miércoles, 28 de junio de 2023

Rush-Permanent Waves (1980)

Recién estrenada la década de los ochenta, Rush publicarían el álbum "Permanent Waves", en el cual comenzaron a alejarse paulatinamente de los sonidos progresivos de los trabajos anteriores como fueron "2112", "A Farewell to Kings" o "Hemispheres", para sin olvidarse por completo de ese genero, adentrarse en los sonidos mas accesibles y mainstream, si bien es cierto que siempre bajo el prisma de las composiciones complejas de gran calidad instrumental.
"Permanent Waves" supuso el trabajo mas evidente de esa transición, en donde podemos apreciar a los Rush mas épicos y progresivos y al mismo tiempo que los mas accesibles.
Temas como la larga y experimental "Jacob´s Ladder" o la épica y excelsa progresiva "Natural Science”, se combinan con otras de claro corte comercial como "The Spirit of Radio" o "Freewill", con unos profundos medios tiempos de impecable ejecución técnica e instrumental.
Incluso muchas de los temas aquí tienen una temática mas real a diferencia de los esplendorosos relatos de ciencia ficción de los álbumes anteriores, en donde aparecen la reflexiones filosóficas bañadas en detalles épicos pero mas terrenales.
Los reveladores sueños de un profeta (Jacob´s Ladders), las criticas sobre el sistema (Natural Science), o las que tratan sobre las afirmaciones de los individuos y sus relaciones "Different Strings" y "Entre Nous", son una clara muestra de todo ello, en contrapunto a las mencionadas y mas adictivas cercanas a los sonidos AOR aparecen "The Spirit of Radio" y "Freewill" .
En definitiva este séptimo álbum de los canadienses supuso uno de sus mejores logros, en el cual combinaron de manera antológica los ecos del pasado con los sonidos mas modernos, que pronto reflejarían en sus discos posteriores como el monumental “Moving Pictures” de un año después.

lunes, 26 de junio de 2023

Triana-El Patio (1975)

El primer álbum de Triana pese a ser un fracaso comercial en los primeros meses después de su lanzamiento, fue sin embargo el que los catapultaría como banda de culto y de paso establecerse como la mejor banda de la historia del rock español.
Formado por tres músicos experimentados, tanto en el plano del rock como en el de la fusión con el flamenco, como eran Jesús de la Rosa (voz y teclados), Eduardo Rodríguez (guitarra y voz) y Juan José Palacios (batería y percusiones).
"El Patio" es un álbum fundamental que abriría las puertas a la invasión de docenas de bandas posteriores, todas ellas fusionando el estilo flamenco y el rock progresivo y que surgieron principalmente de Andalucía.
Un álbum que respira grandes aires de misticismo, fascinación, repleto de dosis de emoción y ese espíritu que únicamente tiene el folklore flamenco.
En el "El Patio" hay una regeneración progresiva del flamenco, basada en un dialogo continuo entre frases de la guitarra española, los arreglos orquestales y los teclados habituales en el rock progresivo como el órgano, los sintetizadores y el mellotrón, todo ello bajo una base rítmica con cierto sabor jazzistico.
A todo ello contribuye la guitarra eléctrica solista interpretada por Antonio Pérez que sirve como atractivo final al potente sonido puramente rock y al bajo eléctrico (Manolo Rosa) el cual es el apoyo perfecto a la mencionada base rítmica liderada por la soberbia batería de José Palacios.
"El Patio" emana por los cuatro costados ecos a Pink Floyd o King Crimson, y ello queda patente en la impresionante e inicial "Abre la puerta", una fusión perfecta entre el flamenco y el progresivo, mientras "Se de un Lugar" tiene una ligera orientación hacia los sonidos psicodélicos, por otro lado "En El Lago" la banda se relaja ofreciendo una especie de balada sinfónica de pura antología.
Después de estos tres ambiciosos y complejos cortes la banda muestra su lado mas terrenal con temas como "Luminosa Mañana" o "Dialogo", que pese a su sencillez resultan de gran brillantez.
Para acabar con la sencillez acústica del mas puro flamenco con "Todo es de color" o la animada "Recuerdos de una noche".
"El Patio" es sin duda una de las obras mas grandiosas e impresionantes del rock español y uno de los mejores álbumes del rock progresivo europeo.

sábado, 24 de junio de 2023

The Mahavishnu Orchestra-Visions Of The Emerald Beyond (1975)

