sábado, 15 de junio de 2024

Sweet-Level Headed (1978)

En 1974 tuvo lugar el primer cambio de rumbo de una de las bandas punteras del glam rock como fueron Sweet, cambiando de equipo de producción y decididos a volcarse hacia el mercado norteamericano, el cual después de innumerables éxitos en Gran Bretaña y en Europa, aún se les resistía.
Este cambio les dio resultado con el hit “Fox On The Run”, que llegaría hasta el numero 2 en Gran Bretaña y un sorprendente numero 5 en los Estados Unidos.
Después de una larga gira por tierras americanas, decidieron trasladar allí su base de operaciones y grabar su álbum musicalmente mas ambicioso “Off The Record”.
Fortalecidos por una gran popularidad en todo el mundo, la banda realizaría numerosas giras por Europa, Japón e incluso Extremo Oriente con un éxito de taquilla sin precedentes en la carrera de la banda londinense.
En medio de esta vorágine de triunfos, en 1978 publicarían su sexto álbum “Level Headed”, en donde ya mostraban su total alejamiento de los sonidos violentos de su glam y heavy rock para adentrase definitivamente en un rock melódico y ecléctico.
Temas como “Love Is Like Oxigene”, con un claro acento pomp rock y que conquistaría las listas de medio mundo, contrastaban con otras cercanas a los sonidos californianos “Silverbird” y “California Nights”, al funk rock “Strong Love”, a las baladas adictivas “Dream On”, o acercamientos al rock vanguardista con la sorprendente “Air On A Tape Loop”.
Pese a esta diversidad de estilos, el álbum tuvo un discreto recibimiento en las listas de éxitos, lo que precipitaría el abandono de su vocalista Brian Connolly, terminando así la época de oro de Sweet y pasando a formar parte como uno de los mejores recuerdos de la música rock.

miércoles, 12 de junio de 2024

Jadis-More Than Meets The Eye (1992)

Jadis son una de las bandas abanderadas del llamado hard rock neoprogresivo, la cual tuvo unos comienzos con muchísima notoriedad al telonear exitosamente a los grupos británicos IQ y Marillion a mediados de los ochenta.
Formados originalmente en 1982 por el guitarrista Gary Chandler, durante toda su carrera han tenido diferentes integrantes entre los que destacan el bajista Mick May, el batería Steve Christey, el también bajista John Jowit o el teclista Martin Orford, este ultimo integrante de los mencionados IQ.
El primer álbum propiamente dicho de Jadis, fue en realidad una colección de demos producida por el guitarrista de Marillion, Steve Rothery.
Esta primera entrega es una encantadora colección de canciones neo progresivas centradas en la guitarra. Para su segundo trabajo "More Than Meets The Eye" publicado bajo el sello Giant Electric Pea, Jadis muestra un estilo neoprogresivo emparentado con la música de IQ, pero en un tono menos lúgubre y melancólico como demuestran los cortes "Sleepwalker", "Wonderful World" o "Holding Your Breath".

domingo, 9 de junio de 2024

The Web-I Spider (1970)

The Web son otra de esas bandas oscuras y poco conocidas por el gran publico, que hoy en día son una de las mas codiciadas por los coleccionistas y al mismo tiempo una de las que merecen ser rescatadas del olvido.
Sus comienzos datan de finales de los 60 como una banda relacionada con el genero del jazz y blues con ciertas influencias del proto rock progresivo.
En sus dos primeros álbumes destacaba la poderosa voz del cantante afroamericano John L. Watson y la de sus dos guitarristas John Eaton y Tony Edwards, los cuales proporcionaban un musculoso sonido al estilo de la banda.
Estos dos primeros trabajos titulados “Fully Interlocking” (1968) y “Theraposa Blondi” (1969), pese a su innegable calidad pasaron un tanto inadvertidos por los fans de la época, un hecho que llevaría a la reorganización de The Web con el abandono del cantante Watson y el bajista Dick Lee-Smith y la incorporación del teclista y cantante Dave Lawson.
Este seria determinante para que la banda adoptara un sonido aún mas profundo progresivamente, el cual se ve reflejado en el tercer y ultimo álbum titulado “I Spider”.
Aquí es donde ofrecieron un poderosos punto de referencia para la evolución posterior del rock progresivo en el área del jazz rock.
Enérgicas líneas de bajo, órgano y percusión son secundadas por grandes melodías de guitarra y saxo a las que se unen unas siempre apasionadas voces.
La suite dividida en cinco partes “Concerto For Bedsprings”, es junto a la instrumental “Ymphasomniac”, la relajada “Love You” y el jazz difuso “Always I Wait”, lo mas destacado de un álbum tan atractivo como brillante.

jueves, 6 de junio de 2024

Van Der Graaf Generator-World Record (1976)

Van Der Graaf Generator son sin duda la banda mas extraña de todas las grandes bandas del rock progresivo de la historia, su estilo no tiene referencias ni precedentes a lo establecido y de hecho nunca fueron considerados la tradicional banda de rock.
Ellos no fueron ni de lejos semejante a ninguna de las de su misma época, como por ejemplo la ausencia de dos de los instrumentos habituales como el bajo y la guitarra, y consistiendo básicamente en un baterista técnico y muy jazzistico, en varios teclistas y un saxofonista.
Su música estaba tejida de una mezcla de sonidos espesos y densos, con insólitas capas oscuras de melodías trazadas una tras otra con un sin fin de cánones, con momentos de sosiego que se fusionaban con una agitada distorsión de música esquizofrénica y acida.
La faceta barroca con unos textos excelentes de su líder Peter Hammill hablan de lo místico hasta lo cotidiano, pasando por la religión o la astrología, mostrando igualmente una vertiente gótica y atmosférica, con recreaciones de su propia versión del Apocalipsis, con referencias cruzadas al ocultismo o a la ciencia atómica nuclear.
En sus primeros años lograron crear formidables discos como "The Least We Can Do Is Wave To Each Other" (1970), "H to He, Who Am the Only One" (1970) o "Pawn Hearts" (1971), considerados todas ellas obras maestras del rock progresivo y del rock en general.
En una segunda etapa la banda grabaría obras igualmente formidables como este “World Record”, un trabajo en donde ampliaron sus horizontes instrumentales, otorgando un mayor protagonismo a la guitarra eléctrica.
Esta experimentación tuvo como resultado un sonido aún mas lúgubre, denso y emocionante, a la par que melódico como podemos comprobar en cortes como la intensa “When She Comes” o en la irónica “Mask” que culminan con la épica y monstruosa suite “Meurglys III (The Songwriters Guild)”, un extenso tema, totalmente progresivo y serpenteante, en donde incluso hay acercamientos a ritmos reggae y con la gótica y ciertamente optimista “Wondering”, con la cual se cierra este fantástico álbum.

lunes, 3 de junio de 2024

Thin Lizzy-Jailbreak (1976)

Relegados injustamente a un segundo plano dentro de las bandas del hard rock de los 70, Thin Lizzy se ganaron el respeto y la admiración de millones de seguidores alrededor del mundo gracias a su enorme calidad y a una serie de trabajos sobresalientes que están encuadrados entre lo mejor del genero.
A mediados de los setenta esta banda irlandesa comenzarían a dejar atrás sus influencias celtas y su amor hacia el blues por un estilo mas poderoso y contundente, aunque sin olvidarse totalmente de sus raíces musicales.
En 1976 la banda liderada por el bajista Phil Lynott publicaba su sexto álbum “Jailbreak”, el cual por fin lograría el merecido reconocimiento en las listas de ambos lados del Atlántico.
Grabado durante los meses finales de 1975 y principios de 1976 en los Ramport Studios de Londres, seria el tercer trabajo con la formación comprendida por el mencionado Lynott al bajo y voz, Scott Gorham y Brian Robertson a las guitarras y Brian Downey a la batería.
Ambos guitarristas habían reemplazado a Eric Bell después del álbum “Vagabonds of a Western World” de 1973 y terminaron consolidando la formación mas estable de Thin Lizzy, grabando cinco álbumes desde el brillante “Nightlife” (1974) hasta el antológico “Bad Reputation” de 1977.
“Jailbreak” esta compuesto por una serie de cortes hard rock contundentes y pegadizos en donde las dobles guitarras tienen el principal protagonismo como queda demostrado en las magistrales “Emerald”, “Cowboy Song”, “Jailbreak” o la archiconocida “The Boys Are Back in Town”.
Mas de medio millón de copias y varios discos de oro, avalaron uno de los álbumes mas emblemáticos del hard rock de finales de los años 70 y todo un clásico de la legendaria banda irlandesa.

