Various Artists-Imprescindibles de la New Age (II)

Jerry Goodman-On The Future Of Aviation (1985) Diez años estuvo alejado Jerry Goodman del mundo del jazz y el rock, pero ello no mermó su enorme capacidad compositiva ni el talento de este ex violinista de Flock y la Mahavishnu Orchestra, publicando un exquisito álbum en donde las sonoridades del violín eléctrico se funden con las guitarras y los sintetizadores. 

Ravi Shankar-Tana Mana (1987)  Este genio del sitar ofrece en este trabajo una sabia combinación entre los sonidos modernos con los timbres más ancestrales de las voces e instrumentos indios en un álbum que irradia elegancia, alegría y exaltación. 

Suzanne Ciani-Pianissimo (1990) Con su sexto trabajo, la creadora de emblemáticas obras como "The Velocity Of Love", confecciona nuevas versiones de algunas de sus temas más emblemáticos, interpretados por la magia que obtiene de su piano de cola MIDI. 

R. Carlos Nakai-Desert Dance (1990) Grabado en la capilla Lindisfarne, ubicada en lo alto del valle de San Luís en Colorado, una zona sagrada para los indios navajos, una tribu de la que proviene este artista, que nos transporta con su música repleta de flautas de caña, tambores, sonajas y voz, a esos pasajes naturales. Un disco de meditación musical sobre los espíritus de esa zona y sobre las fuerzas naturales que lo conforman. 

David Arkenstone-Citizen Of Time (1990) Con su tercer registro, este multi instrumentista norteamericano nos transporta a un viaje infinito en el tiempo en los que contemplamos escenarios como la Gran Muralla China, frondosos bosques, la aurora boreal o las tumbas egipcias. 

Paul Horn-Inside The Great Pyramid (1983) En este doble álbum se recogen una serie de grabaciones que el flautista realizo en el interior de la gran pirámide egipcia de Keops a mediados de los 70, además de otras piezas recogidas en las pirámides de Kefrén y Micerino.

Moby Grape-Moby Grape (1967)

Moby Grape lo tenían casi todo para ser una de las mas grandes bandas de la historia, pero pese a que su carrera fue intensa también lo fue desgraciada, en lo que casi todo lo que podría salir mal lo hizo, desde un pésimo manejo promocional por parte de su discográfica, hasta una amplia variedad de problemas legales, un trato bochornoso por parte de su manager o diferencias creativas y personales entre los miembros de la banda. En muchos sentidos, la historia de Moby Grape es similar a la de otras cientos de bandas de la costa oeste norteamericana que triunfaron brevemente y que luego fracasarían estrepitosamente. Ellos seguían la estela del rock and roll de los Stones, la esencia de The Byrds y la magia de Hendrix. Todos los grandes sellos discográficos competían por hacerse con ellos. A menudo identificados con la escena psicodélica de San Francisco, en realidad su especialidad era combinar todo tipo de música de raíces, desde el folk hasta el blues, pasando por el country, el rock and roll clásico y unos grandes arreglos de triple guitarra con múltiples capas. Pero su álbum debut homónimo fue su único momento de triunfo incondicional. Un álbum explosivo con una serie de canciones geniales y perfectas ilustradoras del sonido de flower power de San Francisco. Sin embargo y entre otros muchos infortunios, la discográfica tuvo la “feliz” idea de lanzar cinco singles del álbum al mismo tiempo, lo que mermaría una mas amplia difusión del disco. Pero a pesar de estas desafortunadas circunstancias el debut de Moby Grape sigue siendo muy respetado como uno de los mejores álbumes de la era psicodélica.

Various Artists-Narada The Wilderness Collection (1990)

Narada Productions es una de las compañías discográficas más importantes y fundamentales orientadas a la música new age, el jazz, la música celta y las músicas del mundo. Sus orígenes datan de principios de los ochenta en Nueva York y fue fundada como sub sello por la Universal, bajo la distribución de la MCA Records. Con el paso del tiempo, la propia Narada Productions fundaría otros sellos subsidiarios, para así diversificar sus artistas por sus estilos musicales. Así nacieron Narada Equinox, Narada Jazz, Narada Mystique o Narada World entre otras muchas más. Entre un amplísimo elenco de músicos que grabaron y publicaron con Narada, se encuentran artistas como David Arkenstone, Jeff Lorber, Paul Speer, David Lanz, Bernardo Rubaja, Peter Buffett, Hans Zimmer o Charlie Musselwhite. "The Wilderness Collection" es una de sus más famosas grabaciones en donde se recoge una cuidadisima selección de artistas que según reza en su nota promocional, "elogian la naturaleza virgen como fuente de inspiración artística y un refugio de la cotidiana vida urbana". Los artistas de Narada que aquí aparecen crearon esta grabación como un homenaje a las áreas naturales de gran importancia ecológica, deseando que las generaciones futuras puedan seguir disfrutando de ellas. Entre su repertorio destacan "Fragile Majesty" de Eric Tingstad y Nancy Rumbel, una pieza que nos trae a la mente la grandeza de los paisajes naturales, la épica y soñadora "Yosemite" de David Arkenstone, la melodía infinita de "Sahara Sunrise" de Ralf Illenberger o la ambiental con influencias latinas "Break Of Day" de Bernardo Rubaja. Entre el resto hay desde inquietantes lienzos que oscilan entre la música atmosférica, hasta la fusión de una gran variedad de estilos, mezclando los sonidos jazzisticos y los elementos más tradicionales bajo una excelente elegancia y el buen gusto de una música sencillamente mágica.

Kyrie Eleison-The Fountain Beyond The Sunrise (1976)

Estamos ante una de esas pequeñas joyas semi-desconocidas de rock sinfónico, muy valorada por los progheads pese a que también es criticada por algunos sectores por ser considerados unos meros clones de los primeros Genesis. Sin embargo esta banda austriaca nunca pretendió ese status, aunque es más que evidente que sus influencias fueron las huestes lideradas por Peter Gabriel. Fundada en 1974 tuvieron como núcleo principal al teclista Gerald Krampl, que junto al baterista Karl Novotny lograron tejer la música sinfónica y el rock en su máxima expresión, con grandes capas de sintetizadores y mellotrón, pasajes atmosféricos y momentos de gran vigorosidad instrumental. En 1976 bajo el sello local Merlin Records lanzaron su primer álbum titulado "The Fountain Beyond The Sunrise" en donde además participaban el vocalista Michael Schubert, los guitarristas Manfred Drapela y Gerhard Eder, el bajista Norbert Morin y el baterista Otto Singer. La magnifica intro "Out Of Dimension" esta repleta de paisajes nostálgicos, la cual contrasta notablemente con la genesiana que da titulo al álbum, una mini suite progresiva muy elaborada y compleja, mientras que la extensa "Lenny" se convierte en el punto álgido de esta magnífica obra mostrando una enérgica sinfonía en continua progresión. Sin duda una de las mejores obras del rock progresivo que sino fuera por su mediocre producción estaría entre lo mejores trabajos de la década de los 70.

