Rush-Fly By Night (1975)

"Fly By Night", es el primero de los dos lanzamientos que los canadienses Rush hicieron en 1975, el segundo álbum cronológico y el primero en presentar al batería y letrista principal Neil Peart, lo que en muchos sentidos lo convierte en el primer álbum "real" de la banda. Peart aportaría alusiones literarias, lirismo profundamente personal y filosófico, y una percusión dinámica y técnicamente virtuosa. Por otro lado la banda comenzó a introducir una musicalidad progresiva más sofisticada en sus canciones. La calidad de la producción mejora notablemente. El blues-hard-rock rudo del primer álbum se amplia con una paleta musical más variada de sonidos y estilos.
El álbum resultante está en la línea evolutiva que Rush fueron desarrollando a medida que fueron grabando sus siguientes trabajos. Aquí ya aparece la primera melodía épica de la banda, los ocho minutos y medio de "By-Tor & the Snow Dog", sus primeras odas al objetivismo clásico y celebración del individuo con la vanguardista "Anthem", su primer hit radial "Fly By Night", o alusiones a las narraciones y los entornos fantásticos de J.R.R. Tolkien, "Rivendell". Entre todas ellas aparecen resquicios de su pasado reciente con la hard rock "In The End", o la enérgica y solida "Beneath, Between & Behind".

"Fly By Night" esta considerado para muchos como el verdadero comienzo de trío canadiense, en el que empezaron a cimentar su legendaria carrera como una de las bandas mas importantes de la música rock del siglo 20.

Rare Earth-Ma (1973)

El sexto álbum de Rare Earth llegaba precedido de cuatro excelentes trabajos en estudio y un sensacional doble disco en directo, y se convirtió en otra de sus grandes obras gracias a un serie de canciones repletas de blues rock con reminiscencias de funk y soul.
"Ma" fue producido por uno de los productores de la escudería Motown como fue Norman Whitfield, quien a su vez fue coautor de algunos de los temas de álbum, el cual lo dotaría del sonido característico de las bandas negras del mítico sello de Detroit.
La formación de Rare Earth para este nuevo álbum distaba significativamente con respecto al de sus primeras obras, dicha formación estaba compuesta por Gil Bridges (saxo, flauta y voz), Peter Hoorebelke (batería y voces), Ray Monette (guitarra y voces), Mark Olson (teclados y voces), Pete Rivera (batería y voces) y Mike Urso (bajo y voces).
Los diecisiete minutos del repetitivo riff de guitarra de la psicodélica y excelsa “Ma” es el punto álgido de este álbum, un tema que contrasta con la hard rock zeppeliana “Hum Along and Dance”, el sentimiento soul-funk “Big John is My Name” y con la experimental “Come With Me”.
Pese a que no tuvo la misma repercusión mediática ni comercial que otras obras anteriores, “Ma” fue considerado uno de los discos de culto en el ámbito underground y con el tiempo se convirtió en uno de los álbumes mas populares de Rare Earth.
 

Keith Cross & Peter Cross-Bored Civilians (1972)

Al principio de los setenta, las influencias del sonido west coast de los hippies norteamericanos llegaba a Inglaterra, un estilo el cual seria una gran influencia para muchas bandas de británicas de la epoca.
Sin embargo el clima soleado, playero y surfista americano era una clara contradicción con la siempre lluviosa Gran Bretaña, por lo que la llamada "British West Coast" tenían un inequívoco tono tristón y melancólico, directamente conectados su clima, aunque su personalísimo folk contribuiría también a un tono algo mas sombrío y oscuro.
Una de esas bandas fueron el dúo Keith Cross & Peter Cross, dos hermanos que procedían de varias bandas como eran la progresiva T2 y Hookfoot, esta ultima la banda de acompañamiento de Elton John.
Después de componer una serie de canciones reclutan a varios músicos como los guitarristas Nick Lowe que precedía de Brinsley Schwartz y B.J. Cole ex-Cochise, además del saxofonista de Caravan Jimmy Hasting.
El único registro de esta unión fue el álbum "Bored Civilians", una de esas raras joyas muy cotizadas hoy en día debido a la conjunción del impresionante plantel de músicos y de su extraordinario contenido.
Cortes al mas puro estilo CSN o Seals & Crofts como "The Last Ocean Ride", temas folk rock aderezado de voces celestiales "Peace in the End", (esta ultima una revisión de un tema de los incomprendidos Fotheringay), canciones con una clara textura jam psicodélica "Story to a Friend", elegantes composiciones como "Loving You Takes So Long", "Pastels", "The Dead Salute" o "Bo Radley" o temas acústicos como la irresistible "Fly Home", conforman todas ellas un álbum de extraordinaria calidad.
Sin embargo poco después de la publicación la banda se separaría siguiendo cada uno de sus integrantes carreras independientes, dando así por acabada la efímera aventura de esta magnifica y olvidada banda.

Al Jarreau-Breakin´Away (1981)

Este extraordinario cantante de soul, pop y smooth jazz ha sido capaz de traspasar a lo largo de su trayectoria profesional todas las barreras musicales y llegar a un publico mayoritario gracias a su peculiar y preciosista técnica vocal. Curtido durante años en los night clubs de Los Ángeles, en 1975 un cazatalentos de la Warner lo descubre mientras actuaba e inmediatamente le propone un contrato, financiado su primer álbum lanzado algún tiempo mas tarde.
Este primer trabajo titulado "We Goy By", recibe grandes elogios tanto por la critica como por el publico, mostrando a un músico que pasaba con una facilidad pasmosa de un estilo a otro con total naturalidad, con una técnica la cual era capaz incluso de imitar a la perfección las guitarras y percusiones, con la calidez de su voz y sus alegres composiciones.
A partir de aquí la carrera de Al Jarreau obtiene una meteórica ascensión publicando una serie de álbumes que logran el beneplácito del gran publico como "Glow" (1976), "This Time" (1980) o "Breakin´Away" (1981).
Con este ultimo Jarreau logra su mayor éxito comercial y su mejor obra, una pequeña joya del mejor jazz-soul-pop, con un repertorio repleto de canciones encantadoras como la versión de Dave Brubeck "(Round, Round, Round) Blue Rondo á la Turk", la cautivadora "Breakin´Away", o la sensible pop "We´re In This Love Together".
Sin embargo gran parte del mérito de este álbum esta en la exquisita producción de Jay Graidon y en un plantel de músicos entre los que se encontraban George Duke, David Foster, Steve Lukather, Bill Champlin, Tom Scott o Jeff Porcaro entre otros afamados músicos de sesión de la costa oeste norteamericana.
Con el paso de tiempo Al Jarreau lograría obtener con sus posteriores álbumes nueve premios Grammy en las categorías de jazz, pop y rhythm and blues, convirtiéndose en el único artista en lograr semejante hazaña.

Hiro Yanagida-Hirocosmos (1973)

Hiro Yanagida fue un aventajado teclista que perteneció a las emblemáticas bandas niponas Food Brian y Love Live Life + One, con los que grabaría los interesantes "Bansan (Social Gathering)" (1970) y "Love Will Make A Better You" (1971), dos magníficos trabajos enfocados al space rock y la música psicodélica.
Una vez había abandonada esta ultima Hiro formaría su propia banda y lanzaría cinco álbumes, aunque ya antes de abandonar Love Live Life + One, había lanzado su primer álbum titulado "Milk Time" donde proponía un estilo no muy alejado del rock psicodélico basado en el sonido del órgano pesado, unas guitarras acidas y agresivas y la improvisación instrumental.
A este debut le seguirán los continuistas "Nanasai No Rohjin Tengoku" (1971), "Hiro" (1972), "Folk & Rock Best Collection-The World Of Hiro Yanagida" (1972) y "Hirocosmos" (1973), el cual fue su epilogo y obra cumbre.
En esta ultima entrega Hiro se adentra en sonidos mas jazzisticos como "Ode To Taurus", un claro corte de jazz-fusión progresivo, o "Breaking Sound-Barrier", otra excelente muestra de jazz rock.
Los sonidos del latín rock al mas puro estilo Santana están presentes en "Happy Cruise", mientras que la heredera a los sonidos Canterbury "Rockomotion", la progresiva "Uncertain Trip" y la atmosférica "Time For Reverie", completan un álbum adelantado a su tiempo, con un estilo cercano al jazz rock progresivo muy emparentado a las bandas británicas Caravan y Camel.

