Hunger-Strickly From Hunger (1968)

Hunger fueron una excelente banda de rock psicodélico, musicalmente emparentados con The Doors, Jefferson Airplane o Strawberry Alarm O´Clock, que tuvieron su momento de gloria en la escena californiana de finales de los 60. Sus orígenes fueron en Portland, Oregon, a mediados de los sesenta y ya casi a finales de la década se trasladaron a Los Angeles  donde comenzaron a ganarse una gran reputacion entre la floreciente escena psicodélica hippie de la costa oeste. Durante ese tiempo abren conciertos para Cream, Frank Zappa o The Byrds. En 1968 publicaron su único album "Strickly From Hunger", en donde sus largas pausas instrumentales impulsadas por los sonidos de órgano y las penetrantes lineas de guitarra, les confieren un estilo muy cercano a la banda de Jim Morrison. Buena muestra de esa influencia son los temas  "She Let Him Continue" un rock psicodélico con diferentes efectos de sonidos, la instrumental "Portland" o la siniestra "Colors". En "Strickly From Hunger" se pueden escuchar elementos de casi todos los géneros (jazz, blues, pop, rhythm & blues) entremezclados en cada canción, aunque su escucha debe ser detenida para saborear los matices de cada una. Cada canción sirve como un excelente ejemplo de la polinización cruzada de géneros. Hunger fueron mucho mas que una simple banda de rock psicodélico, llamados a ser estrellas, si el destino no se hubiera interpuesto en su camino, con una serie de lamentables acontecimientos como el robo de todo su equipo en varias ocasiones, entre otros desafortunados hechos, que tal vez la hubieran convertido en una banda importante, tan respetada e influyente como sus contemporáneos de la costa oeste.

After All-After All (1969)

Esta banda de Florida es otro claro ejemplo de una agrupación de escaso recorrido, de la cual apenas se tiene mucha información. Formada en 1969, fue producto del esfuerzo de cuatro músicos con experiencia, todos ellos provenientes de distintas bandas de la escena musical de la zona de Tallahasse. Estos cuatro músicos eran el bateria Mike Ellerbee, el teclista Alan Oro, el bajista Bill Moon y el guitarrista Charles Short. Esta banda solo grabaría un album, el hononimo "After All" publicado ese mismo año de 1969.
El estilo del Atfer All es básicamente un jazz rock con toques progresivos, mezclando una amplia variedad de sonidos; rock, pop, blues, heavy psicodélico y sonidos latinos. El album contiene muy buenos momentos, un tanto arriesgados por la ambiciosa mezcla que imprimen a su música, logrando con todo ello el típico sonido post psicodélico de la epoca, y que por momentos dan paso a sonidos mas progresivos. Esa variedad y eclecticismo están presentes en la funk "Let It Fly", las jazzisticas "Blues Satin" y "Nothing Left To Do" y la progresiva "Intangible She". Otro dato destacado es la soberbia producción de este Lp, con una gran calidad de sonido, el cual no ha necesitado ser remasterizado en las ediciones posteriores en Cd.

Gamma-Gamma 2 (1980)

Gamma fue la segunda banda liderada por el guitarrista Ronnie Montrose, después de su primer proyecto “Montrose” con quien publico una serie de grandes trabajos como "Paper Money" (1973), "Warner Bros. Present…Montrose" (1975) o "Jump It" (1976). Una vez publicada su primera obra en solitario "Open Fire" en 1978, formaría Gamma junto a Davey Pattison, voces, Jim Alcivar, teclista, Alan Fitzgerald bajo y el bateria Skip Gillette. Con esta formación grabaría el album "Gamma 1" (1979). Un año después llegaría el segundo album "Gamma 2" el cual presentaba varios cambios con respecto a la formación anterior, Denny Carmassi y Glenn Letsch sustituían a Gillette y Fitzgerald respectivamente. "Gamma 2" se convertiría en una referencia básica del sonido de Ronnie Montrose, la confirmación de Davey Pattison como uno de los mejores vocalistas del hard rock de la década de los ochenta y una sección rítmica solida y poderosa con Carmassi y Letsch. Un disco en donde destacan el tema inicial “Mean Streak" un potente hard rock, al que siguen el rock vertiginoso "Four Horsemen" o la AOR "Dirty City". El resto se mueve por los senderos bluesy con potentes blues rock como el atmosférico y brillante “Voyager”, la hard blues “Cat On a Leash” o la blues progresiva “Skin and Bone”, mientras la heavy “Mayday” muestra un Montrose pletórico, demostrando su soberbia técnica con las seis cuerdas.

Soundtrack-Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1978)

Robert Stigwood fue uno de los grandes productores de la década de los 70, el había financiado obras musicales tan emblemáticas como "Hair", "Jesus Christ Superstar" o "Evita", ademas de publicar bajo su sello RSO, las bandas sonoras de las películas "Tommy", "Saturday Night Fever", "Grease", “Fame" o la cuarta parte de la saga de "Stars Wars: The Empre Strikes Back", entre otras muchas.
Algunas de estas bandas sonoras fueron un éxito tan rotundo que llegaron a vender millones de copias, ya solo dos de ellas, "Grease" y "Saturday Night Fever" superan los cincuenta millones. Pero ademas de esto la RSO tenia los derechos sobre algunos de los mejores y mas exitosos artistas de la década, entre otros estaban Eric Clapton o The Bee Gees, por lo que casi a finales de la década, este sello estaba entre los de mayor éxito financiero en el negocio musical. Sin embargo Stigwood era un magnate muy ambicioso y visionario y a mediados de 1977 quiso llevar al cine el legendario album de The Beatles "Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band", adaptandolo libremente al musical que algunos años antes se había estrenado en los teatros de Broadway como "Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band On The Road”.
Con un guión readaptado a modo de opera rock en tono acaramelado, mezclaba canciones de varios albumes de The Beatles, ademas del mencionado "Sgt Peppers…" también aparecían canciones de "Abbey Road", incluso para lograr una cierta similitud, fue mucho mas lejos, logrando que el productor de The Beatles, George Martin y el ingeniero de sonido de esos míticos albumes participaran como productores en la pelicula. Dirigida por Michael Schultz fue estrenada el 21 de julio 1978 y en ella aparecen una multitud de artistas y actores famosos, Steve Martin, Paul Nicholas, George Burns, Aerosmith, Peter Frampton, Billy Preston, Alice Cooper o The Bee Gees, ademas de apariciones fugaces de John Mayall, Elvin Bishop, George Benson, Rick Derringer, Dr.John, Jack Bruce, Curtis Mayfield y asi hasta casi el centenar de grandes de la escena rock y pop de la epoca. Como gancho comercial Robert Stigwood aprovecharía los momentos de gloria que vivian en aquellos momentos Peter Frampton con su aplastante éxito "Comes Alive" y The Bee Gees con “Saturday Night Fever".
Sin entrar en la sinopsis de la pelicula, la cual recibiría aplastantes criticas por la prensa de medio mundo, en lo estrictamente musical, sin llegar a lo extraordinario, si tuvo momentos de gran lucidez por parte de algunos de los músicos que intervinieron. Entre ellos estaban las versiones del tema "Come Together", por Aerosmith, "Got To Get You Into My Life" por Earth Wind and Fire", "Get Back" por Billy Preston, o casi todas las interpretadas por Peter Frampton y The Bee Gees. Sin embargo también aparecen algunas versiones ciertamente funestas como las interpretadas por Steve Martin, con una lugrube "Maxwell´s Silver Hammer" para llorar, Sandy Farina con una versión medio verbenera de "Strawberry Fields Forever", la estrambótica “Because” por Alice Cooper junto a The Bee Gees o la excéntrica "Fixing A Hole" por George Burns.
El doble album fue lanzado una semana antes de que se estrenara oficialmente la película en los Estados Unidos, lo que serviría para que lograra el disco de platino por sus ventas anticipadas, antes de que el publico pudiera ver con sus propios ojos la esperpentica pelicula, que comercialmente fue todo lo contrario, un rotundo fracaso, básicamente por el bizarro guión, la participación grotesca de algunos actores que no estaban a la altura y una puesta en escena absurda, cómica y surrealista.
A partir de aquí, las carreras de fundamentalmente Peter Frampton y The Bee Gees disminuyeron enormemente, por lo menos durante algun tiempo, a causa de esta rotunda y pésima obra cinematografica, que sin embargo se ha convertido en una película y un álbum de culto, que para bien o para mal ha pasado a la historia dentro de las excentricidades de la música pop.

Warhorse-Warhorse (1970)

En 1969 Deep Purple publicaban su tercer album, y casi inmediatamente dos de sus componentes Nicky Simper y Rod Evans, abandonan la banda invitados "expresamente" por Ritchie Blackmore. A partir de aquí ambos músicos tomarían rumbos diferentes, por un lado Evans fundo la banda Captain Beyond y Simper haría lo mismo con Warhorse.
Mientras Captain Beyond enfocaría su estilo hacia los sonidos progresivos, Warhorse continuaría un estilo hard rock con similitudes a Deep Purple.
Para fundar Warhorse, Nick Simper se unió al cantante Ashley Holt, al guitarrista Ged Peck, al teclista Frank Wilson y al bateria Mac Poole. En 1970 Warhorse publican bajo el sello Vertigo su album hononimo, un excelente disco de hard rock impulsado por los sonidos del organo hammond de Wilson, los poderosos riffs de guitarra de Peck y la voz chillona de Holt, con un estilo que se asemejaba bastante a Vanilla Fudge pero sin dejar de lado el sonido Purple. Pronto son tachados de poca originalidad y de no intentar crear un sonido propio, y navegar con unas influencias de los Purple demasiado obvias. Aun así este primer album contiene momentos sobresalientes como la inicial y dinámica “Vulture Blood", la épica "No Chance", la poderosa "Burning", la heavy "Ritual" o las hard rock progresivas "Solitude" y "Woman Of The Devil". Dos años después llegaría el segundo y ultimo album de Warhorse "Red Sea", un disco menos equilibrado aunque con temas muy destacables como la soberbia heavy prog "Back in Time", la progresiva "Mouthpiece" o la hard rock "Red Sea". Algun tiempo después Warhorse desaparecerían por su escaso éxito y reconocimiento, un injusto final para un grupo que ciertamente tenia las habilidades y el talento para hacer grandes cosas, pero sus continuas comparaciones con una banda tan iconica como Deep Purple les paso factura para terminar cayendo en el mayor de los olvidos.