The Kentucky Headhunters-Pickin' on Nashville (1989)

Fundada originalmente a finales de los sesenta como The Itchy Brothers, la banda de country rock sureño The Kentucky Headhunters, es uno de los mejores ejemplos de la música de raíces americana de la década de los ochenta. Fundada por Doug Phelps (bajo y voz), Greg Martin (guitarra principal y voz), Richard Young (guitarra rítmica y voz) y Fred Young (batería y voz). Durante la década de los setenta tuvieron cierta relevancia gracias a hits menores como "Shotgun Effie", o por el enorme interés que el sello propiedad de Led Zeppelin, Swan Song Records, había mostrado por esta banda originaria de Glasgow, una localidad del estado de Kentucky. En 1986 el grupo pasó a adoptar el definitivo nombre de The Kentucky Headhunter, en homenaje a uno de los personajes animados la famosa serie de TV de los ochenta "King Leonardo and His Short Subjects". Luego de presentarles una demo a la Mercury Records, el grupo conseguiría un contrato para varios álbumes, empezando por "Pickin` On Nashville", un disco que fue grabado precisamente en la ciudad del country por antonomasia. Este debut supuso uno de los mejores discos de una banda novel de la historia, logrando no solo un increíble segundo puesto en las listas del Billboard, si no también el premio Grammy a la mejor interpretación country del año. Si bien es cierto que The Kentucky Headhunters no habían inventado nada nuevo que ya no se hubiera hecho antes, también lo es el que su country rock con ritmos de honky-tonk y elementos del rock sureño, era tremendamente desenfadado, alegre y rítmico. Sus versiones de clásicos del country como "Walk Softly on This Heart of Mine" de Bill Monroe, "Oh Lonesome Me" de Don Gibson y "Skip a Rope" de Henson Cargill, son magníficas demostraciones del estimulante y cautivador estilo de los Headhunters. Pero sin embargo son sus propias composiciones como "Dumas Walker", "My Daddy Was A Milkman" o "Some Folks Like To Steal", las que les catalogaron como una de las bandas prometedoras del country rock de la década de los ochenta y noventa.

Blues Creation-Demon & Eleven Children (1971)

Otro interesante proyecto surgido de Japón fueron Blues Creation, una banda liderada por el guitarrista Kazuo Takeda, que obtuvieron la estimable colaboración del productor de Cream, Feliz Pappalardi. Esta banda siguió la evolución típica del sonido blues-rock británico de finales de los 60. Además de Takeda, Blues Creation la conformaban el vocalista Hirami Ohsawa, el bajista Masashi Saeki y el baterista Masayuki Higuchi. Gran parte del poder de esta banda se debe al virtuosismo del guitarrista quien llego a ser venerado como una gran influencia en el devenir del rock japonés y que tuvo una larga carrera como músico de sesión tanto en el país nipón como en los Estados Unidos. En 1971 y bajo el sello Denon, una subsidiaria en aquella época de la Columbia Nippon, lanzaron su segundo álbum, este "Demon & Eleven Children", en donde muestran un poderoso hard rock pesado con ramalazos de psicodélica, heavy rock y blues. Antes habían lanzado un primer álbum homónimo que estaba compuesto en su totalidad por versiones de clásicos del rock. No tan excéntricos como sus compatriotas Flower Travellin´Band y menos heavy prog que Murasaki, Blues Creation se enfocaron en los sonidos pesados muy cercano a lo que sus coetáneos británicos como Black Sabbath o los norteamericanos Blue Cheer hacían por aquellos años. En este segundo álbum destacan incendiarios hard rock como la inicial y contundente “Atomic Bombs Away”, cortes psicodélicos boogie rock “Mississippi Mountain Blues”, blues progresivos “Sorrow” o el tour de force guitarrístico “Demon & Eleven Children”.

Robert Lamm-Life Is Good In My Neighborhood (1993)

A principios de los noventa, Robert Lamm, uno de los miembros fundadores de la banda de jazz rock y AOR, Chicago, decidió concentrarse en su carrera en solitario, al margen de su banda madre, publicando su segundo álbum "Life Is Good In My Neighborhood" (el primero fue "Skinny Boy" publicado muchos años atrás en 1974). Grabado entre varios estudios de Los Ángeles y Nueva York, fue producido por Phil Ramone y obtuvo la colaboración de varios músicos como el guitarrista John McCurry, el teclista John Van Epsel, el bajista Bootsy Collins o la percusionista Carol Steele. En este segundo trabajo, Robert Lamm se alejo sustancialmente de los sonidos jazzisticos de metales de su banda madre, para mostrar su faceta melódica de west coast rock, un estilo que Chicago también dominó en muchos de sus álbumes. Los ritmos caribeños de canciones como "My Neighborhood", el pop melódico de la atractiva "When The Rain Comes", la bailable "In This Country", la conmovedora "When Will The World Be Like Lovers" o las excelentes west coast "My Naked Heart" y "Can't Believe My Eyes", fueron parte del comienzo en solitario de este cantante, teclista, compositor y guitarrista norteamericano, que de forma paralela a Chicago, siguió publicando una docena de discos hasta el año 2012, cuando lanzó su último trabajo titulado "Robert Lamm Songs: The JVE Remixes".

Mountain-Nantucket Sleighride (1971)

Mountain son otra de las legendarias bandas norteamericanas que impulsados por el enorme guitarrista Leslie West y secundados por el bajista y productor Felix Pappalardi, el batería Corky Laing y el teclista Steve Knight, tuvieron sus años de gloria gracias a tres soberbios álbumes lanzados a principios de la década de los 70. "Nantucket Sleighride" que aparecería casi un año después de su debut "Climbing!", deleitaría a su amplia legión de fans, pese a que ya ofrecía algunos cambios musicales con respecto a su antecesor. Si el anterior álbum rebozaba de un crudo hard rock orientado en la guitarra de West y repleto de éxitos pegadizos, aquí se mantienen las guitarras pesadas y melódicas pero explorando aún mas las posibilidades que ofrecen los demás instrumentos, con un repertorio en donde hay cabida para la épica y los limites del progresivo. La intensas hard rock y blues rock "Don´t Look Around", "Nantucket Sleighride", "Tired Angels", "Travellin´ In The Dark" y "The Animal Trainer and the Toad" muestran un álbum de total desenfreno que solo es apaciguado por la melódica "Lady". Con este segundo álbum Mountain alcanzaron la cima de su inspiración y de popularidad, logrando un merecido disco de oro por sus ventas en el mercado norteamericano.

Kansas-The Prelude Implicit (2016)

"The Prelude Implicit", lanzado en el año 2016, fue el penúltimo álbum grabado por los maestros progresivos norteamericanos Kansas. Llegados a este punto la banda había sufrido numerosos cambios desde aquella mítica formación que comenzaría a mediados de los 70 creando algunas de las obras maestras del genero progresivo. Entre sus integrantes ya no están el guitarrista Kerry Livgren, el vocalista Steve Walsh, el bajista Dave Hope ni el violinista Robbie Steinhardt, en cambio aun permanecen los miembros originales Phil Ehart (batería) y Rich Williams (guitarra). El resto estaba formado por Ronnie Platt (voz), Zak Rizvi (guitarra), David Manion (teclados), David Ragsdale (violín) y el bajista Billy Greer, el cual ya había participado en algunos álbumes de los años ochenta y noventa. Pese a que en parte ya no existe el espíritu estrictamente progresivo de los primeros Kansas, en este álbum los fans mas puristas se encontraron con una banda que baso su esfuerzo en completar un dignísimo álbum que navega entre el AOR y el rock progresivo moderno. Canciones como la pegadiza "With This Heart", la desenfadada rock clásica "Summer", la dramática "Visibility Zero", la progresiva "Rhythm In The Spirit", la épica "The Voyage Of Eight Eighteen" o la añeja "Section 60", son argumentos mas que suficientes para considerarlo un excelente álbum de estos rejuvenecidos Kansas.

