miércoles, 28 de febrero de 2024

Taj Mahal-Giant Step/De Ole Folks at Home (1969)

Taj Mahal es uno de los grandes pilares del blues, sin embargo nunca ha tenido la fama ni el mismo reconocimiento que otros bluesman mas mediáticos como B.B.King, John Lee Hooker o Muddy Waters.
Nacido a mediados de la década de los 40, sus inicios artísticos fueron bastantes dubitativos practicando un estilo de blues que no tenia demasiado relación con el estilo habitual, impregnado de sonidos gospel, jazz, swamp o zydeco, siendo por lo tanto los mas puristas los primeros en minimizar su estilo al comienzo de su carrera.
Sin embargo todas esas opiniones quedaron desfasadas cuando los propios The Rolling Stones le invitaron a participar en su show “Rolling Stones Rock and Roll Circus” en 1968. Este transcendental hecho fue el principio de la reconsideración de su particular estilo, lo que contribuiría a la difusión masiva de su obra y el reconocimiento de los primeros discos de Taj Mahal de finales de los 60.
Ya con su segundo álbum “The Natch´t Blues”, adquirió la suficiente fama para arriesgarse a lanzar un doble disco que acabaría encumbrando definitivamente su carrera entre los grandes bluesman de la época.
Titulado genéricamente “Giant Step/De Ole Folks at Home” (1969), este doble álbum contaba con dos discos bien diferenciados, en el primero “The Gian Step”, Taj Mahal (voz, armónica, banjo y steel-guitar), acompañado del potente trío compuesto por Jesse Ed Davis a la guitarra eléctrica y acústica y el órgano, Gary Gilmore al bajo y Chuck Blackwell a la batería, muestra su ecléctica esencia blues en cortes como la rock and roll “Keep Your Hands Off Her”, los clásicos blues “Give Your Woman What She Want”, “Good Morning Little Schoolgirl” o “Bacon Fat”, la sureña “Six Days On The Road” o la fronteriza “Further On Down The Road”.
Mientras el segundo disco es un tour de forcé de Taj Mahal en solitario con su guitarra, su armónica y su voz, reviviendo el primitivo blues de principios de siglo con varias influencias como el gospel o diferentes sonidos tribales.
Con este doble álbum considerado uno de los mejores de la historia del blues,
Taj Mahal entraría en la leyenda del genero y de paso su carrera se revalorizaría, convirtiéndose en uno de los iconos del genero en las siguientes tres décadas.

lunes, 26 de febrero de 2024

The Doors-An American Prayer (1978)

El noveno álbum de The Doors, publicado seis años después de la disolución de la banda y ocho desde la muerte de su cantante, es una colección póstuma de las obras poéticas del propio Jim Morrison, mientras que el resto de la banda contribuyó en la composición musical. Fue lanzado a finales de 1978 y esta considerado como el canto del cisne de la mítica banda californiana.
En el momento de la publicación de este álbum, para muchos críticos y fans fue bastante discutible, alegando entre otras cuestiones, hasta qué punto este lanzamiento era de interés para el publico en general. En el caso de este álbum, la música está más en segundo plano que en un primero, por razones obvias. Sin embargo, hay algunas notables excepciones, y por lo general son bastante brillantes.
Para otros, este registro es un buen ejemplo de la posible evolución de la banda y su sonido, si hubieran logrado seguir en activo algunos años mas, ya que la música se distancia de la psicodelia de la costa oeste de finales de los sesenta y se mueve hacia un sonido más moderno, mezclando el rock con los sutiles sonidos latinos, ("Black Polished Chrome/Latino Chrome"), el funk (“Newborn Awakening”), el jazz (“Curses, Invocations”), el blues (“Stoned Immaculate”), los sonidos vanguardistas (“An American Prayer” o “Hour For Magic”), la música clásica (“A Feast of Friends”), e incluso rastros de los sonidos de la imperante música disco de finales de la década de los 70, (“The Ghost Song”). El sonido y la producción son realmente exquisitos, especialmente considerando el hecho de que la banda estaba usando cintas grabadas con la voz de Jim Morrison de 1970.
Además de todo ello Ray Manzarek reemplazó su órgano Vox por un órgano Hammond y los sintetizadores modernos también están muy presentes, además ya no hay un piano bajo Fender, (hay un bajo real tocado por varios músicos de sesión; Jerry Scheff y Bob Glaub), y la guitarra de Krieger ya no es tan psicodélica y difusa como antaño, sonando en todo momento mas jazzistica y melódica.
El énfasis principal del álbum es la poesía de Jim Morrison, y eso es realmente, de lo que se trata este álbum. Sin entrar en los detalles sobre los textos poéticos, lo cierto es que encajan muy bien con la música (en realidad, mejor seria decir a la viceversa), creando atmósferas diferentes y efectivas a lo largo de todo el álbum. Ciertamente, esta es una obra de arte sin paliativos.
Ninguna de las pistas aquí está cantada a diferencia de la música habitual de The Doors, excepto una curiosa versión en vivo de “Roadhouse Blues”, en donde Morrison canta improvisando con alusiones poéticas ya que se había olvidado de la letra debido a su estado de embriaguez durante ese concierto.
Uno de los puntos principales de este álbum, es subrayar y resaltar algunas de las poesías más llamativas de Morrison, y se usaron algunos de sus pasajes más impactantes, principalmente cuando expresaba su odio por el puesto de almirante de la marina norteamericana de su padre. Otros pasajes contienen algunos pensamientos inquietantes sobre la muerte y su vínculo con el sexo, mientras que una larga búsqueda del alma parece ser el hilo conductor del álbum.
Pese a lo inusual de este álbum, “American Prayer” lograría alcanzar un disco de oro, una nominación a los premios Grammy y años después obtendría un disco de platino por sus millonarias ventas en el mercado norteamericano.

 

sábado, 24 de febrero de 2024

Return To Forever-Where Have I Known You Before (1974)

1974 seria el año en el cual la banda liderada por el teclista Chick Corea, Return To Forever, publicaban su cuarto álbum “Where Have I Known You Before”, en el que dejaban atrás sus influencias de jazz latino para adentrase en los sonidos mas complejos del jazz rock y fusión que otros grupos como The Mashavishnu Orchestra hacían por entonces.
Además ya aquí aparecía la formación mas clásica de RTF, comandada por el mencionado Chick Corea y secundada por el batería Lenny White, el bajista Stanley Clarke y el guitarrista Al Di Meola, este ultimo sustituyendo a Bill Connors, que abandonaría la nave justo al inicio de la grabación del álbum que aquí nos ocupa.
“Where Have I Known You Before” es un trabajo que ofrece un jazz rock de primer nivel, en donde los cuatro músicos aportan su propia singularidad en términos de estilo y sonido.
Cortes como la dinámica “Vulcan Words” ya demuestra la perfecta sincronización entre todos los integrantes del grupo, mientras “Shadow Of Lo” es la contrapartida a la anterior, con grandes texturas de teclados atmosféricos y un ritmo pausado que a medida que pasan los minutos cobra una gran intensidad.
La entusiasta “Beyond The Seventh Galaxy” vuelve a contrastar con la melodía de “Earth Juice”, mostrando la accesibilidad de la música del grupo, mientras que la excelsa “Song to the Pharoah Kings”, es el momento mas elaborado del álbum, con grandes secuencias de sintetizadores, sonidos exóticos inclinados a los sonidos latinos y en donde sobresale la enérgica guitarra de Di Meola.
Con “Where Have I Known You Before”, Return To Forever iniciaría su antológica trilogía de imprescindible discos del jazz rock, junto al deslumbrante “No Mystery” (1975) y al apoteósico “Romantic Warrior” (1976).

jueves, 22 de febrero de 2024

Kraan-Live´75 (1975)

