Various Artists-Imprescindibles de la New Age (IV)

Various Artists-Polar Shift (1991) Con este recopilatorio el sello Private quiso centrar la atención del mundo en la necesidad de proteger el delicado ecosistema de la Antártida. Musicalmente aquí nos encontramos con magníficas piezas de compositores y músicos de gran renombre como Yanni, el guitarrista de Yes, Steve Howe, Enya, Kitaro, Suzanne Ciani, Vangelis, Chris Spheeris o Paul Voudouris. Sin duda una música para ver el sol de medianoche y para observar las luces de la aurora polar. 

Mannheim Steamroller-Fresh Aire 7 (1990) El séptimo trabajo de los norteamericanos Mannheim Steamroller, está relacionado con el número 7, una increíble grabación con espléndidas piezas dedicadas a los siete mares, los siete colores del arco iris, las siete estrellas de la Osa Mayor o los siete chakras del cuerpo humano. 

Craig Chaquico-Acoustic Highway (1993) El primer álbum del guitarrista de Jefferson Starship, es toda una declaración de intenciones sobre su manera de ver el smooth jazz instrumental y los sonidos ambientales impulsados por su extraordinario talento con las seis cuerdas. 

Blonker-The Tree Of Life (1993) El exquisito estilo de este guitarrista alemán ha dejado tras de si grandes discos de jazz rock y elegantes lienzos orientados a la música más ambiental con influencias swing como este que aquí nos ocupa. 

Varios Artistas-Musica Sin Fronteras Vol.1 (1991) Estamos ante uno de los mas aclamados recopilatorios de la música new age de los años noventa. Una selecta selección de piezas de artistas como Wim Mertens, Lito Vitale, Michael Nyman, Philip Glass, Vangelis o The Bulgarian Voices Angelite. 

Wim Mertens-Educes Me (1988) Uno de los artistas icónicos de llamado minimalismo, nos deja una de sus obras más emblemáticas con piezas como "No Plans, no projects", sin duda una de las obras cumbres del generó.

Roy Buchanan-You´re Not Alone (1978)

A finales de los setenta Roy Buchanan estaba tratando de buscar un enfoque que equilibrara sus raíces blues con un plus más comercial. Por aquella época el guitarrista originario de Arkansas estaba siendo inspirado por la fascinación con todo lo relacionado con el espacio, aprovechando la repentina atracción que recorría todo el país con todo lo relacionado con el tema. En 1978 llegaría su séptimo álbum en el cual desde la icónica portada dejaba entrever todo lo antes mencionado, además de contener una serie de cortes atmosféricos y espaciales más cercano al rock progresivo que a su habitual blues rock. Desafortunadamente el público no supo ver el esfuerzo del guitarrista al ampliar sus horizontes musicales y pese a la creatividad de esta nueva entrega, supuso un paso atrás en su carrera. Sin embargo el refinamiento y la complejidad instrumental mostrada aquí si obtuvo alabanzas por parte de los críticos de la época, los cuales si mostraron cierto entusiasmo calificándolos como álbum de enorme calidad. Cortes como las versiones de Joe Walsh “Turn To Stone” y la de Neil Young “Down By The River”, interpretadas con el sello característico de Buchanan más el plus de los temas atmosféricos con sintetizadores, le dieron mucha credibilidad y cohesión a este trabajo. Esa combinación de la guitarra de Buchanan con los sintetizadores y efectos de sonido están presentes en la inicial “The Opening…Miles from Earth”, y en las siguientes “Fly…Night Bird” y “You´re Not Alone”, mientras que “Supernova” o “1841 Schuffle”, muestran el clásico sonido de su particular estilo blues tan reconocido en el mundo del rock.

 

Various Artists-Imprescindibles de la New Age (III)

Various Artists-Sunday Morning Coffe (1991) Compilación diseñada por Chip Davies, líder del grupo Mannheim Steamroller, en el cual intenta recrear una serie de piezas del sello American Gramophone relacionadas para ser escuchadas en unas determinadas horas del día. Esta entrega se enfoca principalmente en el sosiego de un domingo cualquiera por la mañana, degustando con tranquilidad un buen café. 

Bill Oskay & Michael O Domhnaill-Nightnoise (1984) La inicial colaboración del violinista norteamericano y el guitarrista irlandés, fue la base determinante para que posteriormente se creará el mítico grupo Nightnoise.  

Mickey Hart-At The Edge (1990) Aparte de su trabajo con los psicodélicos Grateful Dead, Mickey Hart también se labró su carrera en solitario con trabajos como este "At The Edge", un álbum en donde hace un vasto recorrido por las profundidades de la inconsciencia humana, a base de sus conocimientos como etnomusicólogo y queriendo dejarnos un legado que nos recuerda que hemos llegado al borde de nuestra especie y que para sobrevivir debemos cambiar nuestros hábitos y nuestros ritmos de vida. 

Chris Spheeris-Culture (1993) Célebre autor del aclamado “Enchantment” junto a Paul Voudouris, Chris Spheeris vuelve a deleitarnos con una magistral obra que en nada desmerece a la anterior, mostrando una elegante música de influencias mediterráneas de melodías contagiosas y pegadizas, con elementos de otras músicas del mundo. 

Raphael-Music To Disappear In II (1991) En esta segunda entrega, este músico norteamericano sigue evolucionando su idea original; basado en la música romántica trascendental, con barridos de notas del piano de cola, etéreas cuerdas y unas flotantes líneas corales confeccionando un emotivo lienzo musical. 

Himekami-Moonwater (1989) Pese a estar a la sombra de otros contemporáneos como Kitaro, Himekami ha logrado crear una música mágica y envolvente con unas sencillas melodías evocando paraísos primigenios y un envoltorio gráfico de bellísima factura.

Chick Churchill-You & Me (1973)

Miembro fundador de la famosa banda británica de blues rock Ten Years After, Chick Churchill ha tenido una efímera carrera en solitario, una faceta en la cual ha coincidido con sus ex compañeros de banda Leo Lyons y Ric Lee, mientras el único componente que ha sido mas prolífico fue siempre Alvin Lee, con diferentes proyectos y álbumes en solitario a lo largo de su trayectoria. En 1973 y aprovechando un periodo de descanso discográfico de su banda madre, Churchill publicaría su único trabajo en solitario para el cual se rodearía de una legión de músicos contrastados entre los que se encontraban el guitarrista de Jethro Tull, Martin Barre, los componentes de Supertramp, Rick Davies y Roger Hodgson, el batería Cozy Powell, el vocalista Gary Pickford-Hopkins o el guitarrista Bernie Marsden. Con tamaño plantel de músicos no es de extrañar que Churchill lograra confeccionar un trabajo repleto de canciones de enorme calidad que se mueven entre suaves y atractivas melodías y elegantes cortes de art-pop rock. La refinada balada "Dream Of Our Maker Man", la atractiva medio tiempo "Reality in Arrears", la vigorosa "Come and Join Me" o la jazzistica "Chiswick Flower", son algunos de los cortes más destacados de este olvidado e interesante álbum perdido injustamente para los anales de la música rock.

