domingo, 31 de julio de 2022

The Cure-The Head On The Door (1985)

“The Head On The Door” fue el álbum que catapultaría mundialmente a The Cure, una banda que hasta esos momentos había publicado una serie de trabajos oscuros de rock gótico poco accesibles al gran publico y que se mostraban así mismos como una imagen peculiar y única en el mundo de la música pop y rock.
En 1985 The Cure venían de hacer su famosa trilogía de rock gótico como fueron sus álbumes “Seventeen Seconds” (1980), “Faith" (1981) y “Pornography” (1982), todos ellos considerados parte esencial de estilo gótico y al mismo tiempo obras de culto entre los seguidores del genero.
Con esta nueva entrega The Cure además obtuvieron el éxito comercial con varios discos de oro en los mercados norteamericano y británico y fue elegido como uno de los mejores de la música pop rock del año 1985.
Un álbum en donde destacaban la singular “The Blood”, la épica “Night Like This”, las accesibles y melódicas “In Between Days” y “Close To Me” o las góticas “Push” y “Six Diffrent Ways”.
“The Head On The Door” seria el primero de la segunda trilogía de The Cure, también llamada la “transición pop”, y que resultaría la mas exitosa comercialmente y con la que empezaban a dejar atrás su rock oscuro y gótico característico, evolucionándolo hacia un estilo mas pop y asequible, con los álbumes “Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me” (1987) y “Desintegration” de varios años mas tarde.

viernes, 29 de julio de 2022

The Stooges-Fun House (1970)

The Stooges provenían de los suburbios de Detroit, de los barrios en donde se asentaba la clase obrera que magnifico esa ciudad como la mas grande industria automovilística durante gran parte del siglo veinte, pero también donde nació un sonido que pronto se convertiría en una seña de identidad para millones de jóvenes de Estados Unidos y del resto del mundo.
Su legado musical fue alimentado por la constante inmigración producida en los años 20 del siglo pasado, en este gigante de hormigón de asfalto, y de grandes y viejas fabricas, había además de masivas producciones, muchas joyas musicales y una de ellas fue el álbum “Fun House” de The Stooges.
1967 fue el año del nacimiento de esta banda formada por los hermanos Asheton, Ron (guitarra) y Scott (batería), el bajista Dave Alexander y el vocalista James Newell Osterborg, el cual era mas conocido como Iggy Pop.
En un principio llamados Iggy Pop and The Stooges, se labraron una gran reputación por sus violentos y salvajes directos en los locales de Detroit, hechos que pronto llamarían la atención del sello Elektra, la cual les firma un contrato para la grabación de varios álbumes.
Su álbum debut “The Stooges” fue publicado en 1969, un disco de incontenible y salvaje rock psicodélico y descarnado rock de garaje. Por entonces The Stooges competían con bandas coetáneas de similar movimiento musical como eran los MC5 y The Velvet Undeground, sin embargo los primeros estaban mas ocupados por sus enfrascadas revueltas sociales y los segundos en descubrir sonidos mas vanguardistas, mientras The Stooges eran la esencia pura de la provocación y la distorsión musical.
En su siguiente álbum “Fun House”, publicado un año después, la banda muestra un temprano estilo punk rock, con temas que fundamentaron los cimientos de un genero que aun tardaría varios años en explosionar de manera oficial.
Temas como la hipnótica y magnética “Down On The Street” se convierte en una de sus piezas mas celebres y memorables con su frenético ritmo alucinógeno, las punk rock vertiginosas “Loose” y “T.V. Eye”, contrastan con la blues psicodélica “Dirt”, que pone el momento tranquilizante a un álbum arrollador y visceral. La trepidante lisérgica “1970”, la jazzistica y psicodélica “Fun House” y la excéntrica y desquiciada “L.A.Blues”, dan por finalizado un disco que esta entre lo mejor y mas influyente de la música popular, y aunque considerado de culto, es sin duda una de las obras maestras de la historia del rock.

miércoles, 27 de julio de 2022

Led Zeppelin-Physical Graffiti (1975)