Kraan fueron junto a Embryo una de las bandas germanas que incluyeron los elementos psicodélicos y un innovador jazz rock con influencias étnicas a su estilo distintivo de krautrock.
Formados en la pequeña ciudad del sur de Alemania, Baden-Württemberg, a finales de los sesenta, su primera y mas longeva formación estaba comprendida por el batería Jan Fride, el bajista Hellmut Hattler, el saxofonista Johannes Papper y el guitarrista y voz Peter Wolbrandt.
En 1970 logran firmar con la subsidiaria alemana de EMI Electrola, con quienes lanzaron su primer álbum “Kraan” en 1972.
Después de tres álbumes mas publicados, “Wintrup” (1972), “Andy Nogger” (1974) y “Let It Out” (1975), el grupo lanzaría el directo “Live´75”, en donde mostraban su ecléctico enfoque de la música progresiva, que difería bastante a lo habitual en el genero.
Su estilo basado en las jam sessions, muestra ese sonido psicodélico impregnado de funk, fusión y rock progresivo, con interacciones entre todos sus componentes, con una total desenvoltura instrumental muy cercana al free jazz.
Grabado íntegramente en Berlín en el año 1974, este directo muestra el excelente trabajo instrumental de la banda con una gran base rítmica que son el sostén perfecto para las melodías de guitarra y saxo.
El álbum presenta algunas versiones ampliadas y extendidas de sus tres primeros trabajos de estudio publicados hasta ese año de 1974.
Rebosante de memorables momentos, todo el repertorio es muy destacable, empezando por la improvisada “Holiday Am Maryerhorn”, en donde Wolbrant se supera a si mismo con la guitarra.
La faceta jazz rock esta presente en las funk “Jerk Of Life” y en la agresiva "Sarah's Ritt durch den Schwarzwald", mientras la tour de force “Nam Nam” pone la nota culminante de este directo.
Aquí aparecen también dos temas nunca antes publicados "Hallo Ja Ja, I Don't Know" y "Lonesome Liftboy", ambas piezas melódicas de extraordinaria belleza.
Acabando con la extensa “Kraan Arabia”, en donde muestran su sello exótico y oriental, en otra pieza en donde hay bastante improvisación con solos de saxo y guitarras, secundada por una sección rítmica demoledora.

martes, 20 de febrero de 2024

Procol Harum-Shine On Brightly (1968)

Percusores del rock progresivo, Procol Harum fueron una de las sensaciones mas importantes dentro de la música rock en la década de los sesenta.
Sus orígenes estaban en una banda de finales de los cincuenta llamada Paramounts liderada por el organista Gary Brooker, quien junto al letrista Keith Reid y al extraordinario guitarrista Robin Trower, serian el núcleo principal de la banda, secundados por el bajista David Knights, el batería Barrie James Wilson y el teclista Matthew Fisher.
Junto a The Nice y The Moody Blues, Procol Harum fueron de las primeras bandas en fusionar la música clásica con el rock, además de crear algunas de las canciones mas emblemáticas de la historia de la música pop como la inolvidable y extraordinaria “A Whiter Shade Of Pale”.
Ellos fueron la primera banda en construir una suite de varios movimientos a principios de 1968 con su segundo álbum “Shine On Brightly”, el cual se convertiría en una fundamental influencia para todos los grupos progresivos que vendrían en los años sucesivos.
Para muchos críticos y estudiosos, la suite “In Held Twas In I”, es la primera gran epopeya progresiva de la historia, 17 minutos de música esplendorosa y vibrante que inspiraría años mas tarde a Genesis con su enorme suite “Supper´s Ready”.
El resto del álbum sin llegar a la brillantez de tan tamaña obra maestra, sigue estando a gran altura como la blues “Wish Me Well” o la épica “Skip Softly”, mientras en “Rambling On” y “Quite Rightly So”, intentar emular sin el mismo éxito sus apoteósicos hits anteriores “A Whiter Shade Of Pale” y "Homburg” de 1967.

domingo, 18 de febrero de 2024

Alexis Korner´s Blues Incorporated-R&B From The Marquee (1962)

Si en el anterior post hablamos de Graham Bond, un alumno aventajado de Alexis Korner, que mejor manera el dedicarle unas letras al músico que esta considerado el impulsor del resurgimiento del blues británico.
Alexis Korner es uno de los músicos que mas han influido en las generaciones de los bluesman ingleses de la primera mitad de la década de los sesenta. Su obra por desgracia no ha sido difundida tan ampliamente fuera del Reino Unido y Norteamérica, todo lo contrario que ha ocurrido con toda la serie de músicos que estuvieron bajo su influencia directa como Jack Bruce y Ginger Baker (Cream), Charlie Watts (Rolling Stones), Long John Baldry, un cantante de un talento impresionante, Dick Heckstall-Smith (Colosseum) o el mencionado Graham Bond, o repercutir indirectamente en músicos como John Mayall o Al Kooper, entre otros muchos mas.
Sin embargo la carrera de Korner había empezado una década antes cuando junto a Cyril Davies formaría un dúo de blues y jazz, comenzando actuar con mucha frecuencia en el circuito de clubs de Londres.
Posteriormente ambos músicos abrirían su propio club, el “London Blues and Barrelhousem”, en donde solían invitar a tocar a jóvenes músicos británicos y norteamericanos de jazz y blues.
Fue entonces cuando conocerían a Jack Bruce, Charlie Watts y Long John Bladry, lo que les animaría a fundar su propia banda llamada Blues Incorporated (1961), la cual se convirtió en la primera banda banda amplificada de blues de Inglaterra.
Con la incorporación del saxofonista Dick Heckstall-Smith, la banda se labraría una gran reputación en toda Inglaterra gracias a sus famosos conciertos y era frecuente ver entre su publico a prometedores músicos como Mick Jagger, Brian Jones y Keith Richards (Rolling Stones), Jimmy Page y Paul Jones (Led Zeppelin), Rod Stewart, Eric Clapton o John Mayall, entre otros muchos mas.
Blues Incorporated se concentró principalmente en actuar en vivo en lugar de grabar discos y el grupo solo lanzó dos sencillos en Parlophone, "I Need Your Loving"  (1964) y "Little Baby" (1965).
Ese mismo año Graham Bond decide abandonar y fundar su propia banda para lo cual recluta a todos sus compañeros de la Blues Incorporated.
En 1964, Alexis Korner con una nueva versión de sus Blues Incorporated, publicaría los álbumes “At The Cavern” y “Red Hot From Alex”, con el estadounidense Herbie Goins como cantante principal y Danny Thompson, más tarde miembro del grupo de folk Pentangle al bajo. Después del tercer y ultimo trabajo para el grupo, “Sky High” lanzado en 1965,  con un nuevo cantante, Duffy Power, Alexis Korner disolvería definitivamente el grupo un año mas tarde en 1966.
En 1967 Korner fundaría la banda de corto recorrido Free At Last junto al ex batería de los Bluesbreakers, Hughie Flint y el bajista Binky McKenzie, sin apenas repercusión mediática.
No seria hasta 1971 cuando Alexis Korner volviera a estar de actualidad al pasar a engrosar la numerosa banda de jazz, rock y blues, C.C.S, formada a semejanza de las bandas de jazz rock norteamericanas, Chicago Transit Authority y Blood Sweat and Tears.
Con esta banda Korner lograría algunos éxitos notables en las listas británicas basados principalmente en versiones en clave de jazz rock, como “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin o “Walking” de Donovan.
En 1973 una vez disuelta C.C.S., Korner fundaría otra superbanda junto a Mel Collins, Boz Burrell y Ian Wallace, todos ellos ex King Crimson, con la cual lanzaría dos álbumes, además de comenzar su propia carrera en solitario y dedicarse a la radio fusión en la BBC, dirigiendo programas de blues, soul y jazz con una gran aceptación de audiencia.
En 1978 se celebraría un multitudinario concierto para festejar su 50 aniversario con un plantel de grandes estrellas como Eric Clapton, Chris Farlowe, Zoot Money o Paul Jones entre otros.
En 1981 Korner se uniría al grupo liderado por Ian Stewart, Rocket 88, en donde se encontraría con viejos compañeros como Jack Bruce o Colin Hodgkinson. Tres años mas tarde Korner fallecería a la edad de 55 años en Londres, dejando tras de si una de las mas intensas e influyentes carreras dentro de la historia de la música rock.

viernes, 16 de febrero de 2024

Graham Bond-Grahame Bond Love Is The Law (1969)