Después de tres intensos álbumes como fueron “The Inner Mounting Flame” (1971), “Birds of Fire” (1973) y “Apocalypse” (1974), el grupo liderado por John McLaughlin repetía la misma formación que este ultimo trabajo y suponía el segundo bajo esta segunda versión de la Mahavishnu Orchestra.
Habría que recordar que ya en el anterior “Apocalypse”, aparecían nuevos miembros como eran el violinista Jean-Luc Ponty, el teclista Gayle Moran, el bajista Ralphe Armostrong y el batería Michael Walden, en sustitución de los antiguos miembros Jan Hammer, Jerry Goodman, Rick Laird y Billy Cobham.
Con esta nueva formación se grabaría este cuarto álbum que hoy nos ocupa: “Visions of the Emerald Beyond”, grabado en los Electric Lady Studios de Nueva York a finales de 1974 y publicado en febrero de 1975.
En esta nueva entrega la banda aún mantiene su enfoque y estilo musical con respecto al anterior trabajo, sin embargo de manera muy sutil se deriva hacia terrenos mas blues como podemos comprobar en la inicial “Eternity´s Breath Part 1” y “Eternity´s Breath Part 2” , que con una solida base de bluesy, unos ingeniosos solos de violín y la excelente línea vocal de Gayle Moran, junto a la exploración de la guitarra de McLaughlin, dan como resultado un tema muy armonioso y equilibrado.
En “Lila´s Dance”, la banda continua por la senda de la anterior pista con un enfoque aún mas blusero si cabe, en donde McLaughlin toma el protagonismo con un largo y soberbio solo de guitarra. Por su parte “Can´t Stand Your Funk”, tal y como implica su titulo, es un claro corte de funk jazz rock con una gran combinación de bajo, guitarra rítmica y la poderosa sección de metales. La melódica “Pastoral”, el coherente y muy bien estructurado jazz rock “Faith”, la espeluznante “Pegasus” o la soberbia y espacial “Earth Ship”, conforman un excelente álbum que sin llegar a las excelencias de sus dos primeras obras, si les mantendrían como una de las bandas punteras dentro del panorama del jazz rock mundial, junto a bandas coetáneas como Weather Report y Return To Forever y de paso cerraba una cuatrilogia esencial dentro del mencionado estilo.
 

jueves, 22 de junio de 2023

Frob-Frob (1976)

Otra de esas bandas desconocidas para el gran publico, fueron los germanos Frob, que procedentes del este de Westfalia, en Alemania, grabarían un solo álbum, el cual esta considerado uno de los trabajos de culto del rock alemán.
La formación original de Frob estaba compuesta por el guitarrista Philippe Caillat, el teclista Peter Schmits, el bajista Klaus-Dieter Ritcher y el batería Peter Meuffels. Su único álbum es un trabajo del mejor jazz rock progresivo alemán de todos los tiempos, con un estilo propio en donde demostraban una gran capacidad de improvisación, creatividad y dinamismo.
Temas como la inicial “Wassertropfen” en donde se acercan a los sonidos del krautrock con continuas fases rítmicas y sus improvisaciones, el intenso jazz “Spaces”, la progresiva “Calypso”, con ese hiperdinamico ritmo o la fascinante melodía de “Spheres”, conforman junto con la vigorosidad y la creatividad del resto del disco, un trabajo muy cohesionado del mejor kraut-jazz underground alemán de todos los tiempos.

martes, 20 de junio de 2023

Jackie McAuley-Jackie McAuley (1971)

Este es otro de esos álbumes injustamente pasados por alto dentro de la historia de la música rock, una obra maestra menor de diversos estilos fusionado con maestría como el jazz, el folk rock y el blues.
Jackie McAuley es un personaje bastante desconocido para la gran mayoría, sin embargo fue uno de los miembros de los míticos Them de Van Morrison y con ellos publicaría algunos de los mejores discos de la banda irlandesa.
Después de abandonar Them, McAuley participaría en dispares proyectos como por ejemplo el dúo Trade Home junto a la ex componente de Fairport Convention, Judy Dyble con la cual grabaría el estupendo “Morning Way” en 1970.
En 1971 lanzaría su primer álbum en solitario junto algunos de los jóvenes prometedores músicos del jazz británico de la época. Músicos como Tony Roberts, Mike Travis o Mike McNaught, todos ellos pertenecientes a la Henry Lowther Band.
En este debut McAuley muestra un ecléctico sonido en donde las melodías agradables y sus sutiles ritmos hacen de este álbum un compendio de canciones repletas de calidad e ingenio.
Ya desde la inicial y portentosa “Turning Green”, nos muestra las capacidades instrumentales y compositivas de este guitarrista y teclista algo olvidado hoy en día.
El resto sigue por una tónica parecida con cortes como la hipnótica “Boy On The Bayou” o la medio progresiva “Away”, conformando un álbum delicioso y una obra que se mereció mucho mas reconocimiento que el que tuvo en su época.


