viernes, 14 de mayo de 2021

Robben Ford-Talk To Your Daughter (1988)

Robben Ford siempre tendrá un lugar prioritario en el Olimpo de los grandes guitarristas del jazz y del blues, y al igual que ocurre con otros grandes guitarristas como Larry Carlton, llega a lograr que tocar la guitarra suene algo tremendamente simple, por muy complicados que sean los cambios de acordes que imprime con las seis cuerdas.
Curtido en cientos de colaboraciones entre las que destacan Steely Dan,  Miles Davis, David Sanborn, Randy Crawford, Yellowjackets o Al Jarreau entre otros muchos, su carrera en solitario ha estado marcada por albumes de jazz, blues y otros mas enfocados al rock. En 1988 publicaba su segundo trabajo titulado "Talk To Your Daughter", un pletórico álbum de jazz rock que fue nominado a la mejor grabacion del género en los premios Grammy. En "Talk To Your Daughter", Robben Ford mostró una tendencia aumentada hacia el jazz fusión, debido en cierta medida a la inclusión de un nuevo miembro a su banda, el teclista Russell Ferrante, que unido a los habituales Roscoe Beck (bajo) y Vinnie Colaiuta (bateria) conformaban que su Robben Ford Trio se convirtiera en un cuarteto. En esta grabación Ford contó ademas con las colaboraciónes de Brandon Fields (saxofón), Mark ford (harmonica), el teclista de Little Feat, Bill Payne (sintetizadores) y el miembro de Toto, Jeff Porcaro (bateria).
En este segundo album, Robben Ford muestra un sonido sobrio y solido, demostrando su gran talento con las seis cuerdas, como el medio tiempo “Ain´t Got Nothin´But The Blues”, la inicial “Talk To Your Daughter”, la contundente “I Got Over It” o su original versión del clásico de Albert King “Born Under A Bad Sign”.

jueves, 13 de mayo de 2021

Steve Winwood-Arc Of A Diver (1980)

Con el apelativo de “niño prodigio” Steve Winwood es uno de los arquitectos y grandes genios del pop británico de los sesenta, pieza fundamental en las bandas de Rhyhthm and Blues y los estilos vanguardistas posteriores; The Spencer Davis Group, Traffic y Blind Faith. Después de esas aventuras Winwood intervendría en multitud de proyectos durante la década de los setenta antes de comenzar una carrera en solitario repleta de éxitos con algun altibajo en el plano comercial, pero de grandes obras musicales. Este cantante, guitarrista, teclista, letrista y productor, lanzaría en 1977 su primer album hononimo que a pesar de las altas expectativas comerciales, solo alcanzaría un discreto numero 22 en las lista de albumes Billboard. Sin embargo el éxito comercialmente hablando le llegaría con su enorme segundo album “Arc Of A Diver” lanzado en 1980 con el que consigue varios discos de platino por sus enormes ventas. Para la grabación Steve Winwood no contaría con ningún músico adicional, ocupandose personalmente de todos los instrumentos ademas de los arreglos, las mezclas y la producción.
Parte de este éxito estuvo en el tema “While You See A Chance”, el cual obtendría un rotundo impacto en los Estados Unidos y el inteligente manejo de los sintetizadores y teclados electrónicos por parte de Winwood. En “Arc Of A Diver” el músico actualiza su estilo, evolucionando gracias al uso de los mas modernos instrumentos electrónicos de la década de los 80, que ademas de los teclados incluía las percusiones, conformando un trabajo ameno y desenfadado, con agradables melodías que cautivaron al publico con una música irresistible. Ademas de la mencionada “While You See A Chance” destacaban las contagiosas “Arc Of A Diver”, “Second-Hand Woman” y “Spanish Dancer”, mientras las mas convencionales “Slowdown Sundown” y “Dust” eran en cierto modo un sutil guiño a su pasado.

miércoles, 12 de mayo de 2021

Orion the Hunter-Orion the Hunter (1984)

Considerado uno de los mejores albumes del AOR de la primera mitad de los años ochenta, el album hononimo de Oron The Hunter se ha convertido en todo un clásico del rock de todos los tiempos.
Liderada por el ex guitarrista de Boston, Barry Goudreau, quien fundaría la banda después de abandonar el grupo liderado por Tom Scholz. Este abandono fue producto de que a la espera de un tercer album de Boston, por problemas de litigio con el sello Epic Records se previa que tardaría algunos años en publicarse, por lo que Tom Scholz recomendó al resto de integrantes de la banda que era el momento para que cada uno pudiera dedicarse a proyectos paralelos, lo que aprovecharía Goudreau para grabar su primer album en 1980. Sin embargo después de este album, el cual tiene un estilo inconfundible al sonido Boston, Tom Scholz expulsa a Barry Goudreau acusando de suplantar y plagiar su proyecto musical.
A pesar de las grandes criticas favorables y el éxito de su album en solitario, Barry Goudreau estaba decidido en tener una banda propia por lo que funda Orion The Hunter y para ello recluta al bajista Bruce Smith, al guitarrista Fran Cosmo y al ex bateria de Heart, Michael DeRosier. Durante casi un año el grupo se dedica a componer y elaborar una selección de canciones que formarían parte de su primer album. Grabado en los Power Station Studios de Nueva York, ademas de la banda participarían una serie de músicos como su ex compañero en Boston, el cantante Brad Delp a las voces, y los teclistas Jimmy Bralower, Steve Baker, Peter Wood y John Schuller y fue producido por Lennie Petze junto al propio Goudreau. El resultado fue un album elogiado a nivel mundial por su grandísima calidad, con unas espléndidas canciones, unos fantásticos arreglos melódicos y un sonido que claramente estaba fundamentado sobre el estilo de Boston. El trabajo de guitarra de Goudreau en particular suena con ese tono inconfundible a su banda madre ademas de demostrar una impresionante habilidad para las composiciones sublimes. A diferencia de las composiciones de Tom Scholz, Barry muestra su perfecto equilibrio en la estructura del album, con una mayor espontaneidad y menos complejidad en la producción. Desde la inicial y majestuosa "All Those Years" ya nos empieza a mostrar lo que este album contiene en sus surcos, las melodías precisas y pegadizas contrastan con la poderosa voz de Fran Cosmo y los sonidos hard rock muy adictivos. Temas como la melódica "So You Ran", la trepidante "Dreamin´" la balada "Dark And Stormy" los potentes rock "Stand Up" y "Fast Talk" o las preciosas "I Call It Love" y "Joanne" fueron tan impresionantes como efímeras. Este seria el único album de Orion The Hunter, que justo un año después se terminaría desintegrando para años después reaparecer el propio Goudreau junto a Brad Delp en otra nueva formación de gran impacto como fueron RTZ.

martes, 11 de mayo de 2021

Camel-The Single Factor (1982)

Denostado por los fans mas puristas de Camel, “The Single Factor” constituyo un punto de reflexión sobre las carrera posterior de la banda marcada hasta entonces en una serie de joyas del rock progresivo, que sin bien fueron siempre catalogados de segundones comparado con los grandes dinosaurios del genero, les ortogaria un status de banda mágica y hasta cierto punto de culto, para los seguidores del rock sinfónico.
Camel como banda prácticamente había desaparecido después del album “Nude” (1981), debido a la desbandada de todos sus integrantes a excepción de su líder Andy Latimer, que quedaría como único miembro oficial de la mitica formación.
Aun así el carismático guitarrista decidió seguir adelante y formaría una banda para su siguiente movimiento discográfico, contratando a parte del plantel de músicos que estaban bajo el auspicio de The Alan Parsons Project, como David Patton o Chris Rainbow a los que se sumaría los integrantes de la banda SKY Francis Monkman y Tristan Fry ademas del bateria Simon Phillips, el ex guitarrista de Genesis Anthony Phillips , el teclista Duncan McKay, el cual ya había colaborando con Latimer en la elaboración del mencionado “Nude” y volvería a contar con su viejo amigo Pete Bardens a los teclados, quien había dejado la banda cuatro años antes después del espléndido “Breathless”. Semejante variedad de grandes músicos se vería reflejado en una interesante amalgama de sonidos dispares, que iban desde el clásico estilo de pop sinfónico de APP, hasta el sonido clásico de Camel, pasando por los arreglos mas complejos de SKY. Muestra de este ecléctico estilo esta en temas como “A Heart´s Desire” o “Heroes”. Pero lo mas sorprendente de este “The Single Factor” era la duración de las piezas aquí expuestas, a diferencia de sus largos desarrollos de los albumes anteriores, aquí la duración apenas excedía de los cinco minutos cada una. El album al completo parece mas una sucesión de temas sin demasiada cohesion musical y estilística entre ellos, que un album de rock progresivo en si mismo, tal vez y a toro pasado podemos pensar que Latimer intento a la desesperada lograr un éxito inmediato con un album mas accesible al gran publico y así conseguir un mayor impacto. comercial. Habría que matizar que en esos años el rock progresivo había perdido gran parte del fervor que poseía en la década anterior. Pese a ello, el album pasaría bastante desapercibido injustamente dada su enorme calidad. Solo debemos darle una escucha a mágicas y espléndidas composiciones como “No Easy Answer”, la melodica y excelente “Camelogue”, la atmosferica “Heart´s Desire/End Peace”, o la hipnótica “Selva”, para darnos cuenta del potencial de este exquisito album. Después de este disco, muchos vaticinaron el final de Camel, y aunque el siguiente “Stationary Traveller” tuvo mas o menos una acogida similar a este “The Single Factor”, Andy Latimer mostraba al mundo que la grandeza de su talento no se había evaporado realizando fantásticos trabajos como “Dust and Dreams” (1992), “Harbour Of Tears” (1996), “Rajaz” (1999) o “A Nod And A Wink” (2002).

