Sniff 'n' the Tears-The Best Of Sniff 'n' the Tears (1991)

Pese a no ser tan famosos como otras bandas coetáneas de la new wave, Sniff ´n´ the Tears siempre se caracterizaron por presentar una música contagiosa y vibrante en sus cuatro álbumes publicados durante la década de los 80. Una característica de esta formación británica eran sus bellas portadas diseñadas por el compositor, cantante y líder de la banda Paul Roberts. Su primer álbum "Fickle Heart" publicado por el sello independiente Chiswick a finales de 1979, contenía entre sus surcos su mayor éxito "Driver´s Seat", una irresistible canción impulsada por un bajo y batería pegajosos y unos atractivos riffs de guitarra eléctrica. Sin llegar a las excelencias de esta canción, este álbum debut contiene otras meritorias canciones de power pop como "Sing", "Slide Away On" o "The Thrill Of It all". En los siguientes tres años, el grupo publicaría "The Game's Up" lanzado en 1980, "Love/Action" en 1981 y "Ride Blue Divide" en 1982, que pese a incluir una exquisita selección de canciones de atmósferas parecidas a "Driver´s Seat", no logran el éxito esperado. Sin embargo canciones como "The Game's Up", "One Love", “The Driving Beat", "Snow White", "That Final Love", "Hungry Eyes" y "Ride Blue Divide", se convierten en asiduas en muchas emisoras de radio y en muchas discotecas de media Europa. Poco después de la publicación del último álbum, la banda deja de existir y Paul Roberts comienza una carrera en solitario sin demasiada repercusión. Mientras tanto en 1991, la Chiswick Records a modo de epitafio lanzaría el recopilatorio "The Best Of". Algunos años más tarde, "Driver´s Seat" vuelve a la actualidad al ser incluida en spots publicitarios europeos y posteriormente en la banda sonora de la película "Boogie Nights" y mas tarde en la serie de Televisión "The Walking Dead". Una reunión posterior debido al nuevo éxito de la canción “Driver´s Seat”, desembocará en la publicación de varios álbumes, pero muy alejados de la creatividad de sus primeras obras.

Cliff Richard-From A Distance: The Event (1990)

Cliff Richard es junto a The Beatles, el artista británico más admirado de la historia, y no solo por los propios británicos si no también por todas las generaciones de músicos posteriores. Considerado el Elvis Presley inglés, tiene el honor de ser el impulsor del rock and roll en las islas británicas junto a su banda de aquella época The Shadows. Enumerar aquí sus éxitos es casi imposible, más de 46 álbumes de estudio, más de 150 singles, muchos de ellos números unos o más de 250 millones de discos vendidos, colocándose junto a The Beatles y Elton John a la cabeza de los más vendedores entre los artistas británicos, es solo parte de su impresionante legado y de su enorme éxito. Además de todo ello, tiene junto a Elvis Presley el récord de haber entrado en las listas de éxitos durante seis décadas consecutivas. Este legendario cantante tuvo un éxito arrollador en el Reino Unido antes que los Beatles irrumpiera en el mundo de la música. John Lennon llegó a decir en una ocasión: "antes que Cliff Richard en Inglaterra no había rock and roll", y George Harrison: "Sin Cliff Richard y los Shadows no hubieran existido los Beatles”. Richard ha logrado siete álbumes números uno en las listas de álbumes del Reino Unido en las décadas de 1960, 1970, 1980 y 1990, y ha acumulado 30 álbumes entre los cinco primeros y 47 entre los diez primeros. En 2023, con motivo de su 65 aniversario, lanzó el álbum "Cliff with Strings: My Kinda Life", un recopilatorio de sus éxitos clásicos, bajo los arreglos orquestales de Chris Walden. De entre esa infinidad de sencillos, álbumes en directo y en estudio, canciones de películas, discos recopilatorios etc, etc, uno de sus discos más representativos es este "From a Distance: The Event", una especie de recopilatorio en directo grabado los días 16 y 17 de junio de 1989 en el estadio de Wembley, y lanzado oficialmente como doble Lp a finales de 1990. Entre su repertorio aparecen algunas de sus imprescindibles canciones como "Summer Holiday", "The Young Ones", "In the Country", "We Don't Talk Anymore" o "Saviour's Day", las cuales se alternan con versiones de standards del rock and roll como "Good Golly, Miss Molly" de Little Richard, "Whole Lotta Shakin' Going On" de Jerry Lee Lewis, "Bird Dog" de The Everly Brothers o "C'mon Everybody" de Eddie Cochran.

