Sirius-Rising (1979)

Sirius fue una banda tejana que surgiría de las cenizas de los grupos locales Demian y Bubble Puppy. Ambas bandas estaban lideradas por los guitarristas Rod Prince y Todd Potter, que junto al bajista George Rarey y al batería Mark Evans firmaron con el sello independiente Elcric Flor y lanzaron en 1979 el álbum “Rising” en donde los sonidos cercanos al AOR y al country rock marcaron un meritorio trabajo que pese a su enorme calidad pasaría, como le ocurriera a otros cientos de álbumes de otras tantas bandas, totalmente desapercibido en su momento. Cortes como “Runaway Bay”, “Girl You Take Me Higher”, “No idea”, “Girl Like You” o “Lilany”, demuestran esa orientación melódica muy adictiva, complementada con unos grandes fraseos de guitarra, todo ello bajo una producción exquisita para venir de una productora local de bajo presupuesto.

Diana Krall-Wallflower (2015)

Para su duodécimo álbum de estudio, la pianista y cantante de jazz Diana Krall, presentó un repertorio compuesto por algunos standards del pop y el rock de las últimas cuatro décadas, todos ellos clásicos contemporáneos que la inspiraron en sus inicios. Producido por David Foster, un ganador nato con más de 15 premios Grammy a sus espaldas, el álbum consta además de la colaboración de grandes leyendas del folk, el rock o el jazz como Graham Nash, Stephen Stills, Christian McBride, Michael Thompson, Nathan East, Michael Bublé, Timothy B. Schmit, Georgie Fame, Bryan Adams, Steve Jordan o Jim Keltner entre otros muchos más. Para la confección del álbum, Diana Krall eligió minuciosamente cada canción que incluye verdaderos clásicos como "California Dreamin" de The Mamas and The Papas, "Desperado" y "I Can´t Tell You Why" de The Eagles, "Sorry Seems To Be The Hardest Word" de Elton John, "Alone Again (Naturally)" de Gilbert O´Sullivan, "Wallflower" de Bob Dylan o "I´m Not In Love" de 10CC. En todos ellos Diana Krall muestra su tremendo talento vocal, cantando expresivamente con gran belleza. Con este álbum Diana Krall dejó por sentado que su talento artístico va más allá de cualquier estilo musical, lo que la ha convertido en una de las artistas más importantes y trascendentales de las últimas décadas.

Taï Phong-Taï Phong (1975)

Taï Phong fueron una peculiar banda francesa nacida a principios de los 70 que fue fundada por los hermanos de procedencia vietnamita, Khanh Mai (voz y guitarra) y Tai Sihn (bajo, guitarra y voz). En sus primeros años su formación la cerraban con un percusionista norteamericano y un teclista alemán, pero estos apenas tendrían recorrido junto a la banda. Algún tiempo mas tarde pasarían a engrosar los franceses Jean-Alain Gardet (teclados), Jean-Jacques Goldman (guitarra, violín y voz) y Stephan Caussarieu (batería y percusión). Con esta formación lograrían un contrato con el sello Warner y grabarían su álbum debut en 1975. Desde la fabulosa obra de arte asiática de su portada, hasta la brillante producción, pasando por una impresionante musicalidad y unas excelentes melodías, Tai Phong combina una mezcla embriagadora de cualidades musicales que hacen de este álbum una pequeña obra maestra del rock progresivo. Elegantes teclados muy atmosféricos, densos y potentes, guitarras afiladas hard rock, y una sección rítmica compleja y dinámica dan como resultado uno de los álbumes mas respetados del rock francés de toda su historia. Cortes puramente progresivos como la epopeya "Out Of The Night", se entremezclan con otras de claras desviaciones rock "Going Away" y "Crest", o relajados números de space rock ambiental como "For Years & Years" o "Fields of God". Un año mas tarde lanzarían el continuista “Windows”, con el que volvían a producir otro exquisito trabajo de rock progresivo melódico, aunque con connotaciones aún mas cercanos al estilo de bandas como Pink Floyd o la BJH. Durante las siguientes décadas han seguido lanzando trabajos de menor envergadura pero que sin embargo les han mantenido como una de las bandas francesas de culto por excelencia.

Jim Diamond-Double Crossed (1984)

Jim Diamond se convirtió en una rutilante estrella, gracias a varias de sus canciones que alcanzaron un gran impacto comercial y mediático en la década de los 80. Este cantautor escocés comenzaría desde muy joven liderando varias bandas locales del área de Glasgow como The Method o Jade en los años 60. Esta última lograría llamar la atención gracias a diferentes conciertos en Londres en 1969. Fue por entonces cuando el legendario bluesman Alexis Korner le vería actuar y quedó gratamente sorprendido por su talentosa voz con tintes soul y blues. Poco después Diamond pasaría a engrosar la banda de Korner, proporcionado los coros y las voces adicionales y grabando el disco "The Lost Album". Una vez acabó su aventura con esta banda, formaría el grupo Bandit, en la cual también participaba el futuro bajista de AC/DC, Cliff Williams. Después de publicar el álbum "Bandit", Diamond desintegra el grupo y pasa a ser el vocalista de BACCO, una formación japonesa de escaso recorrido. La falta de éxito y su poca repercusión mediática le llevaron a mudarse a Los Ángeles y formando una nueva banda llamada Slick Diamond, junto al guitarrista Earl Slick sin que publicaran ningún trabajo de manera oficial. Por fin en 1981 obtendría el éxito con el trío PhD, formado por Diamond, el baterista Simon Phillips y el teclista Tony Hymas, dos experimentados músicos que tras de si tenían una fructífera carrera junto a Jeff Beck, Jack Bruce, Gary Moore, Judas Priest o Duncan Browne. La composición de Diamond "I Won´t Let You Down", se convertiría en una de sus canciones más emblemáticas y uno de los sencillos más vendidos en 1982. Sin embargo la banda tendría una fugaz historia, poco después de disolverse, Diamond decidiría comenzar su carrera en solitario y firma con la A&M Records. En 1984 lograría un éxito mundial con la aclamada "I Should Have Known Better", una intensa balada que pertenece a su álbum debut "Double Crossed", en el cual también hay otros destacados temas como "Remember I Love You" y "I Sleep Alone at Night". Varios éxitos menores como "Hi Ho Silver", o varias colaboraciones con diferentes músicos como Tony Banks y Steve Hackett de Genesis, fueron en lo sucesivo sus aportes más destacados y en los siguientes años, Jim Diamond se convertiría en un artista que quedó al margen de las listas de éxito, pese a publicar esporádicamente una serie de álbumes que pasaron desapercibidos para el gran público.

Hawkwind-Hall Of The Mountain Grill (1974)

"Hall Of The Mountain Grill" fue el cuarto álbum de la banda Hawkwind y el primero en fusionar los sonidos espaciales con el rock acido de sus primeras obras. Grabado durante los meses centrales de 1974 en los estudios Edmonton Sundwon de Londres, tuvo como productor al afamado Roy Thomas Baker ingeniero habitual de bandas como Free, Queen, Journey, Nazareth o Foreigner entre otras muchas mas. Para esta tercera entrega el teclista y violinista Simon House reemplazaba a Robert Calvert mientras que el resto de la banda estaba formada por Dave Brock (guitarra y teclados), Nik Turner (saxofón, flauta y voz), Lemmy Kilmister (bajo y voz), Simon King (batería y percusión) y Del Dettmar (teclados). El nuevo sonido se aprecia en cortes como "The Psychedelic Warlords (Disappear in Smoke)", "D-Rider" y "Paradox", mientras que la vena rockera con aires ácidos sigue presente en los cortes "You'd Better Believe It" y "Lost Johnny". Sin embargo se echa en falta aquí la ausencia total de los interludios de poesía de ciencia ficción y fantasía de Robert Calvert, que pese a que no necesariamente lastran el resultado final del álbum, si es cierto que pierdan la chispa filosófica de sus primeras obras. Aún así este álbum significaría como se menciona al principio el inicio a un estilo más ambiental y progresivo, logrando con ello un trabajo admirable del mejor space rock de la década de los 70.

