Robert Lamm-Life Is Good In My Neighborhood (1993)

A principios de los noventa, Robert Lamm, uno de los miembros fundadores de la banda de jazz rock y AOR, Chicago, decidió concentrarse en su carrera en solitario, al margen de su banda madre, publicando su segundo álbum "Life Is Good In My Neighborhood" (el primero fue "Skinny Boy" publicado muchos años atrás en 1974). Grabado entre varios estudios de Los Ángeles y Nueva York, fue producido por Phil Ramone y obtuvo la colaboración de varios músicos como el guitarrista John McCurry, el teclista John Van Epsel, el bajista Bootsy Collins o la percusionista Carol Steele. En este segundo trabajo, Robert Lamm se alejo sustancialmente de los sonidos jazzisticos de metales de su banda madre, para mostrar su faceta melódica de west coast rock, un estilo que Chicago también dominó en muchos de sus álbumes. Los ritmos caribeños de canciones como "My Neighborhood", el pop melódico de la atractiva "When The Rain Comes", la bailable "In This Country", la conmovedora "When Will The World Be Like Lovers" o las excelentes west coast "My Naked Heart" y "Can't Believe My Eyes", fueron parte del comienzo en solitario de este cantante, teclista, compositor y guitarrista norteamericano, que de forma paralela a Chicago, siguió publicando una docena de discos hasta el año 2012, cuando lanzó su último trabajo titulado "Robert Lamm Songs: The JVE Remixes".

Sirius-Rising (1979)

Sirius fue una banda tejana que surgiría de las cenizas de los grupos locales Demian y Bubble Puppy. Ambas bandas estaban lideradas por los guitarristas Rod Prince y Todd Potter, que junto al bajista George Rarey y al batería Mark Evans firmaron con el sello independiente Elcric Flor y lanzaron en 1979 el álbum “Rising” en donde los sonidos cercanos al AOR y al country rock marcaron un meritorio trabajo que pese a su enorme calidad pasaría, como le ocurriera a otros cientos de álbumes de otras tantas bandas, totalmente desapercibido en su momento. Cortes como “Runaway Bay”, “Girl You Take Me Higher”, “No idea”, “Girl Like You” o “Lilany”, demuestran esa orientación melódica muy adictiva, complementada con unos grandes fraseos de guitarra, todo ello bajo una producción exquisita para venir de una productora local de bajo presupuesto.

Bryan Adams-Reckless (1984)

Hasta la llegada de su cuarto álbum, el guitarrista canadiense Bryan Adams ya se había labrado una gran reputación entre los seguidores del rock melódico gracias a sus dos anteriores trabajos "You Want It You Got It" (1981) y "Cuts Like a Knife" (1983), logrando colocarse como uno de los prometedores artistas del rock orientado hacia adultos (AOR). Pero seria con el cuarto lanzamiento, "Reckless", con el cual por fin lograría el estrellato mundial gracias a una gran versatilidad, coqueteando con el hard rock, el pop rock y el AOR. Compuesto por diez cortes escritos entre el propio Adams y su mano derecha el batería Jim Vallance, prácticamente todo el repertorio esta diseñado como singles de éxito en potencia, empezando por las potentes "Summer Of´69" o "Run To You", las melódicas "Somebody" y "No One Love Affair", o la soberbia balada "Heaven". Todas ellas impulsarían al álbum alcanzar un rotundo éxito en las listas de numerosos países alrededor del mundo, logrando unas ventas que superaron con creces los 10 millones de copias a nivel mundial.

Rock Rose-Rock Rose (1979)

Otra interesante y olvidada banda hoy en día fueron los norteamericanos Rock Rose, los cuales hacían una convincente y atractiva combinación de AOR melódico y rock americano de la época de finales de los 70. Esta banda se formó originalmente por el núcleo formado por el bajista y vocalista Frank Demme, el guitarrista y teclados Chris Barr y el guitarrista Carl Johnson, quienes fueron juntos a la escuela secundaria en un suburbio de Los Ángeles. Este trío fue una de las más populares entre una gran variedad de bandas de garage de California antes de reclutar al batería Jack´Damore. Una vez que consiguieron establecer la banda definitivamente, se pusieron en marcha y comenzaron actuar en un amplio circuito de clubes al sur de California, además de girar por otros estados de la costa oeste norteamericana. La enorme popularidad que Rock Rose irían obteniendo gracias a sus conciertos, no pasaría inadvertida para la Columbia Records quienes les ofrecen un contrato y les producen un álbum a principios de 1979. Este único álbum está bien elaborado con arreglos armoniosos muy pulidos cortesía del lujoso equipo de producción que trabajó con Santana: Dennis Lambert y Brian Potter. De entre sus surcos destacan las adictivas y pegadizas rock “Diary Of Fools”, “Daddy's Car”, “Sad Thing” y “Slippin´” o las melódicas “Bittersweet Love”, “You've Gone Beyond”, “Phantom Lover” y “Sad Thing”. El álbum obtuvo unas ventas mas que aceptables en el mercado norteamericano, canadiense y australiano, pero que sin embargo no fue suficiente para la Columbia, por lo que algún tiempo mas tarde se les rescindiría su contrato discográfico, volviendo la banda a retomar sus conciertos en el área de Los Ángeles.