1974 fue un año de relativa tranquilidad para Led Zeppelin. Ese año ni grabarían nuevo material, ni tampoco salieron de gira, en vez de ello se dedicaron a promocionar su nuevo sello discográfico; Swan Song. Entre los artistas que figuraban bajo la nomina de esta compañía figuraban; Bad Company, The Pretty Things y Maggie Bell. Para promocionarlos, todos los integrantes del grupo decidieron participar individualmente en las presentaciones de los álbumes de estos artistas, organizando fiestas en Los Ángeles, Nueva York y Londres. Sin embargo casi a finales de ese año decidieron volver a los estudios y empezar a grabar un nuevo álbum, el primero que saldría para la recién estrenada Swang Song.
El álbum resultante seria “Physical Griffiti”, un doble LP que seria publicado casi a mediados de 1975. En este nuevo trabajo, casi la mitad son canciones inéditas que nunca fueron incluidas en sus trabajos anteriores y el resto son nuevas composiciones que terminan por completar los quince incluidos en el doble disco.
A diferencia de todos sus lanzamientos anteriores, este es el primero donde la banda muestra su lado mas versátil y ecléctico, con una gran variedad de estilos que van desde el hard rock hasta el rock progresivo, pasando por el folk o el rock´n´roll.
Con una de las portadas mas icónicas de la música rock, venia a demostrar que después de cinco antológicos y soberbios discos, la banda seguía manteniendo una altísima creatividad musical acallando con ello a algunos sectores de la prensa que daban por acabada la carrera del grupo.
Entre las nuevas composiciones destacan la monumental progresiva “Kashmir”, con esos arabescos arreglos, los portentosos riffs de Jimmy Page y los teclados omnipresentes de John Paul Jones, la blues rock extensa “In My Time Of Dying”, la progresiva y exótica “In The Light”, la compleja balada “Ten Years Gone” o la funky rock “Trampled Under Foot”. Mientras de los temas rescatados destacan la poderosa hard rock “The Rover”, la contagiosa “Houses Of The Holy”, la rock´n´roll “Black Country Woman”, todas ellas desechadas del álbum “Houses of The Holy”, la acustica “Bron-Yr-Aur” descartada del “Led Zeppelin III” o la versátil “Down By The Seaside” que fue descartada del “Led Zeppelin IV”.
“Physical Graffiti” se convertiría en la enésima obra maestra de Led Zeppelin, con unas criticas muy favorables y un gran recibimiento por parte del publico, logrando el numero uno a ambos lados del Atlántico, con unas ventas que superaron los quince millones de copias.

lunes, 25 de julio de 2022

Alice Cooper-School´s Out (1972)

Resulta curioso como una sola canción puede eclipsar gran parte del resto de temas que componen un álbum, pese a su enorme calidad. Y este hecho es demostrable en el quinto disco de Alice Cooper, “School´s Out”, lanzado a principios de 1973 y que al mismo tiempo se convirtió en una de sus obras mas exitosas y uno de sus momentos cumbres junto con “Billion Dollar Babies” o “Killer”. Grabado en los estudios Record Plant de Nueva York, Cooper contaría para esta grabación con la ayuda del guitarrista Dick Wagner y la estimable producción de Bob Ezrin, además de su habitual banda compuesta por Dennis Dunaway, el batería Neal Smith y el teclista Michael Bruce.
“School´s Out” fue creado a modo de obra conceptual y contiene ciertos elementos progresivos, al menos en el concepto y en donde sobresalen la irresistible canción que da titulo al álbum, un clásico del rock juvenil, la cabaret “Gutter Cat vs. The Jets”, la barriobajera y punk “Luney Tune”, la deudora de los sonidos jazzisticos “Blue Turk”, con un sonido muy cercano a The Doors, la stoniana “Public Animal #9” o la opulenta “Grande Finale”, temas todos ellos que componen un trabajo soberbio, pero que en cierto modo desequilibra el resultado final, de manera injusta, debido al tremendo hit que supuso el single "School´s Out" y que sepulto en cierta medida un repertorio de grandes canciones.              

sábado, 23 de julio de 2022

Genesis-The Lamb Lies Down On Broadway (1974)

