Entre las primeras nos encontramos la inmortal “Hair Of The Dog”, un hard rock que contiene unos riffs de guitarras mágicos y contundentes, la poderosa heavy rock “Miss Misery”, la blues rock “Changin´Times”, la deudora del blues sureño “Whiskey Drinkin´Woman” y la extensa y pesada “Please Don´t Judas Me”, sin duda el momento mas memorable del álbum, una pieza que se mueve entre el hard rock, el rock progresivo y los sonidos psicodélicos. Entre las versiones se encuentras la emotiva “Love Hurts”, tema original de los Everly Brothers, la bluesy “Guilty” de Randy Newman y la visceral “Beggars´Day” de los Crazy Horse.
En definitiva, “Hair Of The Dog” es otro soberbio álbum de los escoceses, en donde volvieron a demostrar su genialidad a la hora de componer una serie de canciones conjugando múltiples influencias de manera brillante y logrando un estilo coherente y versátil dentro del panorama del hard rock de los setenta.
El resultado fue este “Desperado”, el álbum en donde mejor manifiestan su vena mas country con absoluta claridad. Desde el tema que da titulo al disco, uno de sus temas mas emblemáticos, una aterciopelada balada country, hasta la agresiva “Out of Control”, The Eagles demuestran su diversidad de paletas de sonidos e intensidades con un trabajo admirable y sorprendente. Pero no solo de estas dos canciones vive el álbum, además aparecían cortes tan sobresalientes como la elegante “Tequila Sunrise”, la impetuosa “Out Man”, la sentida “Saturday Night” o las folk “Twenty One” y “Certian Kind Of Fool”.
Pese que al principio este álbum fue recibido con cierta frialdad por sus fans, con el paso del tiempo fue obteniendo el éxito merecido, logrando por sus ventas varios discos de platino y alcanzando el status de disco de culto y una de las mejores obras de grupo californiano y toda una joya del country norteamericano.
Sin embargo Scorpions ya por esa época tenían un gran renombre fuera de Europa, como por ejemplo en el mercado japonés, donde todos sus álbumes anteriores habían tenido una gran acogida y venerados por el publico nipón como que queda demostrado en su doble en directo “Tokyo Tapes” (1978).
Parte del éxito de este nuevo disco esta en el hit “No One Like You”, con ese pegadizo ritmo y esos riffs de guitarras adictivos adornados con unas melodías vocales irresistibles.
Además de esta espectacular canción sobresalían las incendiarias “Dynamite”, “Blackout” y “Can´t Live Without You”, la preciosista “Arizona”, la irresistible balada “When The Smoke Is Going Down” o la demoledora “China White”. Con este, su octavo trabajo, la banda germana conjugo sabiamente la comercialidad y el heavy rock, en un álbum tan adictivo como pegadizo e irresistible, que gustaba tanto a los fans del heavy metal como al publico en general.
También es el álbum en donde se encuentran muchos de sus grandes clásicos como “Moondance”, una soberbia pieza bajo el embrujo del swing, o la gospel “Brand New Day”, sin dejar de mencionar otras soberbias canciones como la country “And It Stoned Me”, la soul “Crazy Love”, la R&B “These Dream Of You”, la animada “Glad Tidings” o la melódica “Caravan”, además de acercamientos a sus raíces folk como queda demostrado en la hermosa “Into The Mystic”.
La gran aceptación del álbum por parte del gran publico le llevaría a conseguir varios discos de platino a ambos lados del Atlántico y unas asombrosas ventas con mas de tres millones de copias vendidas solo en el mercado norteamericano.
En esta ocasión Bowie nos deleita con un trabajo repleto de matices de folk, pop, rock y ramalazos de la música de cabaret, un disco que se convirtió en un claro referente en la historia del pop-rock.
Compuesto por enormes composiciones como la arreglada y portentosa “Life On Mars”, la sentimental “Andy Warhol”, la alegre pop “Kooks”, la glam rock “Queen Bitch, la inocente y lúdica “Fill Your Heart” o la enérgica “Changes”, con todas ellas demostraban la enorme capacidad creativa de un genio como Bowie tan camaleónico como portentoso y con una extraordinaria personalidad. Su grandeza estaba en conjugar de manera asombrosa tal cantidad de estilos sin entrar en la incoherencia musical.
Para esta tercera entrega Bowie había contado con su mano derecha Mick Ronson a la guitarra, Rick Wakeman a los teclados, Trevol Bolder al bajo y al batería Mick Woodmansey y que bajo la supervisión del productor Ken Scott, conformaron uno de los álbumes fundamentales en la carrera del Duque Blanco y uno de los 500 mejores discos de la Historia.
