Renaissance-Scheherazade and other Stories (1975)

Hoy le toca el turno a un álbum increíble de una banda increíble. Este es el único calificativo que se le puede poner al sexto album de Renaissance.
Considerado un hito dentro de la música contemporánea y del rock progresivo en general. “Scheherazade and other Stories” es uno de los mas grandes discos que se hayan grabado jamas, en el que se incluye la épica pieza de 24 minutos “Song Of Scheherazade”, la cual es para muchos, una de las suites mas grandiosas e impresionantes de todo el genero progresivo y sin duda la mas refinada.
Este fue el sexto album de los británicos, justo en un momento en donde su formación se había consolidado definitivamente, después de los desajustes y deserciones de sus primeros trabajos.
Aquí permanece la misma formación que había grabado los dos anteriores “Ashes Are Burning” (1973) y “Turn Of The Cards” (1974), y que estaba compuesta por la vocalista Annie Haslam, el guitarrista y voces Michael Dunford, el teclista y voces John Tout, el bajista Jon Camp y el bateria Terence Sullivan, ademas de la colaboración para la grabación de este album, de los arreglos orquestales de Tony Cox y la participación de la London Symphony Orchestra.
Ya desde su tema inicial “Trip To The Fail”, uno intuye que estamos ante un album antologico, confirmando esa intuición la mencionada y celebre “Song Of Scheherazade”, una suite con una orquestación clásica que participa activa y enérgicamente. La voz de Annie Haslam es la perfecta para este pieza, con una voz de altísima clase en una instrumentación de toda la banda de perfecta ejecución, con unas partes de piano increíbles y unos asombros instrumentos de viento, todo ello acompañado de suaves percusiones. El resto no desmerece en absoluto a esta sublime pieza, ahí  estan la progresiva “Ocean Gypsy” y la renacentista “The Vultures Fly High”, las cuales justifican el soberbio estilo romántico de este fabuloso y sorprendente trabajo de una banda única e irrepetible.

Black Sheep-Black Sheep (1975)

Black Sheep fue una fugaz banda norteamericana de hard rock americano y blues rock de mediados los años 70, que tuvo su centro de operaciones en la localidad de Rochestar cerca de Nueva York y que es conocida por ser una de las primeras bandas en la cual perteneció el vocalista Lou Gramm, que posteriormente encabezaría una de las mas grandes formaciones del rock melódico como fueron Foreigner, durante las dos siguientes décadas.
Pero antes de ello Black Sheep ya habían lanzado el exitoso sencillo "Stick Around" en 1974, y un año mas tarde el álbum hononimo “Black Sheep”, para ya posteriormente lanzar el epilogo de la banda “Encouraging Words”, publicado a finales de 1975, este ultimo en donde ya no aparecía Lou Gramm, que había abandonado una vez fue requerido por el guitarrista Mick Jones para unirse a los mencionados Foreigner a mediados de 1976.
Por entonces Black Sheep estaba formada por Donald Mancuso (guitarra), Larry Crozie (teclados), Ron Rocco (bateria) y Bruce Turgon (bajo), ademas de Lou Gramm en la voces.
Fue en esta banda, donde Lou Gramm perfeccionaría las impresionantes habilidades vocales con las que luego se convertiría en uno de los mas grandes vocalistas del AOR, como quedo demostrado en las dos primeras obras multiplatino de Foreigner.
En este debut con Black Sheep, Gramm muestra una evidente e impecable maestría vocal en cortes como "Piano Interlude / Let Me Stay", con los que Black Sheep empezarían a cobrar cierta notoriedad en los clubs de Rochester y Nueva York.
Pero ademas de esta magnifica pieza, la banda muestra su talento con temas de gran calibre como las blues rock "Payin 'Yer Dues", "A Little or a Lot" y "Freight Train", o las melódicas "Broken Promises" y "Far Side of the Sun", mientras la excelsa “Woman” es un guiño al poderoso sonido de los incombustibles Free.
Después del segundo album, Black Sheep se disolvería, pasando Don Mancuso y Ron Rocco a engrosar la banda de Cheater, una desconocida formación local de hard rock, los cuales lanzaron un disco titulado "Ten Cent Love Affair" de escasa repercusión mediatica en 1980.
Posteriormente el bajista, Bruce Turgon, participaría en los álbumes en solitario de Lou Gramm, “Ready Or Not” (1987), en el cual también colaboraría Don Mancuso, y “Long Hard Look (1989).
Ya a mediados de la década de los noventa Turgon terminaría perteneciendo de pleno derecho a Foreigner, en sustitución del bajista Rick Willis, con quienes grabaría el octavo album del grupo “Mr. Moonlight”.

The Mick Abrahams Band-A Musical Evening With Mick Abrahams (1971)

Mick Abrahams es conocido por ser uno de los fundadores de la banda británica Jethro Tull en 1967, con quienes publicaría el album "This Was" en 1968.
No obstante las raíces en la carrera musical de Abrahams había comenzado algun tiempo antes participando en diferentes bandas de R&B como The Hustlers, The Toggerty Five o Screaming Lord Sutch.
Ya durante el año 1968, Jethro Tull se ganan una enorme reputacion basada en la distintiva guitarra blues de Abrahams y la flauta y la feroz personalidad escénica de un Ian Anderson arrebatador. La mezcla original de blues, jazz y rock de Jethro Tull se verían reflejados en el mencionado "This Was", el cual alcanzaría un éxito casi de inmediato en las listas de éxitos del Reino Unido.
Sin embargo el fuerte carisma de sus dos líderes y un diferente enfoque musical derivaría en el abandono de Abrahams a finales de 1968.
Algun tiempo mas tarde, Mick Abrahams funda una banda a su semejanza y antojo llamada Blodwyn Pig, en donde daba rienda suelta a su pasión por el blues autentico, dejando de lado las incursiones hacia los sonidos folk y jazz de su banda anterior.
Con esta banda se publicaron los excelentes "Ahead Rings Out" (1969) y "Getting To This" (1970). Pero por destino de los caprichos de la suerte, ambos albumes pasan desapercibidos, pese a contener un exquisito repertorio de grandes temas enfocados al blues, el rock y el R&B.
Una vez acabada esta aventura, Abrahams fundaría The Mick Abrahams Band, para lo cual recluta al bateria Ritchie Dharma, el teclista Bob Sargeant y al bajista Walt Monaghan, mostrando con esta nueva banda otros dos albumes de gran factura como "A Musical Evening With Mick Abrahams" y "At Last", con los que disfruto de cierto éxito en el circuito de blues rock en toda Europa.
Pero esta vez fue el poco apoyo de su discográfica Chrysalis, lo que mermaría la promoción suficiente para obtener el éxito en Inglaterra y Estados Unidos, por lo que desilusionado Mick Abrahams decide abandonar el negocio musical a mediados de la década de los 70.
Centrandonos en su album "A Musical Evening With", Abrahams mostraba sus grandes habilidades con las seis cuerdas ademas de unas brillantes y efectivas composiciones como el tema de apertura "Greyhound Bus", en el cual el ritmo contagioso de sonidos funky, acompañado de los grandes fragmentos de guitarra, brillan junto al denso toque de teclados de Bob Sargeant. En "Awake" se presagia de manera lejana los sonidos progresivos debido a su ambiente oscuro, una voz tenue y la destreza instrumental de toda la banda, por su parte la acústica "Wind Of Change" se acercan a los sonidos folk de CSN con unas buenas melodías vocales, el blues rock asoma en "Why Do You Do Me This Way" y en la acelerada "Big Queen", para acabar con la extensa "Seasons", un blues rock progresivo en donde los teclados, las afiladas guitarras y los sonidos hipnóticos lo convierten en el mejor corte del album.

Bob Downes-Electric City (1970)

Bob Downes fue un afamado saxofonista y flautista de sesión que en 1970 reclutaría  algunos de los mejores músicos del incipiente jazz británico como Ian Carr (trompeta), Chris Spedding (guitarra), Kenny Wheeler (trompeta) o Harry Miller (bajo) y grabaron un album de jazz rock que se titulo “Electric City”.
Todos estos músicos tenían tras de si o tendrían en lo sucesivo, carreras muy prolíficas en bandas como Nucleus, (Ian Carr), extensas colaboraciones con otros artistas (Chris Speeding y Harry Miller) o laboriosas carreras en solitario (Kenny Wheeler).
Lejos de las extensas e intrincadas composiciones habituales en los discos de jazz rock de la epoca, en este album la banda opta por temas cortos repletos de grandes riffs de guitarra contagiosos, una enérgica sección rítmica y sobresalientes solos de flauta y saxo. Cortes como la soberbia instrumental “Dawn Until Dawn”, las vigorosas “Walking On” o “Picadilly Circles" o la sobresaliente “No Time Like The Presente” conformaron un album único y olvidado del mejor jazz rock británico de los setenta.

Pearl Jam-Ten (1991)

1991 seria el año de la explosión grunge, ese año se publicaron tres de las mas grandes obras del genero empezando por “Nevermind” de Nirvana en donde exploraban los sonidos mas crudos y primitivos del punk rock y el rock alternativo, el menos accesible y crudo “Badmotorfinger” de Soundgarden y “Ten” de Pearl Jam, el album que mostraba la cara mas hard rock heredero de los sonidos de finales de los 60 de Led Zeppelin o Jimi Hendrix.
Sin embargo este ultimo también aportaba una clara diferencia con respecto a las otras obras, su estructura es mas compleja y sofisticada, sin que ello suponga la inaccesibilidad como queda demostrado en temas como la irresistible con sabor tejana “Even Flow”.
La vigorosa “Alive”, la melódica y gallarda “Jeremy”, la psicodélica “Deep”, la zeppeliana “Garden”, la punk rock “Oceans” o ese remanso atmosférico que es “Release”, conforman un album enérgico y musculoso, que pese a su lento ascenso en las listas de éxitos, lograría colarse hasta la segunda posición en el Billboard norteamericano, logrando cerca de los veinte discos de platino y unas ventas superiores a los 14 millones de copias a nivel mundial.