Epitaph-Epitaph (1971)

Durante la primera parte de la década de los setenta muchas bandas alemanas se influenciaron del hard rock británico, así grupos como Led Zeppelín, Goundhogs, Black Sabbath, Uriah Heep, Nazareth o Deep Purple, tenían en sus coetáneas germanas Frumpy, Epsilon, Armaggedon o Anyone´s Daugther entre otras muchas, una seria competencia, principalmente en Alemania.
Por regla general las bandas alemanas utilizaban el ingles y algunas de ellas incluso tenían sus propios vocalistas británicos, Epitaph era una de ellas, con el cantante y guitarrista Cliff Jackson. Epitaph se fundo en Dortmund a finales de los sesenta y ademas de Jackson estaba formada por el bajo Bern Kolbe y el bateria Jim McGillivray. En 1971 este power trio empezaría a grabar material destinado a su primer album en Essex, Inglaterra, pero por razones desconocidas terminaron el album en los estudios Windrose de Hamburgo, en donde para la grabación final del album, se agregaría el guitarrista Klaus Walz.
Finalmente fue lanzado bajo el sello Polydor casi a finales de 1971, titulado hononimamente, este primer album contaba con cinco temas con un sonido heavy prog similar a las bandas britanicas y en particular a Uriah Heep, sobresaliendo algunas piezas soberbias como las hard rock "Moving To The Country" y "London Town Girl" o heavy rock progresivos "Hopelessy" o "Little Maggie" o ejercicios de rock psicodélico como la extensa "Early Morning".
En 1972 Epitaph grabaría su segundo LP "Stop, Look And Listen" en Berlin, con un estilo estilísticamente muy parecido al primer album. Con estos dos prometedores albumes la banda tenia por delante un futuro brillante por lo que la compañía norteamericana Billingsgate los contrata invirtiendo mucho tiempo y dinero en la grabación de su tercer album "Outside The Law" (1974). En este nuevo album, el sonido era mucho mas pulcro, abandonando los sonidos progresivos por un hard rock mas duro y directo. Después de una extensa y costosa gira por todos los Estados Unidos promocionando este ultimo album, el sello Billingsgate se declaro en bancarrota y la banda se vio obligada a disolverse en 1975 principalmente para no asumir las deudas de su compañía discográfica.
Ya en 1976 la banda reaparecería grabando una serie de albumes enfocados al hard rock y el heavy metal y girando continuamente por Europa con mucha credibilidad y un moderado éxito que los mantiene como una de las mas respetadas bandas germanas del hard rock de principios de los 70.

Farm-Farm (1971)

Farm fueron una banda de finales de la década de los 60, originarios del estado norteamericano de Illinois, y su bagaje discográfico fue de un solo album, el cual fue de tirada muy reducida, limitada solo a 500 copias. Su formación estaba compuesta por el guitarrista Del Helbert, el bateria Mike Young, el bajista Jim Elwyn, y el cantante y guitarrista Gary Gordon que con la ayuda del percusionista Steve Evanchik grabaron una maqueta en los estudios Golden Voice en la ciudad de South Perkin y que finalmente se convertiría en un album titulado hononimamente como la banda “Farm” y  lanzado en 1971. En este disco Farm muestran sus deudas con el rock sureño, el acid rock, el blues y el boogie rock. Con un repertorio basado en temas propios y versiones como la instrumental blues con grandes partes de guitarras "Jungle Song", la blues rock "Cottonfield Woman", la boogie rock “Let The Boy Boogie", o la versión de The Allman Brothers "Stateboro Blues". En definitiva un gran album olvidado y oscuro, con grandes sonidos de guitarras afiladas, unos ritmos muy sólidos, hábiles intermedios y un predominante sonido de órgano que cubre con capas sonoras, los desarrollos de las cinco piezas de este estupendo Lp de blues rock.

Player-Player (1977)

Player fue una exquisita banda de soft rock que mezclaba las armonías vocales de bandas como America, con las excelencias musicales de los Steely Dan, con un estilo cercano al rock melódico.
Player fue fundada en los Angeles en 1976 por el bajista Ronn Moss quien ya tenia una amplia experiencia en la escena musical de la ciudad californiana, el resto estaba compuesto por el guitarrista británico Peter Beckett, el teclista y guitarra J.C. Crowley y el bateria John Friesen. Durante algun tiempo se dedican a realizar conciertos como teloneros de Gino Vanelli, ganando una gran reputacion en el circuito del rock californiano, ya por entonces interpretaban lo que algun tiempo después seria su gran éxito "Baby Come Back". Ademas de sus conciertos, la banda se dedico a componer temas enfocados hacia la grabacion de un Lp, predominando un rock suave y elegante con gran importancia a las voces melodicas, unas guitarras con claro acento rock y pasajes de sintetizador y teclados. Para esto ultimo obtienen la ayuda del teclista Wayne Cook que pasa a formar parte de la banda aunque no de manera oficial. Con el suficiente material compuesto, empiezan a buscar una discográfica quien les produzca un album. Finalmente seria la RSO quien les financia la publicación de su primer disco, que saldría al mercado el 1 de septiembre de 1977. Casi al mismo tiempo que su publicación y gracias al tema "Baby Come Back" la banda obtiene un éxito rotundo, llegando al numero uno de las listas del Billboard, permaneciendo en ese lugar la friolera de 32 semanas consecutivas. Pero este primer disco no solo se centraba en las excelencias de "Baby Come Back", el resto es una irresistible colección de melodías nada pretenciosas, de elegantísimo rock con pinceladas pop de gran nivel, las encantadoras "Come On Out", "Goodbye (That´s All I Ever Heard)", "Every Wich Way" o "Love Is Where You Find It", la atrayente rock "Cancellation", la funky "Movin´Up" o la sublime balada "Tryin To Write A Hit Song", conforman uno de los mejores debut que se recuerdan. Un año después Player publicaría su segundo album "Danger Zone" con algunas de las mismas características de su debut, aunque imprimiendo un sonido mas agresivo y aunque no obtuvieron el mismo éxito, alcanzarían el disco de oro por sus ventas y varios sencillos de impacto como "Prisoner Of Your Love" o "Silver Lining".

Genesis-Trespass (1970)

Con “Trespass” comenzaría la era mas progresiva de Genesis, esa que les llevaría a realizar algunas de las mas grandes obras del rock sinfónico y del rock en general.
Después de un primer y incoherente album en donde las melodías pop eran el denominador común, en esta nueva obra, Genesis ampliaron sus horizontes hacia unos sonidos mas dinámicos y progresivos, con desarrollos instrumentales y dramáticos. Para este album la banda estaba compuesta por Peter Gabriel a la voz y diferentes instrumentos como la flauta o el acordeón, Tony Banks, teclados, guitarras y voces, Anthony Phillips, guitarras, Mike Rutherford, guitarras acústicas, bajo, violoncelo y voces y John Mayhew bateria. Grabado en los estudios Trident de Londres entre los meses de junio y julio de 1970 fue publicado a finales de octubre de ese mismo año. Ya empezando por la idílica portada del album la cual nos adentran en unos surcos sinfónicos desde el primer tema hasta el ultimo. Con un comienzo tan delicioso como “Looking For Someone” con ese desarrollo precioso de guitarras y órgano, a la que siguen una serie de extraordinarias composiciones como la bellísima “White Mountain”, la preciosista “Visions Of Angels”, la bucólica “Stagnation”, la delicada “Dusk”, para terminar con la poderosa rock “The Knife”, que completaban la primera gran obra maestra de Genesis, la antesala de obras extraordinarias y emblemáticas que aún estaban por llegar como “Nursery Crime”, “Foxtrot” o “Selling England By The Pound”.

Indian Summer-Indian Summer (1971)

Esta es una de las joyas ocultas del proto progresivo ingles, una obra tan espectacular como magnifica, y que fue el único legado de los británicos Indian Summer. Formados en la ciudad de Coventry en 1968 por Paul Hooper bateria y el cantante y teclista Bob Jackson. Ambos músicos ya habían participado en diferentes bandas de la zona de Coventry como The Rochester Beaks o This That And The Other, la banda se cerraba con el guitarrista Roy Butterfield y el bajista Alan Hatton. Indian Summer optarían en sus inicios por ser una banda de versiones, pero poco duraría esa tendencia ya que gracias al talento de sus integrantes pronto empezaron a crear su propia música. En medio de una epoca de gran creatividad el guitarrista Butterfield abandona siendo sustituido por Steve Cottrel justo cuando son descubiertos por el cazatalentos Jim Simpson, un promotor de fama reconocida y que por la epoca era el manager de diferentes bandas como Earth, que pronto se convertirían en Black Sabbath.
Después de varios cambios de formación, fichan por el sello Vertigo y entraron en los estudio Trident de Londres para grabar su primer album en 1971. En este debut hononimo la banda estaba formada ademas de Hooper y Jackson por los nuevos miembros Colin Williams como guitarrista y Malcolm Harker como bajista. Este debut esta cargado de muchos sonidos rítmicos y grandes pasajes musicales con un énfasis en los teclados y guitarras, con cierta atmósfera oscura sobresaliendo la inicial "God Is The Dog", una estupenda composición que resalta la profunda voz de Bon Jackson y los sonidos de órgano, mientras los pasajes progresivos como las soberbias "From The Film Of The Same Name", "Black Sunshine" o "Half Changed Again" no desmerecen a ninguna de las bandas punteras de la epoca. El resto del album es de una calidad excepcional logrando momentos sublimes de gran rock sinfonico. La escasa repercusión comercial posterior del album deriva en la disolución de la banda, dedicando la carrera posterior de cada miembro a diferentes proyectos por separado o concentrarse en otras cuestiones profesionales alejadas del mundo de la música.