Ross-Ross (1974)

Esta desconocida y olvidada formación fue en un principio la banda de acompañamiento del bajista de The Who, John Entwistle para la gira promocionado su álbum en solitario “Rigor Mortis Sets In” (1973).
Sin embargo pese a ensayar durante algunos meses el repertorio a interpretar en vivo, la gira se suspendería por los problemas contractuales del propio bajista.
Debido a este contratiempo la banda que estaba compuesta por el teclista ex-Indian Summer, Bob Jackson, el batería Reuben White, el vocalista y guitarra Alan Ross, el bajista Steve Emery y el percusionista Tony Fernandez, decidieron grabar un disco y iniciar una carrera independiente.
Este primer álbum titulado homónimamente, es una interesante mezcla de sonidos funky, jazz, y influencias de hard rock progresivo que fue lanzado bajo el prestigioso sello RSO, subsidiaria de la Polydor .
Para promocionar este primer trabajo la banda se embarcaría en varias giras por los Estados Unidos teloneando a Eric Clapton en su gira “461 Ocean Boulevard Tour”, obteniendo un discreto éxito pero con unas expectativas bastante prometedoras.
Después de la gira por tierras americanas, la banda volvería a entrar en los estudios para grabar su segundo larga duración que tendría al destacado productor Bruce Botnick, conocido por sus trabajos frente a The Doors como ingeniero de sonido.
Este segundo álbum fue creado a modo conceptual basado en la poesía de Edgar Allan Poe titulado “The Pie & The Pendulum” (1974), que pese a su innegable calidad pasaría inadvertido para el gran publico.
Este hecho precipitaría la disolución definitiva de la banda, dando así por terminada la carrera de una de las bandas mas prometedoras del rock británico de los setenta.

Jethro Tull-Rock Island (1989)

En 1989 Jethro Tull venían de obtener el Grammy al mejor álbum de hard rock por su brillantísimo “Crest of a Knave”, un galardón que sorprendió a propios y extraños, además de suscitar una controvertida polémica.
La extrañeza de este premio fue que seria otorgado a una banda eminentemente de folk rock progresivo y que a excepción de algunos momentos puntuales en su carrera, ellos nunca se habían desviado al genero hard rock como para catalogarla como banda de ese genero.
Así que de alguna manera con su siguiente trabajo publicado en los albores de la década de los noventa, Jethro Tull irónicamente se acercan descaradamente al hard rock con su trabajo “Rock Island” y de paso abandonan los "tecnológicos años 80", otorgando a Martin Barre y sus poderosos riffs de guitarra hard rock el protagonismo absoluto, dejando en parte de lado los habituales sonidos pastorales y las guitarras acústicas del folk británico.
Líricamente Ian Anderson sigue con sus metafóricas letras, esta vez tratando la soledad de la sociedad actual entre otros temas mas recurrentes como el hogar y la familia.
Pese a que en diferentes momentos aparece esa sensibilidad folk característica, son los sonidos vibrantes y enérgicos los que inundan este decimoctavo álbum de la banda británica como queda sentado en cortes como “Kissing Willie”, “The Rattlesnake Trail”, “Rock Island”, “Big Riff and Mando” o “Heavy Water”, mientras en “Ears of Tin” o “Another Christmas Song”, regresan a su peculiar y fascinante estilo. Por otro lado son "The Whaler´s Dues" y "Strange Avenues" los cortes mas progresivos del álbum.

Electromagnets-Electromagnets (1974)

Electromagnets fue una interesante banda de jazz-rock que son conocidos por albergar en su formación a un jovencísimo Eric Johnson, el cual ya despuntaba maneras para convertirse en uno de los grandes guitarristas del jazz y el blues rock.
Formada originalmente bajo el nombre Aussenhorowitz en 1974 por el teclista Stephen Barber y el batería Bill Maddox, pronto se les unieron el bajista Kyle Brock y el guitarrista Eric Johnson, cambiando el nombre por el definitivo Electromagnets. Ese mismo año y bajo el sello EGM Records grabaron su homónimo álbum debut, y a la postre su único lanzamiento, en donde muestran el virtuosismo instrumental de los cuatro músicos, en especial los hábiles y sinuosos teclados jazzisticos de Barber y los sonidos eclécticos de la guitarra de Johnson.
Temas como la funk rock “Hawaiian Punch”, la enérgica jazz rock “Dry Ice” o la dinámica jazz fusión “Blackhole”, muestra la maestría sobresaliente de Electromagnets, que junto a una excelente producción se encuentra entre lo mas destacado del jazz rock de mediados de los setenta, casi a la altura de las grandes bandas del genero como Weather Report o Return to Forever.

Rainbow-Rising (1976)

El segundo álbum de Rainbow, lanzado casi un año después de su debut “Ritchie Blackmore´s Rainbow”, esta considerado unánimemente como una de las obras maestras del hard rock, así como una de las piedras angulares sobre la que años mas tarde se crearía el prog metal.
Rebosante de cortes impresionantes, son interpretados por una banda de ensueño conformada por Ritchie Blackmore, Ronnie James Dio, Tony Carey, Cozy Powell y Jimmy Balin, bajo la producción de Martin Birch.
Desde la inicial “Tarot Woman” con una introducción hipnótica a base de sintetizadores para luego convertirse en un corte aplastante de hard rock, hasta la acelerada “A Light in the Black”, ocho minutos de ritmos frenéticos en donde los teclados de Carey y la batería de Powell despejan cualquier duda de las habilidades instrumentales de ambos músicos, el álbum se va desarrollando de manera incomparable y antológica.
El resto no le va a la zaga, ahí están la intrigante “Starstruck”, el tour de force “Stargazer” y la pegadiza “Do You Close Your Eyes”, todas ellas interpretadas de manera grandilocuente y hasta positivamente pretenciosa, con un Blackmore impresionante a las seis cuerdas y un Dio operístico y sublime, confirmando su liderazgo como uno de los cinco mejores vocalistas del heavy metal y el hard rock de toda su historia.
“Rising” es sin ninguna duda una de las llamadas “joyas de la corona” de la música contemporánea e imprescindible en cualquier colección de música rock que se precie.
 

Tuck & Patti-Love Warriors (1989)

Este dúo musical, además de matrimonio, comenzaron su rutilante carrera de manera casual a finales de los 70 en San Francisco, donde ambos coincidieron para la audición de una banda local.
Ambos ya tenían tras de si una amplia experiencia musical, por un lado la vocalista Patti Cathcart había pertenecido a diferentes bandas de la bahía de San Francisco, destacando una breve colaboración junto a los Kingfish, banda en donde coincidiría con el guitarrista de Grateful Dead, Bob Weir.
Por su parte Tuck Andress era un veterano guitarrista que pese a su juventud había participado en varias bandas de rock y jazz, entre las que destaca Sonny and Cher y otras bandas locales de la zona de Los Ángeles.
En 1978 y después de conocerse decidieron trabajar como dúo, y durante años fueron desarrollando su peculiar estilo que navegaba entre el jazz vocal, el pop intimista, el R&B, el folk y el gospel.
Durante esos años recibirían varias ofertas de diferentes sellos discográficos, los cuales fueron siempre rechazados por el dúo, al considerar que aún necesitaban perfeccionar mas su estilo.
Ya en 1988 el sello Windham Hill les ofreció un contrato por tres álbumes, una oferta que no rechazarían, publicando ese mismo año su primer álbum "Tears of Joy", el cual obtuvo buenas criticas y una meritorias ventas.
En la portada de este primer disco venia impresa una pegatina que rezaba "álbum grabado sin sobre grabaciones, ni músicos de acompañamiento, ni arreglos electrónicos, solo nosotros dos actuando en tiempo real".
Un año después aparecería "Love Warriors", un atractivo trabajo en donde se alternaban temas de cosecha propia con atractivas versiones como "Europa" de Santana, "Castles Made Of Sand/Little Wing" de Jimi Hendrix o "Honey Pie" de The Beatles.
Posteriormente este segundo disco seria elegido el mejor álbum de jazz contemporáneo en la costa oeste norteamericana, fortaleciendo así la carrera posterior de este brillante e imprescindible dúo.