Robin Trower-Bridge Of Sighs (1974)

En 1974 Robin Trower publicaba su segundo album en solitario, “Bridge Of Sighs”, que como el anterior y debut discográfico “Twice Removed From Yesterday”, estaba enfocado a la guitarra eléctrica.
Sin embargo el aura con la cual le comparaban con Jimi Hendrix, mas que beneficiarle le estaba pasando factura, obligando con ello a superarse continuamente.
Para este segundo trabajo Trower sigue confiando en su banda compuesta por el bateria Reg Isidore y el bajista James Dewar, mientras que a los mandos de la producción volvía a repetir Matthew Fisher, e incluso fue grabado en los mismos estudios de grabación; los Olympic Studios de Londres.
Aquí Robin Trower conseguiría el difícil reto de superar su antológico debut, con un album que tuvo el masivo respaldo del publico y la critica, elevandolo a Olimpo de los grandes guitarristas de todos los tiempos y catalogando el album como un clásico de la música rock .
Un album con una enorme calidad de principio a fin en donde aparecen cortes como la antológica “Day Of The Eagle”, la contenida “Bridge Of Sighs”, la desenfadada “Too Rolling Stoned”, la hipnótica “About To Begin”, las rítmicas “Lady Love" y “The Fool and Me” o la soberbia “A Little Bit Of Sympathy”.
El album lograría escalar las primeras posiciones en las listas de éxito, y lo que fue aún mas importante, le abriría el siempre difícil mercado norteamericano, conquistandolo exitosamente.

Ashbury-Endless Skies (1983)

Ashbury son otra de esas bandas olvidadas y enterradas en el tiempo, que publicaron un legendario album debut en 1983, una verdadera joya para los fanáticos del hard rock clásico de los 70.
Emparentados al sonido épico de Wishbone Ash, a las melodías vocales de Eagles o CSN, y al misticismo prog folk de Jethro Tull, esta banda era en realidad un dúo fundado en Tucson, Arizona por los hermanos Randy y Rob Davies, ambos guitarristas y cantantes,
Ellos fundarían Ashbury (no confundir con la banda de rock alternativo del mismo nombre fundada en el 2005), después de la disolución de la banda de rock sureño Rigid Spur, en la cual formaba parte Randy Davies a finales de los setenta.
Una vez disuelta, parte de su formación fundarían Ashbury South en donde contaban como técnico de iluminación con Rob Davis. La banda obtendría en los años siguientes una gran reputacion en Arizona actuando en clubs y locales de conciertos e incluso ganarían un prestigioso premio organizado por una emisora de radio de Phoenix a la mejor banda de directos de todo ese Estado norteamericano.
Ya en 1980 los hermanos Davis deciden continuar por su cuenta y planean grabar un album, aprovechando el material que ambos habían estado componiendo juntos durante los últimos años mientras pertenecían a los Ashbury South.
El album que finalmente seria publicado en 1983 y que se titularía "Endless Skies" les otorgaría otro importante premio, esta vez fue otra famosa emisora de radio de Phoenix la que proclama al album, como el mejor disco de rock del año 1983.
"Endless Skies" esta compuesto por una inteligente mezcla del rock sureño, hard rock y sonidos muy cercanos al heavy metal con ligeros toques progresivos como queda demostrado en "The Warning", en donde muestran su tendencia por los Jethro Tull mas duros, mientras en la melódica "Take Your Love Away" asoman los aires épicos y guitarristicos de los Wishbone Ash. La heavy rock "Vengeance", la country rock "Madman", la épica y progresiva "Hard Fight", o la sureña "Mystery Man", conforman un album tan brillante como antologico. Mención aparte es el tema que da titulo al album, un magnífico ejercicio de hard rock progresivo y dinámico, en donde se dan cabida influencias dispares, con grandes armonías vocales, momentos delicados y melódicos y el pesado heavy rock de finales de lo 70.

The Dirty Blues Band-Stone Dirt (1968)

The Dirty Blues Band fue una banda de blues rock fundada en Riverside, California a principios de 1967 por el vocalista y harmonicista Rod Piazza, que lanzaron dos soberbios albumes "Dirty Blues Band" (1967) y "Stone Dirt" (1968), los cuales fueron muy celebrados por los seguidores del genero.
Esta legendaria banda, estaba formada por el guitarrista Glenn Roos Campbell, el organista Pat Malone, el bateria John Milliken, el bajista Less Morrison y el steel guitar Robert Sandell, ademas del mencionado Rod Piazza.
Ya en 1967 y bajo el sello Bluesway, lanzaron su primer album en donde fusionaban el blues con elementos jazzisticos y sonidos de funk y soul, todo ello con el aporte de la enérgica voz de Piazza y su harmoníca.
En ese primer album destacaban la blues funk "Checkin´Up On My Baby", la jazzistica "New Orleans Woman", o las magnificas versiones de Elvis Presley "Hound Dog" y de Sonny Boy Williamsom "Don´t Start Me To Talkin".
Un año después aparecería "Stone Dirt", publicado por el mismo sello discografico, el cual contenía un irresistible repertorio como las boogie blues "Bring It On Home" y "My Baby", el blues cadencioso (una versión de John Lee Hooker"), "It´s My Own Fault", las rhythm and blues "I Can´t Quit You Baby" y "Tell Me", la rock and roll "She´s The One" o la hipnótica "Sittin´Down Wonderin´".
Después de este album Piazza disolvería definitivamente la banda y formaría otra a semejanza a esta llamada Bacon Fat, con los que publicaría el enorme "Tough Dude" en 1971, otro sobresaliente ejercicio de blues eléctrico y que fue debidamente comentado hace algun tiempo en este blog.

Pot Liquor-Levee Blues (1971)

Pot Liquor fueron una efímera banda originaria de Baton Rouge en Lousiana, que publicaron varios discos de claro corte de boogie blues y southern rock durante los primeros años de la década de los 70.
Su formación inicial estaba compuesta por George Ratzlaff, teclista y voz, el guitarrista Les Wallace, el bateria Jerry Amoroso y el bajista Guy Shaeffer. Después de un primer album titulado “First Taste”, lanzado en 1970, el cual pasaria totalmente desapercibido, publicarían un año mas tarde “Levee Blues”, considerada su mejor obra, en el cual amplían su característico sonido de southern rock con elementos de country, blues y gospel.
La voz y el órgano de Ratzlaff  junto a la inclusión de un grupo de coristas femeninas, otorgan ese toque gospel y original, al sonido del final del album.
Las animadas “Cheer”, “River Jordan”, “The Train” o “Chattanooga”, son junto al pesado y hipnótico blues “Rooster Blues” y a las magnificas versiones “Lady Madonna” de The Beatles  y “You ´re No Good” de Linda Ronstadt, lo mas destacado de un interesante pero olvidado disco del mejor rock sureño.
Sin embargo y a pesar de su calidad y de su exquisita producción, este volvería a fracasar comercialmente. No obstante la banda seguiría ofreciendo conciertos durante bastante tiempo por todo el estado de Lousiana, con una buena aceptación por parte del publico, algo que no contribuiría demasiado al exito y la continuacion de la banda, desapareciendo definitivamente Pot Liquor, un año después.

Wild Turkey-Battle Hymn (1971)

En 1970 el bajista Glenn Cornick abandonaba Jethro Tull, con los que habia grabado los formidables “This Was”, “Stand Up”, “Benefit” y “Living in the Past” y con los que estaria durante el periplo comprendido entre 1968 y 1971, siendo considerado el mejor bajista que ha formado parte de la mitica banda británica.
Ya a principios de 1971 forma su propia banda, Wild Turkey, en la que se alejaba de la propuesta blues y folk progresivo de la banda liderada por Ian Anderson.
Cornick reclutaría para esta nueva aventura al vocalista Gary Pickford-Hopkins, el bateria John Weathers y al guitarrista Jon Blackmore.
Sin embargo en medio de la grabación del primer album, Jeff Jones sustituye a Weathers al frente de las baquetas, que abandona para integrarse en la banda Gentle Giant
Wild Turkey publicaría dos interesantes albumes de escaso reconocimiento comercial, pero sin embargo es su album debut, una buena muestra del hard rock que por la epoca de su lanzamiento, se hacia en las Islas británicas.
“Battle Hymn” como así se titula este primer album, es un trabajo orientado al sonido poderoso del hard rock con ciertos elementos progresivos como queda demostrado en cortes como las mordaces “Twelve Streets of Cobbled Back” y “One Sole Survivor”, la apasionada “Sentinel”, la meritoria “Butterfly”, la bucólica “To The Stars” o las melódicas “Sanctuary” y “Gentle Rain”.
Después de este primer album, la banda publicaría el discreto “Turkey”, el cual daba por finalizado el periplo del grupo. Posteriormente algunos de sus miembros tomaron rumbos dispares como el propio Cornick que terminaría recalando en la banda germana Karthago, mientras Gary Pickford-Hopkins participaría activamente como vocalista en los albumes de Rick Wakeman “Journey to the Centre of the Earth” y “The Myths and Legends Of King Arthur and the Knights of The Round Table”, entre otras colaboraciones y por ultimo Jeff Jones terminaría engrosando en el grupo de rock psicodélico y vanguardista, Man.

Mahavishnu Orchestra-Birds Of Fire (1973)

Dos años después de su espectacular album debut, la Mahavishnu Orchestra volvía con otro fantástico album de jazz rock pletórico y contundente.
En "Birds Of Fire" aparece la misma formación que había firmado su predecesor "The Inner Mounting Flame", compuesta por John McLaughlin (guitarra), Billy Cobham (bateria y percusión), Jan Hammer (teclados), Jerry Goodman (violin) y Rick Laird (bajo) y fue grabado entre los estudios Trident de Londres y los CBS Studios de Nueva York durante el mes de agosto de 1972.