Badfinger-Wish You Were Here (1974)

El ultimo gran álbum de Badfinger tuvo de todo menos suerte, y es que pese a contener un repertorio de power pop rock de ensueño, tuvo una serie de contratiempos los cuales mermarían su difusión promocional y terminaría abocado al fracaso mas absoluto. Pero para entender esta historia debemos retroceder hasta finales de 1973, cuando Badfinger abandonaban el sello propiedad de The Beatles, Apple Records para firmar uno nuevo con la poderosa discográfica Warner Bros, con los que publicaron el brillante “Badfinger” (1974), pero que sin embargo en una mala planificación fue lanzado casi al mismo tiempo que el ultimo grabado para la mencionado Apple, “Ass”, lo cual disminuyo  considerablemente su difusión promocional al competir dos trabajos diferentes de una misma banda. Para paliar este fracaso la banda lanzaría nueve meses después este “Wish You Were Here”, el sexto álbum cronológicamente de Badfinger, el cual mostraba la asombrosa facilidad que el grupo tenia en crear atractivas e irresistibles canciones con una instrumentación exquisita como demuestran los cortes “Dennis”, “Just A Chance”, “You´re So Fine”, “Got to Get out of Here”, “Love Time” o “King of the Load”. Sin embargo, en el momento del lanzamiento del álbum, la Warner Bros supo que el manager de Badfinger, Stan Polley, se había apropiado de más de un cuarto de millón de dólares de los adelantos de la banda por razones confusas e ignorando una reclamación formal para devolver el dinero. El contrato de la banda se congeló, lo que significa que toda la actividad promocional del disco se dejaría de lado, abocándolo al ostracismo total y a su fracaso comercial.

Tears For Fears-Songs From The Big Chair (1985)

Formados bajo la batuta de dos de los mejores músicos de la escena new wave, del pop progresivo y del synth pop de los ochenta, Tears For Fears habían obtenido un fulgurante éxito con su álbum debut "The Hurting" lanzado en 1983. Este dúo compuesto por Roland Orzabal y Curt Smith, habían debutado con un disco repleto de alusiones controvertidas como los traumas infantiles, el trato de los padres opresivos o los problemas emocionales de los adolescentes. Un disco en donde sobresalen canciones como la pegadiza "Mad World". Pero en su siguiente larga duración, el dúo mostraría una faceta más madura y reflexiva con piezas refinadas como la conmovedora "Head Over Heels" o las tremendamente contagiosas "Every Wants To Rule The World" y "Shout", dos de las canciones más famosas de la década de los ochenta. Otras canciones como la compleja "The Working Hour", la oscura "Broken" o la nostálgica "Listen", consolidaron a Tears For Fears como una de las formaciones más eclécticas y talentosas de la década de los ochenta. Con su recepción comercial posterior, este álbum llegaría alcanzar un segundo puesto en el Reino Unido y un número uno en los Estados Unidos, convirtiéndose en disco multiplatino con más de diez millones de copias vendidas a nivel mundial.

The Walker Brothers-No Regrets (1975)

