Whitesnake-1987 (1987)

El octavo album de Whitesnake,"1987", supuso el punto culminante de comercialidad y al mismo tiempo el comienzo posterior del declive de la banda con un sonido muy estandarizado y un rock bastante predecible.
Hasta la llegada de este album, Whitesnake se habían caracterizado por los sonidos influenciados del hard rock blues con elementos del boogie rock, con ciertas similitudes a bandas como Deep Purple o Led Zeppelin.
Sin embargo la banda que grabaría este nuevo album seria totalmente opuesta a la que firmara esa epoca de blues rock anterior. Aquí ya no estaban Jon Lord, Ian Paice, Micky Moody, Bernie Marsden o Mel Galley, es decir sus integrantes mas iconicos, los cuales encumbraron a Whitesnake como una de las mejores formaciones de la historia del hard rock.
En este nueva entrega la banda estaba formada por su líder, el carismático David Coverdale a las voces, que junto a Neil Murray eran los dos unicos supervivientes de esa epoca, cerrando la formación el guitarrista John Sykes y el bateria Aynsley Dunbar.
Ademas en el proceso de grabación también participarían Don Airey y Bill Cuomo a los teclados, los guitarristas Adrian Vanderberg, Vivian Campbell y Dan Huff y el bateria Denny Carmassi, mientras los ingenieros de sonidos Mike Stone y Keith Olson fueron los productores del album.
“1987” contiene una sabia mezcla del hard rock setentero combinados con los sonidos mas modernos de la década de los ochenta en donde los sintetizadores y teclados cobran un gran protagonismo, todo ello con poderosos y contundentes riffs de guitarras como queda demostrado en la zeppeliana “Still Of The Night”, las melodícas "Give Me All Your Love" y "Crying In The Rain", la soberbia “Is This Love” o la añeja “Here I Go Again”.
La recepción posterior del album lograría unas ventas superiores a los diez millones de copias a nivel mundial.

The Doors-Absolutely Live (1970)

Este fue el único registro en vivo de The Doors durante muchos años, y el único que publicaron durante el tiempo que estuvieron activos.
"Absolutely Live" es uno de los mas fascinantes dobles en directo de los años setenta, que entre lo mas llamativo esta el que no incluye ninguno de sus hits en las listas de éxitos, lo que demuestra su carácter original y demoledor.
Aquí sobresalen algunas versiones de Bob Diddley y Willie Dixon, demostrando con ello, dónde estaban sus raíces.
Un directo que se inicia con el clásico de Bob Diddley "Who Do You Love", que la banda llevan a su campo, y continúa con un “Medley” compuesto por las canciones “Alabama Song”, “Black Door Man”, “Love Hides y “Five To One”, que culmina en uno de los momentos épicos del álbum con "When The Music Over".
Luego llega el turno del fantástico "Break On Through" y sorprenden con la soberbia "The Celebration Of The Lizard", poema épico musical de 14 minutos de duración y que rematan soberbiamente con una extendida versión de "Soul Kitchen".
Con este doble en directo, The Doors demostraron que fueron únicos incluso para grabar álbumes en vivo, todo una obra maestra absoluta de la música rock.

Chicken Bones-Hardrock In Concert (1976)

Chicken Bones fue una fugaz banda alemana de blues rock con gran un predominio del sonido de guitarras al mas puro estilo de las bandas británicas como Wishbone Ash, que solo lanzaron un album a mediados de la década de los 70 y que se ha convertido en otro de los santos griales de la música rock.
Formados a principios de los setenta, su formación estaba comprendida por el guitarrista y voz, Rainer Geuecke, el guitarra rítmico Hilmar Szameitat y la sección rítmica compuesta por el bajista Werner Hofmann y el bateria Wolfgang Barak.
Influenciados por el hard rock blues británico de finales de los 60 y principios de los 70, con ciertos elementos progresivos, Chicken Bones mostraron una gran creatividad y un gran talento instrumental con un claro enfoque al jam guitarristico, demostrado en la gran variedad de solos y riffs que durante todo el album se deja notar de manera predominante
El debut y al mismo tiempo único trabajo de esta banda, podria describirse como un ejemplo del heavy y hard rock temprano, que sin embargo no tuvieron la continuidad ni el reconocimiento que se merecieron en su momento.
Este album fue grabado en los estudios Blackfield de Ostring en Bochum, en el estado de Renania del Norte, muy cerca de la frontera con Holanda y no grabado en directo como su extraño titulo deja entrever y en el destacan la boogie rock acelerada “Feeling”, la psicodélica “I´m Falling”, la progresiva “Water”, la hard rock “Factory Girl” o la melódica “Drive”.
Después de este album la banda se reconvertiría en otra llamada Revanche, mas orientados al heavy metal y que tuvieron una carrera que duraría hasta mediados de la década de los ochenta.

Peter Gabriel-So (1986)

Cuatro años tardaría Peter Gabriel en lanzar su quinto album “So”, el cual era el primero en donde no se titularía homonimamete con su propio nombre y que al mismo tiempo era su trabajo mas convencional y accesible, alejado de las experimentaciones, el estilo vanguardista y los sonidos etnicos de sus primeras obras.
Para este nuevo album, Gabriel contaría con la colaboración de los guitarristas Nile Rodgers, David Rhodes, Bill Laswell y Daniel Lanois, los bajistas Tony Levin, Jerry Marotta y Larry Klein, los baterías Stewart Copeland y Manu Katché y las vocalistas Laurie Anderson, Kate Bush, ademas del cantante senegalés Youssou N´Dour, entre otros muchos mas.
La contagiosas “Sledgehammer” y “Big Time”, auparon al album hasta las primeras posiciones de las listas, alcanzando un segundo lugar en el Billboard 200 y el primer puesto en las listas británicas. Sin embargo “So” no solo vivía de estas irresistibles canciones con ese sonido pop rock accesible y pegadizo, en el también aparecían la apacible e hipnótica “Don´t Give Up” cantado a duo junto a Kate Bush, la añeja “Red Rain” o la atmosférica “Mercy Street”.
“So” lograría unas ventas superiores a los siete millones de copias a nivel mundial y supuso el trabajo mas exitoso de toda la carrera del músico británico.

Cream-Wheels Of Fire (1968)

En 1967 Cream publicaron el legendario "Disraeli Gears", su segundo larga duración en el cual ya se adivinaba un cambio de rumbo hacía sonidos mas vanguardistas, siempre dentro del estilo psicodélico de la banda. El éxito posterior de este album, les llevaría a endiosarles a nivel mundial y a realizar unas de las giras mas triunfales de la historia.
Fue justo durante esa gira cuando se gestaría su siguiente movimiento discográfico, este "Wheels Of Fire", el cual esta considerado uno de los mas grandes dobles albumes de la historia y el canto del cisne de la banda.
En esta magna obra dividida en un disco en estudio y otro en directo, Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce logran alcanzar su mayor creatividad y al mismo tiempo se convirtieron en los máximos abanderados en sus respectivos instrumentos.
Producido por Felix Pappalardi y con los arreglos de Robert Stigwood, las sesiones de estudio fueron grabadas entre Londres y New York durante varios meses de 1967 y 1968.
Entre los nuevos temas que aparecen en el primer disco titulado "In The Studio" destacan las blues "Politician", "Sitting On Top The World", las psicodélicas "Those Were The Days" y "Pressed Rat And Warthog", las clasicas e inmortales "Born Under A Bad Sign" y "White Room" y la acustica "As You Said".
Mientras el segundo disco titulado secundariamente "Live At Fillmore West", fue grabado durante el mes de marzo de 1968 entre el Fillmore West y el Winterland de San Francisco y contiene cuatro soberbias piezas ejecutadas magistralmente por el trío como la mítica versión "Crossroads" de Robert Johnson, en donde Eric Clapton muestra su fantástico talento con las seis cuerdas.
Otra versión, esta vez de Willie Dixon, es "Spoonful", en la cual presenta la faceta jam de la banda, repleta de improvisación y gran feeling por parte de los tres músicos. Mientras los dos últimos cortes son la frenética blues rural "Traintime" y la experimental "Toad" con un espectacular solo de bateria del gran Ginger Baker.
"Wheels Of Fire" es un album primordial y básico dentro de la historia del rock y una clara muestra del por que Cream es considerado el primer super-grupo y al mismo tiempo una de las mas grandes bandas de la historia.
 

America-America´s Greatest Hits History (1975)

“History America’s Greatest Hits”, fue el primer album recopilatorio del grupo norteamericano America, que lanzado en 1975 y producido por el famoso George Martin se convirtió en uno de sus mayores éxitos, certificando unas ventas multiplatino a nivel mundial.
Este formación surgida en una de las bases áreas norteamericanas ubicadas en el Reino Unidos, tomaron el relevo musical de Crosby Stills and Nash por sus excelentes melodías de folk rock.
Compuesto por el británico Dewey Bunnell, y los norteamericanos Dan Peek y Gerry Beckley, tuvieron ya desde sus primeras obras, el beneplácito de los fans entusiastas a los sonidos melódicos del folk rock heredero de los mencionados CSN y el sonido guitarristico del country rock de The Eagles.
Desde su enorme album debut “America” (1971) hasta “Hearts” (1974) el quinto album, irían apareciendo una irresistible colección de canciones que lograrían alcanzar los primeros puestos en las listas de exitos de medio mundo y que gran parte de ellas aparecen en esta compilación, el cual contiene once de los hits mas importantes de la banda hasta ese año, como son "A Horse With No Name", "I Need You", "Ventura Highway", "Tim Man", "Lonely People", "Sister Golden Hair", “Daisy Jane”, “Muskrat Love”, “Sandman” o “Only In Your Heart”.

