Fundada a finales de los 60 por los multiinstrumentistas Andy Clark y Mick Hutchinson, los cuales grabarían como dúo el album “A=MH²”, en el que tocaban todos los instrumentos que iban desde el órgano hasta las guitarras, pasando por el bajo, percusiones, instrumentos de viento y teclados. Este primer disco estaba claramente influenciado por las composiciones orientales y exóticas con una base en el hard rock.
Después de este álbum la banda se ampliaría con dos nuevos miembros como fueron el bajista Steve Amazing y el batería Del Coverley.
Con esta formación se grabaría el segundo “Retribution”, todo un vendaval de blues rock lisérgico y pesado con unas desgarradoras voces y unas alucinantes guitarras sobrecogedoras y tremendamente poderosas.
Temas como la heavy blues “Free To Be Stoned”, la pesada y melancólica “Best Suit”, la rhythm and blues “After Hours" o la furiosa “Death, The Lover” conforman un disco brutal del mejor heavy blues de los años 70.
Un año mas tarde llegaría el tercer álbum “Gestalt” en donde mostraban un blues rock mas convencional y previsible pero igualmente arrollador. Ya posteriormente se publicaría el cuarto y ultimo trabajo “Blues”, con temas perteneciente a sus primeros años y que nunca antes fueron lanzados de manera oficial.
Formada en 1971 inicialmente como Blitzkrieg en la ciudad de Viersen al oeste de Alemania, estaba formada por el teclista Jürgen Dollase, el guitarrista Bill Barone, el bajista Jerry Berkers y el batería Harald Großkopf.
Casi inmediatamente fichan por el sello germano Pilz quienes les aconsejan cambiar de nombre para no coincidir con una banda británica del mismo nombre.
Ya como Wallenstein graban su primer álbum titulado "Bliztkrieg" (1972), bajo la producción de afamado Dieter Dierks. Este primer trabajo los catapulta como una de las sensaciones del rock progresivo alemán de ese año gracias a un estilo fusionando la música clásica, el rock psicodélico y el hard rock progresivo.
Compuesto por cuatro largos temas, todos ellos interpretados de manera virtuosa por la banda al completo, tienen sin embargo en Dollase como el principal protagonista con unas impecables habilidades con los teclados atmosféricos y su estilo clásico, que son el perfecto contrapunto a las vertiginosas y abrasadoras guitarras heavy rock y una sección rítmica enérgica y dinámica.
Wallenstein tienen un lugar preferente en los anales de la historia de la música krautrock por haber dejado tras de si una serie de álbumes imprescindibles muy apreciados por los fans del rock progresivo y por la critica especializada.
Tras abandonar The Byrds, Crosby se uniría al ex Buffalo Springfield, Stephen Stills y al ex The Hollies, Graham Nash para formar CSN con los que grabaría el antologico disco homónimo “Crosby, Stills & Nash” en 1969 y “Déja Vu” un año después con la inclusión del guitarrista canadiense Neil Young, formando así una de las mayores y mas aclamadas superbandas de la historia de la música rock.
A principios de 1971 David Crosby no pasaba por su mejor momento debido a las adición a la marihuana y otras sustancias y a la muerte de su novia en un trágico accidente automovilístico.
Fruto de todo ello fue el resultado de su primera grabación en solitario “If i Could Only Remember My Name” lanzando en febrero de 1971 y en la cual contaría con la colaboración de sus ex compañeros Graham Nash y Neil Young, la cantante Joni Mitchell, el guitarrista de Jefferson Airplane, Jorma Kaukonen o el líder de los Grateful Dead, Jerry Garcia, entre otros muchos mas.
“If i Could Only Remember My Name” esta confeccionado por breves inspiraciones de maestría musical, con grandes armonías vocales y una gran dimensión político y social, representando diferentes estilos como el flower power o el folk psicodélico.
Repleta de canciones profundas como la embriagadora “Music is Love”, la capella “I´d Swear There Was Somebody Here”, la angelical “Orleans”, la acústica “Traction In The Rain”, la filosófica “Laughing” o el tour de Force “Cowboy Movie”, conforman un álbum algo caótico pero al mismo tiempo absolutamente brillante.
Incluso las letras se tornan mas genéricas y abstractas a excepción de la letra de “Nobody`s Hero”, la cual suscito cierta polémica por sus explícitas referencias a la homosexualidad y el sida. En el resto la banda continua tratando temas como la intolerancia, el crimen o la ambición humana.
Los poderosos riffs de guitarra de Alex Lifeson cobran aquí nuevamente el rol principal dotando el sonido cercando al hard rock como queda demostrado en los cortes “Animate”, “Stick it Out”, “Cut to the Chase”, “Double Agent” o en la excelente instrumental “Leave That Thing Alone”.
En contrapunto a estas aparecen la mencionada “Nobody´s Hero”, o las edificantes “Alien Shore” y “Everyday Glory”, las cuales nos retraen sutilmente a los sonidos de sus álbumes de los 70.
Para muchos de sus fans y gran parte de la critica, este fue el mejor álbum de la banda en la década de los 90, el cual lograría un numero dos en las listas del Billboard y varios discos de oro y platino por sus ventas en el mercado norteamericano.
Aunque "Blow by Blow" es cronológicamente su quinto álbum, en realidad era su segundo trabajo firmado en solitario, (el primero habia sido el interesante "Truth" publicado en 1968), y que después de disolver su banda compuesta por Tim Bogert y Carmine Appice y con los que lanzaría los apabullantes "Beck-Ola" (1969), "Rough and Ready" (1971), "The Jeff Beck Group" (1972), y "Beck, Bogert and Appice" (1973), además del directo "Beck, Bogert and Appice; Live in Japan" (1974), este ultimo solo publicado en el mercado nipón, decidiría continuar su carrera en solitario.
Producido por el llamado quinto Beatle, George Martin, en esta segunda entrega, Beck contaría con la colaboración del teclista Max Middleton, el bajista Phil Chen y el batería Richard Bailey, además de la aparición estelar de Stevie Wonder y los arreglos orquestales del mencionado George Martin.
"Blow By Blow" se caracteriza por ser uno de los primeros álbumes de Jeff Beck en adentrase por completo en el jazz-fusión y el jazz-rock, alejándose de los sonidos de hard rock y blues de sus primeras entregas.
El álbum al completo reboza de momentos memorables como la funk jazz "You Know What I Mean", la emocionante "She´s A Woman", las jazz rock poderosas "Constipated Duck", "Airblower" y "Scatterbrain", la emblemática "Cause We´ve Ended as Lovers" o la inmortal y todo un clásico de las radios FM norteamericanas "Freeway Jam".
Formada por algunos ex miembros de The Allman Brothers Band como eran el teclista Chuck Leavell, el baterista Jai Johanny Johanson y el bajista Lamar Williams.
