Barry White-Can´t Get Enough (1974)

Barry White fue un genio indiscutible del soul romántico. Su voz cavernosa y profunda, sus arreglos orquestales repletos de funk, soul y rhythm and blues, son un referente y su música sigue siendo atemporal y admirada aún hoy en día por millones de personas alrededor del mundo. Este cantante, compositor y arreglista, supo desarrollar una música que estaba adornada de lujosas armonías instrumentales y unas sensuales y irresistibles melodías. Nacido en 1944, creció en uno de los barrios mas desfavorecidos de Los Ángeles, y de joven se vio envuelto en serios problemas con la ley. Con el paso del tiempo, Barry White se dedicaría a aprender a tocar el piano de manera autodidacta, escuchando música clásica y practicando muchas horas al día. Algunos años mas tarde comenzaría a tocar como músico de sesión en la emergente escena musical de su ciudad. Durante esos años comenzaría a trabajar como compositor y arreglista en varios estudios de grabación, algo que seria vital para su posterior carrera en solitario. En los años 70. White formaría su propia banda llamada Love Unlimited Orchestra, con la que fue lanzando discos que estaban influenciados de música soul y funk con unos refinados arreglos de música clásica. Su debut discográfico llegaría en 1973 con el álbum “I've Got So Much to Give”, en donde aparecía su primer gran éxito “I'm Gonna Love You Just a Little More Baby”. Su profunda voz, junto con sus románticas letras, pronto lo auparon entre los artistas más solicitados en las emisoras de radio de medio mundo. Durante el resto de los años 70, seguirá publicando una docena de álbumes exitosos como "Stone Gon", "Can't Get Enough" o "Just Another Way to Say I Love You", los cuales contenían exitosas canciones como "Just the Way You Are", "It's Ecstasy When You Lay Down Next to Me", "You're the First, the Last, My Everything" o la famosa "Can't Get Enough of Your Love, Babe". Pese que a partir de los años 80 su fama fue decreciendo paulatinamente, siguió manteniendo su enorme popularidad y su gran talento publicando asiduamente álbumes que fueron bien recibidos entre el público, como por ejemplo su álbum lanzado en 1994 "The Icon Is Love", con el que volvió a disfrutar de las mieles del éxito. Durante todos esos años, Barry White obtendría numerosos discos de oro y platino y varios premios Grammy, y actualmente es considerado uno de los mayores influyentes de gran infinidad de artistas actuales del R&B, el soul y el funk. 

Jim Diamond-Double Crossed (1984)

Jim Diamond se convirtió en una rutilante estrella, gracias a varias de sus canciones que alcanzaron un gran impacto comercial y mediático en la década de los 80. Este cantautor escocés comenzaría desde muy joven liderando varias bandas locales del área de Glasgow como The Method o Jade en los años 60. Esta última lograría llamar la atención gracias a diferentes conciertos en Londres en 1969. Fue por entonces cuando el legendario bluesman Alexis Korner le vería actuar y quedó gratamente sorprendido por su talentosa voz con tintes soul y blues. Poco después Diamond pasaría a engrosar la banda de Korner, proporcionado los coros y las voces adicionales y grabando el disco "The Lost Album". Una vez acabó su aventura con esta banda, formaría el grupo Bandit, en la cual también participaba el futuro bajista de AC/DC, Cliff Williams. Después de publicar el álbum "Bandit", Diamond desintegra el grupo y pasa a ser el vocalista de BACCO, una formación japonesa de escaso recorrido. La falta de éxito y su poca repercusión mediática le llevaron a mudarse a Los Ángeles y formando una nueva banda llamada Slick Diamond, junto al guitarrista Earl Slick sin que publicaran ningún trabajo de manera oficial. Por fin en 1981 obtendría el éxito con el trío PhD, formado por Diamond, el baterista Simon Phillips y el teclista Tony Hymas, dos experimentados músicos que tras de si tenían una fructífera carrera junto a Jeff Beck, Jack Bruce, Gary Moore, Judas Priest o Duncan Browne. La composición de Diamond "I Won´t Let You Down", se convertiría en una de sus canciones más emblemáticas y uno de los sencillos más vendidos en 1982. Sin embargo la banda tendría una fugaz historia, poco después de disolverse, Diamond decidiría comenzar su carrera en solitario y firma con la A&M Records. En 1984 lograría un éxito mundial con la aclamada "I Should Have Known Better", una intensa balada que pertenece a su álbum debut "Double Crossed", en el cual también hay otros destacados temas como "Remember I Love You" y "I Sleep Alone at Night". Varios éxitos menores como "Hi Ho Silver", o varias colaboraciones con diferentes músicos como Tony Banks y Steve Hackett de Genesis, fueron en lo sucesivo sus aportes más destacados y en los siguientes años, Jim Diamond se convertiría en un artista que quedó al margen de las listas de éxito, pese a publicar esporádicamente una serie de álbumes que pasaron desapercibidos para el gran público.