Atlas-Blå Vardag (1979)

Otra interesante banda sueca fueron Atlas, que con solo un album publicado, alcanzaron el status de banda de culto dentro del panorama del rock progresivo europeo. Fundada en la ciudad de Malmoe en 1974, su formación estaba compuesta por los teclistas Björn Ekborn y Erik Björn Nielsen, Micke Pinotti en la batería, Uffe Hedlund en el bajo y Janne Persson en la guitarra. Su estilo estaba principalmente enfocado a un preciosista rock sinfónico con dosis de fusión, y grandes desarrollos instrumentales, sobresaliendo una gran cantidad de pasajes con mucha interacción entre las guitarras y los teclados. En cierta medida ellos tomaron las influencias mas progresivas de los británicos Genesis, el sonido Canterbury de Camel y la sobriedad de su compatriota Bo Hannson. Su único album “Blå Vardag” fue publicado en 1979 por el sello sueco Bellatrix y fue enormemente elogiado por la critica y una buena aceptación por parte de la comunidad progresiva. El album al completo es muy destacable, pero es sin duda la extensa “På Gata” la pieza que mejor resume las excelencias de esta banda con un exquisito ejercicio del rock progresivo bizarro, con oleadas de capas de mellotrones, sintetizadores, órgano y pianos, con densos pero a la vez sutiles sonidos que se entremezclan con energicas guitarras. El resto de temas mantiene una linea muy similar con ecos al jazz rock en diferentes momentos y algunos sonidos bucólicos y pastorales siempre bañados por torrenciales cortinas de teclados y guitarras.

The Knack-Get The Knack (1979)

En junio de 1979 The Knack publicaban su primer album y a la postre su "One Hit Wonder", denominación esta para los artistas que han tenido un solo éxito arrollador en su carrera. Ese éxito seria su colosal hit "My Sharona" que al mismo tiempo seria su mayor lastre. Fundados en 1978 en Los Angeles, por el guitarrista rítmico y cantante Doug Fieger, el guitarra solista y teclados Berton Averre, el bajista Preston Niles y el bateria Bruce Gary. Durante algun tiempo empiezan dar conciertos por las mejores salas de la ciudad californiana y empiezan a ser reconocidos dentro de la escena musical de la costa oeste norteamericana. Allí se codean con consagrados músicos como Tom Petty o Bruce Springsteen y empiezan a ser cotizados por varios sellos discográficos. Finalmente seria la Capitol quien se haría con los derechos del grupo y les edita su primer album, el cual es producido por Mike Chapman, quien ya por entonces era un afamado productor de artistas como Blondie, Suzi Quatro o Smokie. El album debut fue titulado "Get The Knack" y aun hoy en día esta entre los discos debut mas vendidos de la historia del rock. En apenas quince días se vendieron mas de un millón de copias, la mayor parte de ellos en los Estados Unidos. Lo mas asombroso es que a diferencia de los costosos y largos meses de grabación de la mayoría de bandas para grabar sus correspondientes discos, The Knack lo hicieron en varias semanas y con un coste realmente irrisorio de 18 mil dólares. Sin embargo gran parte de este éxito ademas de las excelencias del album y su single "My Sharona", hay que atribuirlo a la inmensa campaña publicitaria que la Capitol Récords hizo del album, minuciosamente calculada, con un uso inteligente del propio diseño de la portada del LP, en un claro guiño al album "norteamericano" de The Beatles "Meet The Beatles!". Musicalmente en este debut The Knack presentaban un soberbio ejercicio de power rock con melodías pegadizas, estribillos adictivos y ritmos acelerados empezando por la melodía irresistible de "My Sharona" la cual contiene uno de los riffs de guitarra y una sección ritmica bajo-bateria mas recordada y memorable de la historia. El resto es absolutamente antologico, desde la punk rock "Let Me Out", la beatle "Your Number Or Your Name", la encantadora balada "Maybe", la rítmica "That´s What The Little Girls Do" o "Frustrated" un tema pegadizo que sigue una estela similar a "My Sharona".
Posteriormente la banda empieza a tener problemas con la prensa por no concederles entrevistas o intentar censurar las crónicas de sus shows, por lo que se granjean muchos problemas, con incluso campañas en contra de la banda con el eslogan "Knuke The Knack" (derribad a The Knack"). Este hecho junto al tremendo impacto comercial de su primer album fragua el éxito su segundo trabajo "…But The Little Girls Understand" (1980), que pese a ser un digno sucesor de su predecesor, no cumplió sus mismas expectativas, mientras tanto la prensa arremetía contra ellos acusandoles de banda prefabricada, mediocre y de poca credibilidad.
Un ultimo album “Round Trip” (1981) seria la antesala de la disolución de la banda, hasta que años después volverían a reanudar la carrera del grupo con una serie de discos que apenas tuvieron repercusión mediatica.

Kenny Burrell-Midnight Blue (1963)

Kenny Burrel es una de las figuras mas relevantes del jazz, un músico enormemente versátil, considerado uno de los mas grandes guitarristas del jazz y uno de los iconos del sello Blue Note, que ha dejado tras de si obras imprescindibles tanto en su carrera en solitario como en su faceta como músico para otros artistas del jazz.
Ya desde muy joven en los años 50, graba sus primeros discos en donde muestra sus influencias mas notorias que iban desde Charlie Haden hasta Django Reinhardt pasando por uno de sus ídolos como era West Montgomery. A principios de los 60 grabaría uno de sus mas notables albumes, esta vez enfocado hacia el blues en donde se hace acompañar por el saxofonista Stanley Turrentine, el percusionista Ray Barretto, el contrabajista Major Holley y el bateria Bill English. El album titulado "Midnight Blues" publicado bajo el sello Blue Note, es un exquisito paseo por los sonidos relajados del blues y jazz con una deslumbrante técnica por parte del propio Burrell con las seis cuerdas y del resto de los componentes de la banda en especial el saxófon de Turrentine. Temas lujuriosos como "Chitlins con Carne", el placentero "Mule", la melancólica "Soul Lament" o la entusiasta "Midnight Blue" demuestran el impecable dominio de Burrell con la guitarra, en un album tan magistral como indispensable en la historia del jazz.

The Temptations-Masterpiece (1973)

The Temptations fueron uno de los grupos mas exitosos de la factoría Motown, durante mas de cincuenta años han publicaron una treintena de discos, obteniendo tres premios Grammy y numerosos números uno en albumes y sencillos, con unas ventas globales que superan con creces los 60 millones de copias.
En 1973 The Temptations publicaron su décimo sexto album "Masterpiece" uno de sus últimos grandes éxitos grabado para la Motown y en el que se incluía la musculosa canción del mismo título, de 14 minutos de duración que lograría un aplastante éxito en ese año en las listas de US Billboard Pop y US Billboard R&B.
Para este album la banda contaría con la producción de Norman Whitfiel, uno de los pilares del sello de Detroit y considerado el padre del sonido Motown. Fruto del trabajo entre este productor y The Temptations, este album logra estar a la altura de las mejores obras del soul y funk psicodélico, empezando por el petulante titulo y la pretenciosa portada del disco con los rostros de los integrantes perfectamente alineados y petrificados, todo ello ya intuía lo que el productor quería demostrar con esta magna obra. Sin embargo "Masterpiece" es sin duda una obra maestra del soul psicodélico progresivo, con arreglos casi obsesivos, en donde sobresalen la poderosa seccion ritmica, con un sinuoso bajo, baterias contundentes, adornado con instrumentos de vientos, cuerda, y unas sugestivas voces. La épica “Masterpiece”, un ejercicio de funk y soul progresivo, con sonidos psicodélicos de guitarras, la soul con desarrollos complejos “Ma”, la funky bailable “Law Of The Land”, la funk “Plastic Man” o la atmosférica “Hurry Tomorrow”, componen un álbum sensacional de una de las mejores bandas de soul de todos los tiempos.

Ray Owen´s Moon-Moon (1971)

En 1970 el guitarrista Ray Owen abandonaba la banda Juicy Lucy con quienes había grabado su album debut un año antes, para comenzar su carrera en solitario. Para ello funda el grupo Ray Owen´s Moon junto a los guitarristas Dick Stubbs y Les Nicol, al bajista Sid Gardner y al bateria In McLean. Ese mismo año son invitados a participar en el festival de la Isla de Wight y poco después en el Midnight Sun de Suecia junto a Elton John, Blue Mink, Chuck Berry, Canned Heat o Hawkwind. En 1971 publicaron su único LP titulado "Moon" el cual se perdería en el abismo musical, así como la posterior carrera en solitario de Owen. Sin embargo Owen en los sucesivos años colaboraría activamente con la banda Killing Floor, Vicent Crane y a mediados de los 90 resucitaría a los Juicy Lucy con quienes grabaría varios albumes durante esa decada.
En "Moon" Ray Owen presentaba un rock psicodélico con influencias de blues y funk, repleto de grandes riffs en algunos momentos muy saturadas producto del sonido de los tres guitarristas (Owen, Gardner y McLean). En la funk rock "Talk To Me" aúna todo lo mencionado con un ritmo de bajo muy funk, en contrapunto la hipnótica y atmosférica "Don´t Matter", pone la nota pausada al frenético ritmo del album, que retoma con la poderosa funk “Ouiji", o la hard rock con tintes psicodélicos "Hey Sweety" para acabar con la acida versión del tema de Jimi Hendrix "Voodoo Chile", uno de los momentos cumbres de un album que fue considerado por la revista Classic Rock una joya perdida del rock.