Sin embargo ya antes de abandonar a los mencionados The Allman Brothers, estos tres músicos ya habían formado la banda paralela We Three, con la cual incluso llegaron a telonear a su banda madre durante la gira norteamericana promocionado el album "Win, Lose or Draw", participando cada noche en ambas bandas.
Tras la primera disolución de los Allman acontecida a finales de 1976, los tres músicos mas el guitarrista Jimmy Neals deciden seguir como Sea Level, firmando un contrato con la Capricorn Records, quienes les producen su primer álbum titulado homónimamente "Sea Level" en 1977.
El estilo de esta nueva banda no se alejaba demasiado de lo que hacían con los Allman, con un southern rock con notorias influencias de jazz y funk.
En este primer álbum esta compuesto por una irresistible colección de temas rutilantes como la instrumental jazz-rock "Tidal Wave", la jazzistica "Shake Leg", la brillante "Rain In Spain", la funk “Country Fool”, o las southern rock "Just A Good Feeling", "Nothing Matters But The Fever" y "Grand Larceny".
Después del buen recibimiento por parte del publico y la critica, la banda seguirá publicando una serie de interesantes trabajos como "Cats On The Coast" (1977), “On The Edge" (1978), "Long Walk on a Short Pier" (1979) y "Ball Room" (1980).
Posteriormente Chuck Leavell pasaría a engrosar como músico de sesión y de apoyo en los Rolling Stones, puesto que ocuparía desde 1983 hasta el año 2016, por lo que la banda se disolvería definitivamente a mediados de 1982.
“After Bathing at Baxter´s” esta considerado su álbum mas exigente y el mas cercano a los subgéneros psicodélicos y el avant-garde, el cual esta reconocido unánimemente como una de las piezas maestras del proto/early prog rock.
Si en el anterior fue el guitarrista Marty Balin quien asumiera la autoría de gran parte de las composiciones, aquí seria el también guitarrista Paul Kantner, quien tomara mucho mas protagonismo explorando temas mas vanguardistas y menos accesibles.
Su obsesión por temas recurrentes como la ciencia ficción, se deja ver en cortes repletos de momentos disonantes y atonales como “Watch Her Ride” o “Spare Chaynge”, locuras vanguardistas; “Small Package of Value Will Come to You, Shorty” o viajes lisérgicos de folk/psicodélico; “Martha” y “Rejoyce”, mientras la continuista “Two Heads”, nos deja un sabor heredero a la clásica e inmortal “White Rabbit” del mencionado “Surrealistic Pillow”.
Incluso se atreven a mostrar su lado exótico con los sonidos orientales de guitarras tipo raga en la extraña pero brillante mini suite “Won´t You Try/Saturday Afternoon”.
Este doble álbum contiene una serie de temas que no conocían previamente muchos de los aficionados de la época, pertenecientes al periodo comprendido entre 1968 y 1971, por lo que para la gran mayoría fue visto como un nuevo álbum oficial y no una mera recopilación al uso.
Al tratarse de un disco que contiene obras de diferentes épocas, es sumamente interesante observar la evolución de la banda desde sus comienzos de blues y folk hasta los sonidos hard rock y progresivos que fueron imprimiendo a medida que fueron transcurriendo esos primeros años de la carrera de la banda.
El folk, el blues y las influencias de jazz están presentes en cortes como "Song for Jeffrey", "Love Story", "Bourée", "Driving Song" o "Witch´s Promise", mientras la vena mas experimental la encontramos en "Sweet Dream", "Singing all Day", "Life Is A Long Song", "Dr. Bogenbroom" o la progresiva "Living In The Past".
Por derecho propio "Living in the Past" se ha convertido en un disco imprescindible en la discográfica de Jethro Tull y probablemente uno de sus mejores trabajos, pese a llevar la camuflada etiqueta de recopilatorio.
Dividido en dos partes bien diferenciadas, en cierto modo esta concebido como un álbum conceptual, con una cara denominada “Side White”, escrita casi totalmente por Brian May y una segunda, “Side Black” compuesta en su totalidad por Freddie Mercury.
Desde la majestuosa intro “Procession” hasta el canto final que concluye con el asombroso “Seven Seas Of Rhye”, este “Queen II” apenas tiene un solo corte que desmerezca de cualquier otro de toda su amplia y rica discografía.
Las maravillosa melodía del hard rock “Father To Son” y la conmovedora “White Queen (As It Began)", con unos pasajes desgarradores de guitarra, son contrarrestados por la encantadora “Some Day One Day” y la sorprendente “Loser In The End”, esta ultima contribución de Roger Taylor, la cual representa un genero atípico en la dirección general del álbum, y que cierra un primera cara emocionante y de gran belleza.
Con la segunda cara, “Side Black”, Mercury va un paso mas allá, proporcionando algunas de las mejores canciones de Queen, empezando por la metálica “Ogre Battle”, la cual nos deja sin aliento impulsada por sus increíbles voces y los poderosos riffs de guitarra, le sigue la innovadora “The Fairy Feller´s Master-Stroke”, con una estructura compleja y progresiva.
La breve balada “Nevermore”, es rematada por la epopeya “The March Of The Black Queen”, con unas voces armónicas sobresalientes y un gran dinamismo instrumental.
Mientras “Funny How Love Is”, proporciona un alivio entre tanta música apoteósica antes de que la gloriosa “Seven Seas Of Rhye”, culmine uno de los álbumes mas sobresalientes de la historia de la música rock.
Gran parte de esa controversia viene dado por el fuerte impulso de los sintetizadores cortesía de Eddie Jobson y a los sonidos cercanos al synthpop tan de moda en la década de los ochenta.
Para esta nueva aventura, Anderson había prescindido de gran parte de la formación clásica de Jethro Tull, que a excepción del guitarrista Martin Barre, ya no aparecen los teclistas John Evan y David Palmer, el bajista John Glascock ni el batería Barriemore Barlow, sustituidos por el mencionado Jobson, el percusionista Mark Craney y el bajista Dave Pegg.
Sin embargo pese al tremendo varapalo que obtendría por una parte de sus fans, “A” esta confeccionado a modo experimental con codificadores de voz y una interesante mezcla de electrónica vanguardista, rock, folk e incluso influencias orientales como queda patente en el tema “Uniform”.
La solidez de este álbum esta claramente demostrada en cortes como la rock con tintes funk “Crossfire”, el progresivo electrónico “Fylingdale Flyer” o la mini epopeya “Black Sunday”, sin duda la composición mas lograda y progresiva del álbum.
El resto de cortes bajan considerablemente de calidad, apuntando al patrón habitual de la canción pop-rock, aunque de innegable calidad como la sarcástica “Batteries Not Included”, la exótica “Uniform”, o la infecciosa blues rock “4.W.D. (Low Ratio)".
En definitiva “A” constituye uno de los mejores ejemplos de la evolución de la música progresiva en la década de los ochenta, la cual supuso el fracaso de muchas de las grandes bandas de los 70 que no supieron adaptarse a los nuevos sonidos y los gustos musicales de una nueva era mas tecnológica.