En este segundo album, estos virtuosos músicos lograron fusionar de manera asombrosa la improvisación del potente rock, con el blues, el country y los sonidos exóticos, todo ello bajo aires de funk, logrando con todo ello la cohesión y el perfecto equilibrio a su estilo de jazz progresivo.
La hononima “Bird Of Fire”, con esos elementos de exóticos, se convierte en uno de los temas mas progresivos de toda la carrera del grupo, mientras la majestuosa instrumental “Hope” confirma la enorme calidad de todos sus integrantes. La dinámica versión del tema de Miles Davis, “Miles Beyond” es otro de los puntos culminantes del disco. Por su parte las extravagancias instrumentales de McLaughlin y Cobham se ven reflejadas en “Celestial Terrestrial Commuters”. El resto muestra una serie de temas elaborados de gran técnica instrumental, pero al mismo tiempo emocionales y con grandes dosis de feeling debido a la interacción de todos los músicos aquí intervinientes.
“Birds Of Fire” esta considerado una de los obras maestras absolutas del jazz rock y que junto a la cuatrilogia que supuso el anterior “The Inner Mounting Flame” y los posteriores “Apocalypse” y “Visions of the Emerald Beyond”, conformaron una de las bandas legendarias del genero.

The Allman Brothers Band-Brothers and Sisters (1973)

El 29 de Octubre de 1971 fue una de las fechas fatídicas para The Allman Brothers Band, y la música rock en general. Ese día, su líder Duane Allman, fallecía tras un gravísimo accidente de motocicleta cerca de Macon, en Georgia, lo que ocasionaría que la banda se cuestionase seguir adelante.
Algun tiempo después y tras unas intensas reuniones entre los restantes miembros de la banda, decidieron continuar y meses después completarían el tercer album de estudio “Eat a Peach”, que saldría a la venta a principios de 1972.
Después de unos meses de constantes conciertos, en noviembre de 1972, la banda volvería a enfrentarse a otra tragedia, (en medio de la grabación del album que aquí nos ocupa) esta vez seria el bajista Berry Oakley, que fallecía de manera parecida en otro accidente de motocicleta a escasos metros donde Duanne había perdido la vida.
Después de meditar la continuación de la banda, los miembros restantes, Gregg Allman, Dickey Betts, Jai Johanny Johanson, Butch Trucks y Chuck Leavell, deciden continuar y para ello reclutan al bajista Lamar Williams, para cerrar la formación, con la que terminan de grabar el album "Brothers And Sisters", que podemos considerar como su particular restablecimiento creativo y uno de sus obras más relevantes.
Publicado en 1973, fue un momento en que la banda se enfrento a la difícil misión de dar forma al primer álbum sin la presencia de un genio y uno de los grandes iconos de la musica rock como fue Duane Allman.
“Brothers and Sisters” se convirtió en uno de sus mejores obras, en donde aparecen dos de sus clásicos, como son el himno de southern rock, "Ramblin´man", y el instrumental "Jessica", que cuenta con una jam improvisada extraordinaria, ademas de otros soberbios cortes como la diabolica "Southbound", la intensa bluesy "Jelly Jelly", las extraordinarias "Wasted Words" y "Come and Go Blues", o la country "Pony boy".
"Brothers And Sisters", se convertiría en uno de sus mayores éxitos de ventas, despejando todo tipo de dudas y demostrando la profesionalidad, la creatividad y el enorme talento, de una de las mas grandes bandas del rock and roll.

Blue Oyster Cult-On Your Feet Or On Your Knees (1975)

A mediados de los 70, Blue Oyster Cult se encontraban en su momento cumbre, tras de si ya habian facturado tres legendarios albumes, empezando por el hononimo “Blues Oyster Cult” (1972), un trabajo en donde fusionaban los sonidos psicodélicos con el blues y el hard rock, el siguiente y continuista “Tyranny & Mutation” (1973) y por ultimo el mas progresivo y trabajado “Secret Treaties” (1974)
En esos años la formación había sido inalterable con los guitarristas Eric Bloom y Donald Buck Dharma Roeser, el teclista Allen Lanier, el bajista Joe Bouchard y el bateria Albert Bouchard, ademas de los letristas Richard Meltzer y Sandy Pearlman, autores de las letras profundas e inteligentes repletas de alusiones a temas religiosos, mitológicos, metafísicos o alquímicos, que la banda siempre mostro en todos sus albumes.
A principios de 1975 se publicaría el cuarto album de la banda y el primero en directo, que fue grabado durante la gira del anterior “Secret Treaties” en diferentes localizaciones de Nueva York, Washington, Seattle o en Long Beach en California.
En "On Your Feet Or On Your Knees", la banda derrocha una gran energía por todos los surcos con canciones incendiarias y poderosas con grandes riffs de hard rock y heavy metal psicodélico.
Desde el "Subhuman" inicial, hasta la versión de Steppenwolf, "Born to be Wild", que cierra el disco, pasando por los salvajes y viscerales "Hot Rails to Hell" y "The Red & The Black", el pletórico "Buck's Boogie", el magnífico "Then Came The Last Days Of May”, la atmosférica "7 Screaming Diz-Busters" o el contundente rock "Me 262".
En definitiva “On Your Feet Or On Your Knees” es otro de los dobles en directo esenciales e imprescindibles de la década de los 70, que sin embargo esta oculto injustamente tras otros de mayor impacto mediatico, pero que para ser justos no esta por debajo de ninguno de ellos.

Frank Zappa and The Mother Of Invention-Over-Nite Sensation (1973)

Over-Nite Sensation supuso el décimo cuarto album de Frank Zappa junto a su banda The Mothers y significaría el primer trabajo del músico norteamericano que alcanzaría las listas de éxitos, y al mismo tiempo su trabajo mas accesible y convencional.
Como era norma habitual en Zappa, para esta nueva grabación contaría con un lujoso plantel de músicos colaboradores en donde destacaban el violinista Jean-Luc Ponty, el teclista George Duke, el bajista Tom Fowler o los habituales Ian Underwood (instrumentos de viento) y la percusionista Ruth Underwood, ademas de la participación de Tina Turner en los coros, aunque nunca aparecería en los créditos oficiales por motivos contractuales.
Producido por el propio Frank Zappa, aquí sigue mostrando su sátira de costumbre y su retorcido humor negro, en donde temas como el sexo, la critica social y otros polémicos asuntos, son su típico denominador común, con sus controvertidas letras.
Sin embargo pese a la accesibilidad, musicalmente hablando, esta siguen siendo bastante compleja, como queda demostrado en “Zomby Wolf”, donde los metales, las guitarras, las percusiones y la sección rítmica, junto al sobresaliente violín de Jean-Luc Ponty dejan un soberbio y sofisticado tema que navega entre el jazz rock y los sonidos mas vanguardistas.
Otros temas destacados son las explícitas “Fifity Fifty”, “Dinah-Moe Humm” o “I´m The Slim”, sin dejar de mencionar el característico sonido Zappa que aparece con la sublime “Montana”.

Tangerine Dream-Stratosfear (1976)

“Stratosfear” fue el séptimo album de los germanos Tangerine Dream y el quinto y ultimo con su formación mas clásica; Edgar Froese, Christoph Franke y Peter Baumann. En esta nueva entrega publicada en 1976, Tangerine Dream se expanden con su estilo electrónico hacia senderos mas sinfónicos, mostrando unas ideas melodícas mas concisas, en donde los sintetizadores y el mellotron son junto a los sutiles solos de guitarra los que dan como resultado final, una amalgama hipnótica y estilizada al mismo tiempo, de sonoridades sublimes.
La dinámica pieza que da titulo al album tiene momentos cercanos a los sonidos espaciales, mientras la oscura y atmosférica “The Big Sleep In Searchof Hades” es uno de los momentos mas sólidos del album. Sin embargo llegados a este punto aparece “3 am At the Border Of The Marsh From Okefenokee”, una inquietante pista de cerca de nueve minutos de escalofriantes sonidos que nos sumergen como su titulo indica, en los tenebrosos pantanos de Florida. “Invisible Limits” es la pieza mas larga en la cual nuevamente salen a relucir los sonidos espeluznantes que van en crescendo, para acabar en un final mas apacible y bello con sonidos de piano y un emulador de flauta.
“Stratosfear” se convertiría junto a los emblemáticos Ricochet, Phaedra y Rubycon, en el mayor apogeo creativo y comercial de TD, y una parte esencial del rock progresivo electrónico.

King Crimson-Lark´s Tongues In Aspic (1973)

Con "Lark's Tongues In Aspic", Robert Fripp daba comienzo a una nueva etapa de King Crimson, para muchos posiblemente la mejor de su carrera.
Para ello Fripp reorganizo la banda con una nueva formación compuesta por John Wetton, Bill Bruford, David Cross, Jamie Muir y Richard Palmer como letrista.
Pero al mismo tiempo “Lark´s Tongues In Aspic” se convirtió en el album mas complejo, intrincado y menos accesible de King Crimson, con sonidos desconocidos y extraños, sobre todo en las percusiones, un estilo mas tenebroso y agresivo y que en muchos momentos resultaba casi asfixiante.
La pesada y brillante “Lark´s Tongues In Aspic, Part One” es uno de los mejores instrumentales del grupo, en donde la perfecta sección rítmica, los pesados riffs, el desarrollo del violín y el dramatismo de las voces ocultas y espeluznantes, la convierten en una pieza descomunal.
La efectiva y jazzistica “Book Of Saturday” rebaja la tensión de demencia incontenida de la anterior, mientras la delicada “Exile” repleta de bellas melodías gracias a los solos de Fripp y Cross bajo el manto de un poderoso mellotron la convierten en otra de las piezas culminantes del album.
Sin llegar a las excelencias de las anteriores llega la contundente “Easy Money” que es la antesala de las antológicas y soberbias instrumentales “The Talking Drum” y “Lark´s Tongues In Aspic, Part Two” en donde la exploraciones de la percusiónes por parte de Muir y la bateria de Bruford construyen junto a los solos de violín de Cross, unos desarrollos musicales in crescendo fabulosos, para concluir con el tosco sonido de la guitarra de Fripp, combinado con unas lineas de bajo inventivas excelentes, demostrando las grandes influencias que el free jazz tiene en esta obra maestra absoluta del rock progresivo.