A pesar de ser americanos, la fama de los Walker Brothers comenzaría en Inglaterra a mediados los años 60. Todo comenzó en 1965 con el éxito de su primer single "Make It Easy On Yourself", una canción compuesta por Burt Bacharach unos años antes. La voces de los Walker Brothers se convirtieron durante esos años en clásicas dentro del pop de los 60, con un estilo que se fundamentaba en la perfecta calidad y las armonías vocales de los tres miembros del grupo. Ellos eran Scott Engel (Scott Walker), voz y bajo, John Maus (John Walker), voz y guitarra y Gary Leeds (Gary Walker), batería y voz. Sus inicios se remontan a varios años antes cuando después de diferentes experiencias decidieron mudarse desde California a Inglaterra. Allí además del single "Make It Easy On Yourself", triunfan con otras canciones como "My Ship Is Coming In", igualmente su primer álbum "Take It Easy" los aupa triunfalmente, desembocando en un auténtico boom Walker Brothers. Su más histórica canción "The Sun Ain´t Gonna Shine Anymore" y sus siguientes singles les colocan a la misma altura a nivel comercial, que los mismísimos The Beatles durante varios años. Esos singles son "Baby You Don't Have to tell me", "Another Tear Falls", "Deadlier than the Male", "Stay with Me Baby" y "Walking in The Rain". Sin embargo tamaña vorágine de éxitos no impide que el grupo se separe después de su tercer álbum "Images" lanzado en 1967. Posteriormente ninguno de los tres miembros obtendría el éxito por separado que habían obtenido mientras estuvieron juntos. En 1975 decidieron reunirse de nuevo para grabar el brillante "No Regrets", pero tras el, no vuelve a ver continuidad, quedando inmortalizados como grupo fundamental de los años 60, gracias a su enorme calidad y su perfecta conjunción vocal.

Jim Diamond-Double Crossed (1984)

Jim Diamond se convirtió en una rutilante estrella, gracias a varias de sus canciones que alcanzaron un gran impacto comercial y mediático en la década de los 80. Este cantautor escocés comenzaría desde muy joven liderando varias bandas locales del área de Glasgow como The Method o Jade en los años 60. Esta última lograría llamar la atención gracias a diferentes conciertos en Londres en 1969. Fue por entonces cuando el legendario bluesman Alexis Korner le vería actuar y quedó gratamente sorprendido por su talentosa voz con tintes soul y blues. Poco después Diamond pasaría a engrosar la banda de Korner, proporcionado los coros y las voces adicionales y grabando el disco "The Lost Album". Una vez acabó su aventura con esta banda, formaría el grupo Bandit, en la cual también participaba el futuro bajista de AC/DC, Cliff Williams. Después de publicar el álbum "Bandit", Diamond desintegra el grupo y pasa a ser el vocalista de BACCO, una formación japonesa de escaso recorrido. La falta de éxito y su poca repercusión mediática le llevaron a mudarse a Los Ángeles y formando una nueva banda llamada Slick Diamond, junto al guitarrista Earl Slick sin que publicaran ningún trabajo de manera oficial. Por fin en 1981 obtendría el éxito con el trío PhD, formado por Diamond, el baterista Simon Phillips y el teclista Tony Hymas, dos experimentados músicos que tras de si tenían una fructífera carrera junto a Jeff Beck, Jack Bruce, Gary Moore, Judas Priest o Duncan Browne. La composición de Diamond "I Won´t Let You Down", se convertiría en una de sus canciones más emblemáticas y uno de los sencillos más vendidos en 1982. Sin embargo la banda tendría una fugaz historia, poco después de disolverse, Diamond decidiría comenzar su carrera en solitario y firma con la A&M Records. En 1984 lograría un éxito mundial con la aclamada "I Should Have Known Better", una intensa balada que pertenece a su álbum debut "Double Crossed", en el cual también hay otros destacados temas como "Remember I Love You" y "I Sleep Alone at Night". Varios éxitos menores como "Hi Ho Silver", o varias colaboraciones con diferentes músicos como Tony Banks y Steve Hackett de Genesis, fueron en lo sucesivo sus aportes más destacados y en los siguientes años, Jim Diamond se convertiría en un artista que quedó al margen de las listas de éxito, pese a publicar esporádicamente una serie de álbumes que pasaron desapercibidos para el gran público.

The Carpenters-Close To You (1970)