Mariah-Mariah (1975)

Efímera banda originaria de Chicago que fue fundada a finales de los sesenta, la cual durante algunos años fue muy popular en la escena de clubes y salas de conciertos de todo el estado de Michigan. Durante los primeros años de los 70 y bajo la denominación The Jamestown Massacre, grabaron una serie de singles publicados por la Warner Bros, los cuales tuvieron cierta repercusión en las emisoras de radio locales de Chicago. Después de una serie de cambios de músicos en 1974, la banda ya rebautizada definitivamente como Mariah se reforma con el tecladista Mark Ayers, el bajista Ed Burek, el cantante Comforte, el baterista Wayne DiVarko y los guitarristas Len Fogerty y Frankie Sullivan. Luego de fichar por el sello United Artists se mudan a los Angeles donde graban su primer y único álbum titulado homónimamente “Mariah”. En este debut la banda utilizaba influencias de un amplio espectro de grupos, desde las melodías vocales de The Doobie Brothers, hasta el estilo progresivo de Styx, pasando por los sonidos pesados del hard rock americano de Mountain. “Mariah” esta compuesto por nueve cortes uniformemente agradables como “Reunion”, “Broadway”, “Rock and Roll Band”, “I Was Born” o “Hey Mama”, todas ellas repletas de melodías brillantes enfocadas para las radios FM norteamericanas. Pese a la enorme calidad del álbum, este pasaría totalmente desapercibido motivo por el cual la banda se desintegraría algún tiempo mas tarde. Posteriormente Frankie Sullivan fundaría la banda Survivor con la cual obtendría un éxito arrollador durante gran parte de la década de los ochenta.

Moraina-Loners & Lovers (1974)

Esta banda danesa formada a principios de los setenta, sólo publicó un excelente álbum, el cual se encuentra entre las mejores producciones musicales de Dinamarca. Formada por músicos que provenían de otras destacadas bandas de su país como Culpeper´s Orchard o Day Of Phoenix, su formación estaba compuesta por el vocalista Hans Lauridsen, el guitarrista y teclista Nils Henriksen, el guitarrista y armónica Ole Prehn, y el batería Ken Gudman, cerrando la banda el bajista Thorkild Nielsen. Durante sus primeros años esta banda se granjeo una gran reputación en su país de origen publicando una serie de sencillos que obtuvieron bastante notoriedad. Ya en 1974 lanzaron su único larga duración, este “Loners & Lovers”, un estupendo álbum en donde las cálidas armonías vocales muy emparentadas con los norteamericanos Crosby Stills and Nash o America, eran secundadas con unas hermosas líneas melódicas de folk rock. En contraste estos sonidos también encontramos momentos muy inspirados mas cercanos al rock enérgico e incluso al blues rock como la inicial “Late Night Woman Blues”, la vigorosa “Rock´n´Man” o la boggie bluesy “Fortunate & Fame”, mientras la vena folk/country mencionada esta presente en las arrebatadoras “Break It Up”, “Since You've Been Gone” y la melancólica “Alone”. Incluso hay cabida para cortes AOR como son las pegadizas medio tiempo “Deep Within The Storm” o “City Rambling Boy”. Algún tiempo después la banda se disolvería definitivamente dejando para la posteridad este magnífico trabajo de folk, blues y rock el cual se ha ganado su merecido reconocimiento entre los seguidores a la música rock de la década de los 70.