lunes, 10 de mayo de 2021

Alcatrazz-No Parole From Rock ´n´ Roll (1983)

Esta banda norteamericana de hard rock y heavy metal fue fundada en Los Angeles a principios de 1983 y tenían el aliciente de contar con el vocalista Graham Bonnet y el guitarrista Yngwie Malmsteen. Ambos músicos por aquella epoca venían de dos de las mejores bandas del heavy metal de finales de los 70 y principio de los 80 como eran Rainbow y Steeler. Sin embargo el resto no le iba a la zaga, con el ex bateria de Iron Butterfly Jan Uvena, y los antiguos integrantes del grupo New England Gary Shea y Jimmy Waldo, bajo y teclados respectivamente.
Ese mismo año de 1983 llegaría el debut de la banda “No Parole From Rock´n´Roll” bajo el sello Polydor, en donde destacaban la enorme voz de un brillante Bonnet y la insuperable creatividad guitarristica de Malmsteen con sus trepidantes solos y su sofisticada melodía que imprimia a su estilo con las seis cuerdas. El talento abrumador de ambos músicos se ven reflejados en una serie de grandes temas de hard rock con acercamientos al estilo neoclásico como “Island In The Sun”, “Hiroshima Mon Amour”, “Jet To Jet”, “Incubus” o “Suffer Me”.
Dos años después y con Steve Vai como guitarrista principal en sustitución de Yngwie Malmsteen, publicarían “Disturbing The Peace”, mientras Danny Johnson haría lo mismo con Vai para el siguiente album “Dangerous Games” en 1986. Ambos discos sin llegar a las excelencias de su album debut, fueron unos dignos sucesores, pero ya sin el impacto que supuso este espléndido “No Parole From Rock´n´Roll”.

domingo, 9 de mayo de 2021

Flower Travellin´Band-Anywhere (1970)

Segunda vez que aparece en este blog la banda japonesa Flower Travellin´Band, esta vez para reseñar su primer album, "Anywhere", aunque ya antes habían publicado el album “Challenge” firmado junto a Yuya Uchida en 1969. Para este primer album la banda optaría por sonidos mas contundentes y ásperos, impregnado con la psicodelia imperante en la epoca y mucha improvisación. Con un estilo muy enmarcado hacia el rock duro que ya hacían las bandas británicas en aquellos años como Cream, Deep Purple o Black Sabbath. Todo el album esta enfocado hacia una serie de versiones como el tema “Black Sabbath” del grupo de Birmingham, la acústica versión de “House Of The Rising Sun” de The Animals, la lisérgica “Louisiana Blues” de Muddy Waters o la visceral versión de “21st Century Schizoid Man” de King Crimson. Como ocurriría con la portada del mencionado “Challenge” el grupo volvía a escandalizar a la puritana sociedad japonesa al aparecer totalmente desnudos esta vez encima de unas Harley Davidson, algo que transgredía las normas establecidas en su pais, convirtiendo esta portada en una obscenidad y una falta de respeto para la gran mayoria de la sociedad nipona, demostrando con este hecho, que este radical grupo se saltaba a la torera sin ninguna ética ni pudor las buenas normas establecidas.

sábado, 8 de mayo de 2021

Paul Rodgers-Now (1997)

Rebuscando en el fondo de mi colección de discos, me encontré con un album que hacia mucho tiempo no le daba una detenida escucha, me refiero al tercer album en solitario de Paul Rodgers, uno de los grandes vocalistas del rock que comandara agrupaciones tan legendarias como Free y Bad Company y que compartió junto a Jimmy Page la autoria de aquella superbanda llamada The Firm. “Now” fue publicado en el año 1997 y fue precedido de los discos tributo que el propio Rodgers había hecho a Muddy Waters y Jimi Hendrix en sendos albumes titulados “Muddy Waters Blues” y “The Hendrix Set” ambos publicados en 1993. Luego de un tiempo con numerosas giras mundiales, en 1997 Rodgers tenia ya compuesto el suficiente material, ademas de una solida banda tras de si y se dispuso a grabar un nuevo album que fue titulado irónicamente “Now”. La mencionada banda estaba compuesta por el guitarrista Geoff Whitehorn, el bateria Jim Copley y el bajista Jaz Lochrie. Lo primero que llama la atención de este tercer album de Paul Rodgers es su excelente estado de forma, rejuvenecido vocalmente y mostrando su particular voz como en su epoca dorada, temas como la inicial y potente “Soul Of Love” ya demuestran la excelente producción de Eddie Kramer y la perfecta cohesión de la banda al completo. El resto lo conforman la blusera “Overloaded”, la añeja “Heart Of Fire”, un guiño a su pasado con Bad Company, la  pegadiza “Saving Grace”, la soul blues “Love Is All i Need” o el sublime blues “I Lost It All”, conformando todas ellas un album elegante, realizado de manera excelente, con un gran feeling por las excelencias vocales y las soberbias ejecuciones instrumentales, constatando con ello la enorme calidad de una de las grandes voces de la historia del rock.

viernes, 7 de mayo de 2021

Ram Jam-Ram Jam (1977)

Ram Jam fueron una banda norteamericana de hard rock que se hicieron mundialmente famosos por su versión del tema “Black Betty” del mitico bluesman Leadbelly.
Fundada en la ciudad de Nueva York en 1977, por el guitarrista Bill Barteltt, el teclista Bob Nave, el bajista David Goldflies, el bateria Pete Charles y el guitarra rítmico Jimmy Santoro. Gracias al patrocinio de los productores Jerry Kasenetz y Jeff Katz, los cuales eran los dueños del sello Buddah Records, les consiguen un contrato con la Epic Records y publican su primer album “Ram Jam” casi a finales de ese mismo año. En este album hononimo aparecería la celebre y mencionada “Black Betty”, la cual se encarama hacia los primeros puestos de las listas de éxitos de medio mundo. Sin embargo también supuso una sonora controversia con algunas organizaciones antirraciales norteamericanas, alegando que el tema era una apología contra las mujeres de color. Pero polémicas aparte, este album contenía grandes dosis de hard rock americano no exentas de comercialidad enfocadas a las radios FM como “Keep Your Hands On The Wheel”, temas contundentes como “404”, la zeppeliana “Right On The Money”, o la soberbia “All For The Love of Rock´n´Roll”. Un año mas tarde repetirían cierto éxito con el album “Portrait Of The Artist As a Young Ram”, otra colección de grandes temas de hard rock adictivo y ritmos pegadizos como “Please, Please, Please (Please Me)”, “Gone Wild”, “Saturday Night” o la melodica “Turnpike”, pero que sin embargo al no contar con un sencillo tan exitoso como fue “Black Betty”, seria la principal causa para la separación del grupo a finales de 1978.

jueves, 6 de mayo de 2021

Hard Stuff-Bulletproof (1972)

Bullet fue una banda formada por los ex miembros de Atomic Rooster John Cann (guitarra) y Paul Hammond (bateria) que después del album "In Hearing Of" publicado en 1971 decidieron crear una banda de hard rock pesado junto al ex guitarrista de los Quatermass, John Gustafson. Después de conseguir un contrato con el sub sello de EMI, Purple Records graban una serie de temas enfocados a su primer album, publicado en 1971 como "Entrance To Hell". Sin embargo después de la publicación de este album son denunciados por una banda norteamericana del mismo nombre que estaba registrada mucho antes que ellos, por lo que el sello discográfico les obliga cambiar de nombre, el cual queda definitivamente como Hard Stuff. Todo ello les lleva a volver a grabar el album al completo con el vocalista Henry Shaw quien interpreta una serie de temas que no habían sido incluidos en el anterior album. Finalmente seria publicado con el titulo de "Bulletproof" en junio de 1972. Este album es un clásico de hard rock oscuro de los años 70, que contiene una serie de temas enérgicos de contundente heavy rock poderoso, que a diferencia del original "The Entrance To Hell", su grabación es mas primorosa, mejores arreglos y una notable mejoría en la producción.
Ni que decir tiene que el album publicado como Bullet “The Entrance To Hell”, es hoy en día una pieza de coleccionista muy codiciada por los fans del rock psicodélico de los años 70.

miércoles, 5 de mayo de 2021

Savoy Brown-Raw Sienna (1970)

Savoy Brown son una banda fundamental e imprescindible para entender la corriente del blues rock británico y su posterior evolución. Fundada en Londres en 1965, su carrera ha estado marcada por los innumerables cambios de formación siendo la mas exitosa y a la postre la mas clásica, la comprendida entre los años 1968 y 1970, con cuatro imprescindibles albumes publicados dentro del genero. En ese periodo la banda giraría principalmente alrededor del núcleo formado por el guitarrista Kim Simmonds y el cantante Chris Youlden los cuales eran los principales compositores y los que crearon un estilo único de blues rock repleto de sonidos psicodélicos no exentos de atmósferas progresivas, jazz y hard rock. El resto estaba compuesto por el guitarrista Lonesome Dave Peverett, el bateria Roger Earl, el bajista Tony Stevens y el pianista Bon Hall. Con esta formación se grabaron los albumes "Getting To The Point" (1968), "Blue Matter" y "A Step Further" ambos de 1969 y este que nos ocupa "Raw Sienna" (1970). Composiciones como la jazz blues progresiva "Is That So", la comercial y accesible "A Hard Way To" la jazzistica psicodélica "That Same Feelin´", la acelereda blues rock "Master Hare", la soul "I´m Crying" o la acústica "When I Was A Young Boy", dieron por acabada la mejor epoca de esta banda que se desintegraría casi al completo al abandonar Dave Peverett, Tone Stevens y Roger Earl para fundar el grupo de hard rock & boogie, Foghat al año siguiente.   
Sin embargo estos tres músicos aún grabarían junto a Simmonds el interesante "Looking In", grabado casi a finales de ese mismo año de 1970. Posteriormente Simmonds armaría una nueva formación en la cual destacaban el vocalista Dave Walker y el teclista y futuro miembro de UFO, Paul Raymond, con los cuales grabaron los albumes "Street Corner Talking" (1971) y "Hellbound Train" (1972). A partir de ahí y hasta el año 2020 Savoy Brown habia publicado casi medio centenar de discos entre albumes de estudio, directos y recopilatorios, lo que la convierte en una de las bandas mas longevas de la historia del rock.