Canned Heat-Living The Blues (1968)

En 1968 Canned Heat entregaban su tercer trabajo titulado "Living The Blues", un ambicioso doble álbum en donde aparecían entre otros soberbios temas, uno de sus hits mas emblemáticos, el himno rural hippie "Going Up The Country".
En esta tercera entrega del grupo liderado por Alan Wilson y Bob Hite, muestran una clara evolución hacia el blues experimental, modernizando su sonido y demostrando la destreza y el conocimiento de las pasiones musicales de todos sus integrantes.
Llegados a este punto la banda ya estaba consolidada con su formación mas clásica, además de los citados Alan Wilson guitarra, voz y armónica y Bob Hite, vocalista, se encontraban Larry Taylor al bajo, Henry Vestine a la guitarra y Adolfo Fido de la Parra a la batería.
Este monumental doble álbum contiene algunos de los mejores logros del blues y boogie blues de toda su historia, impregnados de sonidos jazzisticos, acid rock y psicodélica, todo ello interpretado con una gran sabiduría, destreza, pasión y energía.
Desde la mencionada y fabulosa "Going Up The Country", hasta la jam vorágine "Refried Boogie", 40 minutos de alucinante blues rock, en cierta medida también algo indulgente, pasando por las tremendas versiones de artistas como Jimmy Rogers "Walking By Myself", o "Pony Blues", una revisión del clásico de Charly Patton, o apabullantes blues "Sandy´s Blues", "Boogie Music" y "One Kind Favor", sin olvidarnos del magnifico y talentoso medley "Parthenogenesis", toda una epopeya sublime de acid rock, experimentación y blues
"Living The Blues" es la obra cumbre de una banda como Canned Heat antes de que la muerte, las drogas y las disputas internas comenzasen a hacer mella entre sus integrantes. Pero antes de que esto sucediese aún tuvieron tiempo de publicar dos alucinantes álbumes mas como fueron "Hallelujah" (1969) y "Future Blues" (1970).

Renaissance-Ashes Are Burning (1973)

En el cuarto álbum de Renaissance, publicado en 1973, la banda liderada por la inconfundible voz de Annie Haslam, el sinuoso bajo de JonCamp y los magníficos teclados renacentistas de John Tout, muestra un claro y solido giro hacia los derroteros del folk rock sinfónico.
En este trabajo la banda lograba la madurez necesaria para mostrar el equilibrio perfecto entre el folk, el rock y la música clásica.
Desde la inicial "Can You Understand", Renaissance muestra perfectamente la síntesis atractiva de la música folclórica y el rock sinfónico emulando la filosofía de la música clásica con un énfasis muy poderoso.
Un tema que tiene influencias de los compositores clásicos rusos como Rachmaninov y Prokofiev. La dulce balada "Let it Grow", muestra las excelencias vocales de Annie Haslam en un gran estado de gracia, mientras que la arreglada y acústica "On The Frontier" nos deja ese regusto que la banda tiene por la música renacentista.
La melódica y orquestal  "Carpet of the Sun" da paso a la mas ambiciosa "At The Harbour", que junto al cierre "Ashes Are Burning", en donde participa el guitarrista de Wishbone Ash, Andy Powell, con un soberbio solo de guitarra, son los momentos mas progresivos de uno de los álbumes mas brillantes del grupo británico, que culminaría con los posteriores y sobresalientes "Turn of the Cards" y "Scheherazade and Other Stories" .

Rare Bird-Rare Bird (1969)

Rare Bird esta catalogada como una de las bandas pioneras del llamado proto-prog que tenían como singularidad el contar con dos teclistas, una batería y un bajista pero que adolecían de un guitarrista, algo poco habitual en los cánones de la música rock.
Su estilo basado en los teclados, se anticipo a su tiempo creando sensaciones musicales que en su momento eran aún desconocidos.
Su formación estaba comprendida por Graham Field en el órgano, David Kaffinetti en el piano eléctrico, Steve Gould en la voz y el bajo y Mark Ashton en la batería.
A finales de 1969 y bajo el recién estrenado sello Charisma, publicaron su primer álbum homónimo el cual contenía el hit mundial "Sympathy", un corte impregnado de órgano con unas letras significativas de tono oscuro y melancólico.
El resto estaba compuesto por una serie de temas tan atractivos como pegadizos como la relajante "Bird On A wing", la melodía gótica de "Gods Of War", la pegadiza "Nature´s Fruit”, la dinámica "Melanie" o la brillante "Beautiful Scarlet".
En definitiva un debut que brilla principalmente por la versatilidad de los dos instrumentos de teclados y un sonido exuberante y creativo, demostrando lo grandioso y diverso que fue el rock progresivo en sus comienzos.

Touch-Touch (1969)

Touch fueron una de las primeras bandas norteamericanas de rock progresivo y vanguardista, pero que ha permanecido sepultada y olvidada injustamente bajo el manto de otras tantas formaciones coetáneas mas mediáticas.
Fundada por el ex Kingsmen Don Galluci, famoso por su atemporal riff de guitarra en la canción "Louie Louie" de 1963 y los ex integrantes de la banda Don & The Goodtimes; Jeff Hawks (cantante) y Joey Newman (guitarra), los cuales quisieron alejarse de las limitaciones de las típicas canciones pop de los sesenta para adentrase en composiciones mas arriesgadas y vanguardistas.
Como resultado de esta unión nació Touch, que con la incorporación del bajista Bruce Hauser y el batería John Bordorano, grabaron un álbum homónimo entre finales de 1967 y principios de 1968.
Este a la postre su único publicado, seria muy apreciado por figuras tan legendarias como el propio Jimi Hendrix, Jon Anderson (cantante de Yes) o el guitarrista de Kansas, Kerry Livgren, los cuales afirmaron que esta fue una de sus principales influencias al principio de sus carreras.
Compuesto por una amalgama de sonidos que se movían entre el rock psicodélico y el progresivo bastante pretencioso, con ramalazos del pop mas desenfadado pero al mismo tiempo con auto indulgencia, es todo un documento sonoro histórico que aunque hoy en día pueda sonar algo primitivo, contiene grandes interpretaciones y meritorios arreglos, conceptos estos que algún tiempo mas tarde se verían reflejados en los lanzamientos de muchas de las bandas británicas del rock progresivo y los sonidos underground.

Emerson Lake & Palmer-Emerson Lake & Palmer (1970)

Junto a Cream, Blind Faith y Crosby Stills Nash and Young, Emerson Lake and Palmer fueron de las primeras superbandas de la historia y junto a los primeros iniciaron el concepto de power trío, elevándolo hasta su mayor esplendor.
Ellos edificaron un genero único con unos poderosos teclados, combinados con la música orquestal, una batería grandiosa y la emotividad de un prodigioso cantante.
Su álbum debut esta considerado entre los mayores logros de la música rock con un despliegue técnico descomunal, demostrando el poderío instrumental de cada uno de los músicos que componían esta legendaria formación.
Desde la introducción frenética y apoteósica "The Barbarian", hasta la calidez de la sensible balada "Lucky Man", pasando por la progresiva medio tiempo "Take A Pebble", la pesada "Knife-Edge", la monumental e instrumental "Tank" o la pretenciosa "The Three Fates", todo un escaparate del virtuosismo de Emerson con los teclados, conforman todas ellas un álbum esencial y único en el rock progresivo.
Sin embargo este seria el trabajo mas ecléctico y menos pretencioso del trío, a partir de aquí se sumergieron en complejos y sofisticados trabajos de intrincados arreglos como quedaría demostrado en los siguientes "Tarkus", "Trilogy" y "Brain Salad Surgery".