Cuando Alexis Korner disolvió su fabulosa banda los Blues Incorporated, casi a mediados de los sesenta, quedaron libres los músicos que le acompañaban, ellos eran Jack Bruce, Dick Heckstall-Smith, Ginger Baker y Graham Bond y fue este ultimo quien precisamente tomaría las riendas musicales de Korner y decidió seguir sus pasos y el camino trazado por el músico británico.
De esta manera en 1963 nacía la Graham Bond Organisation, un año en el que se registro la mayor demanda del rhythm and blues de la historia, y al mismo tiempo seria el arranque de los Bluesbrakers de John Mayall y los inicios de The Rolling Stones entre otros muchos mas.
The Graham Bond Org comenzaría actuando en los mas prestigiosos clubs de Londres y pronto alcanzaron el reconocimiento del publico y la critica de la época.
Sin embargo el éxito masivo les llegaría un poco mas tarde al girar por toda Inglaterra junto a Chuck Berry.
La historia de esta fundamental banda podríamos resumirla en tres discos correspondientes a tres años decisivos de su carrera, empezando por “The Sound of´65”, el cual contenía el hit “Long Tall Shorty” en 1964, en plena fiebre del beat, “There´s a Bond Between Us” y su hit “Tammy” al año siguiente y su mayor éxito en las listas, “You´ve Gotta Have Love Babe” en 1967, el gran año de The Beatles y el año en el que la banda se disolvería definitivamente tras una corta pero intensa carrera.
Tras la separación Graham Bond se retirara durante algún tiempo de la música en activo y se mudaría a vivir a los Estados Unidos, creando su propio sello discográfico, Pulsar Records.
Mientras tanto Jack Bruce y Ginger Baker se unirían a los Bluesbreakers y Dick Heckstall-Smith acabaría fundando la banda de jazz rock progresivo Colosseum.
En 1969 Bond regresaría lanzando el álbum “Love Is The Law”, (bajo el sobrenombre de Grahame Bond), un exquisito trabajo de funk jazz rock y rhythm and blues en donde volvía a revivir su sonido de antaño.
En este nuevo álbum, Bond contaría con la ayuda de los percusionistas Hal Blaine y Dave Sheehan y la vocalista Diane Stewart, mientras Bond se encargaría del resto de instrumentos y las voces.
Sus retorcidas letras sobre el amor libre, el terror y el ocultismo, es junto al sonido de blues, jazz y rock que Bond obtiene con el órgano y el mellotrón, lo que hacen que el álbum logre el reconocimiento merecido.
Brillantes cortes como “Love Is The Law”, “The World Will Soon Be Free” o “Our Love Will Come Shining Through”, están entre lo mejor de toda su carrera.
Después de varios álbumes mas; “Mighty Graheme Bond” (1969), “Solid Bond” (1970), “Holy Magick” (1970) o “We Put Our Magick On You” (1971), y como consecuencia de sus problemas financieros y sus continuas depresiones nerviosas, se suicidaría bajo las ruedas de un tren en la estación Finsbury Park en Londres el 8 de mayo de 1974, acabando así con la vida de uno de los mas grandes músicos del blues británico y uno de los que mas han influido en las generaciones posteriores de los bluesmans ingleses.

miércoles, 14 de febrero de 2024

KGB-KGB (1976)

Estamos a mediados de la década de los setenta y el trasiego de bandas formadas a modo de súper grupos era constante, una de ellas surge cuando cinco de los mas grandes músicos de la escena del blues y el rock norteamericano y británico, se unen en los Ángeles para formar una banda a la cual denominan KGB (las siglas de la antigua agencia de inteligencia soviética).
Estos músicos eran el guitarrista Mike Bloomfield, el batería Carmine Appice, el bajista Ric Grech, el teclista Barry Goldberg y el vocalista Ray Kennedy.
La carrera de estos cinco músicos estuvo marcada por las míticas bandas Electric Prunes, Blind Faith, Family o Vanilla Fudge.
Este legendario proyecto apenas publicaron dos álbumes, el primero de ellos lanzado bajo el sello MCA y titulado homónimamente como la banda.
En este primer álbum los cinco músicos nos dejaron un trabajo con una gran variedad de sonidos, demostrando con ello la versatilidad de todos sus integrantes.
Temas como la funk “It´s Gonna Be A Hard Night” contrastan con exótica “Workin´For The Children” con esos aires reggae, mientras la vena melancólica están presentes en “Midnight Traveler” y “Baby Should I Stay Or Go”.
La vena bluesy la encontramos en la inicial “Let Me love You” en donde Bloomfield demuestra su virtuosismo con las seis cuerdas o en la soul “I´ve Got a Feeling”, sin olvidarnos de cortes brillantes como la pausada “High Roller” o la rhythm and blues “Sail On Sailor”.
Posteriormente ya sin Mike Blommfield ni Ric Grech, sustituidos por el guitarrista Ben Schultz y el bajista Gregg Sutton, publicaron el mediocre “Motion” (1976), con el cual dieron por acabada la efímera carrera de esta formidable reunión de talentos.

lunes, 12 de febrero de 2024

The Flying Burrito Brothers-The Gilded Palace Of Sin (1969)

The Flying Burrito Brothers fue una de las mas grandes bandas del country rock de la historia, compuesta por dos de los creadores del género como fueron los ex The Byrds, Gram Parsons y Chris Hillman y que en la primera parte de la década de los 70, lanzaron algunas de las obras maestras del genero.
Fundada en 1968 por Hillman y Parsons quienes junto al bajista Chris Ethridge, el guitarrista Pete Kleinow y el batería Eddie Hoh, completarían la primera formación de la banda.
Con ellos la banda publicaría su antológico primer álbum “The Gilded Palace of Sin”, toda una obra maestra del country rock y uno de los mejores debuts de la historia de la música rock.
Aquí aparecen joyas como la gospel “Sin City”, la melancólica “Hot Burrito#1”, la psicodélica “Christine´s Tune”, la fronteriza “Do Right Woman”, la folk “My Uncle” o la irresistible “Wheels”, esta ultima un claro adelanto a lo que algún tiempo después harían bandas como The Eagles o Poco, con unas melodías vocales excelentes.
Un año después publicarían el brillante “Burrito deluxe”, en donde aparece Bernie Leadon, futuro miembro fundador de The Eagles, y en el cual ya se intuye el alejamiento de Parsons, desinteresado casi totalmente en la banda, (una acción que ya había realizado con The Byrds), a la que abandonaría después de la publicación del disco.
En los sucesivos años, The Flying Burrito Brothers seguirá publicando una serie de grandes trabajos, muy considerados en el ámbito del country rock como “The Flying Burrito Bros” (1971), “Flying Again” (1975) o “Airborne” (1976).
Sin embargo durante las dos siguientes décadas y debido al continuo trasiego de componentes siguen publicando trabajos, que pese a la incuestionable calidad, pasan desapercibidos para el gran publico, con álbumes mas previsibles de country pop, con menos impacto comercial y mediático.

sábado, 10 de febrero de 2024

Rory Gallagher-Photo-Finish (1978)

Para su quinto álbum “Calling Card” (1976), el irlandés Rory Gallagher dejaría las labores de producción por primera vez en su carrera y se la encomendaría al ex-bajista de Deep Purple, Roger Glover, el cual influye decisivamente en el endurecimiento de su estilo.
En ese álbum las guitarras suenan mas poderosas y agresivas y las líneas de teclados cobran mucho mas protagonismo en muchos momentos del álbum.
Ese endurecimiento se vería aún mas reflejado en el siguiente “Photo-Finish” de varios años después, en el cual Rory vuelve al formato de power trío junto al bajista Gerry McAvoy y al batería Ted McKenna.
En esta nueva entrega Rory Gallagher muestra un repertorio de temas de enérgico y rudo hard blues rock que pasaron a ser muy habituales en sus conciertos como “Brute Force & Ignorance”, “Shadow Play”, “The Last Of Independents” y “Shin Kicker”, o otras igualmente fulgurantes como la frenética “Cruise On Out”, la blues “Cloak & Dagger”, la folky rock “Overnight Bag” o la cadenciosa hard blues rock “The Mississippi Sheiks”, sin olvidarnos de la soberbia blues “Fuel To The Fire”.
 

jueves, 8 de febrero de 2024

Mike and The Mechanics-Beggar On A Beach Of Gold (1995)

En 1994 Mike Rutherford reuniría a su banda Mike and The Mechanics para grabar su cuarto álbum, "Beggar On A Beach Of Gold".
En este nuevo trabajo, tanto Paul Carrack como Paul Young tomarían más protagonismo a la hora de componer dentro del grupo, dando así la imagen de una auténtica banda y no la de un proyecto en solitario de Mike Rutherford, como había sucedido en los anteriores álbumes.
Además Mike Rutherford volvía contar con el batería original Peter Van Hooke y con el teclista Adrian Lee, completando el set de grabación otros músicos invitados como el ex guitarrista de Humble Pie y Colosseum, Clem Clempson, el teclista Paul Wickens, o los experimentados percusionistas de sesión Gary Willis y Andy Newmark.
Concebido en base al materialismo que caracterizó los años noventa, el disco fue publicado en 1995 bajo el sello Atlantic Records y fue producido por el propio Mike Rutherford junto a Christopher Neil, obteniendo un notable éxito y reafirmando el status de banda de primer nivel con un sofisticado e irresistible pop rock.
Además de las brillantes versiones de Smokey Robinson "You´ve Really Got a Hold on Me" y la de Stevie Wonder "I Believe (When I Fall In Love it Will Be Forever)", destacan el hit "Over My Shoulder", la hipnótica y hechizante "Mea Culpa", o la tremendamente adictiva  y pegadiza "Another Cup Of Coffee".

martes, 6 de febrero de 2024

Joni Mitchell-Shadows and Light (1980)