Styx-Crystal Ball (1976)

Cuando Styx irrumpieron en el mundo del rock crearon una nueva forma de entenderlo, transformando su estilo con grandilocuentes arreglos y una ornamentación teatral.
Ello se derivaría en una sucesión de álbumes de gran éxito, sobre todo en el mercado norteamericano, donde fueron aclamados y venerados por el gran público.
"Crystal Ball" es un álbum crucial para la banda, luego de varios años y sus lanzamientos más progresivos, entre los que se encuentran el debut “Styx” (1972), el segundo “Styx II” (1973), o los siguientes “Serpent Is Rising” (1973) o “Man Of Miracles” (1974).
Después de su quinto trabajo “Equinox (1975), el guitarrista John Curulewsky deja la banda y es reemplazado por Tommy Shaw (guitarra y voz), quien a pesar de su apariencia de sex symbol y enganchar al público femenino, tenía interés por el rock progresivo, mientras que Dennis De Young (teclados y voz), se interesó cada vez más en el AOR.
El resto de la banda seguía formada por los hermanos Panozzo, Chuck como bajista y John Como batería y James Young como segundo guitarrista.
Tommy Shaw proporcionó el equilibrio entre la creatividad y el éxito comercial que la banda requería y fue responsable de algunas de las mejores canciones que la banda lanzaría en los sucesivos años. Desde la pomposa “Put Me On” hasta la dramática "Clair de Lune/Ballerina", se van sucediendo una serie de cortes irresistibles como la simbólica “Mademoiselle”, la poderosa balada “Jennifer”, la brillantísima “Crystal Ball”, este ultimo un corte que marcaría el sonido posterior de la banda, o la oscura y sorprendente “This Old Man”.
"Crystal Ball", supuso el primer disco artísticamente sólido del grupo con un gran éxito en los rankings, luego de muchos años a la sombra de sus coetáneos, y pronto dejarían de ser un fenómeno local de Chicago y sus alrededores, para convertirse en una de las icónicas bandas norteamericanas.

Shaw Blades-Influence (2007)

Jack Blades y Tommy Shaw son dos ilustres músicos norteamericanos con una larguísima carrera a sus espaldas como miembros fundadores de dos de las bandas mas legendarias y exitosas del hard rock mundial como son Night Ranger y Styx respectivamente.
A principios de los noventa ambos músicos harían una pausa en sus bandas madres y se unirían a Ted Nugent y Michael Cartellone y fundarían la súper banda Damn Yankees con quiénes publicaron dos álbumes de gran impacto comercial y artístico, “Damn Yankees” (1990) y “Don´t Tread” (1992).
Una vez acabado este proyecto, ambos músicos decidieron seguir como dúo y crearon la banda de rock melódico Shaw Blades.
En 1995 el dúo lanzaba su primer álbum "Hallucination", en el cual mostraban un rock acústico y unas armonías impecables como quedaba demostrado en cortes como las irresistibles y sobresalientes "My Hallucination", "I'll Always Be With You", "Come to Be My Friend", "I Stumble In" o “How You Gonna Get Used to This”.
La gran recepción posterior del álbum les animaría a seguir colaborando en un nuevo disco, sin embargo los asuntos contractuales con sus respectivas bandas dejaría aparcado el proyecto hasta doce años después, cuando volverían a reunirse y grabar este "Influence", en donde recopilarían un trabajo repleto de versiones, todas ellas clásicos de la música rock, las cuales fueron algunas de las influencias en sus comienzos musicales.
Aquí el dúo presenta temas del calibre de “The Sound Of Silence” de Simon & Garfunkel, “Dirty Work” de Steely Dan, “For What It´s Worth” de Buffalo Springfield, “Lucky Man” de Emerson, Lake & Palmer, “Summer Breeze” de Seals and Crofts, “Time of the Season” de The Zombies, “Your Move” de Yes, o “California Dreamin´” de The Mamas and The Papas, todas ellas interpretadas de manera precisa y refinada, con unas cristalinas guitarras acústicas, unas ligeras percusiones, sutiles teclados y unas voces arrebatadoras, los ingredientes justos para que el álbum tuviera una gran aceptación y se convirtiera en una pequeña joya del rock melódico.