Parte del material que se encuentra aquí es más accesible y menos desafiante que los del excelente primer álbum, como demuestra el entusiasta tema que le da titulo, ocho minutos de poderoso rock progresivo intenso y trepidante.
Como contrapunto a esta aparece la agridulce y melódica “Rendezvous 6:2”, la cual reboza de sonidos crimsonianos. El ritmo frenético regresa con la siguiente “The Only Thing She Needs”, otro largo corte repleto de trucos progresivos.
En "Caesar's Palace Blues", la banda se adentra en los terrenos del hard rock con un emocionante trabajo de violín por parte de Eddie Jobson.
Mientras "Nothing to Lose" ya muestra por donde irán los derroteros en los siguientes trabajos de John Wetton, con un numero adictivo y comercial, pero tremendamente efectivo.
Para finalizar la banda reserva su momento mas progresivo con “Carrying No Cross”, doce minutos de sólidos sonidos sinfónicos y épicos que evocan el espíritu de EL&P.
Apenas cinco meses después se publicaría el epitafio de la banda a modo de álbum en directo; “Night After Night”, y poco después seria el bajista John Wetton quien publicara su primer álbum en solitario, “Caught In The Crossfire”, el cual tuvo una continuación lógica con el debut de su nueva banda Asia, publicado dos años mas tarde.
Este en concreto fue lanzado por el sello Harvest, la rama especializada en los sonidos progresivos de la discográfica EMI.
En cierta manera además de la promoción de sus artistas, el lanzamiento de estos samplers era para rivalizar con sus discográficas competidoras coetáneas como Deram de la Decca Records o Vértigo de la Mercury Records entre otras, igualmente enfocadas a los sonidos mas vanguardistas de finales de los 60 y principio de los 70.
La diversidad de este álbum refleja los diferentes tipos de bandas y estilos que ondeaban bajo la bandera de la Harvest, dando a la escucha una especie de documento histórico.
Compuesto por las bandas mas prometedoras del sello, aquí nos encontramos desde las oscuras y vanguardistas; Quatermass, Pete Brown and Piblokto, Third Ear Band, The Pretty Things o The Greatest Show on the Earth, hasta las mas mediáticas y consagradas como Deep Purple, Pink Floyd, Edgar Broughton Band, Syd Barret, Roy Harper, Kevin Ayers o la Barclay James Harvest, pasando por otras mas desconocidas como Forest, Tea and Symphony, Bakerloo, o Shirley & Dolly Collins, conformando con todas ellas una variopinta mezcla de folk, hard rock, blues & jazz rock y heavy prog.
En este nueva entrega la banda presentaba a dos nuevos miembros oficiales, por un lado contarían por primera vez con un vocalista, puesto que recaería en el ingles Barry Palmer y por otro un nuevo bajista, Werner Dick Frangenberg el cual sustituía a Helmut Köllen.
Sin embargo "Old Loves Die Hard", y pese a contener grandes y brillantes momentos a lo largo de todo el álbum, esta muy por debajo de sus excelentes trabajos predecesores como fueron "Illusion On A Double Dimple" (1974) y "Spartacus", lanzando un año mas tarde, los cuales son considerados dos de las obras maestras del rock progresivo de los 70.
Creado a semejanza de sus coetáneos Emerson, Lake and Palmer, un hecho que les acarrearía no pocas criticas durante toda su carrera al ser considerados unos meros clones del trío británico, Triumvirat tenia en su líder, el virtuoso teclista Jürgen Fritz, su mayor reclamo gracias a sus fastuosos arreglos y su original estilo como compositor e instrumentista.
Compuesto por siete temas, en "Old Loves Die Hard" destacan por encima de todas, las complejas mini suites "A Day In A Life", "The History of Mystery" y "Panic on 5th Avenue", en donde las claras influencias de EL&P son mas que evidentes, pero confeccionadas brillantemente con grandes y esplendorosos arreglos sinfónicos.
El resto es igualmente plausible, pero sin las excelencias de las anteriores como son la pomposa "I Believe" o la melódica "A Cold Old Worried Lady".
A partir de aquí la inspiración de Fritz comenzaría a desvanecerse publicando una serie de mediocres trabajos; “Pompeii” (1977), “A La Carte” (1978) y “Russian Roulette” (1980), los cuales perdieron el fervor del publico, un hecho que precipitaría la separación definitiva de la banda a finales de 1980.
Este cambio les dio resultado con el hit “Fox On The Run”, que llegaría hasta el numero 2 en Gran Bretaña y un sorprendente numero 5 en los Estados Unidos.
Después de una larga gira por tierras americanas, decidieron trasladar allí su base de operaciones y grabar su álbum musicalmente mas ambicioso “Off The Record”.
Fortalecidos por una gran popularidad en todo el mundo, la banda realizaría numerosas giras por Europa, Japón e incluso Extremo Oriente con un éxito de taquilla sin precedentes en la carrera de la banda londinense.
En medio de esta vorágine de triunfos, en 1978 publicarían su sexto álbum “Level Headed”, en donde ya mostraban su total alejamiento de los sonidos violentos de su glam y heavy rock para adentrase definitivamente en un rock melódico y ecléctico.
Temas como “Love Is Like Oxigene”, con un claro acento pomp rock y que conquistaría las listas de medio mundo, contrastaban con otras cercanas a los sonidos californianos “Silverbird” y “California Nights”, al funk rock “Strong Love”, a las baladas adictivas “Dream On”, o acercamientos al rock vanguardista con la sorprendente “Air On A Tape Loop”.
Pese a esta diversidad de estilos, el álbum tuvo un discreto recibimiento en las listas de éxitos, lo que precipitaría el abandono de su vocalista Brian Connolly, terminando así la época de oro de Sweet y pasando a formar parte como uno de los mejores recuerdos de la música rock.
Formados originalmente en 1982 por el guitarrista Gary Chandler, durante toda su carrera han tenido diferentes integrantes entre los que destacan el bajista Mick May, el batería Steve Christey, el también bajista John Jowit o el teclista Martin Orford, este ultimo integrante de los mencionados IQ.
El primer álbum propiamente dicho de Jadis, fue en realidad una colección de demos producida por el guitarrista de Marillion, Steve Rothery.
Esta primera entrega es una encantadora colección de canciones neo progresivas centradas en la guitarra. Para su segundo trabajo "More Than Meets The Eye" publicado bajo el sello Giant Electric Pea, Jadis muestra un estilo neoprogresivo emparentado con la música de IQ, pero en un tono menos lúgubre y melancólico como demuestran los cortes "Sleepwalker", "Wonderful World" o "Holding Your Breath".
Sus comienzos datan de finales de los 60 como una banda relacionada con el genero del jazz y blues con ciertas influencias del proto rock progresivo.