martes, 4 de mayo de 2021

Lady Lake-No Pictures (1977)

Este grupo holandés fue fundado en pleno auge del rock progresivo en 1973 en la localidad de Daventer. Formado por Leendert Korstanje, teclados, Eddie Bakker, bajo, Joop Van Leeuwen, bateria y el guitarrista Fred Rosenkramp. A finales de 1977 graban su primer album "No Pictures" con una tirada limitada de 1500 copias, de las cuales muchas fueron a parar a otros países del norte de Europa como como Suecia, Noruega e incluso  Alemania, motivo el cual es hoy en día considerada una banda de culto en esos países. En este album debut Lady Lake muestra unas influencias muy variadas y ricas que van desde el prog rock con toques jazzisticos y pinceladas psicodélicas, y las influencias del progresivo mas bucólico y melódico británico de bandas como Camel o Genesis, con un estilo original que contiene atmósferas agradables y melódicas que por momentos nos recuerdan a los sonidos del estilo Canterbury. "No Pictures" es un album el cual esta magistralmente ejecutado y perfectamente elaborado con unos arreglos exquisitos. Después de este album esta banda se disolvería hasta varias decadas mas tarde cuando volvieron en puntuales reuniones, en una de ellas (2005), grabaron su segundo album “Supercleandreammachine", el cual obtuvo muy buenas criticas en los circuitos del progresivo europeo.

lunes, 3 de mayo de 2021

Nazareth-Malice In Wonderland (1980)

En 1980 Nazareth estaban sumergidos en los sonidos típicos del rock melódico de manera abrumadora, y ello se vio refrendado en su undécimo album “Malice In Wonderland”. Para este nuevo album la formación no había variado desde el anterior “No Mean City”, estando conformada por Dan McCafferty, Zal Cleminson, Darrell Sweet, Manny Charlton y Pete Agnew, por lo tanto la banda se había afianzado en la configuración de quinteto con la entrada del guitarrista Cleminson un año antes. “Malice in Wonderland” pese a estar encuadrado como uno de sus trabajos enfocados al AOR, en realidad dista mucho del estilo habitual de la epoca, ellos se caracterizaron por un sonido original con diferentes matices musicales, los cuales fusionaban con su peculiar hard rock, mostrando un sonido muy atractivo y de enorme calidad. Desde la inicial y tremendamente comercial “Holiday”, pasando por las poderosas “Turning a New Leaf” o “Showdown At The Border”, las adictivas “Talkin´on One of The Boys” o “Fats Cars” y las melodicas y atractivas “Ship Of Dreams”, “Heart´s Grown Cold” o “Fallen Angel”, los escoceses dejaron un album con el cual seguían permaneciendo en la cúspide del hard rock y su status de gran banda intacta.

domingo, 2 de mayo de 2021

Triumph-Rock & Roll Machine (1977)

Eternos segundones de sus compatriotas y al mismo tiempo coetáneos Rush, esta banda canadiense ha dejado tras de si una serie de albumes tan soberbios como sorprendentes de hard rock vibrante y poderoso con algunas influencias progresivas que si bien nunca han llegado a la magnitud y excelencia de los mencionados Rush, si es cierto que ocupan un lugar de honor en la historia del rock.
Este power trío estaba formado por el guitarrista y vocalista Rick Emmett, el bateria Gil Moore y el bajista y teclados Michael Leviney y sus inicios se remontan a 1975 en Toronto donde empezaron a actuar en clubs y locales hasta que a finales de 1976 publicaron su primer album “Triumph” bajo el sello Attic Records. En este debut la banda aun mostraba un sonido sin definir, sin embargo sus influencias de las bandas iconicas británicas como Led Zeppelin eran mas que evidentes, gracias a temas poderosos como “Let Me Get Next To You”. En 1977 llegaría su segunda obra “Rock and Roll Machine” en donde empiezan a mostrar un interés por los sonidos progresivos que se ven reflejados en la suite “The City” o en “New York City Streets”, mientras por otro lado el trio sigue mostrando su lado mas contundente con las poderosas “Rock and Roll Machine”, “Little Texas Shaker” o “Takes Times”, e incluso se atreven con la excelente versión del tema de Joe Walsh “Rocky Mountain Way” ejecutada magistralmente con un sonido cercano al blues rock.

sábado, 1 de mayo de 2021

Roger Hodgson-In The Eye Of The Storm (1984)

Después del album “Famous Last Words” Roger Hodgson abandonaba Supertramp motivado por las continuas diferencias musicales con Rick Davis. Dos años después de su marcha Hodgson recuperaba la mejor versión del sonido Supertramp con su primer album “In The Eye Of The Storm”, en donde lejos del pop sofisticado y comercial de “Breakfast in America” y del previsible y continuista “Famous Last Words”, el musico se acercaba a la esencia de albumes como “Even In The Quietest Moments...” con un trabajo sensacional y ambicioso dejando constancia de que el era sin duda el alma del sonido de Supertramp, sin que ello desmerezca en absoluto a su ex compañero Rick Davis. Para la grabación de este album Hodgson se encargaría prácticamente de todos los instrumentos (guitarras, bajos, baterias, teclados, ademas de los arreglos y la produccion del mismo) con la colaboración puntual en diferentes piezas del bateria Michael Shrieve, el saxofonista Scott Page o la vocalista Claire Diament.
Un album con unos ambientes progresivos y epicos como “Only Because Of You”, un soberbio tema que perfectamente podria haber encajado en cualquiera de los albumes de la mejor epoca de Supertramp, mientras la vena comercial del musico esta en las adictivas y pegadizas “In Jeopardy” y “Hooked On A Problem”, ademas de sonidos sublimes como la melancolica “Lovers In The wind” o temas poderosos como la inicial y tremenda “Had A Dream ( Sleeping With Enemy)”.

viernes, 30 de abril de 2021

Tropea-Short Trip To Space (1977)

Mayoritariamente desconocido en Europa, John Tropea es uno de los mas importantes guitarristas del jazz fusión norteamericano de los años 70. La carrera de este guitarrista ha estado marcada tanto por la suya propia, con mas de una docena de discos publicados, como la de músico de sesión en medio centenar de colaboraciones de diferentes artistas como Van Morrison, Deodato, Michael Franks o Eric Clapton. "Short Trip To Space" (1977) fue su segundo album, en donde su estilo de jazz fusión con sonidos funk de influencia psicodélica se refleja en un trabajo deslumbrante de jazz sofisticado, elegante y dinámico. Sin llegar a las complejidades del jazz progresivo, Tropea se acerca al jazz fusión con atmósfera espaciales y grandes desarrollos instrumentales de piano, guitarra, vientos y percusión ejecutados sin muchas pretensiones de manera adictiva tanto para los mas puristas como para los fans del jazz mas comercial.
Para este segundo album Tropea contaría con varios colaboradores de lujo de la talla de Larry Fast, Michael Brecker, Lou Marini o Randy Brecker entre otros músicos de la incipiente escena jazz norteamericana de la epoca.

jueves, 29 de abril de 2021

ICU-Now And Here (1997)

ICU fueron una banda alemana del genero neo progresivo que durante la década de los 90 publicaron tres albumes antes de disolverse definitivamente en 1997.
Esta banda tuvo su origen en la ciudad alemana de Sindelfingen en 1989 y su formación estaba compuesta por Ralf Großmann, vocalista y guitarras, Thomas Glönkler, guitarrista,  Steffen Herrmann, teclados, Eva-Marie Baumann, flauta, harmonica y voces, Hartwig Dieterich, bajo y Joachim Lauber, bateria.  En 1993 publicaron su primer album bajo el sello germano Gaumoggel Records titulado "Moonlight Flit" el cual les da cierta popularidad en Alemania y Europa. Con el siguiente "Now And Here" lanzado varios años después ICU consigue su mejor obra, considerada por muchos críticos como una joya del rock progresivo de los noventa. "Now And Here" demuestra con ello, las excelencias de este magnifico y excelente album, el cual esta repleto de melodiosas voces que se integran perfectamente con los extensos pasajes instrumentales, de complejos arreglos de guitarras y teclados atmosféricos. Un album que de principio a fin es un soberbio trabajo de rock progresivo sinfonico, con una producción impecable y ejecutado de manera magistral por unos músicos de un gran nivel instrumental.

miércoles, 28 de abril de 2021

Chris Squire-Fish Out Of Water (1975)

