Triana-Sombra y Luz (1979)

El tercer álbum de Triana, supuso su cenit comercial y creativo, con cerca del medio millón de copias vendidas en el mercado nacional español, y que además cerraba la trilogía progresiva de la banda que había comenzado cuatro años antes con su impresionante disco debut “El Patio”. En esta nueva entrega titulada “Sombra y Luz”, la banda logra una mejor producción que sus dos álbumes anteriores, consiguiendo que su contenido brille de manera muy atractiva con unas melodías pegadizas y el culto cada vez mayor a su filosofía musical original.
Sin embargo también es cierto que aquí empezaban a perder algo de su impulso progresivo inicial de antaño mostrando un contenido menos arraigado y mas convencional.
Aún así, ello no significa que hayan dejado de lado los sonidos progresivos, ya que aquí también hay mucho material impresionante, repleto de enorme complejidad instrumental, pasión genuina y esa magia especial que solo el flamenco puede dar al conjunto final para que suene realmente progresivo.
La razón principal de todo ello es el uso menos acuciado y mas comedido de los sintetizadores de Jesús de la Rosa, como contrapunto a los sonidos de las guitarras eléctricas y acústicas, lo que permite que estas ultimas le roben el protagonismo y conduzcan en muchos momentos del álbum a sonidos mas agresivos y mas puramente rock.
Todo lo dicho esta claramente manifestado en la inicial “Un Historia”, un claro tema rock con influencias blues, repleta de serenidad melancólica. Como contrapunto aparece “Quiero Contarte”, una alegre pieza con un gran trabajo de la guitarra eléctrica a cargo de Pepe Roca, uno de los guitarristas invitados, junto a Antonio Pérez y Enrique Carmona, los cuales dan muestra de su innegable calidad durante todo el disco.
Con la siguiente “Sombra y Luz”, Triana vuelve a demostrar su estilo experimental con un tour de force en donde hay trazos de jazz rock y sonidos psicodélicos, y es aquí de los pocos momentos en donde los sintetizadores de Jesús De La Rosa recuperan la esencia de los álbumes anteriores en una pieza brillante y antológica.
Tras ella llega la epopeya “Hasta Volver”, un épico tema de mas de diez minutos que son junto a la anterior, lo mas sobresaliente del disco. La hermosa “Tiempo sin saber”, muestra la faceta flamenca del grupo, mientras la “Vuelta a La sombra y a la Luz” mantiene la misma estructura musical que su homónima “Sombra y Luz”, pero con una duración mucho mas corta y comedida.

Fish-A Feast of Consequences (2013)

Tras seis años de ausencia, el ex-cantante de Marillion, Fish, regresaría con "A Feast of Consequences" en el 2013, su décimo álbum y que precedía al brillante "13Th Star".
Este décimo álbum fue publicado después de que el propio Fish experimentara varios acontecimientos que serian traumáticos para cualquier ser humano, como el fin de su matrimonio o un penoso cáncer de garganta del cual terminaría recuperándose algún tiempo mas tarde, pero que como ya había ocurrido años antes, cuando el cantante escocés pertenecía a su banda madre, y reflejado en el álbum "Clutching at Straws", sus luchas personales a menudo han inspirado sus trabajos mas sólidos y este "A Feast of Consequences", es la demostración mas palpable.
Un disco que muestra a un Fish mas maduro, con un art rock sofisticado, caracterizado por grandes composiciones melódicas, un lirismo ingenioso y unas claras influencias del folk británico, con unas letras comprometidas, desde la inutilidad de las guerras, hasta los entresijos políticos, todo ello tratado con su carismática reflexión.
Sin llegar a entrar de lleno en el rock progresivo, aquí encontramos atisbos del genero vanguardista como la enorme suite "High Wood", toda una epopeya en donde se dan cabida rasgos de poderoso rock, la música celta y exuberantes sonidos sinfónicos.
La épica "Perfume River", es una reflexión tenue que contrasta con el pop sofisticado de "All Loved Up", o con las suntuosas "Blind To The Beautiful" y "The Other Side of Me", mientras la evocadora "The Great Unraveling" es otro de los momentos brillantes de este magnifico álbum del gigantón cantante escocés.