domingo, 18 de junio de 2023

Yes-Tales from Topographic Oceans (1973)

Si “Close To The Edge” fue un álbum perfecto de rock progresivo y Yes hubieran dejado de hacer música en ese mismo instante, seguirán siendo una de las mas grandes bandas de la historia y podrán reclamar algunos de los mejores álbumes que jamás hayan salido de la música rock.
Pero lo que consolida firmemente el status de Yes como una de las grandes bandas de todos los tiempos, fueron los dos trabajos que le siguieron después, dos discos insuperables como fueron “Tales from Topographic Oceans” y “Relayer”. Ambos son exponencialmente mas profundos que el mencionado "Close To The Edge" en términos de alcance y maestría musical, que pese al recelo de muchos de sus fans e incluso algunos de los miembros del grupo, tuvieron sobre todo con el primero de ellos.
"Tales from Topographic Oceans" es una de las grabaciones mas mágicas, rotundas y antológicas de todos los tiempos y las criticas vacías del desconocimiento musical nunca podrán alcanzarlo.
Musicalmente hablando lo que este doble álbum ofrece son casi una hora y media de las exploraciones mas atrevidas y sofisticadas de Yes hasta esos momentos, solos extendidos, armonías vocales antológicas, secuencias instrumentales cuidadosamente arregladas, paisajes sonoros oceánicos e interpretaciones acústicas dignas de un verdadero clásico.
No hace falta ni mentar que este no es un álbum de una solo escucha, convirtiéndose en una experiencia musical cada vez que se le pone atención en una nueva escucha.
Por otro lado es controvertido, mientras millones de fans lo adoran, otros tantos lo detestan (empezando por el teclista Rick Wakeman), quien lo ha ridiculizado públicamente en mas de una ocasión y que dio lugar al celebre incidente del curry.
A diferencia del mencionado "Close To The Edge" en este caso cada pista (una por cada cara de las cuatro que conforman este disco), es una pieza completa, en donde no se componen de subdivisiones con títulos individuales. La historia detrás de este álbum conceptual es convenientemente oscuro e indulgente y esta inspirada en una nota al pie de la pagina 83 del libro "Autobiografía de un yogui" de Paramhansa Yoganda.

El álbum comienza con "The Reveling Science of God (Dance of the Dawn)" en donde los teclados de Rick Wakeman son muy evidentes y un Jon Anderson mostrando una gran forma vocal, con un amplio arsenal de desarrollos instrumentales acometido por el resto de la banda. La siguiente "The Remembering (High The Memory)", tiene una estructura bastante similar a la primera pieza, en donde una vez mas los teclados de Wakeman toman el rol protagonista, sin embargo la composición en general no es tan fuerte como la anterior, resultando una composición bastante mas edificante.
El segundo disco se abre con "Thge Ancient (Giants Under the Sun)", aquí es Steve Howe quien protagoniza los mejores momentos, desarrollando innumerables escalas con su guitarra y sus arabescos sonidos, desembocando en una segunda mitad mucho mas conmovedora y accesible.
La pista final "Ritual (Nous Sommes du Soleil)", es el tema mas puramente rock con una exuberante y dinámica percusión a cargo de Alan White y que en directo es particularmente impresionante.
En definitiva un álbum en donde Yes logra tejer grandes paisajes sonoros dinámicos a partir de alusiones melódicas y que a excepción de Chris Squire, bastante apagado en general, con menos peso especifico en lo instrumental de lo habitual, no le falta ni le sobra de nada, un trabajo tan inconmensurable como único y que esta considerado una de las obras cumbres de la historia del rock progresivo.

viernes, 16 de junio de 2023

Kansas-Somewhere To Elsewhere (2000)