Camel-Mirage (1974)

A pesar del discreto resultado comercial, que no artístico de su álbum debut, la propuesta musical de Camel fue potenciada en su segundo larga duración publicado un año después. "Mirage" es el reflejo de una banda consolidada que se enfocaría en las atmósferas instrumentales apoyándose en una sólida base de rock y jazz fusión como pilar fundamental. En ese contexto todo este segundo álbum respira unas seductoras y fascinantes melodías, empezando por la inconmensurable "Lady Fantasy", la sólida e impactante "Freefall", la atmosférica y genial "Nimrodel/The Procession/The White Rider" o la instrumental "Earthrise". En todas ellas Camel muestra unas grandes ideas musicales, repletas de inventiva genuina, belleza, agresividad y una ambición lúdica, con grandes interpretaciones armonizadas, impresionantes solos de guitarra y teclados por parte de Andrew Latimer y Peter Bardens y una sección rítmica compuesta por Andy Ward y Doug Ferguson que sostienen fluidamente el repertorio a lo largo de todo el disco. "Mirage" no solo se convirtió en una obra maestra, si no también en el punto de partida para una carrera repleta de grandes obras y de paso para todas y cada una de las bandas progresivas que surgirían en los siguientes años.

Eloy-Dawn (1976)

Una vez acabada la gira posterior al álbum "The Power And The Passion", los alemanes Eloy se desintegrarían casi al completo, permaneciendo solo su líder el guitarrista Frank Bornemann, el cual pronto se pondría manos a la obra para reorganizar una nueva formación. Para ello reclutaría al teclista Detlev Schmidtchen, al bajista Klaus-Peter Matziol y al baterista Jürgen Rosenthal con quienes entraría en los Tonstudio Nedeltschev en Colonia para grabar el próximo esfuerzo discográfico del grupo. "Dawn" seria el titulo de este nuevo álbum, el quinto cronológico del grupo, el cual creativamente superaría al excelente "The Power And The Passion", mostrando una nueva dirección musical mas enfocada en el rock progresivo convencional, abandonando el hard rock espacial de sus anteriores entregas. Aquí las guitarras y los teclados están mas fusionados, los arreglos están cuidadosamente estructurados y desaparecen casi por completo las largas suites y las improvisaciones de antaño. Sin embargo todas las composiciones del álbum son bastante complejas, con unas ideas preconcebidas perfectamente plasmadas en unas pistas impresionantes. La conmovedora "The Sun Song", la majestuosa "The Dance in Doubt and Fear" o la progresiva "The Midnight fight/The Victory of Mental Force", son solo parte de los magistrales lienzos de un álbum admirable y considerado una de las obras maestras del rock progresivo europeo de todos los tiempos.

Genesis-Foxtrot (1972)

Genesis en su cuarta obra alcanzaban su plena madurez fusionando de manera magistral el rock y los sonidos progresivos. Si en el arte, la perfección es ciertamente subjetiva (dependiendo de las formas variadas del artista en cuestión), en el mundo del rock progresivo, Genesis concibieron su perfección con este asombroso álbum. Desde las capas de Mellotrón con la poderosa “Watcher Of The Skies”, hasta la épica suite “Supper´s Ready”, una de las mejores composiciones de la música rock del siglo 20, la banda define de manera perfecta todos los ingredientes que establecen el estilo con un repertorio de magnificas composiciones. La progresiva y dinámica “Get ´Em Out By Friday”, la medieval “Time Table” o la majestuosa “Can-Utility and the Coastliners”, cierran un álbum que es toda una obra esencial para el rock progresivo.

Lynyrd Skynyrd-Nuthin' Fancy (1975)

Con "Nuthin´ Fancy", el tercer álbum de Lynyrd Skynyrd, el grupo sigue conservando la alegoría estilística que presentaron en sus dos anteriores entregas, pero que sin embargo contiene un sonido más compacto que su predecesor, debido al vibrante sonido de sobreproducción que el productor Al Kooper imprime en este trabajo. En otras cuestiones, aquí ya aparece el nuevo baterista Artimus Pyle, un músico que se muestra mucho más poderoso en directo que en el estudio. Por otra parte este también sería el último disco con el guitarrista Ed King, quien después de la publicación del álbum, abandonaría la formación hasta muchos años después cuando regresaría para la grabación del disco "Lynyrd Skynyrd 1991". Pese que aquí no se encuentra ninguno de sus clásicos, como en sus anteriores entregas de la talla de "Free Bird", "Sweet Home Alabama" o "Workin´for MCA", aún contiene grandes momentos como "On The Hunt", "Cheatin´Woman", "Saturday Night Special", "Railroad Song" y "Am I Losin". Posteriormente la banda mostraría un gran malestar por la sobrecargada producción de Al Kooper, un hecho que desembocará en la contratación de un nuevo productor para posteriores grabaciones. Pese a todo ello, “Nuthin' Nancy” fue el primer disco del legendario grupo de Jacksonville, en conseguir un disco de platino y un noveno lugar en las listas del Billboard.

Vanilla Fudge-Near The Beginning (1969)

Vanilla Fudge son hoy en día una banda un poco olvidada fuera de los Estados Unidos, donde son venerados y reconocidos como toda una institución en la cultura musical norteamericana. También fueron considerados uno de los grupos mas poderosos, influyentes e innovadores de los años sesenta. Su cautivadora mezcla progresiva de rock, soul y psicodélica es tan intensa y pesada que incluso hoy en día es difícil de escuchar para los no iniciados en esos sonidos. De hecho bandas icónicas como Uriah Heep, Deep Purple, Led Zeppelin o Yes entre otras muchas, los llegaron a señalar como una importante fuente de inspiración en el inicio de sus carreras. Esta espectacular banda formada por Carmine Appice (batería y voz), Vince Martell (guitarra y voz), Mark Stein (teclados y voz) y Tim Bogert (bajo), fue una de las mas aclamadas y exitosas en la segunda mitad de los sesenta, tanto por sus millones de fans como por la prensa mundial de manera unánime. En 1969 lanzaron su cuarto álbum "Near The Beginning", en donde su estilo esta aún mas impregnado de rock, blues, vanguardismo, soul y ramalazos de gospel, además de las grandes improvisaciones instrumentales que añadían a sus canciones, con pistas cargadas de excelentes guitarras wah wah, un potente órgano Hammond, unas poderosas voces y una contundente y demoledora sección rítmica. Repleto de momentos rítmicos con una esplendida y aplastante dinámica, en este álbum aparecen desde vigorosas versiones de clásicos de Nancy Sinatra y Lee Hazlewood, hasta epopeyas tour de forcé como la apoteósica "Break Song", el punto culminante de uno de los álbumes mas intensos y arrolladores del rock norteamericano de toda su historia.

Lucifer´s Friend-Banquet (1974)

La historia de la banda germana Lucifer´s Friend ha estado marcada por diferentes direcciones musicales, ellos nunca se contentaron con mantenerse dentro de un estilo definido, sino que siempre prefirieron pasar a nuevas experimentaciones con cada álbum posterior. Ellos navegaron brillantemente desde el heavy prog de sus raíces hasta el hard rock, pasando por el jazz rock, aunque siempre bajo una clara perspectiva progresiva. En 1974 la banda lanzaba su cuarta obra titulada "Banquet", en donde se alejan de los sonidos pesados de sus dos primeras obras para adentrase en los terrenos del jazz rock pero sin abandonar definitivamente sus raíces heavy rock. Las composiciones de este álbum siguen siendo poderosas pero con diferente naturaleza, sustituyendo en parte los afilados y oscuros riffs de guitarra por los sonidos del piano eléctrico, los sintetizadores, instrumentos de cuerda y unos grandes arreglos de metales. Aquí las guitarras están mas enfocadas en los solos que en los riffs y el hecho de que el hard rock puro este casi completamente ausente no significa que el tono general del álbum sea menos poderoso. Cortes como "Spanish Galleon" o "Sorrow" son un claro ejemplo de esa orientación hacia los terrenos del jazz rock, mientras que "Thus Spoke Oberon" esta mas cercana hacia el clásico rock progresivo, y en un tono parecido aparece la enérgica y barroca "Dirty Old Town", con la cual daban por finalizado un disco musculoso y contundente, casi tanto como cualquier álbum del mejor hard rock de la época.