Loverboy-Get Lucky (1981)

Loverboy fueron una de las bandas mas exitosas e inspiradas de principios de los ochenta, que en apenas cuatro años lograron tres álbumes multimillonarios enfocados al rock melódico orientado a las FM.
Esta banda canadiense se había formado en la ciudad de Calgary en 1979 por Paul Dean guitarrista y Mike Reno vocalista, a los que se les unirían el batería Matt Frenette, el teclista Doug Johnson y el bajista Scott Smith.
Con un buen contrato bajo el brazo gracias a la Columbia Records, lanzaron el homónimo “Loverboy”, el cual contiene los hits “The Kid Is Hot Tonite” y “Turn Me Loose” dos clásicos de las emisoras FM y del rock orientado hacia adultos.
Este debut los encumbra logrando media docena de discos de platino.
Sin embargo seria con su segundo álbum “Get Lucky”, cuando lograrían el estrellato definitivo gracias a su excelente hard rock mezclado con unas originales líneas de sintetizador, unas voces arrebatadoras y una exquisita producción.
Parte de este mérito estaba en el impresionante plantel de ingenieros y productores, entre los que estaban Bob Rock, Mike Fraser, George Marino y Bruce Fairbairn.
“Get Lucky” contiene una irresistible colección de canciones como la pegadiza “Working For The Weekend”, atractivos medios tiempos, “When It´s Over” y “Gangs In The Street”, temas puramente hard rock “Emotional” y “Lucky Ones” o canciones con gancho AOR como “Jump” y “Take Me To The Top”.
“Get Lucky” se convirtió en un clásico imprescindible del AOR y a la vez una de las obras del genero mas exitosas con siete discos de platino y cinco millones de copias vendidas solo en el mercado norteamericano.

Heart-Heart (1985)

Después de cinco álbumes sobresalientes, los cuales habían cosechado grandes éxitos y millones de copias vendidas alrededor del mundo, Heart habían lanzado dos nuevos trabajos que sucumbieron creativamente y fueron menospreciados por sus fans mas acérrimos, resintiendo la armonía hasta esos momentos exitosa de la banda.
Eso conllevaría a dos deserciones, por un lado abandonaría Michael DeRosier, sustituido por Denny Carmassi y por otro el bajista Steve Fossen, quien seria reemplazado por Mark Andes.

Varios años antes el guitarrista Roger Fisher también había abandonado la nave por discrepancias con el resto de integrantes.
Este hecho significaría que las hermanas Nancy y Ann Wilson lideraran junto al guitarrista Howard Leese los derroteros del grupo, imponiendo sus criterios y ideas sobre el estilo a seguir.
A partir de aquí la banda abandona el hard rock con ramalazos de folk rock y los sonidos zeppelianos y se adentran definitivamente en los terrenos del rock melódico.
Con estas nuevas ideas llegarían los fabulosos “Heart” (1985), “Bad Animals” (1987) y “Brigade” (1990).
Centrándonos en el primero de ellos, el cambio de estilo también se repercute en un nuevo look y un sonido mas cristalino, además de una producción impecable, logrando con todo ello un álbum magistral repleto de brillantes temas como  “Shell Shock”, “If Looks Could Kill”, “Nobody Home”, “These Dreams” o “Never”.
“Heart” lograría colarse en la primera posición de las listas norteamericanas, mas de seis millones de copias vendidas y una nominación al mejor álbum en los premios Grammy.

Saga-Worlds Apart (1981)

Saga fueron junto a otras bandas coetáneas como Asia, Rush o Styx, la que mejor supieron fusionar los gustos musicales de los ochenta con los sonidos del progresivo de los 70, explorando con su sonido fresco y maduro, un irresistible estilo que habían comenzado algunos años atrás.
Con su cuarto álbum “Worlds Apart”, ya se adivinaban ciertas variaciones con respecto a sus trabajos anteriores. Para empezar la banda canadiense incorpora una evidente inclinación AOR, pero sin perder un ápice su poderosa sensibilidad progresiva.
En “Worlds Apart”, el factor progresivo sigue siendo predominante, como muestra la increíble “No Regrets (Chapter V)”, la ambiciosa epopeya “No Stranger (Chapter VIII)” o el atractivo instrumental orientado al jazz y el funk “Conversations”, cuyo explosivo cierre le acercan al heavy metal mas contundente. Por unos derroteros parecidos a esta ultima nos encontramos a la poderosa “Framed”, en donde la guitarra de Ian Crichton brilla notablemente.
Otro de los elementos que diferencian a este álbum son los sonidos electrónicos, en donde el entusiasmo por la bateria electrónica de Steve Negus, se muestra notablemente en “Wind Him Up” y “Time´s Up”.
Son estos dos temas los que le acercan leve e equivocadamente a la onda del technopop, un estilo que cada vez se estaba volviendo mas popular principalmente en Inglaterra, aunque con menos aceptación en Europa y prácticamente nula en Norteamérica a principios de la década de los ochenta, logrando una tímida presencia en las listas de éxitos mainstream del Reino Unido.
Pero mas allá de estos dos extravagantes experimentos, los cuales se alejan de filosofía original de Saga, la banda mostraba su faceta progresiva con la brillante “Amnesia” o con las tremendamente pegadizas AOR “On The Loose” y “The Intreview”.