Jean-Michel Jarre-Equinoxe (1978)

Después de su antológico “Oxigene”, Jean-Michel Jarre dio un paso adelante con su siguiente obra “Equinoxe”, un álbum mas rítmico y soñador a través de diferentes paisajes sonoros, quizás no tan espacial como su predecesor muestra su lado más terrenal, como un viaje submarino en lugar de un viaje espacial, la música cambia para cada parte del álbum, desde ambientes atmosféricos hasta momentos más optimistas con capas de electrónica rítmica, presentada de tal manera que se vuelve extremadamente disfrutable y francamente adictiva.
Sin embargo Jean-Michel Jarre no abre con este trabajo nuevos caminos, pero lo que hace es más concretamente, lograr articular su ideología masiva basada en sintetizadores con un enfoque más sólido. Manteniendo la inteligencia para crear ambientes cautivadores y adornos sintetizados pegadizos, el renovado interés de Jarre en construir orquestaciones electrónicas bien elaboradas, le permite entregar y retratar un mayor sentido del orden y, por lo tanto, poner un mayor énfasis en las líneas melódicas básicas y su complementación con las armonías programadas y las capas de sintetizador etéreo.
Jarre también tiene especial cuidado en utilizar sub tonos percusivos en los arpegios programados y ambientar determinados pasajes. La producción de sonido también se siente un poco más fuerte, lo cual es bastante apropiado para la naturaleza del repertorio de este álbum. Las "Partes I y II" muestran esta tendencia bastante abiertamente, al igual que las "Partes IV y VII", los cuales son los momentos más poderosas del álbum. Los exquisitos motivos comprendidos en las "Partes IV y VII" alcanzan una postura casi épica, debido al constante despliegue de energía y al sutil uso de las reelaboraciones que van surgiendo, como la fuerte presencia de la Cuerda Solina que definitivamente ayuda a construir una sensación orquestal que parece estar flotando sobre las texturas y efectos electrónicos. "Part V" fue el sencillo del álbum, y no es de extrañar, ya que es bastante pegadizo y emana una vibra similar a la de 'Oxygene Part IV", mientras la "Parte VI" es básicamente una progresión minimalista de acordes secuenciados a lo "Radio-Activity" de Kraftwerk que establece un vínculo entre las "Partes V y VII". Finalmente, la "Part VIII", trae recuerdos ocasionales de un club bohemio en París (una sección que luego se llamaría 'Band in the Rain'), antes de que surja una grandilocuente repetición del tema principal de la "Part V" y el cual cierra un álbum de extraordinaria belleza y otro enorme éxito del músico francés.

The Outlaws-The Outlaws (1975)

Tres años después de su fundación, The Outlaws publicaron su primer álbum, un trabajo sorprendente y apoteósico de rock sureño que les abrían la puerta entre los grandes del genero.
Originalmente esta banda se formaría a finales de 1967 en Tampa, Florida, sin embargo durante años no tuvieron fortuna, incluso llegaron a grabar bastante material que nunca llegaría a ser publicado de manera oficial. En 1971 la banda se desintegraría por completo hasta que un año después el guitarrista Henry Paul, junto a Huhgie Thomasson (vocalista y guitarra), Billy Jones (guitarra), Monte Yoho (batería) y Frank O´Keefe (bajo) la reactivarían.
Ya a finales de 1974, The Outlaws logran firmar un contrato con el sello Arista quienes les producen su primer álbum lanzado a mediados de 1975.
En este primer trabajo, The Outlaws muestran su gran vitalidad y talento con un arsenal de composiciones legendarias como “There Goes Another Love Songs”, “Song For You”, “Song in the Breeze” o la fantástica “Green Grass & High Tides”, todo un himno del rock sureño y un clásico de la música rock.
Este primer álbum lograría un sorprendente top 20 en las listas norteamericanas, comenzando a partir de aquí una de las carreras mas brillantes y reconocidas dentro del rock norteamericano y del rock sureño en particular.