En sus dos primeros álbumes destacaba la poderosa voz del cantante afroamericano John L. Watson y la de sus dos guitarristas John Eaton y Tony Edwards, los cuales proporcionaban un musculoso sonido al estilo de la banda.
Estos dos primeros trabajos titulados “Fully Interlocking” (1968) y “Theraposa Blondi” (1969), pese a su innegable calidad pasaron un tanto inadvertidos por los fans de la época, un hecho que llevaría a la reorganización de The Web con el abandono del cantante Watson y el bajista Dick Lee-Smith y la incorporación del teclista y cantante Dave Lawson.
Este seria determinante para que la banda adoptara un sonido aún mas profundo progresivamente, el cual se ve reflejado en el tercer y ultimo álbum titulado “I Spider”.
Aquí es donde ofrecieron un poderosos punto de referencia para la evolución posterior del rock progresivo en el área del jazz rock.
Enérgicas líneas de bajo, órgano y percusión son secundadas por grandes melodías de guitarra y saxo a las que se unen unas siempre apasionadas voces.
La suite dividida en cinco partes “Concerto For Bedsprings”, es junto a la instrumental “Ymphasomniac”, la relajada “Love You” y el jazz difuso “Always I Wait”, lo mas destacado de un álbum tan atractivo como brillante.
Ellos no fueron ni de lejos semejante a ninguna de las de su misma época, como por ejemplo la ausencia de dos de los instrumentos habituales como el bajo y la guitarra, y consistiendo básicamente en un baterista técnico y muy jazzistico, en varios teclistas y un saxofonista.
Su música estaba tejida de una mezcla de sonidos espesos y densos, con insólitas capas oscuras de melodías trazadas una tras otra con un sin fin de cánones, con momentos de sosiego que se fusionaban con una agitada distorsión de música esquizofrénica y acida.
La faceta barroca con unos textos excelentes de su líder Peter Hammill hablan de lo místico hasta lo cotidiano, pasando por la religión o la astrología, mostrando igualmente una vertiente gótica y atmosférica, con recreaciones de su propia versión del Apocalipsis, con referencias cruzadas al ocultismo o a la ciencia atómica nuclear.
En sus primeros años lograron crear formidables discos como "The Least We Can Do Is Wave To Each Other" (1970), "H to He, Who Am the Only One" (1970) o "Pawn Hearts" (1971), considerados todas ellas obras maestras del rock progresivo y del rock en general.
En una segunda etapa la banda grabaría obras igualmente formidables como este “World Record”, un trabajo en donde ampliaron sus horizontes instrumentales, otorgando un mayor protagonismo a la guitarra eléctrica.
Esta experimentación tuvo como resultado un sonido aún mas lúgubre, denso y emocionante, a la par que melódico como podemos comprobar en cortes como la intensa “When She Comes” o en la irónica “Mask” que culminan con la épica y monstruosa suite “Meurglys III (The Songwriters Guild)”, un extenso tema, totalmente progresivo y serpenteante, en donde incluso hay acercamientos a ritmos reggae y con la gótica y ciertamente optimista “Wondering”, con la cual se cierra este fantástico álbum.
A mediados de los setenta esta banda irlandesa comenzarían a dejar atrás sus influencias celtas y su amor hacia el blues por un estilo mas poderoso y contundente, aunque sin olvidarse totalmente de sus raíces musicales.
En 1976 la banda liderada por el bajista Phil Lynott publicaba su sexto álbum “Jailbreak”, el cual por fin lograría el merecido reconocimiento en las listas de ambos lados del Atlántico.
Grabado durante los meses finales de 1975 y principios de 1976 en los Ramport Studios de Londres, seria el tercer trabajo con la formación comprendida por el mencionado Lynott al bajo y voz, Scott Gorham y Brian Robertson a las guitarras y Brian Downey a la batería.
Ambos guitarristas habían reemplazado a Eric Bell después del álbum “Vagabonds of a Western World” de 1973 y terminaron consolidando la formación mas estable de Thin Lizzy, grabando cinco álbumes desde el brillante “Nightlife” (1974) hasta el antológico “Bad Reputation” de 1977.
“Jailbreak” esta compuesto por una serie de cortes hard rock contundentes y pegadizos en donde las dobles guitarras tienen el principal protagonismo como queda demostrado en las magistrales “Emerald”, “Cowboy Song”, “Jailbreak” o la archiconocida “The Boys Are Back in Town”.
Mas de medio millón de copias y varios discos de oro, avalaron uno de los álbumes mas emblemáticos del hard rock de finales de los años 70 y todo un clásico de la legendaria banda irlandesa.
Con su cuarto álbum “Worlds Apart”, ya se adivinaban ciertas variaciones con respecto a sus trabajos anteriores. Para empezar la banda canadiense incorpora una evidente inclinación AOR, pero sin perder un ápice su poderosa sensibilidad progresiva.
En “Worlds Apart”, el factor progresivo sigue siendo predominante, como muestra la increíble “No Regrets (Chapter V)”, la ambiciosa epopeya “No Stranger (Chapter VIII)” o el atractivo instrumental orientado al jazz y el funk “Conversations”, cuyo explosivo cierre le acercan al heavy metal mas contundente. Por unos derroteros parecidos a esta ultima nos encontramos a la poderosa “Framed”, en donde la guitarra de Ian Crichton brilla notablemente.
Otro de los elementos que diferencian a este álbum son los sonidos electrónicos, en donde el entusiasmo por la bateria electrónica de Steve Negus, se muestra notablemente en “Wind Him Up” y “Time´s Up”.
Son estos dos temas los que le acercan leve e equivocadamente a la onda del technopop, un estilo que cada vez se estaba volviendo mas popular principalmente en Inglaterra, aunque con menos aceptación en Europa y prácticamente nula en Norteamérica a principios de la década de los ochenta, logrando una tímida presencia en las listas de éxitos mainstream del Reino Unido.
Pero mas allá de estos dos extravagantes experimentos, los cuales se alejan de filosofía original de Saga, la banda mostraba su faceta progresiva con la brillante “Amnesia” o con las tremendamente pegadizas AOR “On The Loose” y “The Intreview”.
A esas alturas, Gentle Giant ya eran una banda que había alcanzado la plena madurez de su propio sonido característico.
Aunque sin embargo es cierto que "Adquiring the Taste" no coincide con las ideas de "Three Friends" (1972), o "The Power and the Glory" (1974), ni siquiera es tan atractivo como "Free Hand" (1975), pero este por el contrario encapsula y encarna la expresión original más exquisita de Gentle Giant, con esa delicadeza y sofisticación muy habituales en la esencia de su música.