Various Artists-41 Original Hits From The Soundtrack Of American Graffiti (1973)

En 1973 el prestigioso director George Lucas, famoso por dirigir películas como “Las Guerras de las Galaxias" o "Indiana Jones", escribió y dirigió el film "American Graffiti", una película ambientada en los primeros años 60 en la cual intentó reproducir fielmente la cultura juvenil norteamericana de aquellos años y lo que el rock and roll supuso para aquella generación. La película se convertiría en una de las más lucrativas de la historia del cine, con más de 200 millones de dólares de beneficio, entre la taquilla, los discos vendidos, o las ventas y el alquiler de las cintas de video VHS. Más allá de la película en sí, lo más llamativo de esta cinta cinematográfica es su impresionante banda sonora. Para ello Lucas hizo una minuciosa selección de 41 canciones que son fundamentales en los inicios del rock and roll. Todas ellas llegaron a triunfar masivamente en las listas de éxitos y no solo en el norteamericano, muchas de ellas también a nivel mundial. Desde el rock and roll de Chuck Berry, hasta el soul jazz de Booker T.Jones, pasando por los pioneros del género como Bill Haley and The Comets, Fats Domino, Del Shannon o Buddy Holly, el doo wop de The Platters o el surf de The Beach Boys.

Bill Withers-Bill Withers´ Greatest Hits (1981)

Este icónico cantante y compositor de soul y R&B, pasaría a la historia por una serie de impactantes hits que se encuentran entre los mas exitosos de ambos géneros como las archiconocidas "Ain´t No Sunshine", "Use Me", "Lovely Day" o "Just The Two Of Us".
Bill Withers nació y se crío en Virginia a finales de la década de los año 30, años mas tarde y después de licenciarse de la Armada norteamericana se instalaría en Los Ángeles con la intención de iniciar una carrera musical.
Durante algún tiempo compone y escribe canciones principalmente enfocadas en el soul y el rhythm and blues.
Su estilo basado en las ricas melodías y los refinados arreglos llamaría la atención de la escudería de la música negra Stax Records, quienes le propusieron grabar un álbum con parte de las demos que había compuesto durante esos años.
Producido por uno de los legendarios músicos de Stax Records, como fue Booker T. Jones, el álbum resultante titulado "Just As I Am" (1971), lograría un quinto puesto en las listas del Billboard Black Album Music, mientras que el single elegido "Ain´t No Sunshine", se convertiría en todo un gran éxito, logrando varios discos de platino y un tercer puesto en Hot Billboard.
En los sucesivos años Bill Withers obtendría otros éxitos de parecido impacto comercial con los temas "Grandma´s Hands", "Lean On Me", "Us Me", "Lovely Day" o "Just The Two Of Us", este ultimo junto al saxofonista de jazz fusión Grover Washington Jr.
Sin embargo sus álbumes en estudio no correrían la misma suerte si exceptuamos los lanzados en 1972 "Still Bill" y en 1977 "Menagerie", los cuales fueron certificados con varios discos de oro.
Casi a finales de 1981 se publicaría el álbum recopilatorio "Bill Withers´Greatest Hits", un estupendo recorrido por todos sus grandes éxitos, y el cual se convertiría en su mayor hito comercial, logrando cerca del millón de copias vendidas y reafirmando la brillante carrera de este extraordinario cantante y compositor. Con el paso de los años su figura se ha visto reforzada gracias a diferentes películas y series de TV muy populares que han incluido la canción “Ain´t No Sunshine” en sus bandas sonoras, como “Third Watch”, “Notting Hill”, “When We Were Kings” o “Flight”.