Badfinger-Wish You Were Here (1974)

El ultimo gran álbum de Badfinger tuvo de todo menos suerte, y es que pese a contener un repertorio de power pop rock de ensueño, tuvo una serie de contratiempos los cuales mermarían su difusión promocional y terminaría abocado al fracaso mas absoluto. Pero para entender esta historia debemos retroceder hasta finales de 1973, cuando Badfinger abandonaban el sello propiedad de The Beatles, Apple Records para firmar uno nuevo con la poderosa discográfica Warner Bros, con los que publicaron el brillante “Badfinger” (1974), pero que sin embargo en una mala planificación fue lanzado casi al mismo tiempo que el ultimo grabado para la mencionado Apple, “Ass”, lo cual disminuyo  considerablemente su difusión promocional al competir dos trabajos diferentes de una misma banda. Para paliar este fracaso la banda lanzaría nueve meses después este “Wish You Were Here”, el sexto álbum cronológicamente de Badfinger, el cual mostraba la asombrosa facilidad que el grupo tenia en crear atractivas e irresistibles canciones con una instrumentación exquisita como demuestran los cortes “Dennis”, “Just A Chance”, “You´re So Fine”, “Got to Get out of Here”, “Love Time” o “King of the Load”. Sin embargo, en el momento del lanzamiento del álbum, la Warner Bros supo que el manager de Badfinger, Stan Polley, se había apropiado de más de un cuarto de millón de dólares de los adelantos de la banda por razones confusas e ignorando una reclamación formal para devolver el dinero. El contrato de la banda se congeló, lo que significa que toda la actividad promocional del disco se dejaría de lado, abocándolo al ostracismo total y a su fracaso comercial.

Streetwalkers-Red Card (1976)

Una vez disuelto el grupo Family, dos de sus componentes, Roger Chapman y John Whitney, formaron Streetwalkers, una formación que seguía un patrón estilístico parecido a la anterior. Originalmente llamados Chapman Whitney Band, después de firmar con la Reprise Records, dejaron grabado el álbum "Chapman Whitney Streetwalkers", con una formación en la que se encontraban además otros ex miembros de Family como Ric Grech y John Wetton, además de los ex King Crimson, Mel Collins, Ian Wallace y Michael Giles. Después de varios conciertos por Gran Bretaña, el grupo pasa a denominarse Streetwalkers, con la incorporación del baterista Nicko McBrain. "Downtown Flyers" sería el debut de Streetwalkers, un disco que apenas tuvo repercusión en los Estados Unidos, pero no así en Europa donde fue muy bien recibido. Un año más tarde aparecería este "Red Card", el cual alcanzó bastante notoriedad en las listas británicas. Para este álbum la banda se había ampliado con el guitarrista Bobby Tench (ex Jeff Beck) y el bajista Jon Plotel. La recepción de este espléndido segundo álbum les benefició para ser elegidos para diferentes giras junto a Outlaws, Little Feat, la Sensational Alex Harvey Band o The Who por toda Inglaterra. "Red Card" está compuesto por un repertorio de canciones contagiosas orientadas al rock clásico con la rasposa voz de Chapman como aliciente principal. El groove inicial "Run For Cover", la espontánea y desenfadada "Roll Up  Roll Up", la blues groove "Me An' Me Horse An' Me Rum", las magníficas "Shotgun Messiah" y "Decadence Code" o la hipnótica "Crazy Charade", son parte de una de las joyas del mejor rock británico de los 70.

Alan Parsons-The Secret (2019)

Quince años después del último lanzamiento de estudio de Alan Parsons en solitario "A Valid Path", (2004), el músico y productor regresaba junto a una numerosa alineación de colaboradores musicales con un nuevo trabajo titulado "The Secret", un álbum temático basado en el arte de la magia, una de las fascinaciones del artista. Aunque difícilmente es una pieza conceptual de rock progresivo en toda regla, lo que tenemos aquí es una impecable producción de melodías suaves de rock y pop y baladas elegantes con voces de gran refinamiento, armonías relajantes y una gran orquestación, todo en la tradición clásica de los extintos The Alan Parsons Project. Entre la amplia legión de colaboradores destacan el ex-guitarrista de Genesis, Steve Hackett, el ex vocalista de Foreigner, Lou Gramm, el bajista Nathan East, los vocalistas Jason Mraz, Mark Mikel, Todd Cooper, el batería Vinnie Colaiuta o su guitarrista habitual Ian Bairnson. Un álbum que contiene desde momentos pomposos y orquéstales "The Sorcerer's Apprentice" y "One Note Symphony", hasta pegadizas melodías de pop rock "Miracle", "As Lights Fall" o "The Limelight Fades Away", pasando por las brillantes baladas "Soiree Fantastique", "Years Of Glory" y "Fly To Me", sin dejar de lado el eterno sonido a su banda madre con cortes como "Sometimes" y "Requiem". Con todo ello, el mítico productor, arreglista y multiinstrumentista volvía a demostrar el porque es uno de los grandes genios musicales de los últimos 50 años, dejando para la posteridad un extraordinario álbum de rutilantes temas de pop rock adictivos y pegadizos soberbiamente producido con sus habituales ingredientes orquestales.

Celine Dion-Let´s Talk About Love (1997)

La carrera de esta famosa cantante canadiense, está marcada por sus primeros años en donde publicó ocho álbumes en su idioma nativo francés. Seria a partir de 1990 con su disco "Unison", cuando su carrera se vería tremendamente impulsada gracias a su increíble voz y sus elegantes canciones, la mayoría de corte pop romántico. Siete años más tarde y después estar plenamente consolidada como una súper estrella, lanzó su décimo quinto álbum "Let's Talk About Love", con el que lograría su mayor hazaña en el plano comercial, con más de treinta millones de discos vendidos, así como un premio Grammy y otros numerosos premios alrededor del mundo. Para este álbum el productor David Foster, además de otros co productores como Jim Steinman, reclamaron la ayuda de grandes artistas como los Bee Gees, Corey Hart, Luciano Pavarotti, Carole King, George Martin, Michael Landau, Robbie Mcintosh o Barbra Streisand, entre un centenar de invitados y colaboradores más. "Let’s Talk About Love" es un álbum fundamental en la trayectoria de Céline Dion, el cual la elevó al olimpo de las artistas femeninas más exitosas de todos los tiempos. La cantante canadiense ofreció en este álbum algunas de sus baladas más icónicas y representativas como la archiconocida "My Heart Will Go On", o las hermosas "Immortality", "The Him" o "I Hate You Then I Love You".

Manfred Mann´s Earth Band-The Roaring Silence (1976)

Impulsados por un single de gran éxito con su interpretación del tema "Blinded by the light" de Bruce Springsteen,  Manfred Mann´s Earth Band produjeron a mediados de los setenta uno de sus mejores álbumes con este “The Roaring Silence”. Sin embargo llegados a este punto el vocalista y guitarrista Mick Rogers habia dejado la banda después del lanzamiento del anterior y épico “Nightingales & Bombers', una decisión mutua, resultado de su casi obsesión por el interés en la música de  Frank Zappa y su deseo de llevar a la banda en una dirección avant rock jazz. En sustitución de Rogers, la banda se expandió a un quinteto reclutando al vocalista Chris Thompson y el guitarrista Dave Flett. El resto seguía formado por los músicos que habían dejado para la posteridad álbumes tan mediáticos como los sobresalientes “Messin´” (1973), “Solar Fire” (1973), “The Good Earth” (1974) o el mencionado “Nightingales & Bombers” (1975). Ellos eran Manfred Mann (teclados), Chris Slade (batería) y Colin Pattenden (bajo), además en el proceso de grabación intervinieron una docena de músicos mas como la saxofonista Barbara Thompson o un nutrido grupo de coristas y voces entre las que se encontraban Chris Hamlet Thompson, Irene Chanter, Suzanne Lynch o Mick Rogers. La versión de "Blinded by the Light" da inicio al álbum con un magnífico solo de teclado de Manfred Mann. Si bien la canción claramente tiene una base de pop rock, se diferencia totalmente de la versión original con una larga sección central que fortalece las credenciales progresivas del grupo y se convirtió en todo un verdadero éxito vanguardista. A esta le siguen "Singing the Dolphin Through", un fino corte de rock progresivo melódico, y la atmosférica y caótica "Waiter There's A Yawn in My Ear”, mientras que en la cara B del álbum aparecen "Road to Babylon" y "This Side of Paradise", dos piezas de pausado ritmo progresivo, con melodías fuertes y un complejo trabajo instrumental. El álbum se cierra con la simple pero hermosa "Questions" en donde la voz distintiva de Chris Thomson muestra sus credenciales como soberbio vocalista. Varios discos de oro y plata fueron el resultado de la recepción posterior del álbum, obteniendo un gran éxito en el mercado norteamericano.