Saga-Heads Or Tales (1983)

Con unos inicios en donde su estilo estaba muy cercano a los sonidos del rock progresivo americano, con la llegada de la década de los ochenta, la banda canadiense Saga fue poco a poco derivando su estilo hacia los terrenos del AOR y el pop sinfónico.
Ya esta orientación se empezaría a intuir en su sorprendente cuarto album, el epico ”Worlds Apart (1981) y ratificando esa inclinación en este “Heads Or Tales” publicado en 1983.
Sin embargo aquí incluso se acercan al sonido característico y comercial que otras bandas coetáneas hacian por entonces, con un pop sofisticado repleto de teclados, guitarras poderosas y cristalinas y unas voces adictivas.
“Heads Or Tales”, contiene una exquisita colección de elegantes y refinados temas como “Cat Walk”, “The Flyer” o “The Sound Of Stranger”, mientras la vena progresiva de sus trabajos anteriores esta presente en el corte “The Vendetta (Still Helpless)”.
La recepción posterior del album, lo auparía hasta los primeros puestos de muchos países europeos como Alemania, en donde consiguieran un disco de platino por sus enormes ventas o en su país natal donde lograrían un disco de oro.

Jade Warrior-Last Autumn´s Dream (1972)

El segundo album de Jade Warrior había supuesto un pasito atrás en su propuesta musical original, la cual incluía la experimentación, el jazz, el rock y los sonidos étnicos de multitud de músicas del mundo, para enfocarse en un estilo mas orientado al rock poderoso y contundente, sin olvidarse del vanguardismo del rock progresivo.
Ese cambio tan radical les llevaría a recibir cierto rechazo por parte de sus fans y de la critica especializada, hecho este que seria crucial para que en su siguiente obra volvieran a los parámetros musicales característicos de su album debut.
"Last Autumn's Dream" es un disco que incluye muchos conceptos, mucha experimentación, un toque de fusión, sonidos inspirados en la tradición japonesa, folk, jazz y un rock progresivo al uso.
En esta tercera entrega la banda incorporaría un nuevo guitarrista a modo de músico invitado, David Duhig, mientras el resto lo conformaban el bajista Glyn Havard, el guitarrista Tony Duhig, el percusionista y flauta Jon Field y el bateria Allan Price. Otro hecho relevante es que este tercer album seria el ultimo bajo el sello Vertigo, poco después de su publicación, la banda firmaría con la discográfica Islands Records, con quienes lanzarían sus cuatro siguientes obras.
Musicalmente en esta tercera entrega, Jade Warrior fusionan la música tradicional japonesa con sutiles inclinaciones hacia el rock progresivo, fusionando los sonidos ancestrales de las flautas y las percusiones de Jon Field, con los ecos de la guitarra exótica de Tony Duhig, obteniendo con todo ello una fusión de sonidos experimentales, jazz, folk y elementos atmosféricos muy cercanos al space rock.

Orang-Utan-Orang-Utan (1970)

Orang-Utan es otra de esas oscuras bandas británicas de principios de los 70 que tiene trás de sí una historia tan rocambolesca como inaudita.
Originalmente llamados Hunter, esta banda se había labrado una gran reputacion en el circuito de pubs y locales de conciertos al norte de Londres a finales de los 60. Su formación estaba comprendida por Terry Clark (voz), Mick Clarke (guitarra), Sid Fairman (guitarra), Paul Roberts (bajo) y Jeff Seopardie (bateria). Con un estilo que navegaba entre el acid rock y el heavy rock con pinceladas de la psicodélica imperante de la epoca, siguiendo la estela de bandas punteras como The Jimi Hendrix Experience, Led Zeppelin o Cream, y que pronto llamarían la atención por su innegable talento y calidad. En 1970 lograrían grabar un album autofinanciado, el cual fue producido por Roy Thomas Baker, un avezado productor que mas tarde se haría famoso por ser el ingeniero de sonido de algunos de los albumes de Queen, Journey o Hawkwind entre otros muchos mas. Una vez completado el album y a la espera de conseguir un contrato con una discográfica, los masters originales quedaron almacenados en los estudios de grabación, para su posterior lanzamiento de manera oficial.
Sin embargo poco después, las cintas originales fueron robadas de los estudios en donde estaban guardadas y terminarían en manos de un personaje llamado Adrian Miller quien reclamo el titulo de la producción del album y vendió los derechos del mismo al sello discográfico Bell para su publicación, no antes incluso de cambiar el nombre del grupo por el de Orang-Utan y diseñar una portada, la cual por cierto parece obra de un crío de primaria.
Poco después la banda de manera accidental se entera de que su album fue publicado sin su consentimiento y para colmo de males, firmado con un nombre diferente al suyo.
Este extraño episodio precipitaría la disolución del grupo poco tiempo después al no recibir ningún tipo de regalías sobre el disco publicado y financieramente verse abocados a la quiebra al invertir todo su dinero en la grabación del mismo.
Este único y extraño album fue publicado solo para el mercado alemán y estadounidense, otra de las desgracias del grupo, al no poder verlo ni siquiera publicado en su país de origen, hecho el cual tampoco ayudo para poder intentar reclamar los derechos sobre el material publicado.
Musicalmente este oscuro y perdido album muestra las grandes capacidades de su vocalista Clarke, unos fabulosos riffs de guitarras y unas brillantes y efectivas composiciones como queda demostrado en la contundente “I Can See Inside Your Head”, con ese sabor psicodélico de finales de los 60, la hard blues rock “Slipping Away”, la zeppeliana "Chocolate Piano", las polvorientas con raíces sureñas "Fly Me Hight" y "Country Hike" o la experimental "Magic Playground”.

Bob Seger & The Silver Bullet Band-Against The Wind (1980)

El undécimo album de Bob Seger junto a su banda The Silver Bullet Band, fue el que tuvo el privilegio de relevar en lo mas alto de las listas al album "The Wall" de Pink Floyd, poco despues de su lanzamiento en 1980.
Sin embargo ademas de este importantísimo hecho, también fue su trabajo mas melódico y relajado, en contraste con sus poderosos y contundentes albumes anteriores de rock and roll, rhythm and blues y los sonidos sureños tan característicos del músico originario de Michigan.
Aquí prevalecen los medios tiempos y las melodías como queda demostrado en los cortes “Against The Wind”, “You´ll Accomp´ny Me” o “Fire Lake, pero sin dejar de lado su enérgico estilo como muestran “The Horizonal Bop”, “Betty Lou´s Gettin´Out Tonight” o “Her Strut”.
Con cinco millones de copias vendidas y dos premios Grammy por este album, Bob Seger seguía su senda triunfante que continuaría con los siguientes “The Distance” (1982), “Like A Rock” (1986), “The Fire Inside” (1991), “It´s A Mystery” (1995) y “Face The Promise” (2006).

Kansas-Audio-Visions (1980)

“Audio-Visions” supuso el ultimo album de Kansas con su formación original, publicado en 1980, y evidencio el primer enfrentamiento serio entre dos de sus componentes, el guitarrista Kerry Livgren y el vocalista y teclista Steve Walsh. Ambos habían publicado albumes en solitario ese mismo año y los rumores sobre la partida de Walsh habían estado circulando desde la gira del “Point Of Know Return”.
La principal diferencia entre estos dos músicos estaba en el fuerte énfasis espiritual que Livgren quería imprimir a las letras de las canciones, algo que no era de agrado del menos filosófico Walsh. En otras palabras, Walsh quería cantar sobre temas mas terrenales, y Livgren sobre temas religiosos y espirituales, debido principalmente a su condición de devoto a la fe cristiana.
Al mismo tiempo los ejecutivos de la discográfica presionaban a la banda para volver a tener un gran impacto comercial, y es que después de tres albumes multiplatino consecutivos, el siguiente “Monolith” “solo” conseguiría un millón de copias en ventas.
Así las cosas, el resto de la banda estaba dividida entre las exigencias de la discografica y las orientaciones musicales del rubio guitarrista y las del vocalista, lo que provocaria que a la finalización de la gira posterior a este album, este ultimo decidiría abandonar Kansas hasta veinte años después, cuando regresaría para participar en las grabaciones del album “Somewhere To Elsewhere” (2000).
“Audio-Visiones” fue grabado en medio de una tensas sesiones, con un Livgren presentando al resto de la banda unos arreglos sólidos pero que a la vez se mostraba inflexible con las decisiones de Walsh y en menor medida con la del guitarrista Richard Williams y el bateria Phil Ehart, que tampoco estaban muy convencidos en convertir al grupo en un espectáculo de avivamiento itinerante y espiritual. Sin embargo y como consecuencia de sus obligaciones contractuales, ellos se debían al sello discográfico y finalmente todos estuvieron de acuerdo que por encima de todo privaba la calidad del trabajo bien hecho, principalmente por parte de Livgren. Musicalmente “Audio-Visiones” presenta una musicalidad que difiere en cierta medida de sus obras anteriores, con un mayor énfasis en la cantidad de coros, una característica no muy habitual en Kansas hasta aquellos momentos.
La inicial “Relentless” muestra todo lo dicho anteriormente con un tema AOR tanto en su estructura musical como narrativa, que sin embargo conserva el sonido peculiar de Kansas. La melódica “Anything For You” de Walsh es la antesala del hit del album “Hold On”, un medio tiempo adictivo y conmovedor, mientras la siguiente y vibrante “Loner”, la segunda composición de Walsh, es uno de los temas mas cortos grabados por la banda jamas, una cancion que se aleja totalmente de los parámetros progresivos. La solida “Curtain Of Iron”, una versión arreglada de un tema de Livgren llamado “Save The Children”, en la que describe la difícil situación de los niños en la Europa del Este, da paso a la tercera composición de Walsh, la rock orientada a las radio formulas “Got To Rock On”. Los dos siguientes cortes “Don´t Open Your Eyes” y “No One Together” son los momentos mas progresivos del album, volviendo al sonido característico del grupo, para acabar con las piezas mas sombrías de “Audio-Visions”, la intensa “No Room For A Stranger” y la introspectiva “Back Door”.
La recepción posterior del album tuvo un menor impacto comercial que todas sus anteriores obras, llegando no obstante al medio millón de copias y un disco de oro por sus ventas.