En el año 2000 y después de casi 20 años separados, los miembros originales de Kansas se volvían a reunir para grabar un nuevo álbum para regocijo de sus mas acérrimos fans. Ya había llovido mucho desde aquel “Audio-Visions” de 1980, el cual supuso el ultimo eslabón de una serie de trabajos todos ellos de memorable factura.
Si bien la banda con diferentes formaciones fueron publicando álbumes durante las décadas de los ochenta y noventa, todos ellos fueron en cierta medida rechazados por una parte de sus seguidores por el diferente rumbo musical que habían tomado, alejados de su propuesta original de rock progresivo y el rock norteamericano.
Así fueron sucediendo álbumes de menos envergadura como los mediocres “Vinyl Confessions” (1982) o “Drastic Measures” (1983), álbumes concepto como el meritorio “In The Spirit Of Things” (1988) o acercamientos a los sonidos AOR y hard rock como fueron “Power” (1986) y “Freaks of Nature”. (1995)
Durante todos esos años el continuo ir y venir de nuevos miembros era una de las constantes de Kansas, entre otros entraron el guitarrista Steve Morse, el cantante John Elefante, el violinista David Ragsdale o el bajista Billy Greer.
No es de extrañar por lo tanto la inusitada expectación que levantaría el volver a ver juntos a la formación mas clásica y exitosa de la banda de Topeka, empezando por su guitarrista y alma matter Kerry Livgren, seguido de su eterno vocalista Steve Walsh, el bajista Dave Hope, y el violinista y cantante Robbie Steinhardt, a los que hay que sumar los dos únicos miembros que habían permanecido todos estos años como eran el guitarrista Rich Williams y el batería Phil Ehart, con la colaboración de otro de sus ilustres miembros como era el bajista Billy Greer.
Centrándonos en “Somewhere to Elsewhere”, la banda intenta recrear su clásico sonido de los 70, retrocediendo a las raíces en sus días de gloria, o por lo menos momentáneamente. No sólo Kerry Livgren volvió al redil como autor de todo el material compuesto en este disco y como el máximo exponente de las guitarras y teclados, sino que también Robbie Steinhardt consolidó su regreso retomando un papel muy crucial en el nuevo repertorio de la banda, e incluso Dave Hope, asumió su crucial papel de bajista en un par de temas, aún así, es Billy Greer quien se encarga de tocar en este álbum en la mayoría de los cortes, incluso debutando como vocalista principal en "Look at the Time". Sería demasiado optimista afirmar que la banda iguala los mejores registros de los 70 con este trabajo, sin embargo este, es una brillante grabación que nos trae de vuelta el viejo sonido vintage de Kansas que todos pensábamos que ya había quedado enterrado para siempre. El álbum se inicia con "Icarus II", que a pesar de las referencias al tema original de "Icarus" perteneciente al álbum “'Masque” de 1975, no es una simple revisión, si no una nueva composición que además de mantener el toque épico del anterior, es más introspectivo y melancólica, incluso en el pesado interludio de balanceo final. Las siguientes “When The World Was Young” y “Grand Fun Alley”, son dos potentes rock bastantes melódicos y pegadizos, mientras “The Coming Dawn” es un bellísimo medio tiempo sinfónico que de alguna manera nos deja un sabor muy cercano a la clásica “Dust in The Wind” de finales de los 70.
Llegados a este punto aparecen dos de los temas que demuestran el esplendor épico de la banda como son “Myriad”, tema que en realidad se remonta a los primeros años de la banda, y que sin embargo nunca fue incluida en ninguno de sus álbumes y “Distant Vision”, que iguala a la anterior en belleza, complejidad, delicadeza orquestal y una pasión evocadora, ambas bajo el auspicio de las fuertes creencias cristianas de Livgren.
En estos dos temas, Walsh nos recuerda lo gran vocalista que es y siempre ha sido, con eso tonos emocionales que son el binomio perfecto a las percepciones intelectuales de Livgren. Por contra la beatle "Look at the Time" y "Bizancio" son los cortes mas extravagantes que de alguna manera se salen del sonido habitual de Kansas, esta ultima con sus ambientes exóticos inspirados en la tradición árabe y turca. En "DST Blues" la banda se recrea con un soberbio blues pegadizo, en donde brilla la voz y el violín de Reinhardt, mientras "Not Man Big" es el brillante cierre del álbum, un final enérgico propiamente dicho para un álbum lleno de material muy intenso, con diferentes matices sonoros, y que conformaron un trabajo magnifico tanto en el plano musical como lírico.

