Crown Lands-Fearless (2023)

Una de las últimas sorpresas llegadas de Canadá son el dúo Crown Lands, una formación que nacería en el año 2015 de la mano del vocalista y baterista Cody Bowles y del multiinstrumentista Kevin Comeau. Su estilo bajo las obvias influencias de sus compatriotas Rush están relacionados con su temática de ciencia ficción y la épica, así como en la talentosa instrumentación de sus integrantes. Después de un interesante primer álbum titulado homónimamente lanzado en el 2020, se esforzarían en su segundo larga duración "Fearless", en el cual muestra sus claras influencias tomadas de la época dorada de los mencionados Rush. Epicas epopeyas como "Starlifter: Fearless Pt. II" manifiestan además otras raíces rockeras que oscilan entre el rock ambiguo de Nazareth hasta la contundencia de los también compatriotas Triumph, realizando un notable trabajo que une diferentes estilos de manera fluida y original. Las hard rock "Dreamer of the Dawn" y "The Shadows" nos deja ese regusto por los sonidos setenteros, mientras que en otros cortes como "Citadel" o "Lady of the Lake", las reminiscencias zeppelianas son mas que evidentes. En definitiva este disco es un buen muestrario de lo que esta banda puede ofrecer en los siguientes años, pese a sus claras y evidentes connotaciones e influencias estilísticas por parte del trío compuesto por Geddy Lee, Neil Peart y Alex Lifeson. 

Deep Purple-Deep Purple (1969)

El tercer álbum de Deep Purple es de largo el mejor de su periodo inicial con la formación denominada Mark I, que comprendía a Rod Evans (voz), Ritchie Blackmore (guitarras eléctricas y acústicas), Jon Lord (teclados y arreglista de cuerdas y viento), Nick Simper (bajo) y Ian Paice (batería). Aquí la banda finalmente desarrolla sus propias canciones, olvidándose de las versiones de sus trabajos anteriores a excepción de la excelente balada psicodélica "Lalena" de Donovan. Desde la enérgica apertura hard rock "Chansing Shadows", hasta la pieza orquestal sinfónica que cierra el disco "April", el quinteto británico muestra su propia identidad con un álbum diverso y desafiante, pese a que aún hay muchos elementos psicodélicos mezclados con el jazz y el proto vanguardismo, todo ello bajo el hard rock. Otros cortes como la psicodélica progresiva "Blind", uno de los puntos álgidos del disco, la boogie bluesy "Why Didn´t Rosemary" o la frenética "The Painter", nos conducen a uno de los mejores trabajos del germinal hard rock progresivo. Después de este álbum Evans y Simper serian sustituidos por Ian Gillan y Roger Glover, conformándose de esta manera su formación clásica y la más exitosa de todas.

Joe Satriani-Shockwave Supernova (2015)

El décimo quinto álbum del guitarrista norteamericano Joe Satriani, es otra de sus inspiradas obras con un repertorio consistente en temas instrumentales que oscilan entre el hard rock, el jazz rock y el rock vanguardista. Apoyado por su banda compuesta por el teclista y guitarra rítmico Mike Keneally, los bajistas Bryan Belley y Chris Chaney y los bateristas Vinnie Colaiuta y Marco Minnemann, Satriani vuelve a demostrar su excepcional técnica, su impresionante versatilidad, su gran creatividad y su enorme habilidad para fusionar diversos estilos con la guitarra eléctrica como motor impulsor. Producido por el propio Satriani junto a John Cuniberti, este disco alcanzaría un cuarto puesto en las listas del Billboard Rock Albums y una tercera posición en las listas británicas del hard rock. Su excelente producción sumado a las abundantes melodías repletas de contundentes riffs y los imposibles solos de Satriani dan como resultado un disco sólido e impactante. Pesadas canciones hard rock como la que da título álbum, o "Crazy Joe", contagiosas melodías como "Lost in A Memory", "In My Pocket", "All Of My Life", "Stars Race Across the Sky" y "If There Is Not Heaven", épicos acercamientos al vanguardismo con "Cataclysmic" o temas con tintes blues como "San Franciso Blue", son parte de este apabullante álbum de este mago de los seis cuerdas llamado Joe Satriani.