Crown Lands-Fearless (2023)

Una de las últimas sorpresas llegadas de Canadá son el dúo Crown Lands, una formación que nacería en el año 2015 de la mano del vocalista y baterista Cody Bowles y del multiinstrumentista Kevin Comeau. Su estilo bajo las obvias influencias de sus compatriotas Rush están relacionados con su temática de ciencia ficción y la épica, así como en la talentosa instrumentación de sus integrantes. Después de un interesante primer álbum titulado homónimamente lanzado en el 2020, se esforzarían en su segundo larga duración "Fearless", en el cual muestra sus claras influencias tomadas de la época dorada de los mencionados Rush. Epicas epopeyas como "Starlifter: Fearless Pt. II" manifiestan además otras raíces rockeras que oscilan entre el rock ambiguo de Nazareth hasta la contundencia de los también compatriotas Triumph, realizando un notable trabajo que une diferentes estilos de manera fluida y original. Las hard rock "Dreamer of the Dawn" y "The Shadows" nos deja ese regusto por los sonidos setenteros, mientras que en otros cortes como "Citadel" o "Lady of the Lake", las reminiscencias zeppelianas son mas que evidentes. En definitiva este disco es un buen muestrario de lo que esta banda puede ofrecer en los siguientes años, pese a sus claras y evidentes connotaciones e influencias estilísticas por parte del trío compuesto por Geddy Lee, Neil Peart y Alex Lifeson. 

Camel-Moonmadness (1976)

Después de los excelentes "Mirage" y "The Snow Goose", las obras que reconocerían mundialmente a Camel como una de las formaciones más brillantes del rock progresivo de mediados de los 70, la banda británica mantendría un nivel superlativo con el siguiente trabajo titulado "Moonmadness". Sin embargo la banda aquí y tratando de evitar la indulgencia con otro nuevo álbum instrumental, combina sabiamente los pasajes atmosféricos y jazzisticos, con cortes cantados, esto ultimo sin duda el punto mas débil de Camel. Todo ello se ve reflejado en el resultado final del álbum mostrando un gran equilibrio entre todos sus temas y mucha más versatilidad musical. El atractivo repertorio contiene pasajes espaciales y embriagadores como la afligida "Song Within a Song", la desafiante "Chord Change", la progresiva "Another Night", la brillantísima "Air Born" o la apasionante mini suite "Lunar Sea". "Moonmadness" lograría igualar los registros del álbum anterior alcanzando un disco de plata en el Reino Unido y unas meritorias ventas en más de una docena de países alrededor del mundo.

Osanna-Palepoli (1972)

"Palepoli" es el tercer álbum de los progresivos italianos Osanna, una de la piedras angulares de ese estilo trasalpino y una de las formaciones mas legendarias surgidas en Italia en los años 70. Formada en Nápoles a principios de la década de los 70, en sus primeros años estaba compuesta por Lino Vairetti (voz, guitarras y teclados), Danilo Rustici (guitarras, teclados y voces), Elio D'Anna (instrumentos de viento), Lello Brandi (bajo y guitarras), y Massimo Guarino (batería). Confeccionado a modo de épicos álbumes como "A Passion Play" o "Thick As A Brick" de los británicos Jethro Tull, solo contiene dos extensas piezas que superan los 18 minutos por cada lado del vinilo original, en donde esta formidable formación italiana navega entre el lirismo progresivo trasalpino, la world music y el los sonidos agresivos y oscuros del rock progresivo británico muy en la onda de bandas como King Crimson o Van Der Graaf Generator. Grandes capas de sintetizadores y mellotron, son secundados por ritmos exóticos, hard rock, folk, música psicodélica, blues y grandilocuentes sonidos sinfónicos. Las dos suites "Oro Caldo" y "Animale Senza Respiro", separadas por un breve interludio instrumental "Stanza Cittá", son dos de las mas fascinantes epopeyas del progresivo y considerada una obra maestra del rock vanguardista europeo.

Gift-Gift (1972)

El nacimiento del movimiento progresivo del Krautrock alemán tuvo diferentes direcciones estilísticas con muchas bandas centradas en viajes lisérgicos y psicodélicos, otras abordando el tecnicismo del jazz fusión, algunas con acercamientos al pop pegadizo mientras otras muchas tomaron infinidad de influencias como el blues, el hard rock o los sonidos de la world music. Gift pertenecen a esa rama que eligieron los sonidos pesados basados en la guitarra, con florituras progresivas y la fuerte improvisación. Formados a finales de los sesenta en Augsberg, este grupo alemán contaba con los guitarrista Rainer Baur y Nick Woodland, el baterista Herman Lange, el bajista Uwe Patzke y el vocalista Helmut Treichel. En 1972 llegaría su primer esfuerzo discográfico con el debut homónimo el cual fue lanzado bajo el sello germano Telefunken. Esta primera entrega es una excelente muestra de hard rock con una serie de brillantes composiciones ingeniosamente elaboradas en donde sobresalen los pesados riffs de guitarra y una magnifica sección rítmica. Cortes como la frenética "Drugs", las pesadas "You´ll Never Be Accepted" y "Game Of Skill" o la melódica "Groupie" conforman un álbum de excelente hard prog. Un año después Gift repetirían los mismos esquemas con un segundo y ultimo álbum "Blue Apple", para poco después desaparecer de la escena musical sin dejar rastro.

The Pentangle-Solomon´s Seal (1972)

Apenas cuatro años después de su debut, uno de los fundamentales grupos del folk rock progresivo británico como fueron Pentangle, lanzaron su último álbum, hasta años más tarde cuando volvieron en los ochenta. Aunque ellos siempre se definieron como folk jazz, su música contenían elementos vanguardistas impulsados por el contrabajo de Danny Thompson, las maravillosa voces de Bert Jansch y Jacqui McShee y la delicada e intensa interacción de los instrumentos de cuerda por parte de los geniales John Renbourn y del propio Bert Jansch, más el añadido de estilo jazzistico de uno de los bateristas más famosos de la época como Terry Cox. Así que aquí tenemos una verdadera banda de virtuosos, que entrelazan sus melodías con verdadera maestría y una increíble complejidad. Musicalmente "Solomon's Seal" conserva todas las peculiaridades de sus álbumes anteriores, aunque sin embargo aquí hay más melancolía y pasajes reflexivos. El repertorio es la habitual mezcla de composiciones tradicionales con temas propios, siendo uno de sus puntos culminantes la extraordinaria interpretación vocal de McShee en "The Cherry Tree Carol", bajo un excelente acompañamiento de dos guitarras acústicas o la versión de la balada tradicional escocesa del siglo XVIII, "Will O´Winsbury". El resto son canciones breves y bastante fieles a sus raíces folk, con apenas adornos y florituras, que en parte nos recuerdan a la faceta acústica de las otras dos emblemáticas formaciones del folk británico; Fairport Convention y Steeleye Span.

Deep Purple-Deep Purple (1969)

El tercer álbum de Deep Purple es de largo el mejor de su periodo inicial con la formación denominada Mark I, que comprendía a Rod Evans (voz), Ritchie Blackmore (guitarras eléctricas y acústicas), Jon Lord (teclados y arreglista de cuerdas y viento), Nick Simper (bajo) y Ian Paice (batería). Aquí la banda finalmente desarrolla sus propias canciones, olvidándose de las versiones de sus trabajos anteriores a excepción de la excelente balada psicodélica "Lalena" de Donovan. Desde la enérgica apertura hard rock "Chansing Shadows", hasta la pieza orquestal sinfónica que cierra el disco "April", el quinteto británico muestra su propia identidad con un álbum diverso y desafiante, pese a que aún hay muchos elementos psicodélicos mezclados con el jazz y el proto vanguardismo, todo ello bajo el hard rock. Otros cortes como la psicodélica progresiva "Blind", uno de los puntos álgidos del disco, la boogie bluesy "Why Didn´t Rosemary" o la frenética "The Painter", nos conducen a uno de los mejores trabajos del germinal hard rock progresivo. Después de este álbum Evans y Simper serian sustituidos por Ian Gillan y Roger Glover, conformándose de esta manera su formación clásica y la más exitosa de todas.