viernes, 31 de mayo de 2024

Saga-Worlds Apart (1981)

Saga fueron junto a otras bandas coetáneas como Asia, Rush o Styx, la que mejor supieron fusionar los gustos musicales de los ochenta con los sonidos del progresivo de los 70, explorando con su sonido fresco y maduro, un irresistible estilo que habían comenzado algunos años atrás.
Con su cuarto álbum “Worlds Apart”, ya se adivinaban ciertas variaciones con respecto a sus trabajos anteriores. Para empezar la banda canadiense incorpora una evidente inclinación AOR, pero sin perder un ápice su poderosa sensibilidad progresiva.
En “Worlds Apart”, el factor progresivo sigue siendo predominante, como muestra la increíble “No Regrets (Chapter V)”, la ambiciosa epopeya “No Stranger (Chapter VIII)” o el atractivo instrumental orientado al jazz y el funk “Conversations”, cuyo explosivo cierre le acercan al heavy metal mas contundente. Por unos derroteros parecidos a esta ultima nos encontramos a la poderosa “Framed”, en donde la guitarra de Ian Crichton brilla notablemente.
Otro de los elementos que diferencian a este álbum son los sonidos electrónicos, en donde el entusiasmo por la bateria electrónica de Steve Negus, se muestra notablemente en “Wind Him Up” y “Time´s Up”.
Son estos dos temas los que le acercan leve e equivocadamente a la onda del technopop, un estilo que cada vez se estaba volviendo mas popular principalmente en Inglaterra, aunque con menos aceptación en Europa y prácticamente nula en Norteamérica a principios de la década de los ochenta, logrando una tímida presencia en las listas de éxitos mainstream del Reino Unido.
Pero mas allá de estos dos extravagantes experimentos, los cuales se alejan de filosofía original de Saga, la banda mostraba su faceta progresiva con la brillante “Amnesia” o con las tremendamente pegadizas AOR “On The Loose” y “The Intreview”.

martes, 28 de mayo de 2024

Gentle Giant-Acquiring The Taste (1971)

"Adquiring the Taste", el segundo álbum de Gentle Giant, fue la primera obra maestra del combo británico, el trabajo que pone un énfasis especial en el lado amable de este gigante progresivo después de su impresionante debut lanzando un año antes. Además, también hay un hincapié simultáneo en el lado aterrador del progresivo, lo que le da al álbum una esencia experimental adicional: este álbum está diseñado como un gusto real adquirido, composiciones extrañas pero atractivas, uso masivo de contrapuntos desafiantes, tempos extraños y disonantes, arreglos corales impresionantes e ideas musicales muy variadas.
A esas alturas, Gentle Giant ya eran una banda que había alcanzado la plena madurez de su propio sonido característico.
Aunque sin embargo es cierto que "Adquiring the Taste" no coincide con las ideas de "Three Friends" (1972), o "The Power and the Glory" (1974), ni siquiera es tan atractivo como "Free Hand" (1975), pero este por el contrario encapsula y encarna la expresión original más exquisita de Gentle Giant, con esa delicadeza y sofisticación muy habituales en la esencia de su música.
"Adquiring the Taste" esta compuesto por una antológica sucesión de cortes como la cautivadora y elegante “Pantagruel's Nativity”, la misteriosa y espeluznante “Edge of Twilight”, la astuta “The House, the Street, the Room” o la deudora bluesy “Plain Truth”, todas ellas interpretadas con un buen gusto sin límites y una maestría inmaculada. Mientras la melancólica “The Moon is Down”, con sus reflexiones líricas sobre el paso del día, contrasta inteligentemente con su antecesora, la más optimista, ”Wreck”, la cual combina el canto desenfrenado y la cámara renacentista con absoluta fluidez y el entusiasmo pegadizo. Inmediatamente después, aparece “Black Cat” que ofrece una sucesión de impresionantes partes de cuerdas en un contexto orientado al jazz: esas partes de cuerdas son dulces durante las partes cantadas e inquietantemente disonantes durante el extraño interludio instrumental. No queda más que decir que este álbum es una obra maestra del rock progresivo, una de las tantas que el grupo londinense realizaría a lo largo de su brillantísima carrera.

sábado, 25 de mayo de 2024

Loggins and Messina-On Stage (1974)

Loggins and Messina son uno de los dúos históricos de la música norteamericana, y uno de los mas exitosos comercialmente.
Los comienzos de este formidable dúo fue de manera casual; Jim Messina había pertenecido a las bandas de country rock Buffalo Springfield y Poco, con los cuales había grabado cuatro magníficos discos hasta que decidió abandonarla para seguir como productor profesional para la Columbia Records.
Por otro lado Kenny Loggins era un novel cantante de folk rock que a principios de los setenta comenzaba a despuntar, un hecho que no pasaría desapercibido para los directivos de la Columbia quienes les contrataron para grabar un primer álbum en 1971.
Messina que fue el elegido como productor de este álbum debut termino contribuyendo tanto en la producción como a la guitarra y voz, con el resultado que culminaría firmado oficialmente como “Kenny Loggins With Jim Messina Sittin´In”.
El gran recibimiento de este debut replantearía la carrera del dúo, que a partir de aquí permanecieron juntos durante casi toda la década de los setenta publicando seis álbumes en estudio y dos en directo.
En 1974 durante la gira de su tercer y exitoso álbum “Full Sail”, se extrajo diverso material que fue incluido en su doble en vivo “On Stage”.
Lanzado ese mismo año de 1974, recoge parte de los conciertos ofrecido en el Carnegie Hall de Nueva York, en el Winterland de San Francisco y en el Orpheum Theatre de Boston, con un repertorio compuesto por los mejores temas del grupo hasta esos momentos y una emocionante versión de 20 minutos de “Vahevala”, toda una epopeya que termina convirtiéndose en una explosiva jam rock.
Ademas también contiene las atractivas “Angry Eyes”, “Golden Ribbons”, “Back to Georgia”, “Listen to a Country Song” o “You Could Break my Heart”, todas ellas interpretadas brillantemente por una banda en un gran estado de gracia, en unos shows espectaculares con grandes aportes de rock, country y folk.
“On Stage” ha pasado a ser considerado uno de los grandes álbumes de la música norteamericana y otro de los históricos dobles en directo de la historia, logrando vender mas de un millón de copias, obteniendo un disco de platino y un decimotercer puesto en las listas del Billboard.
 

miércoles, 22 de mayo de 2024

Santana-Festival (1977)

En 1977, Carlos Santana publicaría su octavo álbum titulado “Festival”, el cual esta considerado un lanzamiento transitorio entre su etapa de jazz rock latino y vanguardista y la psicodelia, hacia un estilo mas orientado al convencional rock latino y el pop mainstream.
En "Festival", Carlos Santana vuelve a inclinarse por ese rock impregnado de sonidos criollos y el pop más comercial como ya había mostrado en su anterior trabajo "Amigos" (1976), con una fórmula de canciones instrumentales que alcanzan un éxito moderado. Y si en el anterior álbum, el tema "Europa" sería el hit del disco, aquí tomaría el relevo "Revelations", un tema reflexivo con una explosión final de rock, funk y sonidos isleños.
El resto de “Festival” esta compuesto por la alegres “Let The Music Set You Free” y “Let The Children Play”, las cuales son junto a la rock “Reach Up”, la pegadiza “Try a Little Harder” o la instrumental “Jugando”, los mejores momentos de un entretenido disco en donde como es habitual sobresalen los intensos y apasionados solos de guitarra de Santana, los dinámicos teclados de Tom Coster y la impetuosa sección rítmica compuesta por José Chepito Areas, Raul Rekow, Gaylord Birch y Paul Jackson, logrando mantener el buen nivel de un álbum que comercialmente lograría un disco de oro en el mercado norteamericano.

lunes, 20 de mayo de 2024

Levon Helm-Dirt Farmer (2007)