miércoles, 14 de junio de 2023

Echo And The Bunnymen- Ocean Rain (1984)

Echo And The Bunnymen son una de las bandas esenciales del sonido post punk británico de la década de los ochenta que pese a estar a la sombre de otras coetáneas, lograron alcanzar el status de banda de culto gracias a una serie de álbumes emblemáticos dentro de dicho género.
“Ocean Rain” su cuarto larga duración, supuso el espaldarazo definitivo de Echo And The Bunnymen, un álbum que se alejaba del sonido oscuro del post punk para derivarse hacia un estilo mas melódico muy cercano al pop rock y a la épica romántica.
Un disco que contiene luminosas melodías como “Silver”, “Cristal Days” o “Seven Seas”, las cuales contrastan con las épicas “Nocturnal Me”, “Ocean Rain” y The Killing Moon”, mientras que “Thom Of Crows” es un guiño al pasado sombrío y oscuro de la banda.

lunes, 12 de junio de 2023

Steve Hackett-Voyage Of The Acolyte (1975)

Hasta 1975, Steve Hackett era sin ninguna duda el miembro mas distante y oscuro de Genesis, aún siendo reconocido como un guitarrista talentoso, siempre fue visto como el músico que se escondía detrás de su instrumento y apenas obtenía el protagonismo de los restantes integrantes de la banda.
Para ese año los componentes del grupo decidieron tomarse un tiempo para reflexionar debido a la marcha de Peter Gabriel y mientras buscaban una solución al rol del nuevo vocalista (algo que finalmente recaería en el propio batería de la banda, Phil Collins), Hackett lanzaba su primer álbum en solitario.
La publicación de este primer álbum (el primero lanzado por un miembro del grupo), significaría la demostración del enorme talento del guitarrista, bastante oscurecido a nivel compositivo en su banda madre.
“Voyage of the Acolyte” cuenta con la participación de varios de sus compañeros en Genesis, Mike Rutherford y el mencionado Phil Collins, además de ilustres nombres como Percy Jones, Robin Miller o Sally Oldfield, entre otros músicos de reconocida fama.
Para muchos, “Voyage of the Acolyte” es sin duda el mejor trabajo de un miembro de Genesis en solitario, considerado una joya del rock progresivo, con grandes similitudes al sonido de su banda o acercamientos a King Crimson por el uso masivo del mellotrón.
El abrupto inicio de “Ace Of Wands”, es la clara advertencia para mostrarnos que estamos ante un álbum muy fértil e imaginativo, un tema frenético de rock progresivo, en donde los cambios de ritmo continuos y los increíbles pasajes de guitarra confieren a esta pieza la categoría de notable. La encantadora “Hands Of The Priestess”, pone uno de los puntos bucólicos y pastorales, mientras “A Tower Struck Down” retoma la agresividad del primer corte con un esplendoroso tema progresivo.
Después del breve interludio que supone la segunda parte de “Hands Of The Priestess”, con un tono mas suave que la primera parte, llega otra melodía suave y melancólica “The Hermit”, que sirve como umbral a uno de los temas mas elaborados y complejos, “Star Of Sirius” donde las voces de Phil Collins suenan de manera celestial, acompañados de guitarras, mellotrones y una batería pletórica y contundente.
Para finalizar aparecen la breve y acústica “The Lovers”, que es la antesala a la epopeya de 14 minutos “Shadow Of The Hierophant”, sin duda el tema que mas se acerca al sonido mas puro de Genesis, en donde sobresale la dulce voz inicial de Sally Oldfield, para progresivamente convertirse en un tema con continuas atmósferas y cambios de ritmo y que es el epilogo perfecto para un disco pletórico de rock progresivo.

sábado, 10 de junio de 2023

Rush-Signals (1982)