The Rubettes-Wear It's 'At (1974)

Encuadrados en sus inicios como banda de glam pop con influencias de la música negra americana como el doo-wop, The Rubettes tuvieron su momento de gloria cuando en 1974 una canción suya se encaramaba a los primeros puestos en las listas de éxitos de medio mundo. Fundada en 1974, su alineación inicial estaba compuesta por Alan Williams, como cantante y guitarra, John Richardson, batería y voces, Mick Clarke, bajo y voces, Tony Thorpe, guitarra y voz, y los pianistas Pete Arnesen y Bill Hurd. Todos ellos eran músicos de sesión de los estudios de Polydor, y su principal impulsor sería Wayne Bickerton, uno de los directores de una división de la discográfica, junto con el productor Tony Waddington. Su mayor éxito fue "Sugar Baby Love", que lanzada en enero de  1974, alcanzó varios meses después el número uno absoluto en el mundo entero desbancando al álbum “Waterloo” de Abba, convirtiéndose en uno de los mayores hits del año. Se trata de una canción inspirada en el doo-wop-pop vocal de los años cincuenta, pero adornada con los arreglos de la música más comercial de mediados de los setenta. No era por lo tanto de extrañar su tremendo éxito. Llegó a vender la friolera de cerca de los diez millones de copias alrededor del mundo entre singles y Lp´s, alcanzando el disco de oro en el Reino Unido y en otros muchos países europeos. Aunque después de este éxito y pese a tener algunos hits de menos impacto comercial como "Juke Box Jive" o "Tonight", la banda siguió publicando discos hasta bien entrada la década de los noventa, pero apartados totalmente de las listas de éxitos y considerados una entrañable y famosa banda revival de los años 70.

The Greatest Show On Earth-Horizons (1970)

The Greatest Show On Earth fueron una de las muchísimas bandas inclasificables que surgieron a finales de los 70, la cual pese a lanzar dos estupendos álbumes de prog ecléctico no tuvieron éxito esperado y merecido. Fundada en Londres por el guitarrista Garth-Watt Roy y su hermano el bajista Norman Watt-Roy , el resto de la formación incluía al teclista Mick Deacon, al percusionista Ron Prudence, los trompetistas Dick Hanson, Tex Phillpoots y Ian Aitchison, y al vocalista, guitarrista y flauta Colin Jennings. La música de esta numerosa banda estaba enmarañada en diferentes estilos como el soul, el jazz, el R&B y el rock progresivo, por lo que fueron comparados con sus coetáneas norteamericanas Blood Sweat and Tears y Chicago. Esta atractiva mezcla de estilos llamaría la atención del sub sello progresivo de la Emi, Harvest Records quienes les producen varios singles de moderado éxito. En 1970 llegaría su primer larga duracion titulado "Horizons", el cual comienza con la exuberante y poderosa "Sunflower Morning" en donde la guitarra y el pesado órgano se constituyen como los instrumentos impulsores y dominantes del estilo original de la banda. "Angelina", el siguiente corte esta dominado por los vientos en un claro corte brass rock. La atractiva y conmovedora "Day Of The Lady" cierra una primera cara de soberbia musicalidad. El enérgico rock "Real Cool World" con ese ritmo palpitante y los poderosos riffs de guitarra se erigieron como el tema que impulsaría al álbum al éxito en media Europa, mientras que la hard jazz rock "I Fought For Love" muestra la impresionante destreza del teclista Deacon. Con el tema central "Horizons" la banda muestra su faceta mas vanguardista, un tour de force retumbante y apoteósico de hard rock progresivo, para acabar este álbum debut con la melancólica "Again and Again". Después de un segundo álbum publicado a finales del mismo año de 1970, y debido a la falta de un mayor éxito en las listas, contribuye al desmembramiento de The Greatest Show On Earth, y todos sus componentes pasan a engrosar otras bandas de la época como Glencoe, Vinegar Joe, The Blues Band, Chaser, Tagett, o la Wilko Johnson Band.

The Soft Machine-Third (1970)

Estamos ante una de las referencias del sonido Canterbury, toda una obra maestra y una de esas grabaciones únicas y antológicas que han resistido la prueba del tiempo. La tercera entrega de Soft Machine, también marcaría un punto de inflexión en la carrera del grupo abandonando decididamente el sonido psicodélico de sus obras anteriores, para adentrarse definitivamente en el jazz rock fuertemente influenciado por obras como "Bitches Brew" de Miles Davis. El trío compuesto por Mike Ratledge, Robert Wyatt y Hugh Hooper, (teclados, batería y bajo respectivamente), se ampliaría desde este nuevo álbum con el saxofonista Elton Dean, que pasaba a pertenecer por derecho propio a la formación oficial de Soft Machine, además de las colaboraciones de Jimmy Hastings (bajo, flauta y clarinete), Lyn Dobson (flauta y saxofón soprano), Nick Evans (trombón) y Rab Spall (violín). Confeccionado como doble álbum, "Third" solo consta de cuatro temas, uno por cada cara, demostrando así la expansión musical de la banda sin limitaciones de tiempo. La experimental e intensa "Facelift" da comienzo a este doble LP de manera apoteósica con diferentes estados de animo, un tema que es el contrapunto a la relajada "Slightly All the Time" de hermosa melodía y suma complejidad instrumental. "Moon in June" por otro lado es la única pista con voces, pero sin palabras, llegados a este punto Robert Wyatt ha aprendido a usar su increíble voz como otro instrumento mas en un tema claramente canterburiano. Para acabar aparece la psicodélica y espacial "Out-Bloody-Rageous", un maravilloso colofón a este sensacional álbum, uno de los mejores jamás grabados y una obligada referencia a los sonidos progresivos.

The Sensational Alex Harvey Band-SAHB Stories (1976)

Riffs pesados, teatralidad escénica por doquier, ramalazos de glam rock y una pizca de humor, fueron los ingredientes que siempre caracterizaron a The Sensational Alex Harvey Band, una de las bandas mas populares en Inglaterra durante la década de los 70. Con ocho álbumes en estudio y dos directos en apenas cinco años, ellos supieron conjugar los sonidos pesados del hard rock, con letras humorísticas y una puesta en escena atractiva. En 1976 y gracias al exitoso sencillo "Boston Tea Party", además consiguieron colocarse en el top ten de las listas británicas, un tema que pertenecía a su sexto álbum "SAHB Stories", el cual también obtendría una gran repercusión en los charts. Este sexto álbum producido en los Basing  Street de Londres durante los primeros meses de 1976, fue lanzado a mediados del mismo año y fue grabado por los músicos Alex Harvey (guitarra y voz), Zal Cleminson (guitarra), Ted McKenna (batería), Chris Glen (bajo) y Hugh McKenna (teclados). Además de la mencionada y desenfadada "Boston Tea Party", el grupo nos deja un trabajo repleto de impactantes cortes como la contundente y preciosista "Dance To Your Daddy", la groove boogie rock "Amos Moses", la elegante "Jungle Rub Out", la extravagante bluesy "Sirocco", la hard rock "Sultans Choice" o la épica "Dogs Of War", con la que dan por finalizado este fantástico y recordado álbum de una de las bandas mas icónicas del rock británico de toda su historia.