El primer album de Chirs Squire, es para muchos la continuación lógica, musicalmente hablando del album “Relayer” de Yes, en el cual se observaba el rumbo que tal vez hubieran seguido de haber publicado un disco en esos momentos. Y es que tras la publicación y la posterior gira del mencionado “Relayer”, Yes hicieron un paréntesis de dos años en los cuales aprovecharían para que cada integrante se dedicara a sus proyectos en solitario. Así mientras Alan White publicaba “Ramshackled”, Patrick Moraz haria lo mismo con “The Story Of I”, por su parte Steve Howe entregaba su “Beginnings” y Jon Anderson grabaría “Olias Of Sunhillow”. Sin embargo seria Chris Squire con su “Fish Out Of Water” quien obtendría las mejores criticas, junto al album de Jon Anderson, con un disco que seguía de alguna manera con el estilo inconfundible de su banda madre. Para esta grabación Squire se rodearía de algunos de los mejores músicos de la escena progresiva británica de la epoca, como el flautista Jimmy Hastings, reconocido músico de bandas como Caravan, Soft Machine o Hatfield and The North, el bateria Bill Bruford, curtido en bandas como King Crimson o los propios Yes, su compañero de banda Patrick Moraz, Mel Collins, saxofonista en cientos de grabaciones y integrante de bandas como King Crimson o Camel, ademas de otros afamados músicos como Barry Rose o Andrew Pryce Jackman. Temas como la orquestal “Safe”, la bucólica “Silent Falling”, la jazzistica “Lucky Seven” o la progresiva “Hold Out Your Hand” certificaron un album que casi se encuentra a la misma altura que algunas de las obras del quinteto británico y una pequeña obra maestra del rock sinfónico.

martes, 27 de abril de 2021

Genesis-Seconds Out (1977)

La partida de Peter Gabriel había significado la perdida de la parte teatral y simbolica de Genesis, pero también significaría el reto que la banda tenia que superar, para continuar hacia adelante sin que su ausencia fuera un lastre demasiado grande para dejar de seguir estando en la cumbre del rock progresivo.
Fue cuando entonces el resto del grupo movió ficha y en vez de buscar un nuevo vocalista (realmente sondearon el mercado, sin encontrar al vocalista ideal), optaron por darle ese rol al bateria Phil Collins, el cual ya había mostrado en alguna ocasión su talento y carisma para ello. Sus dos albumes posteriores post Gabriel fueron dos inmensos ejercicios de gran rock progresivo como son "A Track Of The Tail" y "Wind and Wuthering". En ambos no solo la calidad instrumental se mantiene intacta, si no que incluso en muchos momentos igualan las obras realizadas con Peter Gabriel. Sin embargo ambos discos tuvieron una víctima colateral, Steve Hackett, el cual veia su protagonismo muy mermado tanto en las composiciones como en la instrumentación de ambas obras. Pero antes y para las giras posteriores de los albumes mencionados, la banda optaría por contratar a un bateria, quien liberara a Collins de esa tarea en los conciertos, el primer elegido seria Bill Bruford, el cual apenas estuvo una serie de conciertos, siendo posteriormente sustituido por Chester Thompson.
En 1977 la banda decidió publicar su segundo album en vivo, justo después de la gira mundial del mencionado "Wind and Wuthering", sin embargo en este doble album aparecen temas pertenecientes a la gira del "A Trick Of the Tail". De esta gira en concreto aparece "Cinema Show", la cual pertenece al concierto en el Pavillon de Paris el 23 de junio de 1976, con Bill Bruford a las baquetas, el resto fue extraído de los conciertos ofrecidos por la banda los días 11 y 14 de junio de 1977 durante el “Wind and Wuthering Tour" con Chester Thompson a la bateria.
Por entonces la banda se habia inclinado por unos shows con una puesta en escena espectacular, con un juego de luces apoteósico y diferente parafernalia, para acentuar la siempre dramática y latente música del grupo y una mayor importancia instrumental en el  aspecto individual de cada músico, en contrapunto a los conciertos de la era Gabriel mas enfocados al aspecto teatral y casi monopolizados por las dotes interpretativas del cantante. Para muchos este directo incluso superaría las grabaciones originales de estudio de algunas de las piezas aquí recogidas. El repertorio aquí grabado es sencillamente magistral desde la teatral "Robbery, Assault and Battery" hasta la instrumental "Los Endos". Las ejecuciones magistralmente ejecutadas se van sucediendo una tras otra; "Firth Of Fifth", "I Know What I Like", "The Lamb Lies Down On Broadway" o "The Musical Box". Sin embargo la banda lo borda en las omnipresentes "Dance on A Volcano", "The Cinema Show" y especialmente en la suite "Supper´s Ready", 20 minutos de excelsa instrumentación por parte de todos los integrantes, con una soberbia interpretación por parte de Collins que suple perfectamente a Gabriel en el rol de frontman en esta mítica pieza iconica del rock progresivo. "Seconds Out" se ha convertido en uno de los directos mas populares y grandiosos del siglo XX y un documento histórico del rock progresivo.

lunes, 26 de abril de 2021

Bliss Band-Dinner With Raoul (1978)

Bliss Band fue una banda británica de finales de los 70 que lanzó dos álbumes hasta que se disolvieron en 1980. La banda fue formada por el vocalista y teclista Paul Bliss en 1976 después de su salida de la banda Dog Soldier, donde lanzó un álbum en 1975 con esta banda e incluso participaría en varios trabajos de los Moody Blues posteriormente. Para las labores de producción de su primer album publicado en 1978 “Dinner With Road”, Paul Bliss contaría con el guitarrista de Steely Dan y The Doobie Brothers, Jeff Baxter, ademas de Michael McDonald a las voces, Andy Brown al bajo, Alan Park a los teclados, Phil Plamer a las guitarras y Nigel Elliott a la bateria. Este primer album esta repleto de grandes composiciones al estilo mas puro del west coast, pasando por momentos más jazzísticos, todo el álbum es rebosante de melodías adictivas y agradables, con partes melódicas combinadas gracias a la calidad vocal de Bliss y McDonald y los elementos de los teclados que hacen que este álbum sea un excelente disco de rock californiano de finales de los setenta. El resultado final de este disco es sorprendente, y no es de extrañar dado que el sonido se beneficia de la mano en la producción de Jeff "Skunk" Baxter, y las enormes apariciones de Michael McDonald, ("Slipaway" y "Stay A Little Longer"), las cuales nos dejan un sabor entre los primeros Steely Dan y The Doobies Brothers, lo que lo convierte a este album en una joya perdida del rock melodico de la costa oeste. Temas como "Over The Hill", "Don't Do Me Any Favors", "Right Place, Right Time" o "Here Goes" solo les haria falta que estuviera Donald Fagen para convertir este “Dinner With Raoul” en un “Katy Lied” perdido, con esa suave, llamativa y sutil música que contiene. Incomprensiblemente cómo les ocurriría a tantos, este album se perdió en el abismo, y es que tal vez había demasiadas cosas de este estilo por esa epoca, (que las hubo sin duda alguna), motivo por el cual muchos de estos trabajos pasaban desapercibidos irremediablemente.

domingo, 25 de abril de 2021

Bob Seger & The Silver Bullet Band-Live Bullet (1976)

En 1975 Bob Seger emprendería su primera gran gira por todos los Estados Unidos y para ello formó su primer grupo de apoyo; The Silver Bullet Band.
Fruto de esa agotadora gira es el disco "Live Bullet", grabado íntegramente durante uno de los conciertos en el Cobo Hall de Detroit, las noches del 4 y 5 de septiembre de 1975, siendo el primero de sus trabajos firmado con la Silver Bullet Band.
La Silver Bullet Band estaba compuesta por el guitarrista Drew Abbott, el bateria Charlie Allen Martin, el bajista Chris Campbell, el teclista Robyn Robinson y Alto Reed a los vientos. En este doble en directo se recoge parte de los grandes éxitos de su carrera hasta ese momento y terminaría convirtiéndose en uno de los álbumes en vivo clásicos de los setenta. Este mítico álbum contiene temas legendarios como la inicial y rabiosa versión de Tina Turner "Nutbush City Limits", la encantadora "Turn The Page" o la soberbia y exitosa "Ramblin Gamblin Man". También hay lugar para temas de rock poderoso como “Heavy Music”, la rock and roll "Get Out Of Denver" o las versiones "Let It Rock" de Chuck Berry, y "Bo Diddley" del mítico guitarrista de Rhythm and Blues.
Este album marco un hito en las radios FM norteamericanas al ser masivamente radiado por todo el país durante el año 1976 y ello le ayudaría a conseguir un disco de platino algun tiempo después por sus ventas, cantidad que se multiplicaría con los años hasta cerca de los 7 millones de copias vendidas a nivel mundial.
Un directo mítico donde el contenido emociona a un público con un Bob Seger y su banda en estado de gracia, haciendoles disfrutar del mejor rock norteamericano.

sábado, 24 de abril de 2021

Black Sabbath-Paranoid (1970)

Para cuando Black Sabbath lanzó su primer disco, introdujeron la parafernalia del género heavy metal como luego fue conocido, es decir,; el culto por el color negro, las indumentarias de cuero, el interés por todo lo satánico, lugrube y funesto o las cruces invertidas en el escenario, y en esta banda en particular una afinación de una octava por debajo de lo habitual, debido al estilo de su guitarrista Tony Iommi, quien producto de un antiguo accidente en sus dedos, usaba una prótesis de goma, obteniendo con ello esa tonalidad tan característica en sus riffs y solos de guitarra. Con todo esto anteriormente mencionado, el público no salió de su asombro y estupor, y eso se tradujo en la primera posición que ocuparía su segundo disco "Paranoid" (1970), en las listas británicas, estando más de un año entre los cien primeros y a la postre su album mas vendido hasta la fecha, con mas de cinco millones de copias vendidas. Pero dejando atrás su enorme éxito comercial, "Paranoid" es uno de los discos de heavy metal más icónicos de la historia, con un repertorio tan siniestro como infernal, desde la lugrube "War Pigs" una reprobacion a la guerra del Vietnam, hasta el heavy rock "Paranoid" sin olvidar himnos generacionales del heavy metal como la siniestra "Electric Funeral", el lisérgico "Planet Caravan", la instrumental “Rat Salad”, la apología a las drogas “Hand Of Doom” o la iconica "Iron Man".