Creedence Clearwater Revival-Pendulum (1970)

En 1970 llegaba el sexto album de la Creedence Clearwater Revival, el que significaría el ultimo con Tom Fogerty y también la ultima de sus grandes obras.
En este album la banda incorpora a su sonido el órgano y el saxo, instrumentos los cuales  potencian el sonido característico de la Creedence, ademas de contener una serie de cortes mas complejos y con una producción mas refinada y compacta.
Temas como la brillante “Sailor´s Lament”, la angustiosa “Have You Ever Seen The Rain?”, la contundente “(Wish I Could) Hideway”, o la desenfadada “Born To Move”, contrastan con las mas previsibles del sonido característico de la Creedence, “Hey Tonight”, “Molina”, “It´s Just A Thought” y “Rude”.
En su recepción posterior “Pendulum”, lograría un quinto lugar en el US Billboard, consiguiendo un disco de platino por sus ventas, y a partir de aquí la banda seguirá como trío durante varios años mas, publicando el epilogo final en el año 1972 con el album “Mardi Gras”, el cual supuso su trabajo menos exitoso y el menos creativo de toda la obra de esta formidable agrupación, una de las mas grandes de la historia de la música rock.

Alkatraz-Doing A Moonlight (1976)

Otro notable ejemplo de esa larga lista de grupos británicos de corta duración fueron Alkatraz, (no confundir con la banda norteamericana Alcatrazz de la década de los ochenta). Alkatraz  fue una formidable banda fundada en Gales a mediados de los setenta por los ex componentes de Quicksand, James Davis y Will Youatt, ambos guitarras, que junto al bateria Stuart Halliday y al bajista Jeff Singer lanzaron un excelente album de rock americano, que combinaba sabiamente el sabor del rock sofisticado con los sonidos groove y el funk, en un estilo que estaba claramente derivado hacia el west coast norteamericano con unas grandes similitudes a The Doobie Brothers o Steely Dan.
Este unico album titulado “Doing A Moonlight” (1976), esta repleto de preciosas melodías que combinan el soft rock con desarrollos instrumentales y los agradables sonidos del rock melodico.
Para la grabación de este único album, el grupo obtuvo la colaboración del saxofonista Jimmy Jewell, el teclista Clive John y el guitarra slide Ray Martinez.
Un album que irradia un delicioso viaje por las soleadas costas de San Francisco y Los Angeles, con una serie de temas irresistibles y ejecutados magistralmente como “Stay Out Of Town”, “Red Lights”, “Maybe Monday”, “Nito Bendito” o “Nobody Like You”, en donde la dualidad de las poderosas guitarras, el brillante sonido de los sintetizadores, la enérgica y sincronizada sección rítmica y las melodiosas voces, conforman un album que para muchos seguidores del genero, fue una de las mejores obras de aquella década, y que sin embargo pese a este enorme y prometedor debut, no tuvo la continuidad merecida.

Automatic Man-Automatic Man (1976)

Este es uno de esos albumes que siempre terminaban en el cajón de las ofertas en las tiendas de vinilos, y aun no entiendo el por que, considerando su enorme calidad y el plantel de los musicos que en el intervienen. Pero lo cierto es que apenas le prestábamos interes, sin embargo a todos les llamaba la atención, su alienígena y seductora portada, la cual de alguna manera intuía el concepto progresivo y espacial de su temática musical.
Automatic Man, fueron una banda de corto recorrido originaria de San Francisco, la cual apenas publicaron dos interesantes albumes en los años 1976 y 1977 y estaba formada por varios ex integrantes de la banda de Stomu Yamashta Go, ellos eran el ex bateria de Santana, Michael Shrieve, el guitarrista Pat Thrall y el vocalista y bajo Doni Harvey, cerrando la formación el teclista Todd Cochrane.
Ellos no tuvieron ningún problema en conseguir que una discográfica se interesa inmediatamente por su proyecto, a tenor del pasado profesional de sus miembros, y fue así como la Island Records les contrato para la publicación de varios albumes.
En su primer y hononimo album, la banda sigue una estela parecida a Go, con sonidos progresivos, funk, jazz, rock espacial y un estilo comercial cercano al pop rock
Un album que de alguna manera esta definido como obra conceptual con referencias mitológicas y en donde sobresalen cortes como la intro a base de sintetizadores "Atlantis Rising Fanfare", la cual es la antesala a la espectacular jazz rock "Comin´Through", otros cortes igualmente destacados son la psicodélica "My Pearl", la atmosférica "Newspapers", la space rock "One and One", la hard rock "Newspapers" o las monumentales y progresivas "Intersteller Tracking Devices" y "Atlantis Rising Theme".
Posteriormente con la misma e hipnótica portada, esta vez con un color rojizo en lugar del azulado del album debut, fue publicado un segundo album, en el cual ya no aparecen Shrieve ni Harvey sustituidos por el bateria Glen Symmonds y el bajista Jerome Rimson, que con un  resultado mas previsible de sonidos funk y pop rock, con menos espacio al vanguardismo, al sonido progresivos y jazzistico, terminan por abocar el fin de la banda.
Después de disolverse definitivamente, Pat Thrall tendría una fructífera carrera participando en múltiples proyectos y bandas como Pat Travers Band, Meat Loaf, Asia, Glenn Hughes o Joe Satriani entre otros, mientras Todd Cochrane participara en cientos de grabaciones de otros tantos artistas como Peter Gabriel, Brand X, Jim Capaldi o PM y en una onda parecida ocurriría con el bateria Shrieve quien ha colaborado en docenas de grabaciones de otros tantos artistas.

Electric Light Orchestra-Zoom (2001)

En 1986 la Electric Light Orchestra publicaba su undécimo album “Balance Of Power”, el ultimo de estudio hasta casi quince años después, cuando regresarían con este “Zoom” publicado en el 2001.
Sin embargo durante todos esos años, su líder Jeff Lynne no estaría en absoluto alejado de la música, sus múltiples proyectos y colaboraciones le llevaron a participar en la banda Traveling Wilburys junto a Bob Dylan, George Harrison, Tom Petty y Roy Orbison, con quienes lanzaran dos extraordinarios discos “Traveling Wilburys Vol.1” (1988) y Traveling Wilburys Vol.3” en 1990. Pero ademas de ello Lynne participo como co- productor en  infinidad de trabajos, destacando entre otros “Mystery Girl” de Roy Orbison (1989), “Full Moon Fever” (1989) y “Into The Great Wide Open” (1991) de Tom Petty, “Cloud Nine” (1987) de George Harrison, o “Flaming Pie” (1997), de Paul McCartney.
En medio de todo ello, Lynne publico su primer album en solitario “Armchair Theatre” (1990) en donde recreaba de manera menos barroca los sonidos ampulosos de su banda madre.
Para la grabación de su duodécimo album; “Zoom”, Lynne recurriría a su antiguo compañero de banda, Richard Tandy en los teclados, los ex Beatle, George Harrison y Ringo Starr y una serie de músicos de sesión, ademas de la producción del propio Lynne que al mismo tiempo canta, arregla y toca prácticamente todos los instrumentos por lo que muchos consideraron esta entrega como un album en solitario y no uno propiamente dicho de la ELO.
“Zoom" se caracteriza por el destacado protagonismo que tienen la guitarras y los teclados, con un sonido que se asemeja a su album debut o los que escuchamos en los álbumes de Tom Petty o George Harrison. Temas puramente rock como “Melting In The Sun”, “All She Wanted”, “Alright” o “Easy Money” contrastan no obstante con las elegantes “Ordinary Dream” o “Moment  in Paradise” , mientras las mesuradas “A Long Time Gone” y “Stranger On A Quiet Street” nos acercan con sus arreglos orquestales a la mejor epoca de la Electric Light Orchestra.

Nova-Wings Of Love (1977)

Italia ha sido históricamente la cuna de elegantes bandas de rock, la gran mayoría orientadas a los estilos sinfónico, progresivo y jazzistico, muchas de las cuales mantuvieron su continuo interés por los fans de todo el mundo con sus refinados lanzamientos.
A mediados de los 70 existían una larga lista de estas bandas afincadas en Londres, y una de ellas era UNO, que estaba formada por los hermanos Corrado y Danilo Rustici, ambos guitarristas que junto al saxofonista Elio D´Anna decidieron rebautizar la banda como Nova, reclutando para ello al bajista Luciano Milanese y al bateria Franco Lo Previte.
Ya en 1976 y bajo el sello Arista publicaron su primer album "Blink", un meritorio trabajo que sin estar totalmente definido mostraba un estilo jazz rock con largas improvisaciones y grandes interacciones de guitarra y un saxo suntuoso.
Casi a finales de ese mismo año "Vimana" se convertía en su segundo larga duración, un album mas maduro, en donde la banda se enfocaba mucho mas en las composiciones que en el trabajo instrumental de sus miembros.
A partir de aquí la banda sufre diferentes cambios de integrantes, entrando el teclista Renato Rosset, el bateria Ric Parnell y el bajista Barry Johnson, en sustitución de Danilo Rustici, Lo Previte y Milanese respectivamente.
Con esta formación la banda graba y publica su trabajo mas exitoso y su obra cumbre "Wings Of Love", el cual se caracteriza por un cambio de dirección musical mas enfocado al jazz funk, debido en parte al estilo funky del bajista Johnson.
Un album que contiene una musicalidad exquisita cortesía de las impecables habilidades técnicas de todos los miembros del grupo, ofreciendo un repertorio cargado de jazz rock ágil y dinámico, al mismo tiempo que refinado.
Temas como la dinámica funk rock "You Are Light", se convierte en uno de sus momentos mas creativos, con unas armonías sedosas y un ritmo contagioso y pegadizo. La jazz fusión "Marshall Dillion" muestra la faceta enérgica de Nova, mientras que la soñadora "Blue Lake" es el momento mas intenso del album.
"Beauty Dream / Beauty Flame" contiene una suave melodía en donde se fusionan delicados toques acústicos y reflexivos sonidos exóticos.
El resto sigue una linea continuista con la funk vertiginosa "Golden Sky Boat", la trepidante jazz con ecos latinos "Inner Star" o la elegante "Last Silence".
"Sun City" su cuarta obra, publicada al año siguiente, volvería a presentar un estilo jazz funk pero derivado al jazz mas convencional y previsible.
Poco después de este ultimo lanzamiento la banda se disolvía definitivamente dejando tras de si cuatro albumes repletos de tensión, energía y brillantez técnica, los cuales están considerados obras capitales dentro del genero del jazz rock europeo.