Dream Theater-Octavarium (2005)

En el 2005 Dream Theater nos dejaban su octavo álbum, que pese a no ser considerada su mejor obra, es sin embargo uno de sus trabajos más concisos y accesibles, al mismo tiempo que altamente progresivo y sinfónico. Bajo esa sofisticada portada, en esta entrega el quinteto cumple con la máxima de sus fans y regresan a sus orígenes estilísticos, mostrando una faceta más equilibrada con sus influencias de metal, pero sin perder un ápice su enorme virtuosismo. La música también tiene muchos elementos accesibles; empezando por James Labrie interpretando melodías más pegadizas, mientras que la guitarra de John Petrucci y los teclados de Jordan Rudess se vuelven más sutiles. Es sin duda la epopeya de 24 minutos que da titulo al álbum, el momento álgido, repleta de pasajes pinkflodianos, ambientes oscuros y misteriosos y una sensación épica y grandilocuente. Otros cortes como la ambiental y melódica "The Answer Lies Within", la emotiva "Sacrificed Sons", la potente "Never Enough" o la accesible "I Walk Beside You", conforman un álbum ciertamente arriesgado, pero al mismo tiempo, es altamente disfrutable debido a su impecable musicalidad.

Metallica-Ride The Lightning (1984)

Si con su debut Metallica habían revelado sutilmente la dirección musical a la que se derivaban, con su segundo esfuerzo discográfico lo dejaban fuera de toda duda. La intensidad y la crudeza se mantuvieron en esta segunda entrega, pero también fueron mas versátiles haciendo una música mas compleja e inteligente. Este cambio esta presente en las épicas y brillantes “Fade To Black” o “Call of Ktulu”, dos cortes de gran complejidad instrumental que rozan los sonidos progresivos. Sin embargo aún quedaban atisbos del thrash metal frenético del primer álbum con las increíbles y enrevesadas “Creeping Death”, “Fight Fire with Me” y “For Whom The Bell Tolls”. Este segundo álbum pondría el nombre de Metallica en los labios de millones de fans del heavy metal alrededor del mundo y les allanaría el camino para abrir nuevos horizontes a modo de grandes obras en los años siguientes.

Joe Satriani-Shockwave Supernova (2015)

El décimo quinto álbum del guitarrista norteamericano Joe Satriani, es otra de sus inspiradas obras con un repertorio consistente en temas instrumentales que oscilan entre el hard rock, el jazz rock y el rock vanguardista. Apoyado por su banda compuesta por el teclista y guitarra rítmico Mike Keneally, los bajistas Bryan Belley y Chris Chaney y los bateristas Vinnie Colaiuta y Marco Minnemann, Satriani vuelve a demostrar su excepcional técnica, su impresionante versatilidad, su gran creatividad y su enorme habilidad para fusionar diversos estilos con la guitarra eléctrica como motor impulsor. Producido por el propio Satriani junto a John Cuniberti, este disco alcanzaría un cuarto puesto en las listas del Billboard Rock Albums y una tercera posición en las listas británicas del hard rock. Su excelente producción sumado a las abundantes melodías repletas de contundentes riffs y los imposibles solos de Satriani dan como resultado un disco sólido e impactante. Pesadas canciones hard rock como la que da título álbum, o "Crazy Joe", contagiosas melodías como "Lost in A Memory", "In My Pocket", "All Of My Life", "Stars Race Across the Sky" y "If There Is Not Heaven", épicos acercamientos al vanguardismo con "Cataclysmic" o temas con tintes blues como "San Franciso Blue", son parte de este apabullante álbum de este mago de los seis cuerdas llamado Joe Satriani.

Sunday-Sunday (1971)

Sunday fueron otra de estas tantas bandas desconocidas que tuvieron una corta actividad publicando un solo álbum el cual fue lanzado en el mercado alemán a principios de los 70. Esta banda escocesa originaria de Glasgow estaba formada por Jimmy Forest (piano, órgano, voz), John Barclay (guitarra, voz) y Davy Patterson (voz, bajo). A principios de los 70 la banda se traslada a Londres donde algún tiempo después logran grabar su único álbum homónimo. El sello alemán Bellaphon terminaría comprando los derechos del álbum y lo publica exclusivamente en Alemania a mediados de 1971, obteniendo una aceptable acogida entre los fans germanos del blues rock progresivo. Este único trabajo esta compuesto por una interesante colección de cortes enfocados al blues rock en donde sobresalen la alborotadora rock "Love Is Life", la bluesy "I Couldn´t Face You", la psicodélica "Man In A Boat" o la extensa y serpenteante "Sad Man Reaching Utopia".

Flamin´Groovies-Teenage Head (1971)

Flamin´ Groovies fueron una de las bandas de los años 60 que se concentraron en recuperar el rock más básico, crudo y riguroso de los años 50, pero con gran contundencia y energía. Pese a que son originarios de San Francisco, fueron más reconocidos en Europa que en su propio país. Formados en 1966 llamándose primero como The Chosen Few y más tarde como The Lost and Found, su formación original estaba compuesta por Cyril Jordan (guitarra y voz), Roy Loney (guitarra y voz principal), George Alexander (bajo), Ron Greco (batería) y Tim Lynch (guitarra). Fundados en pleno movimiento hippy, ellos pronto se erigieron como una de las lanzas del estilo psicodélico pero sin ningún reconocimiento. En 1968 ya como Flamin´Groovies, lanzaron el mini álbum titulado "Sneakers" y posteriormente el álbum "Supersnazz", los cuales pasan totalmente desapercibidos. Un cambio de sello les facilita publicar sus dos mejores obras "Flamingo" (1970) y "Teenage Head" (1971). En este último aparecen algunas de sus mejores creaciones como la intensa "High Flying Baby", el blues "32-20" o la canción que da título al álbum. Los continuos problemas internos les dejan fuera de las grabaciones hasta seis años más tarde, cuando de la mano de Dave Edmunds, publican "Shake Some Action", con el que logran la atención del público mayoritario gracias a cortes como "You Tore Me Down". Ya en la segunda parte de esa década, publicaron varios álbumes más en su línea de rock sólidamente crudo como "Still Shakin´" (1976) o "Jumping In The Night", discos bastantes meritorios pero alejados del éxito y del reconocimiento mediático.

Ten Years After-Ssssh (1969)

El tercer álbum de Ten Years After seria la obra que les abría el camino al estrellato, no solo por su excitante colección de grandes canciones, sino también por que justo se lanzaría el mismo mes que la banda actuaba en el mítico festival de Woodstock y en el cual realizaron una de las actuaciones mas memorable que se recuerdan ante miles de personas. En “Ssssh” la banda liderada por Alvin Lee dejaban atrás sus menudeos con la psicodelia para meterse de lleno en lo que mejor sabían hacer, el blues rock que se convertiría en el sonido característico de Ten Years After. La frenética boogie blues “Bad Scene” es la encargada de abrir la primera cara de este disco, a esta la siguen unas composiciones tan brillantes como efectivas como la hipnótica country “Two Time Mama”, la contundente “Stoned Woman” o la lujuriosa “Good Morning Little Schoolgirl”, una excelente versión del conocido bluesman Sonny Boy Williamson, con la que dan por finalizada el lado uno del vinilo repleto de intensidad y energía. El lado dos sin llegar al mismo entusiasmo contiene cortes como la folk “I Don´t Know That You Don´t Know My Name”, la titubeante bluesy “The Stomp” o la blues rock “I Woke Up This Morning”. La aclamada participación en Woodstock  y la publicidad posterior les otorgarían unos puestos altos en las listas a ambos lados del Atlántico y el primer disco de oro de la banda.