Various Artists-Imprescindibles de la New Age (I)

Tim Story-Beguiled (1991) Sin duda alguna estamos ante las músicas más refinadas y elegantes que ha salido de las manos de este artista sutil, irónico y sensible. Sus teclados y guitarra, crean lienzos hermosos, llenos de fuerza apacible y de grandeza épica. 

Deuter-Ecstasy (1979) Grabado en la India, este músico germano nos deleita con siete hermosas piezas adornadas con ambientes orientales y meditativos, interpretadas con instrumentos acústicos y electrónicos. 

Reed Maidenberg-Unexpected Beauty (1986) Este artista utilizando guitarras, sintetizadores y percusión, nos deja un álbum repleto de sensaciones musicales muy evocadoras que nos transportan a sentidos viajes interiores. 

Loreena McKennitt-Elemental (1985) Cantante canadiense, que hace una música tierna, intensa, delicada y seductora, entretejiendo con su voz de influencias celtas, con arpa, violín, violonchelo, percusiones, gaitas y teclados, un sonido único. 

Planxty-World and Music (1983) Planxty son una de las formaciones fundamentales en el resurgimiento de la música tradicional irlandesa. En este trabajo el grupo presenta desde temas propios hasta piezas tradicionales celtas. 

Paul Winter-Earth; Voices of a Planet (1990) En este trabajo el saxofonista norteamericano, no conduce por un hermoso recorrido por muchos ambientes y sonoridades. Desde la música de los Apalaches y los bosques de América, hasta la fauna tropical y oceánica, pasando por tierras australianas y europeas.

Deep Purple-Slaves and Masters (1990)

Deep Purple entraría en la década de los noventa publicando su décimo tercer álbum titulado "Slaves and Masters", el cual tiene la distinción de ser el único lanzado por la formación Mark V, a pesar que esta estaría activa desde 1989 hasta 1992. Esta formación estaba compuesta por los habituales Ritchie Blackmore, Jon Lord, Ian Paice y Roger Glover, además de un nuevo cantante, Joe Lynn Turner el cual sustituía al despedido (por enésima vez) Ian Gillan. También para muchos de sus fans, este es uno de sus álbumes mas desiguales, al sonar más AOR que todo lo que habían hecho hasta esos momentos. Sin duda ello es debido a que la voz de Turner definitivamente no tiene el poder ni la emoción que a menudo estaban presentes en Gillan, pero sin embargo su tono es mucho mas amigable y pegadizo, por lo que muchos consideraron que tuvo mucha influencia en la orientación musical de este nuevo álbum, derivado hacia un estilo mas cercano al rock melódico que al puro hard rock, algo que ya había hecho años atrás con los Rainbow de Ritchie Blackmore. Aún así el álbum presenta una serie de brillantes cortes como las trepidantes "The Cut Runs Deep", "Wicked Ways" y "Fire In The Basement", la magnifica hard rock "King of Dreams", los medios tiempos adictivos "Too Much Is Not Enough"y "Breakfast in Bed", la añeja "Fortuneteller", el único corte junto "Truth Hurts" en donde se vislumbran atisbos de la época dorada de la banda, o la emotiva “Love Conquest All”. Sin llegar a las cifras de sus mas inmediatos predecesores, el álbum lograría unas buenas posiciones en las listas de éxitos de muchos países y varios discos de oro por sus ventas.

Refugee-Refugee (1974)

A principios de los 70, Keith Emerson abandonaba The Nice para formar el primer súper grupo del rock progresivo, los míticos Emerson Lake and Palmer, este hecho prácticamente abocaba a la desaparición de los mencionados The Nice, que sin embargo lograron seguir adelante durante algunos años publicando varios álbumes que consistían básicamente en material que habían compuesto en años anteriores. En 1973 dos de sus componentes Lee Jackson y Brian Davidson quisieron reformar la banda, reclutando a un nuevo teclista, puesto que recaería en el suizo Patrick Moraz que provenía de una banda llamada Mainhorse. Este teclista virtuoso, lejos de intentar emular la pirotécnica instrumental y los sonidos post románticos de Keith Emerson, se mostró como un teclista virtuoso, con unos recursos mas versátiles y orientado hacia un estilo mas barroco y sinfónico clásico. Este nuevo proyecto llamado Refugee, publicaron su álbum debut y a la postre su único trabajo en 1974, el cual mostraba un solidó rock progresivo en donde las composiciones y la instrumentación son sencillamente brillantes, conducida por los teclados de Moraz y secundada por la vigorosidad del bajo de Lee Jackson y de la batería de Brian Davison. Desde el corte que abre el álbum, "Papillon" toda una muestra asombrosa de las habilidades de Patrick Moraz, hasta las epopeyas "The Source" y “Credo”, conforman un sobresaliente trabajo que en nada tiene que envidiar a las obras maestras de ELP. Sin embargo un año después se repetiría la misma historia, esta vez fue Patrick Moraz quien abandonaba la banda para acudir a la llamada del grupo Yes en sustitución de Rick Wakeman, dando así por acabada la aventura de esta efímera y formidable banda de rock progresivo.

Barry White-Can´t Get Enough (1974)

Barry White fue un genio indiscutible del soul romántico. Su voz cavernosa y profunda, sus arreglos orquestales repletos de funk, soul y rhythm and blues, son un referente y su música sigue siendo atemporal y admirada aún hoy en día por millones de personas alrededor del mundo. Este cantante, compositor y arreglista, supo desarrollar una música que estaba adornada de lujosas armonías instrumentales y unas sensuales y irresistibles melodías. Nacido en 1944, creció en uno de los barrios mas desfavorecidos de Los Ángeles, y de joven se vio envuelto en serios problemas con la ley. Con el paso del tiempo, Barry White se dedicaría a aprender a tocar el piano de manera autodidacta, escuchando música clásica y practicando muchas horas al día. Algunos años mas tarde comenzaría a tocar como músico de sesión en la emergente escena musical de su ciudad. Durante esos años comenzaría a trabajar como compositor y arreglista en varios estudios de grabación, algo que seria vital para su posterior carrera en solitario. En los años 70. White formaría su propia banda llamada Love Unlimited Orchestra, con la que fue lanzando discos que estaban influenciados de música soul y funk con unos refinados arreglos de música clásica. Su debut discográfico llegaría en 1973 con el álbum “I've Got So Much to Give”, en donde aparecía su primer gran éxito “I'm Gonna Love You Just a Little More Baby”. Su profunda voz, junto con sus románticas letras, pronto lo auparon entre los artistas más solicitados en las emisoras de radio de medio mundo. Durante el resto de los años 70, seguirá publicando una docena de álbumes exitosos como "Stone Gon", "Can't Get Enough" o "Just Another Way to Say I Love You", los cuales contenían exitosas canciones como "Just the Way You Are", "It's Ecstasy When You Lay Down Next to Me", "You're the First, the Last, My Everything" o la famosa "Can't Get Enough of Your Love, Babe". Pese que a partir de los años 80 su fama fue decreciendo paulatinamente, siguió manteniendo su enorme popularidad y su gran talento publicando asiduamente álbumes que fueron bien recibidos entre el público, como por ejemplo su álbum lanzado en 1994 "The Icon Is Love", con el que volvió a disfrutar de las mieles del éxito. Durante todos esos años, Barry White obtendría numerosos discos de oro y platino y varios premios Grammy, y actualmente es considerado uno de los mayores influyentes de gran infinidad de artistas actuales del R&B, el soul y el funk. 