De alguna manera este álbum supone también un ligero cambio en el sonido de Jean Michel Jarre, con una música más compacta, menos flotante, espacial y más centrado en el sampleo y el ritmo. Este fue uno de sus primeros trabajos en presentar muestras de voces humanas y elementos "cotidianos" en la música, algo que Jarre experimentaría masivamente en el siguiente "Zoolook", lanzado algunos años después de este.
La brillante suite de apertura de casi 18 minutos, (las cuales incluyen las "Partes I y IV"), supone uno de los temas absolutos de Jarre, una suite construida como una secuencia de dos motivos principales sucesivos, con un interludio de ensueño que proporciona una especie de espíritu cósmico. El primer motivo principal se basa en una serie dinámica de progresiones de acordes sintetizados, con muchas capas altísimas y armonías adicionales que continúan mostrándose en un crescendo sólido y elegante; el segundo tiene una sensación más orquestal, de esta manera con una arquitectura progresiva (lo más cercano al progresivo que puede ser el pop electrónico), siendo la "Parte IV" el momento más hermoso del álbum: con unas líneas melódicas evocadoras y sus capas relajantes que nos recuerdan a las "Partes IV" y "VII" de "Equinoxe”, pero con una atmósfera más serena. Mientras la "Parte V" es simplemente una rumba: Jarre aquí profundiza en lo latino y ofrece una interpretación de este prototipo de sensualidad criolla latinoamericana.
En definitiva este tercer trabajo del músico francés, (aunque en realidad era su quinta obra), resulto un trabajo extraordinario, tan ambicioso como sus predecesores y que sin llegar a sus ventas multitudinarias, si lograría encaramarse entre los primeros puestos de muchos países alrededor del mundo y unas ventas que superaron con creces los 4 millones de copias vendidas.
En el encontramos épicas composiciones al mas puro estilo progresivo como "Megalomania" y "The Writ", que se alternan con otros seis cortes de excelente factura.
Tomando como referencia a estas dos épicas canciones, nos encontramos con "Megalomania" una extensa pieza de mas de 10 minutos magníficamente diseñada que trata conceptualmente sobre las locura y la enfermedad mental y que musicalmente muestra la faceta psicodélica y experimental de Black Sabbath con un soberbio tema de proto progresivo monumental. De igual manera "The Writ" es otra pieza progresiva, esta aún mas pesada y oscura que la anterior y que literariamente es una declaración contra el negocio de la música.
El resto del álbum se mueve entre el sonido clásico del grupo como la aplastante "Symptom Of The Universe", la instrumental y extraña "Supertzar", la pesada y evocadora "Hole In The Sky" , la fúnebre y pesada "Thrill Of It all" o la mas accesible "Am I Going Insane".
“Sabotage" pese a ser un soberbio disco y uno de sus trabajos mas intrincadamente elaborados, es al mismo tiempo uno de sus álbumes mas incomprendidos y menos apreciados de toda la discográfica del grupo de Birmingham y si bien no fue tan accesible de inmediato como los primeros tres álbumes, este fue en realidad la cima de la destreza creativa de la era Ozzy con Black Sabbath y el fin de la época mas esplendorosa de la banda.
En esta ocasión el músico griego se recrea en la vida del pintor religioso heleno, afincado en España en el siglo XVI-XVII, Doménikos Theotokópoulos, apodado el Greco.
En este trabajo Vangelis sigue demostrando que es un verdadero artista que no le presta la menor atención a la comercialidad, mostrando un álbum sobrio y etéreo, emocionalmente profundo y espiritual, una música para los ojos de la mente.
Compuestos por diez extraordinarios movimientos en ejecución, muestra el sufrimiento del pintor y sus obras, casi de naturaleza opresiva, como representando la vida como un concepto y la mortalidad del sentido físico.
Durante los casi 73 minutos de duración, el teclista intenta transmitir una gran carga emocional muy profunda, y una estética musical agradable y sofisticada, en donde la música medieval, y bizantina van unidas de la mano de manera extraordinaria, la cual se asemeja por momentos a una poderosa banda sonora de película.
La música por otra parte posee una delicada esfera de misticismo y tristeza, lo que convierte a este trigésimo cuarto álbum del músico griego en una de sus grandes obras maestras.