Esta famosísima cantautora canadiense comenzaría su carrera artística a mediados de los sesenta en su país natal, logrando un gran prestigio en los circuito del folk de Ontario y los alrededores. Casi a finales de la década decide probar fortuna en los Estados Unidos. Una noche mientras actuaba en un club de Nueva York, conoce a David Crosby, el cual queda sorprendido por el talento de Mitchell y decide ser su mentor durante algún tiempo en tierras americanas.
Sus primeros álbumes la llevaron a ser considerada la “Bob Dylan femenina”, además de obtener un éxito rotundo en las listas norteamericanas.
Álbumes como “Clouds” (1969), “Ladies of the Canyon” (1970), “Blue” (1971), “For The Roses” (1972) o “Court and Sparks” (1974), la auparon hasta conseguir el prestigio y la fama mundial.
Aunque realmente conseguiría pasar a los anales de la música rock cuando compuso el tema “Woodstock”, con motivo del mítico festival y que en voces de Crosby, Stills, Nash and Young, cobraría una dimensión apoteósica y épica.
Casi a mitad de los setenta, Joni Mitchell, hasta entonces vinculada al folk rock, la canción de autor y el country, comienza a realizar sus primeras incursiones en el mundo del jazz. En 1979 decide grabar un álbum con el contrabajista Charles Mingus, el cual no llegaría a verlo terminado al fallecer durante el proceso de grabación. Mitchell lo concluye sola y lo publicaría con el titulo de “Mingus” (1979), y poco después saldría de gira para la presentación del álbum.
Durante dicha gira se realizara una película promocional llamada “Shadows and Light” y uno de los conciertos fue publicado como álbum doble que lleva el mismo titulo y seria lanzado comercialmente un año después.
Mitchell para esa gira contaría con un plantel de músicos del mas alto nivel, empezando por el guitarrista Pat Metheny, el bajista Jaco Pastorius, el teclista Lyle Mays, el batería Don Alias y el saxofonista Michael Brecker.
El repertorio del álbum consiste en canciones extraídas de sus últimos trabajos, además de algún clásico o el himno generacional “Woodstock”, tocado en clave jazz. El folk-jazz eléctrico y de sonido austero se ve reflejado en todo el directo como en las melodías cromáticas de “The Dirty Cleaner from Des Moines”, o en la arreglada “Furry Sings the Blues”, mientras la áspera “Black Crow”, la melódica “Amelia” con un Pat Metheny deslumbrante, o las brillantísimas “Edith and the Kingpin” y “Shadows and Light”, conforman un extraordinario documento digno de los mejores álbumes de rock en vivo. “Shadows and Light” es una obra maestra translucida del jazz y el folk, que encarna tanto la libertad personal de la cantante como la majestuosidad instrumental de toda una banda descomunal.

domingo, 4 de febrero de 2024

Sam Cooke-Live at the Harlem Square Club, 1963 (1985)

Para muchos, este es el mejor disco en directo de todos los tiempos, perteneciente a una de las mejores voces de todos los tiempos; Sam Cooke.
Sam Cooke fue una figura primordial en el establecimiento del soul como música popular, su carrera repleta de canciones y álbumes básicos del genero, demostraron el enorme talento de este cantante mítico e inolvidable.
Cooke manejaba como nadie el soul, el rhythm and blues, el gospel y el rock and roll y junto a Otis Redding y James Brown, están considerados los reyes absolutos del soul, logrando la friolera de medio centenar de hits en apenas ocho años (1957-1965).
Su muerte en extrañas circunstancias acontecido el 11 de diciembre de 1964, es una de las fechas fatídicas en la historia de la música popular.
Un año antes Sam Cooke había actuado en un show en el mítico Club de Harlem Square en Miami, un 12 de junio, el cual fue grabado íntegramente y que seria publicado muchos años después de su muerte.
Esa noche Cooke estaba rodeado de su habitual banda compuesta por los guitarristas Clifton White y Cornell Dupree, el bajista Jimmy Lewis, el batería Albert Gardner, el pianista George Stubbs y la sección de vientos formada por King Curtis y Tate Houston.
En este directo Cooke deja atrás su elegante compostura para convertirse por una noche en un sudoroso “soul man”, cantando y bailando con pasión rítmica y salvaje y con una audiencia entregada al cien por cien.
Desde la inicial “Intro (Don´t Fight it) Feel It”, hasta el cierre del disco, “Having a Party”, Cooke demuestra su increíble intensidad sobre el escenario, totalmente enérgico, potente y desbocado, haciendo un repaso a algunos de sus mayores éxitos como “Cupid”, “Chaing Gang”, "Somebody Have Marcy”, “Bring It On Home to Me" o “Twistin´The Night Away”.
“Live at the Harlem Square Club, 1963”, esta considerado uno de los mejores 500 álbumes de la historia y todo un documento fabuloso del mejor soul que se haya escuchado jamás.

viernes, 2 de febrero de 2024

The Doobie Brothers-Takin´It to the Streets (1976)

En 1975, The Doobie Brothers estaban en la cima de la popularidad tras haber facturado algunos de los mejores registros del rock americano, como “Toulouse Street” (1972), “Captain and Me” (1973) o “What Were Once Vices Are Now Habits” (1974), con los cuales habían cosechado cinco discos de platino y varios millones de álbumes vendidos.
Tras este ultimo trabajo obtienen su primer traspiés con el álbum “Stampede”(1975), en el que la banda deriva su country y folk rock con elementos de rhythm blues hacia derroteros mas soul.
Después de este ultimo, entra a formar parte de la banda el ex Steely Dan, Michael McDonald, que junto a los guitarristas Tom Johnstone, Patrick Simmons y Jeff “Skunk” Baxter, el bajista Tiran Porter y los baterías Keith Knudsen y John Hartman, graban el sexto álbum titulado “Takin´It to the Streets”, el cual los devuelve por la senda del éxito.
En esta nueva entrega la banda sigue evolucionando hacia los derroteros soul, funk y jazz, pero manteniendo sutilmente ese rock inundado de country y blues de sus primeras obras, con un estilo que los emparentaba con los Steely Dan.
Temas como la irresistible “It Keeps You Runnin´”, las funk “Wheels of Fortune” y “8th Avenue Shuffle”, la soul “Takin´It To The Streets”, la jazzistica “For Someone Special” o “Turn It Loose”, esta ultima con ese sonido tan característico del rock americano de sus álbumes anteriores, conforman un disco que seria el punto de partida al sonido que los terminaría engrandeciendo aún mas en los años sucesivos.

miércoles, 31 de enero de 2024

Stealers Wheel-Stealers Wheel (1972)

Stealers Wheel son una de las bandas fundamentales del folk rock británico, ellos se ganaron el fervor del publico y de la prensa con algunos de los mejores álbumes del genero en la década de los 70.
Con un estilo emparentado con las líneas vocales de Crosby, Stills and Nash y la esencia Beatle, esta banda fue producto de la reunión de dos de los mas grandes compositores británicos, por un lado Gerry Rafferty, un afamado guitarrista y compositor que ya tenia tras de si una larga carrera con el grupo The Humblebums y en solitario y por otro Joe Egan quien también fue miembro de la misma banda con la cual lanzaron varios discos de folk rock de suaves melodías y grandes arreglos.
Una vez acabada esa aventura cada uno tomara rumbos diferentes, Rafferty publicaría el meritorio álbum “Can I Have My Money Back” en 1971, en el cual también participara Joe Egan como músico invitado.
Sin embargo un año después ambos músicos vuelven a reunirse y deciden fundar la banda Stealers Wheel para lo cual reclutan al guitarrista Paul Pilnick, al bajista Tony Williams y al batería Rod Coombes.
Después de muchos meses de ensayos y con bastante material compuesto, logran firmar un contrato con el sello A&M Records con quienes graban su primer álbum “Stealers Wheel” bajo la producción de los norteamericanos Leiber & Stoller.
El resultado fue un excelente trabajo de folk rock con ramalazos psicodélicos y claras connotaciones beatle.
En el sobresalían las beatle “Star” y “Stuck In The Middle With You”, la preciosista “Late Agian”, la artística “You Put Something Better Inside” la folk “Another Meaning”, la rock “I Get By”, la enérgica "Jose" o la psicodélica “Outside Looking In”.
Un año después y con algunos cambios de formación se publica el segundo trabajo “Ferguslie Park”, otro álbum de excelente folk rock el cual contenía el hit “Everything Will Turn Out Time”.
En “Right or Wrong” el siguiente paso discográfico lanzado dos años después, la banda se había reducido al dúo Rafferty-Egan, que pese a la enorme calidad que atesora no tuvo demasiado repercusión mediática.
Poco después Raffery y Egan comienzan a estar en desacuerdo en el rumbo a seguir, que junto a la falta de éxito empeora su relación y deciden dar por terminada la historia del grupo y reanudar uno y comenzar el otro sus propias carreras en solitario.