viernes, 23 de abril de 2021

Agitation Free-Malesch (1972)

Agitation Free fueron uno de los clásicos del genero del krautrock alemán, realizando un estilo muy original con sonidos que combinaban la música electrónica repetitiva, elementos de la world music y la vanguardia europea con grandes solos de guitarra, música espacial y improvisaciones atmosféricas alucinantes.
Formados en 1967 en Berlin por Jörg Schwenke, guitarra, Lutz Ulbrich, guitarras, guitarra de 12 cuerdas y organo Hammond, Michael Hoenig, sintetizadores, steel guitar y electrónica, Michael Günther, bajo y Burghard Rausch, bateria, percusión y voces. En 1972 publicaron su primer album "Malesch" cuyo estilo esta fundamentado en los sonidos étnicos del medio oriente, producto de los extensos viajes que hizo la banda durante años por algunos de países como Egipto o Libia, todo ello empapado de psicodélica británica y norteamericana con solos de guitarras y sonidos hipnóticos. Un años después llegaría "Second" (1973) el segundo album, que a diferencia del primero, los sonidos se vuelcan mas “occidentales” predominando el space rock, con sonidos de múltiples teclados y una guitarras acidas muy cercanas hacia los sonidos de Ash Ra Tempel. Después de estos elocuentes y aterradores dos albumes, se publicaría el album en directo "Last" en 1976, un disco mucho mas experimental que daba por acabada la primera aventura de esta magnifica banda hasta casi 25 años después cuando volverían a reunirse para grabar una serie de albumes los cuales fueron bien recibidos por la comunidad progresiva.

jueves, 22 de abril de 2021

Damn Yankees-Damn Yankees (1990)

Si ya antes habíamos hablado de algunas alianzas de grandes músicos para formar superbandas en la década de los ochenta, en los noventa ocurrirían casos muy parecidos, y Damn Yankees fueron un claro ejemplo de ello. Formada por el guitarrista de Styx, Tommy Shaw, el bajista de Night Ranger, Jack Blades, el bateria Michael Cartellone y el iconico guitarrista Ted Nugent. Ellos publicaron dos de los mas exitosos albumes de hard rock melódico de los años noventa. Con un estilo en donde las excelentes voces melódicas de Shaw y Blades fueron el contrapunto perfecto a los riffs incendiarios y viscerales de Ted Nugent como quedaba demostrado en su primer album publicado en 1990, el cual contenía memorables temas de hard rock como “Runaway”, “Bad Reputation” o Coming Of Age”, o explosivas y poderosas canciones como “Rock City”, “Pile Driver”, “Damn Yankees” o “Mystified”. Mientras la melódica “High Enough” les reportaría junto al resto del album, varios discos de platino y un segundo puesto en las listas de exitos norteamericanas, lo que les llevaria a una extensa gira mundial, durante gran parte del año 1990 junto a Bad Company, Poison y Jackyl.
Dos años despues llegaría el segundo album de la banda “Don´t Tread” el cual aunque no consigue el impacto que su debut, vuelve a alcanzar el doble disco de platino por sus ventas. A partir de aquí Ted Nugent retomaría su carrera en solitario, mientras Shaw y Blades publicaron un album juntos “Hallucination” (1995), el cual obtuvo bastante notoriedad en los circuitos del AOR, para luego cada uno volver a sus bandas de origen y el bateria Cartellone pasaría a engrosar parte de la banda de rock sureño Lynyrd Skynyrd.

miércoles, 21 de abril de 2021

Far Corporation-Division One (1985)

Durante la década de los ochenta hubieron muchos proyectos y reuniones paralelas de grandes músicos de diferentes bandas que formaron alianzas para crear discos o hacer giras, muchas de las veces por el simple hecho de diversión y liberar las tensiones habituales de sus grupos de origen o sus carreras en solitario.
Uno de esos grandes proyectos fue "Far Corporation", formado por los componentes de Toto; Steve Lukather, Bobby Kimball y David Paich a mediados de los ochenta.
A ellos se unirán Curt Cress de Saga o Simon Phillips, (Judas Priest, Jeff Beck, Mike Oldfield), el cual curiosamente, se convertiría en parte de Toto algún tiempo después como baterista oficial para reemplazar al fallecido Jeff Porcaro. El resto de componentes fue un equipo de lujo donde destacaban Mel Collins, (Camel, King Crimson, Alan Parsons) o Robin McAuley de Michael Shenker Group, y fue producido por Frank Farian.
Este proyecto tendría un éxito abrumador en diferentes países europeos y Estados Unidos gracias en parte a una versión "modernizada" del clásico de Led Zeppelin "Stairway To Heaven". En este album el sonido era heredero del estilo de Toto, con grandes armonías, unas melodías perfectas y un AOR de alta calidad gracias a temas como la adictiva "One Of Your Lovers", la operística "Johnny Don't Go The Distance", el rock ochentero "Fire and Water” o la trepidante "Rock´n´Roll Connection”. Más tarde, el álbum se convirtió en un artículo de colección y un artículo de culto para los amantes del AOR y el rock clásico.
Nueve años después lanzarían otro álbum bajo el nombre de "Solitude" pero no obtendrían el mismo éxito que con este soberbio "Division One".

martes, 20 de abril de 2021

AC/DC-Let There Be Rock (1977)

“Let There Be Rock” es uno de los discos magistrales del hard rock, una obra maestra que catapultaría definitivamente a los australianos AC/DC hasta el estrellato mundial.
Para cuando se publico esta obra, AC/DC ya habian sorprendido al mundo con sus albumes “High Voltage” y “Dirty Deeds Done Dirt Cheap”, ambos de 1976, y los primeros que se habían lanzado a nivel mundial, ya que sus anteriores trabajos publicados en el año anterior solo fueron lanzados en tierras australianas, “T.N.T” y “High Voltage”, este ultimo con un repertorio diferente a la versión internacional. En “Let There Be Rock” la banda demostraría la experiencia y madurez suficiente para crear una obra soberbia de magistrales riffs de guitarras, fantásticos acordes y unas sorprendentes composiciones de hard rock y heavy metal. Desde la inicial rock and roll “Go Down” pasando por la soberbia “Let There Be Rock”, con la voz salvaje de Bon Scott y unos riffs demoledores, hasta el blues “Problem Child”, que pone el freno al frenético devenir de los temas que se van sucediendo: “Dog Eat Dog”, “Hell Ain´t A Bad Place to Be” y “Whole Lotta Rosie”, mientras “Overdose” se torna el tema “suave” de este magistral album, una de las mejores obras de la historia del heavy metal.

lunes, 19 de abril de 2021

Taste Of Blues-Schizofrenia (1969)

Taste of Blues fue una banda sueca formada a finales de los 60 en la ciudad de Malmoe, y que con un estilo que estaba encuadrado entre el sonido psicodélico de la epoca con elementos del krautrock alemán y sutiles sonidos orientales, les labraria una gran reputación en el ambito progresivo europeo de aquellos años. Su primera formación estaba comprendida por el vocalista Anders Stridsberg, el guitarrista Fred Rolf Berg, el bajista Robert Moller y el bateria Patrick Erixson, ademas del teclista Claes Ericsson. En 1969 grabarían su único album "Schizofrenia", en el cual ya no aparecería Stridberg sustituido por el cantante de color norteamericano Don Washington. Este único album pertenece a los clásicos albumes de culto de la psicodélica de los sesenta, su tema principal es el inicial "Schizofrenia", un viaje épico de diecisiete minutos de sonidos cósmicos, metales, ritmos endiablados de groove, música hipnitoca y apocalíptica. El resto son ejercicios mas convencionales basado en el blues psicodélico, incluida una versión del tema de John Mayall "Another Kinda Love". Una vez grabado este album algunos miembros se fueron para formar la banda de hard rock Asoka y el grupo de rock Lotus, terminando aquí la aventura de esta magnifica banda sueca.

domingo, 18 de abril de 2021

From-0611 Cat Quarter (1971)

From fueron una banda oscura de jazz rock progresivo surgida en Alemania a principios de la década de los 70, que fue influenciada por los sonidos mas eclécticos de Miles Davis fusionados con el estilo del jazz británico de la escuela de Canterbury. Formado por el bajista Dieter Von Goetze, el bateria Kurt Bong, el saxofonista, ademas de otros instrumentos de viento, Gustl Mayr y Klaus Göbel como teclados. Ya en el Festival de Jazz de Frankfurt de 1970 causan una gran sensación, lo que les proporciona que un año después publiquen su primer album "0611 Cat Quarter" y al año siguiente "Power On!" bajo el sello CBS. Ambos discos son considerados dos joyas ocultas de rock fusión germinal con pasajes progresivos. Su estilo es un jazz progresivo, muy vivo y de una escucha agradable, sus desarrollos instrumentales demuestran la virtuosidad de todos sus miembros, desde Mayr quien marca unos parámetros muy en la onda al mencionado Miles Davis, hasta el organista Göbel, con un uso del piano eléctrico y del órgano Hammond espectacular, mientras el bateria Bong extrae unas sonoridades muy cercanas al jazz clásico.

sábado, 17 de abril de 2021

3-To The Power Of Three (1988)