Tony Williams-The Joy Of Flying (1979)

Este álbum es el segundo trabajo en solitario del gran baterista Tony Williams desde que público el álbum "Spring", lanzado trece años atrás en 1966. En esta ocasión Williams nos deja una colección de jazz fusión, funk y jazz-rock, que sigue las diversas encarnaciones y experimentos de los siete álbumes que había lanzado previamente junto a su banda Tony Williams Lifetime Band. Grabado junto a otras grandes luminarias del jazz y del rock como Jan Hammer, Herbie Hancock, Randy Brecker, David Sanborn, Tom Scott, George Benson, Brian Auger, Ronnie Montrose o Stanley Clarke, el repertorio está básicamente compuesto por ese alegre y dinámico jazz rock con atmósferas de funk, rock y pasajes más progresivos. Mientras que en "Going Far" y "Hip Skip", el baterista continúa esa senda del funk, en otros cortes como la jazz-rock "Open Fire", el smooth jazz "Tony", la vanguardista "Coming Back Home" o la experimental "Morgan´s Motion", Williams se mantiene dentro de los cánones del generó, facturando un excelente muestrario del mejor jazz rock de finales de los sesenta, una época muy complicada para los músicos y artistas de los sonidos vanguardistas y progresivos o el jazz fusión .

The Firm-The Firm (1985)

Habían pasado cuatro largos años desde la muerte de John Bonham y con el desaparecía Led Zeppelín, la que para muchos ha sido la banda mas grande del planeta. En esos cuatro años su líder Jimmy Page había estado en el más absoluto oscurantismo, alejado prácticamente del mundo de la música a excepción de componer alguna banda sonora y esporádicas actuaciones en vivo. Pero en 1983 y gracias a su amistad con el ex vocalista de Free y Bad Company, Paul Rodgers, Jimmy Page volvería a resucitar artísticamente creando una superbanda en un intento de alcanzar viejos laureles a la que bautizarían The Firm. Completaban la formación el baterista Chris Slade y el bajista Tony Franklin, músicos de renombre con una dilatada carrera a sus espaldas. Esta superbanda lanzaría dos álbumes "The Firm" (1985) y "Mean Business" (1986), en donde sin llegar ni de lejos a los logros creativos y comerciales de sus épocas doradas, Page y Rodgers, confeccionaron un interesante trabajos del mejor hard rock de los ochenta con ese típico sonido de la década de los 70. Este primer álbum contenía algunos momentos destacados como "Midnight Moonlight", "Radioctive", "Satisfaction Guaranteed" o "Money Can´t Buy", las cuales convivían con otros cortes mas previsibles y de menor calado, algo que sin embargo no fue obstáculo para que lograran unas aceptables ventas en el mercado norteamericano.

ZZ Top-Degüello (1979)

ZZ Top gozaron de un prestigioso status durante las cinco décadas que se mantuvieron bajo una formación invariable. Como auténticos músicos de raíces sureñas, ellos han sido imbatibles mostrando desde el blues tejano, hasta el rock sureño, pasando por el rock and roll, el boggie rock e incluso los sonidos mas mainstream que ofrecieron en los años 80. Este poderoso trío compuesto por Billy Gibbons, Dusty Hill y Frank Beard siempre se han caracterizado por sus letras humorísticas y sus claras insinuaciones, además de sus odas al motor y a las groupies, todo ello aderezado por su contundente estilo polvoriento. Algunas de sus canciones como "Tush", "Jailhouse Rock" o "La Grange", pertenecientes a sus primeros discos son considerados clásicos del rock norteamericano. En 1979 con su álbum "Degüello", lograrían su primer disco de platino gracias a un trabajo que equilibra su estilo de blues y boogie rock de sus primeros lanzamientos con los sonidos del hard rock que a partir de aquí serán su seña de identidad. Aun así en este sexto álbum todavía hay resquicios del pasado reciente como el boogie sureño "Cheap Sunglasses", el blues arenoso de "Fool For Your Stockings" o la versión bluesy que hacen del tema del original de Robert Johnson "Dust My Broom", el rhythm and blues "She´s Loves My Automobile" o la rock and roll "Hi Fi-Mama", mientras que "Esther Be The One" y "Manic Mechanic", ya dejan entrever por dónde irán los derroteros musicales en sus próximos años, evolucionando hacia un desarrollo musical más hard & heavy rock.

Marillion-Misplaced Childhood (1985)

"Misplaced Childhood" es el mayor logro de Marillion con Fish en el rol de vocalista, dicho esto, también es donde la banda muestra su propia personalidad sin la influencia tan clarividente de Genesis de sus predecesores trabajos. Aquí muestran su lado progresivo mas accesible; "Bitter Suite" y "Blind Curve”, que se entremezclan con temas pop limítrofe como "Kayleigh", "Lavender", "Heart of Lothian", "Lords of the Backstage" y "Childhood's End?". Atrás quedaron los días en que Fish usaba maquillaje en el escenario al puro estilo de Peter Gabriel. Por otro lado también fue el primer álbum conceptual de Marillion, en donde cada canción va unido a la siguiente, formando dos lados cohesivos tremendamente sólidos y adictivos. La atmosférica y misteriosa "Pseudo Silk Kimono", la pop "Kayleigh", la dulce "Lavender", la épica mini suite "Bitter Suite", compuesta de cinco partes diferenciadas, la rock "Lords Of The Backstage" o la pop intimista "White Feather", conforman un disco perfecto entre lo progresivo, el pop y el rock. Su recepción posterior fue recompensada con varios discos de platino y unas ventas que superaron con creces el millón de copias a nivel mundial.

Sniff 'n' the Tears-The Best Of Sniff 'n' the Tears (1991)

Pese a no ser tan famosos como otras bandas coetáneas de la new wave, Sniff ´n´ the Tears siempre se caracterizaron por presentar una música contagiosa y vibrante en sus cuatro álbumes publicados durante la década de los 80. Una característica de esta formación británica eran sus bellas portadas diseñadas por el compositor, cantante y líder de la banda Paul Roberts. Su primer álbum "Fickle Heart" publicado por el sello independiente Chiswick a finales de 1979, contenía entre sus surcos su mayor éxito "Driver´s Seat", una irresistible canción impulsada por un bajo y batería pegajosos y unos atractivos riffs de guitarra eléctrica. Sin llegar a las excelencias de esta canción, este álbum debut contiene otras meritorias canciones de power pop como "Sing", "Slide Away On" o "The Thrill Of It all". En los siguientes tres años, el grupo publicaría "The Game's Up" lanzado en 1980, "Love/Action" en 1981 y "Ride Blue Divide" en 1982, que pese a incluir una exquisita selección de canciones de atmósferas parecidas a "Driver´s Seat", no logran el éxito esperado. Sin embargo canciones como "The Game's Up", "One Love", “The Driving Beat", "Snow White", "That Final Love", "Hungry Eyes" y "Ride Blue Divide", se convierten en asiduas en muchas emisoras de radio y en muchas discotecas de media Europa. Poco después de la publicación del último álbum, la banda deja de existir y Paul Roberts comienza una carrera en solitario sin demasiada repercusión. Mientras tanto en 1991, la Chiswick Records a modo de epitafio lanzaría el recopilatorio "The Best Of". Algunos años más tarde, "Driver´s Seat" vuelve a la actualidad al ser incluida en spots publicitarios europeos y posteriormente en la banda sonora de la película "Boogie Nights" y mas tarde en la serie de Televisión "The Walking Dead". Una reunión posterior debido al nuevo éxito de la canción “Driver´s Seat”, desembocará en la publicación de varios álbumes, pero muy alejados de la creatividad de sus primeras obras.