The Firm-The Firm (1985)

Habían pasado cuatro largos años desde la muerte de John Bonham y con el desaparecía Led Zeppelín, la que para muchos ha sido la banda mas grande del planeta. En esos cuatro años su líder Jimmy Page había estado en el más absoluto oscurantismo, alejado prácticamente del mundo de la música a excepción de componer alguna banda sonora y esporádicas actuaciones en vivo. Pero en 1983 y gracias a su amistad con el ex vocalista de Free y Bad Company, Paul Rodgers, Jimmy Page volvería a resucitar artísticamente creando una superbanda en un intento de alcanzar viejos laureles a la que bautizarían The Firm. Completaban la formación el baterista Chris Slade y el bajista Tony Franklin, músicos de renombre con una dilatada carrera a sus espaldas. Esta superbanda lanzaría dos álbumes "The Firm" (1985) y "Mean Business" (1986), en donde sin llegar ni de lejos a los logros creativos y comerciales de sus épocas doradas, Page y Rodgers, confeccionaron un interesante trabajos del mejor hard rock de los ochenta con ese típico sonido de la década de los 70. Este primer álbum contenía algunos momentos destacados como "Midnight Moonlight", "Radioctive", "Satisfaction Guaranteed" o "Money Can´t Buy", las cuales convivían con otros cortes mas previsibles y de menor calado, algo que sin embargo no fue obstáculo para que lograran unas aceptables ventas en el mercado norteamericano.

Robert Plant-Now and Zen (1988)

Para muchos el cuarto álbum del ex-vocalista de Led Zeppelin, Robert Plant supuso su mejor obra en solitario, en donde combinaba su particular sonido con ciertos arraigos en sus raíces zeppelianas. En esta entrega Plant tuvo la estimada colaboración del teclista Phil Johnstone y del guitarrista Doug Boyle, los cuales participaron en las composiciones de la mayoría de temas logrando con ello un plus de accesibilidad que atrajo al público mayoritario y consiguiendo unas altas posiciones en las listas de éxitos de muchos países. Compuesto por una serie de canciones orientadas al clásico rock americano, con esta nueva entrega Plant lograría tejer un disco adictivo con una serie de cortes brillantes como la idílica "Helen of Troy", la majestuosa "The Way I Feel", la chispeante "Dance On My Own", la zeppeliana "Tall Cool One", con el mismísimo Jimmy Page a la guitarra o la mística "Ship Of Fools".

Charlee-Charlee (1972)

Normalmente cuando hablamos de bandas que apenas tuvieron recorrido, por regla general y pese a su innegable calidad, muchas terminan fracasando estrepitosamente en el plano comercial, aunque sin embargo también las hay que pese a lograr vender una considerable cantidad de discos, terminaron igualmente desapareciendo sin dejar rastro. Eso fue lo que ocurriría con la banda canadiense Charlee, un proyecto liderado por el guitarrista ítalo-canadiense Walter Rossi, el cual antes había pertenecido a diferentes formaciones como la de Wilson Pickett o la de Buddy Miles. Para este nuevo proyecto Rossi reclutaría a la base rítmica de un grupo llamado Luke & The Apostols, el baterista Mike Driscoll y el bajista Jack Geisinger. En 1972 y bajo la RCA canadiense lanzaron su único disco homónimo, el cual pasaría totalmente desapercibido por una pésima gestión promocional. Algún tiempo después el álbum es lanzado en el mercado norteamericano y logra vender cerca de las 10.000 copias en apenas un mes. Ello fue gracias a un trabajo tremendamente explosivo que contiene una serie de cortes con memorables pasajes de guitarra de clara influencia Hendrix como "Let´s Keep Silent" o "Wheel of Fortune". El resto del álbum sigue una línea parecida mostrando un hard rock repleto de guitarras fuzz como la vibrante blues rock "Wizzard", las contundentes "Just You And Me" y "Lord Knows I´ve Won", o la hipnótica bluesy "A Way To Die". Charlee lograría con este disco uno de los mejores debuts del rock canadiense y con el tiempo obtuvo el status de clásico del hard rock de principios de los años 70.