Demian-Demian (1971)

Originarios de Texas, Demian fue una efímera banda que en sus comienzos se denominaban Bubble Puppy y que bajo ese nombre lanzó un estupendo álbum orientado al rock psicodélico a finales de 1969. Liderados por los guitarristas Rod Prince y Todd Potter, el resto estaba formado por el bajista y voz Roy Cox y el batería David Fore. Después de este primer álbum, la banda se traslada a California y cambian su nombre por el de Demian, evitando así posibles problemas con su anterior discográfica. En tierras californianas la banda endurece su sonido, reforzando sus líneas de guitarras hacia un estilo hard rock. Varios años mas tarde logran un contrato con una nueva discográfica y publican el álbum homónimo en donde abundan los sonidos de las dobles guitarras melódicas que los emparientan de alguna manera con sus coetáneos Mountain, Steamhammer o Wishbone Ash. Este primer y único álbum de Demian es una excelente muestra del hard rock y blues rock de principios de los setenta con elementos de heavy pysch, con una robusta producción sobresalen cortes como las enérgicas "Face The Crowd", "Windy City", "Todd´s Tune" y "Only A Loner", la folk rock "Love People", la bluesy "Coming", o las psicodélicas "No More Tenderness" y "There You Go With My Baby".

Golden Earring-Switch (1975)

El décimo disco de los holandeses Golden Earring tuvo la difícil papeleta de suceder al anterior y exitoso "Moontan", en el cual sobresalía todo un clásico atemporal de la música rock como es el inmortal "Radar Love". Sin embargo la banda liderada por el guitarrista George Kooymans no intentaron repetir los mismos clichés musicales de aquel álbum, derivando su hard rock progresivo hacia derroteros más diversos musicalmente. Aquí Golden Earring se muestran melódicos y pegadizos, con un repertorio mas mainstream y accesible pero no exento de enorme calidad, aunque sin llegar a las complejidades instrumentales de sus trabajos anteriores. Todo ello queda demostrado en una serie de temas adictivos como la rock funky "Love Is A Rodeo", la alegre "Tons Of Time", la atmosférica "Intro: Plus Minus Absurdio", la hard rock "Troubles and Hassles", la hipnótica "The Lonesome D.J." o la enérgica "Kill Me (Ce Soir)". Pese al varapalo que supuso su fracaso comercial comparado con "Moontan", este álbum lograría unas ventas más que aceptables en el mercado europeo y norteamericano y un numero uno absoluto en su país de origen.

Fireballet-Night On Bald Mountain (1975)

Otra de esas bandas olvidadas en el túnel del tiempo son los norteamericanos Fireballet, los cuales publicaron dos excelentes álbumes enfocados al rock progresivo a mediados la década de los setenta. Originarios de Jersey esta formación contaba con Jim Como (voz principal, batería y percusión), Bryan Howe (teclados), Ryche Chlanda (guitarra y voces), Frak Petto (teclados y voces) y Martyn Biling (bajo). En 1975 lanzaron su debut "Night On Bald Mountain" en donde muestran una propuesta muy cercana al rock sinfónico británico de los 70, muy emparentado con lo que hacían Yes, Genesis o VDGG, pero sin dejar de lado las influencias del rock americano. El excelente trabajo de la dualidad de los teclados, junto a unos precisos riffs de guitarra y la complejidad instrumental, son secundadas por unas ricas armonías vocales. La suite épica de veinte minutos "Night On Bald Mountain" se convierte en el punto culminante del álbum, una pieza elegante y ambiciosa que en cierta medida oscurece al resto de cortes y que sin embargo mantienen un nivel muy alto con instrumentaciones muy dinámicas y de gran complejidad musical.

Wobbler-From Silence to Somewhere (2017)

Influenciados por los entramados sónicos de Gentle Giant, el vanguardismo de King Crimson y el sonido barroco de los Genesis más pastorales, la formación noruega Wobbler es otra de las abanderadas del llamado rock progresivo moderno. Fundada a finales del siglo 20 en la localidad de Hønefoss, su mentor y líder es el teclista Lars Fredrik Frøislie, que junto a Kristian Karl Hultgren (bajo), Martin Nordrum Kneppen (batería), Morten Andreas Eriksen (guitarras) y Tony Johannessen (cantante), publicaron su primer esfuerzo discográfico bien entrado los años 2000 con el prometedor "Hinterland" (2005). Después de varios lanzamientos mas en donde fueron evolucionando y afianzando su rico y original estilo, publicaron su obra cumbre con "From Silence to Somewhere" en el 2017. Sin embargo llegados a este punto la formación había sufrido diferentes cambios de integrantes, aquí ya no aparecen ni el guitarrista Morten Eriksen ni el cantante Tony Johannessen, en su lugar están presentes el multiinstrumentista Andreas Wettergreen Strømman y el guitarrista Marius Halleland. Tras 18 años de carrera Wobbler ya estaba considerada una de las mejores y veteranas bandas de la escena progresiva europea y como tal con este lanzamiento demuestran perfectamente ese reconocimiento facturando un trabajo que fusiona sabiamente el folk noruego con los sonidos medievales, la psicodelia y el rock sinfónico. Desde su primer corte "From Silence to Somewhere", un brillante recorrido por sus diversas influencias de raíces, de enorme dinamismo instrumental, hasta la extensa "Foxlight", en donde muestran diferentes estados de ánimo que van desde ruidosos y grandilocuentes compases hasta secciones acústicas de ensueño, pasando por la estridente "Fermented Hours", Wobbler lograron crear otras de las obras cumbres del rock progresivo moderno del siglo 21.

After Tea-After Tea (1970)

Formada en la segunda mitad de los sesenta, After Tea fueron una agrupación holandesa que en un principio se denominaban Tee Set, con la cual tuvieron cierto éxito con diferentes singles como “Early In The Morning”, “Believe What I Say” o “Don´t You Leave” y los álbumes “Emotion” y “Join the Tea Set”, todos ellos lanzados entre 1966 y 1968. La primera formación de Tee Set estaba compuesta por el bajista Polle Eduard, el teclista Hans Van Eyck, el batería Carry Janssen y el guitarrista Ray Fenwick. A lo largo de sus primeros años esta banda tuvo un continuo trasiego de componentes entre los que aparecen el que fuera algún tiempo mas tarde batería de los míticos Focus, Pierre Van Der Linde. Sin embargo en 1969 la banda se establece definitivamente como After Tea con unos nuevos músicos, conformándola el guitarrista Ferry Lever, además del batería Ilja Gort y el teclista Ulli Grün, mientras que Polle Eduard permanecía como el único superviviente de los extintos Tee Set. Con esta remodelada formación lanzaron el homónimo “After Tea” (1970), en donde se alejan de los sonidos psicodélicos de su propuesta inicial para adentrarse en los terrenos del blues rock como queda demostrado en los soberbios cortes "Joint House Blues", "Let´s Come All Together", "You´ve Got to Move Me" y el tour de force "Trial/Punishment/The End". Por otro lado y dejando constancia de su reciente pasado psicodélico aparecen  "Someday" y "I´m Here", piezas que enriquecen la paleta musical de esta olvidada banda y una de las joyas oscuras del blues rock europeo.