Steve Hillage-Live Herald (1979)

“Live Herald” es un doble álbum en vivo del guitarrista Steve Hillage, grabado durante las gira posteriores a su tercer y cuarto trabajo, “Motivation Radio” y “Green”, en diferentes localizaciones de Londres y sus alrededores.
Grabado en la cima de su popularidad, (Hillage venia precedido de sus exuberantes trabajos junto a las bandas Khan y Gong y a su propia y brillante carrera en solitario), su repertorio esta basado principalmente en cortes pertenecientes a los álbumes “Fish Rising”, “L” y “Motivation Radio”, además de contener algunas interesantes versiones como “Hurdy Gurdy Man” de Donovan” o “It´s All too Much” del ex-Beatle George Harrison.
Con un sonido excelente, la interpretación de Hillage se torna ligeramente mas hard rock en contrapartida a los sonidos atmosféricos de sus discos en estudio, en donde su distintivo trabajo de guitarra apoyado por los tonos sinfónicos de los sintetizadores de cuerda, le otorgan una gran singularidad y un plus de diversidad estilística.
Cortes como "The Golden Vibe”, con un gran clímax apoteósico, la extensa “Searching for the Sparks” o la suite “Radiom/Lunar Musick Suite/Meditation of The Dragon”, confieren a este rutilante directo, el punto culminante a la carrera de uno de los mejores y mas reputados guitarristas británicos de todos los tiempos.

Jane-Together (1972)

Jane fueron otra de las grandes bandas del krautrock, que junto a Amon Duul II, Grobschnitt y Guru Guru continuaban llevando el estilo originario alemán de los setenta hasta casi bien entrada la década del 2000.
Fundada en Hannover a finales de los sesenta por el vocalista Bernd Pulst y el batería Peter Hanka, a los que se unieron el guitarrista Klaus Hess, el organista Werner Nadolny y el bajista Charly Maucher.
Después de firmar con el sello germano Brain graban su primer álbum que es publicado en 1972 bajo el titulo de "Together", en el cual muestran un exuberante trabajo de órgano Hammond, unas guitarras acidas y grandes interludios instrumentales.
Sin embargo en este primer álbum Jane muestran un estilo menos sinfónico que en sus sucesivos trabajos, centrando su música hacia derroteros de blues rock progresivo como demuestra cortes como el psicodélico hard rock "Wind" o la blues rock "Try to Find", mientras la progresiva "Daytime" o la epopeya "Spain" muestran el lado pesado y oscuro de su hard rock progresivo, con un sonido muy emparentado con sus coetáneos Deep Purple o Uriah Heep.
En los sucesivos años Jane ira produciendo una serie de trabajos mas enfocados al rock sinfónico entre los que destacan los brillantísimos "Here We Are" (1973), "Jane III" (1974), "Fire, Water, Earth & Air" (1976) o "Between Heaven and Hell" (1977), sin olvidarnos de su antológico doble álbum en directo "Jane At Home Live" de 1977.

Talk Talk-Spirit Of Eden (1988)

Fundada a principios de los ochenta por el multi-instrumentista Mark Hollis, Talk Talk comenzaron moviéndose por los sonidos cercanos al synth pop vanguardista y dentro de ese marco salieron a la luz dos interesantes trabajos como fueron “The Party´s Over” y “It´s My Life”, los cuales levantaron cierto interés entre el gran publico.
Con el tercer y brillante “The Colour of Spring”, la banda evoluciona hacia un sonido mas experimental y en cierta medida progresivo, como queda demostrado en las soberbias composiciones “I Don´t Believe In You”, “Living in Another World” y “Give it Up”.
Sin embargo el sonido que los definiría fueron sus dos siguientes obras, este “Spirit of Eden” y el siguiente “Laughing Stock”.
En ambos discos la banda adopta un estilo libre y abstracto, con una serie de cortes que se revelan como paisajes sonoros delicadamente construidos en donde cada nota es poderosamente emocional.
Llegados a este punto podríamos considerar que Talk Talk son para el pop rock lo que King Crimson fueron para el rock progresivo, entre otras cosas por sus texturas musicales abstractas tan cambiantes a lo largo de toda su carrera.
En “Spirit Of Eden”, Talk Talk muestra su eclecticismo y su faceta sombría y oscura en los cortes “The Rainbow” y “Wealth”, el desafío vanguardista en “Inheritance”, las melodías terrenales con la agradable “I Believe in You” o el rock convencional con la memorable “Desire”.
“Spirit Of Eden” se convirtió en un álbum tan desafiante como atractivo, demostrando la genialidad de un Mark Hollis creando una obra que difícilmente tenga parecido a todo lo que se haya grabado hasta la actualidad.

Clark Hutchinson-Retribution (1970)

Aquí tenemos otra de esas fantásticas bandas de culto que apenas tuvieron recorrido en el mundo del rock, pero que dejaron tras de si algunos de los mejores discos de la década de los 70.
Fundada a finales de los 60 por los multiinstrumentistas Andy Clark y Mick Hutchinson, los cuales grabarían como dúo el album “A=MH²”, en el que tocaban todos los instrumentos que iban desde el órgano hasta las guitarras, pasando por el bajo, percusiones, instrumentos de viento y teclados. Este primer disco estaba claramente influenciado por las composiciones orientales y exóticas con una base en el hard rock.
Después de este álbum la banda se ampliaría con dos nuevos miembros como fueron el bajista Steve Amazing y el batería Del Coverley.
Con esta formación se grabaría el segundo “Retribution”, todo un vendaval de blues rock lisérgico y pesado con unas desgarradoras voces y unas alucinantes guitarras sobrecogedoras y tremendamente poderosas.
Temas como la heavy blues “Free To Be Stoned”, la pesada y melancólica “Best Suit”, la rhythm and blues “After Hours" o la furiosa “Death, The Lover” conforman un disco brutal del mejor heavy blues de los años 70.
Un año mas tarde llegaría el tercer álbum “Gestalt” en donde mostraban un blues rock mas convencional y previsible pero igualmente arrollador. Ya posteriormente se publicaría el cuarto y ultimo trabajo “Blues”, con temas perteneciente a sus primeros años y que nunca antes fueron lanzados de manera oficial.

Wallenstein-Blitzkrieg (1972)

Wallenstein fueron una de las bandas mas importantes y longevas del llamado rock alemán, manteniéndose en activo durante prácticamente toda la década de los 70 y principio de los ochenta.
Formada en 1971 inicialmente como Blitzkrieg en la ciudad de Viersen al oeste de Alemania, estaba formada por el teclista Jürgen Dollase, el guitarrista Bill Barone, el bajista Jerry Berkers y el batería Harald Großkopf.
Casi inmediatamente fichan por el sello germano Pilz quienes les aconsejan cambiar de nombre para no coincidir con una banda británica del mismo nombre.
Ya como Wallenstein graban su primer álbum titulado "Bliztkrieg" (1972), bajo la producción de afamado Dieter Dierks. Este primer trabajo los catapulta como una de las sensaciones del rock progresivo alemán de ese año gracias a un estilo fusionando la música clásica, el rock psicodélico y el hard rock progresivo.
Compuesto por cuatro largos temas, todos ellos interpretados de manera virtuosa por la banda al completo, tienen sin embargo en Dollase como el principal protagonista con unas impecables habilidades con los teclados atmosféricos y su estilo clásico, que son el perfecto contrapunto a las vertiginosas y abrasadoras guitarras heavy rock y una sección rítmica enérgica y dinámica.
Wallenstein tienen un lugar preferente en los anales de la historia de la música krautrock por haber dejado tras de si una serie de álbumes imprescindibles muy apreciados por los fans del rock progresivo y por la critica especializada.