Si tuviéramos que nombrar discos conceptuales, sin duda nos acordaremos de obras como “The Wall” (Pink Floyd), “The Snow Goose” (Camel), o “Thick As A Brick” (Jethro Tull), pero sobre todo de “The Lamb Lies Down On Broadway”, uno de los álbumes de art rock conceptuales por excelencia, la obra que fue el canto del cisne de Genesis en su época mas esplendorosa con Peter Gabriel al frente.
Hasta la publicación de este monumental doble álbum, Genesis eran los máximos exponentes del art rock británico mas sofisticado, dramático y culto, todo ello bajo la influencia del mencionado Peter Gabriel, el líder indiscutible y la principal mente creativa de la banda. Pero el resto estaba casi a su misma altura, con una instrumentación barroca no exenta de una grandísima calidad debido al virtuosismo de todos sus integrantes. “Trespass”, Nursery Crime”, “Foxtrot” y sobre todo “Selling England By The Pound”, ponían de manifiesto todo lo anterior, con unos álbumes progresivos, bucólicos, épicos y magistrales.
The Lamb ... " significaría su trabajo mas americano y el menos ingles, aquí el rock contundente y poderoso desplaza en muchos momentos al rock sinfónico y progresivo, donde explotan toda su enorme creatividad y calidad, tanto instrumental como lírica, relatando la historia de un personaje de ficción creado por Peter Gabriel llamado "Rael" que recorre las calles de Nueva York buscando su propia identidad entre la locura y los sueños, y que se dedica a pintar graffittis sobre los muros del metro de la ciudad, y que es extrañamente transportado por un laberíntico mundo subterráneo en donde encuentra las almas perdidas conocidas como "The Carpet Crawlers”, la ciega, “Lilywhite Lilith”, la codiciosa mujer-serpiente, “The Lamia” y el leproso “Slipperman”. Tony Banks, Phil Collins, Mike Rutherford y Steve Hackett son los autores de la mayor parte de la música, con aportaciones de Brian Eno, mientras Gabriel es el encargado del argumento y las letras del álbum. El resultado final es un complemento perfecto entre el desarrollo de la historia, las letras y la música, en una atmósfera tan real como hipnótica, como queda demostrado desde la épica “The Carpet Crawlers” hasta la magistral “Back In N.Y.C.”, pasando por el erotismo irónico de “Counting Out Time”, el entramado sonoro de “The Waiting Room”, la contundente “In The Cage”, la dinámica “The Lamb Lies...” o las seductoras “The Lamia” y The Silent Sorrow”.
Instrumentalmente todos los componentes rozan la perfección, pero son sin duda Steve Hackett y Tony Banks quienes están sublimes con sus aportaciones, el primero gracias a los imposibles sonidos que logra sustraer de su guitarra y el segundo con esas cascadas de sonidos de Mellotron y Moogs que enriquecen atmosféricamente la historia aquí descrita. Por su parte Collins y Rutherford muestran su virtuosismo con la poderosa y perfecta base rítmica.
“The Lamb Lies...”, resulto el proyecto mas ambicioso y el mas rico musicalmente de Genesis. La gira posterior promocionado el álbum fue apoteósica, con una representación visual impresionante, con un amplio uso de diapositivas, un juego de luces alucinante y una puesta en escena espectacular, con Peter Gabriel personalizando a “Rael” con tejanos y chaqueta de cuero, utilizando un numero increíble de elementos para personificar los diferentes personajes de la representación.
Pero a partir de aquí el resentimiento del resto de la banda hacia el papel predominante que Gabriel había adquirido dentro de Genesis, amenazaba con terminar en ruptura; pero el cantante ya había decidido abandonar el grupo al finalizar la gira mundial. A partir de ahora comenzaba la segunda etapa de Genesis, esta vez con Phil Collins en el rol de vocalista...pero esa es otra historia.

jueves, 21 de julio de 2022

Man-2 Ozs Of Plastic With A Hole In The Middle (1969)

Considerados una banda de culto por excelencia, Man nunca tuvieron ni la fama ni la gloria de otras bandas mas punteras que se movían en el circuito del rock progresivo, sin embargo su enorme calidad, junto a una serie de obras emblemáticas, los colocaron entre lo mejor y mas relevante del rock progresivo de la década de los 70. Formados a finales de los sesenta en Gales a partir de la fusión de dos bandas locales como fueron The Dream y The Bystanders, firmarían un contrato con el sello britanico Pye Records, quien les produjeron su primer larga duración “Revelation”, (1969) un álbum conceptual con un estilo que navegaba entre los sonidos psicodélicos, retazos de blues y unas brillantes armonías pop que los emparentaban con sus coetáneos del krautrock.
Ese mismo año de 1969 la banda publica “2 Ozs Of Plastic With A Hole In The Middle”, en donde hay una mayor ambición compositiva y con ello entran de lleno en el rock progresivo, sin dejar de lado su estilo psicodélico tan imperante, como queda demostrado en la inicial suite “A Prelude/ The Storm”, mientras que la vena experimental la encontramos en el blues progresivo “It´ Is As It Must Be”, por otro lado “Brother Arnold´s Red and White Striped Tent” es un acercamiento al jazz progresivo británico de finales de los sesenta y la rítmica “Spunk Box” esta a medio camino entre el heavy prog y los sonidos psicodélicos, por ultimo “My Name Is Jesus Smith” es una composición pop rock de la etapa de The Bystanders, que representa el momento mas comercial del álbum y un claro guiño al pasado de la banda.