Después de superar un cáncer de garganta y una intensa radioterapia; Levon Helm a sus 67 años volvió a publicar un nuevo álbum, casi 25 después de su ultimo trabajo en solitario.
“Dirt Farmer” es uno de esos soberbios y palpitantes discos que demuestra la sangre que lleva dentro este legendario músico impregnada de blues, gospel, folk, country y rock and roll y que interpreta de manera natural y asombrosa.
Compuesto por temas tradicionales que van desde canciones rurales hasta bluegrass, pasando los senderos del folk o versiones de artistas del calibre de Steve Earle, Budy Miller, The Carter Family o Stanley Brothers, Helm nos deja otro álbum que lleva camino de convertirse en un clásico atemporal.
Acompañado de su hija Amy Helm, cuenta con la valiosísima colaboración entre otros de Larry Campbell, un músico curtido en mil batallas que formo parte de la banda de Bob Dylan durante años.
El desparpajo y la combinación de estilos demuestran que aun Helm conserva aquí su innegable capacidad para poner en asombro a cualquiera con su voz rasposa y esta vez debido al cáncer, desgastada y en cierto modo cansada.
El rock esta presente en cortes como “False Hearted Lover Blues”, mientras el viejo cajun aparece en “Poor Old Dirt Farmer”, dos temas en donde además demuestra su talento con la batería.
El resto esta relleno de sentimientos como queda demostrado en los cortes “The Mountain”, “Single Girl, Married Girl” o “Wide River To Cross”.
“Dirt Farmer” obtuvo su merecido reconocimiento logrando el premio Grammy al mejor álbum de folk tradicional en el 2008, haciendo así justicia a la innegable labor de uno de los patriarcas de la música de raíces norteamericana.

sábado, 18 de mayo de 2024

Manfred Mann´s Earth Band-Watch (1978)

En 1978, la Manfred Mann´s Earth Band estaban en la cúspide en términos de éxito y reconocimiento mundial, sin embargo creativamente parecían haberse estancado, en todo caso retrocediendo hacia un sonido más comercial. Dicho esto, aún todavía estaban produciendo excelentes álbumes orientados al rock progresivo.
“Watch” es sin duda, el último gran disco de Earth Band por su sorprendente rock progresivo que poco a poco se convirtió en una regresión comercial. A pesar de que está pisando los talones de sus canciones más comerciales hasta esa fecha como "Blinded By The Light", perteneciente a su anterior trabajo “The Roaring Silence" (1976), aqui incluso lograron un gran éxito comercial con el sencillo "Davy's On The Road Again", y a pesar de ello sigue siendo una pequeña obra maestra certificada del estilo progresivo. Ese hecho está respaldado por los soberbios sonidos de mellotron, los adictivos coros y las pegadizas guitarras acústicas y eléctricas que rellenan la totalidad de este álbum.
Cortes como la genial “Circles” o las brillantes “Drowning on Dry Land/ Fish Soup”, “Chicago Institute” y “Mighty Quinn” demuestran el potencial de un álbum de sobrada calidad, producto del incuestionable talento de una de las mas grandes bandas del progresivo británico de los 70.


jueves, 16 de mayo de 2024

Andrew Lloyd Webber-Varations (1978)

“Varations” es una pieza musical muy pomposa y pretenciosa, firmada por el famoso compositor, arreglista e instrumentista Andrew Lloyd Weber, inspirada en la famosa pieza "Cuarteto para guitarra y cuerda" del compositor italiano del siglo XVII, Niccoló Paganini.
Para la compleja grabación de esta obra, Webber recurriría a una serie de músicos de gran renombre, como su hermano Julian, un violonchelista virtuoso, cuyo instrumento es el elemento central de la música aquí expuesta.
El resto esta formada por los miembros de la banda de jazz rock progresivo Colosseum II, es decir Gary Moore a la guitarra, Don Airey a los teclados y su fascinante sección rítmica de jazz compuesta por Jon Hiseman (batería y percusión) y John Mole (bajo).
Además también participan los míticos Rod Argent a los teclados, Herbie Flowers al bajo, Bill LeSage al vibráfono, Phil Collins a la batería y Barbara Thomson a los instrumentos de viento.
El resultado final es una brillante pieza clásica que se transforma en varios estilos que van desde los sonidos blues y hard rock hasta el jazz y el progreso sinfónico, todo ello sin perder ninguna coherencia, convirtiendo a esta obra en uno de los mayores logros y todo un hito en unir la música clásica y la música rock de manera tan apabullante y antológica.

martes, 14 de mayo de 2024

Yes-The Yes Album (1971)

El tercer álbum de Yes, fue el primero verdaderamente esencial de la banda británica, en el que todos los elementos magistrales que más tarde tipificarían su icónico sonido, estaban magníficamente presentes en esta entrega.
Si bien no está tan completamente realizado o pulido como las obras maestras posteriores “Fragile”, “Close To The Edge”, “Tales from Topographic Oceans” o “Relayer”, es un trabajo casi tan ambicioso y maduro como estos, y el cual los situaba en el panteón del rock progresivo de principios de los 70.
Y es que a medida que Yes iban creciendo en madurez, se volvieron más ambiciosos y experimentales, cambiando su formación (la primera de muchas), para adaptarse a sus ambiciones y necesidades.
En esta tercera entrega ya aparece Steve Howe, sustituyendo a Peter Banks, con el cual la banda tomaba otra dimensión a nivel tanto compositivo como instrumental.
Aquí aparecen tres de las mas grandes epopeyas de toda la carrera de Yes, para empezar "Yours Is No Disgrace", todo un clásico del rock progresivo, un tema dinámico, aunque sin llegar a la complejidad de las otras dos grandes piezas restantes como son las monumentales "Starship Trooper", un adelanto de lo que llegaría en los álbumes sucesivos y la atemporal "I´ve Seen All Good People", ambas divididas en varios movimientos, en donde la versatilidad de Howe, Squire, Kaye y White, son el perfecto contrapunto a la voz angelical y las místicas letras de un Jon Anderson inconmensurable.
Las menores "Clap", (una pieza incluida para reforzar las habilidades y la destreza del nuevo guitarrista Steve Howe), y la previsible y en cierta medida prescindible "A Venture", conforman la primera obra maestra de una de las mas grandes bandas de la historia de la música rock.  

domingo, 12 de mayo de 2024

Tangerine Dream-Encore (1977)

La carrera de Tangerine Dream se divide en varios periodos, el primero llamado “The Pink Years”, en donde marcaron una clara sonoridad inspirada en los primeros Pink Floyd, con un evidente sonido psicodélico en donde los teclados y los efectos de sonido eran el claro denominador común de su estilo.
De esa epoca destacan los álbumes “Alpha Centauri” (1971), “Zeit” (1972) y “Atem” (1973), trabajos todos ellos repletos de una sinfonía espacial electrónica que incluso incluían algunos elementos tribales y que se acercaban a la escena progresiva del krautrock.
La segunda etapa es la llamada “Los años de Virgin”, que entre 1974 y 1983 esta considerada la fase culminante del grupo.
Ella marca un giro radical en el sonido de Tangerine Dream, apostando nuevamente por las largas suites pero adquiriendo una entidad propia y un mayor y mejor usos de los teclados y sintetizadores y una propuesta mas accesible aunque sin embargo no alejados de la experimentación.
De esta epoca sobresalen los monumentales “Phaedra" (1974), "Rubycon" y "Ricochet", ambos de 1975, "Stratosfear" (1976), "Encore" de 1977 o "Force Majeure" de 1979.
Durante la segunda mitad de los setenta los conciertos en vivo de Tangerine Dream eran únicos y espectaculares. Por la delicadeza de los equipos analógicos, el trío alemán improvisaba cada noche un nuevo show, adoptando las líneas principales de largos conciertos donde la furia secuencial apoyaba la ferocidad de los sintetizadores, los teclados y el Mellotron, así como el enfoque rockero de la guitarra de Froese y "Encore" es seguramente uno de los mejores ejemplos de todo ello.
"Encore" fue el segundo álbum en vivo de Tangerine Dream. Esta vez, se trata de un doble álbum que se grabó durante la gira norteamericana de la banda, de marzo a abril de 1977. Pero a diferencia del anterior directo "Ricochet", el cual es técnicamente un álbum en vivo que no tuvo presencia de público, en "Encore" el público hace notar su presencia en determinados momentos, dotando a la grabación de un ambiente de directo adecuado.
Compuesto por cuatro largos temas, este doble álbum comienza con "Cherokee Lane", sin duda la más conservadora de las cuatro pistas en términos de duplicación de los trabajos anteriores. Los Mellotrones están por todas partes, creando ese estado de ánimo inquietantemente hermoso y místico. La siguiente "Monolight" proporciona el momento mas complejo, entretejiendo tonos mayores y menores con la melodía principal a base de los mini-moog. "Coldwater Canyon" es el título de la pista en donde sobresale Edgar Froese. Una suite intensa, optimista y rockera que presenta a Froese en plena forma con la guitarra eléctrica, mostrando su capacidad de destreza e improvisación. Aún siendo un tema de vanguardia, se aleja del repertorio habitual de la banda. La última pista, "Desert Dream", encierra el álbum en un estilo puramente atmosférico, pasando de pasajes oscuros y experimentales a partes hermosas y etéreas con toneladas de mellotrones y un toque oriental que encaja con el título de la pista, la cual finaliza recordando los vapores de "Invisible Limits" de "Stratosfear".