Nine Days´Wonder-Nine Days´Wonder (1971)

La historia de la banda Nine Days´Wonder, se inicio a finales de 1966, cuando su fundador, Walter Seyffer, comenzó a desarrollar un proyecto trabajando en una serie de composiciones propias que irían a formar parte del repertorio de su banda ‘The Graves’, pero sin embargo no sería hasta tres años más tarde cuando esta idea comenzaría tomar forma con un estilo definido.
Seyffer era un cantante y bateria alemán que había formado parte de diferentes bandas a lo largo de la década de los 60, y no seria hasta principios de 1970, cuando por fin lograría establecer una formación estable y definitiva, formando Nine Days´ Wonder. Ya a mediados de ese año completaría la formación del grupo, compuesta por músicos de distintas nacionalidades. A Seyffer lo acompañarían, el alemán Rolf Henning en piano y guitarra, el irlandés John Earle en saxo, flauta, guitarra y voz, el austriaco Karl Mutschlechner en el bajo, y el británico Martin Roscoe a la bateria.
Todos estos músicos empezaron a trabajar creando un estilo experimental, con una base de fusión de diferentes elementos y distintas influencias, convergentes esencialmente en el krautrock, con una marcada influencia de Frank Zappa y del rock progresivo británico de la época.
En 1971 entraron en los estudios Dierks y grabaron su album debut, un gran ejemplo del más extravagante y extraño rock progresivo alemán que se haya grabado jamas, claramente inspirado en bandas como King Crimson, Frank Zappa, Soft Machine, Tráffic, Family o Deep Purple, entre otras muchas.
Semejante fusión de estilos esta reflejado en un album que presenta unas largas y complejas composiciones de música progresiva, de jazz rock, sonidos frenéticos, música extravagante, riffs pesados de heavy blues rock y sonidos vanguardistas.
Todo ello fundamentado en una libertad creativa asombrosa, con voces alteradas, toques psicodélicos, efectos sonoros, ruidos y muchos momentos de total frenesí musical.
Este primer album se compone de cuatro extensos cortes que oscilan entre los 12 y 15 minutos de duración, empezando por "Fermillion", que a modo de los Monty Python muestra la locura, el dinamismo, la experimentación y la soberbia instrumentación progresiva de la banda.
A esta le sigue la intensa "Moss Had Come", la humorística "Apple Tree" y la vanguardista y espacial "Drag Dilemma", sin duda el corte mas destacado de un album sobresaliente y al mismo tiempo esquizofrénico.
Hay que reseñar que a diferencia del progresivo convencional, aquí no hay órganos ni mellotrones, ni siquiera sintetizadores, es decir tres de los instrumentos esenciales del progresivo, que son sustituidos por la formidable interacción entre los instrumentos de vientos y las guitarras.
En definitiva un album con una de las músicas mas perturbadoras de principios de los 70, que conjunta los sonidos trastornados de Frank Zappa y Captain Beefheart, la música medieval y de cámara y las sensaciones contundentes del hard rock.

Raw Material-Time Is (1971)

Vamos con otra de esas extrañas y oscuras bandas de finales de los sesenta, esta vez una agrupación británica llamada Raw Material, la cual apenas tuvieron poco mas de dos años de historia y que durante ese tiempo publicaron varios albumes muy interesantes dentro del panorama del incipiente y temprano prog rock. 
Raw Material se fundaría en Londres en 1969 y su formación estaba comprendida por el guitarrista Dave Green, el bateria Paul Young, el vocalista, ademas de instrumentos de viento Michael Fletcher, el bajista Phil Gunn y el teclista Colin Catt.
Bajo el sello progresivo de la RCA, Neon Records, publicaron su primer y homonimo album en 1970, en donde la banda británica mostraba un conjunto fascinante de diversidad sonora con elementos de jazz, blues y música psicodélica, todo ello bañado con un trasfondo oscuro y atmosférico, que le otorgan un sonido vanguardista.
Un año después llegaría su segundo y ultimo album "Time Is", en donde refuerzan su propuesta progresiva, con un estilo cercano a lo que por entonces hacían bandas como Van Der Graaf Generator o los primeros King Crimson, fusionado con elementos de poderoso rock emparentado con sus coetáneos Uriah Heep o los germinales Deep Purple.
Este "Time Is" destaca por su enorme diversidad sonora que iban desde pasajes pesados con poderosas guitarras, sonidos de órganos y sintetizadores e instrumentos de viento como el saxo y la flauta, hasta desarrollos mas atmosféricos y sinfónicos.
Temas como "Insolent Day", "Empty House", "Ice Queen" o “Awakening" completaron un album que sin llegar a ser un clásico contemporáneo, contiene una solida colección de temas enfocados al progresivo temprano, pero que desgraciadamente no tuvieron mucha mas continuidad por su escasa repercusión comercial, por lo que Raw Material desaparecerian poco después de la publicación de este interesante album.

Barclay James Harvest-Gone To Earth (1977)

En medio de los sonidos punk y new wave que estaban empezando a inundar el mundo de la música a finales de los setenta y que apenas duraría lo que un caramelo a la puerta de un colegio, sobre todo el primer genero musical, aún aparecían muchos artistas y grupos que dulcifican y ponían un poco de cordura a la musica rock, con discos que rezumaban clase y calidad.
Uno de esas bandas eran la Barclay James Harvest, quienes en 1977 lanzarían uno de los albumes mas bellos de la ultima parte de esa década.
Sin embargo en este “Gone To Earth”, el que hacia su séptimo album en estudio, se intuía ya, aunque de manera sutil, un cambio estilístico hacia derroteros mas comerciales, pero sin perder un ápice de su esencia progresiva, añadiendoles incluso sonidos cercanos al folk.
Desde su iconica portada, una de las mas hermosas de esa década, la banda reflejaba perfectamente la música atmosférica que con progresiones rutilantes, se intuía en su interior.
Un album que contiene uno de los temas mas emblemáticos de BJH como es “Hymn”, una bellísima canción contra los peligros del consumo de drogas, interpretado sublimemente por toda la banda, pero sobresaliendo la guitarra de doce cuerdas de John Lees y unas voces irresistibles. En tono melódico parecido esta la atmosférica "Taking Me Higher", mientras "Friend Of Mine" nos deja un regusto de country rock con un sonido cercano a The Eagles. La hermosa melodía etérea de "Love Is Like A Violin" da paso la serena y cosmica "Sea Of Tranquility", la solida y melódica rock "Hard Hearted Woman", la encantadora melodía de "Spirit On The Water" o la rock progresiva "Leper´s Song".
Mientras "Poor´s Moody Blues", inspirada en la famosa canción "Nights in White Satín" de los Moody Blues, fue la respuesta contundente a los continuos comentarios por parte de la critica británica, comparandolos como una versión pobre de los Moody, en ella John Lees desnudaría la canción original hasta sus acordes básicos, y manteniendo la estructura, reconstruiría una versión diferente y la cual se convirtió en uno de sus mayores éxitos.
"Gone To Earth" lograría unas ventas superiores al millón de copias a nivel mundial y al mismo tiempo ocupa uno de los primeros puestos en la listas de albumes que mas tiempo han estado en las listas de éxitos de Alemania, 197 semanas consecutivas, ademas de estar considerado una de las pequeñas joyas del pop rock-progresivo y venerado por los prog heads europeos.

Poco-Legend (1978)

Para cuando la banda norteamericana de country rock Poco, publico su onceavo album “Legend”, su formación prácticamente no tenia nada que ver con la que nueve años antes, debutara con “Pickin´Up The Pieces”. En todos esos años transcurridos, habían sufrido innumerables cambios, con un ir y venir de músicos entre los que estaban Randy Meisner, Jim Messina, Richie Furay o Timothy B. Schmit entre otros muchos mas.
Sin embargo este onceavo album fue producto de un hecho casual y oportuno y fue debido al fracaso comercial que supuso el anterior “Indian Summer”, publicado en 1977.
Por aquel entonces la banda estaba formada por Paul Cotton, Rusty Young, Timothy B. Schmit y George Grantham, sin embargo poco después del lanzamiento del mencionado “Indian Summer”, Schmit recibe la llamada de The Eagles, para sustituir a Randy Meisner y con ello se sumaba así a la larga lista de músicos que abandonaron la banda, quedando esta, como trío y ademas en medio de una gran crisis creativa y de malos resultados comerciales.
Con este panorama Paul Cotton y Rusty Young deciden seguir por su cuenta, formando el grupo Cotton-Young Band, contratando para ello al bateria Steve Chapman y al bajista Charlie Harrison. Una vez tuvieron el material suficiente para grabar un album, la discográfica ABC, propietaria de los derechos de autor de Cotton y Young, accede de buen grado a su grabación y posterior lanzamiento, siempre y cuando fuera firmado bajo el nombre de Poco. Esto provoca que el tercer miembro oficial de la banda, George Grantham quedara fuera de la nueva formación de manera unilateral.
Un album en donde destacan sobresalientes cortes envueltos en un estilo cercano al pop rock como las enérgicas “Boomerang” y “Legend”, la fascinante “Crazy Love”, la preciosa “Heart Of The Night”, la melódica “Spellbound”, la pop rock “Little Darlin” o las arrebatadoras “Love Comes Loves Goes” y “The Last Goodbye”, todas ellas evocando el sonido de bandas coetáneas como The Eagles, America o Crosby, Stills & Nash, por su irresistible juego de voces y sus melodías cristalinas y cautivadoras.
Comercialmente “Legend” se convirtió en su album mas exitoso, entrando en el top 20 del Billboard, logrando varios discos de oro por sus ventas y al mismo tiempo se convirtió en el album que daba comienzo a su epoca mas comercial, con un previsible country pop enfocado a las listas de éxitos.