Russ Ballard-The Fire Still Burns (1985)

Russ Ballard es mucho mas conocido por ser el autor de grandes composiciones para otros artistas que por su propia y dilatada carrera. Este británico nacido el año que termino la segunda guerra mundial (1945), comenzaría su carrera a principios de los 60 como guitarrista principal en diferentes bandas como Buster Meikle & The Day Breakers o The Roulettes donde coincidiría con Adam Faith. Su primer gran éxito fue “God Gave Rock and Roll to You” (1973) compuesta cuando pertenecia a la banda Argent.
Con esta ultima Russ Ballard estaría desde 1969 hasta 1974, año el cual decide continuar por su cuenta, ademas de colaborar con otros artistas. Así ya en 1975 llegaría su primer album “Russ Ballard” al que seguirán otros con relativa frecuencia como “Winning” (1976) o “Russ Ballard  & The Barnet Dogs” (1980). Sin embargo en donde realmente destaca es en una serie de temas que compone para artistas de la talla de Santana con el tema “Winning”, Rainbow con los hits “Since You´ve Been Good” y “I Surrender”, America con “You Can Do Magic” o el tremendo himno del heavy metal de los 80 “On The Rebound” de Uriah Heep. Ya en 1984 con su album "Russ Ballard-1984" (1984), logra un éxito significativo con su tema “Voices”, un trabajo repleto de rock adictivo y melódico. Su siguiente obra “The Fire Still Burns” consolida finalmente su carrera en solitario con un album de AOR adictivo, con grandes estribillos, melodias pegadizas, ritmos contagiosos y unas composiciones soberbias, con destacadas piezas como “Once A Rebel”, “Hey Bernadette”, “Your Time Is Gonna Come” o la irresistible y melódica “The Fire Still Burns”.

Bad English-Bad English (1989)

La década de los ochenta fue muy dada a las superbandas, de hecho en esos diez años se fundaron innumerables formaciones, la mayoría de corto recorrido, que dejaron a un lado el ego de sus integrantes para plasmar algunos de los mas recordados discos de la historia del rock. Una de ellas fueron Bad English, formada por el guitarrista Neal Schon, el vocalista John Waite, el teclista Jonathan Cain, el bateria Deen Castronovo  y el bajista Ricky Philips, es decir miembros o ex-miembros de míticas bandas como Journey, Reo Speedwagon, Cacophony y The Babys juntos. Ni que decir tiene que viendo el historial de semejante plantel su música estaba enfocada hacia terrenos del mejor rock melódico, con unas composiciones impecables e incuestionables, ademas como es obvio de un gran nivel técnico por parte de sus componentes.
Este proyecto solo publico dos albumes en los apenas tres años que estuvieron juntos, ambos de gran calidad, pero fue sin duda el album debut “Bad English” (1989) su mejor obra, con un inicio deslumbrante gracias a la espectacular “Best Of What I Got” a la que siguen las irresistibles “Heaven is a 4 Letter Word”, “Price Of Love”, “Ready When You Are”, “When I See You Smile” o “The Ghost In Your Heart”. Con este album Bad English dejaron claro el talento de estos cinco músicos y si bien es cierto que a esas alturas de la pelicula no iban a sorprender al mundo con algo que ya no estuviera inventado, si fue un soplo de aire fresco al de por si, algo manido y en parte saturado genero del AOR, que no pasaba por su mejor momento, por culpa entre otros motivos del auge de grunge, o el resurgimiento del hard progresivo de finales de los ochenta y principios de los noventa.

Al Stewart-Time Passages (1978)

En 1976 Al Stewart dejo su gran aportación al siglo XX con su obra magna “Year Of The Cat”, un album en donde el londinense dejaba una exhibición de su talento creando atractivas canciones con el suntuoso envoltorio sonoro fruto de la producción de Alan Parsons. Pero este exitoso y multimillonario album dejaba por un lado la incógnita de saber si Al Stewart volvería a repetir tal hazaña o entraría en otra dinámica alejada del misticismo y la temática de esa epopeya musical. La respuesta vino dos años después con el album “Time Passages”, en donde incidiendo en relatos históricos y políticos, Al Stewart lograría igualar en términos comerciales, aunque no en las excelencias musicales a su predecesor. “Time Passages” mostraba una diferente visión musical con respecto a “Year Of The Cat”, con un predominio casi total de un sofisticado folk rock con acercamientos al pop sinfónico en algunos momentos, sin duda influenciado por la mano de nuevamente Alan Parsons que volvería a tomar las riendas de la producción.
Para este nuevo album Al Stewart junto a Alan Parsons contaría con una de sus piezas fundamentales en los arreglos pomposos de The Alan Parsons Project como es Andrew Powell, ademas de colaboradores habituales de dicho proyecto; Stuart Elliott, Tim Renwick o Phil Kenzie, por otro lado estaban también los “escoltas” frecuentes de Stewart, Peter White y Peter Wood entre otros músicos que conformaban un impresionante elenco de reconocidos instrumentistas.
Todo ello se vería reflejado en un album repleto de riqueza instrumental, con un rock melódico impregnado de folk, en los cuales tenían cabida elementos del pop y sonidos jazzisticos, mezclados con retazos de sinfonismo. “Time Passages” es un album que ya desde la hipnótica portada creada por Hipgnosis nos deja un sabor misterioso a la vez que relajante y que comienza con la canción del mismo titulo del album, adictiva y irresistible de cierto carácter melancólico, a la que siguen la alegre “Valentine Way”, la espacial “Life In Dark Water”, la country folk “Almost Lucy”, la sinfónica y épica “The Palace of Versailles”, la melódica “Song On The Radio” o la encantadora “End Of The Day”.

Sebastian Hardie-Four Moments (1975)

Esta banda australiana fue pionera del genero progresivo en su país, y que originalmente se llamaban Sebastian Hardie Blues Band. Fundados en 1967 durante algunos años la banda sufriría diversos cambios de formación hasta bien entrado los setenta que se originaria la formación mas clásica formada por el vocalista y guitarrista Mario Millo, el teclista Toivo Pilt, el bateria Alex Plavsic y su hermano el bajista Peter Plavsic. En 1975 y bajo el sello Mercury publicaron su album debut "Four Moments", ya con el nombre definitivo de Sebastian Hardie. En este album debut la banda no oculta sus tremendas influencias de los britanicos Yes, con mas predominio de los teclados mellotron de los que solía utilizar Rick Wakeman. La voces también tiene una gran notoriedad, con tonos profundos y potentes. La primera cara del album esta enfocada en sonidos muy coloridos con ciertos matices funky y grandes desarrollos instrumentales "Glories Shall Be Released" y "Dawn Of Our Sun", mientras "Journey Throught Our Dreams" es mucho mas atmosférica con unas guitarras sobresalientes y uno frenéticos cambios rítmicos, la bonita instrumental “Rosanna” es la antesala de "Opening" que cierra el album con una excelente interacción entre los cuatro miembros del grupo en una mini suite soberbia de rock progresivo al mas puro estilo de las obras clásicas de los ingleses Camel.
"Four Moments" obtuvo gran éxito, y el tema "Rosanna" ganó un premio al mejor sencillo instrumental. "Windchase" su siguiente disco fue lanzado en 1976, y ambos álbumes son considerados por los críticos como clásicos del rock progresivo, destacando principalmente el ámbito del genero sinfónico australiano.
Poco después del lanzamiento del segundo álbum, la banda se separó. Millo y Pilt adoptaron el nombre de Windchase y lanzaron un álbum. "Symphinity" de 1977 el cual se mantuvo cerca del sonido de Sebastian Hardie, pero no encontró el mismo éxito y reconocimiento que su banda madre.

Billy Cobham, Steve Khan, Alphonso Johnson, Tom Scott-Alivemutherforya (1978)

En 1975 Billy Cobham había dejado la Atlantic Records para fichar con la Columbia, con esta nueva discográfica, el bateria debutaba con el album “A Funky Thide Of Sings", en donde colaboraban entre otros músicos John Scofield, Randy Brecker, Michael Brecker o Alex Blake. Este album obtuvo buenas criticas en los circuitos del jazz rock, sin embargo sus siguientes movimientos fueron intentos continuistas sin demasiada repercusion, y no seria hasta el album "Magic" publicado en 1977 cuando lograría su mejor obra para el sello originario de Washington. Poco después la Columbia insto a Cobham a grabar un album en vivo en los estudios que la discográfica tenia en “30Th Street” de Nueva York, el cual se titularía "Alivemutherforya". Este era uno de los mas prestigiosos estudios de la ciudad, pero sin embargo era un lugar extraño para grabar un album en vivo. Para la grabación se unieron algunos de los pesos pesados que la Columbia tenia en nomina entre sus artistas de jazz en la epoca, como eran el guitarrista Steve Khan, el bajista y teclados Alphonso Johnson o el saxofonista Tom Scott, curiosamente ninguno de ellos había participado en el album "Magic". Después de la grabación de "Alivemutherforya" los ingenieros de sonidos se percataron de que había una falta de aplausos significativa, lo que no fue ninguna sorpresa dado que solo una pequeña audición cabía en los citados estudios. Pero a grandes males, grandes remedios, y pronto encontraron una solución efectiva, les incluyeron aplausos y el ambiente de algunos directos de la banda Chicago y Laura Nyro. Con un poco de mezcla creativa, sonaba como si Cobham, Khan, Johnson y Scott estuvieran tocando delante de una audiencia enorme y agradecida, esto resolvió el problema y el album se lanzaría a mediados de 1978.
El resultado de este "improvisado" directo es básicamente un repertorio de temas jazz-funk con bastante electrónica, con destellos del talento de los cuatro musicos y una música que debido a la variedad y espontaneidad resulto un proyecto muy superior a los trabajos individuales de cada músico en aquella epoca. Entre lo mas destacado esta la inicial "Anteres" con un trabajo soberbio de Scott al saxofón, la melódica jazz fusión "Shadows", la vigorosa jazz funk rock "Some Punk Funk" o "On A Magic Carpet Ride" un ejercicio de jazz rock abierto a las excelencias de cada miembro del grupo. "Alivemutherforya" fue muy bien recibido por los críticos e incluso se vendería razonablemente bien, pero por debajo de las expectativas de la CBS Columbia, que nunca atribuyo este album a la discográfia oficial de Billy Cobham, lo que originaria después de la publicacion de un album mas, la rescisión del contrato por ambas partes. 