Goodthunder-Goodthunder (1972)

Goodthunder fueron una banda de Los Ángeles, que en 1972 lanzaron un único álbum el cual supuso uno de los más interesantes del aquel año en el estado de California. Fundada a finales de 1971 su formación estaba compuesta por James Cahoon Lindsay (voz principal y percusión), John Desautels (batería), David Hanson (guitarra y voz), Bill Rhodes (bajo) y Wayne Cook (teclados). Poco después de su fundación son contratados por el sello Elektra quien les produce el álbum homónimo que aquí nos ocupa. Pese a que hoy en día este trabajo esta en parte olvidado, es muy digno y cautivador en donde muestran un competente nivel creando una música que fusionaba el rock melódico, el hard rock progresivo y ciertas dosis del rock americano de raíces. Cortes como la groovy vanguardista "I Can´t Get Through To You" o las progresivas "For A Breath" y “P.O.W”,  son una clara muestra del talento de estos chicos para crear un estilo en donde además de las atractivas voces armónicas, demuestran su gran talento instrumental. Otros cortes como la inquietante "Moonship", las hard rock "Sentries" y "Rollin´Up My Mind" o la brillante "Barking at the Ants", son lo mas destacado de un álbum que ha resistido perfectamente la prueba del tiempo.

Tea-The Ship (1975)

Tea son otra de esas miles de bandas desconocidas de poco recorrido que poblaron la década de los 70, la cual durante los cinco años de su carrera lanzaron tres álbumes enfocados en el hard rock con elementos progresivos. Esta formación suiza iniciaría su andadura en 1971 impulsada por el baterista Roli Eggli junto a Armand Volker (guitarra) y Turo Pashayan (bajo). Algún tiempo después entrarían a formar parte del grupo el vocalista Mark Storace y el teclista Philippe Kienholz, conformando de esta manera la formación definitiva de Tea. Durante varios meses la banda gira alrededor de Suiza y Francia, obteniendo una gran repercusión como una de las bandas prometedoras del hard rock a nivel local. En 1974 publicarían su primer álbum, el cual tuvo una buena acogida en los circuitos underground de diferentes países europeos, sin embargo seria con su segundo larga duración "The Ship", cuando obtienen un mayor reconocimiento mediático, un hecho que los llevaría a telonear a diferentes formaciones británicas como Uriah Hepp o Queen. Este segundo registro muestra un repertorio de meritorias canciones magníficamente arregladas, con una sólida base rítmica secundada por unas excelentes guitarras y teclados. Cortes como la enérgica "Breakdown", muestra el poderío guitarrístico del grupo, además de unas grandes líneas vocales, por senderos parecidos discurren cortes como las semi progresivas "I´d Never Have Bothered" y "Through Scarlet", las hard rock "A Dog Called Joe" y “Crystal Rivers" o la brass rock "Summer in The City". Después de un mediocre tercer álbum, se disolverían definitivamente en 1977, pasando posteriormente su cantante Mark Storace a recalar en la banda suiza de heavy metal Krokus.

Blues Creation-Demon & Eleven Children (1971)