FM-No Electricity Required (1993)

FM son una de las grandes bandas británicas de rock melódico que surgieron en la segunda mitad de la década de los ochenta publicando algunos de los mejores discos del género como "Tough it Out" en 1989, "Takin' It to The Streets" en 1991 o “Dead Man´s Shoes” en 1995.
Fundada en Londres en 1984 por el guitarrista y cantante Steve Overland, el teclista Didge Digital, el guitarrista Chris Overland, el bajista Merv Goldsworthy y el batería Pete Jupp, si bien es cierto que con el devenir de los años se fueron sucediendo algunos cambios de integrantes como los guitarristas Andy Barnett y Jim Kirkpatrick o el teclista Jem Davis.
Después de un meritorio primer álbum “Indiscreet” (1986), la banda se centraría en el mercado norteamericano obteniendo algunos hits como "Bad Luck".
Una parte fundamental del éxito de la banda en esos años fue la colaboración con el compositor norteamericano Desmond Child, famoso por crear grandes hits para bandas como Kiss, Bon Jovi, John Waite, Michael Bolton, Alice Cooper, Bonfire, Robin Beck, Ratt, o Chicago entre otros muchos mas.
En estos primeros discos se van sucediendo temas de gran impacto como "Don´t Stop", "Someday", "Everytime I Think of You", "Only the Strong", "Dangerous Ground" o la magnífica versión del clásico de Marvin Gaye, "I Heard It Through The Grapevine", temas todos ellos con grandes arreglos y con unos estribillos tremendamente irresistibles.
En estos primeros años también se popularizaría el carisma de su cantante Steve Overland, convirtiéndose en un ícono del AOR y pieza fundamental en FM.
En 1993 se publicó el doble en directo "No Electricity Required", en donde en formato acústico hacen un repaso a diferentes temas de sus tres primeros álbumes además de la interpretación de brillantes versiones de clásicos del rock como “Rocky Mountain Way”, “Get Back”, “Enter Sandman” o “Tush” entre otras.
“No Electricity Required” tuvo una gran acogida en mercados como el norteamericano, el norte de Europa o el japonés, alcanzando un disco de oro por sus ventas y grandes reseñas en la prensa especializada.

Magnum-Goodnight L.A. (1990)

A mediados de los ochenta, la banda británica Magnum abandonaba casi por completo su estilo progresivo para adentrarse en los sonidos mas melódicos muy cercano al AOR, pero sin dejar por completo de lado su esencia progresiva y sus composiciones complejas y pomposas.
Fundados a principios de los 70 en Birmingham, el núcleo principal ha estado siempre formado por el guitarrista Tony Clarkin, el vocalista Bob Catley y el teclista Mark Stanway, sus tres miembros mas longevos. No seria hasta casi a finales de esa década cuando lanzarían su primera obra “Kingdom of Madness” (1978), donde demostraban su clara inclinación progresiva como queda demostrado en cortes como “In The Beginning” o “All Come Together”.
A este debut le siguieron obras conservadoras como “Magnum II” (1979), “Chase The Dragon” (1982), “The Eleventh Hour” (1983) o “On a Storyteller´s Night” (1985), todos ellos con un claro dominador común, los fastuosos arreglos y el gusto por los temas complejos y progresivos, pero con un estilo bastante accesible para el gran publico.
Con su sexto álbum “Vigilante” (1986), la banda ya empezaría a alejarse sutilmente de los parámetros progresivos conformando un trabajo repleto de temas adictivos como “Lonely Nights”, “Need A Lot Of Love” o la pegadiza “Midnight (You Won´t Be Sleeping)”.
Después de otro destacado y exitoso lanzamiento en el cual repetían la misma formula “Wings Of Heaven” (1988), llegaría “Goodnight L.A.” en 1990, en el cual otorgan a su estilo un sonido aún mas comercial y americano, en parte gracias al productor Keith Olsen.
Sin embargo pese a ello no tuvieron el éxito esperado al otro lado del Atlántico, aunque si por el contrario lo seria en Europa, consiguiendo unas ventas abrumadoras y un éxito contundente gracias a cortes tan brillantes como las irresistibles AOR, “Reckless Man”, “Shoot” y “Rockin Chair”, las poderosas hard rock “Mama” y “What Kind Of Love Is”, o medios tiempos fascinantes como “Matter Of Survival” y “Heartbroke and Busted”, mientras los atisbos progresivos de antaño aparecen en las memorables “Only a Memory” y “Born To Be King”.