Como curiosidad la portada de este album es el famosísimo lienzo del pintor James McNeill Whistler, fechado en 1871 y conocido como "La Madre de Whistler".

The Rolling Stones-Some Girls (1978)

El final de la década de los setenta se caracterizo por la explosión de nuevos movimientos musicales que movieron a una parte del publico hacia ellos, como la música disco o la new wave. En ese marco The Rolling Stones publicaron uno de los albumes mas variados de toda su carrera. "Some Girls" venia precedido por una serie de escándalos en los que se vio involucrado su guitarrista Keith Richards un año antes en tierras canadienses, al ser acusado por posesión de drogas y para rematar la faena, con un posterior affaire con Margaret Trudeau esposa del primer ministro canadiense Piere Trudeau. En medio de todos estos escándalos seria Mick Jagger el principal compositor del nuevo disco, en el cual denotan los gustos musicales por aquellos momentos del cantante. Publicado a mediados de 1978, el album gira alrededor del súper hit "Miss You", una canción que a ritmo de funky blues abre del disco de manera espectacular, sin que por ello deje de sonar típicamente a los Stones. El resto lo componen un repertorio vibrante y excepcional de temas sobresalientes como la rock´n´roll "When The Whip Comes Down", a la que siguen las incendiarias "Lies" y "Respectables", dos de los temas mas duros de toda su discográfia. Pero ademas también incursionan por los terrenos del soul con "Just My Imagination (Running Away With Me)”, la música country con "Far Away Eyes", o el punk tan de moda en aquellos años con "Shattered", acabando con la balada puramente stoniana "Beast Of Burden", demostrando todo ello que la inteligencia y la creatividad seguían siendo una de las características de la "mejor banda de rock del planeta". "Some Girls" obtuvo seis discos de platino solo en los Estados Unidos y unas ventas globales que superaron los 8 millones de copias.

Trace-Birds (1975)

Trace fue una banda Holandesa oriunda de la ciudad de Haarlem, fundada por el teclista Rick van der Linden en 1974, que durante varios años desarrollarian una interesantisima carrera, publicando varios albumes de gran rock progresivo. Desde muy joven Rick van der Linden habia tomado clases de piano, sin duda influenciado por su padre que también fue pianista. Mas tarde aprendería a tocar el órgano y finalmente ingresaría en el conservatorio de su ciudad. A partir de aquí el joven Rick se enrolaría en diferentes bandas locales tocando en clubs nocturnos. Ya por entonces su estilo se fundamentaba en influencias de teclistas de la talla de Brian Auger o Keith Emerson. En 1974 fundaría Trace junto al bajista Jaap van Eik y al bateria Pierre van der Linden, ambos con una amplia experiencia tocando en bandas como Solution, Focus o Living Blues. Con Trace, Rick pudo desarrollar sus propias ideas, con un rock sinfónico dominado por los teclados. Ese mismo año y gracias al sello holandés Philips, publican su primer album "Trace", mostrando ya las similitudes de los primeros Emerson, Lake & Palmer.
Tanto ese debut como el siguiente "Birds" (1975) ofrecen un rock sinfónico emocionante, muy suntuoso, impulsado por la amplia gama de teclados de Rick (Hammond B3, sintetizadores ARP o Mellotron), con un estilo principalmente instrumental, en donde los mencionados sonidos de Mellotron y Hammond suenan majestuosos, apoyado por una sección rítmica poderosa. Una muestra del potencial de esta banda esta en la épica "King-Bird" tema perteneciente a su segundo album, un ejercicio progresivo de deslumbrantes ejecuciones de teclados, cambios de ritmos, guitarras eléctricas y una interacción dinámica. "Ladies" el tercer y ultimo disco aparecido un años después, evidencio la falta de ideas y fue un mediocre intento de continuidad, que terminaría prematuramente con la aventura de esta formidable banda.

Mike Bloomfield & Al Kooper-The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper (1969)

Este es un album histórico, una de las mágicas veladas de maravillosas jams sessions protagonizada por dos de los mas grandes iconos de la música norteamericana; Al Kooper y Mike Bloomfield. Durante tres noches consecutivas, los dias 26, 27 y 28 de septiembre de 1968, estos dos legendarios músicos recrearon una vez mas la magia que había nacido en el aclamado album "Supersession" de unos meses antes.
El lugar elegido para estos conciertos fue el ya por entonces legendario núcleo del movimiento musical californiano, el Fillmore West de San Francisco. Con solo varios días de ensayo, ambos músicos junto con la colaboración del bateria Skip Prokop y el bajista John Khan, ofrecieron unos conciertos plagados de soberbias interpretaciones de clásicos del blues y del rock, que alternaron con composiciones propias. Durante estos conciertos ocurrió uno de los momentos mas curiosos, a Bloomfield le daría por coger el micrófono y debutar como cantante, nunca antes el mítico guitarrista había tomado ese rol en su ya por entonces dilatada carrera. Sin embargo para la tercera noche Bloomfield faltaría a la cita por estar varias noches de fiesta sin dormir, por lo que Al Kooper tuvo que improvisar reemplazando al guitarrista por unos jovencitos musicos que ya por aquellos dias estaban empezando a destacar en el mundo de la música. Esos dos jóvenes eran Carlos Santana y Elvis Bishop (este ultimo, compañero de Bloomfield en la Paul Butterfield Blues Band). El resultado de todo ello fue el poderoso testimonio de la formidable química entre estas leyendas del rock, comenzando por el clásico de Bob Dylan “Highway 61 Revisited”, siguiendo con una gran variedad de melodías incluyendo el tema de Kooper y Bloomfield “Her Holy Modal Highness”, y un repertorio de versiones como “The 59th Street Bridge Song (Feelin´Groovy)” de Paul Simon, el clásico de Elvis Presley “That´s All Right”, “The Weight” de The Band, “Green Onions” de Booker T. y los MG´s y “Don´t Throw Love on Me So Strong” de Albert King, la cual seria la elegida para que Bloomfield cogería el micrófono, presentando una voz rara y poco habitual.
Estos conciertos fueron tan aclamados y importantes que tuvieron que repetir las actuaciones en un tour por diferentes ciudades de Norteamérica, concluyendo la gira en el otro recinto emblemático de la epoca, el Fillmore East de Nueva York los días 12 y 13 de diciembre del mismo año. Para estos últimos dos conciertos contaron ademas con la participación de Johnny Winter en el tema de B.B.King “It´s My Own Fault”, que lo interpreto a duo con Mike Bloomfield y que muchos años después se recuperarían cuando se encontraron las cintas originales publicandolas como “The Lost Concert Tapes”. A partir de aquí la carrera de ambos es bien conocida por todos, Al Kooper seguirá como productor y músico colaborador para grandes como The Who, The Rolling Stones, Jimi Hendrix, Blood, Sweat and Tears, Bob Diddley, The Tubes, Roger McGuinn o Neil Diamond entre otros muchos, ademas de ser el responsable de descubrir a los legendarios Lynyrd Skynyrd. Por su parte Mike Bloomfield seguirá con una carrera fructífera, hasta su fallecimiento en 1981, aportando su magia con las seis cuerdas en albumes propios y ajenos, colaborando en discos de Janis Joplin o Muddy Waters, o publicando los meritorios “If You Love These Blues, Play ´Em As You Please” (1976) o “Between A Hard Place and the Ground” (1979), dejando su legado a la leyenda que lo ha convertido en uno de los grandes guitarristas de la historia del rock.

The Blues Project-Reunion In Central Park (1973)

En 1973 The Blues Project volverían a reunirse después de seis años sin haber tocado juntos. Ocurrio en el marco del Schaffer Festival celebrado en el Central Park de Nueva York. The Blues Project se habían formado nueve años antes en la ciudad de los rascacielos por los guitarristas Steve Katz y Danny Kalb, junto al bateria Roy Blumenfeld, el bajista Andy Kulberg y el cantante Tommy Flanders. Ya en el año 1965 se les uniría Al Kooper que llegaría a tiempo para la grabación del primer album “Live At The Cafe Au Go Go" (1966). A partir de aquí la banda recorre gran parte de los Estados Unidos en un tour exitoso, para posteriormente lanzar su segundo album “Projections”. Después de este album empiezan las deserciones, el primero de ellos Al Kooper al que irán siguiendo otros miembros, aunque sin embargo y pese a ello, publicaron dos nuevos trabajos, “Live At Town Hall” (1967) y “Planned Obsolescence” (1968). Después de este ultimo disco hay una desbandada general, hasta que en 1970 algunos de sus antiguos miembros, el bajista Don Kretmar, junto al guitarrista Kalb y el bateria Blumenfeld se unen al guitarristas Bill Lussenden y al teclista Gabriel Mekler y reactivan The Blues Project y publican los albumes “Lazarus” (1971) y “Blues Project” (1972).
Ya en 1973, en el citado Festival de Schaffler, se logra reunir a los miembros originales de la banda, menos el cantante Flanders. En una actuación memorable e histórica la banda interpreto un excelente repertorio de blues, rock y country,  como la versiones de los clásicos del blues “Louisiana Blues” de Muddy Waters y  “Caress Me Baby” de Jimmy Reed, las country “Steves Song” y “Fly Away”, la folk melódica “Catch The Wind”, la jam blues “Wake Me, Shake Me” o el soberbio e hipnótico blues “Two Trains Running”.

