Red Dirt-Red Dirt (1970)

Red Dirt fueron una banda británica fundada a finales de los sesenta en el condado de Yorkshire, al noreste de Inglaterra, la cual se forjo una gran reputación por sus espectaculares conciertos en clubs y pubs del norte del país durante los año 1969 y 1970.
Formada por el guitarra Kenny Giles, el baterista Steve Jackson, el bajo Kenny Giles y la espectacular voz de Dave Richardson. Gracias al éxito que gozaban y la popularidad de estos conciertos, llamaron la atención de diferentes sellos discográficos, firmando finalmente un contrato con el sello independiente Morgan Bluetown, con quienes grabarían su único álbum con la distribución a nivel nacional por parte de la discográfica Fontana, aunque de manera bastante limitada y una escasa promoción publicitaria.
Este único disco fue grabado en los estudios que el sello Morgan poseía en la ciudad de Londres, en donde estuvieron durante doce horas interrumpidas para terminar de completar la grabación y las mezclas del álbum.
Compuesto por una serie de canciones enfocadas hacia el blues rock con acercamientos al estilo de The Doors y The Magic Band como podemos comprobar en "Death Letter", “In The Morning" o "Problems", mientras los sonidos mas rurales del blues de Delta del Mississippi están presentes en "Song For Pauline". Por otra parte "Ten Seconds To Go" y "Death Of A Dream" muestran la faceta de un pesado blues rock, para acabar este oscuro álbum con la deudora del sonido Hendrix "Maybe I´m Right" y la boogie rock "I´ve Been Down So Long".
Algún tiempo mas tarde y tras terminar una gira por toda Gran Bretaña teloneando a Mott The Hoople, la banda regresaría a los estudios de grabación para un segundo disco que nunca fue lanzado oficialmente y que fue rescatado como bonus tracks en el 2010 en una reedición del su único álbum en CD y en vinilo.
Este único lanzamiento es otro de esos codiciados LPs por lo coleccionistas, llegando a pagar algunos de ellos, pequeñas fortunas por una copia original de este oscuro y perdido disco de Red Dirt.

UFO-Phenomenon (1974)

Después de dos álbumes experimentales repletos de sonidos psicodélicos bañados en blues y hard rock, UFO tuvieron que reconsiderar su propuesta musical en vistas de la poca repercusión que ambos discos habían tenido en el plano comercial.
Seria justo después del segundo álbum “UFO 2: Flying” y mientras realizaban una gira por Alemania, cuando el vocalista Phil Moog, el batería Andy Parker y el bajista Pete Way quedaron sorprendidos por las excelencias de un joven guitarrista llamado Michael Schenker, el cual por entonces actuaba en la novel banda Scorpions, quienes por aquella época ya habían lanzado su primer álbum “Lonesome Crow” con el cual fueron considerados una de las promesas del nuevo hard rock europeo.
En una rocambolesca sucesión de acontecimientos, Michael Schenker terminaría entrando a formar parte del grupo británico en sustitución del guitarrista Bernie Marsden, que de manera temporal estaba actuando junto a UFO como relevo de Mick Bolton, quien había abandonada la banda poco antes de la mencionada gira.
Así pues con esta nueva formación, UFO grabaron su tercer álbum durante los meses finales de 1973 y principios de 1974, en los estudios londinenses Morgan y bajo la producción del bajista de los Ten Years After, Leo Lyons, que seria publicado en marzo del mismo año por la Chrysalis Records.
En este tercera entrega, la banda muestra un alejamiento del pesado blues y space rock de sus dos anteriores obras, enfocando su sonido en el talento de la guitarra de Schenker y en unas canciones brillantes de hard rock.
Un álbum que contiene algunos de los temas que se convirtieron en himnos posteriores de UFO, como la contagiosa “Doctor Doctor” o la potente “Rock Bottom”, pero además de estas dos formidables piezas, se encontraban la enérgica y psicodélica “Space Child”, la contundente rock “Oh My”, la compleja “Built For Comfort” o la rítmica “Too Young To Know”.
Con “Phenomenon”, UFO daba paso a una nueva etapa con un estilo mas desenfadado e intenso a la par que mas eficaz y dinámico que les daría muchos años de éxito con álbumes que pasarían a engrosar algunas de la paginas doradas del hard rock y el heavy metal.
 