lunes, 29 de enero de 2024

Danny Joe Brown-And The Danny Joe Brown Band (1981)

Danny Joe Brown es popularmente conocido por su pertenencia a la mítica banda de rock sureño Molly Hatchet con quienes grabaría seis sobresalientes álbumes como son "Molly Hatchet" (1978), "Flirtin´with Disaster" (1979), "No Guts…No Glory" (1983), "The Deed is Done" (1984), "Lightning Striker Twice" (1989) y "Devil´s Canyon" (1996), antes de abandonar la banda por problemas de salud y justo después de este ultimo trabajo.
Sin embargo ya había abandonado momentáneamente la banda después del álbum "Flirtin´with Disaster", (el mejor logro comercial de Molly Hatchet con varios discos de platino), para fundar la suya propia, The Danny Joe Brown Band, con quien publicaría el disco homónimo “Danny Joe Brown and The Danny Joe Brown Band” en 1981, el cual se convirtió en una de las joyas de culto del southern rock con un repertorio cargado de pequeños himnos del hard rock americano como “Sundance”, “Nobody Walks on Me”, “The Alamo”, “Run for Your Life” y, en particular, “Edge of Sundown”, una soberbia epopeya guitarrera que surge directamente de las entrañas de clásicas del rock sureño como “Free Bird” de Lynyrd Skynyrd y “Green Grass & High Tides” de los Outlaws, confeccionando con todas ellas un enorme álbum que nada tenía que envidiar a los de su banda madre.
En el 2005, Danny Joe Brown fallecería debido a sus problemas derivados de la diabetes y la insuficiencia renal que padecía desde finales de los 70.

sábado, 27 de enero de 2024

James Taylor-Mud Slide Slim and the Blue Horizon (1971)

James Taylor es uno de los grandes cantautores de la historia, sus canciones en formato acústico de gran sensibilidad le han valido para ser uno de los mas influyentes artistas de todos los tiempos.
Sus inicios fueron bastante tormentosos, problemas mentales derivados del abusivo consumo de drogas y una vida bastante azarosa le marcaron para el resto de su vida.
En los estrictamente musical sus comienzos no le iría mucho mejor que digamos, sus primeros dos álbumes de finales de los sesenta apenas tuvieron ninguna repercusión y no seria hasta principios de la década de los 70 cuando gracias a su segundo álbum “Sweet Baby James” lograría el reconocimiento del publico y la critica del momento.
Con un estilo emparentado claramente con el folk en donde prácticamente no empleaba instrumentos electrónicos, Taylor le daba mucha mas importancia a su voz, a sus poéticas y desgarradoras letras, a su guitarra en un primer plano y a una mínima pero efectiva percusión. Temas como la sobria “Oh Susannah” (una versión del clásico de Stepehn Foster de 1848), o la brillante “Fire and Rain” auparon al álbum hasta una sorprendente tercera posición en las listas norteamericanas.
Pero sin embargo este éxito se ensombrecería al año siguiente cuando publico su siguiente trabajo “Mud Slide and the Blue Horizon” en el cual contó con la participación de un escueto plantel de músicos entre los que se encontraban Carole King (la cual incluso aportaría el hit “You´ve got a Friend”), Danny Kortchmar, Joni Mitchell o Leland Sklar.
Siguiendo el mismo patrón musical que su anterior álbum, Taylor mostraba una serie de canciones acústicas con apenas acompañamiento que alcanzaría un segundo puesto en el Billboard y un numero uno en singles con la mencionada “You´ve got a Friend”, además de dos millones de copias vendidas en el mercado norteamericano.

jueves, 25 de enero de 2024

Leslie´s Motel-Dirty Sheets (1972)

Otra de esas oscuras y desconocidas bandas de la década de los 70 fueron los impresionantes Leslie´s Motel, los cuales practicaban un rock sureño con ramalazos de blues y hard rock, que solo tuvieron la oportunidad de grabar un olvidado álbum que fue rescatado varias décadas después.
Originarios de Kentucky, su formación original estaba comprendida por el vocalista y guitarra Bill Tullis, el guitarrista y voces Mike Seibold, el teclista Richard Bush, el bajista Ray Barrickman y el batería Roy Blumenfeld, este ultimo ex componente de la Blues Project de Al Kooper.
En 1972 grabaron una serie de canciones que pasarían a engrosar su álbum debut “Dirty Sheets”, en el que destacaban cortes como la jazzistica “Step Down Baby”, la frenética blues rock “My Sweet Woman”, la psicodélica hard rock “Blister”, las polvorientas “Reason Why” y “Windmills”, o “Latino Motel”, esta ultima una jam tour de force con claras connotaciones a los sonidos latinos de Santana.
En los siguientes años, la banda giraría sin parar por toda Norteamérica con artistas de gran renombre como Harvey Brooks, Charlie Daniels Band o Mike Bloomfield entre otros, desapareciendo definitivamente algún tiempo después sin apenas repercusión mediática ni comercial.

martes, 23 de enero de 2024

Traffic-Mr.Fantasy (1967)

1967 seria el año en el que nacería una de las bandas mas importantes y fundamentales que haya dado el mundo del rock, Traffic, formada por cuatro formidables músicos de una dilatada carrera como eran Jim Capaldi batería, Chris Wood teclados y saxofones, Steve Winwood  guitarras, teclados y voz y Dave Mason bajista, guitarra y voz.
Ese mismo año se publicaría su primer y grandioso álbum titulado “Mr.Fantasy”, que grabado durante gran parte de 1967 en los estudios Olympic de Londres bajo la supervisión del productor Jimmy Miller, se convirtió en uno de los mas sorprendentes debut de la historia de la música contemporánea.
En este primer álbum Traffic mostró un estilo innovador, con toques de pop muy elaborado y un estilo psicodélico, todo ello fusionado con el music hall, ecos de música hindú, blues rock y ecos del soul y el jazz como se demuestra en temas tan fantásticos como "Heaven Is In Your Mind", "House For Everyone", "Dear Mr. Fantasy" o "Dealer".
Sin embargo, y a pesar del monumental éxito de este álbum, pronto llegan las discrepancias entre Dave Mason y Steve Winwood, entre otros motivos, los celos y el ego de ambos músicos, lo que llevaría al abandono momentáneo de Mason, quien regresaría para la grabación del segundo disco de la banda.
Un año más tarde publicaron el segundo álbum "Traffic" que contenía varios de sus temas más celebres como "You Can All Join in", "Pearly Queen", "Forty Thousand Headman", o la clásica "Feelin Alright", que junto a otras de naturaleza psicodélica e influencias de claro acento folk, marcaron una progresión donde se destacó la habilidad instrumental y el talento compositivo de toda la banda.

domingo, 21 de enero de 2024

Foreigner-Agent Provocateur (1984)

Tres años después de la publicación del multi-platino “4”, Foreigner regresaban con un nuevo álbum titulado “Agent Provocateur”, el quinto cronológicamente en la carrera del grupo, el cual sin llegar a las excelencias del anterior, seguían mostrando a una banda en plena forma creando canciones tan icónicas como la extraordinaria “I Want To Know With Love Is”, que pronto se convertiría en una de sus canciones mas emblemáticas junto a las clásicas “Feels Like The Firts Time”, “Cold as Ice”, “Hot Blooded” o “Urgent”.
Sin embargo este álbum no solo vivía de las rentas de tan tamaña balada, en el encontramos cortes tan interesantes como “That Was Yesterday”, otro medio tiempo soberbio o las poderosas rock “Tooth And Nail” y “She´s Too Tough”, sin dejar de mencionar la contundente “Strange in my Own House” y las melódicas “A Love In Vain” y “Two Different Worlds”, configurando con todas ellas un trabajo equilibrado que funcionaria perfectamente en las listas de medio mundo, logrando cinco discos de platino por sus abultadas ventas a nivel mundial y manteniéndolos en primera línea del rock orientado hacia adultos.

viernes, 19 de enero de 2024

Firefall-Firefall (1976)