Aum-Bluesvibes (1969)

Aum fueron una banda de blues rock psicodélico que surgieron en la efervescente epoca del sonido del flower power en San Francisco y que apenas tuvieron un efímero recorrido publicando dos interesantes albumes de gran blues rock. Corría el año 1968 y el guitarrista y voz principal Wayne Ceballos fundaría Aum junto a Kenneth Newell al bajo y al bateria Larry Martin. Ellos consiguieron que el productor y dueño del mítico Fillmore West, Bill Graham les contratara para actuar de teloneros en su local para bandas como los Creedence Clearwater Revival entre otras. Su estilo empapado de los sonidos tradicionales del incipiente movimiento hippie de San Francisco, estaba influenciado por el blues con mezclas de gospel y la psicodélia imperante. Pronto destacarían gracias a sus directos donde incluían las típicas jams con su poderosos blues rock, lo que llamaría la atención del sello Sire Records, una subdivisión de la Polydor que les propone grabar un album. En este primer album titulado "Bluesvibes" la banda muestra su perfecta sintonía con el blues de influencias de la costa oeste y de entrada enseñan sus credenciales; una gran guitarra, secundada por una sección rítmica solida y una buena armónica, con un repertorio cargado de sentimiento y de gran instrumentación. Este primer album empezaba con una fantástica versión del clásico "Tobbaco Road", sin embargo son en los temas de su propia cosecha en donde realmente destacan, como el  blues acelerado "You Can´t Hide", el soul blues "Chilli Woman" o los cadenciosos "A Little Help From You" y "Movin Man". Ese mismo año de 1969 publicarían un segundo album "Resurrection" con sonidos mas duros pero siempre enfocados hacia el blues, para posteriormente y con apenas dos años de carrera, desaparecer de la escena musical para siempre.

Zomby Woof-Rinding On A Tear (1977)

Zomby Woof fue una banda alemana de rock sinfónico que tomo el nombre de una canción de Frank Zappa and The Mothers de su album “Overnite Sensation”. Esta banda se fundo en 1971 en torno a los guitarristas Henrich Winter y Udo Kreuss junto al bajista Frank Keinath y al bateria Thomas Moritz. Después de una serie de cambios de formación entrarían los teclistas Matthias Seelman y Matthias Zumboich lo que les supondría un cambio de sonido sustancial muy influenciados por el estilo sinfónico de Procol Harum. En 1974 la banda actuaría junto a las ya consagradas Kraan, Birth Control y Embryo durante el festival Hayinger. Despues de cierto tiempo intentando conseguir un sello discográfico que les publicara su primer album, la discográfica alemana Jupiter acepto a la banda y entraron en los estudios Olympia Music de Munich. Allí encontraron un Mellotron que luego utilizarían en la grabación de su primer album de manera intensa.
Finalmente en el otoño de 1977 el LP  “Rinding On A Tear” fue lanzado por Jupiter y distribuido por BMG Ariola a nivel nacional. Se estima que eventualmente las ventas subieron a 5000 copias, una asombrosa cifra para un grupo desconocido y con apenas promoción por parte de la discográfica. Este primer y único album contiene un sonido sinfónico absolutamente impresionante, un trabajo soberbio por parte de una banda consumada plenamente. Desde las melodías bien desarrolladas, hasta las ricas interacciones de órgano, bajo y solidas voces con un ingles correcto. El excelente desarrollo instrumental que Zomby Woof ofrece en este album los asemeja entre los sonidos sinfónicos de Nektar y el hard rock progresivo de Eloy. “Rinding On A Tear” esta considerado por muchos críticos como uno de los mejores albumes del rock sinfónico aleman.

Poco-Crazy Eyes (1973)

Poco fueron una banda esencial dentro del country rock, sin embargo su legado a quedado algo oscurecido por el enorme éxito comercial de sus coetaneos The Eagles, que si bien es cierto que nunca tuvieron el impacto mediatico de los albumes de estos ultimos, su altísimo nivel la ha convertido en una de las bandas indispensables en la historia del rock.
Poco surgió de las cenizas de otra de las legendarias bandas norteamericanas como fueron Buffalo Springfield, ya que dos de sus componentes; Richie Furay y Jim Messina con el añadido del bateria George Grantham, el bajista Randy Meisner y el guitarrista Rusty Young fundaron esta banda en 1968. Una constante de Poco seria los continuos cambios de formación, Meisner abandonaría la banda antes de lanzar el primer album, “Pickin´Up The Pieces" en 1969 mientras Messina haría lo mismo después de grabar el album en vivo “Deliverin” en 1970. Posteriormente Meisner ingresaría en The Eagles y Messina haría lo propio en el duo Loggins and Messina. Sus puestos serian ocupados por el bajista Timothy B.Schmit (curiosamente volvería a sustituir a Meisner en The Eagles años después) y el guitarrista Paul Cotton respectivamente.
En 1972 Poco publicarían su quinto album “Crazy Eyes” y aunque ya el disco “Deliverin” fue el que consagro definitivamente a esta banda, “Crazy Eyes” seria su espaldarazo definitivo, con un maravilloso album que contiene todos los elementos imprescindibles para permanecer en el tiempo. Una obra repleta de canciones memorables y gloriosas, ocho canciones que se convirtieron en clásicos absolutos del grupo, en donde la banda coquetea con diferentes matices musicales.
Desde el country “Blue Water”, hasta la instrumental “Fool´s Good” pasando por  “A Right Along” un esplendido rock directo, mientras la country rock “Let´s Dance Tonight” es la antesala de lo que The Eagles harian algun tiempo después, y las restantes “Brass Buttons” y “Magnolia” conforman un trabajo perfecto y tremendamente adictivo, toda una obra maestra del country rock.

Patrick O´Hearn-Rivers Gonna Rise (1988)

Tras haber pertenecido a algunas de las mas importantes bandas del jazz rock y fusión, ademas de otros proyectos, entre las que se encuentran la banda de Frank Zappa, Group 87 con Mark Isham o Missing Persons con Terry Bozzio, Patrick O'Hearn, combinó esa faceta, como músico de sesión, especialmente en el mundo del jazz, antes de comenzar una brillante carrera en solitario. Sus colaboraciones en el mundo del jazz le llevaría a tocar el bajo con algunos de los grandes del genero como Joe Pass, Eddie Henderson, Dexter Gordon, Charles Lloyd o Joe Henderson.
A mediados de los ochenta firma por el sello Private, con el cual comenzaría a publicar diferentes trabajos en donde demostró ser un músico que creaba grandes atmósferas y ritmos precisos en contrapartida a la improvisación jazzística que que ya tenia tras de si con su dilatada experiencia y con la que había crecido profesionalmente.
Tras publicar su primer disco "Ancient Dreams" de ambientes oscuros y ritmos alegres, "Between Two Worlds" seria un trabajo más completo que su antecesor, hasta que en 1988 publicó su mejor obra, el inmenso "Rivers Gonna Rise".
En “Rivers Gonna Rise” O´Hearn fusiona las percusiones electrónicas y acústicas, con los teclados y un énfasis en el bajo eléctrico, que junto a la ayuda de miembros de sus ex bandas como Terry Bozzio, Mark Isham, Peter Maunu y Warren Cucurullo, crea una experiencia inolvidable de ricos matices sonoros gracias a su frescura y homogeneidad, con un disco clásico en el género de la "nueva era".
Una obra que contiene memorables melodías como la contagiosa “Homeward Bound”, la soberbia “April Fool” utilizada hasta la saciedad en las sintonías televisivas o las emisoras de radio, y que junto con las destacadisimas “The Stroll”, “Acadia” o “Forgivness” completaban uno de los mas fantásticos y exitosos discos de la new age de los ochenta.

Windchase-Symphinity (1977)

Windchase fue una banda creada a mediados de los setenta por ex integrantes de la banda Sebastian Hardie, una de las bandas pioneras del prog sinfónico de Australia. Estos miembros fueron Mario Millo (guitarra y voz) y Toivo Pilt (teclados).  
Mientras Sebastian Hardie practicaban un estilo mas enfocado hacia los sonidos mas melodicos del rock progresivo con muchos pasajes orquestados y clásicos, Windchase por su parte tomo prestados  sonidos mas preciosistas con melodías líricas, un gran énfasis musical, guitarras y teclados líricos, mezcla de secuencias cantadas e instrumentales y letras mas alegres y despreocupadas.
El único album de Windchase fue publicado en 1977, llevaba el titulo de “Symphinity”, aquí las influencias del guitarrista Mario Millo son mucho mas diversas dando un toque al estilo del jazz rock de Steve Morse, el sonido arabesco de Carlos Santana y el clasicismo de Steve Howe, mientras el teclista amplia igualmente sus horizontes con mucho mas protagonismo en el órgano y en el Hammond. “Horseman to Symphinity” es un ejercicio progresivo de cerca de nueve minutos con una gran interacción entre los solos de guitarras y el respaldo de los sonidos de órgano y una voces que recuerdan por momentos los timbres de John Wetton o Greg Lake.
En “No Scruples” el ritmo frenético se adueña con solos de sintetizador y riffs contundentes, la funk y contagiosa “Lamb´s Fry” se acerca al jazz progresivo, mientras “Flight Call” es un ejercicio de pop sinfónico exuberante muy refinado.