David Crosby-If I Could Only Remember My Name (1971)

David Crosby es un icono de la música norteamericana, el fue un formidable percusor de los sonidos folk y country como queda demostrado en los soberbios álbumes junto a The Byrds; “Mr. Tambourine Man”, “Turn! Turn! Turn!”, “Fifth Dimension”, “Young Than Yesterday” o “The Notorious Byrd Brothers”, todos ellos obras fundamentales del genero publicadas a finales de los años 60.
Tras abandonar The Byrds, Crosby se uniría al ex Buffalo Springfield, Stephen Stills y al ex The Hollies, Graham Nash para formar CSN con los que grabaría el antologico disco homónimo “Crosby, Stills & Nash” en 1969 y “Déja Vu” un año después con la inclusión del guitarrista canadiense Neil Young, formando así una de las mayores y mas aclamadas superbandas de la historia de la música rock.
A principios de 1971 David Crosby no pasaba por su mejor momento debido a las adición a la marihuana y otras sustancias y a la muerte de su novia en un trágico accidente automovilístico.
Fruto de todo ello fue el resultado de su primera grabación en solitario “If i Could Only Remember My Name” lanzando en febrero de 1971 y en la cual contaría con la colaboración de sus ex compañeros Graham Nash y Neil Young, la cantante Joni Mitchell, el guitarrista de Jefferson Airplane, Jorma Kaukonen o el líder de los Grateful Dead, Jerry Garcia, entre otros muchos mas.
“If i Could Only Remember My Name” esta confeccionado por breves inspiraciones de maestría musical, con grandes armonías vocales y una gran dimensión político y social, representando diferentes estilos como el flower power o el folk psicodélico.
Repleta de canciones profundas como la embriagadora “Music is Love”, la capella “I´d Swear There Was Somebody Here”, la angelical “Orleans”, la acústica “Traction In The Rain”, la filosófica “Laughing” o el tour de Force “Cowboy Movie”, conforman un álbum algo caótico pero al mismo tiempo absolutamente brillante.

Rush-Counterparts (1993)

Con su decimoquinto álbum, Rush volvieron a reivindicar su sonido primitivo y básico del hard rock de sus inicios, ofreciendo un trabajo con canciones con menos complejidad y mas viscerales, desapareciendo casi por completo los sintetizadores y teclados tan presentes en sus álbumes de los ochenta.
Incluso las letras se tornan mas genéricas y abstractas a excepción de la letra de “Nobody`s Hero”, la cual suscito cierta polémica por sus explícitas referencias a la homosexualidad y el sida. En el resto la banda continua tratando temas como la intolerancia, el crimen o la ambición humana.
Los poderosos riffs de guitarra de Alex Lifeson cobran aquí nuevamente el rol principal dotando el sonido cercando al hard rock como queda demostrado en los cortes “Animate”, “Stick it Out”, “Cut to the Chase”, “Double Agent” o en la excelente instrumental “Leave That Thing Alone”.
En contrapunto a estas aparecen la mencionada “Nobody´s Hero”, o las edificantes “Alien Shore” y “Everyday Glory”, las cuales nos retraen sutilmente a los sonidos de sus álbumes de los 70.
Para muchos de sus fans y gran parte de la critica, este fue el mejor álbum de la banda en la década de los 90, el cual lograría un numero dos en las listas del Billboard y varios discos de oro y platino por sus ventas en el mercado norteamericano.  

Jeff Beck-Blow By Blow (1975)

Estamos ante uno de lo discos imprescindibles dentro de los llamados álbumes orientados a la guitarra eléctrica, y es que este “Blow by Blow" esta considerado una de las obras maestras del jazz-rock y el punto culminante del guitarrista Jeff Beck, el cual hace ahora justo un año, fallecería a los 78 años de edad.
Aunque "Blow by Blow" es cronológicamente su quinto álbum, en realidad era su segundo trabajo firmado en solitario, (el primero habia sido el interesante "Truth" publicado en 1968), y que después de disolver su banda compuesta por Tim Bogert y Carmine Appice y con los que lanzaría los apabullantes "Beck-Ola" (1969), "Rough and Ready" (1971), "The Jeff Beck Group" (1972), y "Beck, Bogert and Appice" (1973), además del directo "Beck, Bogert and Appice; Live in Japan" (1974), este ultimo solo publicado en el mercado nipón, decidiría continuar su carrera en solitario.
Producido por el llamado quinto Beatle, George Martin, en esta segunda entrega, Beck contaría con la colaboración del teclista Max Middleton, el bajista Phil Chen y el batería Richard Bailey, además de la aparición estelar de Stevie Wonder y los arreglos orquestales del mencionado George Martin.
"Blow By Blow" se caracteriza por ser uno de los primeros álbumes de Jeff Beck en adentrase por completo en el jazz-fusión y el jazz-rock, alejándose de los sonidos de hard rock y blues de sus primeras entregas.
El álbum al completo reboza de momentos memorables como la funk jazz "You Know What I Mean", la emocionante "She´s A Woman", las jazz rock poderosas "Constipated Duck", "Airblower" y "Scatterbrain", la emblemática "Cause We´ve Ended as Lovers" o la inmortal y todo un clásico de las radios FM norteamericanas "Freeway Jam".

Sea Level-Sea Level (1977)

Sea Level fue una magnifica banda norteamericana que tuvieron bastante repercusión a mediados de la década de los 70.
Formada por algunos ex miembros de The Allman Brothers Band como eran el teclista Chuck Leavell, el baterista Jai Johanny Johanson y el bajista Lamar Williams.
Sin embargo ya antes de abandonar a los mencionados The Allman Brothers, estos tres músicos ya habían formado la banda paralela We Three, con la cual incluso llegaron a telonear a su banda madre durante la gira norteamericana promocionado el album "Win, Lose or Draw", participando cada noche en ambas bandas.
Tras la primera disolución de los Allman acontecida a finales de 1976, los tres músicos mas el guitarrista Jimmy Neals deciden seguir como Sea Level, firmando un contrato con la Capricorn Records, quienes les producen su primer álbum titulado homónimamente "Sea Level" en 1977.
El estilo de esta nueva banda no se alejaba demasiado de lo que hacían con los Allman, con un southern rock con notorias influencias de jazz y funk.
En este primer álbum esta compuesto por una irresistible colección de temas rutilantes como la instrumental jazz-rock "Tidal Wave", la jazzistica "Shake Leg", la brillante "Rain In Spain", la funk “Country Fool”, o las southern rock "Just A Good Feeling", "Nothing Matters But The Fever" y "Grand Larceny".
Después del buen recibimiento por parte del publico y la critica, la banda seguirá publicando una serie de interesantes trabajos como "Cats On The Coast" (1977), “On The Edge" (1978), "Long Walk on a Short Pier" (1979) y "Ball Room" (1980).
Posteriormente Chuck Leavell pasaría a engrosar como músico de sesión y de apoyo en los Rolling Stones, puesto que ocuparía desde 1983 hasta el año 2016, por lo que la banda se disolvería definitivamente a mediados de 1982.

Jefferson Airplane-After Bathing At Baxter´s (1967)

Si un álbum como "Surrealistic Pillow", (el segundo trabajo de Jefferson Airplane), resultaría tan influyente como revolucionario en el mundo del rock, en realidad no dejaba de ser un disco repleto de canciones estándar de rock innovador, en cambio con su siguiente lanzamiento, el grupo californiano cruzaría radicalmente su estilo hacia terrenos mas experimentales y psicodélicos.
“After Bathing at Baxter´s” esta considerado su álbum mas exigente y el mas cercano a los subgéneros psicodélicos y el avant-garde, el cual esta reconocido unánimemente como una de las piezas maestras del proto/early prog rock.
Si en el anterior fue el guitarrista Marty Balin quien asumiera la autoría de gran parte de las composiciones, aquí seria el también guitarrista Paul Kantner, quien tomara mucho mas protagonismo explorando temas mas vanguardistas y menos accesibles.
Su obsesión por temas recurrentes como la ciencia ficción, se deja ver en cortes repletos de momentos disonantes y atonales como “Watch Her Ride” o “Spare Chaynge”, locuras vanguardistas; “Small Package of Value Will Come to You, Shorty” o viajes lisérgicos de folk/psicodélico; “Martha” y “Rejoyce”, mientras la continuista “Two Heads”, nos deja un sabor heredero a la clásica e inmortal “White Rabbit” del mencionado “Surrealistic Pillow”.
Incluso se atreven a mostrar su lado exótico con los sonidos orientales de guitarras tipo raga en la extraña pero brillante mini suite “Won´t You Try/Saturday Afternoon”.