viernes, 10 de mayo de 2024

Todd Rundgren-Something/Anything? (1972)

Desde sus inicios con la banda Nazz, Todd Rundgren siempre demostró poseer un gran ingenio, gran vigor y una admirable creatividad, tanto en el plano compositivo, como multi-instrumentista, así como en la ingeniería de producción, como queda demostrado en sus álbumes en solitario o junto a su posterior banda Utopia.
En 1972 publicaba una de sus grandes obras "Something/Anything?”, un doble álbum donde Rundgren explora una amplia gama de estilos musicales que van desde el rock hasta el soul, pasando por el pop simple y el power pop.
Confeccionado en cuatro caras bien diferenciadas, el músico norteamericano se encarga de tocar todos los instrumentos en las tres primeras, en donde aparecen composiciones tan brillantes como las melódicas “I Saw The Light” y “One More Day (No World)", la frenética “Little Red Lights”, la rock “Black Maria”, la brillante “Torch Song” o la espléndida versión “Hello It´s Me”, tema el cual ya había sido publicado unos años antes junto a su germinal banda Nazz. Para la cuarta cara del álbum, Rundgren esta acompañado de una nutrida colaboración de grandes músicos entre los que destacan Rick Derringer, Mike Brecker, Jim Horn, Randy Brecker, Stu Woods o Randy Read entre muchos mas.
En este cuarto lado, Rundgren da rienda suelta a su pasión por sus raíces musicales con bellas melodías como “Dust in The Wind” o temas puramente rock como la visceral “Some Folks is Even Whiter Than Me”.

miércoles, 8 de mayo de 2024

Exodus-The Most Beautiful Day (1980)

Exodus fueron una banda polaca de finales de los 70, que están considerados junto a sus compatriotas SBB, de las mas destacadas del rock progresivo de su país en aquellos años.
Exodus fue formada en Varsovia a mediados de 1976, (no confundir con la banda norteamericana de trash metal del mismo nombre, de la década de los ochenta), sus primeros años transcurrieron con innumerables actuaciones en todo el territorio polaco, labrándose una gran reputación entre los aficionados al genero.
Su formación estaba compuesta por Paweł Birula (voz y guitarras), Andrzej Puczyński (bajo, guitarras, sintetizadores y voces), Władysław Komendarek (teclados), Wojciech Puczyński (bajo y guitarras) y Zbigniew Fyk (batería y voces).
A mediados de 1980 logran auto producirse el álbum "The Most Beautiful Day", el cual se convierte en uno de los mejores lanzamientos del rock progresivo europeo de ese año.
Un álbum con grandes tendencias sinfónicas, que sin embargo no es muy representativo del sonido típico de su país, orientando su música hacia un estilo mas anglosajón muy cercano a los Genesis de la primera época.
Grandes arreglos con un uso intensivo de los teclados y las guitarras eléctricas, hermosas texturas acústicas y un estilo de música rock fuertemente influenciada por el sonido sinfónico, son su denominador común como queda demostrado en el tema mas destacado del álbum, la suite "The Most Beautiful Day", toda una epopeya dividida en cuatro movimientos con brillantes interacciones instrumentales, pasajes sonoros bucólicos y movimientos mas oscuros de órgano y clavicémbalo.
Un año mas tarde la banda publicaría un segundo trabajo, "Supernova", el cual seguía por unos derroteros parecidos al primer álbum.
A mediados de los ochenta la banda se disolvería definitivamente hasta años después cuando regresarían con dos meritorios trabajos titulados "Nadzieje, Niepokoje" (2006) y "Hazard" (2008).

lunes, 6 de mayo de 2024

Kansas-Monolith (1979)

Parafraseando lo que diría un filosofo, es "Monolith" el ultimo de los álbumes clásicos de Kansas o el principio del fin de su mejor época?.
Sin embargo, lo cierto es que el sexto álbum de la banda de Topeka es la obra de su mejor época menos valorada y mas menospreciada, y en parte fue debido al comienzo de la creatividad regresiva del grupo, que de todas maneras esta confeccionado con una serie de temas sólidos, interpretados astutamente y con una instrumentación sobresaliente por parte de todos los miembros del grupo.
Habría que señalar que después de dos obras cumbres como fueron "Leftoverture" y "Point Of Know Return", la banda empezaba a mostrar divisiones entre sus miembros, especialmente entre el vocalista Steve Walsh, el cual deseaba seguir un camino musical mas simple, mas rockero y menos espacial y progresivo, y por otro el guitarrista Kerry Livgren, quien se inclinaba por temas mas complejos con letras místicas y grandes arreglos que bordeaban lo espiritual (habría que recordar que Livgren por aquellos años era un ferviente partidario del Libro de Urantia, una especie de alter-Biblia espiritual que surgió en Chicago a mediados del siglo XX).
A pesar de la tendencia musical de asentarse en el hard rock complejo, este "Monolith" aún conserva muchos momentos progresivos como se demuestran en los cortes "On The Other Side", "Angels Have Fallen" o "A Glimpse Of Home", temas todos ellos con grandes clímax instrumentales.
Estas son secundadas por cortes enfocados al hard rock "How My Soul Cries Out For You" o "Stay Out Of Trouble", melodías pegadizas "People Of The South Wind", cortes mas eclécticos como la heredera a los sonidos de la America profunda "Away From You" o la solemnidad del cierre "Reason To Be".
Sin embargo y pese al rechazo de un sector de sus fans, comercialmente y lejos de sus multimillonarios hitos anteriores, "Monolith" alcanzaría un meritorio disco de platino por sus abundantes ventas en el mercado norteamericano.

sábado, 4 de mayo de 2024

The Doors-L.A.Woman (1971)

En febrero de 1971 la banda norteamericana The Doors, terminaba de grabar su sexto álbum “L.A.Woman”, y justo después de las sesiones de grabación, su cantante y líder, el carismático Jim Morrison, decidiría abandonar para dedicarse a la poesía, lejos del caótico mundo de súper estrella de la música rock.
Para ello se trasladaría a Paris, mientras el resto de la banda permaneció en Los Ángeles, esperando que de alguna manera Morrison pronto se aburriera de escribir poemas a la orilla del Sena y regresara para seguir con la carrera del grupo.
Apenas tres meses después, el 3 de julio, Jim Morrison fallecería de un supuesto infarto, en una de las muertes mas polémicas y misteriosas de la historia de la música moderna.
Pero antes de este luctuoso suceso, en abril se publicaba oficialmente “L.A.Woman”, para muchos el canto del cisne de The Doors y toda una obra maestra de la música contemporánea.
Un álbum que muestra a un Jim Morrison con un claro acento blues decrépito, debido sin duda a sus años de abuso de sustancias derivadas de las drogas y a su autodestrucción, pero que sin embargo de alguna manera ayuda a que la música aquí sea mas mezquina y cruda y al mismo tiempo incluso mas refinada.
Con un papel todavía bastante dominante en las composiciones por parte de Jim Morrison, a pesar de ello se denota un menor entusiasmo y a la postre un mayor protagonismo de Manzarek, Desnmore y Krieger, en el que es sin duda el trabajo donde mas brillan sin estar oscurecidos por el rol de su líder.
También es el álbum en el que cuentan con un bajista de manera oficial, papel que recaería en Jerry Scheff, además de contar con un segundo guitarrista, Marc Benno.
Ambas contribuciones, sobre todo la primera, liberaba a Ray Manzarek en el rol de teclista, otorgándole un mayor protagonismo instrumental.
En “L.A.Woman” no hay ningún corte que sobresalga sobre el resto si exceptuamos a esa antología que es “Riders on The Storm”, desde la inicial “The Changeling”, con sus patrones rítmicos en evolución y esos teclados funkys (curiosamente una década después la banda Lipstick, tomaría “prestada” la base rítmica de esta canción para su hit mundial “Funkytown”), hasta temas blues con acordes jazzisticos, “Been Down So Long”, “Cars Hiss By My Windows” o “Crawling King Snake”, pasando por cortes proto prog como la vertiginosa canción principal, la melódica y con un gran trabajo de percusión y órgano “The Wasp” o la impresionante “Riders On The Storm”, una deslumbrante epopeya que ha pasado a los anales del rock como todo un clásico atemporal.
Quince discos de platino, media docena de discos de oro y cerca de 7 millones de copias vendidas alrededor del mundo, fueron los impresionantes registros de este asombroso ultimo álbum de The Doors con Jim Morrison al frente de la banda.