Deodato-Prelude (1973)

La carrera de Emuir Deodato siempre estuvo marcada por su fantástica adaptación del clásico de Richard Strauss "Also Sprach Zarathustra" del año 1973. Pero la historia de este pianista, compositor, arreglista y productor brasileño nacido en 1942 es mucho mas que esta espléndida versión, su carrera esta repleta de buenos discos y colaboraciones para otros artistas. Entre sus logros esta el haber sido el encargado de lanzar a Milton Nascimento a la escena musical, cuando en 1967 tres composiciones suyas le hizo ganar el premio del Festival Internacional de la canción. Ese mismo años de 1967 y por invitación del guitarrista Luiz Bonfa se traslado a los Estados Unidos en donde hizo patente su talento en la escena musical de jazz. Contratado por el sello CTI se convirtió en una de las principales figuras de las grabaciones para artistas como Frank Sinatra, Aretha Franklin o Stanley Turrentine, ademas de participar como productor y colaborar en bandas sonoras.
Pero su carrera cobraría grandes dimensiones cuando en el año 1973 su album "Prelude" alcanza un éxito masivo, rodeado de grandes músicos como Ron Carter, Billy Cobham, Stanley Clarke, Ray Barretto, Airto Moreira o Marky Markowitz, Emuir Deodato deja su impronta en un fantástico disco de jazz fusión que combinado con adornos orquestales y el rock, consigue expandir una rica textura de sonido, respaldado por arreglos funk y instrumentos de cuerda y viento, sobrecargando su estilo con un sonido groove de forma deliciosa. En este album destaca sobre todo la mencionada versión funk jazz de "Also Sprach Zarathustra", inmortalizada por Stanley Kubrick en la pelicula "2001 Una Odisea en el Espacio”. Pero este tema nos desmerece en absoluto al resto, "Spirit Of Summer", "Carly & Carole", "September 13" o "Prelude To The Afternoon Of A Faun" en donde mostraban el grado de madurez compositiva e instrumental del músico brasileño, consiguiendo una verdadera obra atemporal.
El album acabaría siendo premiado por diferentes revistas especializadas del jazz, así como un premio Grammy a la mejor interpretación y unas ventas de mas de cinco millones de copias, lo que impulsaría la carrera del músico a nivel mundial, cobrando un lugar destacado entre los grandes del jazz fusión de la epoca.

Eric Woolfson-Freudiana (1990)

Este album de alguna manera nos recuerda al proyecto paralelo a The Alan Parsons Project, llamado Keats y del que se hablo hace algun tiempo en este blog. Durante años el propio Alan Parsons estuvo trabajando en una obra para su banda basada en la vida y obra de Sigmund Freud, recordemos que el proyecto de Alan Parsons se ha basado continuamente en discos conceptuales con una solida base literaria como por ejemplo Edgar Allan Poe o Isaac Asimov, ademas de otros conceptos, alejados de lo lírico pero no en lo musical.
Por lo tanto originalmente era un disco atribuido al Proyecto Alan Parsons y nació cuando Woolfson le presento a Parsons la idea y ambos empezarían a componer tanto la letra como la música de esta obra.
Sin embargo, en medio del trabajo de composición e incluso de las primeras grabaciones, aparece la figura de Brian Brolly, un promotor musical que convence a Woolfson de que su idea era la perfecta para llevarla a un espectáculo teatral, este hecho no es del agrado de Alan Parsons que abandona el proyecto cuando ya prácticamente estaba compuesta la mayoría de las canciones del álbum. A pesar de todo ello, el album en formato de doble LP se termina grabando y fue titulado “Freudiana” publicado en 1990. Todas las canciones fueron grabadas con los músicos que solían ser los habituales de The Alan Parsons Project; Ian Bairnson, Andrew Powell, Stuart Elliott, Laurie Cottle ademas de la producción a cargo de Alan Parsons y del propio Woolfson como teclista y voces.
También aparecen las voces de Leo Sayer, Eric Stewart, Chris Rainbow o John Miles, (estos tres últimos también colaboradores habituales de los discos de The Alan Parsons Project), entre otros.
El álbum en sí es heredero del sonido característico de The Alan Parsons Project, como la épica "The Nirvana Principle", la melódica e impresionante "Freudiana", los potentes rock "I Am a Mirror" y "You're On Your Own", el pop electrónico "Let Yourself Go", la compleja “No One Can Love You Better Than Me", la beatle "Little Hans" o la añeja "Upper Me".
Este sería el último disco grabado pero no atribuido oficialmente a The Alan Parsons Project, quien se despediría con un trabajo que ni siquiera estaba firmado por sus autores, pero que curiosamente es uno de los mejores trabajos del proyecto y que aunque no de manera oficial, es otorgado al dúo Parsons-Woolfson o lo que es lo mismo al grupo The Alan Parsons Project.

North Star-Feel The Cold (1985)

North Star es uno de los mejores grupos del prog sinfónico de los Estados Unidos, pero al mismo tiempo un tanto infravalorados, con una propuesta repletas de melodías muy ricas en paletas de colores, llenas de fuerza y gran belleza, con la voz de Joe Newman y los precisos teclados de Kevin Leonard. Ellos poseen algunas de las mejores características del mejor rock progresivo, cambios rítmicos y veloces, pasajes extraños y atmosféricos, bajos prominentes y teclados con solemnes sonidos. “Feel The Cold” fue el segundo trabajo de North Star, publicado en 1985, el cual esta considerado en los circuitos del progresivo como una pequeña joya del genero. Con un sonido sinfónico consistente y solido, con arreglos excelentes de teclados y la contundente bateria del tercer miembro de esta banda, Glenn Leonard, hermano del teclista Kevin. Inspirados claramente en los sonidos de los Genesis de la era mas barroca; “Wind and Wuthering” o “And Then There Were Three”, contiene un sonido “vintage” con respecto a las grandes capas de teclados como queda demostrado en la inicial “Feel The Cold” o en “Plastic Fantastic”, que seguido de la pieza mas extensa “Tomorrow Never Comes” y sus grandes arreglos instrumentales o la apoteósica instrumental “Finale” mantienen el status de la banda a un nivel muy alto, un gran trabajo de prog sinfónico de altísimo nivel a pesar de la aparente falta de originalidad.

Journey-Journey (1975)

Después del album “Caravanserai” de Santana, dos de los miembros de su banda deciden abandonar para fundar la suya propia, así Gregg Rolie y Neal Schon se unen al bateria Aynsley Dunbar quien había trabajado con David Bowie y Lou Reed, el bajista Ross Valory y el guitarrista George Tickner y fundan Journey.
A diferencia de los trabajos de la década de los ochenta que estaban enfocados a los sonidos mas accesibles y melódicos, en sus tres primeros años Journey se embarcaron en el estilo del jazz-rock con influencias progresivas.
Su primer album fue publicado en 1975 bajo el sello CBS y en el ofrecen una combinación de temas enérgicos de guitarras y sonidos Hammond en donde se dan cabida estilos tan dispares como acercamientos al R&B, pinceladas de blues, jazz rock de alto voltaje y sonidos progresivos. En “Of A Lifetime” ya muestran su capacidad instrumental con un tema contundente y rítmico, mientras “In The Morning Day” se torna en sonidos mas melódicos y pegadizos. “Kohoutek” y “Topaz” son temas instrumentales, el primero mas progresivo con un jazz rock poderoso muy elaborado y el segundo mas en la onda del sonido de Santana. Por su parte “In my Lonely Feeling/Conversations” es un tema típico de los setenta de Rhythm and Blues y una guitarra muy bluesy, la finalizar con el momento mas progresivo del album “Mystery Mountain” un tema impactante y un gran broche final para este gran album.

Bryan Adams-Waking Up The Neighbours (1991)

Bryan Adams se había convertido en una rutilante estrella del rock con su soberbio "Reckless", publicado en 1984, en donde combinaba la comercialidad y la calidad al mismo tiempo y que le valió rivalizar con grandes del rock melódico y del AOR de los ochenta como Journey, Foreigner o Toto.
Sin embargo, tras este fantástico disco, Bryan Adams actualizó su sonido hacia direcciones menos comerciales y más sobrias con el disco "Into The Fire" (1987), que fue una cierta decepción en ventas, a pesar de obtener dos discos de platino, pero bastante lejos de los siete millones de copias de su predecesor.
Su siguiente movimiento discográfico fue "Waking Up The Neighbors", publicado en 1991, en el cual Bryan Adams logra equilibrar aún más el toque comercial, la calidad y el rock adulto que imprimió en sus obras predecesoras.
El medio tiempo "(Everything I Do) Do It For You", elegido como sencillo promocional, fue un éxito mundial y catapultó el álbum a la cima de las listas, pero parte del éxito lo tuvo el productor Robert "Mutt" Lange, que le dio al disco un sonido espectacular, el mismo que le había proporcionado a Def Leppard y su aclamado album "Hysteria" unos años antes.
Vigorosos rock como “Is Your Mama Gonna Miss Ya?”, “Not Guilty”, “House Arrest” o “If You Wanna Leave Me (Can I Come Too?)” tienen ese punto adictivo y pegadizo que contrastan con las mas melódicas e irresistibles “Can´t Stop This Thing We Started”, “Thought I´d Died And Gone To Heaven”, “Do I Have To Say The Words” o “Depend On Me”, mientras “Don´t Drop That Bomb On Me” podria haber salido de cualquier album de los mencionados Def Leppard por su sonido tremendamente idéntico.
"Waking Up The Neighbors" lograria ser mas exitoso que "Reckless" y se convertiría en uno de los discos más vertiginosos de la decada de los noventa.