Rare Earth-One World (1971)

Si con su tercer álbum Rare Earth volvieron a impactar en las listas del Billboard de R&B, logrando un disco de oro y un top ten con el clásico de la Motown “(I Know) I´m Losing You”, con el siguiente “One World”, no le irían a la zaga, de hecho igualarían sus registros e incluso produjeron otro éxito mundial con la canción de cosecha propia “I Just Want to Celebrate”.
Grabado con la misma formación que el anterior “Ecology”, con la excepción del guitarrista Rod Richards, sustituido aquí por el músico de sesión de la factoría Motown Ray Monette, el resto estaba formado por Mark Olson, Ed Guzman, Gil Bridges, John Persh y Pete Rivera, los tres últimos, supervivientes de la formación original que grabaría el apoteósico y monumental “Get Ready”, de varios años antes.
Producido por Tom Baird, muestra el sonido característico de Rare Earth con ese musculoso y vigoroso soul, jazz, blues y rhythm and blues, con notables cortes como la extensa versión de Ray Charles “What I´d Say”, la funk rock con rasgos bluesy “The Seed”, la robusta “Someone Of Love”, la soul rock “Any Man Can Be A Fool”, la country/folk rock “If Die”, la melódica “The Road” o la mencionada funk rock “I Just Want to Celebrate”.

Rare Earth-Ma (1973)

El sexto álbum de Rare Earth llegaba precedido de cuatro excelentes trabajos en estudio y un sensacional doble disco en directo, y se convirtió en otra de sus grandes obras gracias a un serie de canciones repletas de blues rock con reminiscencias de funk y soul.
"Ma" fue producido por uno de los productores de la escudería Motown como fue Norman Whitfield, quien a su vez fue coautor de algunos de los temas de álbum, el cual lo dotaría del sonido característico de las bandas negras del mítico sello de Detroit.
La formación de Rare Earth para este nuevo álbum distaba significativamente con respecto al de sus primeras obras, dicha formación estaba compuesta por Gil Bridges (saxo, flauta y voz), Peter Hoorebelke (batería y voces), Ray Monette (guitarra y voces), Mark Olson (teclados y voces), Pete Rivera (batería y voces) y Mike Urso (bajo y voces).
Los diecisiete minutos del repetitivo riff de guitarra de la psicodélica y excelsa “Ma” es el punto álgido de este álbum, un tema que contrasta con la hard rock zeppeliana “Hum Along and Dance”, el sentimiento soul-funk “Big John is My Name” y con la experimental “Come With Me”.
Pese a que no tuvo la misma repercusión mediática ni comercial que otras obras anteriores, “Ma” fue considerado uno de los discos de culto en el ámbito underground y con el tiempo se convirtió en uno de los álbumes mas populares de Rare Earth.
 

Al Jarreau-Breakin´Away (1981)

Este extraordinario cantante de soul, pop y smooth jazz ha sido capaz de traspasar a lo largo de su trayectoria profesional todas las barreras musicales y llegar a un publico mayoritario gracias a su peculiar y preciosista técnica vocal. Curtido durante años en los night clubs de Los Ángeles, en 1975 un cazatalentos de la Warner lo descubre mientras actuaba e inmediatamente le propone un contrato, financiando su primer álbum lanzado algún tiempo más tarde.
Este primer trabajo titulado "We Goy By", recibe grandes elogios tanto por la crítica como por el público, mostrando a un músico que pasaba con una facilidad pasmosa de un estilo a otro con total naturalidad, con una técnica la cual era capaz incluso de imitar a la perfección las guitarras y percusiones, con la calidez de su voz y sus alegres composiciones.
A partir de aquí la carrera de Al Jarreau obtiene una meteórica ascensión publicando una serie de álbumes que logran el beneplácito del gran público como "Glow" (1976), "This Time" (1980) o "Breakin´Away" (1981).
Con este último Jarreau logra su mayor éxito comercial y su mejor obra, una pequeña joya del mejor jazz-soul-pop, con un repertorio repleto de canciones encantadoras como la versión de Dave Brubeck "(Round, Round, Round) Blue Rondo á la Turk", la cautivadora "Breakin´Away", o la sensible pop "We're In This Love Together".
Sin embargo gran parte del mérito de este álbum está en la exquisita producción de Jay Graydon y en un plantel de músicos entre los que se encontraban George Duke, David Foster, Steve Lukather, Bill Champlin, Tom Scott o Jeff Porcaro entre otros afamados músicos de sesión de la costa oeste norteamericana.
Con el paso de tiempo Al Jarreau lograría obtener con sus posteriores álbumes nueve premios Grammy en las categorías de jazz, pop y rhythm and blues, convirtiéndose en el único artista en lograr semejante hazaña.