Otra legendaria banda de country rock y rock sureño fueron Firefall, los cuales lanzaron una serie de soberbios álbumes en la década de los 70 que los colocarían en la cima del genero casi al mismo nivel que sus coetáneas mas prestigiosas como Lynyrd Skynyrd, The Eagles o The Marshall Tucker Band.
Fundados en Colorado a mediados de los setenta, su núcleo principal giraba en torno a los guitarristas y fundadores Jock Bartley y Rick Roberts, quienes venían precedidos de las bandas The Flying Burrito Brothers y Zephyr.
Ambos músicos junto al bajista Mark Andes, el batería Michael Clarke y el guitarrista Larry Burnett, grabaron su primer álbum homónimo en 1976 en el cual muestran pegadizas melodías muy cercanas al country pop como “It Doesn´t Matter”, “Love Isn´t All”, “Dolphin´s Lullaby” o “Sad Ol´Love Song”, que en contraste con las country rock “Mexico”, “Livin´Ain´t Livin´” y “No Way Out” mostraban una gran diversidad en su atractivo estilo, el cual los emparentaba con las líneas melódicas y vocales de America o The Eagles.
Este primer álbum logra un meritorio puesto numero 26 en las listas americanas, en parte gracias a hits como la encantadora “You Are The Woman” que logra un top ten en el Billboard.
Un año después la banda se amplia con el teclista David Muse con quien graban el siguiente “Luna Sea”, en el cual siguen por una línea parecida pero con unos arreglos mas sofisticados debido al aporte de los sintetizadores y teclados electrónicos de David Muse.
En esta segunda entrega sobresalían la adictiva country rock “So Long”, la enérgica “Sold On You”, la sureña “Just Think”, la pegadiza rock “Getaway”, la rítmica country “Head On Home” y la contundente “Even Steven”, mientras la característica vena melódica estaba presente en las deliciosas “Just Remember I love You” y “Only A Fool”.
“Luna Sea” lograría superar al álbum debut en las listas alcanzando un sorprendente onceavo puesto puesto en el Billboard.
El tremendo éxito de este segundo álbum ser vería calcado en el tercer trabajo titulado “Elan”, publicado en 1978 el cual contenía un repertorio de exquisitos temas de country rock como “Strange Way”, “Wrong Side Of Town”, “Count Your Blessing”, “Anymore” o “New Man”.
Pero a partir de aquí la banda entraría en una crisis creativa como queda demostrado en el irregular “Undertown”, el ultimo trabajo grabado con la formación original y que apenas tuvo repercusión mas allá de los circuitos americanos del country rock.
En adelante un continuo ir y venir de nuevos miembros llevaría a Firefall por un periplo repleto de buenos álbumes como “Cloud Across The Sun” (1980), “Break Of Dawn (1982), o “Mirror of The World” (1983), pero muy alejados del esplendor de sus tres primeras obras.

miércoles, 17 de enero de 2024

Traffic-On The Road (1973)

En 1973 Traffic lanzaba su segundo álbum en directo (anteriormente ya habían publicado "Welcome to the Canteen” en 1971), aunque esta vez en formato de doble Lp que fue grabado en la gira posterior al trabajo de estudio "Shoot Out at the Fantasy Factory".
Grabado íntegramente en la gira por Alemania Occidental, la banda formada por Steve Winwood, Jim Capaldi, Chris Wood y Reebop Kwaku Baah tuvieron el apoyo del batería Roger Hawkins, el bajista David Hood y el teclista Barry Beckett.
En este doble álbum se recogen parte de lo mejor de la banda hasta ese año, en donde destaca la improvisación libre ejecutada por todos los músicos, mezclando diversas influencias como la psicodelia, el folk, el jazz, el soul y el rock' n´roll, como bien queda demostrado en los cuatro temas que superan los diez minutos de duración, manifestando con ello la plenitud instrumental de estos grandes músicos.
El álbum contiene seis temas en total, la más larga, una mezcla extendida de dos de las obras maestras indiscutibles de Traffic, la magnífica instrumental "Glad" y la apasionada "Freedom Rider", con una duración de más de 20 minutos en total. De hecho, todas las pistas aquí están repletas de improvisaciones y vanguardismo instrumental. El inconfundible sabor exótico aportado por el trabajo de percusión de Reebop Kwaku Baah, se combina de manera efectiva con los dos bateristas Jim Capaldi y Roger Hawkins. Mientras el propio Jim Capaldi también proporciona la voz principal (presentando a los miembros de la banda en la sección central), en la dinámica y optimista "Light Up or Leave Me Alone". Sin embargo, Traffic podía presumir de uno de los mejores vocalistas de la historia del rock, la atrayente voz de soul blanco del incomparable Steve Winwood, cuya actuación en la sublime "The Low Spark of High-Heeled Boys" es melancólica y seductora. Winwood también interpreta brillantemente la guitarra solista en este álbum, particularmente en la conmovedora "(Sometimes I Feel So) Uninspired", dejando el rol de los teclados Hammond al excelente Barry Beckett. El impresionante tour-de-forces de saxo y flauta de Chris Wood en "Glad" y la auto-escrita "Tragic Magic", también son uno de los puntos culminantes indiscutibles de un directo apasionante, repleto de pasión y destreza musical deslumbrante y otra de las obras maestras en vivo de los setenta.

lunes, 15 de enero de 2024

Rossington Collins Band-Anytime, Anyplace, Anywhere (1980)

Otra de las grandes bandas del rock sureño fueron la Rossington Collins Band, fundada algún tiempo después del trágico accidente en el que se estrelló el avión que transportaba a Lynyrd Skynyrd desde Greenville en Carolina del Sur hasta Baton Rouge en Louisiana, el 20 de octubre de 1977, matando a Ronnie Van Zant, Steve Gaines y su hermana, Cassie Gaines.
Esta banda estaba formada por los guitarristas Gary Rossington, Allen Collins y Barry Harwood, Billy Powell a los teclados, Derek Hess a la batería y percusión, Leon Wilkeson al bajo y el cantante Dale Krantz.
El primer álbum titulado “Anytime, Anyplace, Anywhere” publicado a mediados de 1980 fue todo un éxito para la banda.
En esta primera entrega destacaban el himno sureño “Don´t Misunderstand Me”, o las brillantes y enérgicas “Prime Time”, “One Good Man”, “Winners And Loosers”, así como la boogie rock “Opportunity”.
Casi a finales del siguiente año llegaría su segundo álbum y a la postre su epitafio, “This Is The Way”, en donde reforzaban su sonido sureño con sonidos mas pesados y contundentes, sobresaliendo la boogie sureña “Gotta Get I Straight”, la preciosa “Tashauna”, la gospel “Pine Box” o la rock and roll “Don´t Stop Me Now”.
Una vez fue publicado este segundo álbum, Gary Rossington dejó la banda debido a desacuerdos internos con el resto del grupo, un hecho que precipitaría la disolución definitiva de la Rossington Collins Band algun tiempo después.
Varios años mas tarde, Allen Collins fundaría la Allen Collins Band, la cual apenas tuvo recorrido debido al comportamiento errático del propio Collins, producto de su adicción al alcohol, abandonando definitivamente el proyecto en 1985 debido a un grave accidente de automóvil que le dejaría prácticamente paralizado durante muchísimo tiempo.

sábado, 13 de enero de 2024

Elf-Live At The Bank 1972 (1972)

Elf fue una banda de blues y heavy rock fundada casi a finales de los sesenta que estuvieron activos hasta mediados los setenta cuando varios de sus miembros fundadores fueron llamados por Ritchie Blackmore para ingresar en su nuevo proyecto una vez este habia abandonado sus queridos Deep Purple.
Ellos eran el cantante y bajista Ronnie James Dio, el batería Gary Driscoll, el bajista Craig Gruber y el teclista Doug Thaler, que junto al guitarrista David Feinstein, habían lanzado hasta el año 1975 tres meritorios trabajos de hard blues rock.
Ya en 1972 mientras giraban apoyando el primer álbum “Elf”, actuarían en un festival en Cortland, en el estado de Nueva York y que durante muchos años estuvo disponible como Bootleg titulado “Live at The Bank, Cortland 1972”, y que en el 2011 justo un año después de la muerte de Ronnie James Dio fue publicado de manera oficial por la familia del cantante.
Con un sonido mas que aceptable, este directo es un documento histórico en donde la banda liderada por el pequeño cantante mostraba su enorme potencial en directo.
Repleto de versiones, llevadas a estilo blues y hard rock del grupo, se van sucediendo una retahíla de grandes clásicos como “Cross-Eyed Mary” y “Aqualung” de Jethro Tull, “An Old Raincoat Will Never Let You Down” de Rod Stewart, “Black Dog” de Led Zeppelin, “Four Day Creep” de Humble Pie, “Won 't Get Fooled Again” y “Baba O'Riley” de The Who, y una culminante versión de “War Pigs” de Black Sabbath.

jueves, 11 de enero de 2024

The Tubes-The Tubes (1975)