martes, 19 de julio de 2022

Phenomena-Phenomena (1984)

A mediados de la década de los ochenta el bajista Glenn Hughes se alío con diferentes y afamados músicos como Neil Murray, Don Airey, Cozy Powell o Mel Galley y formo el proyecto Phenomena, un supergrupo que se limitarían a grabar esporádicamente sin tener ataduras contractuales de ninguno de sus miembros, por lo que nunca fueron una banda al uso.
Su primer álbum y al igual que su nombre de reminiscencias paranormales, estaba repleto de alegorías relacionadas con la numerología o las ciencias misteriosas. Musicalmente este proyecto creo un álbum rebosante de grandes temas muy elaborados con estilos dispares como el heavy sinfónico, el power metal, la opera rock o elementos del folk rock.
Esta atractiva fusión de estilos estaba bañada de sonidos de sintetizadores atmosféricos y épicos, con una base del mas genuino AOR propio de la década de los ochenta y todo ello envuelto en la excelente voz de Hughes.
Desde la inicial, la adictiva y épica “Kiss Of Fire” hasta el final con la oscura y operística “Phenomena”, el álbum va transcurriendo por magníficos cortes como la vigorosa “Still The Night”, la intensa “Dance With The Devil”, la hard progresiva “Believe” o la irresistible melódica de “Twilight Zone”.
Este sorprendente primer álbum tuvo algunos años mas tarde una segunda continuación con el mas previsible pero igualmente interesante y soberbio “Dream Runner” en donde se habían integrado nuevos componentes como John Wetton, Ray Gillan o Max Bacon, y en donde sobresalían la arrebatadora y melódica “Did It All For Love”, la contundente “Double 6, 55, Double 4”, la AOR “No Retreat, No Surrender” o la pomposa hard rock “Emotion Mama”.
Años mas tarde Mel Galley reflotaría el proyecto publicando una tercera entrega titulada “Inner Vision” con unos parámetros muy parecidos a sus dos primeras obras, pero ya sin su impacto mediático.

domingo, 17 de julio de 2022

Budgie-Turn Your Back On A Friend (1973)

1973 seria el año en que los galeses Budgie se catapultaron como banda de culto en el circuito del hard rock británico tras la publicación de su álbum “Turn Your Back On A Friend”. Popularmente emparentados con sus coetáneos Black Sabbath, ellos nunca tuvieron el beneplácito del publico del otro lado del Atlántico, como si lo tuvieron los mencionados Black Sabbath, pero aún así se forjaron una grandísima legión de seguidores en las Islas Británicas y en Europa, en donde tuvieron un merecido y aclamado reconocimiento y éxito comercial. Aunque formados a finales de 1967, no publicarían su primer trabajo hasta 1971, con su estupendo debut “Budgie”, el cual tuvo una gran recepción de critica y los pondría en la órbita de las bandas noveles del heavy metal y el hard rock de principios de los setenta.
Con su segunda obra “Squawk”, la banda confirma su status musical aunque ya empezaban a orientar su sonido hacia derroteros mas progresivos, consiguiendo además unas grandes ventas que le proporcionan su primer disco de oro en el Reino Unido.
Su siguiente movimiento discográfico seria este “Turn Your Back On A Friend”, el cual comienza con uno de los himnos por excelencia del hard rock mundial, “Breadfan” y que caracteriza el sonido clásico de Budgie con esos riffs agudos de la guitarra de Tony Bourge, la galopante versión del clásico “Baby Please Don´t Go” resulta cuanto menos devastadora, mientras “You Know I´ll Always Love You” supone un remanso de paz antes de las atronadoras “You´re The Biggest Thing Since” y “In The Grip Of A Tyrefitter´s Hand”, que desembocan en la tranquila y bucólica “Riding My Nightmare”, antesala del tema mas largo y épico del álbum, la progresiva y monumental “Parents”, con la cual da finalizado uno de los discos imprescindibles de la década de los 70 y uno de los mayores hitos de la música rock.