Jethro Tull-Living In The Past (1972)

"Living In The Past", el quinto álbum de Jethro Tull, es un semi-recopilatorio que presenta una gran cantidad de canciones inéditas que no pertenecen a ningún álbum anterior, algunas de ellas publicadas originalmente en las caras B de los singles, además de otras que fueron desechadas para sus discos oficiales, que fue lanzado en 1972 en formato de doble LP.
Este doble álbum contiene una serie de temas que no conocían previamente muchos de los aficionados de la época, pertenecientes al periodo comprendido entre 1968 y 1971, por lo que para la gran mayoría fue visto como un nuevo álbum oficial y no una mera recopilación al uso.
Al tratarse de un disco que contiene obras de diferentes épocas, es sumamente interesante observar la evolución de la banda desde sus comienzos de blues y folk hasta los sonidos hard rock y progresivos que fueron imprimiendo a medida que fueron transcurriendo esos primeros años de la carrera de la banda.
El folk, el blues y las influencias de jazz están presentes en cortes como "Song for Jeffrey", "Love Story", "Bourée", "Driving Song" o "Witch´s Promise", mientras la vena mas experimental la encontramos en "Sweet Dream", "Singing all Day", "Life Is A Long Song", "Dr. Bogenbroom" o la progresiva "Living In The Past".
Por derecho propio "Living in the Past" se ha convertido en un disco imprescindible en la discográfica de Jethro Tull y probablemente uno de sus mejores trabajos, pese a llevar la camuflada etiqueta de recopilatorio.

Queen-Queen II (1974)

No demasiado contentos con su álbum debut algo prometedor, pero sin una clara cohesión ni un estilo definido, Queen regresaron un año después con su segundo trabajo, un soberbio y magistral disco que esta entre los mejores de la década de los 70.
Dividido en dos partes bien diferenciadas, en cierto modo esta concebido como un álbum conceptual, con una cara denominada “Side White”, escrita casi totalmente por Brian May y una segunda, “Side Black” compuesta en su totalidad por Freddie Mercury.
Desde la majestuosa intro “Procession” hasta el canto final que concluye con el asombroso “Seven Seas Of Rhye”, este “Queen II” apenas tiene un solo corte que desmerezca de cualquier otro de toda su amplia y rica discografía.
Las maravillosa melodía del hard rock “Father To Son” y la conmovedora “White Queen (As It Began)", con unos pasajes desgarradores de guitarra, son contrarrestados por la encantadora “Some Day One Day” y la sorprendente “Loser In The End”, esta ultima contribución de Roger Taylor, la cual representa un genero atípico en la dirección general del álbum, y que cierra un primera cara emocionante y de gran belleza.
Con la segunda cara, “Side Black”, Mercury va un paso mas allá, proporcionando algunas de las mejores canciones de Queen, empezando por la metálica “Ogre Battle”, la cual nos deja sin aliento impulsada por sus increíbles voces y los poderosos riffs de guitarra, le sigue la innovadora “The Fairy Feller´s Master-Stroke”, con una estructura compleja y progresiva.
La breve balada “Nevermore”, es rematada por la epopeya “The March Of The Black Queen”, con unas voces armónicas sobresalientes y un gran dinamismo instrumental.
Mientras “Funny How Love Is”, proporciona un alivio entre tanta música apoteósica antes de que la gloriosa “Seven Seas Of Rhye”, culmine uno de los álbumes mas sobresalientes de la historia de la música rock.

Jethro Tull-A (1980)

Concebido por Ian Anderson como un concepto en torno a las turbulencias y tensiones de la sociedad moderna con el objetivo de convertirlo en un álbum en solitario, el solo hecho de terminar lanzado como un álbum de Jethro Tull, condenaría al decimotercer álbum de la banda titulado "A", el ser muy controvertido entre sus fans mas puristas y gran parte de los críticos de la época.
Gran parte de esa controversia viene dado por el fuerte impulso de los sintetizadores cortesía de Eddie Jobson y a los sonidos cercanos al synthpop tan de moda en la década de los ochenta.
Para esta nueva aventura, Anderson había prescindido de gran parte de la formación clásica de Jethro Tull, que a excepción del guitarrista Martin Barre, ya no aparecen los teclistas John Evan y David Palmer, el bajista John Glascock ni el batería Barriemore Barlow, sustituidos por el mencionado Jobson, el percusionista Mark Craney y el bajista Dave Pegg.
Sin embargo pese al tremendo varapalo que obtendría por una parte de sus fans, “A” esta confeccionado a modo experimental con codificadores de voz y una interesante mezcla de electrónica vanguardista, rock, folk e incluso influencias orientales como queda patente en el tema “Uniform”.
La solidez de este álbum esta claramente demostrada en cortes como la rock con tintes funk “Crossfire”, el progresivo electrónico “Fylingdale Flyer” o la mini epopeya “Black Sunday”, sin duda la composición mas lograda y progresiva del álbum.
El resto de cortes bajan considerablemente de calidad, apuntando al patrón habitual de la canción pop-rock, aunque de innegable calidad como la sarcástica “Batteries Not Included”, la exótica “Uniform”, o la infecciosa blues rock “4.W.D. (Low Ratio)".
En definitiva “A” constituye uno de los mejores ejemplos de la evolución de la música progresiva en la década de los ochenta, la cual supuso el fracaso de muchas de las grandes bandas de los 70 que no supieron adaptarse a los nuevos sonidos y los gustos musicales de una nueva era mas tecnológica.

U.K.-Danger Money (1979)

"Danger Money" fue la segunda y última grabación de estudio del grupo británico de rock progresivo U.K. y pese a que no obtuvo las excelencias de su predecesor homónimo, sigue siendo una brillante muestra del rock progresivo de finales de los 70. En ese momento, dos de los pilares de la formación original, el baterista Bill Bruford y el guitarrista Alan Holdsworth, se habían marchado para dedicarse a otros proyectos. Sin duda alguna gran parte de lo mejor de la encarnación inicial se quedó con ellos. Los sabores de fusión que Bruford y Holdworth habían aportado a esa mezcla embriagadora, están ausentes en este segundo trabajo, en donde incluso Holdsworth ni siquiera fue reemplazado, por lo que no hay guitarras en este disco, ni influencias de jazz, mientras que el ex Frank Zappa, Terry Bozzio seria el sustituto de Bruford.
Parte del material que se encuentra aquí es más accesible y menos desafiante que los del excelente primer álbum, como demuestra el entusiasta tema que le da titulo, ocho minutos de poderoso rock progresivo intenso y trepidante.
Como contrapunto a esta aparece la agridulce y melódica “Rendezvous 6:2”, la cual reboza de sonidos crimsonianos. El ritmo frenético regresa con la siguiente “The Only Thing She Needs”, otro largo corte repleto de trucos progresivos.
En "Caesar's Palace Blues", la banda se adentra en los terrenos del hard rock con un emocionante trabajo de violín por parte de Eddie Jobson.
Mientras "Nothing to Lose" ya muestra por donde irán los derroteros en los siguientes trabajos de John Wetton, con un numero adictivo y comercial, pero tremendamente efectivo.
Para finalizar la banda reserva su momento mas progresivo con “Carrying No Cross”, doce minutos de sólidos sonidos sinfónicos y épicos que evocan el espíritu de EL&P.
Apenas cinco meses después se publicaría el epitafio de la banda a modo de álbum en directo; “Night After Night”, y poco después seria el bajista John Wetton quien publicara su primer álbum en solitario, “Caught In The Crossfire”, el cual tuvo una continuación lógica con el debut de su nueva banda Asia, publicado dos años mas tarde.