Buckingham Nicks-Buckingham Nicks (1973)

Aparte de su importancia como documento histórico (este álbum fue fundamental para convencer a Mick Fleetwood para reclutar a Buckingham y Nicks para los míticos Fleetwood Mac) y con ellos emprender la época dorada del grupo. En este debut el dúo demostraba que nacieron para armonizar entre si, confeccionando un trabajo solidó y atractivo en donde sobresalen la delicada voz de Stevie Nicks y el estilo distintivo de la guitarra de Buckingham. Producido por el afamado Keith Olsen y titulado homónimamente, fue grabado y lanzado en 1973 y publicado por el sello Polydor. El álbum contiene una colección de cortes de gran clase que se mueven entre el folk rock, el pop rock y los sonidos mas vanguardistas. Canciones como "Don´t Let Me Down Again", "Long Distance Winner" o "Crystal" fueron pegadizas y obtuvieron una amplia difusión en el circuito de la costa oeste norteamericana. A la excitante mezcla de estilos se sumaria las impecables armonías vocales de la pareja, algo que explotaron repetidamente en los años siguientes con los mencionados Fleetwood Mac. De hecho temas como "Crying in the Night" o "Whithout a Leg to Stand On", podrían incluirse fácilmente en cualquier colección de Fleetwood Mac sin interrumpir su flujo estilístico. Mención aparte merece el cierre de esta obra con la épica "Frozen Love", sin duda el momento mas progresivo de todo el álbum.

New Trolls-UT (1972)

Con su quinto álbum, el grupo italiano New Trolls llegaron a su cúspide creativa, pero al mismo tiempo también a su ocaso, aunque sin embargo varios años mas tarde continuarían su carrera con una formación renovada y un estilo alejado del progresivo de sus primeras obras, mas enfocados en los sonidos mainstream del pop-rock. La formación que grabaría este quinto álbum estaba compuesta por Vittorio De Scalzi (guitarra), Nico Di Palo (guitarra y voz principal), Maurizio Salvi (teclados), Frank Laugelli (bajo) y Gianni Belleno (batería y coros). Un álbum que contiene muchos aspectos memorables, empezando por la pieza clásica para piano "Studio", la jazzistica "XXII Strada", la progresiva "I Cavalieri del Lago Dell'ontario", esta ultima sin duda el punto álgido de este álbum, la folk rock "Storia di una Foglia", la melódica "Nato Adesso" o la hard rock progresiva "C'è Troppe Guerra". Las diferencias musicales a seguir entre sus dos lideres (Vittorio de Scalzi y Nico di Palo), acabaría por la disolución de esta legendaria banda algún tiempo después de la publicación de este disco, volviendo a reunificarse en 1976 para la grabación de una serie de álbumes entre ese año y 1988 de reconocida valía, pero bastante alejados de las magnificas propuestas creativas de sus primeros registros.

Robert Plant-Now and Zen (1988)

Para muchos el cuarto álbum del ex-vocalista de Led Zeppelin, Robert Plant supuso su mejor obra en solitario, en donde combinaba su particular sonido con ciertos arraigos en sus raíces zeppelianas. En esta entrega Plant tuvo la estimada colaboración del teclista Phil Johnstone y del guitarrista Doug Boyle, los cuales participaron en las composiciones de la mayoría de temas logrando con ello un plus de accesibilidad que atrajo al público mayoritario y consiguiendo unas altas posiciones en las listas de éxitos de muchos países. Compuesto por una serie de canciones orientadas al clásico rock americano, con esta nueva entrega Plant lograría tejer un disco adictivo con una serie de cortes brillantes como la idílica "Helen of Troy", la majestuosa "The Way I Feel", la chispeante "Dance On My Own", la zeppeliana "Tall Cool One", con el mismísimo Jimmy Page a la guitarra o la mística "Ship Of Fools".

Marillion-Brave (1994)

Confeccionado a modo conceptual, el séptimo álbum de Marillion "Brave", es uno de los más audaces, perturbadores y sombríos discos del neo progresivo. La idea de la historia que aquí se cuenta surgió cuando el vocalista Steve Hogarth conoció un reportaje policial sobre una joven encontrada deambulando por el puente de Severn, cerca de Bristol. La joven jamás reveló su identidad y como último recurso por medio de los medios de comunicación intentaron contactar con sus familiares o conocidos, todo ello bajo un aura de misterio. Hogarth contó la historia a la banda y sugirió cómo las canciones podían entrelazarse en un relato ficticio de una vida marcada por problemas y horrores como el abuso sexual (un tema cada vez más recurrente en los medios de comunicación en aquel entonces), el aislamiento, la drogadicción y el colapso nervioso, hasta el punto de considerar o intentar el suicidio. Steve Hogarth sobre este hecho creó una historia ficticia sobre la niña. La historia se remonta desde la infancia de la joven hasta el preciso instante en que fue encontrada en el puente Severn. La temática es inquietante y sombría, y sin embargo, a medida que el álbum transcurre ofrece esperanzas a través de las letras y la música. El hecho de que el disco esté dirigido a un público muy selecto, lo hace aún más interesante. Steve Hogarth demuestra aquí que es un excelente compositor. Musicalmente su desarrollo es simplemente fantástico: bajo una producción impecable de Dave Meegan, una ejecución magistral por parte de sus cinco componentes, además de las aportaciones del gaitero Tony Halligan, y la Orquesta Filarmónica de Liverpool dirigidos por Darryl Way. Con numerosas sobre grabaciones y un desarrollo instrumental impresionante, con unas sólidas y estructuradas composiciones de excelentes arreglos, aquí nos encontramos desde pasajes complejos y progresivos como "Goodbye to All That", "The Great Escape" o "Brave", hasta las mas accesibles "Run Away", "Alone Again In the Lap of Luxury" o "Made Again", pasando por las contundentes hard rock "Living With The Big Lie", "Hard As Love" y "Paper Lies". "Brave" se ha convertido en uno de los álbumes más aclamados de Marillion desde sus inicios, y considerada una de las obras maestras del rock progresivo de todos los tiempos.

Genesis-Selling England By The Pound (1973)

"Selling England by the Pound" es una obra maestra que presenta algunas de las composiciones más perfectas creadas en la década de los 70, que con una producción impecable, mostraba al quinteto liderado por Peter Gabriel, en su cima creativa. Aquí Genesis completaba de manera brillantísima su estilo pastoral fusionado con el rock, con momentos delicados de gran belleza, mezclado con partes agresivas y vigorosas. Desde la inicial "Dancing with the Moonlit Knight", cuya flauta y las guitarras medievales la convierten un himno clásico sinfónico, hasta la más pegadiza y comercial "I Know What I Like ( In Your Wardrobe)", pasando por la épica y excéntrica "The Battle Of Epping Forest", la memorable "Firth Of Fifth", o la monumental y evocadora "The Cinema Show". En este apoteósico álbum, la banda muestra un gran nivel de virtuosismo en todos y cada uno de sus integrantes, una enorme creatividad y una perfecta complejidad instrumental.