Billy Squier-Don´t Say No (1981)

Billy Squier es un guitarrista y vocalista de Boston que tuvo notables éxitos en la década de los ochenta, algunos de ellos números absolutos en el Billboard y puestos altos en las listas de numerosos países.
Ya en 1977 había abierto conciertos para Kiss junto a su banda Piper y un año antes su álbum "Piper", su debut discográfico, fue un disco de enorme calidad, lo mismo que su segundo y último álbum, "Can't Wait" de un año después.
Y es que Squier tenía un gran talento a las seis cuerdas y junto su particular voz, no pasarían desapercibidos para los caza talentos de Capitol Records, con quienes firmaba en 1979 para grabar su primer álbum en solitario; "The Tale Of The Tape", que publicado en 1980 iniciaba su meteórico ascenso gracias a temas como "You Should Be High Love". En 1981 Billy Squier lanzaría "Don't Say No", su segundo y mejor álbum. Para ello se deshizo de toda la banda con la que había grabado "The Tale Of The Tape" a excepción del excelente batería Bobby Chouinard. Curiosamente uno de los descartados sería el guitarrista Bruce Kulick, que algún tiempo después pasaría a formar parte de los míticos Kiss.
"Don't Say No", subió hasta lo mas más alto, abriendo las puertas a un género de rock cuya presencia en las emisoras de radio mas convencionales no era muy habitual.
Squier demostró con ese álbum que el rock duro melódico no estaba reñido con el éxito comercial. Un disco que también allanó el camino para las bandas que a mediados de los 80 reventaron el panorama del rock mundial.
Las imponentes y memorables melodías que se colaron entre el rock de las emisoras FM norteamericanas de los primeros ochenta y el nuevo hair metal que emergió a mediados de década merced al enorme trabajo de numerosos músicos como Billy Squier, con muchos riffs y solos contundentes pero muy accesibles para el gran público causaron furor en medio mundo por aquellos años.
Los siguientes años vendrían otros éxitos como "Everybody Wants You" (82) "Rock Me Tonite" (84) "Don't Say You Love Me" (89) o "She Goes Down" (91), su ultimo gran éxito antes de caer en el olvido con trabajos poco consistentes y mas previsibles.

Smokie-Greatest Hits (1977)

Smokie, es un grupo británico de pop y rock de gran éxito comercial, formados a mediados de los sesenta en la localidad inglesa de Yorkshire y que aún hoy en día siguen en activo, aunque sin embargo ya sin sus integrantes originales.
Su formación mas exitosa estuvo compuesta por Chris Norman (voz y guitarra), Alan Silson (guitarra y voces), Terry Uttley (bajo y voces) y Pete Spencer (batería).
No sería hasta casi diez años después de su fundación cuando publicaran su primer trabajo; “Pass it around” (1975), logrando a partir de aquí una serie de éxitos en las listas, con un estilo de pop rock simple pero muy efectivo gracias a temas como “If you think you know how to love me”, “Don’t play your rock ‘n’ roll to me”, “Something´s Been Making Me Blue”, “I´ll Meet You at Midnight”, “Living Next Door To Alice”, “Lady Back in the Arms of Someone”, “It´s Your Life” o “Oh Carol”, logrando con todos ellos entrar en el top 20 británico, convirtiendo al grupo en una de las mayores sensaciones del pop rock de los años 70.
Todos estos hits pertenecen a los álbumes; “Changing all the Time” (1975), “Midnight Café” (1976), “Bright Lights & Back Alleys”(1977), “The Montreux Album” (1978), “The Other Side of  the Road” (1979), “Solid Ground” (1981), “Strangers in Paradise” (1982) o “Midnight Delight” (1982).
En 1977 su álbum “Greatest Hits”, alcanzaría un tremendo éxito, logrando varios discos de platino y oro en diferentes países europeos.
Pero seria a partir de su trabajo “Midnight Delight”, cuando la banda comienza un trasiego de idas y venidas de integrantes, lo que merma la creatividad del grupo, publicando discos asiduamente pero muy alejados del impacto comercial y la calidad de sus primeras obras.
En 1995 tuvieron otro enorme éxito en las listas con una nueva versión del tema “Living Next Door to Alice” (Who the fuck is Alice)” grabado con la colaboración del humorista británico Roy 'Chubby' Brown.

