas allá, creando una obra mucho mas accesible, bajando una marcha a su vertiginosa velocidad y con unas voces mas cuidadas y melódicas.
Por entonces las huestes comandadas por el guitarrista Dave Mustaine estaba formada por la misma formación que sus tres anteriores trabajos; Marty Friedman (guitarra), Nick Menza (batería) y David Ellefson (bajo). Antes de la grabación de este álbum la banda fue sometida a una gran presión debido en parte al éxito del mencionado “Countdown To Extiction” y a las decisiones casi salomónicas de su líder Mustaine y su casi total control a la hora de componer el material para este álbum, finalmente todos los miembros participarían en todas las canciones de este nuevo disco.
"Youthanasia" es un álbum clave en la evolución del grupo, con grandes temas, destacando por encima de todas la emocionante “I Thought I Know It All”, la vertiginosa “Reckoning Day”, la oscura “Addicted To Chaos”, la comercial “Elysian Fields”, la espléndida medio tiempo “A Tout Le Monde” o la pesada y contundente “Family Tree”.

viernes, 5 de noviembre de 2021

Nightwish-Oceanborn (1998)

Un año después de su debut, “Nightwish” publicaron su segundo trabajo, en donde se alejaban de su propuesta de heavy folk progresivo de su primer álbum. En esta ocasión la banda se enfoca en unos sonidos mas melódicos y sinfónicos, con un mayor empleo de las armonías en las guitarras y los teclados, además de acelerar el ritmo y un contundente sonido mucho mas pesado.
Si en el anterior “Angels Fall Firts” el teclista y líder de la banda Tuomas Holopainen, tomaba el rol de todas las voces masculinas, aquí pasa a ser del vocalista invitado Tapio Wilska, quien con su aguda voz contrasta con la de la cantante principal de la banda Tarja Turunen.
El resultado final  fue realmente extraordinario con una serie de composiciones realmente brillantes como las heavy “Sacrament Of Wilderness” o “Stargazers”, la dinámica y compleja “Passion And The Opera”, las operísticas y progresivas “Devil & The Deep Dark Ocean” y “The Pharaoh Sails To Orion”, pero sin abandonar por completo sus influencias folk como demuestran las originales e innovadoras “Moondance” y “The Riddler”.

miércoles, 3 de noviembre de 2021

Ozric Tentacles-Strangeitude (1991)

Ya hemos comentado en este blog en otras ocasiones, que Ozric Tentacles son una de las bandas mas originales que hayan existido, su estilo esta basado fundamentalmente en sonidos instrumentales, su originalidad esta en el uso de la misma sección rítmica para casi todas sus composiciones, con diferentes variaciones y enriquecidas con los efectos solistas de cada uno de los músicos de la banda o de diferentes sonidos a lo largo de sus pasajes instrumentales. Además de ello, otra de sus grandes características esta en el flujo de los estados de animo, en donde por regla general, cada tema suele comenzar con suaves atmósferas para derivar en tempos crecientes, en ocasiones de manera vertiginosa y otras mas pausadas, dotando su estilo progresivo de ricos matices que no suelen ser los habituales del genero. Sus detractores suelen acusarles de repetitivos, y si bien es cierto que todos los álbumes de Ozric Tentacles, son bastantes similares en los ritmos y desarrollos musicales, también lo es que cada uno de ellos tiene su propia singularidad, lo que los convierte en trabajos muy atractivos y interesantes.
En 1991 la banda publicaría su tercer álbum “Strangeitude”, uno de sus mas aclamados discos para la comunidad progresiva y que junto al anterior “Erpland” (1990) y el posterior “Jurassic Shift” (1993) constituyen la trilogía de la mejor época de esta banda británica.
Un álbum que comienza con la ambiental y psicodélica “White Rhino” en donde las líneas de bajo son muy inventivas proporcionando un sonido excelente el cual enriquece enormemente la pieza. La enérgica y repetitiva “Sploosh”, es el clásico tema característico del grupo, mientras “Saucers” deja de lado los sonidos espaciales para derivar en una especie de jazz rock con múltiples efectos de sonido. La exótica e hipnótica  “Strangeitude”, nos sumerge en unos ambientes arabescos con progresiones espaciales, retornando a los sonidos space rock con la dinámica “Bizarre Bazaar”, para acabar con la pieza mas progresiva y espacial “Space Between Your Eyes”.

lunes, 1 de noviembre de 2021

Rush-2112 (1976)