Rush-Test For Echo (1996)

Con el final de la tercera época y el comienzo de la cuarta, los canadienses Rush se habían convertido en una banda de hard rock sofisticado de gran nivel compositivo e instrumental. Atrás quedaron sus etapas de hard rock, de rock progresivo y de rock tecnológico, así que con el comienzo de esta nueva etapa intentaron fusionar todos esos estilos para orientarse en un claro rock artístico. En ese contexto fueron lanzando los álbumes "Presto" (1989), "Roll the Bones" (1991), "Counterparts" (1993) y este que analizamos hoy aquí; "Test For Echo" (1996). En todos los anteriores el trío logro confeccionar un excelente material que sin embargo los mantenía muy alejados de su época esplendorosa. En este ultimo incluso sobresalen las tendencias progresivas o al menos mucho mas complejas con un claro sonido contemporáneo. El potente tema que da titulo al álbum, muestra el tremendo dinamismo instrumental que el trío canadiense sabe imprimir, con desarrollos rítmicos intricados y la fuerza explosiva habitual. La compleja Driven", una inteligente composición de perfectas estructuras musicales, la psicodélica "Time and Motion", o las hard rock de cierta sofisticación "Half the World", "The Color Of Right", "Totem" o "Dog Years" conducen al álbum por senderos ya antes explorados por el grupo, pero con un plus de complejidad que no se veía desde los tiempos del álbum "Moving Pictures" de 1981.

Charlee-Charlee (1972)

Normalmente cuando hablamos de bandas que apenas tuvieron recorrido, por regla general y pese a su innegable calidad, muchas terminan fracasando estrepitosamente en el plano comercial, aunque sin embargo también las hay que pese a lograr vender una considerable cantidad de discos, terminaron igualmente desapareciendo sin dejar rastro. Eso fue lo que ocurriría con la banda canadiense Charlee, un proyecto liderado por el guitarrista ítalo-canadiense Walter Rossi, el cual antes había pertenecido a diferentes formaciones como la de Wilson Pickett o la de Buddy Miles. Para este nuevo proyecto Rossi reclutaría a la base rítmica de un grupo llamado Luke & The Apostols, el baterista Mike Driscoll y el bajista Jack Geisinger. En 1972 y bajo la RCA canadiense lanzaron su único disco homónimo, el cual pasaría totalmente desapercibido por una pésima gestión promocional. Algún tiempo después el álbum es lanzado en el mercado norteamericano y logra vender cerca de las 10.000 copias en apenas un mes. Ello fue gracias a un trabajo tremendamente explosivo que contiene una serie de cortes con memorables pasajes de guitarra de clara influencia Hendrix como "Let´s Keep Silent" o "Wheel of Fortune". El resto del álbum sigue una línea parecida mostrando un hard rock repleto de guitarras fuzz como la vibrante blues rock "Wizzard", las contundentes "Just You And Me" y "Lord Knows I´ve Won", o la hipnótica bluesy "A Way To Die". Charlee lograría con este disco uno de los mejores debuts del rock canadiense y con el tiempo obtuvo el status de clásico del hard rock de principios de los años 70.

Cliff Richard-From A Distance: The Event (1990)

Cliff Richard es junto a The Beatles, el artista británico más admirado de la historia, y no solo por los propios británicos si no también por todas las generaciones de músicos posteriores. Considerado el Elvis Presley inglés, tiene el honor de ser el impulsor del rock and roll en las islas británicas junto a su banda de aquella época The Shadows. Enumerar aquí sus éxitos es casi imposible, más de 46 álbumes de estudio, más de 150 singles, muchos de ellos números unos o más de 250 millones de discos vendidos, colocándose junto a The Beatles y Elton John a la cabeza de los más vendedores entre los artistas británicos, es solo parte de su impresionante legado y de su enorme éxito. Además de todo ello, tiene junto a Elvis Presley el récord de haber entrado en las listas de éxitos durante seis décadas consecutivas. Este legendario cantante tuvo un éxito arrollador en el Reino Unido antes que los Beatles irrumpiera en el mundo de la música. John Lennon llegó a decir en una ocasión: "antes que Cliff Richard en Inglaterra no había rock and roll", y George Harrison: "Sin Cliff Richard y los Shadows no hubieran existido los Beatles”. Richard ha logrado siete álbumes números uno en las listas de álbumes del Reino Unido en las décadas de 1960, 1970, 1980 y 1990, y ha acumulado 30 álbumes entre los cinco primeros y 47 entre los diez primeros. En 2023, con motivo de su 65 aniversario, lanzó el álbum "Cliff with Strings: My Kinda Life", un recopilatorio de sus éxitos clásicos, bajo los arreglos orquestales de Chris Walden. De entre esa infinidad de sencillos, álbumes en directo y en estudio, canciones de películas, discos recopilatorios etc, etc, uno de sus discos más representativos es este "From a Distance: The Event", una especie de recopilatorio en directo grabado los días 16 y 17 de junio de 1989 en el estadio de Wembley, y lanzado oficialmente como doble Lp a finales de 1990. Entre su repertorio aparecen algunas de sus imprescindibles canciones como "Summer Holiday", "The Young Ones", "In the Country", "We Don't Talk Anymore" o "Saviour's Day", las cuales se alternan con versiones de standards del rock and roll como "Good Golly, Miss Molly" de Little Richard, "Whole Lotta Shakin' Going On" de Jerry Lee Lewis, "Bird Dog" de The Everly Brothers o "C'mon Everybody" de Eddie Cochran.

Goodthunder-Goodthunder (1972)

Goodthunder fueron una banda de Los Ángeles, que en 1972 lanzaron un único álbum el cual supuso uno de los más interesantes del aquel año en el estado de California. Fundada a finales de 1971 su formación estaba compuesta por James Cahoon Lindsay (voz principal y percusión), John Desautels (batería), David Hanson (guitarra y voz), Bill Rhodes (bajo) y Wayne Cook (teclados). Poco después de su fundación son contratados por el sello Elektra quien les produce el álbum homónimo que aquí nos ocupa. Pese a que hoy en día este trabajo esta en parte olvidado, es muy digno y cautivador en donde muestran un competente nivel creando una música que fusionaba el rock melódico, el hard rock progresivo y ciertas dosis del rock americano de raíces. Cortes como la groovy vanguardista "I Can´t Get Through To You" o las progresivas "For A Breath" y “P.O.W”,  son una clara muestra del talento de estos chicos para crear un estilo en donde además de las atractivas voces armónicas, demuestran su gran talento instrumental. Otros cortes como la inquietante "Moonship", las hard rock "Sentries" y "Rollin´Up My Mind" o la brillante "Barking at the Ants", son lo mas destacado de un álbum que ha resistido perfectamente la prueba del tiempo.

Tea-The Ship (1975)

Tea son otra de esas miles de bandas desconocidas de poco recorrido que poblaron la década de los 70, la cual durante los cinco años de su carrera lanzaron tres álbumes enfocados en el hard rock con elementos progresivos. Esta formación suiza iniciaría su andadura en 1971 impulsada por el baterista Roli Eggli junto a Armand Volker (guitarra) y Turo Pashayan (bajo). Algún tiempo después entrarían a formar parte del grupo el vocalista Mark Storace y el teclista Philippe Kienholz, conformando de esta manera la formación definitiva de Tea. Durante varios meses la banda gira alrededor de Suiza y Francia, obteniendo una gran repercusión como una de las bandas prometedoras del hard rock a nivel local. En 1974 publicarían su primer álbum, el cual tuvo una buena acogida en los circuitos underground de diferentes países europeos, sin embargo seria con su segundo larga duración "The Ship", cuando obtienen un mayor reconocimiento mediático, un hecho que los llevaría a telonear a diferentes formaciones británicas como Uriah Hepp o Queen. Este segundo registro muestra un repertorio de meritorias canciones magníficamente arregladas, con una sólida base rítmica secundada por unas excelentes guitarras y teclados. Cortes como la enérgica "Breakdown", muestra el poderío guitarrístico del grupo, además de unas grandes líneas vocales, por senderos parecidos discurren cortes como las semi progresivas "I´d Never Have Bothered" y "Through Scarlet", las hard rock "A Dog Called Joe" y “Crystal Rivers" o la brass rock "Summer in The City". Después de un mediocre tercer álbum, se disolverían definitivamente en 1977, pasando posteriormente su cantante Mark Storace a recalar en la banda suiza de heavy metal Krokus.