Sam Cooke-Live at the Harlem Square Club, 1963 (1985)

Para muchos, este es el mejor disco en directo de todos los tiempos, perteneciente a una de las mejores voces de todos los tiempos; Sam Cooke.
Sam Cooke fue una figura primordial en el establecimiento del soul como música popular, su carrera repleta de canciones y álbumes básicos del genero, demostraron el enorme talento de este cantante mítico e inolvidable.
Cooke manejaba como nadie el soul, el rhythm and blues, el gospel y el rock and roll y junto a Otis Redding y James Brown, están considerados los reyes absolutos del soul, logrando la friolera de medio centenar de hits en apenas ocho años (1957-1965).
Su muerte en extrañas circunstancias acontecido el 11 de diciembre de 1964, es una de las fechas fatídicas en la historia de la música popular.
Un año antes Sam Cooke había actuado en un show en el mítico Club de Harlem Square en Miami, un 12 de junio, el cual fue grabado íntegramente y que seria publicado muchos años después de su muerte.
Esa noche Cooke estaba rodeado de su habitual banda compuesta por los guitarristas Clifton White y Cornell Dupree, el bajista Jimmy Lewis, el batería Albert Gardner, el pianista George Stubbs y la sección de vientos formada por King Curtis y Tate Houston.
En este directo Cooke deja atrás su elegante compostura para convertirse por una noche en un sudoroso “soul man”, cantando y bailando con pasión rítmica y salvaje y con una audiencia entregada al cien por cien.
Desde la inicial “Intro (Don´t Fight it) Feel It”, hasta el cierre del disco, “Having a Party”, Cooke demuestra su increíble intensidad sobre el escenario, totalmente enérgico, potente y desbocado, haciendo un repaso a algunos de sus mayores éxitos como “Cupid”, “Chaing Gang”, "Somebody Have Marcy”, “Bring It On Home to Me" o “Twistin´The Night Away”.
“Live at the Harlem Square Club, 1963”, esta considerado uno de los mejores 500 álbumes de la historia y todo un documento fabuloso del mejor soul que se haya escuchado jamás.

The Doobie Brothers-Takin´It to the Streets (1976)

En 1975, The Doobie Brothers estaban en la cima de la popularidad tras haber facturado algunos de los mejores registros del rock americano, como “Toulouse Street” (1972), “Captain and Me” (1973) o “What Were Once Vices Are Now Habits” (1974), con los cuales habían cosechado cinco discos de platino y varios millones de álbumes vendidos.
Tras este ultimo trabajo obtienen su primer traspiés con el álbum “Stampede”(1975), en el que la banda deriva su country y folk rock con elementos de rhythm blues hacia derroteros mas soul.
Después de este ultimo, entra a formar parte de la banda el ex Steely Dan, Michael McDonald, que junto a los guitarristas Tom Johnstone, Patrick Simmons y Jeff “Skunk” Baxter, el bajista Tiran Porter y los baterías Keith Knudsen y John Hartman, graban el sexto álbum titulado “Takin´It to the Streets”, el cual los devuelve por la senda del éxito.
En esta nueva entrega la banda sigue evolucionando hacia los derroteros soul, funk y jazz, pero manteniendo sutilmente ese rock inundado de country y blues de sus primeras obras, con un estilo que los emparentaba con los Steely Dan.
Temas como la irresistible “It Keeps You Runnin´”, las funk “Wheels of Fortune” y “8th Avenue Shuffle”, la soul “Takin´It To The Streets”, la jazzistica “For Someone Special” o “Turn It Loose”, esta ultima con ese sonido tan característico del rock americano de sus álbumes anteriores, conforman un disco que seria el punto de partida al sonido que los terminaría engrandeciendo aún mas en los años sucesivos.