Peter Frampton-Frampton Comes Alive (1976)

“Frampton Comes Alive” es el disco en directo mas vendido de la historia del rock y uno de los mayores impactos discográficos de la industria en toda su historia, realizado por un artista que aún teniendo muy buenas credenciales y habiendo demostrado sobradamente una gran calidad como guitarrista y compositor como miembro de los míticos Humble Pie, nunca se llego a intuir semejante impacto mediático cuando comenzaría su carrera en solitario a principios de los 70, la cual casi se va al traste al estar a punto de ser expulsado de su discográfica la A&M ante su escasa rentabilidad comercial.
Peter Frampton, fue un antiguo miembro fundador en los 60 de The Herd, una banda británica de pop para adolescentes con quien lograría algunos éxitos como “From The Underworld” a mediados de 1967, para posteriormente fundar junto con el guitarrista Steve Marriott los mencionados Humble Pie, logrando un mayor éxito y reconocimiento gracias a unos soberbios álbumes de potente hard blues rock como son “As Safe as Yesterday Is”, (1969), “Rock On” (1971) o el antológico directo “Performance Rockin´The Fillmore” (1971). Una vez abandono a los Pie a finales de 1971, Peter Frampton iniciaría su aventura en solitario de la mano del que había sido manager de su ex banda, Dee Anthony, quien gestionaría los primeros años de su carrera. Frampton había grabado antes de este “Frampton Comes Alive!”, cuatro álbumes en estudio de mediocre factura, empezando por “Wind Of Change” (1972), al que seguirán “Frampton´s Camel” (1973), “Something´s Happening” (1974) y “Frampton” (1975), sin embargo seria con este ultimo con el cual obtiene unos mejores resultados en cuanto a ventas, logrando un meritorio numero 32 en las listas del Billboard y un disco de oro.
Este éxito le llevaría fundar una banda estable junto al teclista y guitarra Bob Mayo, al batería John Siomos y al bajista y voces Stanley Sheldon y a presentar el disco en una larga gira por los Estados Unidos en el verano de 1975, la cual tuvo que prolongarse durante muchos meses mas ante el tremendo éxito que cosecharía.
El repertorio de “Comes Alive” fue extraído de diferentes conciertos celebrados el 14 de junio de 1975 en el mítico Winterland de San Francisco (un famoso lugar donde Humble Pie habían sido siempre muy bien recibidos y donde habían cosechado grandes éxitos en el pasado), el 19 de junio en el Marin Civic Center de San Rafael, California, el 24 de agosto en el Long Island Arena y el 22 de noviembre en Pittsburgh, en donde contaron como ingenieros de sonido, a dos leyendas de las mesas de mezclas como eran Eddie Kramer y Chris Kimsey, logrando producir un doble álbum de hard rock adictivo con canciones irresistibles, sabiamente producidas para la radio y potenciales hits como las  archiconocidas "Show Me The Way" o "Baby I Love Your Way", además de otros temas de gran calidad como "It´s a Plain Shame", “Shine On”, “I Wanna Go to the Sun” o una excitante versión de "Jumping Jack Flash" de los Rolling Stones, con un extraordinario resultado final, el cual se convertiría en un caso inaudito e inédito en la historia de la música rock de los años 70.
Entre los años 1976 y 1977 se vendieron un total de seis millones de copias solo en Norteamérica, y un total de 16 millones en todo el mundo y estuvo en el Top 10 del Billboard durante la friolera de 99 semanas consecutivas.