The Eagles-On The Border (1974)

Con su tercer album The Eagles quisieron alejarse de sus notorias influencias de folk y country para adentrarse en terrenos mas abonados al rock, sin embargo el resultado final fue un híbrido entre todos esos estilos.
Si con el anterior y fuertemente country “Desperado” The Eagles mostraron su lado mas acústico con temas como el propio que da nombre al album, o otros como “Twenty-One”, “Tequila Sunrise” o “Saturday Night”, tambien es cierto que ya empezaron a mostrar leves muestras de su lado mas rock con “Out of Control” o las melódicas “Certain Kind of Fool” y “Outlaw Man”. Para este tercer “On The Border” la banda opta por un nuevo productor, relevando al mas fino y melodioso Glyn Johns por el enérgico Bill Szymczyk, aunque el primero también estaría en las labores de producción de manera secundaria.
Todo ello se ve traducido desde el principio con las potentes country rock “Already Gone”, “On The Border”, “James Dean” y “Good Day in Hell”, que son el contrapunto y el equilibrio perfecto de las mas melódicas y acústicas “Midnight Flyer”, “My Man”, “Ol´55” y “The Best of My Love” o los medios tiempos “Is It True” y “You Never Cry Like a Lover”. Esta progresión hacia sonidos mas rock se vio fortalecido al superar en las listas al anterior "Desperado” e igualando sus ventas con mas de dos millones de copias vendidas solo en los Estados Unidos.

Paladin-Charge! (1972)

Paladin fue otra de esas cientos de fugaces bandas británicas de Heavy Prog, que apenas tuvieron varios años de carrera, para posteriormente desaparecer sin dejar rastro alguno. Esta banda tomo su nombre de los caballeros de la corte de Carlomagno, el equivalente francés del Rey Arturo y los Caballeros de la Mesa Redonda. Habiendo elegido un nombre de banda adecuadamente progresiva, Paladin se embarcó en su búsqueda musical con el lanzamiento de un álbum homónimo en el vanguardista sello discográfico Bronze en 1971, que desafortunadamente no logró atraer en demasía la atención de los fans del progresivo con su sencilla portada negra. Su segundo álbum "Charge!" (1972) contó con una portada de fantasía diseñada por el famoso Roger Dean, pero aún así no tampoco llegaron al masivo éxito comercial, por lo que a finales de 1972 desmontaron definitivamente la banda. Sin embargo Paladin siempre fueron apreciados por los críticos musicales y ganaría muchos adeptos a medida que fueron pasando los años.
Paladin se formó a partir de varios músicos de respaldo que estuvieron de gira con los Rolling Stones a finales de los 60 como eran el bateria Keith Webb y el teclista Pete Solley. En 1970 completaron la formación con Peter Beckett al bajo, el teclista Lou Stonebridge y el guitarrista Derek Foley.
Su estilo estaba orientado hacia una gran variedad de sonidos en donde tenían cabida el jazz rock, el heavy rock, guiños a la música norteamericana, sutiles toques latinos y unas voces melódicas y adictivas, todo ello bajo la tendencia musical progresiva y psicodélica.
En este segundo album destacaban la jazz rock “Give Me Your Hand”, una verdadera cruzada de guitarras, teclados y percusiones contundente, en “Well We Might”, la banda pone la quinta marcha con un acelerado blues rock progresivo, o la frenética y poderosa hard rock “Get One Togheter”, mientras “Mix Your Mind with Moonbeams", es una epopeya de heavy prog, bañada en un viaje de ácido psicodélico extraño y oscuro, para terminar con “Watching the World Pass By", con una apertura de teclados y una armónica engañosamente ligera y alegre, la cual se convierte en el preludio para otra explosión gigantesca de poderoso tema de hard rock progresivo, conformando de manera arrolladora un álbum soberbio, que es muy apreciado por los prog heads y los fans de los sonidos heavy prog de los 70.

Beckett-Beckett (1974)

Este es uno de los santos griales del rock progresivo, un album tan fascinante como monumental, de una de las bandas mas infravaloradas y desconocidas dentro de panorama de la música rock y el rock progresivo en particular.
En alguna ocasión hemos comentado que casi todo esta inventado y que de alguna manera en algun momento de la historia alguien ideo y creo (obviamente de manera mas rudimentaria y dependiendo de los avances del momento) algo que hoy en día parece novedoso y que es atribuido a gente muchos años después, y esto es lo que ocurre con Beckett, una formidable banda que con su espectacular música, un híbrido entre el pop progresivo de The Alan Parsons Project, con esos espectaculares arreglos orquestales y los riffs del heavy rock dinámico que Iron Maiden explotaron muchos años después, se convirtieron en unos adelantados a su tiempo y en uno de los grupos de culto por excelencia.
Haciendo un poco de historia, esta banda fue formada en la ciudad de Newcastle a mediados de los 70 por el ex guitarrista de Yellow, Ken Mountain, el también guitarrista Ian Murray (hermano de Dave Murray de los mencionados Iron Maiden), el bajista Frankie Gibbon, el fantástico vocalista Terry Wilson-Slesser, y el bateria Keith Fisher.
Sin embargo justo antes de la grabación de este único album, Ian Murray abandona siendo sustituido por el guitarrista Arthur Ramm.
Para la producción de este album, contarían con nada mas y nada menos que el líder de Family, Roger Chapman y fue publicado por el sello británico especializado en los sonidos vanguardistas, Island Records.
Este único album titulado hononimante como el grupo, es uno de los mas grandes y mas injustamente desconocidos discos en la actualidad en cualquier pagina oficial de la música rock y sin embargo es enormemente apreciado por los melomanos y coleccionistas de las rarezas de la música progresiva de los 70.
Esta obra maestra comienza con la intro épica "Once Upon A Time…The End" que da paso a la siguiente "Rolling Thunder" en donde los complejos arreglos nos recuerdan lo que algun tiempo mas tarde harían The Alan Parsons Project.
La hermosa "Rainclouds" es la antesala de "Life´s Shadow" un soberbio corte que muchos años después fue utilizado por Iron Maiden para sacar algunos de sus pasajes musicales en el tema "The Number Of The Beast", algo que también harían con "A Rainbow´s gold" en su tema "2 Minutes To Midnight" de su album "Powerslave" en 1984.
El resto sigue teniendo una irresistible mezcla de rock complejo y sofisticado, melodías irresistibles con grandes instrumentaciones de guitarras, mellotrones y la voz inconmensurable de Wilson-Slesser.
El album pese a su enorme calidad paso desapercibido, poco mas allá del centenar de copias vendidas y a la vista del fracaso comercial, la banda se disuelve poco tiempo después, con un diferente signo profesional posterior de sus miembros, siendo Terry Wilson-Slesser quien tuviera una carrera mas fructífera, junto a Paul Kossoff en la banda Back Street Crawler, o como cantante ocasional en Michael Schenker Group, e incluso fue candidato a sustituir al fallecido Bon Scott en AC/DC a finales de los setenta.

Pat Metheny Group-Travels (1983)

En 1982 el contrato que unía a Pat Metheny Group y la discográfica alemana ECM estaba a punto de expirar, de hecho ese contrato acabaría dos años después. Sin embargo en dicho contrato se especificaba que aún al músico norteamericano le quedaban tres obras por entregar a su discográfica. Un año después Metheny quiso plasmar en un registro oficial, sus shows en vivo, por lo que se decidió publicar en 1983 el doble en directo “Travels”. Este doble album fue grabado durante la segunda mitad del año 1982 en la gira norteamericana posterior al album “Offramp”, en las ciudades de Philadelphia, Sacramento y Dallas.
Con ello también Pat Metheny cumplía primero, con uno de los registros que le debía a la ECM, y por otro y de paso, se aseguraba un brillante epilogo a su etapa con la discográfica germana.
Para dicha gira Pat Metheny había ampliado su banda con el percusionista y cantante brasileño Naná Vasconcelos, con el cual los temas cobraban una mayor dimensión atmosférica, con sus atrayentes coros y su sutil toque latino en las percusiones.
El resto estaba formado por su banda habitual, empezando por el teclista y mano derecha de Pat Metheny, Lyle Mays, el bateria Danny Gottlieb y el bajista Steve Rodby, mientras el propio Pat se encargaba de las guitarras acústicas, eléctricas y el sintetizador de guitarra.
Por aquella epoca Pat Metheny aun no había derivado su música hacia derroteros cercanos a las influencias del rock, si bien es cierto que en algunos de sus anteriores trabajos había composiciones progresivas, pero siempre desde la arquitectura jazzistica. Temas como “Phase Dance” y “San Lorenzo” están sin embargo impregnadas de una grandeza verdaderamente sinfónica y progresiva en donde como era norma habitual Pat Metheny pone todo su feeling en sus memorables solos, todo ello con unas melodías de piano y sintetizador muy apasionados, ejecutados de manera sobresaliente por Mays.
“Travels” este repleto de momentos encantadores como queda demostrado en la dramática y épica “As Falls Wichitsa, So Falls Wichita Falls”.
Como contrapunto a todo los dicho, la mas cercana a la música rock, la encontramos en la inicial “Are You Going With Me?”, uno de los temas mas carismáticos de Pat Metheny, con ese celebre solo interpretado con el sintetizador de guitarra.
Con “Travels”, Pat Metheny no lograría alcanzar el numero uno de su anterior “Offramp” en las listas del Jazz Billboard, logrando “solo” un meritorio octavo puesto, sin embargo si repetiría el máximo galardón a la mejor interpretación del Jazz Fusión del año 1984 en los premios Grammy.