Nacida de las cenizas de dos bandas locales de la zona de Phoenix en Arizona a principios de los setenta, The Tubes se hicieron mundialmente famosos por sus disparatados show en vivo, de gran impacto visual en donde su esencia teatral del rock and roll se transformaba en unos directos que escandalizaban a los sectores mas pudientes de la sociedad norteamericana y británica.
Su imagen corrosiva les granjeo no pocas polémicas entre la prensa y el publico puritano y conservador, pero al mismo tiempo se labraron el status de banda de culto y una amplísima legión de seguidores alrededor del mundo entero.
En 1975 bajo el sello A&M Records y con la producción de Al Kooper, publicaron su primer y homónimo álbum, el cual contenía un bizarro repertorio de temas corrosivos y sátiras alegorías a lo políticamente correcto en clave rock, con influencias post punk y ramalazos de hard rock.
Aquí aparecen cortes tan emblemáticos como la irreverente y divertida “Boy Crazy”, “White Punks On Dope”, una burlesca canción sobre la tediosa vida del joven norteamericano de buena familia o “Mondo Bondage”, una humorística denuncia a las costumbres sadomasoquistas, que compartían el repertorio con cortes mas convencionales como la compleja “Haloes”, la medio tiempo “Space Baby” o la vanguardista “What Do You Want From Life”.

martes, 9 de enero de 2024

The Strawberry Alarm Clock-Incense And Peppermints (1967)

The Strawberry Alarm Clock fue otra de esas tantísimas y efímeras bandas que con un solo álbum con muchísima notoriedad en las listas de éxitos, pasaron a la historia de la música pop, pero que sin embargo no tuvieron continuidad más allá de una serie de discos interesantes, y varias posiciones alejadas de los primeros puestos en el Billboard.
Formada casi a mediados de los 60 en California por el guitarrista Ed King (quien algunos años después seria pieza fundamental en la banda de rock sureño Lynyrd Skynyrd), el vocalista Michael Luciano, los guitarristas Lee Freeman y Steve Rabe, los percusionistas Randy Seol y Gene Gunnels, el bajista Gary Lovetro y el teclista y vocalista Mark Weitz.
Con su primer disco consiguieron impulsar una carrera meteórica, vendiendo un millón de copias y logrando un número uno absoluto, el cual los lastraría lo suficiente para arrastrarlos hasta su disolución varios años después.
De 1967 a 1969 publicaron cuatro álbumes, “Incense and Peppermints” (1967), “Wake Up...It´s Tomorrow” (1968), “The World in a Sea Shell” (1968) y “Good Morning Starshine” (1969).
En su álbum debut "Incense and Peppermints", destacaban por su extraordinario pop rock con tintes psicodélicos sin demasiada complejidad, y contenía, además del single homónimo del disco, la extensa psicodélica "The Word's On Fire", la melódica “Birds In My Tree”, la bluesy psicodélica “Lose To Live”, la exótica “Rainy Day Mushroom” o la instrumental con acercamientos jazzísticos "Unwind with the Clock".

domingo, 7 de enero de 2024

Ted Nugent-Ted Nugent (1975)

En 1975 Ted Nugent comenzaría su carrera en solitario después de disolver su anterior banda de rock psicodélico, The Amboy Dukes. Este comienzo seria uno de los mas sobresalientes debuts del rock norteamericano de toda su historia, en el cual contaba con un plantel de músicos de lujo encabezado por el cantante Derek St. Holmes, el bajista Rob Grange y el batería Cliff Davies.
En este primer álbum Ted Nugent muestra un enérgico disco de puro rock and roll, con aires sureños y acercamientos a los sonidos blues, logrando un trabajo tan perfecto como soberbio.
Desde la inicial "Strangehold", un tema espectacular de experimentación con un ambiente tenso y hipnótico, se van sucediendo los temas que no dan un resquicio para la mínima calma, a esta le sigue la efectiva y visceral "Stormtroopin", la medio tiempo "Hey Baby", un corte que es el contrapunto del frenético ritmo, la psicodélica "Just What The Doctor Ordered" o la desafiante "Sneakeskin Cowboys", tema este ultimo con la que se da por finalizada la primera cara del vinilo original.
La cara dos comienza con la frenética "Motor City Madhouse", a la que siguen las melódicas "Where Have You Been All my Life" y "You Make Feel Right At Home", para acabar con la poderosa y potente "Queen Of The Forest”, dando así por finalizado uno de los mejores discos del hard rock americano, la obra cumbre de Ted Nugent y toda una joya de la música rock.

viernes, 5 de enero de 2024

Queensryche-Empire (1990)

El cuarto álbum de la banda norteamericana de heavy rock progresivo Queensryche, supuso un alejamiento del estilo conceptual que había mostrado en el anterior “Operation Mindcrime”, publicado dos años antes y con el cual habían logrado un disco de platino en el mercado norteamericano.
“Empire” no solo lo superaría ampliamente, si no también colocaba a la banda originaria de Seattle entre las punteras de un genero que por aquellos años estaba en constante aumento de popularidad.
En este nueva entrega la huestes formada por el teclista y cantante Geoff Tate, los guitarristas Michael Wilton y Chris DeGarmo, el bajista Eddie Jackson y el batería Scott Rockenfield y bajo la producción de Michael Kamen, se enfocaron en una serie de temas mas orientados hacia el heavy metal convencional sin abandonar por completo los complejos arreglos progresivos y melódicos anteriores.
Temas como la rítmica y pegadiza “Best I Can”, contrastan con la poderosa “The Thin Line”, la melódica “Another Rainy Night”, o las excelsas con regusto progresivo “Empire” y “Anybody Listening”.

miércoles, 3 de enero de 2024

Tir Na nÓg-Tir Na nÓg (1971)

En 1971 aparecería un dúo llamado Tir Na nÓg, el cual musicalmente imprimía una sabia mezcla de exotismo oriental, una sutil cadencia pop, y el misticismo hindú, un gran lirismo con reminiscencias clásicas y que fueron uno de los aportes más importantes en un año en el que la música intimista dominó gran parte del gusto del gran público, gente como Carole King, James Taylor, CSN&Y, Cat Stevens y muchos otros dominaban las listas y las emisoras de radio.
Tir Na nÓg fue la nota colorista, ellos no lograron ningún #1, no lograron vender un millón de dólares en discos para conseguir un disco de oro, tampoco fueron cabeza de cartel en ningún festival y ni siquiera aparecieron en las listas de éxitos, sin embargo cualquier entusiasta, empezando por los propios críticos e incluso muchos artistas contemporáneos famosos citaron a Tir Na Nog como lo mejor de ese año 1971.
Su primer disco, homónimamente titulado como el grupo, fue la clave de todo ello. Un solo álbum los elevó a la cima de la calidad, de la expresión más preciosista que la música haya dado jamás.
Este álbum lanzado bajo el sello Chrysalis y una posterior gira apoyando a Jethro Tull y Emerson Lake & Palmer, les labraría una amplia legión de fans por todo el Reino Unido.
Fueron trece canciones compuestas indistintamente por los dos integrantes de este dúo, dos muchachos jóvenes, sencillos poetas y buenos músicos. Ellos eran Sonny Condell a la guitarra, tabla, percusiones africanas y marroquí y arpa y Leo O'Kelly a la guitarra, bajo y otros instrumentos.
En este primer álbum destacaban el tema homónimo, una solemne epopeya cantada con mucho dramatismo, la alegre “Looking Up” o las meritorias “Dance of Years” y “Live A Day”.
Posteriormente en 1972 se publicaría "A Tear And A Smile”, una nueva muestra de expresionismo místico pero con un mayor énfasis en los arreglos y en el virtuosismo instrumental, así como el siguiente "Strong In The Sun" (1973), un trabajo con un ambiente mas cercano al folk rock.
Todos ellos les llevaron a ser aclamados unánimemente por la crítica de la época, incluso fueron nominados al mejor grupo de folk de aquellos años, que sin embargo no tuvo la repercusión comercial deseada, en parte por la gran cantidad de bandas y artistas de enorme calidad que publicaban constantemente, algo que obviamente lastraba a las bandas con menor peso específico, y sobre todo a la escasa o nula publicidad de sus discográficas, más preocupadas por los artistas ya consagrados que les daban suculentos dividendos por sus millones de discos vendidos.

lunes, 1 de enero de 2024

Jefferson Airplane-Surrealistic Pillow (1967)