Otro interesante proyecto surgido de Japón fueron Blues Creation, una banda liderada por el guitarrista Kazuo Takeda, que obtuvieron la estimable colaboración del productor de Cream, Feliz Pappalardi. Esta banda siguió la evolución típica del sonido blues-rock británico de finales de los 60. Además de Takeda, Blues Creation la conformaban el vocalista Hirami Ohsawa, el bajista Masashi Saeki y el baterista Masayuki Higuchi. Gran parte del poder de esta banda se debe al virtuosismo del guitarrista quien llego a ser venerado como una gran influencia en el devenir del rock japonés y que tuvo una larga carrera como músico de sesión tanto en el país nipón como en los Estados Unidos. En 1971 y bajo el sello Denon, una subsidiaria en aquella época de la Columbia Nippon, lanzaron su segundo álbum, este "Demon & Eleven Children", en donde muestran un poderoso hard rock pesado con ramalazos de psicodélica, heavy rock y blues. Antes habían lanzado un primer álbum homónimo que estaba compuesto en su totalidad por versiones de clásicos del rock. No tan excéntricos como sus compatriotas Flower Travellin´Band y menos heavy prog que Murasaki, Blues Creation se enfocaron en los sonidos pesados muy cercano a lo que sus coetáneos británicos como Black Sabbath o los norteamericanos Blue Cheer hacían por aquellos años. En este segundo álbum destacan incendiarios hard rock como la inicial y contundente “Atomic Bombs Away”, cortes psicodélicos boogie rock “Mississippi Mountain Blues”, blues progresivos “Sorrow” o el tour de force guitarrístico “Demon & Eleven Children”.

Mountain-Nantucket Sleighride (1971)

Mountain son otra de las legendarias bandas norteamericanas que impulsados por el enorme guitarrista Leslie West y secundados por el bajista y productor Felix Pappalardi, el batería Corky Laing y el teclista Steve Knight, tuvieron sus años de gloria gracias a tres soberbios álbumes lanzados a principios de la década de los 70. "Nantucket Sleighride" que aparecería casi un año después de su debut "Climbing!", deleitaría a su amplia legión de fans, pese a que ya ofrecía algunos cambios musicales con respecto a su antecesor. Si el anterior álbum rebozaba de un crudo hard rock orientado en la guitarra de West y repleto de éxitos pegadizos, aquí se mantienen las guitarras pesadas y melódicas pero explorando aún mas las posibilidades que ofrecen los demás instrumentos, con un repertorio en donde hay cabida para la épica y los limites del progresivo. La intensas hard rock y blues rock "Don´t Look Around", "Nantucket Sleighride", "Tired Angels", "Travellin´ In The Dark" y "The Animal Trainer and the Toad" muestran un álbum de total desenfreno que solo es apaciguado por la melódica "Lady". Con este segundo álbum Mountain alcanzaron la cima de su inspiración y de popularidad, logrando un merecido disco de oro por sus ventas en el mercado norteamericano.

Vanilla Fudge-Near The Beginning (1969)

Vanilla Fudge son hoy en día una banda un poco olvidada fuera de los Estados Unidos, donde son venerados y reconocidos como toda una institución en la cultura musical norteamericana. También fueron considerados uno de los grupos mas poderosos, influyentes e innovadores de los años sesenta. Su cautivadora mezcla progresiva de rock, soul y psicodélica es tan intensa y pesada que incluso hoy en día es difícil de escuchar para los no iniciados en esos sonidos. De hecho bandas icónicas como Uriah Heep, Deep Purple, Led Zeppelin o Yes entre otras muchas, los llegaron a señalar como una importante fuente de inspiración en el inicio de sus carreras. Esta espectacular banda formada por Carmine Appice (batería y voz), Vince Martell (guitarra y voz), Mark Stein (teclados y voz) y Tim Bogert (bajo), fue una de las mas aclamadas y exitosas en la segunda mitad de los sesenta, tanto por sus millones de fans como por la prensa mundial de manera unánime. En 1969 lanzaron su cuarto álbum "Near The Beginning", en donde su estilo esta aún mas impregnado de rock, blues, vanguardismo, soul y ramalazos de gospel, además de las grandes improvisaciones instrumentales que añadían a sus canciones, con pistas cargadas de excelentes guitarras wah wah, un potente órgano Hammond, unas poderosas voces y una contundente y demoledora sección rítmica. Repleto de momentos rítmicos con una esplendida y aplastante dinámica, en este álbum aparecen desde vigorosas versiones de clásicos de Nancy Sinatra y Lee Hazlewood, hasta epopeyas tour de forcé como la apoteósica "Break Song", el punto culminante de uno de los álbumes mas intensos y arrolladores del rock norteamericano de toda su historia.