Este famoso dúo vocal norteamericano, fue durante gran parte de su carrera una de las formaciones más exitosas en el mundo de la música pop-rock, logrando cerca de la veintena de discos de platino y una cifra similar de discos de oro, además de numerosos puestos altos en los rankings de medio mundo, y unas ventas certificadas de más de cien millones de discos a nivel mundial.
Formado en Los Ángeles por los hermanos Karen (voz principal y batería) y Richard Carpenter (voz y teclados), empezaron su carrera artística a mediados de los 60, aunque no sería hasta 1969 cuando después de fichar con la discográfica A&M Records, lanzaron su primer álbum “Ticket To Ride”, el cual gracias a canciones como “Get Together”, “All Of My Love” o "Nowadays Clancy Can´t Even Sing”, obtienen cierta notoriedad lo que les favorece para que un año después alcancen un extraordinario impacto comercial con su segundo álbum “Close to You”.
En este segundo álbum seguían por una línea continuista al de su debut, canciones simples con una perfecta producción, precisos arreglos, unas letras idílicas y pacíficas y la magnética voz de Karen.
Brillantes composiciones como “We´ve Only Just Begun”, “Baby It´s You”, "(They Long To Be) Close To You" o "Reason to Believe”, le otorgaron su primer gran éxito, el primero de muchísimos otros que se irían sucediendo durante toda la década de los 70 y principios de los ochenta.
En 1983 Karen fallecería a causa de su anorexia, truncando así la meteórica carrera de este fundamental dúo del pop rock norteamericano y mundial.

The 5Th Dimension-The Age Of Aquarius (1969)

The 5Th Dimension son considerados una de las mas formidables bandas vocales de la historia, ellos lograron una veintena de hits en el Hot 100 del Billboard entre los años 1966 y 1976, con la particularidad de que su estilo estaba mas emparentado con los sonidos cercanos al flower power que al sonido negro del sello Motown (sus componentes eran todos afroamericanos).
Su formación estaba compuesta por los cantantes Billy Davis Jr, Florence LaRue, Marilyn McCoo, Lamonte McLemore y Ron Townson, mientras que en la banda de instrumentistas de apoyo sobresalen los guitarristas Mike Deasey, Bill Fulton y Tommy Tedesco, el batería Hal Blaine, el bajista Joe Osborn y el teclista Pete Jolly entre otros destacados músicos de sesión del área de Los Ángeles.
Sus arrebatadoras voces, el pop alegre y distendido, y unas grandes composiciones escritas por gente como Jimmy Webb, Gene Raskin o Laura Nyron les llevaron a estar en la cúspide del género hippie por excelencia de finales de los sesenta gracias a importantes hits como “Go Where You Wanna Go” (1966), “Up-Up and Away” (1967), “Ticket To Ride” (1967), “Stoned Soul Picnic” (1968), “California Soul” (1968) “Weeding Bell Blues” (1969) o “Medley: Aquarius/Let The Sunshine in (The Flesh Failures” (1969), esta última una versión perteneciente a la obra musical Hair que los llevaría al estrellato mundial, que incluida en su cuarto álbum “The Age Of Aquarius”, lograría un tremendo éxito en los rankings mundiales además de lograr dos premios Grammy. En este álbum además aparecían una irresistible colección de canciones, todas ellas versiones como “Blowing Away”, “Workin´On a Groovy Thing”, “Those Were The Days”, "Sunshine Of  Your Love", "Let It Be Me" o “Weeding Bell Blues”, interpretadas con esas fascinantes voces, secundadas por una instrumentación embriagadora y bañada por unos atrayentes vientos, el único indicio de soul que les acercaba a sus orígenes negros.

The Shadows-20 Golden Greats (1977)

The Shadows han sido una de las agrupaciones británicas mas longevas de la música rock, que pasaron de grupo de acompañamiento de Cliff Richard, a banda independiente plagada de éxitos, con mas de 50 canciones que han estado en el top 20 del Reino Unido desde finales de la década de los cincuenta hasta principios de los noventa.
Esta banda siempre giro alrededor de su líder el carismático Hank Marvin y de Bruce Welch, ambos guitarristas de un gran talento instrumental.
Pioneros de la vanguardia instrumental, han probado con todos los estilos musicales posibles, desde el rhythm and blues hasta el surf, pasando por el pop o el rock and roll.
Con casi un centenar de álbumes publicados entre discos en estudio, directos, recopilatorios y singles, esta banda ha llegado a vender casi 50 millones de copias a nivel mundial sin contar los que publicaron junto a Cliff Richard.
Entre 1960 y 1989 fueron asiduos en las listas de éxitos con temas del calibre de “Apache”, “F.B.I.”, “Man of Mystery”, “Kon-Tiki”, “The Savage”, “Wonderful Land”, “Guitar Tango”, “Dance On!”, “Foot Tapper” o “Geronimo”, situándose como uno de los cinco mayores vendedores históricos de singles del Reino Unido.
En 1977, la Emi Records publicaría el doble álbum recopilatorio “20 Golden Greats”, un extraordinario repaso a parte de su arsenal de hits, la gran mayoría instrumentales, el cual lograría otro arrollador éxito en las listas de medio mundo con varios discos de platino.