Someones Band-Someones Band (1970)

Someones Band son otra de esas extrañas bandas surgidas a finales de los sesenta con apenas repercusión, mas allá de la publicación de un solo álbum y poco mas.
Esta sin embargo es aun mas extraña por su particular e insólita historia, creados a partir de una anuncio del Melody Marker, grabaron su único álbum en una sola sesión de una noche, por una desconocida productora independiente y lanzado bajo el sello Decca Records en una edición limitada.
Este efímero grupo estaba formado por el vocalista y percusionista Cecil James, el baterista Woody Martin, los guitarristas John Coxen y Melvin Buckley y el bajista Terry Powney.
Su único álbum rezuma una magnifica colección de temas de blues progresivo, con acercamientos a sonidos country y psicodélicos.
Temas como la inicial “Country Ride”, un latigazo psicodélico con un solo de batería incluido, la blues progresiva “How It Began” la hipnótica “Blues For Brother E “, la psyche blues “Fourth I Wanna Go Where I Belong”, la country “Manhunt” o la jazzistica “Give It To You”, demuestran que pese a no mostrar nada extraordinario ni excepcional, una norma habitual por otra parte en muchos álbumes y grupos de aquella época, es la suma de todo su repertorio lo que les hace únicos y perdurables.
Esta magnifica colección de blues rock progresivo de estos londinenses, se ha convertido en otro de esos LPs raros y codiciados por los melómanos y los fans de las bandas oscuras de los 60 y 70.

Guns´N´Roses-Your Illusion I & II (1991)

Lejos de la afirmación gratuita que muchos hicieron de Guns´N´Roses, como la banda mas grande de hard rock de la década de los ochenta, hemos de reconocer que estos norteamericanos fueron unos de los principales artífices del resurgimiento de un genero que no pasaba por sus mejores momentos.
Creadores de dos de los mas memorables trabajos de los década como fueron “Appetite For Destruction” y “G N´R Lies”, en 1991 llegaron a la insólita decisión de lanzar al unísono dos álbumes dobles que bajo los títulos de “User Your Illusion I & II” asombraron al mundo por su hard rock ecléctico y visceral.
Con la misma formación de sus anteriores obras a excepción de su batería original Steve Adler, sustituido aquí por Matt Sorum, el resto estaba compuesto por el vocalista Axel Rose, el guitarra Slash, el guitarrista ritmico Izzy Stradlin, el bajista Duff McKagan y el teclista Dizzy Reed.
A diferencia del segundo volumen, el primero se caracteriza por fusionar el poderoso hard rock con elementos que van desde el blues hasta sonidos como el clásico rock and roll e incluso guiños al punk rock, mientras el segundo volumen muestra una faceta mas sombría, melancólica y oscura.
Así en este primer volumen, nos encontramos con temas viscerales y contundentes como "Right Next Doorto Hell” o “Don´t Damn Me”, que contrastan con las excelentes “Don´t Cry” o “November Rain”, la stoniana “Bad Obsessions”, la soberbia “Coma”, la southern rock “Dust´n ´Bones”, la compleja versión de The Wings “Live And Let Die” o la hard rock contundente “Back Off Bitch”.

Mientras en en el segundo volumen destacan la inspiradísima “Civil War”, uno de los temas clásicos de los Guns, la épica versión del tema de Bob Dylan “Knockin´ On Heaven´s Door”, la punk “Shotgun Blues”, la grandilocuente “Breakdown”, la sentida balada “Don´t Cry”, en una versión diferente a la del primer volumen o la poderosa rock “You Could Be Mine”.
La recepción comercial posterior de ambos trabajos tuvo como consecuencias unas ventas muy superiores del “Use Your Illusion I”, cifras que actualmente rozan los treinta millones, por contra de los cerca de los veinte del “Use Your Illusion II”, pero que sin embargo seria este ultimo quien alcanzara el primer puesto a ambos lados del Atlántico en las listas de éxitos, mientras el volumen uno no pasaría del segundo lugar.