Etna-Etna (1975)

Etna fueron una interesante banda italiana que tuvo tras de si una curiosa carrera reflejada en tres discos firmados bajo diferentes nombres. Formada a principios de los 70 en Sicilia por los hermanos Agostino y Antonio Marangolo, batería y teclados respectivamente, el guitarrista Carlo Pennisi y el bajista Elio Volpini. A principios de 1971 se trasladan a Roma, estableciendo en esa ciudad su centro de operaciones y publicando varios álbumes enfocados al hard rock progresivo firmados bajo el nombre de Flea On The Honey. Después de varios cambios de formación, la banda se disuelve durante algún tiempo hasta 1975 cuando los miembros originales se reunieron y bajo el nombre de Etna lanzaron su único álbum homónimo. En esta nueva entrega la banda se enfoca hacia los sonidos del jazz rock melódico, logrando crear un soberbio álbum de jazz rock fusión instrumental liderado por la guitarra y los teclados. Ecos al estilo de bandas icónicas como la Mahavishnu Orchestra, Weather Report y Nucleus, aderezados con influencias del sonido Canterbury, conformaron uno de los mas apreciados discos del jazz rock trasalpino y europeo.

Kossoff Kirke Tetsu Rabbit-Kossoff Kirke Tetsu Rabbit (1972)

Casi a finales de 1971, Free, una de las mas grandes bandas británicas de todos los tiempos, sucumbía en medio de las disputas internas y la adicción a las drogas, esto ultimo debido principalmente al guitarrista Paul Kossoff. Aunque en un principio esta separación fue por un breve periodo de tiempo, sus componentes pronto comenzaron proyectos paralelos o en solitario, por un lado el vocalista Paul Rodgers formaría la banda Peace, el bajista Andy Fraser por su parte otra formación denominada Toby y los restantes Paul Kossoff y Simon Kirke se unirían al bajista Tetsu Yamauchi y al teclista John “Rabbit” Bundrick, todas ellas con un denominador común, el corto recorrido que tuvieron. Este ultimo proyecto trajo consigo la grabación de un solo álbum titulado “Kossoff Kirke Tetsu Rabbit”, en el cual los cuatro músicos dejaron un sobresaliente álbum del mejor blues rock pesado británico de la década, que en cierta medida seguía una onda parecida a la de Free. Cortes de pesado rock como “Just For the Box” o “Blue Grass”, se alternan con temas mas pegadizos como “Sammy´s Alright” y “Anna”, acercamientos al funk rock “Fool´s Life” o enérgicos blues rock como "Dying Fire", "Hold On" y "I'm On the Run". Poco después de este lanzamiento, Free volverían a reformarse, publicando los aceptables "Free At Last" (1972) y "Heartbreaker" (1973), con los cuales daban por finalizado su periplo y la historia de la banda, y de sus cenizas surgiría otra de las míticas formaciones del hard rock de los setenta como fueron los incombustibles Bad Company.

Tears For Fears-Songs From The Big Chair (1985)

Formados bajo la batuta de dos de los mejores músicos de la escena new wave, del pop progresivo y del synth pop de los ochenta, Tears For Fears habían obtenido un fulgurante éxito con su álbum debut "The Hurting" lanzado en 1983. Este dúo compuesto por Roland Orzabal y Curt Smith, habían debutado con un disco repleto de alusiones controvertidas como los traumas infantiles, el trato de los padres opresivos o los problemas emocionales de los adolescentes. Un disco en donde sobresalen canciones como la pegadiza "Mad World". Pero en su siguiente larga duración, el dúo mostraría una faceta más madura y reflexiva con piezas refinadas como la conmovedora "Head Over Heels" o las tremendamente contagiosas "Every Wants To Rule The World" y "Shout", dos de las canciones más famosas de la década de los ochenta. Otras canciones como la compleja "The Working Hour", la oscura "Broken" o la nostálgica "Listen", consolidaron a Tears For Fears como una de las formaciones más eclécticas y talentosas de la década de los ochenta. Con su recepción comercial posterior, este álbum llegaría alcanzar un segundo puesto en el Reino Unido y un número uno en los Estados Unidos, convirtiéndose en disco multiplatino con más de diez millones de copias vendidas a nivel mundial.

Van Der Graaf Generator-The Quiet Zone/The Pleasure Dome (1977)

El abandono del órgano atemporal de Hugo Banton y el menor peso especifico del saxo de David Jackson, llevaron a un cambio profundo en las estructuras musicales de Van Der Graaf Generator. Ello obligaría a su líder Peter Hammill a reconvertir su original propuesta musical para el octavo álbum de la banda “The Quiet Zone/The Pleasure Dome” publicado en 1977 y que a la postre seria el epilogo de VDGG hasta 28 años después cuando volvieron para el álbum “Present”. Abandonando las oscuras y largas composiciones y el enorme y caótico entresijo musical de las anteriores obras, aquí la banda se esfuerza por piezas mas cortas pero no por ello exentas de enorme complejidad. La batería de Guy Evans son junto al bajo de Nic Potter, el hilo conductor de un álbum que junto a la fugaz aparición de Jackson y el febril violín de Graham Smith, se nos antoja como el trabajo menos convencional y épico de toda su discografía publicada en la década de los 70. Cortes como la incierta “Lizard Play” o la resistente “The Habit of The Broken Heart” ofrecen desarrollos poco desafiantes, mientras que la floydiana “The Siren Song” o la hipnótica “The Last Frame”, se afianzan como lo mas destacado de este álbum. Sin embargo aún encontramos atisbos del pasado con la trepidante “Cat´s Eye”/ Yellow Fever (Running)”, la psicodélica “Chemical World” o las intensas “The Sphinix in the Face” y su colofón “The Sphinix Returns”.

Gilgamesh-Another Fine Tune You've Got Me Into (1978)

Gilgamesh fue una de las principales bandas del llamado sonido Canterbury que sin embargo nunca tuvieron la fama ni el reconocimiento de otras coetáneas como Soft Machine, Hatfield and The North, National Health o Caravan. Fundada a principios de los 70 por el extraordinario teclista y compositor Alan Gowen, su estilo estaba orientado hacia el jazz rock y el fusión jazz ligero que brillantemente ejecutado lo mostrarían a través de una serie de álbumes exuberantes. Su primer álbum no llegaría hasta casi finales de 1975 con el homónimo “Gilgamesh”, el cual logro llamar la atención del publico en general y de los críticos especializados de la prensa de Inglaterra y Europa. Tres años después y con la inclusión del veterano bajista de Soft Machine Hugh Hopper, quien sustituía al anterior Jeff Clyne, lanzaron su segundo y ultimo trabajo “Another Fine Tune You´ve Got me Into”. La formación además de Hopper y Gowen la cerraban el batería Trevor Tomkins y el guitarrista Phil Lee. Con este segundo trabajo la banda cerraba el circulo a su magnifico estilo jazzistico, desde las ligeras y dinámicas "Darker Brighter", "Play Time" y "T.N.T.F.X." hasta la épica y emotiva "Bobberty- Theme from Something Else", pasando por la belleza acústica de "Waiting", en definitiva un gran álbum hecho por unos talentosos músicos británicos. Desgraciadamente varios años después, Alan Gowen fallecería de leucemia, dando así por concluida la prometedora aventura de Gilgamesh.