Wings-Back To The Egg (1979)

Genio y figura, Paul McCartney ha sido el ex-Beatle mas exitoso, el ha creado algunas de las obras mas importantes de la historia de la música y ha mantenido como ninguno la esencia de su banda madre durante cinco décadas.
Casi a finales de los 70, Paul McCartney llevaba tras de si ocho álbumes divididos entre sus discos en solitario y los publicados con su banda Wings.
La mayoría de ellos habían sido unos éxitos absolutos, como su debut “McCartney” (1970), o el siguiente “Ram” (1971), ambos firmados en solitario o los lanzados con los Wings; “Red Rose Speedway” (1973), “Band Of The Run” (1973), “Venus and Mars” (1975) o “Wings At The Speed of Sound” (1976).
En medio de los sonidos disco, punk y heavy metal imperantes de finales de los 70, lanzaría el séptimo y a la postre ultimo álbum junto a los Wings, y para ello se rodearía de un plantel de lujosos músicos entre los que estaban Tony Ashton, David Gilmour (Pink Floyd), Hank Marvin (The Shadows), Pete Townshend y Kenny Jones (The Who), Gary Brooker (Procol Harum), John Paul Jones y John Bonham (Led Zeppelin) o Ronnie Lane (Small Faces), además de los integrantes de su banda, empezando por Denny Laine, su esposa Linda McCartney, Laurence Juber y Steve Holley.
Este séptimo álbum titulado “Back To The Egg”, contiene una irresistible colección de canciones como las herederas a los sonidos beatle “Getting Closer” y “Baby´s Request”, las rock “So Glad To See You Here”, “To You” y “Rockestra Theme” o las melódicas “After The Ball/ Million Miles” y “Arrow Through Me”.
Pese a unas feroces criticas por parte de la prensa británica acusándolo del ecléctico sonido y la falta de inspiración, el álbum lograría un top ten en las listas norteamericanas y británicas, varios discos de platino y un Grammy por la canción “Rockestra Theme”.

Oasis-(What´s The Story) Morning Glory? (1995)

La irrupción de Oasis en el mundo de la música supuso volver a los sonidos heredados de The Beatles y el pop británico de los 60, todo ello de manera orgullosa y desafiante, convirtiéndose en el principal núcleo del nuevo brit pop.
Ya desde su álbum debut “Definitely Maybe” (1994), Oasis no escondieron las influencias de los Fab Four, lo que atraería a miles de fans deseosos de escuchar un pop rock sugestivo y pegadizo.
Con el segundo lanzamiento “(What´s The Story) Morning Glory?”, la banda multiplicaría sus adeptos gracias a un álbum que pese a no ofrecer nada particularmente nuevo y que no se hubiera hecho antes, si contiene un repertorio de temas inolvidables.
Desde el presuntuoso tema inicial “Hello”, hasta el himno “Don´t Look Back In Anger”, pasando por las originales “Wonderwall”, “Some Might Say” o “Cast No Shadow”, la banda liderada por los hermanos Liam y Noel Gallagher, seduce y fascina gracias a unas melodías adictivas y pegadizas.
El álbum pronto se convertiría en uno de los discos británicos mas vendidos de la década de los noventa.

Leo Sayer-The Very Best Of Leo Sayer (1979)