Dedicado a mi entrañable amigo Sebastian Hernández

Yes-Fragile (1971)

Con su cuarto album “Fragile”, la banda británica Yes, mostraban por primera vez su autentico sonido, con una música prodigiosa, en donde tenían cabida sonidos complejos, multitud de cambios rítmicos, melodías inusuales, y unas estructuras musicales dificultosas y sofisticadas, ademas de todo ello, contribuía el gran virtuosismo de todos sus componentes.
En “Fragile” la banda ya presentaba de manera sustancial lo que en el album anterior “The Yes Album” se empezaba a intuir de manera aun muy sutil con sus derroteros musicales, como quedaba demostrado en “Your Is No Disgrace” o “Perpetual Change”, pero es en este cuarto album, donde explota toda esa creatividad contenida con unas composiciones memorables como queda demostrado en la inicial y atronadora “Roundabout”, todo un clásico del rock progresivo, la angustiosa “South Side Of The Sky” o la poderosa y agresiva “Heart Of The Sunrise”, temas todos ellos que contrastan con piezas creadas a modo de interludios como “Cans And Brahms”, “Five Per Cent For Nothing”, “The Fish” o “Mood For A Day”, en las cuales destacan la contribución de las interesantes aportaciones individuales de cada uno de los miembros de la banda.
También fue el primer album en el que contarían con Roger Dean como diseñador de sus portadas, algo que se mantendría durante las siguientes décadas. “Fragile” fue un album que tuvo una gran recepción a ambos lados del Atlántico, obteniendo unos puestos bastante altos en las listas de Estados Unidos y Inglaterra y unas ventas que superaron con creces los dos millones de copias vendidas.

The Rolling Stones-Beggars Banquet (1968)

En 1967 The Rolling Stones quisieron rivalizar con The Beatles y su "Sgt Peppers…" lanzando su extraño y confuso "Their Satanic Majestic Request", un album repleto de sonidos psicodélicos y temas complejos basados en los instrumentos electrónicos como los teclados que lastraría en demasía este album difuso pero que a la vez era irresistiblemente adictivo.
La mala recepción posterior de este album por parte de la critica y de gran parte de sus fans, que para ser justos, tampoco fue tan mala, cosechando puestos muy altos en las listas de éxitos a ambos lados de Atlántico, les llevaría a replantearse el camino a seguir en lo sucesivo. Así su siguiente movimiento discográfico significaría la vuelta a sus orígenes, repletos de sonidos acústicos, influencias blues y un desenfadado rock.
Esta vuelta a sus principios empezaría con su séptimo album “Beggars Banquet”, que desde su famosa y polémica portada, The Rolling Stones quisieron demostrar que su esencia seguía intacta, de sucio y primitivo rock and roll, sin añadidos ni complejos arreglos como queda demostrado en temas como la impetuosa “Sympathy For the Devil”, uno de los mas memorables temas que esta banda creo jamas. Pero no solo de esta magnifica canción vivía este album, en el aparecen admirables cortes como la pesimista “No Expectations”, la soberbia “Jig-Saw Puzzle” o la incisiva “Street Fightin Man”.
Esa esencia blues de la que hablamos antes, esta presente en “Parachute Woman”, mientras los escarceos con la música tradicional norteamérica la encontramos en la country rock “Dear Doctor”, la folk “Factory Girl” y en la gospel “Salt Of The Earth”, para acabar así con otra de las monumentales obras que el combo liderado por Mick Jagger y Keith Richards, dejaron para la posteridad.

Great White-Psycho City (1992)

Great White son una de las grandes bandas del hard rock norteamericano, creadores de algunos de los mas grandes discos del genero, que los ha situado indiscutiblemente en el Olimpo de la música rock.
Sin embargo desgraciadamente también son conocidos por uno de sus conciertos, mas concretamente el ofrecido el 20 de febrero del año 2003, en el club The Station de la localidad norteamericana de West Warwick en el estado de Rhode Island, cuando un centenar de personas perecieron a causa de un desafortunado incendio debido a uno de los efectos pirotécnicos del show y en el cual también fallecería el guitarrista de la banda Ty Longley.
Pero dejando atrás este lamentable hecho, Great White demostraron desde sus inicios a mediados de los ochenta, que su estilo estaba mas cercano al rock setentero, deudor de bandas como Led Zeppelin, mezclado con influencias del rock and roll y el blues, que al sonido “Hair Metal” imperante en esa epoca.
Durante esos años ochenta, publicaron cuatro sobresalientes trabajos, empezando por un prometedor debut, el contundente “Great White (1984), el trabajo mas heavy de la banda, hasta “...Twice Shy” (1989), con un sonido mas sureño y grandes dosis de hard blues, sin olvidarnos del sensacional “Once Bitten” (1987), donde mostraban una faceta mas melódica con grandes composiciones enfocadas al hard rock de gran calidad.
La llegada de una nueva década dio como resultado un nuevo disco mas enfocado a los sonidos blues y unos evidentes guiños al rock and roll clásico con su obra “Hooked”, sin embargo pese al éxito comercial de este album, no superaría las cotas de sus millonarios predecesores, los cuales obtendrían varios discos de platino y unos puestos altos en el top ten norteamericano.
Uno año después del lanzamiento de “Hooked”, la banda regresaría con su sexto album, este “Psycho City”, un digno sucesor que mantenía el listón muy alto con grandes dosis de hard rock y rock americano, con un repertorio cargado de sobresalientes piezas como la poderosa canción que da titulo album, la tremenda “Step On You”, la irresistible hard blues “Old Rose Motel”, la blues melódica “Maybe Someday”, la heavy “Big Goodbye” o la sentida “Love Is A Lie”, mientras el guiño a sus mentores Led Zeppelin, la encontramos en las extraordinarias “I Want You” y en “Get On Home”.

Dr.John-In The Right Place (1973)

Malcolm John Rebennack, mas conocido como Dr.John, fue uno de los grandes impulsores de los sonidos de Nueva Orleans repletos de jazz, blues y la música ancestral del Mardi Grass, el famoso Carnaval de esa ciudad.
Ya desde muy joven su pasión por esos géneros le llevaría a formar parte de algunas bandas locales o como parte del grupo acompañamiento de músicos tan prestigiosos como Lloyd Price.
Unos años en donde la guitarra era su instrumento principal, pero debido a un infortunio durante una pelea perdió parte de unos de sus dedos, por lo que en adelante se dedicaría a tocar el piano y así comenzaría una extensa y fructífera carrera como músico de sesión, ademas de comenzar su carrera en solitario a mediados de los 60, justo en medio del creciente genero psicodélico. No seria hasta finales de esa década, cuando llegaría su primer album “Gris-Gris”, al que le siguieron otros interesantes discos como “Babylon” o “The Sun”, entre otros trabajos repletos de los sonidos criollos, R&B, y sonidos jazzisticos, todo ello bañado en el rock and roll.
En 1973 llegaría una de sus mejores obras “In The Right Place”, su sexto album, con el cual conseguiría su mayor éxito comercial, permaneciendo en las listas del Billboard durante casi ocho meses consecutivos.
Grabado en Florida bajo la producción de otro de los grandes de la escena de Nueva Orleans como fue Allen Toussaint y con la colaboración de algunos de los músicos mas respetados de la escena musical americana como Art Neville, Joseph Modeliste, David Spinozza, Leo Nocentelli, Ralph McDonald o George Porter.
Basado en el estilo inconfundible de su sonido, “In The Right Place” es un viaje hacia los rincones del R&B, los sonidos mestizos y el jazz, con irresistibles cortes como “Same Old Same Old”, con ese ambiente carnavalero, el ritmo penetrante de “Right Place, Wrong Time”, la pausada “Just The Same”, la pantanosa “Traveling Mood”, la funky “Peace Brother Peace” o la jazzistica “Such A Night”. Sin embargo John también tiene acercamientos a otros sonidos reconocibles dentro la música tradicional norteamericana como el soul en “Shoo Fly Marches On” o la gospel “I Been Hoodood”.
“In The Right Place” fue uno de sus mayores éxitos, aunque el único en llegar al top 10, sin embargo a lo largo de su carrera y en sus incontables colaboraciones ganó la friolera de seis premios Grammy.
Entre otras muchísimas, entre esa lista de colaboraciones se encuentran The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Eric Clapton, Van Morrison, The Band, Bob Seger o B.B. King.

Deep Purple-Who Do We Think We Are (1973)

El séptimo album de Deep Purple, "Who Do We Think We Are", siempre ha estado lastrado por sus tres soberbios albumes predecesores, “In Rock”, “Fireball” y “Machine Head”. Y es que pese a contener grandes momentos dentro de la esencia musical de Deep Purple, la falta de temas emblemáticos, lo relegaron hasta considerarlo un trabajo secundario por gran parte de su amplia legion de fans y por la critica especializada.
En otro orden de cosas, este serie el ultimo album con el cantante Ian Gillan y el bajista Roger Glover, los cuales abandonarían la banda en medio de unas tensas relaciones con el guitarrista Ritchie Blackmore, quien los acusaba de desidia y poco interés por los asuntos de la banda.
Ambos ya no regresarían hasta once años después cuando Deep Purple reuniría su formación mas clásica para la grabación del album “Perfect Stranger” de 1984.
Grabado en varios estudios situados entre las ciudades de Roma y Frankfurt, durante los meses centrales de 1972, fue publicado en enero de 1973 bajo el sello Purple Records y distribuido a nivel mundial por la Emi Odeon.
Pese que al principio decíamos que es un album que adolece de temas clásicos, realmente no es así del todo, aquí aparece la mítica “Woman From Tokyo”, la cual para muchos justifican por si solo la grandeza de este album.
Pero el resto no le va a la zaga y ni siquiera roza la mediocridad, con un sonido mas orientado hacia las raíces del clásico rock and roll, como queda demostrado en “Smooth Dancer” y “Mary Long”, consta ademas de soberbios cortes como la rhythm and blues “Place In Line”,  o la psicodélica y vanguardista “Super Trouper”, mientras la heavy rock “Rat Bat Blue” recupera la esencia habitual de los Purple mas clásicos.
 