Después de ocho álbumes de estudio y dos directos, los sintetizadores ocupan por primera vez un lugar predominante por encima de las guitarras en un disco de Rush, incluso sustituyéndolas en gran parte de este noveno trabajo de los canadienses.
En “Signals” sigue estando presente la batería habitual e inconmensurable de Neil Peart, pero el rock progresivo y las guitarras heavy han desaparecido casi completamente, derivando el estilo hacia los sonidos de la new wave, aunque y todo hay que decirlo, de manera bastante sutil y compleja, con esos arreglos intrincados de gran clase y la personalidad ya acostumbrada del trio.
Abriendo el álbum nos encontramos con una de las mejores canciones de la época, "Subdivisions", tema que tuvo bastante éxito en las listas y que es todo un clásico de su repertorio, especialmente su intro con los teclados.
También destacan algunos temas recuperados en su época más reciente para los directos, como son "The Analog kid" y "The Weapon", esta ultima la tercera parte de la trilogía “Fear”.
El resto del álbum gira en torno a los avances tecnológicos con un aire de modernidad y futurismo, reflejado en temas como "Digital man", "Chemistry" o "New World man".
El álbum cierra con la fantástica "Losing it", que incluye como invitado a Ben Mink con un espectacular solo de violín eléctrico y con "Countdown", que trata de reproducir lo que supone un lanzamiento espacial y que da por finalizado un disco que les mantendría en la cúspide del rock mundial, pese al cambio tan radical de estilo que la banda imprimiera en esta meritoria nueva entrega, después de su opera prima como fue el antecesor “Moving Pictures”.

jueves, 8 de junio de 2023

Frank Zappa-Zoot Allures (1976)

“Zoot Allures” supuso el decimoséptimo álbum que Frank Zappa firmaría en solitario y que fue publicado en medio de la efervescente época de la música disco de mediados de los setenta.
Para la grabación de este álbum Zappa recurriría a un gran plantel de músicos de sesión, (algunos de los cuales, mas tarde pasarían a ser habituales en sus posteriores grabaciones), entre otros se encontraban el batería Terry Bozzio, el bajista Roy Estrada, la teclista Ruth Underwood o el saxofonista Napoleón Murphy Brock, además de una sección de vocalistas en donde aparecían Davey Moire, Rubén Ladron de Guevara o Sparkie Lewis, mientras que el propio Zappa se encargaba de las guitarras, sintetizadores, teclados, voz principal y la producción del mismo.
En “Zoot Allures” Frank Zappa se alejo en cierta medida de sus habitual sonido estándar para acercarse al rock mas directo y puro y si bien en muchos momentos del álbum alcanza ese estilo, también es cierto que en el fondo su música característica sigue estando presente en cada surco del disco.
Su peculiar humor sigue dominando la gran mayoría de cortes como la sórdida “The Torture Never Stops” o la humorística y divertida “Ms.Pinky”. Por otro lado “Wind Up Working In a Gas Station” y “Black Napkins” son los momentos de rock directo antes mencionados, en donde los solos de guitarra de Zappa muestran su asombroso dominio con ese instrumento.
La instrumental “Zoot Allures” es uno de los momentos culminantes con su distintiva guitarra en primer plano, un lenta pieza mantenida de manera soberbia por un Terry Bozzio fuera de serie.
Para finalizar Zappa hace su particular guiño humorístico a la música disco, que por entonces estaba en un gran apogeo con su tema “Disco Boy”, otro espectacular numero de rock puro y un excelente cierre de un gran álbum de pura diversión y virtuosismo por parte de todo el plantel de músicos intervinientes.

martes, 6 de junio de 2023

Mike and The Mechanics-Mike and The Mechanics (1985)

En 1984 después de acabar la gira posterior al duodécimo álbum de Genesis, los miembros de la banda se tomarían un largo descanso y se dedicarían a sus propias carreras en solitario,
Mientras Phil Collins y Tony Banks publicaron sus albumes “No Jacket Required” y “Soundtracks”, respectivamente, Mike Rutherford en cambio fundaría una banda paralela a su banda madre, a la que denominaría Mike and The Mechanics, para lo cual reclutaría a los cantantes Paul Carrack y Paul Young, al teclista Adrian Lee y al batería Peter Van Hooke.
Con esta formación la banda lanzaría su álbum debut “Mike and The Mechanics” a finales de 1985, en el cual se reflejaba los sonidos eclécticos de su fundador, una inteligente mezcla de sofisticado pop y rock, y unas composiciones exquisitas repletas de grandes estribillos y irresistible melodías.
Temas como las adictivas “All I Need Is A Miracle”, “Silent Running” o “I Get The Feeling”, emocionales baladas “Par Avion” y “You Are The One” o medios tiempos cautivadores como “Taken In” o “A Call To Arms”, todo ello bajo una exquisita producción, catapultaron al álbum a ambos lados del Atlántico, consiguiendo un gran éxito y de paso consolidando la banda con grabaciones periódicas que obtendrían un notable éxito posterior y una carrera musical estable y muy respetada.