Iron Maiden-Live After Death (1985)

“Live After Death” fue el primer álbum en directo de Iron Maiden y el que a la postre se convertiría en su disco en vivo mas representativo y una de las obras maestras del heavy metal.
Grabado durante la gira posterior al álbum “Powerslave” de 1984 y que fue denominada “World Slavery Tour”, simboliza el gran estado de forma de una formación que ya por entonces estaba considerada la banda de heavy metal mas apoteósica del mundo, mostrando el fiel reflejo de la fuerza y contundencia que ejercían sobre los escenarios.
Los temas extraídos para este doble álbum fueron grabados durante varios conciertos en los Estados Unidos y Inglaterra y presentaba a la que se considera la formación mas estable, longeva y exitosa de la banda.
En ella además del bajista Steve Harris, se encontraban el vocalista Bruce Dickinson, los guitarristas Adrian Smith y Dave Murray y el batería Nicko McBrain.
“Live After Death” ya muestra desde su icónica portada, creada por el famoso ilustrador Derek Riggs, que su repertorio esta cargado de pura adrenalina con un explosivo arsenal de temas poderosos como “Aces Hight”, “2 Minutes To Midnight”, “The Trooper”, “Revelations”, “Flight Of Icarus”, “Rime Of Ancient Mariner”, “The Number Of The Beast”, “Hallowed Be Thy Name”, “Sanctuary” o “Phantom Of The Opera”, todos ellos verdaderos himnos de Iron Maiden y del heavy metal en general.
La recepción posterior de este doble álbum en directo fue tan apoteósica como su contenido, logrando innumerables números uno alrededor del mundo y varios discos de platino por sus millonarias ventas.

The Pentangle-Basket Of Light (1969)

The Pentangle fueron una de las primeras bandas inglesas que fusionaron el folk británico con el jazz y blues, en una epoca en donde todavía no existía la denominación oficial de “prog-folk”, cuando lanzaron su álbum debut.
Fundados a mediados de los sesenta por dos de los mas grandes guitarristas del folk acústico; John Renbourn y Bert Jansch, ambos ya tenían tras de si una importante carrera como solistas antes de unirse para este proyecto. La cantante de folk Jacqui McShee quien ya había colaborado con Renbourn en su primer álbum, también se les uniría y que junto a los ex componentes de la Alexis Korner Blues Band, Terry Cox (batería) y el bajista Danny Thompson cerraban la formación de The Pentangle.
En 1968 llegaría su primer álbum, una sabia mezcla de jazz y folk fusionado con elementos de blues, ese mismo año fue publicado su segundo trabajo “Sweet Child” un doble LP, que contiene temas en estudio y en directo, destacando las composiciones de Charlie Mingus “Hatian Fight Song” y “Goodbye Pork Pie Hat”.
Un año después aparecería el álbum que aquí nos ocupa, “Basket Of Light”, su obra cumbre y en donde consiguen el equilibrio perfecto entre las canciones tradicionales de folk y su estilo jazz y blues, todo ello bañado con aires a la música medieval, con lo que consiguen un sonido mas uniforme que el anterior “Sweet Child”.
Un álbum que por otra parte y empezando por su famosa portada, en donde se observa a la banda actuando en un abarrotado Royal Albert Hall, llegaba en la cima de su popularidad
“Basket Of Light” se inicia con uno de los temas estandartes del grupo como es “Light Flight”, una compleja pieza sobre la cual McShee pone su estupenda voz, la tradicional “Once I Had A Sweetheart” nos muestra el virtuosismo de Renbourn con el sitar, mientras “Spring Time Promises” es otra elaborada composición esta vez con la voz principal de Jansch.
Después de la tradicional y jazzistica “Lyke-Wake Dirge” arreglada para tres voces, aparece la lúgubre “Hunting Song” otra composición popular, que da paso a la blues “Trian Song”, una soberbia pieza con un desarrollo entre ritmos acelerados y ralentizados con la voz de McShee. Por su parte “Sally Go Round The Roses”, una composición de Phil Spector, es el tema mas alegre con un estilo mas cercano al funk, para acabar con las medievales “The Cuckoo” y “House Carpenter”, cerrando así un álbum de gran belleza atemporal y una de las obras cumbres del jazz-folk-blues británico de todos los tiempos.