Traffic-Mr.Fantasy (1967)

1967 seria el año en el que nacería una de las bandas mas importantes y fundamentales que haya dado el mundo del rock, Traffic, formada por cuatro formidables músicos de una dilatada carrera como eran Jim Capaldi batería, Chris Wood teclados y saxofones, Steve Winwood  guitarras, teclados y voz y Dave Mason bajista, guitarra y voz.
Ese mismo año se publicaría su primer y grandioso álbum titulado “Mr.Fantasy”, que grabado durante gran parte de 1967 en los estudios Olympic de Londres bajo la supervisión del productor Jimmy Miller, se convirtió en uno de los mas sorprendentes debut de la historia de la música contemporánea.
En este primer álbum Traffic mostró un estilo innovador, con toques de pop muy elaborado y un estilo psicodélico, todo ello fusionado con el music hall, ecos de música hindú, blues rock y ecos del soul y el jazz como se demuestra en temas tan fantásticos como "Heaven Is In Your Mind", "House For Everyone", "Dear Mr. Fantasy" o "Dealer".
Sin embargo, y a pesar del monumental éxito de este álbum, pronto llegan las discrepancias entre Dave Mason y Steve Winwood, entre otros motivos, los celos y el ego de ambos músicos, lo que llevaría al abandono momentáneo de Mason, quien regresaría para la grabación del segundo disco de la banda.
Un año más tarde publicaron el segundo álbum "Traffic" que contenía varios de sus temas más celebres como "You Can All Join in", "Pearly Queen", "Forty Thousand Headman", o la clásica "Feelin Alright", que junto a otras de naturaleza psicodélica e influencias de claro acento folk, marcaron una progresión donde se destacó la habilidad instrumental y el talento compositivo de toda la banda.

Curtis Mayfield-Curtis (1970)

Curtis Mayfield es uno de los grandes interpretes del Soul, casi a la misma altura que sus coetáneos Isaac Hayes, Stevie Wonder o Marvin Gaye, por solo nombrar unos pocos artistas de una gran pirámide de músicos imprescindibles del genero negro por excelencia junto al funk, el blues y el jazz.
Su carrera se cimentaría durante la década de los cincuenta y sesenta junto a la banda The Impressions con los cuales obtuvo un gran éxito gracias a los hits "It's All Right", "Keep On Pushing" o "Amen", todos ellos lanzados en la primera parte de la década de los sesenta.
Ya en 1970 Mayfield hastiado del soul pop que practicaba junto a su banda, decide comenzar su propia carrera en solitario, creando su propio sello discográfico Curtom y derivando su estilo hacia derroteros psicodélicos, con un sonido funk y soul que en cierta medida se acercaba a lo que por entonces hacia Isaac Hayes.
"Curtis" lanzado casi a finales de 1970, seria su primera obra en donde ya mostraba ese pudoroso funk impregnado de psicodélica y vanguardismo como queda demostrado en los cortes "Move On Up" o "We People Who Are Darker Than Blue", temas frenéticos en donde las guitarras fuzz, los imponentes arreglos de cuerda y vientos, son secundados por unas poderosas percusiones.  Sin embargo no deja de lado totalmente su lado soul, mostrando esa faceta con temas mas clásicos como "Miss Black America" o "Give It Up".
En el plano lírico Mayfield incluye aquí temáticas sociales y políticas enfocadas en temas como el racismo o la recurrente violencia policial de la época.
"Curtis" esta considerado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos en el cual se unen la elegancia, la lírica y la estética musical, de uno de los mejores artistas de raza negra de la historia de la música popular.

Vinegar Joe-Rock´n´Roll Gypsies (1972)