Pell Mell-Marburg (1972)

Pell Mell fueron otra de esas bandas talentosas que cayeron por las grietas del abismo a finales de la década de los 70, para desaparecer como si nunca hubieran existido. Su álbum debut "Marburg", repleto de violines, mellotrones, flautas y una sólida base rock, desarrollo un rock sinfónico que bebía de los grandes clásicos del genero, fusionándolos con una dosis de sonidos pesados impulsado por el órgano Hammond, proporcionando con todo ello un estilo que se asemejaba a las bandas británicas Uriah Heep o Deep Purple. Esta formación tenia en la ciudad de Marburgo al noroeste de Alemania, su centro de operaciones y su alineación estaba comprendida por Jorg Gotzfried (bajo y voz), Andy Kirnberger (guitarra), Bruno Kniesmeijer (percusión y batería), Hans Otto Pusch (teclados) y Thomas Schmitt (flauta, violín, teclados y voz). Los nueve minutos de la frenética "The Clown and the Queen" abren este debut al mismo tiempo que se convierte en su punto culminante, a esta le siguen la dinámica "Friend", la grandilocuente "City Monster" y la pesada heavy rock "Alone". Mientras que la versión del clásico de Smetana "The Moldau", es quizás la pieza menos interesante y que sin embargo no le resta méritos a este interesante álbum de rock sinfónico clásico muy apreciado por los progheads.

Last Straw-Alone On A Stone (1975)

Last Straw fueron una banda originaria de la Isla de Wight, que situada al sur de Inglaterra es famosa entre otras cosas por sus multitudinarios Festivales de los cuales, las dos primeras ediciones celebradas en 1969 y 1970 son las mas recordadas e históricas. Sus comienzos datan de 1972 y durante años esta banda formada por  Jack Charles Toole (Batería), Peyte Burnan (Guitarra y Voz), Geoff Taylor (Guitarra, Teclados y Voz) y Steve Griffin ( bajo), se movieron dentro del circulo de pubs de su ciudad natal, Newport. A mediados de los 70 y gracias a varias de sus canciones que obtuvieron cierto impacto mediático, lograron hacer una extensa gira por toda Inglaterra. Sin embargo acabada dicha gira la banda se desintegraría sin dejar constancia de haber grabado ningún álbum publicado oficialmente. Algunos años mas tarde el sello Kissing Spell logra recuperar diferentes demos grabados y los publica bajo el titulo “Alone On a Stone”. Las canciones aquí incluidas muestran un talento brillante de grandes músicos, en donde se orientan hacia el hard rock espacial y progresivo muy en la onda a lo que hacían bandas como Hawkwind  y Wishbone Ash. Pese a la inconsistente calidad del sonido de estas demos, hay momentos de excelente musicalidad como podemos apreciar en cortes como la atractiva “Terence”,  la hard rock “Alone On a Stone”, las melódicas “When August Breaks” y “Fly” o la progresiva “Kings Return”.

Too Much-Too Much (1971)

Esta banda formada a finales de los 60 en la ciudad japonesa de Kobe, nació bajo la influencia de la música occidental, sobre todo la de los Estados Unidos e Inglaterra gracias a los álbumes que llegaban en los barcos de aprovisionamiento para el consumo de las tropas norteamericanas allí afincadas. Liderada por por el ex guitarrista de The Helpful Soul, Junio Nakahara, el cual ya tenia tras de si una amplia carrera musical en donde había absorbido parte de la psicodélica, el hard rock y el blues de finales de los 60. Nakahara contaría con el cantante Juni Lush, con el batería Hideya Kobayashi y con el bajista Masayuki Aoki y después de firmar un contrato con el sello norteamericano Atlantic Records a mediados de 1970, escribieron una gran cantidad de material, muchos de ellos grandes himnos de proto metal japonés, algunos de los cuales fueron a parar al único álbum que esta banda publicaría a principios de 1971. El resultado final es toda una de las obras maestras del rock japonés con una serie de canciones monolíticas como las hard rock “Grease It Out”, “Love Is You” o “Gonna Take You”, enormes piezas de blues rock “Love That Blinds Me”, baladas malhumoradas y lacrimógenas “Reminischence” y “I Shall Be Released” o ejercicios de hard rock psicodélico como la épica “Song For My Lady”, una enorme pieza progresiva repleta de guitarras acústicas, flauta y mellotrón. Poco después de este lanzamiento la banda se separaría definitivamente tomando cada miembro caminos separados, pero dejándonos para la posteridad este formidable álbum del mejor hard rock nipón.

Max Webster-Max Webster (1976)

Álbum debut de una de las bandas mas icónicas e importantes surgidas en Canadá en la década de los 70. Max Webster fueron durante los apenas cinco años de su carrera musical, una de las mas exitosas y reconocidas en su país natal, pero que sin embargo no les llegaría el reconocimiento fuera de sus fronteras hasta años después cuando ya habían desaparecido. Compañeros de los gigantes Rush en el sello discográfico Mercury Records, compartían igualmente el mismo productor, Terry Brown. Esta formación estaba compuesta por el guitarrista, cantante y líder de la banda Kim Mitchell, el teclista Terry Watkinson, el bajista Mike Tilka y el batería Paul Kersey. Bajo la producción del mencionado Brown entrarían en los estudios de grabación Toronto Sound Studios, y durante los meses finales de 1975 confeccionarían este primer álbum homónimo. Con un estilo en donde mezclaban los sonidos del hard rock, con ramalazos del glam rock y sutiles influencias progresivas, el álbum es toda una magistral muestra del eclecticismo de esta banda. Cortes de poderoso rock como “Hangover”, “Blowing The Blues Away”, “Only Your Nose Knows” o “Coming Off The Moon” conviven con otras de carácter mas progresivo como “Lily”, extravagantes temas freaky al mas puro estilo Frank Zappa “Toronto Tontos”, o cortes melódicos como la pausada “Summer Turning Blue”.

Van Der Graaf Generator-The Least We Can Do Is Wave To Each Other (1970)

El comienzo de la exitosa carrera de los británicos Van Der Graaf Generator no empezaría con el psicodélico y aún bastante rudimentario y hasta cierto punto barroco "The Aerosol Grey Machine” (1969), pero gracias a su segundo lanzamiento, "The Least We Can Do Is Wave to Each Other", la banda cobraría un gran protagonismo en el mundo del rock gracias a un álbum que les abrió camino en los albores de la escena progresiva de principios de los 70. En este segundo lanzamiento contrastan paisajes oscuros como la exigente "Darkness (11/11)" con esos incisivos saxofones de David Jackson casi al borde de la asfixia, o la hechizante "White Hammer" y su final desconcertante, con momentos sublimes de luminosa fragilidad como la bella e imperdible "Refugees", donde un emotivo Peter Hammill, sin caer en la melosidad, acaricia los versos en lugar de cantarlos. Pero no lo es hasta la última pista del álbum donde llegan las huellas progresivas en toda regla de VDGG, con  la extensa e intrincada "Alter the Flood”. Aquí teclados de Hugh Banton y el saxofón de David Jackson se involucran en una intensa superposición destacando de manera sobrenatural, mientras Hammill los acompaña sutilmente con la guitarra acústica y su particular sello vocal. "The Least We Can Do Is Wave to Each Other" es además de un espectacular álbum, la base principal para la consolidación del sonido futuro de la banda. A partir de este momento, VDGG privilegiaría el desarrollo de extensas obras impregnadas con elementos jazzísticos, improvisaciones vanguardistas desquiciadas y melodías sublimes con unas letras sofisticadas e inteligentes, fruto de la mente privilegiada de un Peter Hammill único e irrepetible.