Crosby, Stills & Nash-Crosby, Stills & Nash (1969)

A finales de los sesenta una noticia causaba incredulidad y al mismo tiempo asombro en el mundo de la música rock, tres integrantes de otras tantas bandas emblemáticas del momento, unían sus fuerzas para fundar otra que se convertiría en la mayor sensación de la época.
Ellos eran David Crosby líder de The Byrds, Stephen Stills co-líder de los Buffalo Springfield y Graham Nash, una de las piezas fundamentales de The Hollies.
Este hecho insólito no había ocurrido nunca antes, por lo que levantaría una gran expectación cuando publicaron su primer álbum a mediados de 1969.
Sin embargo muchos dudaron de que esta especie de reunión tuviera una larga carrera, sus protagonistas se habían encontrado cuando ya tenían un largo camino a sus espaldas, cientos de aventuras personales y artísticas y demasiados sueños aún por realizar. Es por todo ello, por lo que Crosby, Stills & Nash fue un fugaz proyecto de ensueño, cuando la propia fantasía aún era posible, al menos en la música rock.
Este encuentro entre estas tres leyendas dio origen rápidamente al calificativo de súper grupo. Estos tres virtuosos músicos y experimentados compositores crearon un álbum sencillamente espectacular entre lo acústico y lo eléctrico, con unas armonías vocales fuera de serie, armando una serie de temas del folk y country rock herederos de Crosby y Stills con la sensibilidad del pop rock británico de Nash.
Un álbum que contiene desde temas reivindicativos y de protesta contra la Guerra del Vietnam, hasta hermosas melodías amorosas, pasando por evocaciones al asesinato de Robert Kennedy.
El álbum al completo no tiene nada descartable, con una colección de canciones memorables; “Suite: Judy Blue Eyes”, un tributo de Stephen Stills a Judy Collins, la bellísima “Marrakesh Express” de Grahm Nash, la delicada folk rock “Long Time Gone”, o la espléndida “Wooden Ships”, ambas de David Crosby, la encantadora e irresistible melodía vocal “Helplessly Hoping” de Stills o la folk pop “Pre-Road Down” de Graham Nash.
Este documento histórico obtuvo el premio Grammy al mejor artista del año, mientras comercialmente les supuso a CS&N, recibir cuatro discos de platino y alcanzar unas enormes ventas a nivel mundial.

Lou Reed-Transformer (1972)

Un año después de abandonar The Velvet Underground, Lou Reed publico su primer álbum en solitario, el cual fue un rotundo fracaso que pasaría sin pena ni gloria, pese a contar entre los que colaboraron en su grabación a los componentes de la banda progresiva Yes, Steve Howe y Rick Wakeman.
Siete meses después el músico neoyorquino publico su segundo álbum, “Transformer”, el cual se convierte en uno de sus trabajos mas importantes y en donde su irónico titulo ya daba a entender su radical transformación.
En esta ocasión Lou Reed obtiene la ayuda de un plantel totalmente diferente al anterior disco, empezando por David Bowie y Mick Ronson quienes además fueron los co-productores del álbum, entre otros importantes músicos como el bajista Herbie Flowers o el batería John Halsey.
La contribución de Bowie y Ronson resultaría crucial en el sonido final de “Transformer” otorgando un plus mas atractivo, pese a que el sonido final no esta muy alejado de lo que ya había hecho con su banda madre años atrás.
El papel determinante de David Bowie fue decisivo en los comportamientos posteriores de Lou Reed y su letras ambiguas cantando sobre temas como la homosexualidad o el travestismo, asuntos por otra parte que ya habían sido parte de su ironía y su burlesca teatralidad hasta esos momentos.
Pero sin embargo es el tema “Walk On The Wild Side”, quien aúpa realmente este segundo trabajo, convirtiendo a esta sórdida y distendida canción en el mayor hito de toda su carrera. El resto de temas navega entre los sonidos crudos y contundentes como “Hangin´Round”, “Vicious” o “Satellite Of Love”, y los sonidos mas eclécticos como la cabaretera “Make Up” o la orquestada “Perfect Day”.
Con “Transformer”, Lou Reed conseguiría despegar su carrera artística, después del tremendo traspiés en su debut, consiguiendo entrar en las listas británicas y en el Billboard norteamericano y un disco de platino por sus ventas.

Crow-Crow Music (1969)