Various Artists-Picnic-A Breath Of Fresh Air (1970)

“Picnic - A Breath of Fresh Air” fue otro de los álbumes promocionales que las discográficas publicaban a un precio bastante asequible para mostrar parte de su catalogo de artistas.
Este en concreto fue lanzado por el sello Harvest, la rama especializada en los sonidos progresivos de la discográfica EMI.
En cierta manera además de la promoción de sus artistas, el lanzamiento de estos samplers era para rivalizar con sus discográficas competidoras coetáneas como Deram de la Decca Records o Vértigo de la Mercury Records entre otras, igualmente enfocadas a los sonidos mas vanguardistas de finales de los 60 y principio de los 70.
La diversidad de este álbum refleja los diferentes tipos de bandas y estilos que ondeaban bajo la bandera de la Harvest, dando a la escucha una especie de documento histórico.
Compuesto por las bandas mas prometedoras del sello, aquí nos encontramos desde las oscuras y vanguardistas; Quatermass, Pete Brown and Piblokto, Third Ear Band, The Pretty Things o The Greatest Show on the Earth, hasta las mas mediáticas y consagradas como Deep Purple, Pink Floyd, Edgar Broughton Band, Syd Barret, Roy Harper, Kevin Ayers o la Barclay James Harvest, pasando por otras mas desconocidas como Forest, Tea and Symphony, Bakerloo, o Shirley & Dolly Collins, conformando con todas ellas una variopinta mezcla de folk, hard rock, blues & jazz rock y heavy prog.

Triumvirat-Old Loves Die Hard (1976)

En 1976 la banda germana Triumvirat publicaba su cuarto álbum, “Old Loves Die Hard”, a la postre su ultima gran obra antes de desviarse hacia los sonidos mas previsibles y comerciales de sus siguientes lanzamientos discográficos.
En este nueva entrega la banda presentaba a dos nuevos miembros oficiales, por un lado contarían por primera vez con un vocalista, puesto que recaería en el ingles Barry Palmer y por otro un nuevo bajista, Werner Dick Frangenberg el cual sustituía a Helmut Köllen.
Sin embargo "Old Loves Die Hard", y pese a contener grandes y brillantes momentos a lo largo de todo el álbum, esta muy por debajo de sus excelentes trabajos predecesores como fueron "Illusion On A Double Dimple" (1974) y "Spartacus", lanzando un año mas tarde, los cuales son considerados dos de las obras maestras del rock progresivo de los 70.
Creado a semejanza de sus coetáneos Emerson, Lake and Palmer, un hecho que les acarrearía no pocas criticas durante toda su carrera al ser considerados unos meros clones del trío británico, Triumvirat tenia en su líder, el virtuoso teclista Jürgen Fritz, su mayor reclamo gracias a sus fastuosos arreglos y su original estilo como compositor e instrumentista.
Compuesto por siete temas, en "Old Loves Die Hard" destacan por encima de todas, las complejas mini suites "A Day In A Life", "The History of Mystery" y "Panic on 5th Avenue", en donde las claras influencias de EL&P son mas que evidentes, pero confeccionadas brillantemente con grandes y esplendorosos arreglos sinfónicos.
El resto es igualmente plausible, pero sin las excelencias de las anteriores como son la pomposa "I Believe" o la melódica "A Cold Old Worried Lady".
A partir de aquí la inspiración de Fritz comenzaría a desvanecerse publicando una serie de mediocres trabajos; “Pompeii” (1977), “A La Carte” (1978) y “Russian Roulette” (1980), los cuales perdieron el fervor del publico, un hecho que precipitaría la separación definitiva de la banda a finales de 1980.

Sweet-Level Headed (1978)

En 1974 tuvo lugar el primer cambio de rumbo de una de las bandas punteras del glam rock como fueron Sweet, cambiando de equipo de producción y decididos a volcarse hacia el mercado norteamericano, el cual después de innumerables éxitos en Gran Bretaña y en Europa, aún se les resistía.
Este cambio les dio resultado con el hit “Fox On The Run”, que llegaría hasta el numero 2 en Gran Bretaña y un sorprendente numero 5 en los Estados Unidos.
Después de una larga gira por tierras americanas, decidieron trasladar allí su base de operaciones y grabar su álbum musicalmente mas ambicioso “Off The Record”.
Fortalecidos por una gran popularidad en todo el mundo, la banda realizaría numerosas giras por Europa, Japón e incluso Extremo Oriente con un éxito de taquilla sin precedentes en la carrera de la banda londinense.
En medio de esta vorágine de triunfos, en 1978 publicarían su sexto álbum “Level Headed”, en donde ya mostraban su total alejamiento de los sonidos violentos de su glam y heavy rock para adentrase definitivamente en un rock melódico y ecléctico.
Temas como “Love Is Like Oxigene”, con un claro acento pomp rock y que conquistaría las listas de medio mundo, contrastaban con otras cercanas a los sonidos californianos “Silverbird” y “California Nights”, al funk rock “Strong Love”, a las baladas adictivas “Dream On”, o acercamientos al rock vanguardista con la sorprendente “Air On A Tape Loop”.
Pese a esta diversidad de estilos, el álbum tuvo un discreto recibimiento en las listas de éxitos, lo que precipitaría el abandono de su vocalista Brian Connolly, terminando así la época de oro de Sweet y pasando a formar parte como uno de los mejores recuerdos de la música rock.

Jadis-More Than Meets The Eye (1992)

Jadis son una de las bandas abanderadas del llamado hard rock neoprogresivo, la cual tuvo unos comienzos con muchísima notoriedad al telonear exitosamente a los grupos británicos IQ y Marillion a mediados de los ochenta.
Formados originalmente en 1982 por el guitarrista Gary Chandler, durante toda su carrera han tenido diferentes integrantes entre los que destacan el bajista Mick May, el batería Steve Christey, el también bajista John Jowit o el teclista Martin Orford, este ultimo integrante de los mencionados IQ.
El primer álbum propiamente dicho de Jadis, fue en realidad una colección de demos producida por el guitarrista de Marillion, Steve Rothery.
Esta primera entrega es una encantadora colección de canciones neo progresivas centradas en la guitarra. Para su segundo trabajo "More Than Meets The Eye" publicado bajo el sello Giant Electric Pea, Jadis muestra un estilo neoprogresivo emparentado con la música de IQ, pero en un tono menos lúgubre y melancólico como demuestran los cortes "Sleepwalker", "Wonderful World" o "Holding Your Breath".

The Web-I Spider (1970)

The Web son otra de esas bandas oscuras y poco conocidas por el gran publico, que hoy en día son una de las mas codiciadas por los coleccionistas y al mismo tiempo una de las que merecen ser rescatadas del olvido.
Sus comienzos datan de finales de los 60 como una banda relacionada con el genero del jazz y blues con ciertas influencias del proto rock progresivo.
En sus dos primeros álbumes destacaba la poderosa voz del cantante afroamericano John L. Watson y la de sus dos guitarristas John Eaton y Tony Edwards, los cuales proporcionaban un musculoso sonido al estilo de la banda.
Estos dos primeros trabajos titulados “Fully Interlocking” (1968) y “Theraposa Blondi” (1969), pese a su innegable calidad pasaron un tanto inadvertidos por los fans de la época, un hecho que llevaría a la reorganización de The Web con el abandono del cantante Watson y el bajista Dick Lee-Smith y la incorporación del teclista y cantante Dave Lawson.
Este seria determinante para que la banda adoptara un sonido aún mas profundo progresivamente, el cual se ve reflejado en el tercer y ultimo álbum titulado “I Spider”.
Aquí es donde ofrecieron un poderosos punto de referencia para la evolución posterior del rock progresivo en el área del jazz rock.
Enérgicas líneas de bajo, órgano y percusión son secundadas por grandes melodías de guitarra y saxo a las que se unen unas siempre apasionadas voces.
La suite dividida en cinco partes “Concerto For Bedsprings”, es junto a la instrumental “Ymphasomniac”, la relajada “Love You” y el jazz difuso “Always I Wait”, lo mas destacado de un álbum tan atractivo como brillante.