The Eagles-Eagles Live (1980)

Para cuando se publico “Eagles Live” a finales de 1980, The Eagles ya estaban prácticamente separados,
de hecho la mayoría de sus integrantes estaban inmersos en su proyectos en solitario. Sin embargo la banda aún tenia pendiente lanzar un album en directo que tenían estipulado en su contrato con la Asylum Records, por lo que el productor Bill Szymczyk, quien ya había estado al mando de las grabaciones en los albumes anteriores, se encargo de mezclar muchísimo material que había sido recopilado durante las giras de los últimos años.
Así pues y junto a Don Henley y Glenn Frey seleccionaron una serie de tomas pertenecientes a diferentes giras que iban desde las posteriores al album “Hotel California" en 1976, hasta otras realizadas en el ultimo tour presentando el disco “The Long Run" en 1980.
Con todo ello, The Eagles cumplían por una parte, con las estipulaciones de su contrato y por otra dejaban un histórico testimonio de sus memorables y aclamados directos por todos los Estados Unidos, durante la segunda mitad de la década de los 70.
“Eagles Live” esta compuesto por una antologíca colección de sus mejores canciones empezando por la iconica “Hotel California”, a la que le siguen una retahíla de soberbias piezas como “Take It Easy”, “Life In The Fast Lane”, “All Night Long”, “Take It To The Limit”, “Seven Bridges Road”, “Doolin-Dalton”, “Heartache Tonight”, “New Kind In Town”, “Life´s Been Good” o “I Can´t Tell You Why”.
Después de la salida de este doble album en directo, parte de la prensa especializada, acusaría a la banda de sobrecargar en exceso las grabaciones en el estudio, algo que no lastraría el éxito del album, logrando unos asombrosos siete discos de platino en los Estados Unidos y unas ventas que superaron ampliamente los seis millones de copias a nivel mundial

Queen-A Night At The Opera (1975)

A nadie se le escapa que Queen fue una banda que siempre tuvo sus detractores por una parte de la sociedad y de la critica especializada por su imagen confusa y premeditadamente bisexual, como también admirados por una amplísima legión de fans alrededor del mundo.
Sin embargo mas allá de estos hechos, lo que nos ha quedado es su música, sin duda un gran argumento sobre el que esta formidable banda, consolido su poder mediatico.
En 1975, Queen llevaban tras de si, tres albumes en donde combinaban el hard rock con guiños al glam rock de su album debut, el mas complejo y experimental “Queen II”, o el mas barroco y refinado “Sheer Heart Attack”, por lo que cuando fue lanzado su cuarto album “A Night At The Opera”, mostraron su total madurez y fusionaron todos los elementos que marcaron los sonidos de todos sus predecesores, desde los sonidos barrocos, hasta el contundente hard rock, pasando por los sonidos pomposos y espectaculares.
Este sensacional album contiene una serie de composiciones grandiosas empezando por la irascible y vigorosa “Death On Two Legs”, la poderosa rock “I´m In Love With My Car”, la irresistible melodía pop “You´re My Best Friend”, la brillante country folk “´39”, la hard rock “Sweet Lady”, la progresiva “The Prophet´s Song”, o la monumental y operística “Bohemian Rhapsody”.
“A Night At The Opera”, se convirtió en el album mas emblemático de Queen y una de las obras maestras de la música rock. Su recepción posterior le llevaría a alcanzar una docena de discos de platino y unas ventas que superan con creces los siete millones de copias a nivel mundial.

J.J.Cale-5 (1979)

En la historia de la música popular han habido grandes albumes que por diferentes circunstancias pasaron desapercibidos y fueron infravalorados por el gran publico y la critica especializada y que en muchos casos ha sido ese juez supremo que es el tiempo, el que los ha colocado en el lugar que se merecen.
Uno de esos albumes es “5” de J.J. Cale, publicado en una epoca en donde Mark Knopfler, uno de sus alumnos mas aventajados, triunfaban mundialmente con su banda Dire Straits, con un sonido que era calcado al estilo elegante y puro de country, blues, rock and roll y rhythm and blues del músico originario de Oklahoma.
Desde su album debut aparecido en 1972, hasta este “5”, su quinto trabajo como indica su nombre, apenas aparecía en las crónicas musicales, a ello también contribuía su hermetismo personal y su alejamiento de las grandes masas y de la popularidad.
A finales de los setenta lograría un nuevo contrato discográfico con la MCA y lo estrenaría con este nuevo album, que fue grabado en Nashville rodeado de afamados músicos de la escena country y blues de la capital de Tennessee, y en el cual J.J.Cale seguía mostrando un estilo reposado de los sonidos americanos, con pocos arreglos y florituras, un tono relajado y su voz hipnótica.
Un album que sin mostrar nada nuevo en comparación a sus anteriores obras, contiene una insuperable colección de temas mágicos de gran pureza creativa e instrumental.
Desde la inicial “Thirteen Days” hasta la ultima del disco “Mona” se van sucediendo temas de gran exquisitez como”I´ll Make Love To You Anytime”, “Don´t Cry Sister”, “Sensitive Kind”, “Friday”, “Lou-Easy-Ann” o “Fate Of A Fool”, convirtiendo a este trabajo en otra de sus sobresalientes obras, que como todas las anteriores, solo estaban a la altura de la genialidad de un musico como J.J. Cale.

Heart-Greatest Hits/Live (1980)

Heart son una fantastica banda norteamericana de hard rock y rock melodico originarios de Seattle, que durante las ultimas cinco décadas han publicado una serie de celebres albumes, algunos de ellos, enormes hits a nivel mundial.
Desde su primer album “Dreamboat Annie” (1976), esta banda mostraría sus cartas con su rock arrollador y elemental que bebía de las influencias de bandas como Led Zeppelin.
Sin embargo el que fueran liderados por dos mujeres, (las hermanas Nancy y Ann Wilson), los hacían diferentes y unicos en aquellos momentos.
El resto de la banda estuvo siempre marcado por una constante entrada y salida de músicos entre los que destacan los guitarristas Howard Leese, Roger Fisher o Gilby Clarke entre otros muchos mas.
Después de “Dreamboat Annie”, llegarían el mas orientado hacia los sonidos folk rock “Little Queen” (1977), el intenso “Dog & Butterfly” (1978), en donde combinaban la rabia de su poderoso rock con la sensibilidad acústica, o el experimental “Bebe Le Strange” (1980), en donde intentaron conjugar los sonidos de las nuevas tendencias musicales de la década de los ochenta, pero con un resultado mediocre y bastante previsible.
Casi a finales de 1980 el grupo lanzaría “Greatest Hits/ Live”, un album doble compuesto por una combinación de los grandes éxitos de sus primeros cinco albumes, temas en directo y nuevas canciones.
Confeccionado por cortes de enérgico rock como “Bebe Le Strange”, “Barracuda” o “Mistral Wind” a la que se suma la versión de Led Zeppelin, “Rock and Roll”, compartidas con otras mas melódicas como “Straight On”, “Even It Up”, “Crazy On You” o “Magic Man”, o baladas y temas acústicos como “Sweet Darlin”, “Dreamboat Annie” y “Dog and Butterfly” e incluso están incluidas canciones mas vanguardistas y experimentales como “Hit Single” y “Strange Euphoria”.
La banda que grabaría este album estaba estaba compuesta por las mencionadas Ann Wilson y Nancy Wilson, voces, el bateria Michael DeRosier, los guitarristas Howard Leese y Roger Fisher y el bajista Steve Fossen.
Este doble album fue el tercer mayor éxito de Heart hasta aquellos momentos en el mercado norteamericano, alcanzando el décimo tercer puesto en las listas del Billboard y varios discos de platino por sus enormes ventas.

Spirogyra-Bells, Boots And Shambles (1973)

Otra de las grandes bandas del prog-folk son Spirogyra (no confundir con la banda de jazz fusión norteamericana Spyro Gyra), que aunque fueron catalogadas por muchos en el sonido Canterbury, realmente nunca estuvieron oficialmente clasificadas dentro de ese genero.
Formados en 1967 en la ciudad de Bolton al noroeste del Reino Unido, su alineación original estaba compuesta por el guitarrista, compositor y cantante Martin Cockerham, la cantante Barbara Gaskin, el bajista Steve Borill y el violinista Julian Cusak, ademas del bateria Dave Mattacks quien aparecería en todos sus albumes como músico invitado.
En 1971 llegaría su primer album “St. Radiguns”, el cual obtuvo bastante éxito en los circuitos del folk británico, compuesto por un repertorio de canciones políticamente conscientes y temperamentales, ademas de mucha interacción instrumental y unas adictivas voces.
Un año después “Old Bott Wine”, seria un album continuista y bastante previsible, que pese a las grandes armonías folk, los complejos arreglos y el buen equilibrio entre los elementos del folk y el rock, fue un pequeño retroceso, por su sonido predecible sin aportar nada nuevo comparado con su predecesor.
Después de este ultimo album, la banda se reduciría a solo dos miembros fijos, con Cockerham y Gaskin, mientras aparecen como colaboradores y músicos invitados el flautista Stan Sulzman, el bajista Steve Borrill, el bateria Dave Mattacks, ademas de otros músicos como Steve Ashley, Henry Lowther, Julian Cusack y Dolly Collins.
Con esta formación se grabaría el tercer y ultimo album de Spirogyra titulado “Bells, Boots and Shambles”, publicado en 1973.
En este tercer album es donde Spirogyra conjugan perfectamente los elementos del folk tradicional con el rock y los sonidos progresivos, con temas como la solemne y atmosférica “The Furthest Point”, la acid rock “The Sergent Says”, la atmosférica suite “Western World”, con esos grandiosos ambientes melancólicos, la bucólica “Old Boot Wine”, o las melódicas “Parallel Lines Never Separate” y “Everyday Consumption”.