Pretenders-Pretenders (1980)

Pretenders fueron una de las bandas más exitosas de principios de los ochenta, que triunfaron renegando el punk y el synth pop de la época para centrarse en un simple pero magnificó rock. Liderado por Chrissie Hynde, Pretenders se originaron en Londres en medio de los últimos coletazos de la primera oleada punk que asolaba los años de finales de los 70 y principios de los ochenta. Hynde de nacionalidad norteamericana se había establecido en Inglaterra en 1973, después de cursar estudios superiores de Bellas Artes en la Universidad de Kent. Durante sus primeros años alterno su pasión de cantante y guitarrista con la de redactora para la revista New Musical Express. En 1978 después de varios proyectos fallidos forma Pretenders junto al bajista Pete Farndon, al baterista Martin Chambers y al guitarra James Honeyman-Scott. Su debut discográfico llegaría dos años después con este "Pretenders", un álbum de rock potente y directo con un sonido intrincado, sólido y preciso de muchísima personalidad. Ajustadas canciones rock como "Precious", "Tattooed Love Boys", "The Wait", "Private Life", "Kid" o "Brass In Pocket", mostraron las excelencias de una banda que tocaba un magnificó rock and roll sin trampa ni cartón. Sorprendentemente el álbum alcanzaría unas extraordinarias ventas que superaron con creces el millón de copias y un número uno absoluto en las listas británicas, y el séptimo lugar en las norteamericanas.

 

Buddy Guy & Junior Wells-Play The Blues (1972)

"Play The Blues" es uno de los álbumes históricos del blues, un memorable trabajo brindado por dos de los grandes del genero como Buddy Guy y Junior Wells. Este formidable dúo daría grandes momentos eternos a la historia del genero con grabaciones como esta que nos ocupa, publicado en 1972. En este séptimo trabajo firmado como Buddy Guy with Junior Wells, contaron con la participación de entre otros músicos legendarios, con Eric Clapton, Jim Gordon, Dr. John, A.C. Reed y de algunos miembros de la J.Geils Band. Compuesto por temas propios del dúo Guy-Wells y versiones de algunos de los grandes bluesman de la historia, fue grabado en los estudios de la Atlantic Records de Nueva York en octubre de 1970. Clásicos como "My Baby She Left Me (She Left Me a Mule to Ride) de Sonny Boy Williamson, "T-Bone Shuffle" de T-Bone Walker o "Honeydripper" de Joe Liggins, comparten repertorio con los irresistible blues de su propia cosecha como "A Man of Many Words", "Come on in This House/Have Mercy Baby" o "This Old Fold", logrando con todos ellos un irrepetible disco del mejor blues.

Tangerine Dream-Force Majeure (1979)

"Force Majeure" es de los pocos álbumes que Tangerine Dream lanzaron durante su breve época de "rock sinfónico", y es de largo junto a “Tangram” (1980), el mejor logrado de todos ellos en donde la banda compuesta por Edgar Froese y Christopher Franke, con la colaboración del percusionista Klaus Krüger y Eduard Meyer (cello), lograron un impresionante disco cargado de ideas musicales con un ambicioso esplendor artístico. Comparado con todos los trabajos anteriores, aquí la guitarra eléctrica de Froese tiene un total protagonismo secundado por la batería de Kruger y los pasajes armoniosos de los sintetizadores de Franke. El tema principal se torna en el momento cumbre con esos sonidos ambientales muy dinámicos, en donde la guitarra asume la responsabilidad de armar un tema muy cercano al rock progresivo. Por unos derroteros parecidos se encuentra "Cloudburst Flight", un tour de forcé de sintetizadores, batería y un sonido pesado y contundente. Mientras el tema que cierra el álbum, "Through Metamorphic Rocks" es otra larga suite en donde escuchamos el estilo habitual de TD con esos sonidos ambientales oscuros y terroríficos, además de grandes pasajes de guitarra y sintetizadores.

SBB-Ze Słowem Biegnę do Ciebie (1977)

Polonia ha demostrado ser uno de los países más creativos cuando se trata de rock progresivo. También es sin duda el único país de Europa del Este que está orgulloso de este estilo. Probablemente la mejor banda de rock progresivo de Polonia ha sido SBB. Esta formación creada a principios de los 70 en la ciudad de Siemianowice han tenido diferentes etapas, siendo la primera comprendida entre 1975 y 1981, la más recordada. “Ze Słowem Biegnę Do Ciebie” lanzado en 1977, seria su tercer álbum en estudio y en el, esta formación compuesta por Józef Skrzek (sintetizadores, piano eléctrico, Moog, clavinete, Mellotron, bajo y voz),  Antymos Apostolis (guitarra) y Jerzy Piotrowski (batería y percusión), lograron crear una fuente verdadera y volumétrica del mejor rock progresivo ecléctico en donde hay cabida para los sonidos del jazz rock, el rock espacial y el rock sinfónico con composiciones épicas muy bien estructuradas, revelando las habilidades técnicas de los tres miembros de la banda. En la primera cara del álbum original aparece el inmenso jazz rock espacial homónimo, 19 minutos de epopeya musical en donde se dan cabida múltiples estilos entremezclados, desde momentos enérgicos hasta partes mas pausadas. Por el contrario “Przed Premiera” esta mas cercano al jazz fusión con grandes combinaciones de teclados y batería con ciertas dosis de vanguardismo y exploración. Sin duda este es uno de los mejores álbumes del progresivo europeo, interpretado por una de las bandas mas talentosas que hayan existido y que esta considerado toda una obra maestra del prog rock.

Kandahar-In The Court Of Catherina Squeezer (1975)

No vamos a Bélgica, de allí son esta banda que practicaban un estilo de jazz rock progresivo que se formo a principios de 1973 en la ciudad de Gante. Su formación estaba comprendida por Jeff De Visscher (guitarra eléctrica y acústica, sitar y voz), Karel Bogard (teclados y voz), Jean Pierre caléis (bajo) y Etienne Delaruye (batería y percusión piano, sintetizador, cuerdas, clavinete, marimba y voz). Esta banda lanzaría dos interesantes álbumes en su propio sello discográfico, ambos con un claro denominador común, el rock vanguardista de la época y el jazz, con influencias del sonido Canterbury y ciertos toques Avant-Garde. “In The Courth Of Catherina Squeezer”, fue su segundo álbum, el cual seguía la estela del jazz rock del debut “Long Live The Sliced Ham” (1974), pero mostrando una mejor consistencia, solidez y una mayor creatividad progresiva, dejando atrás el toque bizarro de su antecesor. Las voces ásperas son el contrapunto perfecto a una instrumentación cautivadora, en donde los los sintetizadores, el órgano, las insinuadas guitarras, los suntuosos saxos y una sección rítmica precisa, confieren a este álbum un estilo inquietante, atrayente y ambiental del mejor jazz rock europeo. 

Fantasy-Fantasy (1970)

A lo largo de la historia han existido bastantes bandas llamadas Fantasy, de hecho en este blog aparece una británica que publicó un soberbio álbum a principios de los 70 orientado al pop progresivo. Pero hoy aquí hablaremos de otra "Fantasy", esta a igual que aquella, son de finales de los 60 pero eran norteamericanos, mas concretamente de Florida y seria la primera en tomar oficialmente ese nombre. Surgidos en medio de la efervescente época hippie y el flower power, esta banda estaba compuesta por Billy Robbins (voz principal), su hermano gemelo Bob Robbins (bajo), Jim DeMeo (guitarra), Mario Russo (teclados) y Greg Kimple (batería) y en un principio su estilo estaba emparentado con lo que las bandas punteras como Jefferson Airplane hacían por esos años. Sin embargo esta banda fue poco a poco perfeccionando su estilo derivándose hacia unos sonidos mas vanguardistas sin dejar de lado su espíritu psicodélico. Su enorme reputación les hicieron abrir conciertos para Iron Butterfly, Led Zeppelin, Frank Zappa, Grateful Dead o The Doors. Pero en 1970 su cantante desapareció repentinamente, apareciendo su cuerpo en los pantanos de los Everglades algún tiempo después. El resto de la banda tuvo que reinventarse a toda prisa para cumplir sus contratos y comenzaron la ardua tarea de reemplazar a un cantante tan carismático como Robbins, algo aparentemente imposible, hasta que una joven de apenas 16 años llamada Lydia James Miller, logra convencerlos y consigue el puesto de cantante. A pesar de su corta edad, esta cantante se desenvolvía y cantaba como una profesional experimentada con un rango de voz muy parecida a la de Grace Slick de los Airplane, e incluso al de la mismísima Janis Joplin. Estas habilidades vocales de Miller permitió al resto de la banda explorar una gama mas amplia de ideas musicales y el rock psicodélico convencional se transformo en uno mas progresivo, justo en un momento donde la simplicidad de los 60 estaba siendo reemplazada por la sofisticación y la ambición musical. Este desarrollo llamo rápidamente la atención del sello Liberty United Artists con los que firman un contrato y grabaron el álbum homónimo, el cual contenía ramalazos del folk rock, pop psicodélico, entramados jazzisticos e incluso sonidos muy cercanos a lo que muchos años después se denominaría new wave. Cortes como la épica "What´s Next", la psicodélica "Circus Of Invisible Men", la bluesy "Understanmd" o la pegadiza "The Stoned Cowboy" llevaron a Fantasy a disfrutar de una exitosa pero efímera gloria que no tuvo mucho mas recorrido que este fenomenal álbum hoy en día oculto en la inmensidad del tiempo.