viernes, 15 de julio de 2022

Asia-Aqua (1992)

Justo diez años después de su debut, Asia publicaron su cuarto álbum, titulado “Aqua”, con el que empezarían un nuevo ciclo mas enfocado en los sonidos AOR y el rock melódico.
Pero en 1992 la banda había sufrido diferentes cambios de formación, primero fue John Wetton quien se iría por un tiempo siendo reemplazado por Greg Lake, con quien no llegaron a grabar ningún material de manera oficial. Una vez regreso Wetton para la grabación del álbum “Astra”, seria Steve Howe quien abandonara la nave, siendo sustituido por el guitarrista Mandy Meyer, sin embargo esta alineación tampoco iba a durar mucho, algún tiempo después el propio Mayer seria sustituido por Pat Thrall. Una vez mas, esta formación tampoco se alargaría demasiado en el tiempo, y para este “Aqua”, Wetton volvería a abandonar, siendo sustituido esta vez por John Payne y lo mismo sucedería con Pat Thrall siendo reemplazado por el guitarrista Al Pitrelli.
Con todo este desbarajuste de idas y venidas aparece la figura de Steve Howe, quien aquí entra como músico invitado, lo que haría que tres de los cuatro miembros originales estuvieran involucrados en este nuevo disco.
Otro cambio significativo seria el diseño de la portada del álbum, esta vez seria obra del diseñador Rodney Matthews, en detrimento del habitual Roger Dean.
Musicalmente también habían cambiado mucho las cosas, si ya desde el anterior álbum, el grupo se había desviado sutilmente hacia los sonidos mas comerciales y melódicos, con este “Aqua” reafirmaron esa tendencia, con un punto mas hard rock, pero sin olvidar por completo sus orígenes progresivos.
La incorporación de Payne y Pitrelli dotan de mas versatilidad musical el resultado final, mientras el primero muestra unas grandes dotes como cantante y un experimentado bajista, el segundo es el responsable de las partes mas poderosas con sus riffs enérgicos y su estilo hard rock.
Desde la inicial “Who Will Stop The Rain”, la banda demuestra que sus derroteros están claramente orientados al rock melódico, así también queda demostrado con “Little Rich Boy”, “Back In Town”, “Someday” o “Lay Down Your Arms”, mientras la vena progresiva esta presentes en cortes como “Lay Down Your Arms” o “Heaven On Earth”, sin dejar de mencionar los adictivos medios tiempos como “Don´t Call Me” o “Crime Of The Heart”.
Para muchos este álbum supuso el paso transitorio entre los Asia mas clásicos de los 80 y los liderados por Geoff Downes en los 90 y como tal ofrece lo mejor de las dos etapas.

miércoles, 13 de julio de 2022

Elton John-Rock Of The Westies (1975)

“Rock Of The Westies” pese a ser uno de los mejores álbumes de Elton John, esta oscurecido por su anterior trabajo, el espectacular “Captain Fantastic And The Brown Dirt Cowboy”, con el cual prácticamente se convertía en una rutilante súper estrella del rock a nivel mundial.
Si bien con sus primeros ocho álbumes ya había conseguido la mieles del éxito con numerosos numerosos uno y millones de discos vendidos, con el mencionado “Captain Fantastic...”, Elton John consigue la coherencia y consistencia necesaria para un trabajo tan versátil como este, en donde se dan la mano sonidos que van desde el rock hasta el soul pasando por otros estilos como el country.
Pero en una poco acertada maniobra comercial por parte de su discográfica, lanzando este “Rock Of The Westies” pocos meses después del “Captain Fantastic”, lastraría enormemente su reconocimiento musical y un mayor éxito comercial. Pese a todo y sin conseguir las abrumadoras cifras de ventas que su predecesor, lograría encaramarse en el numero uno en los Estados Unidos y un quinto puesto en Inglaterra.
“Rock Of The Westies” esta considerado uno de los trabajos mas puramente rock del cantante británico, en donde las melodías potentes y contundentes son el denominador común como demuestran temas como la inicial “Medley: Yell Help/ Wenesday Night/ Ugly“, o las poderosas “Grow Some Funk Of Your Own”, “Streets Kids” y “Billy Bones And The White Bird”, que son el contrapunto de memorables baladas y medios tiempos “Don´t Go Breaking My Heart”, “Feed Me” y “I Feel I Like A Bullet ( In The Gun Of Robert Ford)” o irresistibles melodías pegadizas como “Dan Dare (Pilot Of The Future”, “Hard Lucky Story” y “Island Girl”.