"Adquiring the Taste" esta compuesto por una antológica sucesión de cortes como la cautivadora y elegante “Pantagruel's Nativity”, la misteriosa y espeluznante “Edge of Twilight”, la astuta “The House, the Street, the Room” o la deudora bluesy “Plain Truth”, todas ellas interpretadas con un buen gusto sin límites y una maestría inmaculada. Mientras la melancólica “The Moon is Down”, con sus reflexiones líricas sobre el paso del día, contrasta inteligentemente con su antecesora, la más optimista, ”Wreck”, la cual combina el canto desenfrenado y la cámara renacentista con absoluta fluidez y el entusiasmo pegadizo. Inmediatamente después, aparece “Black Cat” que ofrece una sucesión de impresionantes partes de cuerdas en un contexto orientado al jazz: esas partes de cuerdas son dulces durante las partes cantadas e inquietantemente disonantes durante el extraño interludio instrumental. No queda más que decir que este álbum es una obra maestra del rock progresivo, una de las tantas que el grupo londinense realizaría a lo largo de su brillantísima carrera.
Los comienzos de este formidable dúo fue de manera casual; Jim Messina había pertenecido a las bandas de country rock Buffalo Springfield y Poco, con los cuales había grabado cuatro magníficos discos hasta que decidió abandonarla para seguir como productor profesional para la Columbia Records.
Por otro lado Kenny Loggins era un novel cantante de folk rock que a principios de los setenta comenzaba a despuntar, un hecho que no pasaría desapercibido para los directivos de la Columbia quienes les contrataron para grabar un primer álbum en 1971.
Messina que fue el elegido como productor de este álbum debut termino contribuyendo tanto en la producción como a la guitarra y voz, con el resultado que culminaría firmado oficialmente como “Kenny Loggins With Jim Messina Sittin´In”.
El gran recibimiento de este debut replantearía la carrera del dúo, que a partir de aquí permanecieron juntos durante casi toda la década de los setenta publicando seis álbumes en estudio y dos en directo.
En 1974 durante la gira de su tercer y exitoso álbum “Full Sail”, se extrajo diverso material que fue incluido en su doble en vivo “On Stage”.
Lanzado ese mismo año de 1974, recoge parte de los conciertos ofrecido en el Carnegie Hall de Nueva York, en el Winterland de San Francisco y en el Orpheum Theatre de Boston, con un repertorio compuesto por los mejores temas del grupo hasta esos momentos y una emocionante versión de 20 minutos de “Vahevala”, toda una epopeya que termina convirtiéndose en una explosiva jam rock.
Ademas también contiene las atractivas “Angry Eyes”, “Golden Ribbons”, “Back to Georgia”, “Listen to a Country Song” o “You Could Break my Heart”, todas ellas interpretadas brillantemente por una banda en un gran estado de gracia, en unos shows espectaculares con grandes aportes de rock, country y folk.
“On Stage” ha pasado a ser considerado uno de los grandes álbumes de la música norteamericana y otro de los históricos dobles en directo de la historia, logrando vender mas de un millón de copias, obteniendo un disco de platino y un decimotercer puesto en las listas del Billboard.
En "Festival", Carlos Santana vuelve a inclinarse por ese rock impregnado de sonidos criollos y el pop más comercial como ya había mostrado en su anterior trabajo "Amigos" (1976), con una fórmula de canciones instrumentales que alcanzan un éxito moderado. Y si en el anterior álbum, el tema "Europa" sería el hit del disco, aquí tomaría el relevo "Revelations", un tema reflexivo con una explosión final de rock, funk y sonidos isleños.
El resto de “Festival” esta compuesto por la alegres “Let The Music Set You Free” y “Let The Children Play”, las cuales son junto a la rock “Reach Up”, la pegadiza “Try a Little Harder” o la instrumental “Jugando”, los mejores momentos de un entretenido disco en donde como es habitual sobresalen los intensos y apasionados solos de guitarra de Santana, los dinámicos teclados de Tom Coster y la impetuosa sección rítmica compuesta por José Chepito Areas, Raul Rekow, Gaylord Birch y Paul Jackson, logrando mantener el buen nivel de un álbum que comercialmente lograría un disco de oro en el mercado norteamericano.
“Dirt Farmer” es uno de esos soberbios y palpitantes discos que demuestra la sangre que lleva dentro este legendario músico impregnada de blues, gospel, folk, country y rock and roll y que interpreta de manera natural y asombrosa.
Compuesto por temas tradicionales que van desde canciones rurales hasta bluegrass, pasando los senderos del folk o versiones de artistas del calibre de Steve Earle, Budy Miller, The Carter Family o Stanley Brothers, Helm nos deja otro álbum que lleva camino de convertirse en un clásico atemporal.
Acompañado de su hija Amy Helm, cuenta con la valiosísima colaboración entre otros de Larry Campbell, un músico curtido en mil batallas que formo parte de la banda de Bob Dylan durante años.
El desparpajo y la combinación de estilos demuestran que aun Helm conserva aquí su innegable capacidad para poner en asombro a cualquiera con su voz rasposa y esta vez debido al cáncer, desgastada y en cierto modo cansada.
El rock esta presente en cortes como “False Hearted Lover Blues”, mientras el viejo cajun aparece en “Poor Old Dirt Farmer”, dos temas en donde además demuestra su talento con la batería.
El resto esta relleno de sentimientos como queda demostrado en los cortes “The Mountain”, “Single Girl, Married Girl” o “Wide River To Cross”.
“Dirt Farmer” obtuvo su merecido reconocimiento logrando el premio Grammy al mejor álbum de folk tradicional en el 2008, haciendo así justicia a la innegable labor de uno de los patriarcas de la música de raíces norteamericana.
“Watch” es sin duda, el último gran disco de Earth Band por su sorprendente rock progresivo que poco a poco se convirtió en una regresión comercial. A pesar de que está pisando los talones de sus canciones más comerciales hasta esa fecha como "Blinded By The Light", perteneciente a su anterior trabajo “The Roaring Silence" (1976), aqui incluso lograron un gran éxito comercial con el sencillo "Davy's On The Road Again", y a pesar de ello sigue siendo una pequeña obra maestra certificada del estilo progresivo. Ese hecho está respaldado por los soberbios sonidos de mellotron, los adictivos coros y las pegadizas guitarras acústicas y eléctricas que rellenan la totalidad de este álbum.
Cortes como la genial “Circles” o las brillantes “Drowning on Dry Land/ Fish Soup”, “Chicago Institute” y “Mighty Quinn” demuestran el potencial de un álbum de sobrada calidad, producto del incuestionable talento de una de las mas grandes bandas del progresivo británico de los 70.
Para la compleja grabación de esta obra, Webber recurriría a una serie de músicos de gran renombre, como su hermano Julian, un violonchelista virtuoso, cuyo instrumento es el elemento central de la música aquí expuesta.
El resto esta formada por los miembros de la banda de jazz rock progresivo Colosseum II, es decir Gary Moore a la guitarra, Don Airey a los teclados y su fascinante sección rítmica de jazz compuesta por Jon Hiseman (batería y percusión) y John Mole (bajo).
Además también participan los míticos Rod Argent a los teclados, Herbie Flowers al bajo, Bill LeSage al vibráfono, Phil Collins a la batería y Barbara Thomson a los instrumentos de viento.