Leo Sayer fue uno de los artistas con mas presencia en las listas de éxitos en la primera mitad de los setenta con un estilo de pop rock melódico y pegadizo.
Sus comienzos se remontan a principios de los 70 componiendo canciones para otros artistas junto a David Courtney, una de ellas fue el hit del vocalista de The Who, Roger Daltrey "Giving It All Away" en 1973.
Con el apadrinamiento de Adam Faith, Sayer lograría un contrato con el sello Chrysalis con los que publicaría una serie de canciones que tuvieron bastante éxito como "The Show Must Go On".
A partir de aquí tendría hasta una docena de hits en las listas británicas y norteamericanas, como "One Man Band", “Long Tall Glasses (I Can Dance)", "Moonlighting", "Let It Be", "You Make Me Feel Like Dancing", "When I Need You", "How Much Love", "I Can´t Stop Loving You (Though I Try)" o "More Than I Can Say".
También sus álbumes en ese mismo periodo tuvieron un éxito constante en los rankings entre 1973 y 1977.
Sin embargo seria a partir de finales de los setenta cuando sus discos tiene un menor impacto comercial y mediático facturando una sucesión de trabajos mediocres que terminarían por espaciar sus publicaciones discográficas.
Justo antes de acabar los setenta se publicaba “The Very Best Of Leo Sayer”, un álbum recopilatorio en donde aparecen catorce de sus grandes hits y que se convertiría en su álbum mas vendido, alcanzando un numero uno absoluto en las listas británicas y en otros países alrededor del mundo.

Coldplay-A Rush Of Blood To The Head (2001)

Estamos en el año 2000, y las listas de éxitos de medio mundo se ven convulsionadas con varios singles de una desconocida banda británica de rock alternativo que pronto se convertirían en una de las sensaciones de la música rock del nuevo siglo.
Ellos eran Coldplay, una banda liderada por el cantante y pianista Chris Martin que junto al guitarrista Jonny Buckland, al bajista Guy Berryman y al batería Will Champion, consiguieron con su álbum debut "Parachutes" y canciones como "Yellow", “Shiver”, “High Speed”, “Don´t Panic” o "Trouble", auparse a lo mas alto de las listas con un planteamiento sencillo y unas letras conmovedoras e inteligentes.
Un año después se confirmarían definitivamente con su segundo larga duración, este "A Rush Of Blood To The Head", en donde seguían por una línea musical continuista basada en una perfecta combinación de piano y guitarra, melodías sencillas, grandes arreglos de cuerda, ciertas dosis de épica y unas voces atractivas.
Repleto de canciones que brillan con luz propia como "In My Place", “Amsterdam”, “Warning Sign”, “The Scientist” “Green Eyes” "Politik", "Daylight" o "Clocks", convirtieron a este segundo álbum en toda una declaración de intenciones del mejor indie-rock, con mas de trece millones de copias vendidas y el premio Grammy al mejor álbum del año.

The Stranglers-Aural Sculpture (1984)

Considerada una de las bandas de culto por excelencia de la década de los ochenta, The Stranglers pueden presumir de una larga carrera con mas de cuarenta años y casi una veintena de álbumes publicados, algunos de ellos de exitoso reconocimiento comercial y de gran reputación entre la prensa británica y europea.
Originarios de la ciudad británica de Guilford, su fundador seria el batería Bryan Duffy, quien reclutaría al bajista Jaques Burnel, al guitarrista Hugh Cornwell y al teclista Dave Greenfield.
En sus comienzos estuvieron vinculados al movimiento punk, pero después de varios discos se fueron orientando hacia otros géneros musicales, una amalgama de estilos que incluyeron la new wave o los sonidos mas melódicos del rock mainstream sin llegar a los típicos clichés comerciales.
En 1984 cuando ya estaban plenamente establecidos como banda consolidada, publicaron su octavo álbum, “Aural Sculpture”, sin duda el mas elegante e intrincado de todos los hechos hasta aquellos momentos.
Aquí además de predominar los sonidos de los sintetizadores, también se amplían con una sección de vientos, otorgando una mayor profundidad a su calidad final.
Cortes destacados como “In One Door” “Spain”, “Let Me Down Easy”, “Place de Victoires” o “Skin Deep”, los volverían a poner en el candelero británico, logrando la estimación por parte de los fans y la critica musical del la época.