Nightnoise-The Parting Tide (1990)

Si hablamos de la música tradicional celta no podemos olvidarnos de Nightnoise, una innovadora formación con sede en Oregon compuesta por músicos irlandeses, escoceses y norteamericanos, considerada la punta de lanza del resurgimiento de la música tradicional irlandesa en los años ochenta. Sin embargo el estilo de Nightnoise no solo se basaba en el folk celta, también incluía elementos de jazz y música de cámara. Sus orígenes se remontan a principios de los ochenta cuando el violinista norteamericano Billy Oskay, el bajista Tommy Thompson y el guitarra irlandés Michael Ó Domhnaill lanzaron bajo el prestigioso sello Windham Hill, su primer álbum titulado "Nightnoise". En esta primera entrega el grupo presenta un estilo que fusiona los ambientes relajados de la música clásica con el jazz bajo un claro trasfondo irlandés. Algún tiempo más tarde la banda se ampliará con la vocalista irlandesa Tríona Ní Dhomhnaill y el flautista norteamericano Brian Dunning, completando así la formación más estable y famosa del grupo. En los sucesivos años llegarían otras obras que están catalogadas como fundamentales en la música new age como "Something Of Time" (1987), "At The End Of The Evening" (1988), "The Parting Tide" (1990), "Shadow Of Time" (1993) o "A Different Shore" (1995), todas ellas tuvieron un gran recibimiento en los circuitos de las nuevas músicas y favorables críticas entre la prensa especializada. En todos y cada uno de ellos, Nightnoise consiguieron aunar la perfecta unión entre la música celta tradicional, la música ambiental y el jazz.

Bryan Adams-Reckless (1984)

Hasta la llegada de su cuarto álbum, el guitarrista canadiense Bryan Adams ya se había labrado una gran reputación entre los seguidores del rock melódico gracias a sus dos anteriores trabajos "You Want It You Got It" (1981) y "Cuts Like a Knife" (1983), logrando colocarse como uno de los prometedores artistas del rock orientado hacia adultos (AOR). Pero seria con el cuarto lanzamiento, "Reckless", con el cual por fin lograría el estrellato mundial gracias a una gran versatilidad, coqueteando con el hard rock, el pop rock y el AOR. Compuesto por diez cortes escritos entre el propio Adams y su mano derecha el batería Jim Vallance, prácticamente todo el repertorio esta diseñado como singles de éxito en potencia, empezando por las potentes "Summer Of´69" o "Run To You", las melódicas "Somebody" y "No One Love Affair", o la soberbia balada "Heaven". Todas ellas impulsarían al álbum alcanzar un rotundo éxito en las listas de numerosos países alrededor del mundo, logrando unas ventas que superaron con creces los 10 millones de copias a nivel mundial.

Electric Sun-Earthquake (1979)

Una vez acabada su relación con la banda germana Scorpions, su guitarrista líder Uli Jon Roth, formaría el proyecto Electric Sun, con los que grabaría tres álbumes entre 1979 y 1985. El primero de ellos “Earthquake”, fue lanzado en 1979 y contaba además del propio Uli Jon Roth como guitarra y voz, al bajista Ule Ritgen y el batería Clive Edwards. Le seguirá “Fire Wind” en 1981 en el cual aparecía un nuevo batería Sidhatta Gautama. Con esta formación la banda estuvo constantemente girando alrededor del mundo logrando un discreto éxito. Para su tercer trabajo “Beyond The Astral Skies” (1985), contarían con el ex batería de Jethro Tull; Clive Bunker, además de los vocalistas Michael Flexig y Nicky Moore. El estilo de este proyecto distaba mucho de lo que Scorpions hacían por aquella época, derivándose hacia un hard rock psicodélico creado a imagen y semejanza de lo que Jimi Hendrix había hecho diez años antes. Sin embargo las tendencias hippies ya estaban bastante desfasadas a finales de los 70, por lo que a pesar del portentoso talento de Roth con las seis cuerdas y la innegable calidad de los restantes miembros del grupo, el proyecto estaba condenado al fracaso comercial. Otro dato para ello seria la limitada, faceta de vocalista de Roth como cantante, lo que mermaría notablemente el resultado final de su álbum debut. Aún así en este primer álbum, el trabajo instrumental es en muchos casos apoteósico, en donde la épica, el estilo neoclásico y el hard rock, están ejecutados de manera brillante y heroica por parte del power trio como queda demostrado en cortes como “Electric Sun”, “Burning Wheels Turning”, “Sundown” o la magnifica epopeya "Earthquake”.

Pacific Eardrum-Pacific Eardrum (1977)

Seguimos ampliando la paleta de colores musicales con otra olvidada banda de los 70, esta vez nos vamos hasta Nueva Zelanda de donde son originarios Pacific Eardrum. Esta fue una banda de jazz-rock/funk y soul que publico bajo el sello británico Charisma dos álbumes en 1977 y 1978, seguidos por un tercero bajo la CBS en 1980. La alineación original contaba con tres neozelandeses (Dave MacRae, teclados, Joy Yates, voz, y Bill Kristian, bajo) dos británicos (Jeff Seopardie, batería y Isaac Guillory, guitarra) y un norteamericano (Jim Cuomo, saxo). Dave MacRae era quien mas experiencia acumulaba al haber participado en bandas como Matching Mole, Nucleus o The Walker Brothers, seguido de Yates quien había participado en álbumes de Cat Stevens, Chris De Burgh o Chris Youlden. Su primer álbum, este que no ocupa aquí, fue producido por Laurie Latham en los estudios londinenses de Workhouse durante los primeros meses de 1977 y lanzado a mediados del mismo año. La voz de Joy Yates es sin duda junto a las magnificas estructuras instrumentales creadas por McRae e interpretadas impecablemente por la banda, lo mas sobresaliente de un álbum donde demostraban un gran talento compositivo y una originalidad musical. Cortes como "All Around Us" o "Sun and Sand and Samba", solo una pequeña muestra de la enorme calidad que incomprensiblemente no tuvieron mucho éxito, mas allá de unas miles de copias vendidas y el entusiasmo de una numerosa legión de incondicionales.

Wanka-The Orange Album (1977)

Wanka fue una olvidada banda canadiense que seguía la estela del hard rock progresivo de otras bandas de su país como Rush o Triumph, pero que no tuvieron la misma suerte que estos, pese a publicar un interesante álbum que termino pasando totalmente desapercibido comercialmente. Formados a mediados de los setenta en Toronto por los británicos Chris Gibb (bajo) y Mark Pickett (guitarra) y los canadienses Howard Samuel (guitarra y voz), Mike McConnell (batería) y Doug Paul Smith (teclados). Durante algunos años esta banda estuvo labrándose una gran reputación como banda local en el circuito de pubs y locales de conciertos del área de Toronto y los alrededores. El enorme talento de estos cinco chicos no pasaría desapercibido para el productor de Rush y Max Webster, Terry Brown, el cual les ofrece grabar un álbum producido por el mismo y que fue lanzando a mediados de 1977. Publicado por el sello independiente Axe Records, este álbum titulado “The Orange Album”, contenía una excitante colección de cortes que se movían entre el hard rock puro y el AOR con pinceladas progresivas como demuestran cortes como “Make Up Your Mind”,  “Wrong Door”, “Get Ahead” o “Say No More”.