Crow fueron una interesante banda norteamericana de heavy blues que son reconocidos por su cancion “Evil Woman”, la cual fue versioneada mas tarde por Black Sabbath y que incluyeron en su primer álbum, teniendo cierta relevancia en las listas británicas.
Fundados en Minneapolis, Crow apenas tuvieron tres años de historia, desde 1969 a 1972, hasta que en 1980 volvieron con algunos cambios de formación y estuvieron activos hasta cerca del año 2010 actuando frecuentemente por diferentes estados de Norteamérica.
Su formación inicial estaba formada por el vocalista Dave Wagner, el guitarra Dick Wiegand, el batería Harry Nehls, el bajista Larry Wiegand y el teclista Dave Middlemist.
Ya en 1968 y bajo el nombre se South 40, esta misma formación había publicado un álbum de escasa repercusión.
En 1969 ya como Crow y con el baterista Denny Craswell, sustituto de Nehls, firman un contrato con el sello independiente Amaret, subsidiaria de la Columbia Records y publican su primer álbum “Crow Music”. A partir de aquí, en los siguientes dos años, obtienen su punto más álgido colocando media docena de canciones en el top 100 norteamericano. En este primer disco, Crow muestra un poderoso ejercicio de heavy blues rock con pinceladas de funk como queda demostrado en cortes como la mencionada “”Evil Woman”, un crudo heavy rock que es prácticamente idéntica a la versión que luego harían Black Sabbath, la agresiva y pesada hard rock “White Eyes”, la hipnótica “Thoughts”, las funk “Da da Song” y “Time To Make A Turn”, la lisérgica “Busy Day” o la jam blues psicodélica “Sleepy Woman”.

Omega-The Hall Of Floaters In The Sky (1975)

Omega, son la banda de rock húngara más exitosa de la historia de su país, que incluso tuvieron una gran aceptación a nivel internacional. Tal fue su enorme éxito que a medida que fueron publicando álbumes en otros países se hizo necesario romper la barrera del idioma, dejando atrás su lengua materna para cantar en ingles. Su estilo es una combinación de los sonidos vanguardistas de la Europa del Este con influencias sinfónicas y progresivas, pero con pinceladas del hard rock británico de los 70. El resultado es un sonido orquestado y oscuro combinado con una improvisación extensa y bien desarrollada. Su discografía había comenzado a finales de los años 60 y el grupo ha estado vigente hasta el año 2020 cuando lanzaron su ultimo álbum con unos sonidos más modernos y actualizados. De 1968 a 1975: Omega publicaron una serie de álbumes que básicamente estaban orientados al pop rock brillante con acercamientos a sonidos psicodélicos y unas atractivas baladas
A partir de 1976 hasta el año 81, lanzaron cuatro álbumes orientados al space rock y al rock progresivo con grandes arreglos y una amplia influencia de bandas con ecos a los Pink Floyd mas atmosféricos y al hard rock progresivo de los germanos Eloy.
De esta epoca son "Time Robber" (1976), uno de sus mejores trabajos con sonidos espaciales y electrónicos, aunque es "Skyrover" (1978), el más diverso musicalmente. En esa misma onda siguieron "Gammapolis" (1979) y "Working" (1981).
Uno de los aspectos destacados de esta banda es que desde 1971 han mantenido increíblemente la misma formación hasta el año 2020, cuando lanzaron su ultimo trabajo "Testamentum" y esta compuesta por el vocalista János Kóborl, el guitarrista György Molnár, László Benkő, teclista y voces, Tamás Mihály bajo y el batería Ferenc Debreceni.
Con su noveno disco publicado en 1975, titulado "The Hall Of Floaters In The Sky", la banda comienza de manera clara su orientación progresiva, un maravilloso ejemplo del estilo sinfónico de esta banda hecho al estilo europeo, en gran medida influenciados por las bandas británicas punteras como Yes, Génesis o Pink Floyd. Un álbum repleto de sonidos de sintetizador, acompañado con guitarras metálicas, pulido con voces en inglés arenosas y colmado de la suficiente creatividad instrumental para no envidiar a la mayoría de los grupos de rock de mediados de los setenta. Este es un álbum verdaderamente notable, con una instrumentación dura y enérgica, llena de melodías pegadizas y algunos solos diabólicamente atractivos. Pese a ser grabado en 1975, su sonido se inclina hacia las típicas producciones electrónicas que serian habituales en la década de los 80, aunque con la sensibilidad de la década de los 70. Lo mas destacado de este álbum es 'Magician', que comienza con un musculoso y charlatán toque de guitarra cortesía de Gyorgy Molnar, o los ocho minutos de '20th Century Town Dweller', que equilibra unas líneas de sintetizador brillantes con un bajo y una batería palpitantes. El resto sigue una línea parecida con la poderosa y melódica “Movin´World”, repleta de mellotrones y sonidos atmosféricos, o las space rock “One Mand Land” y “Never Feel Shame”, ambas con unos ritmos vertiginosos de grandes riffs de guitarra y inmensas capas de teclados
Todos sus siguientes lanzamientos estuvieron repletos de un rock progresivo duro y creativo de gran clase. Sin embargo a partir de 1981 la banda se oriento hacia un género electrónico de pop rock sofisticado con elementos progresivos. No obstante la banda comenzó a mostrar claros signos de estancamiento creativo. Poco después de su vigésimo álbum publicado en 1986, Omega se disolvieron definitivamente. Transcurridos siete años de largo silencio, la banda volvió a reunirse y grabaron un nuevo álbum en 1995, "Transcendent", un trabajo con grandes teclados y unas atrayentes atmósferas progresivas que después de casi 30 años, demostraron con ello que esta banda húngara seguían siendo una leyenda dentro del rock progresivo mundial.