Sucesor del etéreo y refinado “Still Life” de varios años antes, en esta nueva entrega se muestra a un Pat Metheny mas versátil y dinámico, mostrando elementos anteriores al mencionado trabajo, aunque nunca abandona por completo el sonido predominante en el disco anterior “Still Life”, conteniendo en muchos de sus pasajes algunos de sus resquicios aunque de manera bastante sutil.
Los sonidos latinos están aquí y allá como queriendo asomar y convertirse en el sonido predominante, sin llegar a dominar nunca el estilo jazzistico del álbum, una buena muestra de ello es la inicial “Have You Heard”, en donde sobresale el dinamismo de los teclados de Lyle Mays y el impresionante credencial de Metheny con las seis cuerdas.
La ligera melodía jazzistica de “Every Summer Night” contrasta con la anterior y con la siguiente, deudora del sonido Bossa “Better Days Ahead”.
“Spring Ain´t Here” dedicada a Stanley Turrentine, es el momento mas sombrío y oscuro del álbum, que pese a su enorme complejidad se mantiene en un tono sutil y elegante marca del habitual sonido de Pat Methey Group.
La alegre con sonidos caribeños “Beat 70”, da paso a la sutileza de la pegadiza “Dream of The Return” y a la hipnótica y memorable “Are We There Yet”, uno de los momentos cumbres del álbum, en donde el sintetizador de Mays brilla de manera excelente y que es la antesala del momento mas elegante con “Letter From Home”, un tema pegadizo, melódico y relajante con el cual culmina de manera brillante un disco memorable y un digno muestrario del mejor jazz fusión de los años ochenta.
Su carrera se cimentaría durante la década de los cincuenta y sesenta junto a la banda The Impressions con los cuales obtuvo un gran éxito gracias a los hits "It's All Right", "Keep On Pushing" o "Amen", todos ellos lanzados en la primera parte de la década de los sesenta.
Ya en 1970 Mayfield hastiado del soul pop que practicaba junto a su banda, decide comenzar su propia carrera en solitario, creando su propio sello discográfico Curtom y derivando su estilo hacia derroteros psicodélicos, con un sonido funk y soul que en cierta medida se acercaba a lo que por entonces hacia Isaac Hayes.
"Curtis" lanzado casi a finales de 1970, seria su primera obra en donde ya mostraba ese pudoroso funk impregnado de psicodélica y vanguardismo como queda demostrado en los cortes "Move On Up" o "We People Who Are Darker Than Blue", temas frenéticos en donde las guitarras fuzz, los imponentes arreglos de cuerda y vientos, son secundados por unas poderosas percusiones. Sin embargo no deja de lado totalmente su lado soul, mostrando esa faceta con temas mas clásicos como "Miss Black America" o "Give It Up".
En el plano lírico Mayfield incluye aquí temáticas sociales y políticas enfocadas en temas como el racismo o la recurrente violencia policial de la época.
"Curtis" esta considerado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos en el cual se unen la elegancia, la lírica y la estética musical, de uno de los mejores artistas de raza negra de la historia de la música popular.
The Edgar Broughton Band fueron una de mas originales y al mismo tiempo infravaloradas bandas británicas de finales de los sesenta. Fundada en la localidad británica de Warwick, al sur de la ciudad de Coventry, en sus inicios fueron una banda de blues, que iniciaron su andadura tocando en pequeños clubs de su ciudad.
Después de establecerse en Londres, lograron un contrato con Blackhill Enterprise, los cuales les pusieron en contacto con el sello Harvest, la división progresiva de la EMI Records.
Después de grabar un single bastante esperanzador, publican su primer álbum titulado “Wasa Wasa”, que publicado en 1969 seria uno de los muchos discos que ese año elevaron el listón del rock progresivo hasta altas cotas de calidad.
En este primer álbum, la banda estaba formada por los hermanos Broughton, Edgar a la guitarra y voz y Steve a la batería, cerrando la formación el bajista y voces Arthur Grant.
En "Wasa Wasa" la banda mostraba un estilo progresivo muy oscuro como queda demostrado en la malhumorada “Death Of An Electric Citizen” o en la icónica "American Boy Soldier”, una de las canciones antimilitaristas contra la guerra del Vietnam mas poderosas jamás grabada por una banda británica.
El tono implacable y deprimente continua con las desoladoras “Why Can´t Somebody Love Me”, “Evil”, “Crying” o la tremendamente compleja y difícil “Dawn Crept Away”. El resultado final de este álbum es uno de los mas desafiantes nunca antes compuestos en Inglaterra, al mismo tiempo que es uno de los debuts mas impresionantes, repleto de un gran atractivo vocal y musicalmente ingenioso y memorable.