801-801 Live (1976)

801 fue un proyecto formado por Phil Manzanera a modo de supergrupo paralelo a su banda madre Roxy Music, con los que lanzaría dos álbumes a mediados de los setenta. “801 Live” fue el primero y como indica su titulo es un directo grabado durante una mini gira durante los meses de Agosto y Septiembre de 1976 por el Reino Unido. Además del guitarrista, la banda estaba formada por Brian Eno (teclados, guitarra y voces), Francis Monkman de los Curved Air (teclados), Simon Phillips (batería), Bill MacCornick (bajo y voces) y Lloyd Watson (guitarra slide). Con un estilo ecléctico que va desde temas pegadizos y melódicos hasta crudos cortes puramente rock sin dejar de lado los sonidos progresivos y el vanguardismo que siempre son habituales en cualquier trabajo en donde participa Brian Eno, el álbum transcurre enérgicamente repleto de complejas composiciones sobresaliendo el teclado Fender Rhodes de Monkman, el ritmo contundente del bajista MacCornick, la atmosfera ambient creada por Eno, la sólida percusión de Phillips y las apariciones de la genial guitarra de Phil Manzanera. Su repertorio se divide entre versiones de temas de The Beatles; T.N.K. ( Tomorrow Never  Knows), The Kinks; “You Really Got Me”, con otras composiciones de Brian Eno, el propio Manzanera y la banda de Eno/Manzanera Quiet Sun.

Colosseum II-Strange New Flesh (1976)

Colosseum fue una de las primeras bandas progresivas que surgieron a finales de los años sesenta, que después de publicar cuatro magníficos trabajos orientados al jazz progresivo, (“Those Who About to Die Salute You”, “Valentyne Suite”, “The Grass Is Greener” y “Daughter of Time”), se disolverán casi a finales de 1971. Varios años más tarde uno de sus fundadores, el batería Jon Hiseman, refrotaría la segunda versión de la banda, para la cual recluta al vocalista Mike Starr, al guitarrista Gary Moore, al teclista Don Airey y al bajista John Mole, conformando así la denominada Colosseum II. En 1976 debutan con este “Strange New Flesh”, que a diferencia de los progresivos Colosseum de años atrás, se derivan hacia unos sonidos vigorosos de jazz-rock muy en la línea de lo que otras bandas coetáneas del género hacían por la época (Return To Forever) fusionándolo con un enérgico rock muy emparentado a la Jeff Beck Group o James Gang. Un álbum que comienza con la deslumbrante y trepidante "Dark Side of the Moog", un título irónico que en nada se asemeja a lo que hacían las huestes comandadas por Roger Waters y David Gilmour. A esta la siguen la melódica y atmosférica "Down to You" con un gran trabajo vocal por parte de Starr y el trabajo de los teclados de Airey. Las funky jazz "Gemini and Leo" y "Secret Places" ponen el lado desenfadado de este primer álbum. Cerrando el disco están la melódica "On Second Thoughts" y el tour de forcé "Winds", en donde todos los músicos están deslumbrantes instrumentalmente, en una pieza de poderoso jazz progresivo y que se convierte en el colofón perfecto a toda una obra maestra del jazz rock de los setenta.

The 13th Floor Elevators-The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators (1966)

Estamos ante una banda y un disco fundamentales para entender la evolución de la música psicodélica y el rock garage de la década de los 60. The 13th Floor Elevators fueron los primeros en crear un estilo al que pronto denominaría pop/rock psicodélico, basado principalmente por el rugir de los riffs de guitarras ácidas y reverberadas a alto volumen, grabando y actuando en vivo bajo los efectos del LSD con el resultado de sonidos altamente distorsionados. Esta formación originaria de Austin en Texas, estaba formada por Roky Erickson, guitarrista y cantante además de líder, Stacy Sutherland como guitarra principal, el baterista John Ike Walton, el instrumentista Tommy Hall y el bajista Ronnie Leatherman. En 1966 gracias a varios impactantes singles, el grupo realizó una exitosa gira por la costa oeste norteamericana, lo que les valdría para ser contratados por el sello International Artists, con quienes lanzaron su primer larga duración a finales de 1966. Sarcásticas canciones como "You're Gonna Miss Me", potentes garage rock como "Reverberation (Doubt)" y "Tried To Hide" o las decadentes "Roller Coaster" y "Fire Engine", fueron la perfecta tarjeta de presentación a nivel nacional de The 13th Floor Elevators. Sin embargo después de varios lanzamientos más "Easter Everywhere" (1967) y "Bull Of The Woods" (1969), el grupo fue devorado por su propia fama. El continuo uso de drogas duras y sus problemas legales consiguientes, derivaría en múltiples problemas mentales por parte de todos sus miembros. Finalmente en 1969, Roky Erickson fue procesado por posesión de marihuana, un hecho que marcó el final de la carrera de esta banda.

Bakerloo-Bakerloo (1969)

Otra efímera formación de un solo álbum fueron Bakerloo, banda originaria de la ciudad británica de Tamworth que contaría entre sus filas al guitarrista Dave "Clem" Clempson, al bajista Terry Pole y al batería John Hinch. En sus comienzos este power trío se denominaba Bakerloo Blues Line y basaba su estilo como el nombre deja entrever en el blues, pero a medida que fue pasando el tiempo se volvieron mas experimentales, acercando su estilo hacia los derroteros del blues rock progresivo. Gracias a un numero considerable de seguidores y al patrocinio del futuro manager de Black Sabbath, Jim Simpson, se ganaron la reputación suficiente para actuar en el famoso programa de la BBC Radio 1 de John Peel "Top Gear". Poco después John Hinch seria sustituido por el batería Keith Baker, con quienes graban su único álbum titulado homónimamente y publicado por el prestigioso sello Harvest en 1969. Aunque el álbum recibiría unas críticas muy entusiastas, lamentablemente tuvo poca repercusión comercial, pese a contener una música genuinamente progresiva con blues, jazz y sonidos pesados de hard rock. Cortes como la poderosa "Big Bear Ffolly", esfuerzos psicodélicos "Last Blues", épicos boogie rock "Son Of Moonshine", acercamientos al folk blues con la versión del clásico de Johann Sebastian Bach "Drivin´Bachwards", o hipnóticos blues como la majestuosa "This Worried Feeling", conforman todo un clásico subestimado del genero progresivo. Poco después de la publicación de este álbum la banda se desintegraría al abandonar Clempson para ingresar en la banda de jazz rock Colosseum y posteriormente en Humble Pie, mientras que Keith Baker haria lo mismo recalando en Uriah Heep y Terry Poole en la Graham Bond Organisation.

The Animals-The Animals (1964)

The Animals son una de las fundamentales bandas de la llamada "British Invasion", la cual en sus primeros años fueron duros competidores de los mismísimos The Beatles y los Rolling Stones. Esta banda surgida inicialmente como The Alan Price Combo, estaba formada por el teclista Alan Price, el cantante Eric Burdon, el guitarrista Hilton Valentine, el bajista Chas Chandler y el baterista John Steel. Su primer contrato discográfico fue con la MGM con la que en 1964 lanzaron su álbum debut “The Animals”. En este primer disco destaca por encima de todo la legendaria "House Of The Rising Sun", una canción tradicional readaptada con nuevos arreglos, añadiendoles unas atractivas líneas de guitarras y un singular sonido de órgano que la llevaron a colocarse en los primeros puestos a ambos lado del Atlántico, convirtiéndose de paso en una de las inmortales canciones del siglo veinte. Además de esta canción aquí aparecen otras brillantes versiones bajo los ritmos hipnóticos del Rhythm and Blues como "Around And Around" de Chuck Berry, "I´ve Been Around" de Fats Domino, "I'm Mad Again" de John Lee Hooker o "Talkin´ Bout You" de Ray Charles.