Deep Purple-Slaves and Masters (1990)

Deep Purple entraría en la década de los noventa publicando su décimo tercer álbum titulado "Slaves and Masters", el cual tiene la distinción de ser el único lanzado por la formación Mark V, a pesar que esta estaría activa desde 1989 hasta 1992. Esta formación estaba compuesta por los habituales Ritchie Blackmore, Jon Lord, Ian Paice y Roger Glover, además de un nuevo cantante, Joe Lynn Turner el cual sustituía al despedido (por enésima vez) Ian Gillan. También para muchos de sus fans, este es uno de sus álbumes mas desiguales, al sonar más AOR que todo lo que habían hecho hasta esos momentos. Sin duda ello es debido a que la voz de Turner definitivamente no tiene el poder ni la emoción que a menudo estaban presentes en Gillan, pero sin embargo su tono es mucho mas amigable y pegadizo, por lo que muchos consideraron que tuvo mucha influencia en la orientación musical de este nuevo álbum, derivado hacia un estilo mas cercano al rock melódico que al puro hard rock, algo que ya había hecho años atrás con los Rainbow de Ritchie Blackmore. Aún así el álbum presenta una serie de brillantes cortes como las trepidantes "The Cut Runs Deep", "Wicked Ways" y "Fire In The Basement", la magnifica hard rock "King of Dreams", los medios tiempos adictivos "Too Much Is Not Enough"y "Breakfast in Bed", la añeja "Fortuneteller", el único corte junto "Truth Hurts" en donde se vislumbran atisbos de la época dorada de la banda, o la emotiva “Love Conquest All”. Sin llegar a las cifras de sus mas inmediatos predecesores, el álbum lograría unas buenas posiciones en las listas de éxitos de muchos países y varios discos de oro por sus ventas.

Demian-Demian (1971)

Originarios de Texas, Demian fue una efímera banda que en sus comienzos se denominaban Bubble Puppy y que bajo ese nombre lanzó un estupendo álbum orientado al rock psicodélico a finales de 1969. Liderados por los guitarristas Rod Prince y Todd Potter, el resto estaba formado por el bajista y voz Roy Cox y el batería David Fore. Después de este primer álbum, la banda se traslada a California y cambian su nombre por el de Demian, evitando así posibles problemas con su anterior discográfica. En tierras californianas la banda endurece su sonido, reforzando sus líneas de guitarras hacia un estilo hard rock. Varios años mas tarde logran un contrato con una nueva discográfica y publican el álbum homónimo en donde abundan los sonidos de las dobles guitarras melódicas que los emparientan de alguna manera con sus coetáneos Mountain, Steamhammer o Wishbone Ash. Este primer y único álbum de Demian es una excelente muestra del hard rock y blues rock de principios de los setenta con elementos de heavy pysch, con una robusta producción sobresalen cortes como las enérgicas "Face The Crowd", "Windy City", "Todd´s Tune" y "Only A Loner", la folk rock "Love People", la bluesy "Coming", o las psicodélicas "No More Tenderness" y "There You Go With My Baby".

Golden Earring-Switch (1975)

El décimo disco de los holandeses Golden Earring tuvo la difícil papeleta de suceder al anterior y exitoso "Moontan", en el cual sobresalía todo un clásico atemporal de la música rock como es el inmortal "Radar Love". Sin embargo la banda liderada por el guitarrista George Kooymans no intentaron repetir los mismos clichés musicales de aquel álbum, derivando su hard rock progresivo hacia derroteros más diversos musicalmente. Aquí Golden Earring se muestran melódicos y pegadizos, con un repertorio mas mainstream y accesible pero no exento de enorme calidad, aunque sin llegar a las complejidades instrumentales de sus trabajos anteriores. Todo ello queda demostrado en una serie de temas adictivos como la rock funky "Love Is A Rodeo", la alegre "Tons Of Time", la atmosférica "Intro: Plus Minus Absurdio", la hard rock "Troubles and Hassles", la hipnótica "The Lonesome D.J." o la enérgica "Kill Me (Ce Soir)". Pese al varapalo que supuso su fracaso comercial comparado con "Moontan", este álbum lograría unas ventas más que aceptables en el mercado europeo y norteamericano y un numero uno absoluto en su país de origen.