Mötley Crüe-Dr.Feelgood (1989)

Mötley Crüe no necesitan ningún tipo de presentación, esta banda icónica y salvaje, fueron una de las máximas expresiones del heavy metal de la década de los ochenta.
Encuadrados dentro del glam del heavy metal californiano, lograron desde su primer álbum publicado en 1981, “Too Fast For Love”, alcanzar el estrellato mediático y comercial, consiguiendo un sorprendente disco de platino por sus abultadas ventas.
Sus siguientes álbumes; “Shout at the Devil” (1983), “Theatre Of Pain" (1985) y “Girls, Girls, Girls” (1987) triplicarían los registros de su álbum debut, pero también una fama desmadrada y desmesurada, los excesos de drogas, alcohol, las continuas peleas y sus monumentales escándalos comenzaban a mermar la calidad de sus composiciones.
Casi a finales de la década de los ochenta y una vez libres de las drogas y el alcohol, la banda se centra por primera vez desde sus inicios y se dedican a componer canciones solidas y de gran calidad que terminarían siendo incluidas en su quinto y mejor álbum y a la postre el mas exitoso “Dr Feelgood” (1989).
Aquí la banda formada por el vocalista Vince Neil, el guitarrista Mick Mars, el batería Tommy Lee y el bajista Nikki Six, lograron cuajar uno de los discos esenciales del metal de esa década y toda una obra maestra del genero.
Producido por Bob Rock, la banda tuvo la colaboración de diferentes músicos como Jack Blades (Night Ranger), Sebastian Bach (Skid Row), Bryan Adams, Steven Tyler (Aerosmith) o Robin Zinder (Cheap Trick), entre otros para su elaboración final.
Temas como las contundentes e irónicas “Dr Feelgood” y “Kickstart My Heart”, las divertidas “Rattlesnake Shake” y “S.O.S” o las brillantes “Home Sweet Home y “Don´t Go Away Mad (Just Go Away)”, catapultaron al álbum hasta el primer puesto en las listas del Billboard y cerca de los siete millones de copias vendidas, la mayoría de ellas solo en el mercado norteamericano.

Quintessence-In Blissful Company (1969)

Quintessence fueron una sorprendente y extraordinaria banda de rock psicodélico que tuvieron durante los primeros años de la década de los 70, su cima artística publicando una serie de álbumes en donde fusionaban el rock y las influencias espirituales de la música hindú.
Formados en Londres en 1969, sus fundadores fueron el australiano Ronald Rothfield (mas conocido por Raja Ram), a la flauta y percusión, el teclista Phil Jones (Shiva Shankar) y Richard Vaughan ( Sambhu Babaji) al bajo, completando la primera formación, los guitarristas Allan Mostert y Dave Codling, el cantante y teclista Shiva Shankar Jones y el batería Jake Milton.
Sus dos primeros álbumes, “In Blissful Company” (1969) y “Quintessence” (1970), causaron una gran sensación en el circuito psicodélico y hippie de Inglaterra gracias a su exótico y original estilo repleto de sonidos evocadores a los cantos sagrados de Shiva y salmos, además de canciones mas accesibles con sonidos jazzisticos mezclado con el rock psicodélico y vanguardista.
A partir de su tercer álbum “Dive Deep” (1971), el sonido de Quintessence se empieza a desviar hacia los terrenos aún mas jazzisticos, con unas instrumentaciones mas largas y complejas.
Después de dos discos mas en donde se alejaban sutilmente de su propuesta original, “Self” y “Indweller” (1972), terminan sucumbiendo a finales de los 70, no sin antes haber dejado varios discos en directo como “Infinite Love: Live at the Queen Elizabeth 1971” o “Cosmic Energy, Live At St.Pancras" (1970).
Es sin duda el primero de ellos, uno de sus mayores logros, confirmando lo que algunos críticos de la época llegaron afirmar como una de las mejores bandas en vivo por aquellos años.
En sus shows, Quintessence se mostraban como una banda de virtuosos con gran fervor místico, grandes y larguísimas improvisaciones psicodélicas, y soberbias interacciones de flauta y guitarras, evocando en muchos momentos a los mejores Grateful Dead.
 