El resultado final es una brillante pieza clásica que se transforma en varios estilos que van desde los sonidos blues y hard rock hasta el jazz y el progreso sinfónico, todo ello sin perder ninguna coherencia, convirtiendo a esta obra en uno de los mayores logros y todo un hito en unir la música clásica y la música rock de manera tan apabullante y antológica.
Si bien no está tan completamente realizado o pulido como las obras maestras posteriores “Fragile”, “Close To The Edge”, “Tales from Topographic Oceans” o “Relayer”, es un trabajo casi tan ambicioso y maduro como estos, y el cual los situaba en el panteón del rock progresivo de principios de los 70.
Y es que a medida que Yes iban creciendo en madurez, se volvieron más ambiciosos y experimentales, cambiando su formación (la primera de muchas), para adaptarse a sus ambiciones y necesidades.
En esta tercera entrega ya aparece Steve Howe, sustituyendo a Peter Banks, con el cual la banda tomaba otra dimensión a nivel tanto compositivo como instrumental.
Aquí aparecen tres de las mas grandes epopeyas de toda la carrera de Yes, para empezar "Yours Is No Disgrace", todo un clásico del rock progresivo, un tema dinámico, aunque sin llegar a la complejidad de las otras dos grandes piezas restantes como son las monumentales "Starship Trooper", un adelanto de lo que llegaría en los álbumes sucesivos y la atemporal "I´ve Seen All Good People", ambas divididas en varios movimientos, en donde la versatilidad de Howe, Squire, Kaye y White, son el perfecto contrapunto a la voz angelical y las místicas letras de un Jon Anderson inconmensurable.
Las menores "Clap", (una pieza incluida para reforzar las habilidades y la destreza del nuevo guitarrista Steve Howe), y la previsible y en cierta medida prescindible "A Venture", conforman la primera obra maestra de una de las mas grandes bandas de la historia de la música rock.
De esa epoca destacan los álbumes “Alpha Centauri” (1971), “Zeit” (1972) y “Atem” (1973), trabajos todos ellos repletos de una sinfonía espacial electrónica que incluso incluían algunos elementos tribales y que se acercaban a la escena progresiva del krautrock.
La segunda etapa es la llamada “Los años de Virgin”, que entre 1974 y 1983 esta considerada la fase culminante del grupo.
Ella marca un giro radical en el sonido de Tangerine Dream, apostando nuevamente por las largas suites pero adquiriendo una entidad propia y un mayor y mejor usos de los teclados y sintetizadores y una propuesta mas accesible aunque sin embargo no alejados de la experimentación.
De esta epoca sobresalen los monumentales “Phaedra" (1974), "Rubycon" y "Ricochet", ambos de 1975, "Stratosfear" (1976), "Encore" de 1977 o "Force Majeure" de 1979.
Durante la segunda mitad de los setenta los conciertos en vivo de Tangerine Dream eran únicos y espectaculares. Por la delicadeza de los equipos analógicos, el trío alemán improvisaba cada noche un nuevo show, adoptando las líneas principales de largos conciertos donde la furia secuencial apoyaba la ferocidad de los sintetizadores, los teclados y el Mellotron, así como el enfoque rockero de la guitarra de Froese y "Encore" es seguramente uno de los mejores ejemplos de todo ello.
"Encore" fue el segundo álbum en vivo de Tangerine Dream. Esta vez, se trata de un doble álbum que se grabó durante la gira norteamericana de la banda, de marzo a abril de 1977. Pero a diferencia del anterior directo "Ricochet", el cual es técnicamente un álbum en vivo que no tuvo presencia de público, en "Encore" el público hace notar su presencia en determinados momentos, dotando a la grabación de un ambiente de directo adecuado.
Compuesto por cuatro largos temas, este doble álbum comienza con "Cherokee Lane", sin duda la más conservadora de las cuatro pistas en términos de duplicación de los trabajos anteriores. Los Mellotrones están por todas partes, creando ese estado de ánimo inquietantemente hermoso y místico. La siguiente "Monolight" proporciona el momento mas complejo, entretejiendo tonos mayores y menores con la melodía principal a base de los mini-moog. "Coldwater Canyon" es el título de la pista en donde sobresale Edgar Froese. Una suite intensa, optimista y rockera que presenta a Froese en plena forma con la guitarra eléctrica, mostrando su capacidad de destreza e improvisación. Aún siendo un tema de vanguardia, se aleja del repertorio habitual de la banda. La última pista, "Desert Dream", encierra el álbum en un estilo puramente atmosférico, pasando de pasajes oscuros y experimentales a partes hermosas y etéreas con toneladas de mellotrones y un toque oriental que encaja con el título de la pista, la cual finaliza recordando los vapores de "Invisible Limits" de "Stratosfear".
En 1972 publicaba una de sus grandes obras "Something/Anything?”, un doble álbum donde Rundgren explora una amplia gama de estilos musicales que van desde el rock hasta el soul, pasando por el pop simple y el power pop.
Confeccionado en cuatro caras bien diferenciadas, el músico norteamericano se encarga de tocar todos los instrumentos en las tres primeras, en donde aparecen composiciones tan brillantes como las melódicas “I Saw The Light” y “One More Day (No World)", la frenética “Little Red Lights”, la rock “Black Maria”, la brillante “Torch Song” o la espléndida versión “Hello It´s Me”, tema el cual ya había sido publicado unos años antes junto a su germinal banda Nazz. Para la cuarta cara del álbum, Rundgren esta acompañado de una nutrida colaboración de grandes músicos entre los que destacan Rick Derringer, Mike Brecker, Jim Horn, Randy Brecker, Stu Woods o Randy Read entre muchos mas.
En este cuarto lado, Rundgren da rienda suelta a su pasión por sus raíces musicales con bellas melodías como “Dust in The Wind” o temas puramente rock como la visceral “Some Folks is Even Whiter Than Me”.
Exodus fue formada en Varsovia a mediados de 1976, (no confundir con la banda norteamericana de trash metal del mismo nombre, de la década de los ochenta), sus primeros años transcurrieron con innumerables actuaciones en todo el territorio polaco, labrándose una gran reputación entre los aficionados al genero.
Su formación estaba compuesta por Paweł Birula (voz y guitarras), Andrzej Puczyński (bajo, guitarras, sintetizadores y voces), Władysław Komendarek (teclados), Wojciech Puczyński (bajo y guitarras) y Zbigniew Fyk (batería y voces).
A mediados de 1980 logran auto producirse el álbum "The Most Beautiful Day", el cual se convierte en uno de los mejores lanzamientos del rock progresivo europeo de ese año.
Un álbum con grandes tendencias sinfónicas, que sin embargo no es muy representativo del sonido típico de su país, orientando su música hacia un estilo mas anglosajón muy cercano a los Genesis de la primera época.