domingo, 4 de junio de 2023

The Police-Regatta de Blanc (1979)

Durante su corta actividad, The Police fue considerada como una de las mejores bandas del planeta. En su intensa actividad durante los apenas seis años que estuvieron en la cúspide, crearon una serie de obras que hoy en día son fundamentales para entender la evolución lógica de la música rock de finales de los 70 y principios de los 80.
Este enorme trío compuesto por el guitarrista Andy Summers, el bajista Sting y el batería Stewart Copeland, supieron conjugar sabiamente el rock, el reggae, el pop y los ramalazos del punk de la época como quedo demostrado en sus dos primeras obras.
Con su segundo trabajo “Regatta de Blanc”, la banda confirmaba la tendencia iniciada en el anterior y explosivo “Outlands d´Amour”, con un disco repleto de grandes composiciones como la new wave “Message In A Bottle” todo un hit mundial y un clásico de la historia de la música rock o la reggae “Walking On The Moon”, secundadas por la excelente instrumental “Regatta de Blanc”, o las maravillosas “Bring on the Night” y “The Bed´s Too Big Without You”.
El tremendo éxito del álbum, logrando media docena de discos de platino,  arrastraría al anterior trabajo a conseguir una gran acogida comercial, y al mismo tiempo colocar a The Police en la cúspide del panorama rock de principios de los ochenta.

viernes, 2 de junio de 2023

Molly Hatchet-Double Trouble Live (1985)

Fundada a principios de los 70, Molly Hatchet son otra de las bandas fundamentales del southern rock y al mismo tiempo una de las legendarias bandas norteamericanas, casi al mismo nivel que sus coetáneas ZZ Top, 38 Special, The Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd, The Outlaws, Blackfoot o Marshall Tucker Band.
Fundada a principios de los 70 en Jacksonville, Florida, por el guitarrista Dave Hlubek, no seria hasta casi finales esa década cuando publicaron su primer y homónimo álbum con el que consiguen vender un millón de copias y su correspondiente disco de platino.
Con una primera formación compuesta por el mencionado Hlubek, secundado por los guitarristas Steve Holland y Duane Roland, el bajista Banner Thomas, el batería Bruce Crump y el cantante Danny Joe Brown, su propuesta de rock sureño es las mas cercana al heavy con aproximaciones a los sonidos AOR y al hard rock, a diferencia de estilo mas tradicional con raíces en los sonidos americanos del blues, el country y el soul de las otras bandas.
Con esta misma formación, lanzarían un año después “Flirtin´ With Disaster”, con el que superan las ventas de su álbum debut, logrando un doble disco de platino.
La popularidad del grupo se incrementaría notablemente al girar durante esos primeros años junto a bandas como AC/DC, Aerosmith, Rush, Journey, Judas Priest o Bob Seger and The Silver Bullet Band por todos los Estados Unidos.
Pero a partir de su tercer álbum, comienza un constante ir y venir de integrantes, empezando por el vocalista Danny Joe Brown que abandona, y es sustituido por Jimmy Farr, con quien graban el continuista e igualmente exitoso “Beatin´The Odds” (1980).
Los siguientes “Take No Prisioners” (1981), “No Guts...No Glory” (1983) y “The Deed Is Done” (1984), no logran el mismo impacto comercial de sus primeras tres obras, pese a contener un repertorio de grandes temas cargados de incendiario rock sureño muy valorados por los fans del genero.
Seria precisamente durante la gira de este ultimo “The Deeds Is Done”, cuando se grabaría el álbum que hoy nos ocupa, el doble en directo “Double Trouble Live”, grabado en Jacksonville y Dallas durante 1985.
Por entonces la banda distaba considerablemente de la formación original, en la que aparecía el bajista Riff West, el teclista John Galvin y el guitarrista Dru Lombar, además de la reincorporación de su cantante original Joe Brown.
“Double Trouble Live” es un perfecto recorrido por lo mas granado de los seis primeros álbumes del grupo, empezando por la inicial y típicamente sureña "Whisky Man", a la que la siguen las clásicas del repertorio del grupo "Beatin 'the Odds" y "Bounty Hunter", la comercial "Stone in Your Head", el hard rock "Bloody Reunion", la incendiaria versión del tema de Lynyrd Skynyrd, “Freebird”, o el espectacular boogie rock "Boogie no More", conformando con todo ello, un show en vivo explosivo y contundente.