The Beatles-Let It Be (1970)

Considerado el ultimo álbum publicado oficialmente por The Beatles, este “Let It Be” fue en realidad grabado meses antes que el anterior “Abbey Road”, por lo que oficiosamente seria este ultimo, lo que los fab four hicieran antes de su disolución definitiva.
La idea original de “Let it Be” era volver al sonido de sus primeros álbumes, alejados de las complejidades en los estudios y los arreglos de sus últimos trabajos.
Sin embargo las deterioradas relaciones entre los cuatro componentes se tradujeron en tensas horas de grabación con bastante hostilidad entre ellos.
Finalmente, no sin múltiples desacuerdos, optarían por la producción de Phil Spector, pese a la negativa de un Paul McCartney que prácticamente ya había abandonado la banda antes de finalizar la grabación.
Aún así y en términos generales, "Let It Be" puede considerarse un digno colofón a la carrera de la banda mas grande y popular del pop rock de la historia.
De entre sus surcos podemos destacar joyas imperecederas como las extraordinarias “The Long and Winding Road”, “Let It Be”, “Get Back”, “One After 909”, “Don´t Let Me Down” o “Two of Us”, que pese a los ampulosos arreglos de Phil Spector, son el perfecto testamento de la genialidad de esta única y irrepetible banda británica.

FM-No Electricity Required (1993)

FM son una de las grandes bandas británicas de rock melódico que surgieron en la segunda mitad de la década de los ochenta publicando algunos de los mejores discos del género como "Tough it Out" en 1989, "Takin' It to The Streets" en 1991 o “Dead Man´s Shoes” en 1995.
Fundada en Londres en 1984 por el guitarrista y cantante Steve Overland, el teclista Didge Digital, el guitarrista Chris Overland, el bajista Merv Goldsworthy y el batería Pete Jupp, si bien es cierto que con el devenir de los años se fueron sucediendo algunos cambios de integrantes como los guitarristas Andy Barnett y Jim Kirkpatrick o el teclista Jem Davis.
Después de un meritorio primer álbum “Indiscreet” (1986), la banda se centraría en el mercado norteamericano obteniendo algunos hits como "Bad Luck".
Una parte fundamental del éxito de la banda en esos años fue la colaboración con el compositor norteamericano Desmond Child, famoso por crear grandes hits para bandas como Kiss, Bon Jovi, John Waite, Michael Bolton, Alice Cooper, Bonfire, Robin Beck, Ratt, o Chicago entre otros muchos mas.
En estos primeros discos se van sucediendo temas de gran impacto como "Don´t Stop", "Someday", "Everytime I Think of You", "Only the Strong", "Dangerous Ground" o la magnífica versión del clásico de Marvin Gaye, "I Heard It Through The Grapevine", temas todos ellos con grandes arreglos y con unos estribillos tremendamente irresistibles.
En estos primeros años también se popularizaría el carisma de su cantante Steve Overland, convirtiéndose en un ícono del AOR y pieza fundamental en FM.
En 1993 se publicó el doble en directo "No Electricity Required", en donde en formato acústico hacen un repaso a diferentes temas de sus tres primeros álbumes además de la interpretación de brillantes versiones de clásicos del rock como “Rocky Mountain Way”, “Get Back”, “Enter Sandman” o “Tush” entre otras.
“No Electricity Required” tuvo una gran acogida en mercados como el norteamericano, el norte de Europa o el japonés, alcanzando un disco de oro por sus ventas y grandes reseñas en la prensa especializada.

Europe-The Final Countdown (1986)

Maltratados injustamente por la prensa especializada al considerarlos demasiados adulzorados, los suecos Europe son una formidable banda de hard rock melódico que durante la década de los ochenta tuvieron sus años de gloria gracias a los álbumes “Wings of Tomorrow” (1984), ”The Final Countdown” (1986) y “Out of This World” (1988).
Formados a las afueras de Estocolmo, su formación giraba principalmente en torno al talento compositivo del guitarrista John Norum y del vocalista Joey Tempest.
Ya desde su segundo álbum “Wings of Tomorrow”, Europe dejaba su impronta calidad con trallazos como “Stormwind” o “Scream of Anger” que junto a los medios tiempos “Dreamer” y “Open Your Heart”, lograrían el reconocimiento del publico y unas mas que aceptables ventas a nivel europeo.
Sin embargo seria con su tercera obra “The Final Countdown”, cuando la banda sueca alcanzaría estrellato mundial gracias a un soberbio trabajo en donde conjugaban perfectamente la dureza del heavy metal con las atractivas melodías del pop como queda refrendado en el tema que da titulo al álbum, todo un hit numero uno a nivel mundial o brillantes cortes adictivos como “Rock The Night”, “Carrie” o la poderosa “Cherokee”.
Con este tercer álbum, Europe se posesionaba entre las bandas punteras del heavy metal melódico de los ochenta, logrando la friolera de mas de quince millones de copias vendidas a nivel mundial.
Su siguiente lanzamiento, pese a contener una serie de temas relucientes como “Open Your Heart” o “Superstitions”, no lograría las excelencias ni el beneplácito del anterior, y pese a conseguir varios discos de platino, la banda ya mostraba signos de agotamiento creativo, comenzando así su época mas previsible y la perdida del interés por parte de sus millones de fans alrededor del mundo.