Siguiendo la estela de las grandes bandas de los 70 que se reinventaron para sonar mas accesibles al gran publico en la decada de los 80, (Yes, Genesis, Kansas, King Crimson o Pink Floyd) o bandas herederas de algunas de estas como Asia o GTR. En 1986 Keith Emerson y Greg Lake intentaron resucitar a Emerson Lake and Palmer con un sonido en donde los elementos progresivos se fusionasen con el rock mas melódico. Sin embargo esta reunión no pudo completarse por la negativa de Carl Palmer, inmerso contractualmente con el grupo Asia. Así las cosas la banda lo sustituiría por el bateria Cozy Powell, mítico percusionista de bandas tan legendarias como Rainbow, Black Sabbath o Whitesnake entre otras muchas. De aquella reunión salió el disco hononimo publicado en 1986 "Emerson, Lake and Powell". Después de ese album el trío se disolvería, pero Keith Emerson seguirá empeñado en mantener el status de su power trío aun latente y así dos años después y ya liberado Carl Palmer de sus obligaciones con Asia deciden reactivar el grupo. Sin embargo seria Greg Lake quien esta vez no estaba por la labor, ocupando su lugar el guitarrista y bajo, Robert Berry, quien se había dado a conocer en la banda Hush de principios de la decada de los ochenta y en GTR, sustituyendo a Steve Hackett.
Esta vez Emerson, Palmer y Berry decidieron llamarse "3", tal vez por la imposibilidad de repetir las siglas ELP, y bajo este nombre publicaron el album "To The Power of Three" que apareció en 1988, en donde como era de esperar su música tiene un claro sonido a los mencionados ELP, pero también a un decidido rock corporativo y melódico, muy característico de los años 80. Un album que contiene momentos muy dignos y en algunos casos grandilocuentes, con ciertas partes que nos recuerdan a las epopeyas progresivas de los años 70 del clásico trío, especialmente en los sonidos de los omnipresentes teclados. Desde la inicial y dinámica "Talkin´About" un tema firmado por Berry que originalmente iba destinado al segundo album de GTR, las AOR "Chains", "Eight Miles High" y "Runaway" las cuales sutilmente tienes resquicios progresivos, hasta la soberbia e inmensa "De La vida", que dividida en tres partes, crean una pieza de autentico rock progresivo, con fantásticos fragmentos instrumentales y que junto con "On My Way Home" aparece de manera tenue, el espíritu ELP y su epoca dorada de los 70.

viernes, 16 de abril de 2021

Crawler-Crawler (1977)

El 19 de marzo de 1976 Paul Kossoff fallecía a consecuencia de un edema pulmonar en un vuelo nocturno en los Estados Unidos, viajaba desde los Angeles a Nueva York para preparar la gira que su banda Back Street Crawler haría junto a AC/DC y que estaba prevista para el 25 de abril. Para muchos en esos momentos, este hecho presagiaba el final de Back Street Crawler. Pero sin embargo y contra todo pronostico, los miembros restantes, John "Rabbit" Bundrick, Tony Braunagel, Terry Wilson y Terry Wilson-Slesser, decidieron continuar sin su lider, pero deseaban hacerlo con otro nombre.
Pero antes de llegar a hacerlo, tuvieron las presiones de Ahmet Ertegun, presidente de la compañía Atlantic, con quien Back Street Crawler tenia contrato, para que continuaran como hasta esos momentos bajo su sello discográfico. Incluso el propio Ertegun les propuso al guitarrista Mick Taylor como sustituto de Paul Kossoff. Taylor quien por aquella epoca había abandonado a los Rolling Stones, se opuso tajantemente, no le sedujo, ni le hizo ninguna gracia, la idea de reemplazar a un músico que había muerto. Otro de los que se negarían en redondo seria el ex Fleetwood Mac, Peter Green, el cual argumento el no estar preparado para subirse a un escenario despues de años alejado de ellos. Después de varios descartes, finalmente fue la banda quien unilateralmente se decidió por el ex guitarrista de If, Geoff Whitehorn. Pero este hecho no fue aceptado por la Atlantic Records quien rompe fulminantemente los acuerdos con la banda, argumentando que era con Paul Kossoff con quien tenian el contrato legalmente. Poco despues y gracias a un ejecutivo de la Swan Song, propiedad de Led Zeppelin, fichan con la Epic Records y deciden acortar el nombre de la banda por Crawler.
En sus inicios y para foguearse, la banda realizo una extensa gira por el Reino Unido, a lo que seguiría la grabación de su primer album "Crawler" (1977), que fue muy bien recibido en los Estados Unidos, en parte gracias al tema "Stone Cold Sober" que tuvo muchísima repercusión en las emisoras FM americanas.
A partir de aquí la banda se concentra en el mercado estadounidense y publican su segundo album "Snake, Rattle & Roll", que fue seguido por un extenso tour por los Estados Unidos junto a bandas como Foriegner, Cheap Trick, Kansas o Robin Trower. Al final de la misma, la banda termina disolviendo en parte debido al abandono de John "Rabbit" Bundrick, quien fue contratado por The Who para tocar en su gira mundial presentando el album "Who Are You".
Pese a que solo publicaron dos soberbios albumes, es sin embargo el primero, su mejor obra, todo un clásico del hard rock y blues rock, en donde destacaban la melódica "Without You Babe", el boogie "Sold On Down The Line", la dramática "You Are My Saviour", la robusta "Pastime Dreamer" o la irresistible "Stone Cold Sober" con ese sonido medio latino deudor del mejor Santana. Con este album la banda demostraba que podían seguir haciendo un gran rock sin Kossoff y pese a que el nuevo guitarrista Whitehorn no tenia sus excelencias guitarristicas, si imprimía a su estilo un gran feeling, con gran talento, tocando tanto temas rock como blues, a lo que le sumaba la brillante voz de Wilson-Slesser y el gran trabajo instrumental del resto de la banda.

jueves, 15 de abril de 2021

Mike Rutherford-Smallcreep´s Day (1980)

Una vez Genesis había concluido la gira mundial promocionando el album "...And Then There Were Three..." sus tres miembros, Phil Collins, Mike Rutherford y Tony Banks, deciden tomarse una descanso lejos de la banda para acometer sus proyectos en solitario. Así en 1980 Mike Rutherford publicaba su primer album en solitario "Smallcreep´s Day", para el cual tuvo las colaboraciones de su ex compañero en Genesis Anthony Phillips, el cual aquí se encargaría de los teclados, lejos de su habitual guitarra, al bateria Simon Phillips, al percusionista y vocalista Morris Pert y al cantante Noel McCalla, mientras Rutherford se encargaba de las guitarras y el bajo. Grabado en los Polar Studios de Estocolmo, fue producido por el ingeniero habitual de los ultimos trabajos de Genesis, David Hentschel, en los meses finales de 1977. Con "Smallcreep´s Day" Mike Rutherford demostraria su enorme talento a la hora de componer grandes piezas de excelentes melodías progresivas, junto a otras de claro acento pop sinfonico. En lo instrumental, la elección de un casi desconocido McCalla fue una acertada decisión, con unas interpretaciones vocales muy emotivas y convincentes, mientras Anthony Phillips realiza un trabajo excelente con un instrumento que no es el habitual suyo, mientras el resto muestra la solidez perfecta para la ejecución de las piezas de este album. Un album que cuenta con dos partes bastante diferenciadas entre si, la primera esta compuesta por los sonidos progresivos y sinfónicos de la extensa suite "Smallcreeps´s Day", dividida en siete partes, aunque sin embargo ciertamente esta mas enfocada a piezas sueltas que a un tema conciso y cohesionado, pero en donde hay una gran variedad de ritmos, estilos y atmósferas progresivas, con muchos pasajes de guitarras de 12 cuerdas, solos de guitarras eléctricas y sublimes sintetizadores y mellotrones, todo ello secundado con un magnifico trabajo de una sección rítmica poderosa y las voces de Pert y McCalla que encajan perfectamente con la filosofía musical de este album y que finalizan con la maravillosa melodía "At The End Of The Day" una épica canción digna de cualquiera de las grandes de su banda madre. Mientras la segunda cara tiene una orientación mucho mas comercial con un trasfondo sinfónico, con temas potentes como "Moonshine", la apasionada "Time and Time Again" o la progresiva "Romani". Este es sin duda uno de los mejores albumes en solitario de uno de los miembros de Genesis y uno de los grandes albumes de la década de los ochenta, en donde aun se pueden escuchar los ecos de obras tan emblemáticas como "A Trick Of The Tail", "Wind & Wuthering" o " ...And Then There Were Three...".

miércoles, 14 de abril de 2021

West, Bruce and Laing -Why Dontcha (1972)

Mountain fueron una de las mas importantes bandas impulsoras del hard rock americano, compuesta por dos grandes leyendas del rock como fueron Leslie West y Felix Pappalardi y que publicaron dos soberbios discos considerados parte fundamental del desarrollo del heavy metal; “Climbing!” (1970) y “Nantucket Sleighride" (1971).
Después de publicar este ultimo album en 1971, la banda se separa por algunos problemas de salud de Pappalardi. Sin embargo Leslie West decide continuar y llama al ex Cream Jack Bruce que junto a su ex compañero de Mountain, Corky Laing funda la banda West, Bruce and Laing. Básicamente lo que West intento conseguir con ello, era la continuación de Mountain, pero sin el mismo nombre, con un estilo que bebiendo del blues y los sonidos sureños, se enfocaban en un potente hard rock de gran densidad y distorsión. Gracias a los manager de Jack Bruce y Leslie West (Robert Stigwood y Bud Prager respectivamente), consiguen un suculento contrato con la CBS/Polydor por un millón de dólares para la publicación de tres albumes. Pero antes de entrar en los estudios la banda realiza varias giras interpretando temas de Cream y Mountain así como versiones de clásicos del rock y del blues. Ya en 1972 se publica el primer album y a la postre su mejor trabajo titulado "Why Dontcha" en el cual sobresalen las psicodélicas "Out Into The Fields" y "Pollution Woman", los rock and roll "The Doctor", "Pleasure" y "Shake Ma Thing", y los blues rock "Turn Me Over" y "Love Is Worth The Blues" conformando todas ellas un soberbio disco de hard rock americano.