Grandes arreglos con un uso intensivo de los teclados y las guitarras eléctricas, hermosas texturas acústicas y un estilo de música rock fuertemente influenciada por el sonido sinfónico, son su denominador común como queda demostrado en el tema mas destacado del álbum, la suite "The Most Beautiful Day", toda una epopeya dividida en cuatro movimientos con brillantes interacciones instrumentales, pasajes sonoros bucólicos y movimientos mas oscuros de órgano y clavicémbalo.
Un año mas tarde la banda publicaría un segundo trabajo, "Supernova", el cual seguía por unos derroteros parecidos al primer álbum.
A mediados de los ochenta la banda se disolvería definitivamente hasta años después cuando regresarían con dos meritorios trabajos titulados "Nadzieje, Niepokoje" (2006) y "Hazard" (2008).
Sin embargo, lo cierto es que el sexto álbum de la banda de Topeka es la obra de su mejor época menos valorada y mas menospreciada, y en parte fue debido al comienzo de la creatividad regresiva del grupo, que de todas maneras esta confeccionado con una serie de temas sólidos, interpretados astutamente y con una instrumentación sobresaliente por parte de todos los miembros del grupo.
Habría que señalar que después de dos obras cumbres como fueron "Leftoverture" y "Point Of Know Return", la banda empezaba a mostrar divisiones entre sus miembros, especialmente entre el vocalista Steve Walsh, el cual deseaba seguir un camino musical mas simple, mas rockero y menos espacial y progresivo, y por otro el guitarrista Kerry Livgren, quien se inclinaba por temas mas complejos con letras místicas y grandes arreglos que bordeaban lo espiritual (habría que recordar que Livgren por aquellos años era un ferviente partidario del Libro de Urantia, una especie de alter-Biblia espiritual que surgió en Chicago a mediados del siglo XX).
A pesar de la tendencia musical de asentarse en el hard rock complejo, este "Monolith" aún conserva muchos momentos progresivos como se demuestran en los cortes "On The Other Side", "Angels Have Fallen" o "A Glimpse Of Home", temas todos ellos con grandes clímax instrumentales.
Estas son secundadas por cortes enfocados al hard rock "How My Soul Cries Out For You" o "Stay Out Of Trouble", melodías pegadizas "People Of The South Wind", cortes mas eclécticos como la heredera a los sonidos de la America profunda "Away From You" o la solemnidad del cierre "Reason To Be".
Sin embargo y pese al rechazo de un sector de sus fans, comercialmente y lejos de sus multimillonarios hitos anteriores, "Monolith" alcanzaría un meritorio disco de platino por sus abundantes ventas en el mercado norteamericano.
Para ello se trasladaría a Paris, mientras el resto de la banda permaneció en Los Ángeles, esperando que de alguna manera Morrison pronto se aburriera de escribir poemas a la orilla del Sena y regresara para seguir con la carrera del grupo.
Apenas tres meses después, el 3 de julio, Jim Morrison fallecería de un supuesto infarto, en una de las muertes mas polémicas y misteriosas de la historia de la música moderna.
Pero antes de este luctuoso suceso, en abril se publicaba oficialmente “L.A.Woman”, para muchos el canto del cisne de The Doors y toda una obra maestra de la música contemporánea.
Un álbum que muestra a un Jim Morrison con un claro acento blues decrépito, debido sin duda a sus años de abuso de sustancias derivadas de las drogas y a su autodestrucción, pero que sin embargo de alguna manera ayuda a que la música aquí sea mas mezquina y cruda y al mismo tiempo incluso mas refinada.
Con un papel todavía bastante dominante en las composiciones por parte de Jim Morrison, a pesar de ello se denota un menor entusiasmo y a la postre un mayor protagonismo de Manzarek, Desnmore y Krieger, en el que es sin duda el trabajo donde mas brillan sin estar oscurecidos por el rol de su líder.
También es el álbum en el que cuentan con un bajista de manera oficial, papel que recaería en Jerry Scheff, además de contar con un segundo guitarrista, Marc Benno.
Ambas contribuciones, sobre todo la primera, liberaba a Ray Manzarek en el rol de teclista, otorgándole un mayor protagonismo instrumental.
En “L.A.Woman” no hay ningún corte que sobresalga sobre el resto si exceptuamos a esa antología que es “Riders on The Storm”, desde la inicial “The Changeling”, con sus patrones rítmicos en evolución y esos teclados funkys (curiosamente una década después la banda Lipstick, tomaría “prestada” la base rítmica de esta canción para su hit mundial “Funkytown”), hasta temas blues con acordes jazzisticos, “Been Down So Long”, “Cars Hiss By My Windows” o “Crawling King Snake”, pasando por cortes proto prog como la vertiginosa canción principal, la melódica y con un gran trabajo de percusión y órgano “The Wasp” o la impresionante “Riders On The Storm”, una deslumbrante epopeya que ha pasado a los anales del rock como todo un clásico atemporal.
Quince discos de platino, media docena de discos de oro y cerca de 7 millones de copias vendidas alrededor del mundo, fueron los impresionantes registros de este asombroso ultimo álbum de The Doors con Jim Morrison al frente de la banda.
Sin embargo ambos álbumes no fueron demasiados comprendidos por una parte del publico y de la prensa, entre otros motivos por ser bastantes oscuros y retorcidos, por lo que Ian Anderson para su siguiente movimiento optaría por un formato de canciones mas cortas y convencionales sin dejar de lado su sarcástica critica a la sociedad establecida.
En esta nueva entrega vuelven a aparecer igualmente los arreglos un tanto tortuosos, con violines, flautas, sintetizadores, órgano, acordeones y guitarras eléctricas que son solo algunos de los instrumentos mezclados para este álbum, el cual para muchos resulta uno de los trabajos mas ambiciosos de la banda británica.
Aquí ya aparece como miembro permanente David Palmer, el cual otorga con sus suntuosos arreglos orquestales clásicos un sonido rico y ecléctico.
Unos arreglos que por otra parte son asombrosamente ejecutados, equilibrando admirablemente la música que este álbum contiene.
El variopinto repertorio de sonidos incluye acercamientos al hard rock “Back-Door Angels”, con interludios folky “Sealion”, temas melódicos muy cercanos al folk rock “Bungle In The Jungle”, agradables canciones acústicas medievales “Only Solitaire”, tiernas baladas “Skating Away On The Thin Ice of the New Day” o brillantes composiciones made in Jethro Tull como “Queen and Country” o Two Fingers”.
En definitiva “War Child” supuso la vuelta de Jethro Tull a la senda de los discos de estructura simple y se convirtió en uno de los mejores lanzamientos del rock progresivo de la década de los años 70.
Alejados ya casi completamente del sinfonismo de sus primera obras, este es un disco de claro corte “art pop” o incluso como muchos denominarían “pop progresivo”, en el que ya estaban inmersos muchas de las grandes bandas del rock progresivo de la década de los 70 (Yes, Genesis, Supertramp...).