Jefferson Airplane son sin duda una parte primordial de la historia de la música rock, su aparición en el mejor momento de la flower power fue decisiva para el futuro de muchos de los estilos posteriores y al mismo tiempo fueron uno de los máximos impulsores de la cultura hippie, rivalizando con otras bandas coetáneas como Mamas and the Papas, Grateful Dead, Buffalo Springfield, Love, Janis Joplin, Jimi Hendrix, o Iron Butterfly por poner solo unos pocos ejemplos.
Ellos fueron el emblema de un movimiento continuo que les llevaría al máximo de su gloria y a la cúspide absoluta del rock y la cultura hippie norteamericana.
Fundados a finales de 1965 en San Francisco por Marty Balin (cantante), los guitarristas Paul Kantner y Jorma Kaukonen, la cantante Signe Toly Anderson, el bajista Jack Cassidy,  y cerrando la formación el batería Spencer Dryden.
Aunque sin embargo esta banda sufriría numerosos cambios de formación a lo largo de toda su carrera, pasando por ella diferentes músicos como Joey Covington, Papa John Creach, John Barbata, David Freiberg, Peter Kaukonen, Tim Gorman o Randy Jackson.
Después de lograr un suculento contrato con el sello RCA publican su primer larga duración "Takes Off" a mediados de 1966, el cual se convierte en un portentoso estimulante para la música de la época, su estilo se anteponía a todo lo conocido, con mucha libertad, bastante informal y espontáneo pero con una amplia base rock, y una perfecta combinación vocal e instrumental.
Sin embargo el álbum no obtiene el éxito esperado, pero si en cambio su segundo LP, “Surrealistic Pillow”, publicado a principios de 1967, uno de los mejores álbumes del rock psicodélico de la historia de la música rock.
En este nuevo disco la cantante Grace Slick había sustituido a Toly Anderson, convirtiéndose rápidamente en una de las líderes del grupo y la que contribuirá notablemente con algunas de las mejores canciones del grupo.
Este segundo álbum contiene memorables momentos que pasaran a la historia del rock como son los enormes hits “Somebody to love” y “White Rabbit”, sin desmerecer otros cortes del calibre de “Comin´Back to Me”, “My Best Friend” o “Embryonic Journey”.
“Surrealistic Pillow” lograría encaramarse hasta una sorprendente tercera posición en el Billboard, logrando un disco de platino por su millón de copias vendidas en el mercado norteamericano.

sábado, 30 de diciembre de 2023

Tony Joe White-Black and White (1969)

Tony Joe White es uno de los grandes abanderados del swamp rock, apodado como “The swamp fox”, (el zorro del pantano), siempre tuvo la habilidad y el talento de escribir canciones que trasmitían la idiosincrasia y las tensiones raciales del sur de los Estados Unidos.
Muchas de sus canciones son hoy en día universales y fueron versionadas por grandes artistas como Rod Stewart, Ray Charles, Rory Gallagher, Elvis Presley o Tina Turner.
Nacido y criado en un pequeño pueblo del sur de Luisiana, creció cosechando algodón y maíz y pronto mostraría su interés por el blues y los sonidos de sur como el cajun, el zydeco, el folk o el country.
Todo ello le inspiraría para escribir canciones y después de conocer un cazatalentos que vio en el un genio inconformista, este le facilitaría un contrato con el sello ubicado en Nashville, Monument Records a finales de 1967.
Sin embargo sus primeras canciones apenas tuvieron ningún impacto mediático ni comercial hasta que un tema suyo llamado “Polk Salad Annie” alcanzaría entrar en el top 40 debido principalmente a que el propio Elvis Presley lo empezaría a incluir en sus conciertos de finales de los 60.
Cuando “Polk Salad Annie” comenzó a ser masivamente radiado por las emisoras de gran parte de los Estados Unidos, muchos creyeron en un principio que era una nueva canción de los Creedence Clearwater Revival, ya que su estilo era muy parejo al de las huestes de John Fogerty y compañía, sin embargo Tony Joe White era realmente un nativo de los pantanos, mientras que los Creedence eran de California.
“Black and White” lanzado a mediados de 1969, fue su primer larga duración y en el se muestra su maestría fusionando el blues, el zydeco y el hillbllly rock, mostrando un amplio muestrario de temas que se acercan incluso a los sonidos soul con esa voz profunda y muy personal que por muchos momentos se acerca a la de un negro.
Temas como “Don´t Steal My Love”, “Who´s Making Love “ o “Scratch my Back” muestran ese sentimiento negroide profundo, mientras las relaciones raciales en clave funky están presentes en cortes como “Soul Francisco”, la luminosa “Willie and Laura Mae Jones”, o logrando esplendorosas versiones de otros artistas como “Little Green Apples” o “Wichita Lineman”, conformando con todas ellas un soberbio debut de la mejor música de la América profunda.

jueves, 28 de diciembre de 2023

The Smashing Pumpkins-Siamese Dream (1993)

Encuadrados oficialmente dentro del sonido grunge, The Smashing Pumpkins nunca estuvieron en sintonía con ninguna de sus coetáneas del mismo genero, su estilo realmente estaba mas orientado hacia los sonidos del rock alternativo, tanto por su experimentación y por la diversidad que mostrarían a lo largo de sus trabajos.
Formados a finales de la década de los ochenta en Chicago, con su segundo trabajo titulado "Siamese Dream" lograron el éxito necesario para ser considerados una de las mejores y mas influyentes bandas de los noventa.
Un álbum el cual contiene una interesante mezcla de estilos sin dejar de lado su germinal sonido alternativo. Temas como las brillantes "Cherub Rock" con esos riffs aplastantes muy adictivos o "Today", muestran su faceta mas puramente rock, mientras la orquestada "Disarm" con ese tono oscuro y sombrío o la punk "Geek U.S.A", son junto a la acústica "Spaceboy" y la poderosa "Soma" lo mas atrayente de un álbum que esta entre lo mejor de toda la década de los noventa.

martes, 26 de diciembre de 2023

Ayers Rock-Beyond (1976)

Ayers Rock fue una de las mas importantes bandas australianas de jazz rock, con un estilo inspirado en las complejidades instrumentales de Weather Report o la Mahavishnu Orchestra, el tono psicodélico de Traffic y en las percusiones latinas de Santana.
Esta banda fue de las primeras del país de los canguros en actuar ante grandes multitudes en los Estados Unidos, mucho antes incluso que los icónicos grupos australianos AC/DC o la Little River Band.
Su primer álbum grabado en vivo "Big Red Rock", esta compuesto por poderosas composiciones basadas en el blues rock con ligeros toques de jazz.
Sin embargo varios años después en su segundo trabajo titulado "Beyond", la banda apuesta por los sonidos mas cercanos al jazz rock combinando elementos de rock mas accesible.
Ayers Rock estaba compuesta por los vocalistas y guitarras Chris Brown y James Doyle, el batería  Mark Kennedy, el teclista además de instrumentos de viento Col Loughnan y el bajista Duncan McGuire.
En "Beyond" esta banda australiana demuestra su enorme talento en cortes como la melódica y enérgica "Lady Montego", un tema en donde las influencias del swamp rock son mas que evidentes, así mismo la blues rock "Talkin´Bout You" es otro rock dinámico con predominio de los metales.
El ecléctico estilo de Ayers Rock esta presente en la rhythm and blues "Going´Home", mientras "Crazy Boys" es deudora del sonido mas jazzistico y complejo de Frank Zappa.
La polvorienta "Nostalgic Blues", la jazz rock instrumental "Big Red Rock" y la funk "Boogie Woogie Waltz", dan por finalizado un meritorio álbum de jazz rock enérgico y brillante, de otra de esas interesantes y desconocidas bandas que pese a su enorme calidad quedaron olvidadas en lo mas profundo de la historia de la música rock.

domingo, 24 de diciembre de 2023

Drive By Truckers-Decoration Day (2003)

En el revolucionario álbum doble de 2001 de Drive By Truckers, “Southern Rock Opera”, la banda cambió su enfoque de rock sureño con esos riffs de guitarras poderosas por tímidas guitarras acariciadas por sordos arpegios y lloronas pedal steel guitars, bañadas en unas voces oscuras, todo ello en un tono lúgubre donde se cuentan historias sombrías y las costumbres mas ancestrales del sur de los Estados Unidos.
Dos años mas tarde publicaron “Decoration Day”, en donde la banda originaria de Georgia, vuelve con otro álbum conceptual después del mencionado “Southern Rock Opera”, pero esta vez las melodías se desarrollan entre sonoras construcciones guitarreras densas y oscuras, con ritmos lentos como flotando entre nieblas y olores funestos, evocando tristes recuerdos campesinos sobre tiempos pasados ya olvidados. De principio a fin, cada canción de este disco de claro corte roots-rock descarnado, sin disculpas y con tintes de rock mundano, se convierten en un clásico, ya que los maestros narradores Patterson Hood y Mike Cooley, desentrañan unas trágicas y escalofriantes historias sureñas de pueblos pequeños una tras otra.
Temas que invocan al infierno “Hell No, I Ain´t Happy”, aromas country como la triste “My Sweet Anette”, o la melancólica “Sounds Better In The Song”, conviven con sensibles baladas “Outfit” o oscuras reflexiones “Decoration Day”, que son el espejo de esas historias.
Todas ellas junto con otras tan brillantes como “Skin Hole”, “Your Daddy Hates Me” o “Heathens”, forman un hermoso álbum, tan sugestivo como amargo es el regusto de la tradición mas oscura y caduca del sur norteamericano, pero al mismo tiempo la mas romántica, aquella en cuyo espíritu se edifica una forma de sentir la vida y también la del sentir de su música mas ancestral.