Bighorn-Bighorn (1978)

A finales de los setenta el pomp rock vivía su mejor época en los Estados Unidos, bandas como Styx, Kansas, Angel, Magnum o Reo Speedwagon entre otros, copaban las listas de éxitos y sus álbumes estaban entre los mas aclamados y vendidos.
Sin embargo también existían otras muchas bandas que se movían en la escena underground, bandas que no lograban el éxito o la notoriedad deseada debido al predominio de esas otras bandas mas famosas y mediáticas, las cuales les cerraban el paso involuntariamente hacia las listas de éxito.
Una de ellas eran Bighorn, una banda formada a principios de los setenta en Seattle, los cuales habían ya lanzado un single en 1974, “I Get High"/“Takin´Me Down”, que pasaría totalmente desapercibido.
Después de un constante ir y venir de componentes, casi a finales de la década, esta banda realizaría una extensa gira por el oeste de Estados Unidos y el sur de Canadá y tuvieron la suerte de firmar con un pequeño sello canadienses de Vancouver subsidiaria de la Columbia canadiense, quienes les financian y publicaron su primer y único álbum lanzado a finales de 1978.
En este debut, Bighorn mostraba su estilo AOR fusionado con sonidos de hard rock progresivo, destacando sus irresistibles arreglos vocales y unas pegadizas melodías muy adictivas y comerciales.
La formación que grabaría este álbum estaba compuesta por el vocalista Bon Marcy, el guitarrista Joe Shikany, el teclista Peter Davis, el bajista Michael Ipsen y el batería Steve Adams, con la particularidad de que todos ellos eran vocalistas, algo que contribuía enormemente en los estupendos arreglos vocales.
Producido por el británico Martin Shaer, el álbum es una brillante colección de cortes que van desde el hard rock "Triad Every Trick" o "Helen Betty", hasta el rock melódico "Stand Up" y "Mary-Anne", pasando por temas mas complejos como "Sparrow" o "Penny For Your Dreams", sin dejar de mencionar medios tiempos pegadizos como "( I Love You) I´m Not Afraid Anymore" o el hard progresivo "Star Rocker".
Después de este álbum algunos de sus miembros deciden abandonar para integrarse en otros proyectos, por lo que Bighorn sucumbiría definitivamente a finales de 1979 sin dejar rastro, pero dejando para la posteridad este brillante y olvidado disco de rock melódico.

Foreigner-Agent Provocateur (1984)

Tres años después de la publicación del multi-platino “4”, Foreigner regresaban con un nuevo álbum titulado “Agent Provocateur”, el quinto cronológicamente en la carrera del grupo, el cual sin llegar a las excelencias del anterior, seguían mostrando a una banda en plena forma creando canciones tan icónicas como la extraordinaria “I Want To Know With Love Is”, que pronto se convertiría en una de sus canciones mas emblemáticas junto a las clásicas “Feels Like The Firts Time”, “Cold as Ice”, “Hot Blooded” o “Urgent”.
Sin embargo este álbum no solo vivía de las rentas de tan tamaña balada, en el encontramos cortes tan interesantes como “That Was Yesterday”, otro medio tiempo soberbio o las poderosas rock “Tooth And Nail” y “She´s Too Tough”, sin dejar de mencionar la contundente “Strange in my Own House” y las melódicas “A Love In Vain” y “Two Different Worlds”, configurando con todas ellas un trabajo equilibrado que funcionaria perfectamente en las listas de medio mundo, logrando cinco discos de platino por sus abultadas ventas a nivel mundial y manteniéndolos en primera línea del rock orientado hacia adultos.

Kansas-Power (1986)

A mediados de los ochenta Kansas estuvieron alejados de los estudios de grabación durante varios años, por lo que cuando se anuncio el nuevo y esperado trabajo del grupo de Topeka, sus fans lo esperaron ansiosos, aguardando el regreso de aquella banda que tan buenos trabajos de espléndido rock progresivo habían facturado en los 70.
Sin embargo en este nuevo álbum titulado “Power”, la banda dejaba atrás ese estilo característico, por un rock melódico muy cercano al AOR, realizando un poderoso y interesante trabajo que no disgustaría totalmente a su amplia legión de fans.
En este nueva entrega ya no participarían tres de los pilares fundamentales del grupo como eran el guitarrista y co-lider de la banda Kerry Livgren, el bajista Dave Hope y el cantante y violinista Robby Steinhardt, sustituidos aquí por el guitarrista Steve Morse y el bajista Billy Grear.
Pese a perder su estilo inconfundible con esa intensidad progresiva y ese toque vanguardista que otorgaba el violín de Steinhardt, “Power” resultaría un mas que meritorio trabajo en donde sobresalían cortes poderosos como “Silhouttes In Disguise", “Tom 19” o la homónima “Power”, rock melódicos como “Can´t Cry Anymore" o “All I Wanted”, y acercamientos a los sonidos progresivos como queda patente en la esplendida instrumental "Musicatto”.