Cuarto álbum de la banda canadiense y el que los encumbraría definitivamente para siempre, al mismo tiempo que mostraba la faceta mas progresiva del trío, demostrando con su estilo que eran únicos y diferentes al resto de todos sus coetáneos.
Si hasta esos momentos Rush se habían mostrado como una de las bandas deudoras del sonido mas puro del hard rock de bandas como Led Zeppelin, con la publicación de tres álbumes soberbios y de gran entusiasmo, también es cierto que aun no habían terminado de cumplir con las expectativas tanto comerciales como estilísticas.
“2112” significo un punto y aparte en la carrera de los canadienses, esta fue la obra que necesitaban para dar el salto definitivo hacia el estrellato en el mundo del rock y lo lograrían de manera espectacular con un disco conceptual y asombroso, repleto de hard rock y pasajes progresivos al mismo tiempo, con una demostración de las cualidades virtuosas de cada miembro de la banda que los convertiría en adelante en los máximos valedores en sus respectivos instrumentos.
Los poderosos riffs de guitarra de Alex Lifeson son combinados a la perfección con suaves acordes de guitarras acústicas, eléctricas y solos antológicos, mientras Geddy Lee alcanza con su voz una interpretaciones sublimes y perfectas, que junto a la impecable batería de Neil Peart, utilizando todo tipo de percusiones, muestran a un percusionista que en muchos momentos parece sobrehumano con unas interpretaciones alucinantes.
La conceptualidad del álbum es producto de la enorme imaginación de Neil Peart, quien sobre una idea futurista de ciencia ficción, convierte a esta obra en un viaje apoteósico, con una gran variedad de textos creativos que son acompañados por un enorme derroche instrumental épico y fascinante.
La inicial suite “2112”, una epopeya de casi 20 minutos, dividida en siete partes épicas, es todo una clara demostración de intenciones, aquí el trío combina perfectamente los pasajes duros con otros momentos progresivos y atmosféricos, convirtiendo a esta pieza en uno de los momentos cumbres del genero.
En esta suite destacan de manera sobresaliente “Overture”, “The Temples Of Syrinx” y “Gran Finale”, todas ellas repletas de cambios de ritmo y de asombrosa virtuosidad.
El resto no le va a la zaga con las tremendas y épicas “A Passage To Bangkok” y “The Twilight Zone”, las bucólicas “Lessons” y “Tears” y la potente rock “Something For Nothing”.
“2112” es una de las obras imprescindibles del rock y no solo por su valor histórico, si no también por el tremendo aporte musical que el trío dejaría para la posteridad con esta obra maestra absoluta de la música rock.

sábado, 30 de octubre de 2021

Crosby, Stills, Nash and Young-Four Way Street (1971)

Crosby, Stills Nash & Young fue la primera formación que rehuyeron del termino “grupo” como una denominación preestablecida para definir a una banda tal y como se conoce de manera habitual. Ellos eran básicamente una asociación individual de cuatro talentosas estrellas unidas, para crear una serie de obras, siempre con una total libertad de acción por parte de cualquiera de ellos. Y es que esta reuniones “esporádicas” de tantos genios, todos ellos líderes absolutos en sus grupos anteriores o estrellas en el plano individual, se convertía a priori en un polvorín que no tardaría en explotar, debido a los enormes egos de cada uno de ellos.
Empezando por el canadiense Neil Young, el alma máter junto a Stephen Stills de los míticos Buffalo Springfield, y con varios álbumes en solitario de tremendo impacto, pero los demás no le iban a la zaga, como David Crosby, uno de los fundadores de los tremendos The Byrds, pieza fundamental del folk rock, o Graham Nash, figura y pieza primordial en una de las bandas pioneras de la famosa Invasión Británica como fueron The Hollies, y por ultimo el mencionado Stephen Stills, quien con Buffalo Springfield o junto a su propia banda Manassas, había creado varias obras monumentales de country-folk rock.
En los apenas dos años que este “supergrupo” estuvieron juntos, fueron la mas fabulosa maquina musical de la historia del rock, una unidad que les permitía grabar y actuar juntos o por separado y aún cuando lo hacían juntos, con la total libertad de hacerlo formando dúos, tríos o en las mas diversas combinaciones con su magistral asociación.
Ellos fueron los máximos responsables de la música en esos años, su estilo acústico vocal enfocado hacia el folk pero repleto de rock, partía de las herencias de cada uno de sus integrantes.
Como cuarteto publicaron el majestuoso “Deja Vu”, sucesor del no menos soberbio “Crosby, Stills and Nash”, en ese álbum se demuestra la elegancia de Stills, el colorismo de Nash, el concepto folk de Crosby y el acento incendiario de Young con temas tan emblemáticos como “Carry On”, “Teach Your Children”, “Almost Cut My Hair”, “Helpless”, “Woodstock”, “Our House” o “Country Girl”.
Este celebre episodio de la historia musical tuvo continuación con el directo “Four Way Street”, que supondría el epitafio de estos reyes del folk rock y que se convertiría en uno de los momentos cumbres de la música popular del siglo 20. Para cuando fue publicado este doble álbum, CSN&Y ya habían dejado de existir como banda, y es que las continuas discusiones entre los cuatro músicos eran constantes, incluso en los camerinos antes de los conciertos, lo que precipitaría que poco después de la gira por Norteamérica durante gran parte del año 1970, esta asociación diera por terminada su aventura.
Grabado en el verano de 1970 entre los escenarios del Fillmore East de Nueva York, el Forum de los Ángeles y el Auditorium de Chicago, este documento histórico esta considera una crónica fundamental de la convulsa época que por entonces vivía el país con la guerra de Vietnam, los problemas raciales, las constantes manifestaciones en casi todas las universidades de Estados Unidos y unos crispados momentos políticos.
Dividido en dos partes diferenciadas, el primer Lp contiene sus clásicos en versión acústica como “Cowgirl In The sand” de Neil Young, la emotiva “Right Between The Eyes”, el clásico de The Hollies de Graham Nash “Teach Your Children”, el hit de Stephen Stills “Love The One You´re With”, la emocionante “Triad” de David Crosby, la soñadora "Chicago" o la mítica “49 Bye-Bye-America´s Children”.
Para la segunda parte del álbum la banda se reserva los momentos mas electrizantes en donde cada uno de los cuatro músicos demuestran sus grandes dotes con las guitarras eléctricas como la monumental “Souther Man”, o las geniales “Ohio”, “Carry On”, “Pre-Road Downs” o “Long Time Gone”, todo ello con la ayuda de la poderosa base rítmica compuesta por el batería Johnny Barbata y el bajista Calvin Samuels.
Y ya no habría mas continuidad, a partir de aquí cada uno de ellos, por separado o en diferentes configuraciones que se irían produciendo a lo largo de los años,  seguirían mostrando sus genialidades con algunos de los hechos musicales difícilmente comparables hoy en día.