lunes, 11 de julio de 2022

Manfred Mann´s Earth Band-Nightingales And Bombers (1975)

“Nightingales And Bombers” supuso uno de los trabajos mas progresivos de la banda británica Manfred Mann´s Earth Band, y uno de los momentos cumbres en la carrera musical del grupo, justo antes de su álbum mas aclamado comercialmente “The Roaring Silence”. También fue el segundo en donde no se incluía ninguna versión de temas de Bob Dylan, como si había sucedido en los cuatro primeros álbumes. “Nightingales And Bombers” esta considerado junto a “Solar Fire” y “The Good Earth” como la trilogía progresiva de Manfred Mann´s Earth Band, con trabajos repletos de virtuosismo, con un rock sofisticado y muy elaborado, donde se dan cabida influencias que van desde el jazz hasta acercamientos sutiles al hard rock, todo ello impregnado por los sonidos electrónicos de los sintetizadores del teclista Manfred Mann.
Sin embargo este “Nightingales And Bombers” es el mas melódico de los tres, con un excelente equilibrio entre los teclados y las guitarras, con grandes temas pegadizos a la par de grandes arreglos progresivos.
La enérgica “Spirits In The Night”, un cover de Bruce Springsteen, da comienzo a un disco que por momentos se vuelve vibrante y muy emocionante, la acelerada rock “Countdown”, da paso a las mas virtuosas “Time Is Right” y “Visionary Mountains”, mientras “Crossfade” es un space rock magistralmente logrado, por su parte “Fat Nelly” es junto al tema que da titulo al álbum, los momentos mas melódicos de este magnifico trabajo confeccionado por una de las mejores bandas del rock británico de la década de los setenta.

sábado, 9 de julio de 2022

Jethro Tull-A Passion Play (1973)

A principios de la década de los setenta era muy común el álbum concepto, discos que además de cierta pomposidad y mucho progresivo, tenían como denominador común historias, aventuras, biografías o tramas, en muchos de los casos con muchísima complejidad instrumental y literaria y una banda como Jethro Tull no se mantendría al margen en ese sentido, creando varias obras siguiendo esa moda imperante. Ya en 1972 publicaron su primer trabajo conceptual “Thick As A Brick”, basado en tono de humor en cuestiones de actualidad de la epóca, y en donde el rock progresivo, el jazz y el hard rock iban de la mano en un disco magnifico producto de la genial mente de Ian Anderson. Un año después el propio Anderson, riza el rizo con un álbum aún mas complejo y enrevesado como es “A Passion Play”, un disco complicado y difícil, completamente sofisticado y con unas letras retorcidas, unas melodías complejas y que era totalmente inaccesible al oyente medio. Sin embargo con el tiempo esta obra se ha convertido en una de las joyas del rock progresivo.
A diferencia del anterior "Thick As A Brick", este ultimo pese a esa gran complejidad instrumental y literaria, es así mismo mucho mas rico musicalmente, con una mayor elaboración y una producción casi obsesiva.
Con un esquema basado en el mundo teatral, Ian Anderson representa aquí al ser humano moderno, que a lo largo del álbum muere, es juzgado, recalando el cielo y mas tarde en el infierno, para en un final incierto y no muy claro, se deja todo a la imaginación del oyente, donde se reencarna o resucita.
Para todo ello Anderson incluye citas directas o indirectas de diferentes textos bíblicos, como la “Divina Comedia de Dante” o “El Apocalipsis”.
Musicalmente es uno de sus álbumes mejor logrados, con una banda totalmente compacta, repleta de gran virtuosismo, incluso hoy en día se sigue asombrando como podían ejecutar en vivo este complejo álbum tan enmarañado de forma tan exacta a la original.


jueves, 7 de julio de 2022

Electric Light Orchestra-Discovery (1979)