Van Der Graaf Generator-World Record (1976)

Van Der Graaf Generator son sin duda la banda mas extraña de todas las grandes bandas del rock progresivo de la historia, su estilo no tiene referencias ni precedentes a lo establecido y de hecho nunca fueron considerados la tradicional banda de rock.
Ellos no fueron ni de lejos semejante a ninguna de las de su misma época, como por ejemplo la ausencia de dos de los instrumentos habituales como el bajo y la guitarra, y consistiendo básicamente en un baterista técnico y muy jazzistico, en varios teclistas y un saxofonista.
Su música estaba tejida de una mezcla de sonidos espesos y densos, con insólitas capas oscuras de melodías trazadas una tras otra con un sin fin de cánones, con momentos de sosiego que se fusionaban con una agitada distorsión de música esquizofrénica y acida.
La faceta barroca con unos textos excelentes de su líder Peter Hammill hablan de lo místico hasta lo cotidiano, pasando por la religión o la astrología, mostrando igualmente una vertiente gótica y atmosférica, con recreaciones de su propia versión del Apocalipsis, con referencias cruzadas al ocultismo o a la ciencia atómica nuclear.
En sus primeros años lograron crear formidables discos como "The Least We Can Do Is Wave To Each Other" (1970), "H to He, Who Am the Only One" (1970) o "Pawn Hearts" (1971), considerados todas ellas obras maestras del rock progresivo y del rock en general.
En una segunda etapa la banda grabaría obras igualmente formidables como este “World Record”, un trabajo en donde ampliaron sus horizontes instrumentales, otorgando un mayor protagonismo a la guitarra eléctrica.
Esta experimentación tuvo como resultado un sonido aún mas lúgubre, denso y emocionante, a la par que melódico como podemos comprobar en cortes como la intensa “When She Comes” o en la irónica “Mask” que culminan con la épica y monstruosa suite “Meurglys III (The Songwriters Guild)”, un extenso tema, totalmente progresivo y serpenteante, en donde incluso hay acercamientos a ritmos reggae y con la gótica y ciertamente optimista “Wondering”, con la cual se cierra este fantástico álbum.

Thin Lizzy-Jailbreak (1976)

Relegados injustamente a un segundo plano dentro de las bandas del hard rock de los 70, Thin Lizzy se ganaron el respeto y la admiración de millones de seguidores alrededor del mundo gracias a su enorme calidad y a una serie de trabajos sobresalientes que están encuadrados entre lo mejor del genero.
A mediados de los setenta esta banda irlandesa comenzarían a dejar atrás sus influencias celtas y su amor hacia el blues por un estilo mas poderoso y contundente, aunque sin olvidarse totalmente de sus raíces musicales.
En 1976 la banda liderada por el bajista Phil Lynott publicaba su sexto álbum “Jailbreak”, el cual por fin lograría el merecido reconocimiento en las listas de ambos lados del Atlántico.
Grabado durante los meses finales de 1975 y principios de 1976 en los Ramport Studios de Londres, seria el tercer trabajo con la formación comprendida por el mencionado Lynott al bajo y voz, Scott Gorham y Brian Robertson a las guitarras y Brian Downey a la batería.
Ambos guitarristas habían reemplazado a Eric Bell después del álbum “Vagabonds of a Western World” de 1973 y terminaron consolidando la formación mas estable de Thin Lizzy, grabando cinco álbumes desde el brillante “Nightlife” (1974) hasta el antológico “Bad Reputation” de 1977.
“Jailbreak” esta compuesto por una serie de cortes hard rock contundentes y pegadizos en donde las dobles guitarras tienen el principal protagonismo como queda demostrado en las magistrales “Emerald”, “Cowboy Song”, “Jailbreak” o la archiconocida “The Boys Are Back in Town”.
Mas de medio millón de copias y varios discos de oro, avalaron uno de los álbumes mas emblemáticos del hard rock de finales de los años 70 y todo un clásico de la legendaria banda irlandesa.

Saga-Worlds Apart (1981)

Saga fueron junto a otras bandas coetáneas como Asia, Rush o Styx, la que mejor supieron fusionar los gustos musicales de los ochenta con los sonidos del progresivo de los 70, explorando con su sonido fresco y maduro, un irresistible estilo que habían comenzado algunos años atrás.
Con su cuarto álbum “Worlds Apart”, ya se adivinaban ciertas variaciones con respecto a sus trabajos anteriores. Para empezar la banda canadiense incorpora una evidente inclinación AOR, pero sin perder un ápice su poderosa sensibilidad progresiva.
En “Worlds Apart”, el factor progresivo sigue siendo predominante, como muestra la increíble “No Regrets (Chapter V)”, la ambiciosa epopeya “No Stranger (Chapter VIII)” o el atractivo instrumental orientado al jazz y el funk “Conversations”, cuyo explosivo cierre le acercan al heavy metal mas contundente. Por unos derroteros parecidos a esta ultima nos encontramos a la poderosa “Framed”, en donde la guitarra de Ian Crichton brilla notablemente.
Otro de los elementos que diferencian a este álbum son los sonidos electrónicos, en donde el entusiasmo por la bateria electrónica de Steve Negus, se muestra notablemente en “Wind Him Up” y “Time´s Up”.
Son estos dos temas los que le acercan leve e equivocadamente a la onda del technopop, un estilo que cada vez se estaba volviendo mas popular principalmente en Inglaterra, aunque con menos aceptación en Europa y prácticamente nula en Norteamérica a principios de la década de los ochenta, logrando una tímida presencia en las listas de éxitos mainstream del Reino Unido.
Pero mas allá de estos dos extravagantes experimentos, los cuales se alejan de filosofía original de Saga, la banda mostraba su faceta progresiva con la brillante “Amnesia” o con las tremendamente pegadizas AOR “On The Loose” y “The Intreview”.

Gentle Giant-Acquiring The Taste (1971)

"Adquiring the Taste", el segundo álbum de Gentle Giant, fue la primera obra maestra del combo británico, el trabajo que pone un énfasis especial en el lado amable de este gigante progresivo después de su impresionante debut lanzando un año antes. Además, también hay un hincapié simultáneo en el lado aterrador del progresivo, lo que le da al álbum una esencia experimental adicional: este álbum está diseñado como un gusto real adquirido, composiciones extrañas pero atractivas, uso masivo de contrapuntos desafiantes, tempos extraños y disonantes, arreglos corales impresionantes e ideas musicales muy variadas.
A esas alturas, Gentle Giant ya eran una banda que había alcanzado la plena madurez de su propio sonido característico.
Aunque sin embargo es cierto que "Adquiring the Taste" no coincide con las ideas de "Three Friends" (1972), o "The Power and the Glory" (1974), ni siquiera es tan atractivo como "Free Hand" (1975), pero este por el contrario encapsula y encarna la expresión original más exquisita de Gentle Giant, con esa delicadeza y sofisticación muy habituales en la esencia de su música.
"Adquiring the Taste" esta compuesto por una antológica sucesión de cortes como la cautivadora y elegante “Pantagruel's Nativity”, la misteriosa y espeluznante “Edge of Twilight”, la astuta “The House, the Street, the Room” o la deudora bluesy “Plain Truth”, todas ellas interpretadas con un buen gusto sin límites y una maestría inmaculada. Mientras la melancólica “The Moon is Down”, con sus reflexiones líricas sobre el paso del día, contrasta inteligentemente con su antecesora, la más optimista, ”Wreck”, la cual combina el canto desenfrenado y la cámara renacentista con absoluta fluidez y el entusiasmo pegadizo. Inmediatamente después, aparece “Black Cat” que ofrece una sucesión de impresionantes partes de cuerdas en un contexto orientado al jazz: esas partes de cuerdas son dulces durante las partes cantadas e inquietantemente disonantes durante el extraño interludio instrumental. No queda más que decir que este álbum es una obra maestra del rock progresivo, una de las tantas que el grupo londinense realizaría a lo largo de su brillantísima carrera.