Mike Oldfield-Ommadawn (1975)

Para su tercer álbum, Mike Oldfield eligió el camino entre las influencias de la música rock y la energía de "Tubular Bells" y los sonidos pastorales y folkys de "Hergest Ridge". Para esta obra Mike Oldfield se encargaría de la producción y de un sin fin de instrumentos entre los que se encuentran las guitarras eléctricas y acústicas, bajo, sintetizadores, arpa, mandolinas, campanas tubulares, piano, órgano y muchos mas, y contaría además de la colaboración de entre otros músicos con la de sus hermanos Sally y Terry Oldfield (voces y flauta) respectivamente, Pierre Moerlen (percusión), o Paddy Moloney (gaitas). Dividido en dos largas suites, la primera parte "Ommadawn Part One", es una epopeya hipnótica y relajante que va en crescendo a medida que va progresando con diferentes estados emocionales en donde los sintetizadores envolventes y las percusiones tribales contrastan con las sublimes aportaciones de las guitarras. La segunda parte sin llegar a las excelencias de la primera, contiene momentos magníficos de inquietantes ambientes musicales en donde hay cabida para relajados momentos bucólicos o acercamientos a la música folklórica irlandesa. Con esta tercera entrega, Mike Oldfield volvía a crear su tercera obra maestra consecutiva, con la cual cerraba una admirable y antológica trilogía.

Popol Vuh-Aguirre (1975)

El séptimo álbum de los germanos Popol Vuh, es una de sus aventuras discográficas más arriesgadas, sumergiéndose directamente en unas atmósferas opresivas y espaciales por igual. Pero en realidad este lanzamiento fue creado para ambientar la banda sonora de la película del mismo nombre; una trama un tanto onírica del director Werner Herzog, en una coproducción alemana-mexicana-peruana de 1972, de drama histórico, escrita y dirigida por el propio Herzog y con Klaus Kinski en el papel protagonista. En ella se narra el viaje del explorador español Lope de Aguirre y un grupo de conquistadores a través del río Amazonas en busca de El Dorado, en una región de la Amazonía que, según leyendas de la época, albergaba ingentes reservas de oro. Una película que con su fotografía y su oscura narrativa, fueron fuente de inspiración para que años después, Francis Ford Coppola la utilizara en su obra maestra, Apocalipsis Now. Un dato bastante reseñable es que aunque la música está está fuertemente asociada a la película, también se disfruta escuchándola por separado. Popol Vuh nos ofrece aquí una música bastante singular, con pasajes contemplativos, caracterizada por una progresión cadenciosa y grandilocuente, que entrelaza una tenue atmósfera, sutil y etérea. Las capas de sintetizador contribuyen a crear un sonido espacial y cósmico, mientras que las voces de fondo aportan una sensación excelsa y sobrenatural, con unos ricos aportes de guitarras y mellotrones, e incluso con elementos exóticos de música andina.

Pink Floyd-The Wall (1979)

La ópera rock de Pink Floyd, The Wall, es definitivamente una de las piezas musicales más artísticas y perfectas jamás escritas y al mismo tiempo una de las obras faraónicas jamás concebidas, tanto por su temática lírica, como con su concepto y su posterior puesta en marcha en sus apoteósicos shows en vivo. El concepto y las letras de Roger Waters son un trabajo de genio, y aunque esto no es tan complejo musicalmente como muchos de los trabajos anteriores de la banda, aún logran mantener la atmósfera habitual de su estilo, aquí presente en un trabajo emocional y significativamente profundo, pero como con cualquier álbum conceptual se debe escuchar por completo. Sin embargo tiene el notable efecto de dividir a sus millones de fans en dos direcciones; aquellos que creen que el álbum es el mejor que la banda haya lanzado, y aquellos que desearían que hubieran frenado las divagaciones pretenciosas en un trabajo más coherente. Basado sobre una estrella de rock que ha estado construyendo un muro a su alrededor para protegerse de la realidad y la vida que le ha causado tanto dolor. Para muchos, esto está bastante cerca de la historia de la propia vida de Roger Waters con algunos cambios introducidos. En definitiva un álbum esencial, una obra maestra perfecta y a pesar de no ser tan progresiva como "The Dark Side Of The Moon" o "Wish You Were Here", se confecciono para poner a prueba las emociones del oyente como lo hace toda la música de Pink Floyd. perturbando el cerebro y el corazón al mismo tiempo, con una música inteligente y conmovedora.

Various Artists-Proton Vol.1 (1974)

Otros de esos dobles álbumes que se publicaban en los 70 para promocionar a sus artistas, fue este publicado por el sello alemán Kerston, en donde presenta cinco bandas noveles en aquellos momentos, la mayoría de ellas encuadradas en el movimiento krautrock. La primera de ellas es Zyma, una banda que estaban más cerca de los sonidos bluesy y el folk psicodélico underground de la mejor tradición canterburiana, la cual publicaría dos interesantes discos de escasa repercusión casi al final de la década de los 70. Andorra por su parte fue una efímera banda de rock acido con influencias del folk rock americano de la cual apenas hay mucha mas información. Penicillin el grupo mas extraño y desconocido del álbum, estaba orientado a los sonidos del blues rock y se nos antoja que es la mas débil del set presentado en este doble álbum. Para finalizar aparecen las dos bandas mas interesantes, por un lado Nexus, la cual nos traslada al mejor jazz rock alemán de mediados de los setenta y Sun que de alguna manera mantiene el sabor jazzistico de la anterior, aunque derivando su estilo hacia derroteros mas bluesy con elementos progresivos y vanguardistas. Sin duda un interesante recopilatorio el cual mostraba una serie de bandas que apenas tuvieron recorrido y que de no ser por este tipo de samplers quizás nunca hubiéramos conocido de su existencia.

Various Artists-Imprescindibles de la New Age (II)

Jerry Goodman-On The Future Of Aviation (1985) Diez años estuvo alejado Jerry Goodman del mundo del jazz y el rock, pero ello no mermó su enorme capacidad compositiva ni el talento de este ex violinista de Flock y la Mahavishnu Orchestra, publicando un exquisito álbum en donde las sonoridades del violín eléctrico se funden con las guitarras y los sintetizadores. 

Ravi Shankar-Tana Mana (1987)  Este genio del sitar ofrece en este trabajo una sabia combinación entre los sonidos modernos con los timbres más ancestrales de las voces e instrumentos indios en un álbum que irradia elegancia, alegría y exaltación. 

Suzanne Ciani-Pianissimo (1990) Con su sexto trabajo, la creadora de emblemáticas obras como "The Velocity Of Love", confecciona nuevas versiones de algunas de sus temas más emblemáticos, interpretados por la magia que obtiene de su piano de cola MIDI. 

R. Carlos Nakai-Desert Dance (1990) Grabado en la capilla Lindisfarne, ubicada en lo alto del valle de San Luís en Colorado, una zona sagrada para los indios navajos, una tribu de la que proviene este artista, que nos transporta con su música repleta de flautas de caña, tambores, sonajas y voz, a esos pasajes naturales. Un disco de meditación musical sobre los espíritus de esa zona y sobre las fuerzas naturales que lo conforman. 