Fleetwood Mac-Tusk (1979)

Dos años después del impacto que supuso el tremendo y apoteósico “Rumours”, los componentes de Fleetwood Mac ya casi habían cicatrizado sus heridas y disputas que desembocaría en las rupturas sentimentales de Christine-John McVie y Lindsey Buckingham y Steve Nicks. Estas rupturas también tendrían sus consecuencias musicales en el siguiente álbum “Tusk”, publicado casi a finales de 1979.
Lanzado como doble álbum, es sin duda el trabajo mas vanguardista y experimental de Fleetwood Mac, en donde además del clásico estilo West Coast de la banda, hay sonidos muy cercanos al punk rock y a unos sonidos mas especulativos.
Todo ello es sin duda producto del mayor protagonismo en el álbum de Buckingham, quien firma casi la mitad de las veinte canciones que componen el trabajo, mientras el resto esta repartido entre Christine McVie y Steve Nicks.
Un doble Lp que pese a su poca cohesión entre todos sus temas, es precisamente esa amalgama de sonidos los que le otorgan un brillante resultado final.
Son justamente los temas firmados por el guitarrista quien mas se sale de la tónica habitual de la banda con temas como la rítmica country “The Ledge”, la folk intimista “Save Me A Place”, la rock “What Makes You Think You´re The One”, la atmosférica “That´s All For Everyone”, la punk rock “Not That Funny” o las country rock “That´s Enough For Me” y “I Know I´m Not Wrong”. Por su parte McVie firma las melódicas “Brown Eyes”, “Never Make Me Cry”, “Honey Hi”, la intensa y hermosa “Over & Over” o la rock “Think About Me”, mientras Stevie Nicks deja su impronta en la soberbia “Sara”, uno de los clásicos de la banda, la minimalista “Storms”, la melódica “Angel” o la intensa “Beautiful Child”, acabando este monumental disco de nuevo Buckingham con el rock melódico ”Walk a Thin Line” y con la estruendosa “Tusk”.
La recepción posterior tuvo otra gran acogida tanto por la critica como por el publico, sin embargo no llegaría a superar las cifras astronómicas de su predecesor, aún así obtuvo media docena de discos de platino por sus ventas a nivel mundial.

Frank Zappa-Hot Rats (1969)

En 1969 Frank Zappa publicaba su segundo álbum en solitario y el séptimo contando con los cinco grabados junto a su banda The Mothers Of Invention. Este es un disco que esta catalogado como una de las mayores aportaciones a la música rock, gracias a su soberbio acople musical y sus experimentaciones con el jazz y el rock progresivo. Para esta grabación Zappa contaría con la colaboración de Captain Beefheart, Jean-Luc Ponty, Lowell George, Ian Underwood, Shuggie Otis, Max Bennet, Paul Humphrey y John Guerin y fue grabado durante los meses de julio y agosto de 1969 en diferentes estudios de Los Ángeles. En “Hot Rats”, Frank Zappa deja de lado sus temas cantados con esas irónicas y humorísticas letras por un trabajo totalmente instrumental, en una sabia mezcla de jazz y rock con sonidos vanguardistas, y uno de sus trabajos en donde mejor demuestra su virtuosismo con la guitarra con sus espectaculares solos. “Hot Rats” se inicia con el esplendido “Peaches In Regalia”, en donde el salvaje solo de guitarra de Zappa sienta cátedra, sin embargo es en “The Gumbo Varationes” donde Zappa muestra todas sus facetas guitarrísticas con una amplísima variedad de punteos a cual mas sorprendente. La jazz rock “Willie The Pimp”, es otra de las destacadas con un gran desarrollo progresivo, por su parte en “Son Of Mr. Greens Genes” cobran protagonismo los instrumentos de viento con un pletórico Underwood con los teclados y los magníficos metales. Mientras la jazzistica “Little Umbrellas” y la experimental “I Must Be A Camel” cierran este memorable álbum. “Hot Rats” es el disco favorito para muchos de sus fans, sobre todo, los que admiran la faceta guitarrística de un genio como Frank Zappa.