The Walker Brothers-No Regrets (1975)

A pesar de ser americanos, la fama de los Walker Brothers comenzaría en Inglaterra a mediados los años 60. Todo comenzó en 1965 con el éxito de su primer single "Make It Easy On Yourself", una canción compuesta por Burt Bacharach unos años antes. La voces de los Walker Brothers se convirtieron durante esos años en clásicas dentro del pop de los 60, con un estilo que se fundamentaba en la perfecta calidad y las armonías vocales de los tres miembros del grupo. Ellos eran Scott Engel (Scott Walker), voz y bajo, John Maus (John Walker), voz y guitarra y Gary Leeds (Gary Walker), batería y voz. Sus inicios se remontan a varios años antes cuando después de diferentes experiencias decidieron mudarse desde California a Inglaterra. Allí además del single "Make It Easy On Yourself", triunfan con otras canciones como "My Ship Is Coming In", igualmente su primer álbum "Take It Easy" los aupa triunfalmente, desembocando en un auténtico boom Walker Brothers. Su más histórica canción "The Sun Ain´t Gonna Shine Anymore" y sus siguientes singles les colocan a la misma altura a nivel comercial, que los mismísimos The Beatles durante varios años. Esos singles son "Baby You Don't Have to tell me", "Another Tear Falls", "Deadlier than the Male", "Stay with Me Baby" y "Walking in The Rain". Sin embargo tamaña vorágine de éxitos no impide que el grupo se separe después de su tercer álbum "Images" lanzado en 1967. Posteriormente ninguno de los tres miembros obtendría el éxito por separado que habían obtenido mientras estuvieron juntos. En 1975 decidieron reunirse de nuevo para grabar el brillante "No Regrets", pero tras el, no vuelve a ver continuidad, quedando inmortalizados como grupo fundamental de los años 60, gracias a su enorme calidad y su perfecta conjunción vocal.

Toad-Tomorrow Blue (1972)

“Tomorrow Blue” fue el segundo álbum de los suizos Toad, una soberbia y acertada mezcla de hard rock, blues rock, y rock progresivo. Liderados por el genial guitarrista Vic Vergeat, y secundado por el bajista Werner Fronlich y el batería Cosimo Lampis, esta popular banda suiza, en esta nueva entrega se aleja de la psicodélica y el proto rock de su álbum debut para adentrarse en los sonidos progresivos e incluyendo elementos del blues rock mas enérgico. Un álbum que esta repleto de sonidos de guitarras afiladas y abrasadoras, una línea de bajo preciso y tremendamente complejo y una batería poderosa, demostrado en cortes como la abrasadora “Vampires”, la épica “Change In Time”, las heavy rock “Thoughts”, “Tomorrow Blue” y “No Need”, o la folk progresiva “Blind Champan´s Tale”.

Neuschwanstein-Alice in Wonderland (1976)

Neuschwanstein fue una banda de rock progresivo alemana formada a principios de los años 70, en la ciudad de Volklingen en Saarbrücken, su nombre proviene del famoso castillo del mismo nombre mandado a construir por el rey Luís II de Baviera en honor a Richard Wagner. En sus primeros años esta banda liderada por Thomas Neuroth y Klaus Mayer se dedicaron a realizar versiones de clásicos del rock progresivo como Rick Wakeman, Yes o King Crimson. Ya en 1974 la banda empezaría a tener cierta relevancia en su país natal, abriendo conciertos para otras bandas del rock alemán como Lucifer´s Friends o Novalis. Dos años después grabarían su primer álbum, este "Alice In Wonderland", un disco conceptual e instrumental con interludios narrados. La formación que grabaría este álbum la comprendían además de los citados Neuroth y Mayer (ambos sintetizadores, teclados y flauta), el batería Hans-Peter Schwarz, el bajista Rainer Zimmer y el guitarrista y narrador Roger Weiler. Ecos a Camel, Rick Wakeman o Genesis, se entremezclan con grandes pasajes atmosféricos, música sinfónica y unas melodías de ensueño que nos dejan un álbum con un trasfondo clásico cuidadosa y brillantemente ejecutado.

Sirius-Rising (1979)

Sirius fue una banda tejana que surgiría de las cenizas de los grupos locales Demian y Bubble Puppy. Ambas bandas estaban lideradas por los guitarristas Rod Prince y Todd Potter, que junto al bajista George Rarey y al batería Mark Evans firmaron con el sello independiente Elcric Flor y lanzaron en 1979 el álbum “Rising” en donde los sonidos cercanos al AOR y al country rock marcaron un meritorio trabajo que pese a su enorme calidad pasaría, como le ocurriera a otros cientos de álbumes de otras tantas bandas, totalmente desapercibido en su momento. Cortes como “Runaway Bay”, “Girl You Take Me Higher”, “No idea”, “Girl Like You” o “Lilany”, demuestran esa orientación melódica muy adictiva, complementada con unos grandes fraseos de guitarra, todo ello bajo una producción exquisita para venir de una productora local de bajo presupuesto.

Diana Krall-Wallflower (2015)

Para su duodécimo álbum de estudio, la pianista y cantante de jazz Diana Krall, presentó un repertorio compuesto por algunos standards del pop y el rock de las últimas cuatro décadas, todos ellos clásicos contemporáneos que la inspiraron en sus inicios. Producido por David Foster, un ganador nato con más de 15 premios Grammy a sus espaldas, el álbum consta además de la colaboración de grandes leyendas del folk, el rock o el jazz como Graham Nash, Stephen Stills, Christian McBride, Michael Thompson, Nathan East, Michael Bublé, Timothy B. Schmit, Georgie Fame, Bryan Adams, Steve Jordan o Jim Keltner entre otros muchos más. Para la confección del álbum, Diana Krall eligió minuciosamente cada canción que incluye verdaderos clásicos como "California Dreamin" de The Mamas and The Papas, "Desperado" y "I Can´t Tell You Why" de The Eagles, "Sorry Seems To Be The Hardest Word" de Elton John, "Alone Again (Naturally)" de Gilbert O´Sullivan, "Wallflower" de Bob Dylan o "I´m Not In Love" de 10CC. En todos ellos Diana Krall muestra su tremendo talento vocal, cantando expresivamente con gran belleza. Con este álbum Diana Krall dejó por sentado que su talento artístico va más allá de cualquier estilo musical, lo que la ha convertido en una de las artistas más importantes y trascendentales de las últimas décadas.

Taï Phong-Taï Phong (1975)

Taï Phong fueron una peculiar banda francesa nacida a principios de los 70 que fue fundada por los hermanos de procedencia vietnamita, Khanh Mai (voz y guitarra) y Tai Sihn (bajo, guitarra y voz). En sus primeros años su formación la cerraban con un percusionista norteamericano y un teclista alemán, pero estos apenas tendrían recorrido junto a la banda. Algún tiempo mas tarde pasarían a engrosar los franceses Jean-Alain Gardet (teclados), Jean-Jacques Goldman (guitarra, violín y voz) y Stephan Caussarieu (batería y percusión). Con esta formación lograrían un contrato con el sello Warner y grabarían su álbum debut en 1975. Desde la fabulosa obra de arte asiática de su portada, hasta la brillante producción, pasando por una impresionante musicalidad y unas excelentes melodías, Tai Phong combina una mezcla embriagadora de cualidades musicales que hacen de este álbum una pequeña obra maestra del rock progresivo. Elegantes teclados muy atmosféricos, densos y potentes, guitarras afiladas hard rock, y una sección rítmica compleja y dinámica dan como resultado uno de los álbumes mas respetados del rock francés de toda su historia. Cortes puramente progresivos como la epopeya "Out Of The Night", se entremezclan con otras de claras desviaciones rock "Going Away" y "Crest", o relajados números de space rock ambiental como "For Years & Years" o "Fields of God". Un año mas tarde lanzarían el continuista “Windows”, con el que volvían a producir otro exquisito trabajo de rock progresivo melódico, aunque con connotaciones aún mas cercanos al estilo de bandas como Pink Floyd o la BJH. Durante las siguientes décadas han seguido lanzando trabajos de menor envergadura pero que sin embargo les han mantenido como una de las bandas francesas de culto por excelencia.