jueves, 2 de mayo de 2024

Jethro Tull-War Child (1974)

El séptimo álbum de Jethro Tull venia precedido de dos enormes trabajos conceptuales, “Thick As A Brick” (1972) y “A Passion Play” (1973), que pese a su complejidad y su enmarañamiento instrumental, resultaban dos obras magnificas y magistrales.
Sin embargo ambos álbumes no fueron demasiados comprendidos por una parte del publico y de la prensa, entre otros motivos por ser bastantes oscuros y retorcidos, por lo que Ian Anderson para su siguiente movimiento optaría por un formato de canciones mas cortas y convencionales sin dejar de lado su sarcástica critica a la sociedad establecida.
En esta nueva entrega vuelven a aparecer igualmente los arreglos un tanto tortuosos, con violines, flautas, sintetizadores, órgano, acordeones y guitarras eléctricas que son solo algunos de los instrumentos mezclados para este álbum, el cual para muchos resulta uno de los trabajos mas ambiciosos de la banda británica.
Aquí ya aparece como miembro permanente David Palmer, el cual otorga con sus suntuosos arreglos orquestales clásicos un sonido rico y ecléctico.
Unos arreglos que por otra parte son asombrosamente ejecutados, equilibrando admirablemente la música que este álbum contiene.
El variopinto repertorio de sonidos incluye acercamientos al hard rock “Back-Door Angels”, con interludios folky “Sealion”, temas melódicos muy cercanos al folk rock “Bungle In The Jungle”, agradables canciones acústicas medievales “Only Solitaire”, tiernas baladas “Skating Away On The Thin Ice of the New Day” o brillantes composiciones made in Jethro Tull como “Queen and Country” o Two Fingers”.
En definitiva “War Child” supuso la vuelta de Jethro Tull a la senda de los discos de estructura simple y se convirtió en uno de los mejores lanzamientos del rock progresivo de la década de los años 70.

martes, 30 de abril de 2024

The Alan Parsons Project-Eye In The Sky (1982)

Este fue el álbum de mayor éxito comercial del proyecto de Alan Parsons junto a su inseparable Eric Woolfson, en el se encuentran algunas de las piezas mas reconocibles del dúo como “Eye in the Sky”, “Sirius”, “Old And Wise” o “Mammagamma”.
Alejados ya casi completamente del sinfonismo de sus primera obras, este es un disco de claro corte “art pop” o incluso como muchos denominarían “pop progresivo”, en el que ya estaban inmersos muchas de las grandes bandas del rock progresivo de la década de los 70 (Yes, Genesis, Supertramp...).
Con un sonido extremadamente brillante y limpio (no es de extrañar que fuera nominado a los Premios Grammy al mejor álbum de ingeniería en 1983), Parsons y Woolfson dotan aquí a todas las canciones de una estructura simple pero al mismo tiempo muy efectiva, de fácil escucha pero de gran sofisticación, de hecho muchas de las canciones del álbum aparecían constantemente en las emisoras de radio de la época de medio mundo y aún hoy en día siguen sonando con bastante frecuencia.
Para la grabación del disco el dúo volvería a contar con gran parte de los músicos que habían participado en los álbumes anteriores como Ian Bairnson (guitarra), Mel Collins (saxo), David Paton (bajo y voz), Stuart Elliot (batería), Chris Rainbow (voz), Colin Blunstone (voz) o Lenny Zakatek (voz), además de la colaboración del también habitual Andrew Powell en los arreglos orquestales, entre otros músicos destacados.
Un álbum que comienza con la atmósfera sinfónica del tema apertura “Sirius”, la cual contrasta con la melódica “Eye In The Sky”, un rock suave adictivo y tremendamente pegadizo, mientras la pop sinfónica “Silence And I”, es otro de los momentos memorables del disco, que junto a la divertida “Psychobabble”, la funky “Mammagamma” y la rica y melancólica “Old And Wise”, conforman una pequeña obra maestra del genero y uno de los álbumes imprescindibles de la década de los ochenta, logrando numerosos números uno alrededor del mundo y cerca de la docena de discos de platino por sus tremendas ventas.

domingo, 28 de abril de 2024

Triana-Sombra y Luz (1979)

El tercer álbum de Triana, supuso su cenit comercial y creativo, con cerca del medio millón de copias vendidas en el mercado nacional español, y que además cerraba la trilogía progresiva de la banda que había comenzado cuatro años antes con su impresionante disco debut “El Patio”. En esta nueva entrega titulada “Sombra y Luz”, la banda logra una mejor producción que sus dos álbumes anteriores, consiguiendo que su contenido brille de manera muy atractiva con unas melodías pegadizas y el culto cada vez mayor a su filosofía musical original.
Sin embargo también es cierto que aquí empezaban a perder algo de su impulso progresivo inicial de antaño mostrando un contenido menos arraigado y mas convencional.
Aún así, ello no significa que hayan dejado de lado los sonidos progresivos, ya que aquí también hay mucho material impresionante, repleto de enorme complejidad instrumental, pasión genuina y esa magia especial que solo el flamenco puede dar al conjunto final para que suene realmente progresivo.
La razón principal de todo ello es el uso menos acuciado y mas comedido de los sintetizadores de Jesús de la Rosa, como contrapunto a los sonidos de las guitarras eléctricas y acústicas, lo que permite que estas ultimas le roben el protagonismo y conduzcan en muchos momentos del álbum a sonidos mas agresivos y mas puramente rock.
Todo lo dicho esta claramente manifestado en la inicial “Un Historia”, un claro tema rock con influencias blues, repleta de serenidad melancólica. Como contrapunto aparece “Quiero Contarte”, una alegre pieza con un gran trabajo de la guitarra eléctrica a cargo de Pepe Roca, uno de los guitarristas invitados, junto a Antonio Pérez y Enrique Carmona, los cuales dan muestra de su innegable calidad durante todo el disco.
Con la siguiente “Sombra y Luz”, Triana vuelve a demostrar su estilo experimental con un tour de force en donde hay trazos de jazz rock y sonidos psicodélicos, y es aquí de los pocos momentos en donde los sintetizadores de Jesús De La Rosa recuperan la esencia de los álbumes anteriores en una pieza brillante y antológica.
Tras ella llega la epopeya “Hasta Volver”, un épico tema de mas de diez minutos que son junto a la anterior, lo mas sobresaliente del disco. La hermosa “Tiempo sin saber”, muestra la faceta flamenca del grupo, mientras la “Vuelta a La sombra y a la Luz” mantiene la misma estructura musical que su homónima “Sombra y Luz”, pero con una duración mucho mas corta y comedida.

viernes, 26 de abril de 2024

Fish-A Feast of Consequences (2013)

Tras seis años de ausencia, el ex-cantante de Marillion, Fish, regresaría con "A Feast of Consequences" en el 2013, su décimo álbum y que precedía al brillante "13Th Star".
Este décimo álbum fue publicado después de que el propio Fish experimentara varios acontecimientos que serian traumáticos para cualquier ser humano, como el fin de su matrimonio o un penoso cáncer de garganta del cual terminaría recuperándose algún tiempo mas tarde, pero que como ya había ocurrido años antes, cuando el cantante escocés pertenecía a su banda madre, y reflejado en el álbum "Clutching at Straws", sus luchas personales a menudo han inspirado sus trabajos mas sólidos y este "A Feast of Consequences", es la demostración mas palpable.
Un disco que muestra a un Fish mas maduro, con un art rock sofisticado, caracterizado por grandes composiciones melódicas, un lirismo ingenioso y unas claras influencias del folk británico, con unas letras comprometidas, desde la inutilidad de las guerras, hasta los entresijos políticos, todo ello tratado con su carismática reflexión.
Sin llegar a entrar de lleno en el rock progresivo, aquí encontramos atisbos del genero vanguardista como la enorme suite "High Wood", toda una epopeya en donde se dan cabida rasgos de poderoso rock, la música celta y exuberantes sonidos sinfónicos.
La épica "Perfume River", es una reflexión tenue que contrasta con el pop sofisticado de "All Loved Up", o con las suntuosas "Blind To The Beautiful" y "The Other Side of Me", mientras la evocadora "The Great Unraveling" es otro de los momentos brillantes de este magnifico álbum del gigantón cantante escocés.