A finales de los setenta, la música disco era uno de los géneros musicales mas exitosos, películas como “Saturday Night Fever”, habían sido un éxito en taquilla sin precedentes y muchos artistas alejados de ese genero, se involucraron en los sonidos bailables de la época, si bien en muchos casos de manera bastante sutil.
Uno de esos grupos fue la Electric Light Orchestra de Jeff Lynne que con su octavo álbum decidió apostar por un sonido mucho mas comercial pero no por ello exento de gran calidad. Para este nuevo disco Jeff Lynne prescindió de la habitual sección de cuerdas que había sido una de las características del sonido rutilante de la banda, conformando una formación con solo cuatro miembros y un mayor peso especifico al sonidos de los teclados sin abandonar por completo los esplendorosos arreglos orquestales. “Discovery” presenta una repertorio de temas pegadizos a la vez que contundentes como la inicial “Shine A Little Love”, la poderosa “Don´t Bring Me Down” o la dinámica y soberbia “Last Train To London”, mientras los medios tiempos y las baladas con arreglos suntuosos están presentes en las encantadoras “I Need Her Love”, “The Diary Of Horace Wimp”, “Confusion”, “Midnight Blue” o “On The Run”.
La recepción de este álbum, les llevaría a posicionarse entre los primeros puestos de las listas de éxito de numerosos países alcanzando unas ventas que superaron  todos sus registros anteriores, alcanzando con ello media docena de discos de platino.

martes, 5 de julio de 2022

Jon Anderson-Olias Of Sunhillow (1976)

“Olias Of Sunhillow” fue el primer álbum en solitario de Jon Anderson, publicado durante el receso que su banda madre, Yes, haría durante varios años después del disco “Relayer” de 1974.
Jon Anderson llevaba algunos años con la idea de hacer un álbum místico y conceptual, algo que de alguna manera ya había hecho con Yes en “Tales From Topographic Oceans”, pero sin profundizar tan brillantemente como lo hace en este debut.
Basado en una historia de ciencia ficción extraña y compleja sobre una nave espacial llamada Moorglade y el lejano planeta Sunhillow, una historia que se nos antoja tan complicada que difícilmente se puede describir por escrito.
Musicalmente que es lo que nos importa, tiene como resultado un álbum atmosférico y místico, en el cual solo aparece Jon Anderson como el único instrumentista, tocando una infinidad de instrumentos, cerca de la treintena, además de los arreglos y la producción.
Ya desde la inicial “Ocean Song”, escuchamos ecos a la música oriental, la cual va describiendo con parsimonia los vastos océanos de Sunhillow. Un tema que esta claramente influenciado por la música de Vangelis, y una de las creencias que hacen pensar que el músico griego participo en este álbum, sin embargo no entraremos en polémicas, y mas allá de todas esas controversias sobre este tema, lo cierto es que musicalmente este inicio esta muy logrado con una gran combinación de sintetizadores, arpa, guitarras y percusión.
La mas animada “Meeting (Garden of Gada)/ Sound Out The Galleon”, dividida en dos partes bien diferenciadas, muestra uno de los aspectos mas destacados con la hermosa voz de Anderson, secundado por acordes de guitarras acústicas, arpa y un sugerente sintetizador. Las siguientes “Dance Of Ranyart/ Olias (Build The Moorglade)”, son mas místicas, con fondos de sintetizadores y arpa y las armonías vocales de Anderson, en otro de los momentos notables.
La atmosférica “Qoquaq En Transic/ Naon/ Taransic Co”, nos recuerdan a algunos pasajes del mencionado “Tales From Topographic...”, con esa melodía suave que se va tornando mas rítmica según se va desarrollando, por su parte “Flight Of the Moorglade”, sigue la tónica orientada a los sonidos de arpas y sintetizadores, pero con una melodía vocal algo diferente. Llegados a este punto aparece la composición mas progresiva “Solid Space”, con unos repliques de sintetizador, grandes acordes arabescos de guitarra, que nos recuerdan a Steve Howe y algunas voces escalofriantes de Jon Anderson.
“Moon Ra/Chords”Song Of Search”, conformada a modo de mini suite representa de manera muy mística, la confusa trama de esta historia con acordes de guitarras, voces armoniosas y sutiles sintetizadores, para acabar con la épica “To The Runner”, sin duda el tema mas pegadizo y el menos complejo de todo el álbum.

domingo, 3 de julio de 2022

Bob Dylan-Blonde On Blonde (1966)