Journey-Escape (1981)

Una vez terminada la gira mundial para promocionar el sexto álbum de Journey, “Departure” (1980), uno de sus miembros fundadores, Gregg Rollie, decide abandonar la banda por causas personales, entre otros motivos, harto de los agotadores viajes y el estrés del status de mega estrella.
Sin embargo antes de abandonar, el propio Rollie recomienda al resto de miembros el posible sustituto, el teclista Jonathan Cain que provenía de la banda The Babys, el cual influyo decisivamente en el devenir del estilo de Journey en los próximos años, dotando la música del grupo con unas dobles armonías de teclados y guitarras y comenzando así la época mas gloriosa del grupo a nivel comercial.
El primero de ellos seria “Escape”, un álbum repleto de contagiosas e irresistibles melodías empezando por la emotiva "Don´t Stop Believin", que la convierte en una de las canciones por excelencia del AOR.
El resto del álbum muestra a una banda que interpreta canciones enérgicas y rítmicas, con excelentes armonías de guitarra y teclados creando un mundo sonoro fascinante.
Con la voz de uno de los mejores vocalistas de la historia como Steve Perry, se suceden temas magistrales como "Stone In Love", "Who's Crying Now" o "Open Arms", que se convierten de inmediato en obras inmortales de la música rock.
El álbum logra obtener nueve discos de platino y unas ventas globales que superan hoy en día los veinte millones de copias vendidas y toda una obra maestra absoluta de la música rock y el AOR en particular.

Foreigner-Head Games (1979)

En 1979 llegaba el tercer álbum de Foreigner, el cual esta considerado una de sus obras cumbres y al mismo tiempo uno de sus trabajos mas elaborados.
En esta nueva entrega las huestes liderada por Lou Gramm y Mick Jones consiguieron otro notable trabajo que lograría encaramarse hasta la quinta posición en el US Billboard, con unas ventas que superaron con creces los cinco millones de copias.
Además de Lou Gramm (voz) y Mick Jones (guitarra y voces), el resto de la banda estaba formada por el bajista Rick Willis, el guitarrista y teclista Ian McDonald, el batería Dennis Elliott y el teclista Al Grennwood.
Grabado durante los meses de junio y julio de 1979, en los Atlantic Studios de Nueva York, el álbum fue lanzado a principios del mes de septiembre de ese mismo año.
Si bien es evidente que en cierta medida “Head Games” pierde el descaro y el instintivo natural de sus dos anteriores obras, también lo es que aquí nos encontramos con piezas de gran calibre como la pegadiza “Love On The Telephone”, la enérgica “Dirty White Boy”, la boogie rock “Women”, la atractiva hard rock “Seventeen”, la AOR “Head Games”, la preciosista balada “Blinded By Science” o la medio tiempo adictiva “Do What You Like”.
En todos ellas sobresale la sublime voz de Lou Gramm y el sobresaliente trabajo instrumental del resto de la banda, así como la magnifica producción realizada al unísono por Roy Thomas Baker y Mick Jones.

Jefferson Starship-Spitfire (1976)

“Spitfire” fue el tercer álbum de Jefferson Starship y décimo de la saga Jefferson, sin contar con los trabajos de Hot Tuna, la otra banda paralela de la dinastía compuesta por Jack Cassidy y Jorma Kaukonen. En esta tercera entrega su guitarrista Craig Chaquico cobra un gran protagonismo al componer cuatro de las nueve canciones que componen el álbum, además de ser una de las piezas destacadas con su inconfundible guitarra en el resultado final de la obra.
Sin embargo el estilo del grupo cada vez se va derivando hacia los sonidos mas pegadizos y comerciales, sin dejar de lado la complejidad característica de los temas que Paul Katner solía imprimir al estilo de Starship. Aún así, aquí encontramos piezas muy destacadas como la psicodélica “Cruisin´”, la oscura con aires gospel “Hot Water” con la voz sensible de Grace Slick, la compleja “St. Charles”, la progresiva “Song To The Sun / Ozymandies / Don´t Let It Rain”, o las melódicas “With Your Love” y “Switchblade”.
Para acabar con la country rock “Big City” y la vigorosa “Love Lovely Love”, consiguiendo con todas ellas un álbum ecléctico pero al mismo tiempo homogéneo y muy cohesionado.
“Spitfire” no lograría las ventas ni el mismo éxito que el anterior “Red Octopus”, pero si alcanzaría un disco de platino y un tercer puesto en las listas del Billboard norteamericano.