martes, 13 de abril de 2021

Sweet Smoke-Just A Poke (1970)

Al igual que ocurrirían con otras bandas como Nektar o Barclay James Harvest, las cuales tuvieron que emigrar de Inglaterra a Alemania para que les llegara el exito masivo,  Sweet Smoke tuvieron que trasladarse hacia el mismo pais para ser enormemente reconocidos. Sweet Smoke se fundo en los Estados Unidos a finales de los sesenta por un grupo de jóvenes afincados en Nueva York, ellos eran Andy Dershin al bajo, Jay Dorfman a la bateria, Marvin Kaminowitz como vocalista y guitarra, Michael Paris al saxo y voz y Steve Rosenstein a la guitarra. Su estilo era una de las mas holgados y arreglados del rock psicodélico. Su primer album fue lanzado bajo la subsidiaria alemana Columbia en 1970 con el titulo "Just A Poke" el cual contenía solo dos temas, uno por cada cara del LP. Ambas piezas son "Baby Night" en la cara A y "Silly Sally" en la B, sin embargo en realidad era al revés y por un error en la fabricación del disco fueron imprimidos en ese orden. Ambos temas tiene una duración que sobrepasa los 16 minutos, el primero "Silly Sally" es una especie de jam psicodélico con un comienzo medieval de sonidos jazzisticos y el predominio de la flauta para ir poco a poco en crescendo hacia una jam extendida con riffs de guitarras y una potente sección rítmica acida y desenfrenada. Mientras en "Baby Night" predominan  los sonidos mas groove y blues, con incluso un buen solo de bateria, diferentes percusiones y grandes riffs de guitarras y instrumentos de viento. Debido a su localización desde la cual se dieron a conocer, a esta banda se le encuadro dentro del genero del Krautrock, sin embargo ellos nunca sonaron a ese movimiento alemán, debido principalmente a la falta de teclados, en donde las guitarras y los instrumentos de vientos eran los que dominaban la música de Sweet Smoke. Algun tiempo después publicarían dos albumes mas "Darkness To Light" (1973) y "Live" (1974), antes de disolverse definitivamente, para terminar retornando a los Estados Unidos a mediados de la decada de los 70.

lunes, 12 de abril de 2021

Y&T-Earthshaker (1981)

Yestarday & Today son un banda norteamericana de hard rock famosa por haber contado entre sus filas al guitarrista Dave Meniketti y por algunos de los hits mas impactantes del heavy metal de los 70 y 80 como “Don´t Wanna Lose”, “Black Tiger” o “Mean Streak”. Fundada en Oakland en 1974 por el guitarrista Dave Meniketti, el guitarra rítmico Joey Alves, el bajista Phil Kennemore y el bateria Leonard Haze, consiguieron su primer contrato con el sello London con quienes publican su primer album en 1976. En este debut hononimo Yesterday & Today muestran un interesante estilo de hard rock con pinceladas heavy con un genuino sonido americano, fundamentados principalmente por la guitarra de un joven Meniketti que muestra su demoledor estilo secundado las excelencias del resto del grupo. Ya en 1981 llegaria “Earthshaker” su tercer larga duración, en el cual acortan su nombre por el de Y&T. Un album que logra captar la energía y el poder del hard rock de manera simple y efectiva con enérgicas canciones como “Hungry For Rock”, “Shake It Loose”, “Hurricane”, “Knock You Out” o “Rescue Me” o épicas baladas como “I Believe In You” en la cual Meniketti demuestra sus impresionantes dotes con las seis cuerdas.
Durante el resto de la década Y&T seguirán publicando grandes albumes como “Black Tiger” (1982), “Mean Streak” (1983) o “In Rock We Trust” (1984), que sin embargo no tienen las excelencias musicales de este estupendo “Earthshaker”.

domingo, 11 de abril de 2021

The Chick Corea Elektric Band-The Chick Corea Elektric Band (1986)

Cerca de diez años después del ultimo baluarte de Return To Forever, Chick Corea fundo una nueva banda, casi a semejanza de aquella pero con nuevos protagonistas en sus filas, un nuevo estilo de jazz (y no tan nuevo) y una forma diferente de enfocar un genero en el cual era un consumado maestro.
Estamos a mitad de los ochenta y el pianista originario de Massachusetts funda The Chick Corea Elektric Band junto al guitarrista Scott Henderson, el bajista John Patitucci y el bateria Dave Welck, con los que publica el album hononimo “The Chick Corea Elektric Band” en 1986. En este primer album aun no estaba conformada la banda mas clásica que estaría formada ademas de Welck y Patitucci, por el guitarrista Frank Gambale y el saxofonista Eric Marienthal, ademas de como es obvio Chick Corea. A diferencia del estilo de Return to Forever, esta versión “electrificada” de la banda de Chick Corea no mostraba el jazz rock con sonidos vanguardistas de su ex-banda, aunque si conservaba de alguna manera la experimentación tan característica de casi todas las obras de Corea. En este debut destacaban sobremanera la latin jazz “Rumble” en donde Welck y Patitucci hacían un soberbio trabajo en la sección rítmica mientras Corea emulaba el estilo de Joe Zawinul. La jazz fusión “Cool Weasel Boogie” la jazz rock “King Cockroach”, la hipnótica “Side Walk”, o el ejercicio guitarrero de “Go Match?” con un Welck pletórico, que dan paso a la mas solemne “India Town” con unos sonidos exóticos y pasajes ambientales de sintetizador.

sábado, 10 de abril de 2021

After Crying-After Crying 6 (1997)

Esta es una de esas bandas "raras" que son demasiado progresivos para los seguidores del rock convencional y demasiado extraños para los seguidores del progresivo, y es que After Crying hacen un prog rock tan complicado y de difícil acceso al oyente medio que es complicado cogerles el punto intermedio a su música, al menos si no le damos bastantes escuchas detenidas a sus discos. Uno de sus principales atractivos es precisamente la negativa a quedarse estancados en un estilo definido, por lo que constantemente están experimentando nuevas ideas y reconfigurando su sonido
Esta banda húngara fue formada a mediados de los ochenta y en el 2017 aun seguían activos, y la componen una pléyade de músicos que usan todo tipo de instrumentos, casi todos miembros de la Sinfónica de Bruselas. Con un estilo tan variado, no es de extrañar que su extensa discográfica esta repleta de discos de diferentes signos, unos mas conservadores y otros mas experimentales, sin embargo su principal influencia esta en el progresivo de los 70, el folk, la música clásica, el pop y casi cualquier otro genero.
Su primer album fue publicado en 1990 y lejos de contener una música sinfónica, es mas bien un disco vanguardista, la falta de una melodía consistente es la dinámica de este album. El uso ecléctico de los temas le da un sentido mas vanguardista que sinfónico.
En 1997 publicaron “After Crying 6” uno de sus trabajos mas “accesibles”, donde aparecen algunos elementos de jazz, grandes baterías, pasajes pastorales, voces siniestras y teclados sublimes al mas puro estilo Keith Emerson. A pesar de que sigue sonando excéntricos, su música se vuelve mas melódica y incluso adictiva en ciertas partes del disco. Aun así tienen albumes de rock progresivo mas convencionales como “Struggle For Life” (2000) o “Show” (2003).

viernes, 9 de abril de 2021

Lynyrd Skynyrd-One More From The Road (1976)

“One More From The Road” de los Lynyrd Skynyrd es otro de esos legendarios dobles en directo de la historia del rock. Grabado íntegramente en el Fabulous Fox Theatre de Atlanta en julio de 1976, documenta fielmente a la banda de Jacksonville en la cima de su popularidad. Para cuando apareció este disco, Lynyrd Skynyrd ya había publicado cuatro soberbios albumes de estudio, e incluso habían obtenido tres exitosos singles en las listas del Billboard "Sweet Home Alabama", "Free Bird" y "Saturday Night Special". Incansables trovadores de la carretera, esta mítica banda se gano una legión de seguidores leales en todos los Estados Unidos, elevandolos hasta los altares de banda iconica y mediatica.
Con un estilo en donde tomaban prestado el estilo sureño de The Allman Brothers, fusionado con sutiles dosis de gospel, el sonido pantanoso de los Creedence, el blues descarado de los Rolling y el hard rock de Steppenwolf, Lynyrd Skynyrd consiguió crear un rock melódico único y accesible. Por aquel entonces tuvieron que lidiar su estilo con grandes como Led Zeppelin, Deep Purple, Gran Funk, Foghat, Aerosmith o la Blue Oyster Cult entre otras muchas mas, todos ellos con un gran predominio de las guitarras, sin embargo gracias al talento, el impulso y la determinación, los Lynyrd Skynyrd consiguieron salir airosos. "One More From The Road" es la confirmación sonora de sus explosivos directos, de sus enérgicas actuaciones, con un sonido abrumador, en donde se absorbe el sudor y el entusiasmo, con esas jams de guitarras, con preciosos pasajes de piano y coros cautivadores que impregnan este directo.
Desde la oda áspera y enérgica de "Workin ´For MCA", el sombrío sentimiento de "Tuesday´s Gone", la divertida sureña "Gimme Three Steps", el grasiento rock "Whisky Rock´n´Roller" o las abrasadoras versiones de "Crossroads" del gran Robert Johnson y "Call Me The Breeze" de J.J.Cale, Lynyrd Skynyrd se las fuman, se las beben y las despachan con un hambre de gran ferocidad.
Para culminar el album, la banda acomete de manera vibrante las clásicas "Free Bird", "Sweet Home Alabama" y "Saturday Night Special", dejandonos un directo absolutamente increíble y magistral. El recibimiento del album fue apoteósico con un triple disco de platino certificado casi diez años mas tarde. Un año después el destino golpeo la tragedia, el 20 de octubre el cantante Ronnie Van Zant, el guitarrista Steve Gaines y la cantante Cassie Gaines murieron en un trágico accidente aéreo, mientras que los miembros supervivientes resultaron gravemente heridos. Algun tiempo después y a pesar de estas horribles perdidas la banda finalmente continuarían grabando discos y ofreciendo conciertos hasta prácticamente hoy en día. “One More From The Road” representa la era de oro de esta insuperable y legendaria banda.