Elton John-Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy (1975)

En 1975 un Elton John pletórico y triunfal publicaba su noveno álbum, a estas alturas de su carrera, sus éxitos se cosechaban como churros, logrando innumerables top ten en las listas de ambos lados del Atlántico y millones de discos vendidos alrededor del mundo.
Su creatividad junto a su inseparable Bernie Taupin parecía no tener fin y de hecho este mismo año de 1975 publicarían dos álbumes, por un lado este “Captain Fantastic and The Brown Dirt Cowboy” y pocos meses después el décimo trabajo “Rock of the Westies”.
Centrándonos en el primero de ellos, Elton John creaba su trabajo mas épico que junto al dinamismo de estilos que contiene, conforman un disco evocador, elegante y al mismo tiempo fascinante.
Cortes atractivos como la que dan titulo al álbum o “Tell Me When The Whistle Blows”, “Tower Of Babel”, “Someone Saved My Life Tonight” o la potente “(Gotta Get A) Meal Ticket”, demostraron la plena madurez compositora de uno de los mejores dúos británicos de la década de los setenta.

The Smiths-The Queen Is Dead (1986)

Expertos en producir canciones pop que se ajustaban a la energía del rock clásico, combinado con unas letras angustiosas y poéticas, The Smiths fueron una de las bandas que encabezaron el pop rock británico de mediados de los ochenta.
La cara visible de esta banda era el vocalista Morrisey, el cual junto a su escudero el guitarrista Johnny Marr, el bajista Andy Rourke y el batería Mike Joyce, conseguirían retomar la importancia de las canciones simples en detrimento de los teclados modernos y los grandes arreglos tecnológicos muy presentes en los sonidos de la música pop durante los años ochenta.
Después de lanzar prominentes y mordaces canciones como “What Difference Does it Make”, pertenecientes a su primer álbum “The Smiths” (1984), llegaba su tercer álbum, “Meat is Murder” (1985), que venia precedido del recopilatorio de singles “Hatful of Hollow” (1985), en donde mostraban una línea continuista con cortes de claro pop guitarrístico.
Un año mas tarde entregarían su obra definitiva “The Queen Is Dead”, aquí realizaron un sonido mas pulcro y refinado de pop exquisito con cortes como “The Boy With The Thorn In His Side”, “Bigmouth Strikes Again” o “There Is a Light That Never Goes Out”.
Un segundo puesto en las listas de éxitos británicas les brindarían su primer disco de platino y también su primer disco de oro en el impenetrable mercado norteamericano.

The Jam-Sound Affects (1980)

Acabando la década de los setenta, en el Reino Unido aparecieron muchos artistas que influenciados por los sonidos de los 60 como el mod británico, el sonido garaje americano, los sintetizadores de nueva generación, el rock and roll y el rock callejero (punk rock), propusieron un estilo al que pronto denominaran new wave.
Entre una gran multitud de bandas sobresalieron media centenar de ellas como por ejemplo The Jam, los cuales tenían en The Who uno de sus mayores créditos, con un planteamiento musical sencillo, una simple formación de guitarra, bajo y batería.
Liderados por el guitarrista Paul Weller, lanzaron varios discos al final de los setenta; como el germinal “In The City” (1977), y los aún poco consistentes e inmaduros “This Is The Modern World” (1977) y “All Mod Cons” (1978).
El mas desarrollado “Setting Sons” (1979), mostraba una mayor creatividad y calidad en sus composiciones, además de un mejor refinamiento instrumental.
Esta evolución musical se vería recompensada con el quinto álbum “Sound Affects” (1980), en donde tanto las letras de Weller como el crecimiento instrumental del trío es realmente admirable.
Cortes como la potente “Set The House Ablaze”, la pesimista “That´s Entertainment”, la rítmica “Pretty Green”, la funesta “Scrape Away”, o la frenética “But I´m Different Now”, les darían el reconocimiento y la popularidad merecida a The Jam, logrando crear con todas ellas un álbum magnifico y la obra cumbre del trio británico.

Talking Heads-Remain In Light (1980)