Uriah Heep-Demons and Wizards / The Magician´s Birthday (1972)

En 1972 Uriah Heep lanzaría ese mismo año sus dos ultimos albumes orientados al hard rock progresivo como son “Demons and Wizards” y “The Magician´s Birthday”, publicados con una diferencia siete meses.
Con “Demons and Wizard” y “The Magician´s Birthday”, Uriah Heep se aseguro su posición dentro del mundo del rock, como maestros de heavy metal con influencias góticas, con unos albumes que contienen una serie de temas afilados de hard rock combinado con otras de carácter progresivo, con desarrollos épicos y densos, cortes melancólicos y oscuros, y baladas sublimes repletas de belleza, todo ello envuelto de manera conceptual en viajes fantásticos y mitológicos como demuestran las dos portadas de carácter medieval e imaginario diseñadas por Roger Dean.
El comienzo de “Demons and Wizard” no puede ser mas espectacular con la melódica y grandilocuente “The Wizard”, a la que le siguen las hard rock “Traveller In Time” y “Easy Living”, o la compleja y sobresaliente “Circle of Hands”, para retomar el hard rock con dos nuevos trallazos como son “Rainbow Demon” y “All My Life”. Como colofón nos encontramos con la suite apoteósica “Paradise/ The Spell”, que dividida en varias partes, comienza de manera atmosférica y melancólica, para convertirse en un contundente tema de hard rock progresivo liderado por un órgano omnipresente y una guitarra al mas puro estilo floydiano.

Siete meses después la banda lanzaba “The Magician´s Birthday”, para muchos la continuación natural al anterior, e incluso muchos consideraron que los temas aquí incluidos, fueron desechados para el anterior “Demons and Wizard".
Fuera como fuera, este “Magician´s Birthday” sigue la estela conceptual de la mitología fantástica del anterior, y comienza al igual que aquel, de manera sublime con la poderosa hard rock “Sunrise”. El resto de temas son generalmente mas cortos y de estructuras musical menos complejas, a excepción del tema que da titulo al album, el cual retoma las historias de magias y fantasías historicas del anterior album y muestra esa faceta de hard rock progresivo. Entre el resto destacan “Spider Woman” con ese tono boogie rock, la efectiva “Sweet Lorraine” o la nostálgica “Tales”, que junto a melancólica “Rain” y la oscura “Echos In The Dark” otorgan un tono mas sombrío y melancólico a este album, bastante alejado musicalmente del mas vigoroso y animado predecesor.

Utopia-Todd Rundgren´s Utopia (1974)

En 1973, el guitarrista, compositor y productor Todd Rundgren, formo la banda Utopia, alternado los trabajos de esta formación con sus propios lanzamientos en solitario de manera paralela.
Su primer album contaría con una formación que ya nunca se volvería a repetir en ninguno de los posteriores albumes de la banda, compuesto por tres teclistas, Mark Klingman, Ralph Schuckett y Jean-Ives Labat, el bajista John Siegler y el bateria Kevin Ellman, ademas de la guitarra y la producción del propio Todd Rundgren.
“Todd Rundgren´s Utopia” consta de cuatro temas, dos de ellos exceden de los diez minutos, mientras en el lado dos del Lp aparece una suite de media hora de duración. Un album repleto de sonidos de sintetizadores psicodélicos burbujeantes, baterías hiperactivas y unas guitarras abrasadoras, con sonidos que van desde el jazz rock mas enérgico, los sonidos contundente del heavy rock y unas estructuras progresivas y vanguardistas.
Rundgren conseguiría lo imposible con este album, superando a casi todas las demás bandas progresivas en términos de destreza instrumental y el tono épico, empezando por la monumental “The Ikon”, 30 minutos de rock progresivo de exceso total, la cósmica “Utopia Theme”, la dinámica “Freedom Fighters” y el funk aterrador y progresivo “Freak Parade”.
Un album que funciona asombrosamente como lo hace, es solo producto de la mente de un genio como Rundgren, que junto a otros cinco talentosos músicos consiguieron realizar una de las obras maestras del rock progresivo de todos los tiempos.

Dire Straits-Communique (1979)

Después de su exitoso album debut, Dire Straits tenían la posibilidad de consolidar de modo convincente que eran una de las bandas mas solidas y prometedoras de finales de los setenta y principios de los ochenta.
Con un album compuesto por nueve temas, Mark Knopfler intentaba dejar claro su propuesta y su estilo, aunque a posteriori recibiría unas malas criticas por parte de la prensa por considerarlo una mera copia continuista de su primer disco.
Con una portada mágica y ensoñadora, la cual obtendría el premio a la mejor portada del año concedida por la revista británica New Musical Express, este album se inicia con una magistral intro de guitarra de Knopfler en la sensacional “Once Upon A Time In The West”, con ese sonido heredado de J.J.Cale, a la que le siguen las intimistas “News” y “Where Do You Think You´re Going” o “Communique”, un guiño lejano al sonido del gran Bob Dylan. Mientras “Lady Writer” sigue una estela parecida al monumental “Sultans Of Swing”, pero sin llegar a su excelencia instrumental, mientras el album acaba con tres de las mejores composiciones del disco como son la folky “Portobello Belle”, la encantadora y oscura “Single Handed Sailor" y la irresistible con sonidos bluesy “Follow Me Home”.
Pese al varapalo de gran parte de la critica especializada, el album conseguiría alcanzar unas cifras cercanas al millón de copias vendidas a nivel mundial.

The Parlour Band-Is a Friend? (1972)

The Parlour Band fue una oscura y olvidada banda británica originarios de la isla de Jersey, frente a las costas de Normandía. En 1972 debutaron discográficamente bajo el sello progresivo Deram, subsidiaria de la Decca Records, que pese a no estar encuadrados dentro de los sonidos puramente progresivos, si es cierto que tenían ciertas similitudes con las bandas coetáneas del sonido Canterbury.
Su formación original estaba comprendida por el vocalista Peter Filleul, quien ademas se encargaba de los teclados y las guitarras acústicas, el bateria Jerry Robins, el bajista y voces Mark Ashley, el guitarrista Craig Anders y el cantante y segundo guitarrista Pix.
Su estilo estaba impregnado de coloridos arreglos y una gran variedad de sonidos, todo ello envuelto en un pop-rock suave y melódico, con unas destacadas voces armónicas.
Su único album titulado "Is A Friend?" comenzaba con la enérgica "Forgotten Dreams" en donde destacan un tintineante órgano hammond y los poderosos riffs de guitarras, la siguiente "Pretty Haired Girl, es una memorable y brillante pieza pop, mientras la somnolienta bluesy "Springs Sweet Comfort" muestra el lado psicodélico de The Parlour Band. En el resto del album destacan la alegre "Follow Me", la celestial y bucólica "Evening", la folk pop "Don´t Be Sad" y la mini suite con tonos progresivos "Home", con la cual dan por finalizado un magnifico y olvidado trabajo de una banda que después de este album, cambiarían su nombre por The O Band, con un estilo mas enfocado hacia los sonidos del rock melódico, publicando una serie de interesante discos hasta que en 1977 se disolvieron definitivamente.

Jean-Michel Jarre-Oxygene 7-13 (1997)

En el mundo de la música rock, las segundas partes de un album exitoso no siempre fueron una continuación que tuviera primero una gran acogida y segundo el prestigio de su predecesor.
Ejemplos hay muchos, desde los que fueron exitosos como el “Out Of Hell II” de Meat Loaf, o el “Tubular Bells II” de Mike Oldfield o hasta los rotundos fracasos o que fueron duramente criticados como “The Final Cut” de Pink Floyd, una clara secuela de The Wall, entre otras muchas.
En 1997 después de 20 años y siete albumes de estudios Jean Michel Jarre decidió continuar su antologico debut “Oxigene” de 1976 con una secuela a la que titulo “Oxigene 7-13”, en referencia a los naturales movimientos cronológicos que siguen al album original, el cual consta de seis piezas.
En esta continuación Jarre muestra muchas similitudes entre ambos albumes, con una producción dominada por los patrones melódicos habituales en el músico francés, sin que por ello suenen los típicos clichés ni a repetir los mismos esquemas sonoros, dandole un enfoque mas moderno debido a los sonidos tecnológicamente mas avanzados. Sin embargo Jarre renuncia en gran parte del elemento pasional original, sustituyendolo por una considerable emotividad y un mayor dinamismo, logrando un album refinado y muy atractivo, aunque sin lograr superar su asombroso debut.