Ikarus-Ikarus (1971)

Ikarus fueron una efímera banda alemana fundada en Hamburgo a finales de los 60. Sus raíces estuvieron en la banda de covers Beatique in Corporation, que se especializaron en versiones de clásicos de rock y el pop de los cincuenta y sesenta.
Después de ganar un premio el cual les otorgaba ser incluidos en el recopilatorio del sello MCA titulado “Pop and Blues Festival 70” cambian su nombre por el de Ikarus y al mismo tiempo orientan su estilo hacia terrenos mas experimentales. Su formación estaba comprendida por el cantante Lorenz Kohler, el bajista Wolfgang Kracht, el guitarristas y otros instrumentos Jochen Petersen, el bateria Bernd Schroder, el guitarrista Manfred Schulz y teclista Wulf Dieter Struntz, la gran mayoría de estos músicos tenían tras de si una formación clásica de conservatorio. Aunque Ikarus fueran alemanes y estaban en el medio del emergente movimiento krautrock, estuvieron mas en sintonía con la escena británica que con el movimiento germano. En lugar de las extensas atmósferas psicodélicas habituales del krautrock, ellos buscaron sonidos mas orientados al blues rock progresivo. Su único album publicado en 1971, contenía cuatro largas pistas, muy diferenciadas entre ellas, demostrando con ello el dominio musical ecléctico de Ikarus.
El inicial “Eclipse” es un rock pesado progresivo con un órgano dominante, arreglos sinfonicos y unos grandes riffs de guitarra, “Mesentery” es mucho mas compleja con pasajes muy en la onda de Van Der Graaf Generator con momentos de gran intensidad heavy rock. Mientras "Early Bell´s Voice" es una composición mas progresivamente convencional con sonidos de mellotron, bateria y saxo en una gran interacción instrumental y grandes desarrollos sinfonicos.

Barclay James Harvest-Eyes Of The Universe (1979)

Con ocho años de carrera y once soberbios albumes publicados, la Barclay James Harvest sufriría su primer gran reves en 1978 con el abandono de uno de sus pilares fundamentales, el teclista Wooly Wolstenholme.
Antes de esto, la formación británica era una de las mas solidas dentro del panorama del rock progresivo y este contratiempo dejaba en el aire de manera inmediata el futuro incierto de los miembros restantes. Sin embargo la salida de Wolstenholme no repercutiría demasiado, o al menos por un tiempo, la carrera posterior del grupo. Decididos en seguir adelante, tanto Les Holroyd bajo y voz, John Lees guitarras y voz y Mel Pritchard bateria, graban el album “Eyes Of The Universe”, que fue publicado en 1979 y para el cual contratan al teclista Kevin McAlea, quien también a partir de ahora tomaría el relevo de Wolstenholme como músico de apoyo en directo. En este nuevo album post-Wolstenholme, el grupo actualiza el sonido con unos teclados y sintetizadores mas modernos que se convierten en parte fundamental de la melodía de su musica, así mismo las guitarras suenan mas directas y espectaculares con riffs adictivos y sonidos cristalinos. Un album que se convertiría en su mayor éxito comercial hasta ese momento, y que a diferencia de los mas complejos y sinfónicos albumes anteriores, este tiene mayor dinamismo y al mismo tiempo un punto mas melódico. Estas melodías adquieren su cenit creativo en composiciones tan mágicas como las apasionadas “Love On The Line” y “Alright Down Get Boogie”, potentes temas rock “Sperratus” y “Capricorn”, canciones con ese sabor clásico “Rock & Roll Lady”, hermosas melodías bañadas en muros de teclados “The Song (They Love To Sing) o ejercicios progresivos como “Pay To The World”.
A partir de aquí la banda iría publicando regularmente discos de menor impacto comercial y creativo, pese a contener una indudable calidad como lo demuestran “Turn Of The Tide” (1981), “Ring Of Changes” (1983), “Face To Face” (1987) o “Welcome To The Show” (1990), pero ya lejos de la epoca dorada de estos legendarios del rock progresivo.

Rainbow-Long Live Rock´n´Roll (1978)

En 1974 Ritchie Blackmore se harta de los continuos desacuerdos con sus compañeros de Deep Purple y opta por largarse y seguir por su cuenta, para algun tiempo mas tarde fundar su nuevo grupo, Rainbow, con quien publicaría ocho albumes, algunos de ellos de los más memorables en la historia del hard rock y el heavy metal.
Ritchie Blackmore es sin duda uno de los mas geniales guitarristas de la historia, pero igual de grande es su mal genio, y si ya las había tenido con Ian Gillan y Roger Glover después del album "Who Do We Think We Are" de 1973, esta ultima ocasion seria con David Coverdale y Glenn Hughes. Sin embargo en su nueva banda Rainbow ocurriría mas de lo mismo, contratando y despidiendo músicos a diestro y siniestro durante todos sus años al frente de la banda. "Long Live Rock´n´Roll" fue su tercer álbum, lanzado en 1978 y un solemne sucesor del anterior y fabuloso "Rising". Como norma ya habitual, en referencia a lo antes comentado, este sería el último album de Ronnie James Dio como vocalista, consecuencia de los diferentes criterios musicales con Ritchie Blackmore (como no podía ser de otra manera) fue despedido por el hombre de negro. Pero no seria el único, ya en este nuevo disco no estaban ni el teclista Tony Carey, ni el bajista Jimmy Bain despedidos tambien después del anterior “Rising” y sustituidos por el teclista David Stone y el bajista Bob Daisley, los cuales correrían la misma suerte algun tiempo después.
"Long Live Rock´n´Roll" es junto a la anterior obra "Rising" los mejores albumes de Rainbow, y con este nuevo disco la banda alcanzó el cenit total y al mismo tiempo convirtió a Ronnie James Dio en el mas grande cantante del heavy metal.
“Long Live Rock´n´Roll” es un grandísimo album de hard rock y heavy metal,  consiguiendo himnos generacionales, como el tema que da título al disco, o temas poderosos como "Kill The King", la compleja “Gates Of Babylon” con esas influencias orientales, baladas fantásticas como "Rainbow Eyes" o las meritorias “Lady Of The Lake”, “L.A. Connection” o “Sensitive Light”.

Hoelderlin-Hölderlin's Traum (1972)

Esta banda que tomo prestado el nombre del poeta alemán del siglo XIX Friedrich Hölderlin, es una de las mas subestimadas de la historia del rock alemán y del rock progresivo en general. Fundados en 1970 en la ciudad de Wuppertal en el estado de Renania al oeste de Alemania, por los hermanos Christian y Joachim Grumbkov, unos musicos con mucha experiencia que provenian de la banda The Beatkids fundada en 1963. La primera formación de Hoelderlin estaba compuesta por la cantante Nanny DeRuig, el bateria Michael Bruchmann y el bajista, Peter Kaseberg, que junto a las guitarras y mellotrones de los hermanos Grumbkow pronto destacarían por su folk rock de influencias británicas mezclado con la música clásica. Cuando apenas tenian tres meses de existencia el sello Pilz les contrata y les produce su primer album “Hölderlin's Traum”, que fue publicado en 1972 y se convierte en uno de los mayores hitos del rock alemán de ese año. Un album que contiene nueve temas con la preciosa voz de DeRuig, grandes Mellotrones, violines y violonchelos, sitar y otros instrumentos, que en una inteligente mezcla de folk, rock, música progresiva, elementos jazz, sonidos medievales y cierto idealismo hippy convierten a este disco en una pequeña obra maestra.
Desde su apertura con el tema “Waren Wir” hasta el cierre del album con “Traum” la música es de una belleza deslumbrante. Tres años mas tarde llegaria su segundo trabajo “Hoelderling” con un estilo mas jazzistico y influencias crimsonianas. Para su tercer album “Clowns And Clouds”, la musica se torna mucho mas ambiciosa con desarrollos complejos, elementos teatrales y surrealistas. A partir de aqui una serie de albumes mas enfocados al rock melódico y mucho mas accesibles fueron lanzados hasta bien entrada la década de los ochenta.

Mogul Thrash-Mogul Thrash (1971)

Otra de esas bandas de un visto y no visto y que pasaron sin pena ni gloria fueron Mogul Thrash, que con una gran calidad apenas tuvieron tiempo para grabar solo un album, para luego desaparecer sin dejar rastro. En 1970 James Litherland habia sido despedido fulminantemente de Colosseum por parte de Jon Hiseman y Dick Heckstall-Smith después del album “Valentine Suite”, aunque aparecería en los créditos del posterior album “The Grass Is Grenner” como vocalista en el tema “Elegy”, un tema descartado del album anterior, de ahí su participación.
Al poco tiempo se uniría al bajista John Wetton, al saxofonista Malcolm Duncan, al bateria Roger Harrison y a Roger Ball y Michael Rosen, ambos instrumentos de vientos y formaron Mogul Thrash. Ya en 1971 publican su primer y único album, producido por Brian Auger quien incluso colabora en uno de los temas. Este debut se caracteriza por unos sonidos muy cercanos a la antigua banda de Litherland pero con un enfoque mas duro y con una exuberante sección de vientos que derivan la música hacia los terrenos del jazz rock progresivo, con mucha participación del bajo y la voz de John Wetton, elementos estos que dan gran consistencia a esta obra. Desde las primeras notas de “Something Sad” hasta la ultima canción ”What´s This I Hear” muestran un estilo acelerado del jazz rock enérgico, pero sin embargo es la extensa “Going North” la pieza central del disco, donde destacan Litherland con unos riffs y solos abrasivos de guitarra, John Wetton con una gran linea de bajo y los sonidos de los metales. Una vez acabada esta aventura Wetton ingresaría en los Family junto a Roger Chapman y la sección de viento se unirían a la Average White Band.