King Crimson-Lizard (1970)

Después de sus dos primeros y enormes álbumes, Robert Fripp le dio otra vuelta de tuerca al sonido de King Crimson, distanciándose de la propuesta inicial con esa grandeza y arrolladora inspiración clásica y cacofónica controlada que lo tipificaron, para en este tercer trabajo adentrarse en sonidos aún mas progresivos y eclécticos como el free jazz.
Para esta ocasión Fripp se rodeo de un plantel que difiere en parte de los que grabaron sus dos primeras obras, aquí aparece por primera vez el baterista Andy McCulloch, mientras el bajista y cantante Gordon Haskell junto a el saxofonista Mel Collins vuelven a ser miembros fijos de la banda, en sustitución de Greg Lake, Michael Giles y Peter Giles, completando el plantel de músicos, el teclista Keith Tippet, Robin Miller (oboe), Nick Evans (trombón), Marc Charing (corneta), el letrista Pete Sinfield y el vocalista de Yes, Jon Anderson, que pone su hermosa voz en el soberbio “Prince Rupert Awakes”.
En “Lizard” se muestra una estructura bastante diferente a lo hecho hasta esos momentos, con temas mas largos divididos en diferentes secciones, con grandes desarrollos, en una clara similitud a la música clásica, con un inmenso Robert Fripp demostrando su deslumbrante guitarra, unas letras poéticas y surrealistas de Pete Sinfield, y el uso intensivo y elocuente del Mellotrón, con momentos que van desde la belleza devastada y afligida hasta momentos siniestros y repulsivos convirtiendo a este álbum en uno de sus trabajos mas arrogantes y oscuros, pero al mismo tiempo repleto de originalidad
Pese a que sigue dominando esa aura pesimista, musicalmente nos encontramos con piezas de mayor belleza, como queda demostrado en las jazzisticas “Indoor Games” y “Happy Family”, o en la compleja e inaccesible “Cirkus”, mientras la epopeya “Lizard”, es una suite con ese sabor mas puramente rock y su orientación progresiva y una menor experimentación jazzistica, en donde sobresalen los sonidos grandiosos del Mellotrón y unos arreglos de claro corte clásico.
“Lizard” una de las obras mas brillantes de la historia del rock progresivo, que ha resistido el paso del tiempo y que esta considerado otro de los discos imprescindibles de KC.

Ozzy Osbourne-Blizzard Of Ozz (1980)

Cuando a finales de los 70, Ozzy Osbourne fue expulsado de Black Sabbath por sus adicciones a las drogas y su casi total alejamiento en las decisiones de la banda, muchos se cuestionaron que el cantante pudiera ni siquiera emprender una respetable carrera en solitario.
Sin embargo y después de superar una fuerte depresión por la muerte de su padre y por el triste final con su banda madre, Ozzy se recupera en parte de sus adiciones y firma un contrato con el sello Jet Records.
Decidido a comenzar su propia carrera en solitario, forma una banda compuesta por el baterista de Uriah Heep, Lee Kerslake, el ex bajista de Rainbow, Bob Daisley, el ex teclista de Rainbow, Don Airey, y el joven guitarrista de Quiet Riot, Randy Rhoads.
Con esta formidable formación se grabaría el espectacular “Blizzard Of Ozz”, que a diferencia de sus trabajos con Black Sabbath muestra un estilo de Heavy Metal mas versátil y ingenioso
Un álbum que descubriría al mundo el talento de un guitarrista sensacional como fue Randy Rhoads, y que convirtiera al propio Ozzy en una estrella del heavy metal.
Destacar un solo tema en “Blizzard Of Ozz” es prácticamente imposible, su repertorio es simplemente sensacional, con una serie de temas, todos unos clásicos del heavy metal como “I Don´t Know”, “Crazy Train”, “Suicide Solution”, “Mr.Crowley”, “No Bone Movies” o “Steal Away”.
“Blizzard Of Ozz” fue un álbum que se convirtió en uno de los mas vendidos de la década de los ochenta con mas de siete millones de copias a nivel mundial y una de las obras maestra absolutas del heavy metal.