Grand Funk-Survival (1971)

Con su cuarto album titulado “Survival”, Grand Funk lograrían su cenit popular y comercial con un trabajo mas refinado y técnico que sus intensas y poderosas obras anteriores, debido fundamentalmente a su exquisita y elaborada producción.
Tras tres discos legendarios como su debut “On Time” de 1968 y los posteriores “Grand Funk” (1969) y “Closer To Home” (1970), la banda de Michigan se encontraba en su máximo apogeo con esa combinación de blues, psicodélia, boogie rock y hard rock primitivo con acercamientos al funk y al soul mas visceral, enalteciendolos con todo ello a la cúspide de la música rock de principios de los 70.
En esta cuarta entrega la banda formada por Mark Farmer, Mel Schacher y Don Brewer, tuvo al habitual Terry Knight en las labores de producción y fue grabado durante el mes de marzo de 1971 y publicado un mes mas tarde por la Capitol Records. En el, la banda muestra un elaborado y pulido sonido que si bien les resta la vigorosidad y la furia que habían mostrado hasta esos momentos, también es cierto que es mucho mas accesible y comercial.
La refinada “Country Road” abre este album mostrando todo lo anteriormente dicho, mientras la psicodélica “All You´ve Got Is Money” muestra las virtudes de Mark Farmer con su lisérgica guitarra y su desgarradora voz. La seductora “Comfort Me” muestra la faceta creativa del grupo con una sus mejores composiciones. Cerrando la primera cara, esta el tema de Traffic “Feelin´Alright”, aquí versioneado de manera brillante con ese toque hipnótico y adictivo.
Ya en la parte final se encuentran la soul rock “I Want Freedom” y la atractiva medio tiempo “I Can Feel Him In The Morning”, que son la antesala de la demoledora versión del tema de The Rolling Stones “Gimme Shelter”, concluyendo un album que fue pasto de las criticas por su alejamiento de la visceral propuesta original de sus primeras obras, pero con una gran acogida por parte de sus fans y del publico en general, logrando con ello un extraordinario sexto puesto en las listas del Billboard norteamericano.

Mad Dog-Down Of The Seventh Sun (1969)

En 1969 y en medio del efervescente movimiento psicodélico de California, surgirían Mad Dog, una banda que ese mismo año lanzarían uno de los albumes mas interesantes de aquella epoca, titulado "Down Of The Seventh Sun", pero que sin embargo no pasaría de una mera copia promocional para conseguir un buen contrato discográfico, que nunca llegaría a materializarse, debido a la desidia de varias discográficas.
No obstante tres de los temas de este album serian utilizados posteriormente en una pelicula de serie B norteamericana, titulada "Black Angels", una biografía no oficial de los míticos “Hell Angels”.
La formación de Mad Dog estaba compuesta por el guitarrista y voz, Howard Leese, el bajista Terry Gottlieb, el bateria Steve Goldstein, el guitarra rítmico Vincent Murphy y el vocalista Gary Witkosky.
Durante sus primeros años, esta banda fue telonera entre otros de Captain Beefheart and The Magic Bus, y sus actuaciones no pasaron inadvertidas para algunos productores como Toomy Coe, un aventajado alumno de Phil Spector quien les produjo ese album utilizando una novedosa tecnología llamada “Phasing Sound”, un sistema muy parecido al “Wall Of Sound” que el propio Phil Spector había creado por esa misma epoca.
Mad Dog estuvieron durante varias  semanas en los estudios Mark IV de los Angeles y completarían este "Down Of The Seventh Sun", en el cual destaca la intervención del teclista de Ray Charles, Bags Costello, ademas de las coristas Clyde King, Venetta Field y Maxione Waters. Una vez grabado, los derechos de este album fueron comprados por diferentes compañías discográficas, pero por alguna razón, ninguna de ellas se decidió a publicarlo de manera oficial, pese a la calidad del mismo.
Posteriormente y sin un contrato discográfico, la banda desanimada decidió separase definitivamente. "Down Of The Seventh Sun" esta compuesto por una serie cortes deudores del sonido californiano del acid rock y dejaron su impronta en temas de gran calibre como la sudorosa "Military Disgust", las folk rock "Suite For Two Guitars" y "For Huachuca Blues", la psicodélica "Ala Ala" o las hard rock "Everything´s Alright" o "The Fast Song".
Menospreciado y olvidado en los almacenes de las discográficas, "Dawn Of The Seventh Sun" fue postergado durante décadas hasta que muchos años después el sello RD Records hizo justicia y reedito este interesante album perdido en diferentes formatos como el CD y el vinilo.
Algunos años depues Howard Leese seria uno de los fundadores de la mítica banda norteamericana Heart, con quienes publicaría algunos de los mejores discos del hard rock melódico de las décadas de los setenta y ochenta.

Pulsar-Halloween (1977)

Pulsar fueron una banda francesa de rock progresivo que fue fundada en 1971 en la ciudad de Lyon, justo en una epoca en donde el efervescente movimiento francés de prog rock estaba en su máximo apogeo.
Su formación estaba compuesta por el teclista Jacques Roman, el bateria Victor Bosch, el bajista Philippe Roman, el guitarrista Gibert Gandil y el flautista y instrumentos de cuerda Rooland Richard.
Su debut discográfico llegaría en 1974 con el album “Polen”, el cual obtuvo unas favorables criticas pero al mismo tiempo sería un fracaso comercial. Dos años después regresaron con su segundo album “The Strands Of The Future”, uno de los hitos de la música progresiva gala en los años 70, el cual enriqueció el genero vanguardista en el mercado francés y europeo.
Influenciados claramente por el sonido de Pink Floyd, Pulsar rebosan de una personalidad propia y única, con esas obvias reminiscencias hacia la banda británica con su sonido atmósferico, etéreo y espacial.
En este segundo album los movimientos de flauta tiene un uso mas marcado, que junto a los arreglos acústicos, las capas de sintetizadores y los mellotrones, dan un sonido ensoñador en donde se mezclan sonidos especiales, melodías psicodélicas y ambientes melancólicos.
Con la llegada de un nuevo bajista, la banda publica su tercer album “Halloween” tres años mas tarde, el cual esta considerado su mejor obra. “Halloween” consta de dos suites de múltiples movimientos, en las que la fascinación por los sonidos sinfónicos seguia creciendo, pero con el añadido de unos tonos mas densos y lúgubres.
Si con "The Strands Of The Future” el grupo lograba su madurez en busca de un estilo y un sonido propio, con “Halloween” fueron mucho mas allá, evolucionado hasta llegar a la conclusión de que esta es una de las joyas indiscutibles del progresivo francés, cuya especial belleza e inquietud es asombrosamente perfecta.

Herbie Hancock-Crossings (1972)

"Crossings" fue el décimo album de Herbie Hancock y el segundo en su periodo "Mwandishi", su epoca en donde experimentaría con la electrónica y el funk. También fue el primero en donde el músico originario de Chicago contaba con un nuevo miembro en su banda, como era el teclista Patrick Gleeson, un experimentado músico con los sintetizadores, los mini moogs y la electrónica mas vanguardista.
Considerado uno de los mejores albumes del jazz fusión abstracto, con sonidos electrónicos, poliritmos africanos y una soberbia producción psicodélica, que presta mucha atención a cada detalle, para crear un estilo de jazz futurista. Un album que después de cuatro décadas sigue sonando increíblemente adelantado a su tiempo.
Compuesto por solo tres cortes, la primera cara esta enfocada en la extensa "Sleeping Giant", una enorme suite africana futurista que alterna intensas improvisaciones de avant-funk con partes mas oscuras. La interpretación de Herbie Hancock durante las improvisaciones abstractas son increíblemente intensas y muestra cómo es el maestro en la construcción de unos sonidos unidos y originales, demostrando que también es un genio de la composición y las orquestaciónes modernas, utilizando su sección de trompetas y la electrónica para construir texturas mini-orquestales que recuerdan a clásicos como Stravinsky y Ravel. La capacidad de componer a un nivel tan sofisticado es una de las cosas que hace que Hancock y los miembros de su banda “The Sextant”, estén a un nivel por encima de otros conjuntos psicodélicos de su epoca.
La segunda cara esta exclusivamente dedicada al virtuoso de los instrumentos de viento Bennie Maupin, quien también demuestra que sabe escribir y orquestar, al convertir dos increíbles y soberbias piezas en unas deliciosas melodias para los oídos.
La que primero aparece es la tensa y misteriosa "Quasar", la cual presenta una melodía de soprano futurista que es similar a la melodía clásica de Star Trek. Gran parte de la interpretación de esta canción es abstracta e improvisada, pero los músicos se mantienen tranquilos y concentrados y evitan los clichés indulgentes de improvisación. La música resultante es delicada y sensible, muy lejos del cliché del avant-jazz 'freak out', con unas melodías que a menudo nos recuerdan a Moussourgsky, Stravinsky y otros tantos del sonido de la música de cámara rusa o francesa de principios del siglo XX.
La segunda cara se cierra con "Water Torture", en la que una línea de bajo profunda y lenta doblada en el clarinete bajo suena como un cruce entre un ritmo funk lento y una composición rusa oscura, destacando la electrónica del Mellotron a cargo de Hancock y una sección de trompetas cuidadosamente orquestada logrando con ello un sonido orquestal futurista.
Sin embargo y a pesar de las soberbias interpretaciones instrumentales y la enorme composición, es el productor David Rubinson el verdadero protagonista de este album, uno de los mas meticulosamente producidos con todas y en cada una de las notas, las reverberaciones, los ecos, el volumen…un trabajo titánico de minuciosidad al milímetro, consiguiendo con todo ello una obra maestra sonora absoluta

Fresh Blueberry Pancake-Heavy (1970)

Fresh Blueberry Pancake fueron un poderoso power trío originarios de la ciudad de Pittsburgh en Pensilvania, Fundado a finales de 1968, estaba compuesto por el bajista y cantante Tony Impavido, el guitarrista John Behrens y el bateria Geoff Rydell.
Este banda estarían fogueandose durante varios años en multitud de conciertos por el estado de Pensilvania, consiguiendo con ello, una amplia legión de seguidores, ademas de la suficiente cantidad de material original para grabar una maqueta de demostración.
En 1970 y con una edición limitada de medio centenar de copias, lanzaron el disco "Heavy", para su uso promocional y que fue auto producido por la propia banda. En este único album, este enérgico power trio, navega entre diferentes estilos que van desde el rock acido pesado; "Clown On A Rose" o "Hassles", hasta el blues rock psicodélico "Being In Town" o "Where´s The Sun" pasando por acercamientos al folk rock como queda demostrado en "Bad Boy Turns Good". Después del lanzamiento de este album, la banda acortaria su nombre a Pancake, y algun tiempo mas tarde terminarían disolviendose definitivamente.
Este es otro de los discos muy codiciados por los coleccionistas, llegandose a pagar en diferentes subastas, sumas desorbitadas por una de las copias originales. Sin embargo muchos años después, mas concretamente en el 2003, el sello alemán Shadock Music recuperaría las maquetas originales y los reeditaron en formato CD, con un nuevo diseño de portada a todo color, en detrimento de la austera y minimalista carpeta original.