Blue Oyster Cult-Agents Of Fortune (1976)

Con “Agents Of Fortune”, la Blue Oyster Cult por fin conquistaba las listas de medio mundo gracias en parte a su canción “Don´t Fear The Reaper”, un tema de suaves melodías vocales, fusionadas con unas guitarras armoniosas, la cual por fin les catapultaba a la cima y les abría el mercado hacia el gran publico, un publico que hasta esos momentos era bastante reacio al poco convencional estilo del grupo, rescatándolos de esa cierta oscuridad que supone ser considerada una banda de culto.
Hasta ese año de 1976 cuando fue publicado este álbum, la banda tenia tras de si tres magnificas obras que se movían entre el metal pesado y el hard rock con unas letras inteligentes repletas de alusiones mitológicas y metafísicas, como el psicodélico debut de 1972 “BOC”, el mas duro “Tyranny and Mutation” (1973) o el vanguardista “Secret Treaties” de un año mas tarde.
Sin embargo y pese a aglutinar una amplia legión de fans por todos los Estados Unidos, la banda aún no alcanzaba lograr un gran impacto mediático.
Con “Agents of Fortune” la temática filosófica seguía siendo fundamental con sus profundas letras, pero su estilo musical se suavizaría hacia un rock mas melódico y adictivo como queda demostrado en la mencionada y sobresaliente “Don´t Fear The Reaper” o las brillantes composiciones “This Ain´t The Summer Love”, “ETI (Extra Terrestrial Intelligence)”, “Morning Final” o “The Revenge Of Vera Gemini”, todas ellas con los argumentos mas que necesarios para catalogar a este disco como una de las grandes obras del hard rock de los 70.

Arthur Brown´s Kingdom Come-Journey (1973)

En 1968 una exitosa canción titulada “Fire” de The Crazy World of Arthur Brown, dominaría las listas a ambos lados del Atlántico, convirtiéndose con el tiempo, en todo un clásico de la música rock.
Considerados uno de los principales impulsores del sonido underground progresivo británico, esta banda liderada por el extravagante Arthur Brown llamaría notablemente la atención por su Rhythm and Blues vanguardista y sus extravagantes shows repletos de maquillaje facial bizarro, cascos en llamas, disfraces estrafalarios y voces alocadas e incendiarias, todo ello, el complemento perfecto al sonido maniaco y psicodélico de la banda.
Cuando se separaron en 1969 tras dejar un único álbum publicado, el psicodélico, bizarro y experimental “The Crazy World of Arthur Brown”, Brown disolvía la banda para formar una nueva llamada Arthur Brown´s Kingdom Come, con un estilo mas rock y progresivo.
A lo largo de sus tres álbumes publicados, esta banda sufriría una incesante entrada y salida de miembros que sin embargo no tendría mucho éxito comercial.
Después de dos interesantes trabajos como el progresivo y psicodélico “Galactic Zoo Dossier” (1971) y el mas previsible e inconexo “Kingdom Come”, llegaría el tercer y su álbum mas logrado musicalmente titulado “Journey” (1973), un disco de rock progresivo espacial dominado por los sonidos del mellotron y los sintetizadores.
Con unas letras orientadas a la ciencia ficción, contiene gloriosos momentos musicales, con un sonido enigmático notable, en una especie de aventura espacial y extraña, como demuestran cortes como la opresiva “Times Captive”, la oscura con un tono medieval “Triangles”, la exótica y misteriosa “Gypsy” o las teatrales y sombrías “Spirit of Joy” y “Comes Alive”.