Toad-Tomorrow Blue (1972)

“Tomorrow Blue” fue el segundo álbum de los suizos Toad, una soberbia y acertada mezcla de hard rock, blues rock, y rock progresivo. Liderados por el genial guitarrista Vic Vergeat, y secundado por el bajista Werner Fronlich y el batería Cosimo Lampis, esta popular banda suiza, en esta nueva entrega se aleja de la psicodélica y el proto rock de su álbum debut para adentrarse en los sonidos progresivos e incluyendo elementos del blues rock mas enérgico. Un álbum que esta repleto de sonidos de guitarras afiladas y abrasadoras, una línea de bajo preciso y tremendamente complejo y una batería poderosa, demostrado en cortes como la abrasadora “Vampires”, la épica “Change In Time”, las heavy rock “Thoughts”, “Tomorrow Blue” y “No Need”, o la folk progresiva “Blind Champan´s Tale”.

Too Much-Too Much (1971)

Esta banda formada a finales de los 60 en la ciudad japonesa de Kobe, nació bajo la influencia de la música occidental, sobre todo la de los Estados Unidos e Inglaterra gracias a los álbumes que llegaban en los barcos de aprovisionamiento para el consumo de las tropas norteamericanas allí afincadas. Liderada por por el ex guitarrista de The Helpful Soul, Junio Nakahara, el cual ya tenia tras de si una amplia carrera musical en donde había absorbido parte de la psicodélica, el hard rock y el blues de finales de los 60. Nakahara contaría con el cantante Juni Lush, con el batería Hideya Kobayashi y con el bajista Masayuki Aoki y después de firmar un contrato con el sello norteamericano Atlantic Records a mediados de 1970, escribieron una gran cantidad de material, muchos de ellos grandes himnos de proto metal japonés, algunos de los cuales fueron a parar al único álbum que esta banda publicaría a principios de 1971. El resultado final es toda una de las obras maestras del rock japonés con una serie de canciones monolíticas como las hard rock “Grease It Out”, “Love Is You” o “Gonna Take You”, enormes piezas de blues rock “Love That Blinds Me”, baladas malhumoradas y lacrimógenas “Reminischence” y “I Shall Be Released” o ejercicios de hard rock psicodélico como la épica “Song For My Lady”, una enorme pieza progresiva repleta de guitarras acústicas, flauta y mellotrón. Poco después de este lanzamiento la banda se separaría definitivamente tomando cada miembro caminos separados, pero dejándonos para la posteridad este formidable álbum del mejor hard rock nipón.

Max Webster-Max Webster (1976)

Álbum debut de una de las bandas mas icónicas e importantes surgidas en Canadá en la década de los 70. Max Webster fueron durante los apenas cinco años de su carrera musical, una de las mas exitosas y reconocidas en su país natal, pero que sin embargo no les llegaría el reconocimiento fuera de sus fronteras hasta años después cuando ya habían desaparecido. Compañeros de los gigantes Rush en el sello discográfico Mercury Records, compartían igualmente el mismo productor, Terry Brown. Esta formación estaba compuesta por el guitarrista, cantante y líder de la banda Kim Mitchell, el teclista Terry Watkinson, el bajista Mike Tilka y el batería Paul Kersey. Bajo la producción del mencionado Brown entrarían en los estudios de grabación Toronto Sound Studios, y durante los meses finales de 1975 confeccionarían este primer álbum homónimo. Con un estilo en donde mezclaban los sonidos del hard rock, con ramalazos del glam rock y sutiles influencias progresivas, el álbum es toda una magistral muestra del eclecticismo de esta banda. Cortes de poderoso rock como “Hangover”, “Blowing The Blues Away”, “Only Your Nose Knows” o “Coming Off The Moon” conviven con otras de carácter mas progresivo como “Lily”, extravagantes temas freaky al mas puro estilo Frank Zappa “Toronto Tontos”, o cortes melódicos como la pausada “Summer Turning Blue”.