miércoles, 24 de abril de 2024

Jean-Michel Jarre-Equinoxe (1978)

Después de su antológico “Oxigene”, Jean-Michel Jarre dio un paso adelante con su siguiente obra “Equinoxe”, un álbum mas rítmico y soñador a través de diferentes paisajes sonoros, quizás no tan espacial como su predecesor muestra su lado más terrenal, como un viaje submarino en lugar de un viaje espacial, la música cambia para cada parte del álbum, desde ambientes atmosféricos hasta momentos más optimistas con capas de electrónica rítmica, presentada de tal manera que se vuelve extremadamente disfrutable y francamente adictiva.
Sin embargo Jean-Michel Jarre no abre con este trabajo nuevos caminos, pero lo que hace es más concretamente, lograr articular su ideología masiva basada en sintetizadores con un enfoque más sólido. Manteniendo la inteligencia para crear ambientes cautivadores y adornos sintetizados pegadizos, el renovado interés de Jarre en construir orquestaciones electrónicas bien elaboradas, le permite entregar y retratar un mayor sentido del orden y, por lo tanto, poner un mayor énfasis en las líneas melódicas básicas y su complementación con las armonías programadas y las capas de sintetizador etéreo.
Jarre también tiene especial cuidado en utilizar sub tonos percusivos en los arpegios programados y ambientar determinados pasajes. La producción de sonido también se siente un poco más fuerte, lo cual es bastante apropiado para la naturaleza del repertorio de este álbum. Las "Partes I y II" muestran esta tendencia bastante abiertamente, al igual que las "Partes IV y VII", los cuales son los momentos más poderosas del álbum. Los exquisitos motivos comprendidos en las "Partes IV y VII" alcanzan una postura casi épica, debido al constante despliegue de energía y al sutil uso de las reelaboraciones que van surgiendo, como la fuerte presencia de la Cuerda Solina que definitivamente ayuda a construir una sensación orquestal que parece estar flotando sobre las texturas y efectos electrónicos. "Part V" fue el sencillo del álbum, y no es de extrañar, ya que es bastante pegadizo y emana una vibra similar a la de 'Oxygene Part IV", mientras la "Parte VI" es básicamente una progresión minimalista de acordes secuenciados a lo "Radio-Activity" de Kraftwerk que establece un vínculo entre las "Partes V y VII". Finalmente, la "Part VIII", trae recuerdos ocasionales de un club bohemio en París (una sección que luego se llamaría 'Band in the Rain'), antes de que surja una grandilocuente repetición del tema principal de la "Part V" y el cual cierra un álbum de extraordinaria belleza y otro enorme éxito del músico francés.

lunes, 22 de abril de 2024

The Outlaws-The Outlaws (1975)

Tres años después de su fundación, The Outlaws publicaron su primer álbum, un trabajo sorprendente y apoteósico de rock sureño que les abrían la puerta entre los grandes del genero.
Originalmente esta banda se formaría a finales de 1967 en Tampa, Florida, sin embargo durante años no tuvieron fortuna, incluso llegaron a grabar bastante material que nunca llegaría a ser publicado de manera oficial. En 1971 la banda se desintegraría por completo hasta que un año después el guitarrista Henry Paul, junto a Huhgie Thomasson (vocalista y guitarra), Billy Jones (guitarra), Monte Yoho (batería) y Frank O´Keefe (bajo) la reactivarían.
Ya a finales de 1974, The Outlaws logran firmar un contrato con el sello Arista quienes les producen su primer álbum lanzado a mediados de 1975.
En este primer trabajo, The Outlaws muestran su gran vitalidad y talento con un arsenal de composiciones legendarias como “There Goes Another Love Songs”, “Song For You”, “Song in the Breeze” o la fantástica “Green Grass & High Tides”, todo un himno del rock sureño y un clásico de la música rock.
Este primer álbum lograría un sorprendente top 20 en las listas norteamericanas, comenzando a partir de aquí una de las carreras mas brillantes y reconocidas dentro del rock norteamericano y del rock sureño en particular.

sábado, 20 de abril de 2024

Billy Squier-Don´t Say No (1981)

Billy Squier es un guitarrista y vocalista de Boston que tuvo notables éxitos en la década de los ochenta, algunos de ellos números absolutos en el Billboard y puestos altos en las listas de numerosos países.
Ya en 1977 había abierto conciertos para Kiss junto a su banda Piper y un año antes su álbum "Piper", su debut discográfico, fue un disco de enorme calidad, lo mismo que su segundo y último álbum, "Can't Wait" de un año después.
Y es que Squier tenía un gran talento a las seis cuerdas y junto su particular voz, no pasarían desapercibidos para los caza talentos de Capitol Records, con quienes firmaba en 1979 para grabar su primer álbum en solitario; "The Tale Of The Tape", que publicado en 1980 iniciaba su meteórico ascenso gracias a temas como "You Should Be High Love". En 1981 Billy Squier lanzaría "Don't Say No", su segundo y mejor álbum. Para ello se deshizo de toda la banda con la que había grabado "The Tale Of The Tape" a excepción del excelente batería Bobby Chouinard. Curiosamente uno de los descartados sería el guitarrista Bruce Kulick, que algún tiempo después pasaría a formar parte de los míticos Kiss.
"Don't Say No", subió hasta lo mas más alto, abriendo las puertas a un género de rock cuya presencia en las emisoras de radio mas convencionales no era muy habitual.
Squier demostró con ese álbum que el rock duro melódico no estaba reñido con el éxito comercial. Un disco que también allanó el camino para las bandas que a mediados de los 80 reventaron el panorama del rock mundial.
Las imponentes y memorables melodías que se colaron entre el rock de las emisoras FM norteamericanas de los primeros ochenta y el nuevo hair metal que emergió a mediados de década merced al enorme trabajo de numerosos músicos como Billy Squier, con muchos riffs y solos contundentes pero muy accesibles para el gran público causaron furor en medio mundo por aquellos años.
Los siguientes años vendrían otros éxitos como "Everybody Wants You" (82) "Rock Me Tonite" (84) "Don't Say You Love Me" (89) o "She Goes Down" (91), su ultimo gran éxito antes de caer en el olvido con trabajos poco consistentes y mas previsibles
.

jueves, 18 de abril de 2024

Smokie-Greatest Hits (1977)

Smokie, es un grupo británico de pop y rock de gran éxito comercial, formados a mediados de los sesenta en la localidad inglesa de Yorkshire y que aún hoy en día siguen en activo, aunque sin embargo ya sin sus integrantes originales.
Su formación mas exitosa estuvo compuesta por Chris Norman (voz y guitarra), Alan Silson (guitarra y voces), Terry Uttley (bajo y voces) y Pete Spencer (batería).
No sería hasta casi diez años después de su fundación cuando publicaran su primer trabajo; “Pass it around” (1975), logrando a partir de aquí una serie de éxitos en las listas, con un estilo de pop rock simple pero muy efectivo gracias a temas como “If you think you know how to love me”, “Don’t play your rock ‘n’ roll to me”, “Something´s Been Making Me Blue”, “I´ll Meet You at Midnight”, “Living Next Door To Alice”, “Lady Back in the Arms of Someone”, “It´s Your Life” o “Oh Carol”, logrando con todos ellos entrar en el top 20 británico, convirtiendo al grupo en una de las mayores sensaciones del pop rock de los años 70.
Todos estos hits pertenecen a los álbumes; “Changing all the Time” (1975), “Midnight Café” (1976), “Bright Lights & Back Alleys”(1977), “The Montreux Album” (1978), “The Other Side of  the Road” (1979), “Solid Ground” (1981), “Strangers in Paradise” (1982) o “Midnight Delight” (1982).
En 1977 su álbum “Greatest Hits”, alcanzaría un tremendo éxito, logrando varios discos de platino y oro en diferentes países europeos.
Pero seria a partir de su trabajo “Midnight Delight”, cuando la banda comienza un trasiego de idas y venidas de integrantes, lo que merma la creatividad del grupo, publicando discos asiduamente pero muy alejados del impacto comercial y la calidad de sus primeras obras.
En 1995 tuvieron otro enorme éxito en las listas con una nueva versión del tema “Living Next Door to Alice” (Who the fuck is Alice)” grabado con la colaboración del humorista británico Roy 'Chubby' Brown.

martes, 16 de abril de 2024

Mötley Crüe-Dr.Feelgood (1989)