En 1965 Bob Dylan había comenzado a electrificar su estilo folk, dotando de sonidos blues, R&B y rock y materializando el cambio definitivo en álbumes como “Bring It All Back Home" y “Highway 61 Revisited”, ambas obras, piezas fundamentales en la discográfica del músico de Minnesota.
Pero este radical cambio no fue un camino de rosas para Bob Dylan, quien seria criticado y vapuleado por los puristas del folk, quienes lo acusaban de venderse en beneficio de la comercialidad y los intereses personales del músico.
Pero mas allá de las controversias que este cambio supuso, Dylan afronto sus nuevos trabajos repletos de gran imaginación y eclecticismo, con canciones repletas de surrealismo como queda demostrado en cortes como “Subterranean Homesick Blues”, “Gates of Eden”, “Like A Rolling Stone” “Ballad Of A Thin Man”, “Highway 61 Revisited” o “Maggie Farm” entre otras, todas ellas canciones grabadas en la memoria de los aficionados a la música rock.
Fue precisamente este repertorio el que Bob Dylan se llevaría para interpretarlo en el Festival Folk de Newport, en una aciaga noche en la que fue acompañado por la banda de Paul Butterfield y en donde fue abucheado por lo miles de fans puristas al folk, indignados por el tratamiento rock que Dylan daba a sus nuevas canciones.
Pero lejos de redimirse, Bob Dylan siguió adelante con su propuesta y un año después publica su sexto álbum junto a una banda llamada The Hawks, que a partir de aquí se convertiría en The Band, una de las bandas por antonomasia de la historia de la música rock. Con el titulo de “Blonde On Blonde” y en formato de doble Lp, Dylan logra encajar un trabajo compuesto por una serie de antológicos temas profundizando en lo ya publicado en el anterior “Highway 61 Revisited”, pero con temas mas complejos, sofisticados y consistentes, a la vez que enérgicos y contundentes. Sin embargo sigue mostrando su lado poético en sus letras, repletas de imaginación, resultando un álbum cautivador y irresistiblemente atrayente, en donde ningún tema destaca sobre otros, aún así entre todos ellos podríamos destacar las soberbias “I Want You”, “Just Like A Woman”, “Memphis Blues Again”, “Visions Of Johanna” y “Sad Eyed Lady of The Lowlands”.
Poco después de la publicación del álbum, Bob Dylan se vio envuelto en un gravísimo accidente de moto cerca de Woodstock, el cual casi le cuesta la vida. Su posterior convalecencia le tendría alejado del mundo de la música durante cerca de un año, hasta que a finales de 1967 publicaría su siguiente obra, “John Wesley Harding”, en el cual Dylan daba otro cambio de tuerca, orientando esta vez su música hacia los sonidos de raíces y del country mas rural.

viernes, 1 de julio de 2022

The White Stripes-Elephant (2003)

Impulsores del resurgimiento del garage rock de los 60 a finales del siglo 20, White Stripes se consolidaría como una de las bandas punteras del rock alternativo durante buena parte de finales de los 90 y la primera mitad de los años 2000. Su original propuesta musical abarcaba géneros tan dispares como el blues, el hard rock, el folk, el country, el punk y el rock and roll, con un estilo que bebe del sonido clásico de los míticos Led Zeppelin, una de las principales influencias de la banda, además en sus grabaciones, este dúo resaltaban por la simplicidad de los arreglos y en unas canciones efectivas y rudimentarias. Formado por la pareja Jack White, guitarrista, vocalista y teclados y la baterista y voz Meg White, (estuvieron activos durante poco mas de diez años, entre los años 1999 y el 2011, cuando lo dejaron oficialmente), en los cuales publicaron seis álbumes en estudio y varios directos con unas ventas que superan los diez millones de copias.
“Elephant” fue el titulo de su cuarto álbum publicado en los primeros meses del 2003, significando uno de sus mayores éxitos tanto comerciales como de critica.
Como era habitual en las grabaciones de sus anteriores álbumes, la banda apostaría por los sonidos analógicos muy propios de la década de los años 60, utilizando equipos de grabación de esa época.
Musicalmente White Stripes consiguieron con este nuevo álbum re-descrubrir para las nuevas generaciones los germinales sonidos y con raíces, del blues y del rock, con una serie de temas adictivos como el himno generacional “Seven Nation Army”, el cual se convertiría en un clásico de los eventos deportivos en todo el mundo, además de este tema ya universal, están la psicodélica “There´s No Home For You Here”, la poderosa blues rock “Ball and Biscuit”, la hard rock oscura “The Hardest Button” o las garage “Girl, You Have No Faith In Medicine” y “Black Math”, mientras la vena folky, country y el rock americano están presentes en cortes como “In The Cold, Cold Night”, “I Want To Be The Boy To Warm Your Mother´s Heart” o en “You´ve Got Her In Your Pocket”.