Después de un álbum continuista como fue “Sing Brother Sing”, con una temática mas enfocada hacia las reivindicaciones climáticas, en el cual se incluye la políticamente incorrecta “Aphrodite”, llegaría su tercera obra, y sin duda su obra magna “The Meat Album” (1971).
En esta tercera entrega la banda muestra un tour de force progresivo de principio a fin, desde la inicial, palpitante y apocalíptica “Evening Over Rooftops”, seguida por un repertorio cargado de temas que van desde el blues rock, hasta el country rock o acercamientos al folk progresivo, todo ellas superpuestas por la voz áspera y poderosa de Edgar, con un ingenio irónico y penetrante a lo largo de todas sus punzantes letras.
Sin embargo y pese a la perdida de dos de sus mejores miembros como eran los mencionados Schon y Rolie, la banda no se resentiría musicalmente y en 1974 se lanzaba el quinto disco titulado "Borboletta", en el cual Santana lograría otro gran trabajo de jazz rock y jazz fusión que en parte se asemejaba a la percusión y la atmósfera del magistral "Caravanserai".
Tom Coster, teclista principal de la nueva formación, llenó perfectamente el hueco de Rolie; tocando abundantes sonidos de Hammond y órgano, y ocasionalmente algunos grandes rellenos de piano eléctrico. El resto de la banda es más o menos la misma que tocó en “Caravanserai”, con la única excepción del nuevo vocalista principal, el mencionado Leon Patillo, quien aquí hace un gran trabajo,
“Borboletta”, es otra demostración de primer nivel de jazz rock con incursiones a los sonidos latinos con grandes partes emocionales y todo ello bajo el prisma del funk. El álbum está destinado a ser escuchado en su totalidad sin restar valor a ninguna canción porque todas ellas fluyen una tras otra sin problemas, como ya ocurriera en “Caravanserai”. Sin embargo lo más destacado de Borboletta es sin duda el tema final compuesto por “Here and Now/Flor de Canela/Promise of a Fisherman”, en donde escuchamos 13 espléndidos minutos del mejor Santana en su máxima expresión.
Aún así es la primera parte del álbum con la sublime "Spring Manifestations", la brillante "Life Is Anew", la jazz rock "Give and Take" o la melódica "Aspirations", las que mas se acercan al sonido de "Caravanserai"
Una de las principales diferencias que reside aquí es el mencionado nuevo vocalista, León Patillo, quien presenta un sonido más accesible. Además, está la aparición ocasional del saxofón que agrega una sensación aún más jazzística.
Con “Borboletta” se cerraba la primera etapa de Santana, una etapa (1969-1974), en donde aparecieron sus trabajos mas clásicos, a partir de aquí su sonido se derivaría hacia un estilo mas accesible y comercial, sin que ello menguara la calidad de su música.
Ya en su primer álbum, producido por Andrew Powell y titulado “The Kick Inside” (1978), lograría uno de los discos mas apasionantes jamás escritos, demostrando con su voz inocente y los arreglos vistosos y matizados, un trabajo que en cierta medida se acercaba al rock progresivo con un estilo que la emparentaba con bandas coetáneas como The Alan Parsons Project.
En sus siguientes trabajos seguirá una línea parecida y se irían sucediendo obras de enorme calidad como el mágico y elegante “Lionheart” (1978), el menos progresivo pero mas romántico “Never For Ever” (1980) y el mas experimental “The Dreaming” (1982).
A mediados de los ochenta llegaria "Hounds Of Love", el cual aparece en muchas listas como uno de los mejores álbumes de la historia del rock, publicadas por revistas o sitios web de música. Por poco fiables que sean esas listas, en este caso particular no hay exageración, ya que el quinto trabajo de Kate Bush es una obra maestra indiscutible, un álbum casi perfecto que todavía suena fresco hoy como lo hizo en su momento, hace más de treinta años.
La música aquí es por turnos etérea, romántica, melancólica, a veces incluso agresiva e inquietante. "Running Up That Hill" abre el disco con un ritmo electrónico fuerte, casi dance, en cuyo fondo la voz dramática de Kate se eleva y emociona. La percusión oscura y cargante también ocupa un lugar destacado en "The Big Sky". La conmovedora "Mother Stands for Comfort" abre el camino para la épica "Cloudbusting", cuyo video (con Donald Sutherland), es tan profundamente conmovedor y hermoso como la canción misma. La segunda cara está totalmente ocupada por "The Ninth Wave” (el título está tomado de un poema de Lord Tennyson), una suite en siete movimientos separados, basado en un concepto fascinante: las últimas horas de una mujer atrapada bajo el hielo, sus pensamientos y recuerdos antes de la muerte. Puede sonar macabro, pero Kate trata este tema inquietante con su ligereza habitual. Musicalmente, es tan fascinante como la historia detrás de él, con la voz de Kate que suena desgarradoramente dulce en la apertura "And Dream of Sheep" y en "Hello Earth", amenazante en la siniestra "Waking the Witch", melódica en la tradicional irlandesa "Jig of Life", o melancólica en "Watching You Without Me”.