Neu!-Neu! ´75 (1975)

Neu ! es una de las bandas fundamentales de la escena del krautrock alemán, percusor entre otras cosas del famoso sonido “motorik”, y que en apenas tres años de carrera se convirtieron en leyenda en su país natal Alemania y gran parte de la Europa continental. Formada a partir de la deserción de los miembros originales de los también germanos Kraftwerk, el guitarrista Michel Rother y el percusionista Klaus Dinger, este duo consiguió crear un estilo único en donde los paisajes evocadores son mas estimulantes que tranquilizantes, con unas melodías hipnóticas, siendo fuente de inspiración para muchos artistas de los años posteriores como por ejemplo Brian Eno.
En su breve existencia Neu! publicaron tres albumes, desde su fascinante debut, una de las obras cumbres del rock experimental “Neu!”, (1972), hasta “Neu! 75” (1975) considerado su trabajo mas accesible y el mas hábil musicalmente hablando, ademas de lograr su producción mas exitosa.
Su primer album contiene una de las composiciones emblematicas de la historia de la música rock como es el enorme tema “Hallogallo”.
Después del extraño y experimental “Neu! 2”, publicado en 1973, el duo terminaría por disolverse debido a sus continuas diferencias musicales y los continuos problemas financieros, dedicandose cada uno de sus miembros a proyectos por separado, por un lado Dinger fundaría la banda La Düsseldorf y por otro Rother haría lo mismo con Harmonía junto a Dieter Moebius y Hans-Joachim Roedelius.
Ya en 1975 Dinger y Rother liman asperezas y se unen para la publicación de su tercer larga duración “Neu 75”, en donde continuaban con esa senda iniciada en su primer album con esos sonidos esquizofrénicos y originales, un trabajo repleto de pasajes suaves y dulces que son el contrapunto a unos climas mas enérgicos y agresivos muy cercanos a proto-punk.
Dividido en dos partes bien diferenciadas, la primera cara del Lp contiene los sonidos agradables y atmosfericos, apuntando directamente a la belleza primitiva de los primeros albumes en solitario de Rother.
Las tres primeras piezas del album están confeccionadas a modo de una mini suite de cerca de los 20 minutos, comenzando con el sonido contagioso motorik de “Isi”, que continua con la evocadora “See Land”  y termina con la hipnótica y sonámbula “Leb´Wohl”. La segunda cara es totalmente opuesta con unas guitarras corrosivas y  amplificadas, una fuerte percusión y unas voces caóticas. Sin embargo en todas ellas el ritmo motorik esta siempre presente como queda demostrado en las frenéticas “Hero” y “After Eight” o en la mecánica “E-Musik”.
Esta fue la ultima de las tres grabaciones clásicas de estos legendarios músicos, hasta que una década después volverían a reflotar el proyecto Neu! publicando el previsible y falto de emoción “Neu! 4”, un trabajo mediocre que ni de lejos se acercaba a la enorme creatividad y originalidad de sus tres primeras y emblemáticas obras.

Gary Wright-The Dream Weaver (1975)

En 1970 el teclista Gary Wright abandonaba los Spooky Tooth, una de las mejores bandas británicas de finales de los 60 y principios de los 70. Sin embargo esta banda siempre fue perseguida por la mala suerte a la hora de conseguir un éxito masivo, pese a su enorme calidad, entre otros motivos por sus constantes cambios de formación, hecho este que les restaría consistencia y equilibrio a su estilo de hard y blues rock.
Una vez fuera de los mencionados Spooky Tooth, Wright comenzaría una carrera en solitario para lo cual se afincaría en los Estados Unidos, mas concretamente en la soleada costa californiana.
Tal vez influenciado por los sonidos suaves y melódicos de la costa oeste, Wright cambio el blues y el rock de su banda madre por un estilo mas ecléctico y melódico, donde tienen cabida sonidos funky, soul y jazz, impregnados con el pop rock californiano.
Aún asi sus primeras obras pasan totalmente desapercibidas y ante tal fracaso Wright se aleja de sus propias grabaciones para centrarse en las colaboraciones de otros artistas como George Harrison, B.B.King o Ringo Starr.
Ya en 1975 Gary Wright lanzaría su tercer album “The Dream Weaver”, donde consigue aunar su gran talento como compositor con la de su enorme destreza con los teclados, facturando un album memorable de rock melódico.
Para este tercer album, Wright se rodeo de algunos músicos norteamericanos de renombre como el guitarrista Ronnie Montrose, el teclista David Foster y el bateria Andy Newmark entre otros conocidos músicos de la escena californiana.
“The Dream Weaver” esta confeccionado por una colección de grandes temas de escucha agradable sin demasiadas pretensiones, que sin embargo resultan adictivas y de gran clase instrumental, en donde los omnipresentes teclados de órganos Hammond, Fender Rhodes y los sintetizadores Moogs son los protagonistas del album, con atractivos pasajes instrumentales junto a la voz melodiosa de Wright.
Temas pegadizos e irresistibles como “Love Is Alive”, “Let Out”, “Made to Love You”, “Power Of Love”, “Dream Weaver” o “Blind Feeling” certifican un sobresaliente album de rock melódico muy cercano a los sonidos AOR que llegarían algunos años mas tarde y que se convirtiría en uno de los estilos predominantes en la década de los ochenta,
"The Dream Weaver” terminaría conquistando el mercado norteamericano con un sorprendente top ten en el Billboard y varios discos de platino por sus ventas.

Steve Vai-Passion And Warfare (1990)

Considerado uno de los grandes guitarristas del siglo 20, Steve Vai siempre se ha caracterizado a lo largo de su carrera por su estilo complejo, extravagante y en cierta medida experimental, lo que le ha valido ser venerado por millones de adictos a la guitarra, pero al mismo tiempo ser repudiado por los mas ortodoxos seguidores de la guitarra eléctrica.
Sus comienzos junto a Frank Zappa le ayudaron a labrarse una gran reputación, colaborando con el genial músico de Baltimore en muchas grabaciones entre las que destacan los soberbios “Shut Up ´n Play Yer Guitar” (1981), “You Are What You Is” (1981) o “Guitar” (1988). Pero aquí no se quedan sus interminables colaboraciones, Vai ha actuado como músico invitado o como miembro de pleno derecho en bandas y artistas como Whitesnake, Alcatrazz, David Lee Roth, Alice Cooper, Ozzy Osbourne, Meat Loaf o Al Di Meola, entre casi un medio centenar de grabaciones a lo largo de sus mas de 40 años de carrera artística.
Ya en 1984 Vai publicaría su primer album titulado “Flex-Able” en donde como no podía ser de otra manera mostraba sus claras influencias del maestro Zappa, con una serie de composiciones basadas en sonidos experimentales e intrincados.
Después de este debut Steve Vai se embarcaría en diferentes proyectos que lo tendrían ocupado hasta finales de la década, entre otros muchos, los albumes “Disturbing The Peace” de Alcatrazz, “Eat ´Em and Smile” y “Skyscraper” de David Lee Roth o “Slip Of The Tongue” de Whitesnake”. Ya en 1990 y liberado de sus múltiples compromisos, publicaria su segundo album y a la postre su mejor obra, “Passion And Warfare”. En esta nueva entrega y a diferencia de su album debut, Vai muestra una faceta mucho mas ecléctica, unas composiciones mas maduras, todas ellas de una gran complejidad y no exentas de cierta excentricidad, que sin embargo no le resta un ápice a la accesibilidad, convirtiendose en uno de los albumes instrumentales de guitarra mas exitosos y que marcaría un hito sin precedentes.
Un album que cuenta con una serie de temas tan diferentes entre si como la delicada y con mil detalles sonoros “Ballerina”, la heavy rock “The Animal”, la compleja “Erotic Nightmares”, la melódica y adictiva “Liberty”, la extravagante “Love Secrets” o la monumental “For The Love Of God”.

Anderson Bruford Wakeman Howe-Anderson Bruford Wakeman Howe (1989)

A finales de los 80 el grupo británico Yes estaba sumido en una especie de caos estructural y es que mientras algunos miembros originales como Chris Squire, Alan White y Tony Kaye trabajaban en Nueva York en un nuevo album bajo el nombre oficial de Yes, junto a otros ex integrantes como Billy Sherwood, los miembros restantes hacían lo mismo en Londres, ellos eran Jon Anderson, Bill Bruford, Rick Wakeman y Steve Howe.
Sin embargo ambas formaciones no estaban por la labor de unir sus fuerzas y de hecho, fue esta segunda quien lanzara con las iniciales de sus apellidos y de forma unilateral, el album hononimo “ABWH”. Aunque la historia de este album fue concebida inicialmente como un trabajo en solitario de Jon Anderson quien les pediría a los mencionados ex compañeros su colaboracion en la grabación del mismo, y que terminaría siendo firmado por los cuatro componentes como el proyecto ABWH. Por aquellos años la expectación fue enorme por ver como sonarían estos “Yes” camuflados sin Chris Squire, que además contaria con la producción y el diseño de la portada, de los habituales en los anteriores albumes de Yes, Eddie Offord y Roger Dean respectivamente.
Un album que a priori se intuia convertirse en uno de sus trabajos mas memorables y que sin embargo pese a sonar en ciertos momentos a los Yes mas clásicos adolecería de la creatividad, el equilibrio necesario y cierta inconsistencia en el resultado final.
Dicho resultado final es una especie de sonidos híbridos entre los Yes originales, el grupo Asia, elementos de la world music y acercamientos a los sonidos new age. Parte de ello es causado por los novedosos sonidos en los teclados de Rick Wakeman, la extraña bateria electrónica de Bill Bruford, las orquestaciones del teclista invitado Matt Clifford y los exóticos toques de guitarra de Steve Howe y Milton McDonald, otro de los músicos colaboradores en el album. Mención aparte es la participación de Tony Levin al bajo, el cual es sin duda uno de los mas destacados instrumentistas en este disco, influyendo notoriamente con su peculiar estilo, en los mencionados sonidos new age y world music.
Aún así hay momentos destacables como la sinfónica “Fist Of fire”, la atmosférica “Brother Of Mine”, la ambiental “Birthright”, la espacial “The Meeting” o la progresiva “Order Of The Universe”, tema este, con un sonido cercano al de los Yes de su mejor época. Poco después del lanzamiento del album, las dos fracciones  llegarían a un acuerdo y todos juntos y de manera extravagante, grabarían el inferior “Union”, el cual contaría con un proceso de grabación tan surrealista como poco menos que absurdo, con dos grupos de trabajo por separado (en realidad fueron tres), mientras por un lado estaban ABWH, por el otro se encontraban Chris Squire y sus colaboradores y por ultimo también aparecia Trevor Rabin con diferentes músicos en un disparatado y caótico trabajo en seis estudios de grabación diferentes, repartidos entre Nueva York, Los Angeles y Paris.