Van Der Graaf Generator-H To He Who Am The Only One (1970)

Con su tercera entrega, Van Der Graaf Generator fueron un paso mas allá en su mundo musical sombrío y lúgubre. El extraño titulo "H To He, Who Am The Only One", que hace referencia a la fusión termonuclear de hidrógeno helio en el sol, expandió aún mas los limites del rock progresivo en forma de una obra maestra oscura e inquietante. La ausencia de la guitarra eléctrica en la mayoría de los temas, puede parecer un tanto extraño, pero VdGG aún así llegan a crear una música como ninguna otra banda coetánea. Mientras Hugh Banton con el órgano y David Jackson con el saxo crean grandes atmósferas y unas texturas caóticas, secundada por el estilo original de jazz del batería Guy Evans y la versatilidad de la voz de Peter Hammill narrando la oscuridad claustrofóbica del tema principal de este álbum; el aislamiento de la sociedad. Toda la obra se convierte en una experiencia musical intensa en donde encontramos contrastes entre la belleza inquietante y la locura mas aterradora. Un álbum que contiene soberbias composiciones como la dramática "Killer", la atmosférica "Pioneers Over C", o "Emperor In His War Room", en la cual aparece la guitarra de Robert Fripp otorgándole ese sonido crimsoniano inconfundible en el resultado final de la pieza.

Various Artists-41 Original Hits From The Soundtrack Of American Graffiti (1973)

En 1973 el prestigioso director George Lucas, famoso por dirigir películas como “Las Guerras de las Galaxias" o "Indiana Jones", escribió y dirigió el film "American Graffiti", una película ambientada en los primeros años 60 en la cual intentó reproducir fielmente la cultura juvenil norteamericana de aquellos años y lo que el rock and roll supuso para aquella generación. La película se convertiría en una de las más lucrativas de la historia del cine, con más de 200 millones de dólares de beneficio, entre la taquilla, los discos vendidos, o las ventas y el alquiler de las cintas de video VHS. Más allá de la película en sí, lo más llamativo de esta cinta cinematográfica es su impresionante banda sonora. Para ello Lucas hizo una minuciosa selección de 41 canciones que son fundamentales en los inicios del rock and roll. Todas ellas llegaron a triunfar masivamente en las listas de éxitos y no solo en el norteamericano, muchas de ellas también a nivel mundial. Desde el rock and roll de Chuck Berry, hasta el soul jazz de Booker T.Jones, pasando por los pioneros del género como Bill Haley and The Comets, Fats Domino, Del Shannon o Buddy Holly, el doo wop de The Platters o el surf de The Beach Boys.

The Who-Tommy (1969)

Estamos ante una de las obras fundamentales del siglo 20, considerada la primera opera rock de la historia, uno de los mas influyentes en las generaciones posteriores y uno de los álbumes mas vendidos de la historia de la música rock con mas de 25 millones de copias a nivel mundial. Un álbum ambicioso y épico, intenso, de opulentas estructuras musicales, de sublimes desarrollos, con un inmenso talento instrumental y vocal de los cuatro componentes de The Who. Sin embargo toda esta impresionante obra creada casi totalmente por Pete Townshend, también tuvo cierta polémica en referencia a la temática en ella contada, una lacrimógena y cruel historia sobre un niño ciego y sordomudo que aprende a jugar al pinball. Mas allá del controvertido concepto, musicalmente hay grandes momentos de enérgico rock, acercamientos al pop y una sensación musical progresiva que inunda todo el doble álbum debido principalmente a los grandes interludios instrumentales, los cuales le otorgan ese claro acercamiento al rock progresivo. Desde la inicial "Overture" con esa grandilocuencia orquestada, el álbum va transcurriendo por una música fluida y desbordante, como las sencillas acústicas "It´s A Boy" o "Tommy Can Your Hear Me", las cuales son el perfecto contrapunto a los sonidos medievales del "Welcome", los complejos arreglos de "Eyesight To The Blind" y "Christmas", la triste "Cousin Kevin", la funesta "1921" o las poderosas rock "Pinball Wizard" y "Go To The Mirror".

Rock Rose-Rock Rose (1979)

Otra interesante y olvidada banda hoy en día fueron los norteamericanos Rock Rose, los cuales hacían una convincente y atractiva combinación de AOR melódico y rock americano de la época de finales de los 70. Esta banda se formó originalmente por el núcleo formado por el bajista y vocalista Frank Demme, el guitarrista y teclados Chris Barr y el guitarrista Carl Johnson, quienes fueron juntos a la escuela secundaria en un suburbio de Los Ángeles. Este trío fue una de las más populares entre una gran variedad de bandas de garage de California antes de reclutar al batería Jack´Damore. Una vez que consiguieron establecer la banda definitivamente, se pusieron en marcha y comenzaron actuar en un amplio circuito de clubes al sur de California, además de girar por otros estados de la costa oeste norteamericana. La enorme popularidad que Rock Rose irían obteniendo gracias a sus conciertos, no pasaría inadvertida para la Columbia Records quienes les ofrecen un contrato y les producen un álbum a principios de 1979. Este único álbum está bien elaborado con arreglos armoniosos muy pulidos cortesía del lujoso equipo de producción que trabajó con Santana: Dennis Lambert y Brian Potter. De entre sus surcos destacan las adictivas y pegadizas rock “Diary Of Fools”, “Daddy's Car”, “Sad Thing” y “Slippin´” o las melódicas “Bittersweet Love”, “You've Gone Beyond”, “Phantom Lover” y “Sad Thing”. El álbum obtuvo unas ventas mas que aceptables en el mercado norteamericano, canadiense y australiano, pero que sin embargo no fue suficiente para la Columbia, por lo que algún tiempo mas tarde se les rescindiría su contrato discográfico, volviendo la banda a retomar sus conciertos en el área de Los Ángeles.

Peter Gabriel-Plays Live (1983)

“Plays Live” fue el epilogo de la mejor época en solitario de Peter Gabriel, la cual comprendía sus cuatro primeros trabajos. Grabado durante la gira mundial entre los años 1982 y 1983 presentando el álbum “Peter Gabriel IV”, el cantante británico contaba por entonces con una formidable banda formada por el bajista Tony Levin, el baterista Jerry Marotta, el teclista Larry Fast y el guitarrista David Rhodes. En este doble en vivo se muestran unas versiones mucho más dinámicas y enérgicas que sus homologas de estudio, aunque sin embargo la banda muestra un tremendo respeto con el sentido y la esencia musical original de Gabriel. Un álbum que además recoge perfectamente la faceta teatral y visual de sus monumentales conciertos, recuperando así ese aspecto que el propio Gabriel hizo suyo en las giras anteriores con su ex grupo Genesis. De una impecable producción y un exuberante sonido, este doble en vivo muestra unas intachables versiones estructuradas de manera muy inteligente y en el podemos escuchar un amplio recorrido por lo mejor de su repertorio, desde la inicial “The Rhythm Of The Heart”, Peter Gabriel va desgranando de manera vigorosa clásicos como “D.I.Y”, “San Jacinto”, “Shock the Monkey”, “Solsbury Hill”, “I Don´t Remember”, “Biko” o “No One Of Us”, conformando con todo ello otro de los grandes dobles en directo de la historia de la música rock.