En “Hounds Of Love”, al igual que ocurriera con su predecesor, "The Dreaming", los instrumentos étnicos se mezclan con los violines y el omnipresente piano Fairlight tocados por la propia Kate para crear una mezcla musical deslumbrante, que es al mismo tiempo aventurera y relajante para el oído. Sin duda alguna un álbum clásico para ser apreciado por todo el amante de la música de altísima calidad, que lograría media docena de discos de platino y numerosos Top Ten alrededor del mundo.
Pese a su corta duración (treinta y tres minutos ), este álbum tuvo un gran impacto en la época, con diecisiete temas vertiginosos. Publicado en 1969, “Vol. II” es un poco menos pop y más complejo que su predecesor, el impactante debut “The Soft Machine” (1968), y pese a que en este nuevo trabajo ya no aparece uno de sus máximos exponentes como era Kevin Ayers, francamente no se le echa de menos aquí.
El álbum cambia sin esfuerzo (y con bastante rapidez) entre cortes divertidos de pop como "Hulloder", "As Long as He Lies Perfectly Still" y "Pig" y piezas bastante mas complejas de jazz-rock (aunque no de fusión), como "Hibou, Anemone and Bear" y el free-jazz de "Out of Tunes". El álbum se divide en dos caras bien diferenciadas; El lado A está escrito principalmente por el bajista Hugh Hopper y arreglado por Robert Wyatt. El lado B es totalmente escrito por el teclista Mike Ratledge. Así pues mientras esta segunda cara está mucho más orientada al jazz y con un estilo abstracto, lo que es sorprendente dado el trabajo posterior de Hopper. El Lado A, esta más orientado pop, al mismo tiempo que es mucho mas accesible, sin embargo ambas caras muestran momentos increíbles y de enorme calidad. Wyatt, aunque chirriante a veces, esta impecable aquí: su entrega descuidada, entrecortada y ligeramente aguda encaja perfectamente con la música caprichosa. Este álbum también supuso la primera vez que The Soft Machine usaría una sección de vientos en una de sus grabaciones con un brillante resultado.
En definitiva “Vol II” es la cúspide de la variada e ilustre carrera de Soft Machine, una mezcla perfecta y suave de jazz, psicodélica, pop y rock.
Sin embargo en realidad, el álbum está más cerca del rock sinfónico que del folk/rock común, por lo que su estilo encajaría mas dentro del folk progresivo. ''Erwartung'' funciona como un álbum conceptual con una historia que comienza desde la creación de Dios y la vida y los milagros de Jesús y termina en la resurrección y la salvación de la humanidad. Repleto de magníficas partes de flauta, violín y piano que coquetean con la música folclórica y clásica. Las letras se cantan en alemán con cantantes masculinos y femeninos que ofrecen grandes coros de estilo gospel y secciones multi vocales. Las guitarras eléctricas también suenan increíbles con similitudes a bandas coetáneas como los también germanos Eloy y Anyone´s Daughter. Las partes de la flauta también nos retraen al sonido de bandas como la británica Camel, aunque el sonido general esta más cercano a otras bandas alemanas de folk progresivo como fueron Rebekka o Hoelderlin.
El álbum se abre con su pista menos interesante, "Spatregen", que si bien contiene la mayoría de los elementos comentados anteriormente, suena bastante inconsistente, casi como una composición temprana que debería haber sido mas trabajada antes de su inclusión final en el álbum. El resto de temas son por el contrario mucho mas esplendorosos y presentan, además de las características mencionadas anteriormente, muchas flautas, saxos, guitarras acústicas, algunas pistas estridentes y melodías brillantes,
El punto culminante del álbum es el tema "Ein Anderes Land", más de 16 minutos de excelsa progresividad sinfónica, con continuos cambios de ritmo y muy dinámica, centrados en las armonías más intrincadas e impresionantes, así como en la extraordinaria instrumentación técnica y con unos soberbios arreglos que culminan así un álbum que esta considerado una de las grandes obras del rock progresivo alemán.