Phil Collins-Face Value (1981)

A finales de los setenta, Genesis se habían reducido a trío, con una formación compuesta por Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford, ellos habían facturado el meritorio y barroco “...And Then There We Three...” con el cual alcanzaron puestos altos en las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico y varios años después incluso superarían esos registros con el siguiente “Duke”, un album que se alejaba sutilmente de los sonidos progresivos de los años 70 y contenía un sonido mas comercial que seria la antesala del camino que la banda tomaría en el resto de la década de los ochenta.
Por aquellos años los tres miembros también tuvieron tiempo para publicar sus respectivos albumes en solitario, y así tanto Tony Banks con el ambiental y progresivo “A Curious Feeling”, como Mike Rutherford con el pop progresivo “Smallcreep´s Day” (1980), quisieron plasmar sus propias ideas musicales que en parte no se alejaban demasiado del espíritu genesiano de los 70. Mientras tanto Phil Collins espero hasta después de la gira mundial del mencionado “Duke” para lanzar su debut en solitario “Face Value”, que a diferencia de sus compañeros, optaría por un estilo mas comercial pero de gran clase y sofistificación.
Para la grabación del album, Collins se rodearía de un plantel impresionante de músicos y artistas, empezando por los guitarristas Eric Clapton, Daryl Stuermer y Joe Partridge, los bajistas Alphonso Johnson y John Giblin, ademas del violinista L. Shankar o el cantante Stephen Bishop entre otros muchos.
En “Face Value” Collins muestra un sonido potente y contundente en muchos momentos del album, y una buena muestra de ello es la inicial y todo un clásico del pop rock “In The Air Tonight”, alternado con pasajes mas calmados como la delicada balada pop “This Must Be Love”, o la energica instrumental “Hand In Hand”, la adaptación pop del tema progresivo “Behind The Lines” o la versión experimental y progresiva de la canción de The Beatles “Tomorrow Never Knows”. El recibimiento posterior fue un éxito arrollador en medio mundo con numerosos números uno y unas ventas que superaron con creces los 12 millones de copias.

Gryphon-Red Queen To Gryphon Three (1974)

Gryphon son otra de esas grandes bandas desconocidas para el gran publico, su estilo fusionaba diferentes géneros como el folk, la música barroca y renacentista, elementos de vanguardia y medievales y el rock progresivo. Su carrera se forjaría a lo largo de gran parte de la década de los setenta con cinco interesantes albumes, siendo “Red Queen To Gryphon Three” su obra mas celebre.
Formados en Londres a principios de los setenta por Richard Harvey (teclados y flauta) y Brian Gulland (fagot), ambos estudiantes en la Royal Academy of Music y compartían la misma afición por los sonidos barrocos, el folk tradicional ingles y una visión moderna de la música renacentista. Ya en 1973 se unieron a la banda el guitarrista Graeme Taylor y el cantante y bateria David Oberle, con los cuales se grabaría el acústico primer album titulado homonimamente como la banda.
Un año después se incorporaría el bajista Philip Nestor, participando en la grabación de “Midnight Mushrumps”, un album que contaba con un mayor numero de composiciones originales y una clara inclinación a los sonidos mas puramente rock. 1974 seria el año del lanzamiento del album que nos ocupa “Red Queen To Gryphon Three”, un disco conceptual sobre el juego del ajedrez, inspirado en la tipicas suites de la música clásica. Un trabajo muy complejo, con un gran nivel en su estructura de canción con constantes cambios de ritmo y que consta de cuatro extensas piezas interpretadas de manera impecable. Aires medievales, folclóricos y renacentistas, todo ello interpretado por flautas, fagot, piano, órgano, sintetizadores, guitarras eléctricas y acústicas y diferentes percusiones.
Este es definitivamente un clásico album de rock progresivo, en donde todo el contenido es soberbio de principio a fin, sin que ninguna de las composiciones sobresalga por encima del resto.

King Crimson-Red (1974)

Hacia muchísimo tiempo que no aparecía por este blog los inconmensurables King Crimson, una de las mas fascinantes bandas de todos los tiempos y una de las cinco mas grandes de la historia del rock progresivo. Esta vez nos centraremos en el ultimo trabajo que la banda liderada por el genial Robert Fripp hicieran en la década de los 70 y que llevo por titulo “Red”. Este album supuso el abandono de la indulgencia de los albumes anteriores, al mismo tiempo es la obra mas cruda y poderosa de KC, en el escuchamos ecos de “Larks Tongues In Aspic” y “Starless And Bible Black”, pero en un tono mas avanzado, con una identidad musical mucho mas oscura, moviendo los hilos entre las distorsiones y los compases hipnóticos. Aquí aparece una de las mejores y mas impresionantes composiciones de la historia de la música popular como es la antológica “Starless”, que se inicia con unas bellas capas de mellotrones acompañada por una guitarra melancólica e hipnótica, que culmina en un final épico de manera brillante y apoteósico.
Pero volvamos al principio y hagamos un poco de historia, estamos en 1974, Robert Fripp seguía manteniendo la base principal de la banda de los dos albumes anteriores a excepción del violinista y teclista David Cross que sin embargo participa aquí como músico invitado, por lo tanto el grupo estaba formado por John Wetton al bajo y voz y Bill Bruford a la bateria y percusiones, mientras el propio Fripp se encargaba de la guitarra y el mellotron. Ademas en las grabaciones del album aparecen Ian McDonald al saxo, Robin Miller (oboe), Marc Charig (trompeta) y Mel Collins (saxo). Musicalmente “Red” esta construido con intensas capas distorsionadas en donde el bajo de Wetton suena junto a la guitarra de Fripp de manera amenazante y cruda, la música esta tensamente concebida con una sincronización potente pero con su propia textura musical. Casi todos los temas están rodeados de melancolía y oscuridad, con sutiles toques de instrumentos de viento que impulsan esa sensación amenazante, pero que al mismo tiempo están muy elaboradas y son muy complejas .
Un album que comienza con la contundente canción del mismo titulo del album, mientras “Fallen Angel” se inicia con una delicada introducción acústica para terminar en una exuberante distorsión progresiva con una melódica voz y un saxo antologico, la mas accesible pero de cierta complejidad “One More Red Nightmare” da paso a la progresiva y experimental “Providence”, para llegar a la mencionada anteriormente “Starless” la pieza mas oscura y e inmensa del album y al mismo tiempo, la pieza mas cautivadora de KC.
“Red” es sin duda una obra que tiene detrás de si un elaboradisimo trabajo musical, tanto en las partes vocales, como en sus oscuras letras, en su intrincada producción y en los sublimes arreglos instrumentales, un album que suena tan apoteósico como su enorme debut, pero con mas profundidad y una esencia mas siniestra.

Kravetz-Kravetz (1972)

Paradojas del destino convirtieron al francés Jean-Jacques Kravetz en uno de los pioneros del rock alemán o como comúnmente se denomina, "krautrock". Afincado en Hamburgo desde finales de los sesenta con apenas 20 años, este multiinstrumentista parisino se labraría una gran reputacion en el circuito musical del incipiente movimiento psicodélico de la epoca, convirtiendose en uno de sus grandes impulsores. Algunos años mas tarde publicaría de manera moderada y sin prácticamente promoción, su único album en solitario junto al mítico bateria Udo Linderberg, y a los musicos Thomas Kretzschmer como guitarra, el bajista Carl Stepehan y la cantante Inga Rumpf. En este único album, Kravetz combina magistralmente los pesados y difusos sonidos de órgano y los sintetizadores con unas puntuales y afiladas guitarras eléctricas. Esto dicho queda demostrado en la primera pieza del album “I?d Like To Be A Child Again” o en la espacial “Ann Toomuch”, mientras la experimental “Routes” pone la nota psicodélica y oscura de esta obra, que desemboca en la jazz progresiva “Master Of Time”, que ponen el punto y final a un album que marcaría uno de los sonidos tempranos del krautrock
En los siguientes años Kravetz pasaría a engrosar como miembro por pleno derecho de tres de las mas grandes bandas del rock alemán como fueron Frumpy, Kin Ping Meh y Atlantis, facturando con todos ellos excelentes albumes, entre los que se encuentran algunos de los clásicos del rock alemán y el prog rock.