Con un sonido extremadamente brillante y limpio (no es de extrañar que fuera nominado a los Premios Grammy al mejor álbum de ingeniería en 1983), Parsons y Woolfson dotan aquí a todas las canciones de una estructura simple pero al mismo tiempo muy efectiva, de fácil escucha pero de gran sofisticación, de hecho muchas de las canciones del álbum aparecían constantemente en las emisoras de radio de la época de medio mundo y aún hoy en día siguen sonando con bastante frecuencia.
Para la grabación del disco el dúo volvería a contar con gran parte de los músicos que habían participado en los álbumes anteriores como Ian Bairnson (guitarra), Mel Collins (saxo), David Paton (bajo y voz), Stuart Elliot (batería), Chris Rainbow (voz), Colin Blunstone (voz) o Lenny Zakatek (voz), además de la colaboración del también habitual Andrew Powell en los arreglos orquestales, entre otros músicos destacados.
Un álbum que comienza con la atmósfera sinfónica del tema apertura “Sirius”, la cual contrasta con la melódica “Eye In The Sky”, un rock suave adictivo y tremendamente pegadizo, mientras la pop sinfónica “Silence And I”, es otro de los momentos memorables del disco, que junto a la divertida “Psychobabble”, la funky “Mammagamma” y la rica y melancólica “Old And Wise”, conforman una pequeña obra maestra del genero y uno de los álbumes imprescindibles de la década de los ochenta, logrando numerosos números uno alrededor del mundo y cerca de la docena de discos de platino por sus tremendas ventas.
Sin embargo también es cierto que aquí empezaban a perder algo de su impulso progresivo inicial de antaño mostrando un contenido menos arraigado y mas convencional.
Aún así, ello no significa que hayan dejado de lado los sonidos progresivos, ya que aquí también hay mucho material impresionante, repleto de enorme complejidad instrumental, pasión genuina y esa magia especial que solo el flamenco puede dar al conjunto final para que suene realmente progresivo.
La razón principal de todo ello es el uso menos acuciado y mas comedido de los sintetizadores de Jesús de la Rosa, como contrapunto a los sonidos de las guitarras eléctricas y acústicas, lo que permite que estas ultimas le roben el protagonismo y conduzcan en muchos momentos del álbum a sonidos mas agresivos y mas puramente rock.
Todo lo dicho esta claramente manifestado en la inicial “Un Historia”, un claro tema rock con influencias blues, repleta de serenidad melancólica. Como contrapunto aparece “Quiero Contarte”, una alegre pieza con un gran trabajo de la guitarra eléctrica a cargo de Pepe Roca, uno de los guitarristas invitados, junto a Antonio Pérez y Enrique Carmona, los cuales dan muestra de su innegable calidad durante todo el disco.
Con la siguiente “Sombra y Luz”, Triana vuelve a demostrar su estilo experimental con un tour de force en donde hay trazos de jazz rock y sonidos psicodélicos, y es aquí de los pocos momentos en donde los sintetizadores de Jesús De La Rosa recuperan la esencia de los álbumes anteriores en una pieza brillante y antológica.
Tras ella llega la epopeya “Hasta Volver”, un épico tema de mas de diez minutos que son junto a la anterior, lo mas sobresaliente del disco. La hermosa “Tiempo sin saber”, muestra la faceta flamenca del grupo, mientras la “Vuelta a La sombra y a la Luz” mantiene la misma estructura musical que su homónima “Sombra y Luz”, pero con una duración mucho mas corta y comedida.
Este décimo álbum fue publicado después de que el propio Fish experimentara varios acontecimientos que serian traumáticos para cualquier ser humano, como el fin de su matrimonio o un penoso cáncer de garganta del cual terminaría recuperándose algún tiempo mas tarde, pero que como ya había ocurrido años antes, cuando el cantante escocés pertenecía a su banda madre, y reflejado en el álbum "Clutching at Straws", sus luchas personales a menudo han inspirado sus trabajos mas sólidos y este "A Feast of Consequences", es la demostración mas palpable.
Un disco que muestra a un Fish mas maduro, con un art rock sofisticado, caracterizado por grandes composiciones melódicas, un lirismo ingenioso y unas claras influencias del folk británico, con unas letras comprometidas, desde la inutilidad de las guerras, hasta los entresijos políticos, todo ello tratado con su carismática reflexión.
Sin llegar a entrar de lleno en el rock progresivo, aquí encontramos atisbos del genero vanguardista como la enorme suite "High Wood", toda una epopeya en donde se dan cabida rasgos de poderoso rock, la música celta y exuberantes sonidos sinfónicos.
La épica "Perfume River", es una reflexión tenue que contrasta con el pop sofisticado de "All Loved Up", o con las suntuosas "Blind To The Beautiful" y "The Other Side of Me", mientras la evocadora "The Great Unraveling" es otro de los momentos brillantes de este magnifico álbum del gigantón cantante escocés.
Sin embargo Jean-Michel Jarre no abre con este trabajo nuevos caminos, pero lo que hace es más concretamente, lograr articular su ideología masiva basada en sintetizadores con un enfoque más sólido. Manteniendo la inteligencia para crear ambientes cautivadores y adornos sintetizados pegadizos, el renovado interés de Jarre en construir orquestaciones electrónicas bien elaboradas, le permite entregar y retratar un mayor sentido del orden y, por lo tanto, poner un mayor énfasis en las líneas melódicas básicas y su complementación con las armonías programadas y las capas de sintetizador etéreo.
Jarre también tiene especial cuidado en utilizar sub tonos percusivos en los arpegios programados y ambientar determinados pasajes. La producción de sonido también se siente un poco más fuerte, lo cual es bastante apropiado para la naturaleza del repertorio de este álbum. Las "Partes I y II" muestran esta tendencia bastante abiertamente, al igual que las "Partes IV y VII", los cuales son los momentos más poderosas del álbum. Los exquisitos motivos comprendidos en las "Partes IV y VII" alcanzan una postura casi épica, debido al constante despliegue de energía y al sutil uso de las reelaboraciones que van surgiendo, como la fuerte presencia de la Cuerda Solina que definitivamente ayuda a construir una sensación orquestal que parece estar flotando sobre las texturas y efectos electrónicos. "Part V" fue el sencillo del álbum, y no es de extrañar, ya que es bastante pegadizo y emana una vibra similar a la de 'Oxygene Part IV", mientras la "Parte VI" es básicamente una progresión minimalista de acordes secuenciados a lo "Radio-Activity" de Kraftwerk que establece un vínculo entre las "Partes V y VII". Finalmente, la "Part VIII", trae recuerdos ocasionales de un club bohemio en París (una sección que luego se llamaría 'Band in the Rain'), antes de que surja una grandilocuente repetición del tema principal de la "Part V" y el cual cierra un álbum de extraordinaria belleza y otro enorme éxito del músico francés.