Heavy Jelly-Heavy Jelly (1970)

Jackie Lomax fue un cantante, compositor y guitarrista británico que se hizo famoso a finales de los sesenta por ser uno de los primeros artistas en firmar con el sello propiedad de The Beatles, Apple Corps Ltd., que había sido fundado en 1968 y que fue constituida como una división discográfica paralela a la Emi Records.
Sin embargo la carrera de Lomax había comenzado mucho antes con diferentes proyectos como miembro de algunas de las bandas punteras del circuito británico del pop rock de los sesenta como Dee and The Dynamites. Con posterioridad se traslado a los Estados Unidos y se uniría al grupo The Undertakers pero sin lograr la fama ni fortuna deseada. Una vez de vuelta al Reino Unido y gracias al manager de The Beatles, Brian Epstein, firmaría con la CBS con quienes grabaría varios sencillos y un album de escasa repercusión.
Su amistad con Epstein le abriria muchas puertas y grandes posibilidades, como colaborar con artistas de la talla de George Harrison o Eric Clapton, entre otros muchos.
Una vez abandono el sello de The Beatles, Lomax se unió a los ex miembros de la banda Aynsley Dunbar; John Morshead y Alex Dmochowski y al ex-bateria de The Animals; Barry Jenkins y fundan la banda Heavy Jelly.
En 1970 la banda graba su primer y único album, en el cual ademas están presentes Tom Evans y Pete Ham, ambos integrantes de Badfinger, otra de las bandas pertenecientes a la Apple y la sección de vientos de The Rolling Stones, Bobby Keys y Jim Price.
Este album debut básicamente esta compuesto por un interesante repertorio de contundentes temas rock con sonidos psicodélicos como queda demostrado en “Take Me Down To The Water”, mientras la faceta melódica del grupo queda plasmada en “You Better Let Me Know” y “Too Complicated”. Por su parte el sonido heredero a The Beatles lo encontramos en “Born For Something”, ademas de sonidos oscuros de hard blues rock en “Just Don´t Feel So Good” y “F-F-F-Females” o clásicos temas de blues rock como “Bio-Blues”, para terminar con otro corte con cierto sabor Beatle como es “If You´d Like To”.
Sin embargo y debido a que en el album intervienen artistas que pertenecían a la Apple Records, esta boicotea el lanzamiento e impide su publicación oficial, mas allá de unas cuantas copias promocionales. Algunas de esas copias servirían como masters para la publicación del album a modo de bootleg y que fueron durante decadas muy cotizados por los coleccionistas.
Mas de cuarenta años después y una vez fallecido Jackie Lomax, su familia pudo solucionar los problemas contractuales con la propia Apple y el album fue lanzado de manera oficial en el año 2013, recuperando con ello, uno de los famosos discos perdidos de la historia de la música rock.

Uriah Heep-Salisbury (1971)

En 1971 Uriah Heep publicaba su segundo album “Salisbury”, un titulo que tomaron de la ciudad inglesa Salisbury Plain, la cual esta rodeada de amplias llanuras en donde el ejercito británico posee amplio campo de entrenamiento militar para carros de combate, de ahí su titulo y su iconica portada con un tanque Chieftain de fabricación británica.
En este segundo album, la banda contrataría a un nuevo bateria; Keith Baker, quien reemplazaba al anterior Ollie Olsson, mientras el resto de la banda seguía estando formada por David Byron, Mick Box, Ken Hensley y Paul Newton.
“Salisbury” fue grabado durante los meses finales de 1970 en los estudios Lansdowne de Londres y fue producido por Gerry Bron.
Compuesto por seis cortes, “Salisbury” es la progresión natural y definida del anterior “Very´Eavy, Very Umble” hacia un mayor énfasis en las melodías y el refinamiento a su hard rock progresivo. Esto fue debido en parte a que su teclista Ken Hensley, un músico de conservatorio de clara orientación clásica, tiene aquí un mayor protagonismo en las tareas de composición, un factor que seria dominante en los futuros albumes de la banda. Con ello el grupo modera su pesado y oscuro sonido de hard rock y trabajan en perfeccionar la complejidad del rock progresivo con el heavy rock.
Pese a que el tema mas destacado es la suite de 16 minutos “Salisbury”, está al mismo tiempo, eclipsa injustamente los restante cinco cortes. La mencionada “Salisbury” cuenta ademas con el añadido de una orquesta de 26 miembros que revela las tendencias progresivas tan latentes del grupo en este album. Por otro lado las restantes canciones muestran el ecléctico sonido germinal de la banda, empezando por la vertiginosa “High Priestess”, la etérea balada “The Park”, la pegadiza “Lady In Black”, el pesado hard rock "Time To Live” o la bluesy “Simon The Bullet Freak”.
“Salisbury” seria el mayor esfuerzo progresivo de Uriah Heep junto a los posteriores “Look At Yourself”, “Demons and Wizards” y “The Magician´s Birthday”, completando con todos ellos una antológica cuatrilogía del mejor rock progresivo.

Body-The Body Album (1981)

Body fueron una interesante banda británica encuadrada dentro del genero progresivo, que fue fundada a principios de los 70. Sin embargo no seria hasta el año 1981 cuando publicaron su único trabajo titulado "The Body Album".
Un trabajo que hoy en día esta aclamado como una impresionante obra indispensable dentro del neo progresivo, el space rock y los sonidos psicodélicos tardíos.
Originarios de Liverpool, esta banda estaba compuesta por los hermanos Gary y Tony Allison (bateria y guitarras respectivamente, ademas de las voces), el bajista Ronny Nelson y el teclista John Bleasdale.
A principios de los 80 el grupo viajaría a Londres para probar fortuna en busca de un buen contrato discográfico, pero después de unos frustrantes resultados, decidieron auto financiarse su album debut.
En este único album las referencias a los sonidos de los Pink Floyd mas psicodélicos y a los largos desarrollos espaciales herederos de Hawkwind, son mas que evidentes, pero enmarcados en un sonido synth pop muy definido, lo que los convierte en una de las germinales bandas del llamado Neo Progresivo junto a Twelfth Night.
Los 15 minutos de la suite progresiva y espacial "Andromeda" es la pista mas destacada, mientras las cortas "Cheater", "Lights Out" o "Brave New World” están mas enfocadas al plano comercial, con una estructura musical entre el sonido Neo y Symphonic Rock y los elementos electrónicos cercanos al synth pop de la epoca.

Marillion-Seasons End (1989)

Fish vs Hogarth, este es sin duda una de los mayores catalizadores de cualquier discusión con los fans de Marillion, hasta el punto de que en algunos foros de internet sobre el grupo, prohiben tajantemente la mera mención de la comparación entre estos dos cantantes, por temor a una guerra electrónica que obstruya los servidores y los ordenadores. Mas allá de esta afirmación algo exagerada que viene a cuento con la partida del gigantón Fish y la llegada de Steve Hogarth como su sustituto y lo que este aportaría en Marillion, que fue muchísimo (lo es aún). Pese a que los mas puristas de la banda que tachen a Hogarth de ser el principal responsable del desvío musical del grupo, hacia derroteros mas pop en detrimento de la pomposidad progresiva de sus primeros albumes, lo cierto es que si en algo están de acuerdo unos y otros, es en su poderosa voz, de excelente rango y su faceta de gran letrista que invita a la reflexión. Todo ello queda bien demostrado en gran parte del primer album post Fish y primero con Hogarth en la banda “Seasons End” de 1989. Este fue el primer testimonio real de lo que el cantante hizo con Marillion como banda y dicho todo esto, este “Seasons End” pese a quienes lo vapulearon, mas por el fondo de la cuestión que por el resultado final, suena tan genial como brillante y es sin duda un excelente y digno sucesor del soberbio album que lo precedía con Fish en sus filas, "Clutching At Straws" de varios años antes.
Ya desde su inicio con la increíble “King Of Sunset Town” la banda demuestra en pleno apogeo que Marillion irrumpe y se levanta triunfante, listos para comenzar otro capitulo, y así despejan las dudas para quienes le vaticinaron el descalabro y su epílogo final.
La hermosa “Easter” es la primera gran aportación del cantante al repertorio del grupo, un tema con uno de los mejores solos de Steve Rothery de toda su carrera y un ritmo tan cautivador como brillante. La pausada y misteriosa “Seasons End” concluye con una final épico y hipnótico que engrandece la faceta instrumental de todo la banda. En “The Uninvited Guest” ya podemos intuir por donde irán los tiros de su nueva aventura, un tema que se acerca a sonidos rock y comerciales con unas potentes lineas de guitarra y bajo. La melódica y sentida “Holloway Girl”, es uno de los momentos menores del album y la nostálgica “Berlin”, es la demostración palpable de las excelencias vocales de Hogarth, una canción tan melancólica como oscura, que a medida que avanza se torna en un poderoso tema con un final apabullante. Después de la corta y acústica “After Me”, llega la potente rock, con una clara orientación comercial “Hooks In You”, para acabar con la exquisita y progresiva “The Space” uno de los momentos mas memorables del disco y colofón final a la primera gran aportación de Steve Hogarth al universo Marillion.