David Arkenstone-Citizen Of Time (1990) Con su tercer registro, este multi instrumentista norteamericano nos transporta a un viaje infinito en el tiempo en los que contemplamos escenarios como la Gran Muralla China, frondosos bosques, la aurora boreal o las tumbas egipcias. 

Paul Horn-Inside The Great Pyramid (1983) En este doble álbum se recogen una serie de grabaciones que el flautista realizo en el interior de la gran pirámide egipcia de Keops a mediados de los 70, además de otras piezas recogidas en las pirámides de Kefrén y Micerino.

Moby Grape-Moby Grape (1967)

Moby Grape lo tenían casi todo para ser una de las mas grandes bandas de la historia, pero pese a que su carrera fue intensa también lo fue desgraciada, en lo que casi todo lo que podría salir mal lo hizo, desde un pésimo manejo promocional por parte de su discográfica, hasta una amplia variedad de problemas legales, un trato bochornoso por parte de su manager o diferencias creativas y personales entre los miembros de la banda. En muchos sentidos, la historia de Moby Grape es similar a la de otras cientos de bandas de la costa oeste norteamericana que triunfaron brevemente y que luego fracasarían estrepitosamente. Ellos seguían la estela del rock and roll de los Stones, la esencia de The Byrds y la magia de Hendrix. Todos los grandes sellos discográficos competían por hacerse con ellos. A menudo identificados con la escena psicodélica de San Francisco, en realidad su especialidad era combinar todo tipo de música de raíces, desde el folk hasta el blues, pasando por el country, el rock and roll clásico y unos grandes arreglos de triple guitarra con múltiples capas. Pero su álbum debut homónimo fue su único momento de triunfo incondicional. Un álbum explosivo con una serie de canciones geniales y perfectas ilustradoras del sonido de flower power de San Francisco. Sin embargo y entre otros muchos infortunios, la discográfica tuvo la “feliz” idea de lanzar cinco singles del álbum al mismo tiempo, lo que mermaría una mas amplia difusión del disco. Pero a pesar de estas desafortunadas circunstancias el debut de Moby Grape sigue siendo muy respetado como uno de los mejores álbumes de la era psicodélica.

Various Artists-Narada The Wilderness Collection (1990)

Narada Productions es una de las compañías discográficas más importantes y fundamentales orientadas a la música new age, el jazz, la música celta y las músicas del mundo. Sus orígenes datan de principios de los ochenta en Nueva York y fue fundada como sub sello por la Universal, bajo la distribución de la MCA Records. Con el paso del tiempo, la propia Narada Productions fundaría otros sellos subsidiarios, para así diversificar sus artistas por sus estilos musicales. Así nacieron Narada Equinox, Narada Jazz, Narada Mystique o Narada World entre otras muchas más. Entre un amplísimo elenco de músicos que grabaron y publicaron con Narada, se encuentran artistas como David Arkenstone, Jeff Lorber, Paul Speer, David Lanz, Bernardo Rubaja, Peter Buffett, Hans Zimmer o Charlie Musselwhite. "The Wilderness Collection" es una de sus más famosas grabaciones en donde se recoge una cuidadisima selección de artistas que según reza en su nota promocional, "elogian la naturaleza virgen como fuente de inspiración artística y un refugio de la cotidiana vida urbana". Los artistas de Narada que aquí aparecen crearon esta grabación como un homenaje a las áreas naturales de gran importancia ecológica, deseando que las generaciones futuras puedan seguir disfrutando de ellas. Entre su repertorio destacan "Fragile Majesty" de Eric Tingstad y Nancy Rumbel, una pieza que nos trae a la mente la grandeza de los paisajes naturales, la épica y soñadora "Yosemite" de David Arkenstone, la melodía infinita de "Sahara Sunrise" de Ralf Illenberger o la ambiental con influencias latinas "Break Of Day" de Bernardo Rubaja. Entre el resto hay desde inquietantes lienzos que oscilan entre la música atmosférica, hasta la fusión de una gran variedad de estilos, mezclando los sonidos jazzisticos y los elementos más tradicionales bajo una excelente elegancia y el buen gusto de una música sencillamente mágica.

Kyrie Eleison-The Fountain Beyond The Sunrise (1976)

Estamos ante una de esas pequeñas joyas semi-desconocidas de rock sinfónico, muy valorada por los progheads pese a que también es criticada por algunos sectores por ser considerados unos meros clones de los primeros Genesis. Sin embargo esta banda austriaca nunca pretendió ese status, aunque es más que evidente que sus influencias fueron las huestes lideradas por Peter Gabriel. Fundada en 1974 tuvieron como núcleo principal al teclista Gerald Krampl, que junto al baterista Karl Novotny lograron tejer la música sinfónica y el rock en su máxima expresión, con grandes capas de sintetizadores y mellotrón, pasajes atmosféricos y momentos de gran vigorosidad instrumental. En 1976 bajo el sello local Merlin Records lanzaron su primer álbum titulado "The Fountain Beyond The Sunrise" en donde además participaban el vocalista Michael Schubert, los guitarristas Manfred Drapela y Gerhard Eder, el bajista Norbert Morin y el baterista Otto Singer. La magnifica intro "Out Of Dimension" esta repleta de paisajes nostálgicos, la cual contrasta notablemente con la genesiana que da titulo al álbum, una mini suite progresiva muy elaborada y compleja, mientras que la extensa "Lenny" se convierte en el punto álgido de esta magnífica obra mostrando una enérgica sinfonía en continua progresión. Sin duda una de las mejores obras del rock progresivo que sino fuera por su mediocre producción estaría entre lo mejores trabajos de la década de los 70.

The Kentucky Headhunters-Pickin' on Nashville (1989)

Fundada originalmente a finales de los sesenta como The Itchy Brothers, la banda de country rock sureño The Kentucky Headhunters, es uno de los mejores ejemplos de la música de raíces americana de la década de los ochenta. Fundada por Doug Phelps (bajo y voz), Greg Martin (guitarra principal y voz), Richard Young (guitarra rítmica y voz) y Fred Young (batería y voz). Durante la década de los setenta tuvieron cierta relevancia gracias a hits menores como "Shotgun Effie", o por el enorme interés que el sello propiedad de Led Zeppelin, Swan Song Records, había mostrado por esta banda originaria de Glasgow, una localidad del estado de Kentucky. En 1986 el grupo pasó a adoptar el definitivo nombre de The Kentucky Headhunter, en homenaje a uno de los personajes animados la famosa serie de TV de los ochenta "King Leonardo and His Short Subjects". Luego de presentarles una demo a la Mercury Records, el grupo conseguiría un contrato para varios álbumes, empezando por "Pickin` On Nashville", un disco que fue grabado precisamente en la ciudad del country por antonomasia. Este debut supuso uno de los mejores discos de una banda novel de la historia, logrando no solo un increíble segundo puesto en las listas del Billboard, si no también el premio Grammy a la mejor interpretación country del año. Si bien es cierto que The Kentucky Headhunters no habían inventado nada nuevo que ya no se hubiera hecho antes, también lo es el que su country rock con ritmos de honky-tonk y elementos del rock sureño, era tremendamente desenfadado, alegre y rítmico. Sus versiones de clásicos del country como "Walk Softly on This Heart of Mine" de Bill Monroe, "Oh Lonesome Me" de Don Gibson y "Skip a Rope" de Henson Cargill, son magníficas demostraciones del estimulante y cautivador estilo de los Headhunters. Pero sin embargo son sus propias composiciones como "Dumas Walker", "My Daddy Was A Milkman" o "Some Folks Like To Steal", las que les catalogaron como una de las bandas prometedoras del country rock de la década de los ochenta y noventa.