Mötley Crüe no necesitan ningún tipo de presentación, esta banda icónica y salvaje, fueron una de las máximas expresiones del heavy metal de la década de los ochenta.
Encuadrados dentro del glam del heavy metal californiano, lograron desde su primer álbum publicado en 1981, “Too Fast For Love”, alcanzar el estrellato mediático y comercial, consiguiendo un sorprendente disco de platino por sus abultadas ventas.
Sus siguientes álbumes; “Shout at the Devil” (1983), “Theatre Of Pain" (1985) y “Girls, Girls, Girls” (1987) triplicarían los registros de su álbum debut, pero también una fama desmadrada y desmesurada, los excesos de drogas, alcohol, las continuas peleas y sus monumentales escándalos comenzaban a mermar la calidad de sus composiciones.
Casi a finales de la década de los ochenta y una vez libres de las drogas y el alcohol, la banda se centra por primera vez desde sus inicios y se dedican a componer canciones solidas y de gran calidad que terminarían siendo incluidas en su quinto y mejor álbum y a la postre el mas exitoso “Dr Feelgood” (1989).
Aquí la banda formada por el vocalista Vince Neil, el guitarrista Mick Mars, el batería Tommy Lee y el bajista Nikki Six, lograron cuajar uno de los discos esenciales del metal de esa década y toda una obra maestra del genero.
Producido por Bob Rock, la banda tuvo la colaboración de diferentes músicos como Jack Blades (Night Ranger), Sebastian Bach (Skid Row), Bryan Adams, Steven Tyler (Aerosmith) o Robin Zinder (Cheap Trick), entre otros para su elaboración final.
Temas como las contundentes e irónicas “Dr Feelgood” y “Kickstart My Heart”, las divertidas “Rattlesnake Shake” y “S.O.S” o las brillantes “Home Sweet Home y “Don´t Go Away Mad (Just Go Away)”, catapultaron al álbum hasta el primer puesto en las listas del Billboard y cerca de los siete millones de copias vendidas, la mayoría de ellas solo en el mercado norteamericano.

viernes, 12 de abril de 2024

Quintessence-In Blissful Company (1969)

Quintessence fueron una sorprendente y extraordinaria banda de rock psicodélico que tuvieron durante los primeros años de la década de los 70, su cima artística publicando una serie de álbumes en donde fusionaban el rock y las influencias espirituales de la música hindú.
Formados en Londres en 1969, sus fundadores fueron el australiano Ronald Rothfield (mas conocido por Raja Ram), a la flauta y percusión, el teclista Phil Jones (Shiva Shankar) y Richard Vaughan ( Sambhu Babaji) al bajo, completando la primera formación, los guitarristas Allan Mostert y Dave Codling, el cantante y teclista Shiva Shankar Jones y el batería Jake Milton.
Sus dos primeros álbumes, “In Blissful Company” (1969) y “Quintessence” (1970), causaron una gran sensación en el circuito psicodélico y hippie de Inglaterra gracias a su exótico y original estilo repleto de sonidos evocadores a los cantos sagrados de Shiva y salmos, además de canciones mas accesibles con sonidos jazzisticos mezclado con el rock psicodélico y vanguardista.
A partir de su tercer álbum “Dive Deep” (1971), el sonido de Quintessence se empieza a desviar hacia los terrenos aún mas jazzisticos, con unas instrumentaciones mas largas y complejas.
Después de dos discos mas en donde se alejaban sutilmente de su propuesta original, “Self” y “Indweller” (1972), terminan sucumbiendo a finales de los 70, no sin antes haber dejado varios discos en directo como “Infinite Love: Live at the Queen Elizabeth 1971” o “Cosmic Energy, Live At St.Pancras" (1970).
Es sin duda el primero de ellos, uno de sus mayores logros, confirmando lo que algunos críticos de la época llegaron afirmar como una de las mejores bandas en vivo por aquellos años.
En sus shows, Quintessence se mostraban como una banda de virtuosos con gran fervor místico, grandes y larguísimas improvisaciones psicodélicas, y soberbias interacciones de flauta y guitarras, evocando en muchos momentos a los mejores Grateful Dead.
 

miércoles, 10 de abril de 2024

The Beatles-Let It Be (1970)

Considerado el ultimo álbum publicado oficialmente por The Beatles, este “Let It Be” fue en realidad grabado meses antes que el anterior “Abbey Road”, por lo que oficiosamente seria este ultimo, lo que los fab four hicieran antes de su disolución definitiva.
La idea original de “Let it Be” era volver al sonido de sus primeros álbumes, alejados de las complejidades en los estudios y los arreglos de sus últimos trabajos.
Sin embargo las deterioradas relaciones entre los cuatro componentes se tradujeron en tensas horas de grabación con bastante hostilidad entre ellos.
Finalmente, no sin múltiples desacuerdos, optarían por la producción de Phil Spector, pese a la negativa de un Paul McCartney que prácticamente ya había abandonado la banda antes de finalizar la grabación.
Aún así y en términos generales, "Let It Be" puede considerarse un digno colofón a la carrera de la banda mas grande y popular del pop rock de la historia.
De entre sus surcos podemos destacar joyas imperecederas como las extraordinarias “The Long and Winding Road”, “Let It Be”, “Get Back”, “One After 909”, “Don´t Let Me Down” o “Two of Us”, que pese a los ampulosos arreglos de Phil Spector, son el perfecto testamento de la genialidad de esta única y irrepetible banda británica.

lunes, 8 de abril de 2024

FM-No Electricity Required (1993)

FM son una de las grandes bandas británicas de rock melódico que surgieron en la segunda mitad de la década de los ochenta publicando algunos de los mejores discos del género como "Tough it Out" en 1989, "Takin' It to The Streets" en 1991 o “Dead Man´s Shoes” en 1995.
Fundada en Londres en 1984 por el guitarrista y cantante Steve Overland, el teclista Didge Digital, el guitarrista Chris Overland, el bajista Merv Goldsworthy y el batería Pete Jupp, si bien es cierto que con el devenir de los años se fueron sucediendo algunos cambios de integrantes como los guitarristas Andy Barnett y Jim Kirkpatrick o el teclista Jem Davis.
Después de un meritorio primer álbum “Indiscreet” (1986), la banda se centraría en el mercado norteamericano obteniendo algunos hits como "Bad Luck".
Una parte fundamental del éxito de la banda en esos años fue la colaboración con el compositor norteamericano Desmond Child, famoso por crear grandes hits para bandas como Kiss, Bon Jovi, John Waite, Michael Bolton, Alice Cooper, Bonfire, Robin Beck, Ratt, o Chicago entre otros muchos mas.
En estos primeros discos se van sucediendo temas de gran impacto como "Don´t Stop", "Someday", "Everytime I Think of You", "Only the Strong", "Dangerous Ground" o la magnífica versión del clásico de Marvin Gaye, "I Heard It Through The Grapevine", temas todos ellos con grandes arreglos y con unos estribillos tremendamente irresistibles.
En estos primeros años también se popularizaría el carisma de su cantante Steve Overland, convirtiéndose en un ícono del AOR y pieza fundamental en FM.
En 1993 se publicó el doble en directo "No Electricity Required", en donde en formato acústico hacen un repaso a diferentes temas de sus tres primeros álbumes además de la interpretación de brillantes versiones de clásicos del rock como “Rocky Mountain Way”, “Get Back”, “Enter Sandman” o “Tush” entre otras.
“No Electricity Required” tuvo una gran acogida en mercados como el norteamericano, el norte de Europa o el japonés, alcanzando un disco de oro por sus ventas y grandes reseñas en la prensa especializada.

sábado, 6 de abril de 2024

Europe-The Final Countdown (1986)

Maltratados injustamente por la prensa especializada al considerarlos demasiados adulzorados, los suecos Europe son una formidable banda de hard rock melódico que durante la década de los ochenta tuvieron sus años de gloria gracias a los álbumes “Wings of Tomorrow” (1984), ”The Final Countdown” (1986) y “Out of This World” (1988).
Formados a las afueras de Estocolmo, su formación giraba principalmente en torno al talento compositivo del guitarrista John Norum y del vocalista Joey Tempest.
Ya desde su segundo álbum “Wings of Tomorrow”, Europe dejaba su impronta calidad con trallazos como “Stormwind” o “Scream of Anger” que junto a los medios tiempos “Dreamer” y “Open Your Heart”, lograrían el reconocimiento del publico y unas mas que aceptables ventas a nivel europeo.
Sin embargo seria con su tercera obra “The Final Countdown”, cuando la banda sueca alcanzaría estrellato mundial gracias a un soberbio trabajo en donde conjugaban perfectamente la dureza del heavy metal con las atractivas melodías del pop como queda refrendado en el tema que da titulo al álbum, todo un hit numero uno a nivel mundial o brillantes cortes adictivos como “Rock The Night”, “Carrie” o la poderosa “Cherokee”.
Con este tercer álbum, Europe se posesionaba entre las bandas punteras del heavy metal melódico de los ochenta, logrando la friolera de mas de quince millones de copias vendidas a nivel mundial.
Su siguiente lanzamiento, pese a contener una serie de temas relucientes como “Open Your Heart” o “Superstitions”, no lograría las excelencias ni el beneplácito del anterior, y pese a conseguir varios discos de platino, la banda ya mostraba signos de agotamiento creativo, comenzando así su época mas previsible y la perdida del interés por parte de sus millones de fans alrededor del mundo.