Electric Sun-Earthquake (1979)

Una vez acabada su relación con la banda germana Scorpions, su guitarrista líder Uli Jon Roth, formaría el proyecto Electric Sun, con los que grabaría tres álbumes entre 1979 y 1985. El primero de ellos “Earthquake”, fue lanzado en 1979 y contaba además del propio Uli Jon Roth como guitarra y voz, al bajista Ule Ritgen y el batería Clive Edwards. Le seguirá “Fire Wind” en 1981 en el cual aparecía un nuevo batería Sidhatta Gautama. Con esta formación la banda estuvo constantemente girando alrededor del mundo logrando un discreto éxito. Para su tercer trabajo “Beyond The Astral Skies” (1985), contarían con el ex batería de Jethro Tull; Clive Bunker, además de los vocalistas Michael Flexig y Nicky Moore. El estilo de este proyecto distaba mucho de lo que Scorpions hacían por aquella época, derivándose hacia un hard rock psicodélico creado a imagen y semejanza de lo que Jimi Hendrix había hecho diez años antes. Sin embargo las tendencias hippies ya estaban bastante desfasadas a finales de los 70, por lo que a pesar del portentoso talento de Roth con las seis cuerdas y la innegable calidad de los restantes miembros del grupo, el proyecto estaba condenado al fracaso comercial. Otro dato para ello seria la limitada, faceta de vocalista de Roth como cantante, lo que mermaría notablemente el resultado final de su álbum debut. Aún así en este primer álbum, el trabajo instrumental es en muchos casos apoteósico, en donde la épica, el estilo neoclásico y el hard rock, están ejecutados de manera brillante y heroica por parte del power trio como queda demostrado en cortes como “Electric Sun”, “Burning Wheels Turning”, “Sundown” o la magnifica epopeya "Earthquake”.

Wanka-The Orange Album (1977)

Wanka fue una olvidada banda canadiense que seguía la estela del hard rock progresivo de otras bandas de su país como Rush o Triumph, pero que no tuvieron la misma suerte que estos, pese a publicar un interesante álbum que termino pasando totalmente desapercibido comercialmente. Formados a mediados de los setenta en Toronto por los británicos Chris Gibb (bajo) y Mark Pickett (guitarra) y los canadienses Howard Samuel (guitarra y voz), Mike McConnell (batería) y Doug Paul Smith (teclados). Durante algunos años esta banda estuvo labrándose una gran reputación como banda local en el circuito de pubs y locales de conciertos del área de Toronto y los alrededores. El enorme talento de estos cinco chicos no pasaría desapercibido para el productor de Rush y Max Webster, Terry Brown, el cual les ofrece grabar un álbum producido por el mismo y que fue lanzando a mediados de 1977. Publicado por el sello independiente Axe Records, este álbum titulado “The Orange Album”, contenía una excitante colección de cortes que se movían entre el hard rock puro y el AOR con pinceladas progresivas como demuestran cortes como “Make Up Your Mind”,  “Wrong Door”, “Get Ahead” o “Say No More”.

Aerosmith-Draw The Line (1977)

En medio de las tensas relaciones entre los componentes del grupo debido al consumo de las drogas, Aerosmith publicaría el último gran disco de su primera etapa, el cual pese a no contener la contundencia, el desparpajo y la brillantez de sus primeras obras, seguía atesorando una gran calidad. Grabado en un viejo convento de Nueva York que fue acondicionado para dichas sesiones de grabación entre los meses de Junio y Octubre de 1977. Fue producido por Jack Douglas, quien ya había estado al frente de los controles en los anteriores álbumes. En este quinto álbum sobresalen la juguetona rock and roll que da título al álbum, la boogie rock “Critical Mass”, la poderosa “Get It Up”, la pesada hard rock “Kings and Queens” o la boogie blues “Milk Cow Blues”. Pese a que no llegaría al éxito comercial del anterior “Rocks”, este “Draw The Line” lograría un meritorio onceavo puesto en el Billboard y varios discos de platino por sus ventas en el mercado norteamericano.