jueves, 8 de abril de 2021

David Sancious And Tone-Transformation (Speed Of Love) (1976)

Por la E Street Band de Bruce Springsteen han pasado algunos de los mejores músicos norteamericanos como por ejemplo Steven Van Zant, Nils Lofgren, Ernest Carter o Max Weinberg entre otros muchos, pero también ha sido el semillero de otros, para iniciar su propia carrera en solitario, como Clarence Clemons o David Sancious. El trabajo de este ultimo quedaría plasmado en los tres primeros trabajos de Bruce Springsteen “Greetings from Asbury Park, N.J.”, “The Wild, The Innocent and the E Street Band” y “Born To Run”. Luego de ello Sancious formaría la banda David Sancious and Tone junto al bateria Ernest Carter, también ex miembro de la banda de Springsteen, y el bajista Gerald Carboy. La música de Tone era una fusión de rock progresivo y jazz muy emparentado con los sonidos de Return to Forever o Jean Luc Ponty y otras bandas coetáneas del jazz rock de los años 70. La interpretación de los teclados de Sancious revelaría las muchas influencias que tenia en mente, como el piano neoclásico francés, la música gospel y los sonidos envolventes de los sintetizadores con un estilo muy cercano a los teclistas predominantes del genero del jazz rock como Jan Hammer o Chick Corea, pero también le dio la oportunidad de mostrar su talento con la guitarra eléctrica deudora de Jimi Hendrix o Jeff Beck.
“Transformation (The Speed Love)” apareció en 1976 y era la continuación de su primer album “Forest Of Feelings”, en esta nueva entrega a diferencia del primero, Sancious le da un mayor protagonismo a los sonidos de guitarras, estructurando el album en cuatro largos desarrollos centrado en el jazz rock con ligeros sonidos progresivos. La inicial “Metamorphosis” muestra una melodía jazz rock con muchas partes de teclados, mientras  “Sky Church Hymn # 9” es un tributo a Jimi Hendrix, aquí Sancious demuestra su grandes habilidades con la guitarra, por otro lado la suite con el nombre que da titulo album, es un ejercicio de 18 minutos de pleno jazz fusión, con un mayor protagonismo al lucimiento de cada uno de los músicos de la banda. Este es en general un trabajo con grandes momentos de enérgico jazz, de enorme clase, demostrando una gran musicalidad, que pese a no tener un nexo común entre todos sus temas resulta un album redondo como una obra completa.

miércoles, 7 de abril de 2021

Modrý Efekt-Svět Hledačů (1979)

Modrý Efekt es una de las bandas mas importantes de la antigua Checoslovaquia, que fue formada en 1968 y se disolvieron en 1990, posteriormente se reunirían en el 2004 hasta el 2016.
Originalmente llamados Blue Effect, tuvieron que cambiar el nombre por el de Modrý Efekt debido a las presiones del gobierno comunista checo, que desaprobaba enérgicamente los nombres en ingles en aquellos tiempos.
Fundados alrededor del guitarrista Radim Hladik, el resto estaba compuesto por Lesek Semelka teclados y voces, Oldřich Veselý teclados y el bateria Vladimir Cech. En 1979 publicaron su sexto album "Svet Hledacu" considerado el trabajo mas progresivo del grupo junto al anterior “Svitanie (1977). Su estilo era una mezcla de rock sinfónico y jazz fusión, con hincapié en el trabajo del guitarrista Hladik, (considerado el mejor guitarrista checo), con intrincados cambios de ritmos, enfatizando los sintetizadores con sonidos espaciales y las guitarras. Su estilo a veces nos recuerdan a grupos como Yes por sus complejas composiciones, pero sin llegar a las excelencias de los britanicos. 

martes, 6 de abril de 2021

Comus-Firts Utterance (1971)

Comus son otra de esas bandas británicas muy extrañas de principio de los 70, tanto que es casi imposible con cual comparar su estilo y su temática única, y que fueron parte de la escena oscura de ese periodo. Aun así Comus fueron una de las bandas mas interesantes que surgieron de la escena del folk progresivo. Por buscar una supuesta comparación se podria decir que son una versión trastornada y experimental de Jethro Tull, sin embargo esta ambigua comparación no les haría justicia.
Comus se formo en Kent en 1967 por el guitarrista y voz Roger Wootton, el bajista Andy Hellaby, el violinista Colin Pearson, el bateria Bobby Watson, el flautista Rob Young y el también guitarrista Glen Goring. Su único trabajo sin ser una obra conceptual al uso, habla de la fragilidad de la inocencia cuando se presenta al poder abusivo (violencia, violaciones y terapias de choque). Dicho esto su música a menudo discurre entre los pasajes idílicos hasta los mas extraños sonidos tribales, con unas letras brutales y muy gráficas.
Su primer album y a la postre una creación monumental fue “Firts Utterance” (1971) considerado por los seguidores del prog rock como una obra alucinante y uno de los mejores discos del folk progresivo de los 70, con una letras demoniacas y oscuras junto a una música acústica y pastoral por momentos, lo cual contrasta enormemente con lo anterior. Aquí se mezclan lo pagano, los asesinatos brutales, el erotismo gótico, las enfermedades mentales, todo ello descrito con una inquietante franqueza. Su música es un rara amalgama de folk psicodélico, con retazos de música clásica y sonidos inclasificables.

lunes, 5 de abril de 2021

Jan Dukes de Grey-Mice And Rats In The Loft (1971)

Esta banda fue una de las mas originales surgidas en la escena del folk progresivo británico de principio de los setenta. Formada en Leeds en 1968 su núcleo principal eran el saxofonista y vientos Michael Bairstow y el guitarrista ademas de otros instrumentos Derek Noy. Este duo en un principio hacían un folk con sonidos ácidos y eran uno de los principales competidores de la banda Tyrannosaurus Rex. Ellos fueron una de las ultimas formaciones del estilo progresivo que ficharían con Decca en 1969. Con un primer album “Sorcerer” (1970) de folk extravagante con algun acercamiento a los sonidos progresivos, ambos musicos usan un arsenal de instrumentos de vientos y percusiones, con un estilo acústico en casi todo el album, en donde se respira los aires hippies de la epoca con relatos interesantes y las cómplices voces de ambos músicos. Un año mas tarde llegaría el brillante “Mice And Rats In The Loft” que cuenta con la incorporación del bateria Denis Conlan, en el cual la banda amplia sus horizontes con sonidos mas complejos y arriesgados. Aquí se sumergen en extensos desarrollos instrumentales y pasajes en ocasiones épicos y sinfónicos. Con solo tres temas, este album se abría con la épica “Sun Symphonica”, 20 minutos en los que encarnan todas las excelencias de Jan Dukes de Grey, un tema brillante con muchas sonoridades, con el uso de una gran cantidad de instrumentos e incluso incorporaron una orquesta, con pasajes atmosféricos, extraños, siniestros y un final con sonidos improvisados, mientras “Call Of The Wild” utiliza armonías de múltiples voces para crear un sonido inquietante, con unas guitarras acústicas distorsionadas, riffs improvisados y solos atmosféricos brillantemente ejecutados. El ultimo corte es el tema hononimo, un ejercicio maestro de psicología musical, con una guitarra al mas puro estilo Hendrix que va llevando el sonido hacia los terrenos de la psicodélia, mientras se va narrando una escalofriante historia de sacrificios religiosos, lo que potencia el pasaje musical en sonidos muy intensos y atmosféricos. 

domingo, 4 de abril de 2021

Goblin-Roller (1976)

Goblin fue una banda italiana que oriento su música principalmente a las bandas sonoras de películas de terror con unos sonidos oscuros, intrigantes y progresivos, pero que también publico algunos discos al margen de la industria del cine.
Formados en Roma en 1972 durante su carrera se han disuelto en varias ocasiones y vuelto a reunirse en los últimos 40 años.
Su primera y mas clásica formación estaba comprendida por el guitarrista Massimo Morante, el teclista Claudio Simonetti, el bajista Fabio Pignatelli y el bateria Walter Martino, sin embargo a lo largo de su larga carrera han habido innumerables cambios de formación hasta el punto de que han habido discos que han sido grabados por alineaciones totalmente diferentes. Su primer trabajo fue para la banda sonora de la pelicula “Profondo Rosso” de 1975 un trabajo de escasa duración, apenas 30 minutos, pero en donde ya se intuían los sonidos lúgubres repletos de órganos con un acercamientos a los sonidos jazz, pasajes atmosféricos y grandes momentos de guitarras, bajo y bateria.
“Roller” publicado un año después ya era un album convencional sin la presión de un Dario Argento a sus espaldas, y mostraba un estilo progresivo influenciado por las bandas británicas del genero. Atmósferas pinkfloydianas, sonidos en la onda al “Tubular Bells” de Mike Oldfield, largos pasajes espaciosos con tonalidades funk y rock, todo ello con grandes interpretaciones instrumentales por los músicos de la banda. Convertido en un album de culto por los fans del progresivo, Goblin ha continuado publicando tanto discos dirigidos a las películas como obras paralelas convencionales hasta llegar a casi la veintena en todo estos años.