jueves, 4 de abril de 2024

Blue Oyster Cult-Agents Of Fortune (1976)

Con “Agents Of Fortune”, la Blue Oyster Cult por fin conquistaba las listas de medio mundo gracias en parte a su canción “Don´t Fear The Reaper”, un tema de suaves melodías vocales, fusionadas con unas guitarras armoniosas, la cual por fin les catapultaba a la cima y les abría el mercado hacia el gran publico, un publico que hasta esos momentos era bastante reacio al poco convencional estilo del grupo, rescatándolos de esa cierta oscuridad que supone ser considerada una banda de culto.
Hasta ese año de 1976 cuando fue publicado este álbum, la banda tenia tras de si tres magnificas obras que se movían entre el metal pesado y el hard rock con unas letras inteligentes repletas de alusiones mitológicas y metafísicas, como el psicodélico debut de 1972 “BOC”, el mas duro “Tyranny and Mutation” (1973) o el vanguardista “Secret Treaties” de un año mas tarde.
Sin embargo y pese a aglutinar una amplia legión de fans por todos los Estados Unidos, la banda aún no alcanzaba lograr un gran impacto mediático.
Con “Agents of Fortune” la temática filosófica seguía siendo fundamental con sus profundas letras, pero su estilo musical se suavizaría hacia un rock mas melódico y adictivo como queda demostrado en la mencionada y sobresaliente “Don´t Fear The Reaper” o las brillantes composiciones “This Ain´t The Summer Love”, “ETI (Extra Terrestrial Intelligence)”, “Morning Final” o “The Revenge Of Vera Gemini”, todas ellas con los argumentos mas que necesarios para catalogar a este disco como una de las grandes obras del hard rock de los 70.

martes, 2 de abril de 2024

Arthur Brown´s Kingdom Come-Journey (1973)

En 1968 una exitosa canción titulada “Fire” de The Crazy World of Arthur Brown, dominaría las listas a ambos lados del Atlántico, convirtiéndose con el tiempo, en todo un clásico de la música rock.
Considerados uno de los principales impulsores del sonido underground progresivo británico, esta banda liderada por el extravagante Arthur Brown llamaría notablemente la atención por su Rhythm and Blues vanguardista y sus extravagantes shows repletos de maquillaje facial bizarro, cascos en llamas, disfraces estrafalarios y voces alocadas e incendiarias, todo ello, el complemento perfecto al sonido maniaco y psicodélico de la banda.
Cuando se separaron en 1969 tras dejar un único álbum publicado, el psicodélico, bizarro y experimental “The Crazy World of Arthur Brown”, Brown disolvía la banda para formar una nueva llamada Arthur Brown´s Kingdom Come, con un estilo mas rock y progresivo.
A lo largo de sus tres álbumes publicados, esta banda sufriría una incesante entrada y salida de miembros que sin embargo no tendría mucho éxito comercial.
Después de dos interesantes trabajos como el progresivo y psicodélico “Galactic Zoo Dossier” (1971) y el mas previsible e inconexo “Kingdom Come”, llegaría el tercer y su álbum mas logrado musicalmente titulado “Journey” (1973), un disco de rock progresivo espacial dominado por los sonidos del mellotron y los sintetizadores.
Con unas letras orientadas a la ciencia ficción, contiene gloriosos momentos musicales, con un sonido enigmático notable, en una especie de aventura espacial y extraña, como demuestran cortes como la opresiva “Times Captive”, la oscura con un tono medieval “Triangles”, la exótica y misteriosa “Gypsy” o las teatrales y sombrías “Spirit of Joy” y “Comes Alive”.

domingo, 31 de marzo de 2024

Vinnie Moore-Mind´s Eye (1986)

Considerado uno de los grandes guitarristas del llamado heavy metal neoclásico, la carrera de Vinnie Moore tuvo su mayor auge y popularidad a mediados de la década de los ochenta, rivalizando con otros grandes guitarristas coetáneos del mismo estilo como Paul Gilbert, Jason Becker, Greg Howe, Marty Friedman o Yngwie Malmsteen.
Con una altísima técnica guitarrística de gran dificultad, basada en pasajes de vertiginosa velocidad y unas escalas influenciadas por el neoclasicismo, sus primeros trabajos estaban repletos de composiciones de un alto nivel de complejidad instrumental muy vanguardista como queda demostrado en su espectacular álbum debut “Mind´s Eye”, publicado en 1986 por el sello “Shrapnel Records, y producido por Mike Varney.
En este primer trabajo Vinnie Moore contaría con la colaboración de Tony MacAlpine a los teclados, Tommy Aldridge a la batería y Andy West al bajo.
Considerado uno de los mejores discos enfocados a la guitarra eléctrica de todos los tiempos, le valdría a Vinnie Moore ser considerado el mejor guitarrista del año 1986 por varias revistas especializadas como Guitar Player o Guitar World, además de conseguir un disco de oro por sus ventas en el mercado norteamericano.

viernes, 29 de marzo de 2024

W.A.S.P.-W.A.S.P. (1984)

Esta popular banda norteamericana de heavy metal fundada a principios de la década de los ochenta, alcanzo con su álbum debut el status de banda de culto dentro del genero del metal gracias a un trabajo provocativo, perverso y salvaje, el cual fue uno de los principales causantes de la famosa etiqueta impresa en las portadas de los discos, “Parental Advisory”, debido al lenguaje y el contenido ofensivo que en el se contiene y también a sus sangrientos y en parte desproporcionados shows en vivo.
Fundada por el cantante, guitarra y bajo Blackie Lawless en los Ángeles, durante sus años de historia, la cual abarca desde 1982 hasta la actualidad, ha contado con numerosos integrantes, siendo la primera compuesta además del mencionado Lawless por los guitarristas Chris Holmes y Randy Piper y el batería Tony Richards, con la cual grabarían este primer álbum lanzado a mediados de 1984.
Este primer y sorprendente debut contiene latigazos de visceral heavy metal como “I Wanna Be Somebody”, “School Daze”, “Hellion” o “Tormentor”, mientras que la genial medio tiempo “Sleeping (In The Fire)” pone el momento pausado a un frenético y vertiginoso álbum con el cual W.A.S.P. alcanzarían el Olimpo del heavy metal apenas habían comenzado su relevante y estruendosa carrera artística.

miércoles, 27 de marzo de 2024

Wishbone Ash-Front Page News (1977)

En 1977 Wishbone Ash lanzaron su octavo álbum “Front Page News”, en el cual ya con un Laurie Wisefield firmemente instalado como segundo guitarrista y en ocasiones vocalista principal, continuaron desarrollando el sonido y el estilo mas “comercial” que había comenzado con el anterior “New England”. Para este nuevo álbum contaron con la producción de los hermanos Ron y Howard Albert, y fue lanzado por el sello discográfico MCA. El resto de la banda seguía compuesto por Andy Powell (guitarras y voces), Martin Turner (bajo y voz) y Steve Upton (batería). Temas como la inicial “Mother of Pearl”, muestra además de las deliciosas voces y un pausado ritmo, un excelente trabajo de guitarra integral, la cual complementa esta estupenda composición en lugar de dominarla. Esa atmósfera relajada se repite en cortes como “Midnight Dancer”, aunque con un ritmo brioso y efectivo, mientras temas como la esplendida “Goodbye Baby, Hello Friend” o “The Day I Found Your Love”, muestran las influencias del folk rock de Crosby Stills and Nash. La soberbia y poderosa “Right Or Wrong”, o la delicada instrumental “714”, siguen esa tónica de armonías brillantes y melodías agradables, erigiéndose este "Front Page News", como uno de los discos menos agresivo de Wishbone Ash, pero al mismo tiempo uno de sus mayores logros musicales.