jueves, 28 de octubre de 2021

Joy Division-Unknown Pleasures (1979) Closer (1980)

Joy Division fueron una de las bandas percusoras del llamado sonido post punk que fue desarrollado durante los últimos años de la década de los setenta.
Formados en 1976 en la ciudad de Manchester por Ian Curtis (vocalista y guitarra ocasional), Stephen Morris (batería), Peter Hook (bajo) y Bernard Summer (guitarra y teclados). E
n sus orígenes esta formación se llamaba Varsovia y algún tiempo mas tarde tomaron su polémico nombre Joy Division de una expresión vulgar usada habitualmente por los oficiales nazis durante la Segunda Guerra Mundial, para referirse a la mujeres mas jóvenes que estaban prisioneras en los campos de concentración y a las que habitualmente violaban y asesinaban a diario. En sus inicios la banda desarrollo un estilo emparentado con el punk rock, que fue derivando en un estilo propio y peculiar, que con el tiempo seria una de las influencias de bandas como The Cure o Siouxsie & The Banshees, en donde además de una música con claras atmósferas siniestras, también mostraban el culto a la muerte, a todo lo lúgubre, las depresiones o la desesperación de una juventud con un futuro incierto y marginado. Sin embargo esta temática ya había sido explotada años antes por David Bowie que junto a Brian Eno crearon la llamada trilogía de Berlin comprendida por los álbumes “Low”, “Heroes” y Lodger”. Gracias al EP “An Ideal For Living”, publicado en junio de 1978, la banda logro captar la atención del subsello Factory Records, el cual les publica su primer álbum “Unknown Pleasures”, obra que terminaría convirtiéndose en uno de los álbumes de culto por excelencia de la música punk rock británica. Este primer álbum es una viaje claustrofóbico por las vivencias y peripecias de su cantante Ian Curtis, quien tenia continuas depresiones debido a la ruptura de su matrimonio, a su epilepsia y a sus problemas personales. “Unknown Pleasures” comienza con la acelerada y animada “Disorder”, pero a partir de aquí todo se vuelve mas oscuro con la siniestra y caótica “Days Of The Lords”, o la misteriosa  “Candidate”, la cual da paso a la mecánica “Insight”, una clara muestra de las influencias del krautrock en esta banda. El resto sigue por una senda muy parecida con la cadenciosa “New Dawn Fades”, la áspera “She´s Lost Control”, la punk rock “Shadowplay” o la tenebrosa “I Remember Nothing”. Comercialmente el álbum tuvo una mediocre recepción por parte del publico ingles, mercado el cual fue a parar la gran mayoría de las diez mil copias que se pusieron a la venta, con una casi nula o limitada exportación fuera de las islas británicas. Un año después y cuando estaba todo listo para una gira por tierras norteamericanas, Ian Curtis cada vez mas abrumado por sus problemas personales, se suicida ahorcándose en la cocina de su apartamento.

Pero antes dejaría grabado un álbum a modo de epitafio, el enorme y sombrío “Closer”, con una de las portadas mas icónicas y fantasmales de la música moderna, representada por una fotografía de la lapida de una tumba de un cementerio situado en Genova, uno de los camposantos mas grandes de toda Europa y famoso por sus esculturas monumentales.
“Closer” significaría un álbum mas fúnebre y sombrío que su predecesor con momentos funestos como la caótica “Atrocity Exhibition”, las electrónicas “Isolation” y “Decades” (el germen de los que después se convertiría en New Order), las sombrías “Passover” y “Heart and Soul”, la convencional y previsible “Colony” y las agónicas “Twenty Four Hours” y “The Eternal”.
Con apenas unos pocos años de existencia, Joy Division dejarían tras de si dos obras tan emblemáticas que hoy en día no solo son consideradas obras de culto y pequeñas obras maestras incuestionables, si no que también están presentes en la actualidad con tanta vigencia como cuando fueron publicadas.