Talking Heads fueron una de las bandas mas vanguardistas y experimentales de finales de los 70 y gran parte de los 80. Liderados por el guitarrista David Byrne y con la fundamental y estimable colaboración de Brian Eno, realizaron algunos de los álbumes mas aclamados y definitorios del siglo XX.
Originarios de Long Island en New York, Talking Heads cerraba la formación con el batería Chris Frantz y la bajista Tina Weymouth, y junto a The Ramones, B-52´s y Blondie, fueron los abanderados del punk y el art pop neoyorkino de los años 70.
Después de publicar varios discos orientados a los sonidos extravagantes, al art pop vanguardista y el punk como “Talking Heads” (1977), “More Songs About Buildings and Food” (1978) y “Fear Of Music” (1979), la banda comenzaba la década de los 80 con su cuarto álbum "Remains In Light", en donde ampliarían la formación con el guitarrista Adrian Belew, contando nuevamente con la producción de Brian Eno, (el cual ademas se encargaba de los sintetizadores y otros instrumentos), el trompetista Jon Hassell y los percusionistas Robert Palmer, Jose Rossy y Nona Hendrix.
En "Remain In Light", las composiciones muestran una mezcla de ritmos africanos, art rock, sonidos electrónicos emparentados con la new wave, y la frenética energía del punk, todo ello con sutiles toques progresivos, evidenciado en los delicados arreglos y las fascinantes estructuras de todas sus canciones.

Prefab Sprout-Steve McQueen (1985)

Prefab Sprout pertenecieron a la amplia legión de grupos del pop británico surgida en la década de los ochenta, pero que a diferencia de la mayoría de ellos, enfrascados en un estilo comercial y mainstream dirigido principalmente a la gente joven, ellos derivaron su sonido hacia un pop sofisticado y mas orientado hacia los adultos.
Formados a finales de los 70 en Newcastle por los hermanos Paddy y Martin McAloon, su estilo ha siempre han sido considerado como pop inteligente, sofisticado y reflexivo, debido a la influencia de la vida rutinaria de la profunda Inglaterra, el romanticismo británico de la época Victoriana y el rock and roll americano de los años 50.
Junto a la teclista Wendy Smith publicaron su álbum debut "Swoon" en 1984, el cual ya mostraba su estilo original alejado de los sonidos new wave tan de moda en aquellos años.
Un año después publicaron su segundo trabajo y a la postre su mejor álbum, este "Steve McQueen", el cual lograba un disco de oro y grandes elogios por la prensa británica al catalogarlo como uno de los álbumes mas bellos y lúcidos de la década de los ochenta. Producido por el prestigioso musico y productor Thomas Dolby, la banda contaría además con la colaboración del ex guitarrisa de David Bowie, Kevin Amostrong, el saxofonista Mark Lockhart y el batería Neil Conti.
El pop distinguido, refinado y fascinante, es al mismo tiempo sentimental e intenso como queda patente en cortes tan impecables como "Goodbye Lucille #1", "When Love Breaks Down", “Bonny”, “Horsin´Around” o "Appetite".

Talk Talk-Spirit Of Eden (1988)

Fundada a principios de los ochenta por el multi-instrumentista Mark Hollis, Talk Talk comenzaron moviéndose por los sonidos cercanos al synth pop vanguardista y dentro de ese marco salieron a la luz dos interesantes trabajos como fueron “The Party´s Over” y “It´s My Life”, los cuales levantaron cierto interés entre el gran publico.
Con el tercer y brillante “The Colour of Spring”, la banda evoluciona hacia un sonido mas experimental y en cierta medida progresivo, como queda demostrado en las soberbias composiciones “I Don´t Believe In You”, “Living in Another World” y “Give it Up”.
Sin embargo el sonido que los definiría fueron sus dos siguientes obras, este “Spirit of Eden” y el siguiente “Laughing Stock”.
En ambos discos la banda adopta un estilo libre y abstracto, con una serie de cortes que se revelan como paisajes sonoros delicadamente construidos en donde cada nota es poderosamente emocional.
Llegados a este punto podríamos considerar que Talk Talk son para el pop rock lo que King Crimson fueron para el rock progresivo, entre otras cosas por sus texturas musicales abstractas tan cambiantes a lo largo de toda su carrera.
En “Spirit Of Eden”, Talk Talk muestra su eclecticismo y su faceta sombría y oscura en los cortes “The Rainbow” y “Wealth”, el desafío vanguardista en “Inheritance”, las melodías terrenales con la agradable “I Believe in You” o el rock convencional con la memorable “Desire”.
“Spirit Of Eden” se convirtió en un álbum tan desafiante como atractivo, demostrando la genialidad de un Mark Hollis creando una obra que difícilmente tenga parecido a todo lo que se haya grabado hasta la actualidad.