Tantor-Tantor (1978)

Tantor es uno de los grupos argentinos de culto por excelencia y al mismo tiempo, considerada una de las grandes bandas de su país. Este power trío mayoritariamente instrumental de jazz-rock progresivo, careció de una mayor repercusión comercial debido principalmente a la presencia de temas instrumentales en sus álbumes, aunque sin embargo tuvo una amplia legión de fans y una gran aceptación por la prensa especializada de su país y muy reconocida fuera de sus fronteras. Su formación esta comprendida por el batería Rodolfo García, el bajista Carlos Alberto Rufino y el guitarrista Héctor Starc. Estos tres virtuosos músicos tenían tras de si una vasta experiencia al provenir de otras importantes bandas argentinas como fueron Aquelarre y Invisible. Formados en 1977, apenas un año mas tarde lanzarían su primer álbum en el cual intervenían los teclistas Lito Vítale y Leo Sujatovich. Esta primera entrega es el ejemplo perfecto de jazz rock con inclinaciones progresivas, ejecutado técnicamente de manera soberbia con un ritmo frenético y enérgico, liderados por el increíble trabajo de guitarra, los sonidos del piano eléctrico y los sintetizadores y una poderosa y contundente sección rítmica. Lanzado en una época donde la era del rock progresivo a nivel mundial estaba en declive y el jazz rock no pasaba por su mejor popularidad, esta legendaria banda lograría confeccionar uno de los mejores discos del jazz rock y el rock progresivo. Desde la inicial y enérgica jazz rock “Guerreras Club”, hasta el epilogo con la vigorosa “Carrera de Chanchos”, el álbum transcurre con excelentes ideas musicales tan emocionantes como atrayentes. La reposada “Niedernwohren”, la funky “Llama siempre”, la jazzistica con aires latinos “Halitos” o la entusiasta jazz fusión “Oreja y vuelta al ruedo”, completan un trabajo antológico e imprescindible para todos los aficionados al genero progresivo y a la música rock en general.

Mariah-Mariah (1975)

Efímera banda originaria de Chicago que fue fundada a finales de los sesenta, la cual durante algunos años fue muy popular en la escena de clubes y salas de conciertos de todo el estado de Michigan. Durante los primeros años de los 70 y bajo la denominación The Jamestown Massacre, grabaron una serie de singles publicados por la Warner Bros, los cuales tuvieron cierta repercusión en las emisoras de radio locales de Chicago. Después de una serie de cambios de músicos en 1974, la banda ya rebautizada definitivamente como Mariah se reforma con el tecladista Mark Ayers, el bajista Ed Burek, el cantante Comforte, el baterista Wayne DiVarko y los guitarristas Len Fogerty y Frankie Sullivan. Luego de fichar por el sello United Artists se mudan a los Angeles donde graban su primer y único álbum titulado homónimamente “Mariah”. En este debut la banda utilizaba influencias de un amplio espectro de grupos, desde las melodías vocales de The Doobie Brothers, hasta el estilo progresivo de Styx, pasando por los sonidos pesados del hard rock americano de Mountain. “Mariah” esta compuesto por nueve cortes uniformemente agradables como “Reunion”, “Broadway”, “Rock and Roll Band”, “I Was Born” o “Hey Mama”, todas ellas repletas de melodías brillantes enfocadas para las radios FM norteamericanas. Pese a la enorme calidad del álbum, este pasaría totalmente desapercibido motivo por el cual la banda se desintegraría algún tiempo mas tarde. Posteriormente Frankie Sullivan fundaría la banda Survivor con la cual obtendría un éxito arrollador durante gran parte de la década de los ochenta.

Moraina-Loners & Lovers (1974)

Esta banda danesa formada a principios de los setenta, sólo publicó un excelente álbum, el cual se encuentra entre las mejores producciones musicales de Dinamarca. Formada por músicos que provenían de otras destacadas bandas de su país como Culpeper´s Orchard o Day Of Phoenix, su formación estaba compuesta por el vocalista Hans Lauridsen, el guitarrista y teclista Nils Henriksen, el guitarrista y armónica Ole Prehn, y el batería Ken Gudman, cerrando la banda el bajista Thorkild Nielsen. Durante sus primeros años esta banda se granjeo una gran reputación en su país de origen publicando una serie de sencillos que obtuvieron bastante notoriedad. Ya en 1974 lanzaron su único larga duración, este “Loners & Lovers”, un estupendo álbum en donde las cálidas armonías vocales muy emparentadas con los norteamericanos Crosby Stills and Nash o America, eran secundadas con unas hermosas líneas melódicas de folk rock. En contraste estos sonidos también encontramos momentos muy inspirados mas cercanos al rock enérgico e incluso al blues rock como la inicial “Late Night Woman Blues”, la vigorosa “Rock´n´Man” o la boggie bluesy “Fortunate & Fame”, mientras la vena folk/country mencionada esta presente en las arrebatadoras “Break It Up”, “Since You've Been Gone” y la melancólica “Alone”. Incluso hay cabida para cortes AOR como son las pegadizas medio tiempo “Deep Within The Storm” o “City Rambling Boy”. Algún tiempo después la banda se disolvería definitivamente dejando para la posteridad este magnífico trabajo de folk, blues y rock el cual se ha ganado su merecido reconocimiento entre los seguidores a la música rock de la década de los 70.

The Jimi Hendrix Experience-Axis: Bold As Love (1967)

Menos de un año después de su álbum debut, The Jimi Hendrix Experience se verían obligados por sus compromisos contractuales a grabar su siguiente lanzamiento discográfico. Si con ese primer álbum The Jimi Hendrix Experience le dieron una patada en el trasero al mundo del rock por su vanguardismo nunca antes visto, con este segundo lanzamiento el guitarrista va un paso más allá y logra confeccionar uno de los discos más impresionantes de la historia de la música rock. Confeccionado por una serie de canciones mejor compuestas y arregladas, aquí aparecen desde pura psicodelia guitarristica de trepidantes ritmos "Spanish Castle Magic", "Wait Until Tomorrow" y "Ain´t No Telling", hasta los calmados lamentos con la pausada "Little Wing", pasando por el blues psicodélico "If 6 Was", inquietantes cortes "Castles Made Of Sand" o inconmensurables trabajos de guitarra con la soberbia "Bold As Love". Con este segundo álbum Hendrix demostraría lo compleja que podía ser su música sin dejar de ser accesible, una música increíblemente dura y enérgica, bañada en psicodelia y vanguardismo, pero todo ello bajo las influencias del blues y del rock.

Ash Ra Tempel-Ash Ra Tempel (1971)

El primer álbum de la banda germana Ash Ra Tempel es todo un clásico del space rock y el krautrock, liderado por las acometidas exaltadas y experimentales del guitarrista Manuel Gottsching y la crudeza en las percusiones de un jovencísimo Klaus Schulze. Este primer álbum tiene una personalidad única dividida y en él encontramos dos extensos temas muy diferentes entre sí, empezando por los primeros 20 épicos minutos de "Amboss" hasta la planeadora y sosegada "Traummaschine". Sin embargo ambos parecen nacer del mismo viaje cósmico que rodea el misticismo del álbum. "Amboss" es un pesado viaje espacial de música ácida que atrae al oyente con demasiado esfuerzo, repleto de embestidas, alocados sonidos de guitarras y la percusión frenética acompañada de los sonidos electrónicos. En contrapunto a esta se encuentra "Traummaschine", basado en un clímax espacial muy profundo, con muchos momentos espeluznantes, en clara sintonía con la meditación electrónica que nos transporta con momentos de calma muy relajantes a otra dimensión sónica. Para muchos esta obra es la quintaesencia del llamado Krautrock, pese a que en los siguientes años llegaron otras obras legendarias de otras tantas bandas alemanas de primer nivel, pero  ninguna supera en experimentación y originalidad a este soberbio debut de los míticos Ash Ra Tempel.