Ambrosia-Road Island (1982)

Ambrosia son una de las bandas mas exquisitas del panorama de la música rock, sus irresistibles voces y sus pegadizas melodías le otorgaron durante una década el estar entre las mejores formaciones norteamericanas.
Formado a principios de los setenta en California, esta banda nacería en la mejor era del rock progresivo y obtuvieron una grandísima legión de seguidores gracias a su creatividad y sus fantásticos arreglos. Ya con su primer album “Ambrosia”, saltarían a la fama con un trabajo que fue producido por nada mas y nada menos que Alan Parsons y que contaba con éxitos del calibre de “Holdin´On The Yesterday” y “Nice Nice, Very Nice” ambos unos clásicos de las emisoras FM norteamericanas. Los siguientes movimientos de la banda también obtuvieron notables exitos como “Somewhere I´ve Never Traveled” el cual fue incluso nominado al Grammy o el hit “Life Beyond L.A.” todo un numero uno en las listas de Billboard.
Después de tantos éxitos, en 1982 Ambrosia publicaba su quinto y a la postre ultimo trabajo titulado “Road Island”, en donde vuelven a mostrar algunos elementos progresivos al mismo tiempo que comerciales, todo ello fusionado con unas melodías memorables y unas irresistibles voces.
Los sonidos AOR están presentes en las adictivas “Still Not Satisfed” y “How Can You Love Me”, los potentes temas rock también tienen cabida en “For Openers-Welcome Home” y “Kid No More”, mientras mantienen intacta la vena melódica con hermosas composiciones como “Feelin´Alive Again”, “Fool Like Me” y “Endings”, para acabar con la mas progresiva y compleja “Ice Age”. En el año 2000 y celebrando los 30 años desde su fundación, volverían a reunirse para realizar una extensa gira por todos los Estados Unidos con un gran éxito de taquillas, demostrando con ello la enorme popularidad de esta magnifica banda californiana.

Citizen Cain-Somewhere But Yesterday (1994)

Esta banda británica de rock progresivo fue fundada en 1982, pero no seria hasta diez años después cuando vieron publicado su primer album. Formados en torno al bajista y vocalista George Scott y al multiintrumentista Gordon Feenie, estuvieron durante largos años actuando junto al guitarrista Tim Taylor e incluso llegaron a grabar algun material que fue publicado en un album recopilatorio titulado “Fire In Harmony”. Sus actuaciones en el mítico Marquee de Londres, les labraron una gran reputacion y el sello EMI se intereso por ellos, pero cuando todo iba a formalizarse un accidente deja incapacitado de un brazo a Scott, por lo que la banda desaparece en el año 1988. Varios años después el propio Scott recluta al guitarrista Frank Kennedy, al cantante Stewart Bell, al bajista Dave Elam y al bateria Chris Colin y reflotan a Citizen Cain. Ya en 1991 una maqueta del grupo recibe unas excelentes criticas y grandes elogios, lo que les ayuda a que el subsello discográfico Cyclops les financie su primer album “Serpents In Camouflage”. Si bien en un primer momento el album no obtiene el resultado apetecido, gracias a uno de los promotores del sello A&R les consigue que abran los conciertos de bandas como Pendragon, The Enid o Final Conflict. Sin embargo pronto comienzan las desavenencias entre los miembros del grupo que termina por el abandono de algunos de ellos, que son reemplazados por el bateria Nick Arkless, el bajista Andy Gilmour y el guitarra Alistar MacGregor. Con esta nueva formación publican el soberbio “Somewhere But Yesterday” en el año 1994. Para este segundo trabajo la banda muestra un estilo mucho mas complejo y su mejor obra, con unas influencias mas que notorias a los primeros Genesis de albumes como “Nursery Crime” o “Foxtrot”, pero con un estilo propio y personal. La elaborada y épica “Junk and Donuts”, la asombrosa suite progresiva “Somewhere But Yesterday”, la dinámica “Jonny Had Another Face/ Parallel Lines” y la oscura “To Dance The Enamel-Faced Queen” rememorarían la esencia de la mejor epoca de los Genesis de la era Gabriel, pero sin cometer el error de ser unos meros imitadores y una burda banda clon.

Steamhammer-Mountains (1970)

Steamhammer fueron una importante banda británica de finales de los sesenta que publicaron cuatro espectaculares discos enfocados en el blues rock progresivo británico.
Formados en 1968 por el guitarra Martin Quittenton, el vocalista, guitarra y harmonica Kieran White, el también guitarrista Martin Pugh y un sección rítmica compuesta por el bajista Steve Davy y el bateria Michael Rushton.
En 1969 publicaron su album debut que estaba claramente arraigado en la segunda ola del British Blues, compitiendo en primera fila con las coetáneas Savoy Brown, Ten Years After y Fleetwood Mac. Sin embargo este primer album tenia los suficientes matices progresivos para ser del agrado de los prog heads de la epoca.
Ese mismo año llegaría "MK II" el segundo trabajo en donde la propuesta de blues rock se amplia con elementos progresivos, con una serie de temas que tenían la fuerza y garra del poderoso hard rock y unos arreglos muy pulidos y vanguardistas. En este segundo album Steamhammer había sufrido varios cambios de integrantes, entrando el bateria Mick Bradley y el saxofonista y vientos Steve Joliffe, quienes reemplazaron a Rushton y Quittenton.
En "MKII" destaca poderosamente la epopeya de casi veinte minutos "Another Travelling Tune", con una gran interacción de riffs pesados, un ritmo blues y un complejo desarrollo instrumental.
"Mountains" publicado en 1970, fue el tercer lanzamiento y su trabajo mas completo, en donde seguían con su propuesta inicial de blues rock, aderezados con pinceladas psicodélicas y elementos progresivos.
Aquí aparecen soberbias piezas como la jam blues "Riding On The L&N", la funk psicodélica "I Wouldn´t Have Tonight", la delicada "Levinia", la oscura "Mountains" o la boogie rock "Hold That Train".
"Speech" el cuarto y ultimo trabajo de Steamhammer llegaría un año después, y cuenta con las colaboraciones del ex The Yardbirds y Renaissance Keith Ralf y su hermana la cantante y también miembro de Renaissance Jane Relf.
En "Speech" la banda toma un rumbo definitivamente mas progresivo introduciendo elementos del jazz rock pero con su esencia blues original. La siniestra y aterradora "Penumbra" con sus 23 minutos da comienzo a este cuarto trabajo, con una intro fascinante y en donde se dan cabida desde pasajes frenéticos hasta momentos mas pausados en un desarrollo totalmente progresivo, ya en la segunda cara del LP aparece la hard rock blues "Telegram", diez minutos de sonidos lisérgicos y progresivos con unas afiladas guitarras y un ritmo enloquecedor, terminando con "For Against", una tema vanguardista y extravagante de riffs de guitarras y solos de bateria.
Poco después de la publicación de este cuarto album, Mick Bradley fallece a causa de una leucemia no detectada, este funesto hecho precipita la disolución de Steamhammer de manera definitiva.
En apenas cuatro años Steamhammer fueron una de las mas interesantes bandas del circuito del blues progresivo británico, pero que debido a este trágico acontecimiento, sus constantes cambios de formación y a una competencia brutal con otras bandas coetáneas de mayor peso especifico, les relegaron al status de grupo de culto.

Eyes Of Blue-Crossroads Of Time (1969)

“Crossroads of Time” fue el álbum debut de Eyes Of Blue, una oscura banda británica de rock psicodélico y progresivo. Esta legendaria banda galesa estaba formada por el guitarrista y voz Gary Pickford-Hopkins, el bateria John Weathers, el cantante Wyndham Reese, el teclista Phil Ryan, el guitarrista Ray Williams y el bajista Ritchie Francis.
En sus comienzos esta banda practicaba un estilo basado en el soul y la psicodélia para que gradualmente se fueran orientando hacia los sonidos de la costa oeste estadounidense.
Con la colaboración con Quincy Jones, contribuyeron a la banda sonora de la película 'Toy Grabbers' y luego aparecieron en la película 'Connecting Rooms'. En 1966 ganaron el famoso premio 'Beat Contest', organizado por la revista musical británica Melody Maker. Eso les llevó a firmar un contrato con el sub-sello progresivo Deram de la discográfica Decca. Después de varios sencillos de escaso impacto comercial, obtuvieron la colaboración del productor Lou Reizner, con el cual grabaron su álbum debut, “Crossroads Of Time” en 1968 en Londres que finalmente seria lanzado a principios de 1969 por el sello Mercury Records.
Este primer álbum es una colección de canciones impregnadas de psicodélica y sonidos típicos de los 60 con un buen órgano y elementos del rock progresivo temprano, rhythm & blues, pop, elementos jazzisticos, y influencias orientales, destacando las bluesy “Croosroads Of Time” y "Love is the Law", (ambas escritas por Graham Bond), las psicodélicas “Inspiration For A New Day” y “Prodigal Son”, o las brillantes "I Wonder Why" y "World of Emotion", ademas de varias versiones muy bien logradas como “7+7 Is” del grupo de Arthur Lee, Love, y la emblemática “Yesterday” de The Beatles, todas ellas impregnadas con el característico sonido beat de los sesenta.
Posteriormente la banda publicaría su segundo album titulado “In Fields Of Ardath”, lanzado en la primavera de 1969 en el cual ya no aparecía Wyndham Reese, y que estaba mas orientado a los sonidos progresivos, pero sin dejar su amplia variedad de influencias del rock psicodélico, el blues, el jazz, sonidos exóticos y la música clásica.
Posteriormente Gary Pickford-Hopkins se convertiría en uno de los dos cantantes principales de la banda de acompañamiento de Rick Wakeman en sus albumes “Journey To The Center Of The Earth” (1974) y “The Myths And Legends Of King Arthur And The Knights Of The Round Table” (1975). Además haber pertenecido durante algun tiempo a la banda de hard blues rock Wild Turkey, mientras John Weathers pasaría a engrosar durante muchos años el puesto de bateria principal de los míticos Gentle Giant y posteriormente de la banda psicodélica y progresiva, Man.