Vinegar Joe fueron otra de esas grandes bandas británicas de corto recorrido de la década de los setenta, que sentaron cátedra con apenas tres álbumes publicados.
Formados en 1970 bajo el nombre de Dada, su primera formación estuvo comprendida por una docena de músicos entre los que destacaban la vocalista Elkie Brooks, el guitarrista Pete Gage, el bajista Steve York, el batería Conrad Isidore, el teclista Dave Thompson o el saxofonista Dave Brooks.
Con esta formación grabarían bajo el sello Atlantic Records, el álbum homónimo “Dada” en 1970, un trabajo repleto de sonidos de jazz, soul, psicodelia y blues, influenciados por el estilo negroide de los artistas del sello norteamericano Stax Records.
Después de una larga gira por Estados Unidos, la banda regresa al Reino Unido y cambia su nombre por el de Vinegar Joe, además de reestructurar la formación entrando el cantante Robert Palmer, el teclista Tim Hinkley y el bateria Rob Tait.
Con un nuevo contrato, esta vez con el sello Islands Records, graban su primer disco bajo su nuevo nombre y titulado “Vinegar Joe”, el cual se convierte en uno de los mejores álbumes del año 1972 en las islas británicas.
Pero después de este disco vuelven a producirse nuevos cambios de integrantes, entrando el guitarrista Jim Mullen, el teclista Mike Deacon y el ex batería de John Mayall, Keef Hartley.
Con esta nueva formación graban su segundo álbum, “Rock´n´Gypsies”, en donde el habitual estilo de la banda de soul y blues, es reforzado por un mayor énfasis en los elementos del rock. Temas como la bluesy “Angel” una versión de un tema de Jimi Hendrix o cortes como las brillantes rock “So Long”, “Buddy Can You Spare Me A Line”, “Falling” o “It´s Getting To The Point”, conforman un trabajo sobresaliente, en donde además de las soberbias interpretaciones vocales de Elkie Brooks y Robert Palmer, es apoyada por una banda excelente en un estado de gracia extraordinaria.
Luego de una exitosa gira por tierras norteamericanas, la banda publicaría el tercer y ultimo disco, “Six Star General”, el cual adolecía en parte de la energía y creatividad de sus dos primeras obras.
Algún tiempo después la banda se disuelve definitivamente, dedicándose casi todos sus integrantes a sus carreras en solitario, destacando sobre todos ellos Robert Palmer, el cual obtuvo un notable éxito con algunos de sus álbumes como “Secrets” (1979), el multi platino “Riptide” (1985) y “Heavy Nova” (1988) o Elkie Brooks, la cual iniciaría una larga y exitosa carrera muy prolífica, logrando situarse entre las mejores cantantes británicas de todos los tiempos.

 

 

Grand Funk-Survival (1971)

Con su cuarto álbum titulado “Survival”, Grand Funk lograrían su cenit popular y comercial con un trabajo mas refinado y técnico que sus intensas y poderosas obras anteriores, debido fundamentalmente a su exquisita y elaborada producción.
Tras tres discos legendarios como son su debut “On Time” de 1968 y los posteriores “Grand Funk” (1969) y “Closer To Home” (1970), la banda de Michigan se encontraba en su máximo apogeo con esa combinación de blues, psicodelia, boogie rock y hard rock primitivo con acercamientos al funk y al soul mas visceral, enalteciéndolos con todo ello a la cúspide de la música rock de principios de los 70.
En esta cuarta entrega la banda formada por Mark Farmer, Mel Schacher y Don Brewer, tuvo al habitual Terry Knight en las labores de producción y fue grabado durante el mes de marzo de 1971 y publicado un mes mas tarde por la Capitol Records. En el la banda muestra un elaborado y pulido sonido que si bien les resta la vigorosidad y la furia que habían mostrado hasta esos momentos, también es cierto que es mucho mas accesible y comercial.
La refinada “Country Road”, abre este álbum mostrando todo lo anteriormente dicho, mientras la psicodélica “All You´ve Got Is Money”, muestra las virtudes de Mark Farmer con su lisérgica guitarra y su desgarradora voz. En la seductora “Comfort Me”, se observa la multifacética creatividad del grupo con una sus mejores composiciones. Cerrando la primera cara, esta el tema de Traffic “Feelin´Alright”, aquí versionado de manera brillante con ese toque hipnótico y adictivo.
Ya en la parte final se encuentran la soul rock “I Want Freedom” y la atractiva medio tiempo “I Can Feel Him In The Morning”, que son la antesala de la demoledora versión del tema de The Rolling Stones “Gimme Shelter”, concluyendo un álbum que fue pasto de las criticas por su alejamiento de la visceral propuesta original de sus primeras obras, pero con una gran acogida por parte de sus fans y del publico en general, logrando con ello un extraordinario sexto puesto en las listas del Billboard norteamericano.

Isaac Hayes-Shaft (1971)

Como compositor, productor, arreglista, cantante y teclista, Isaac Hayes fue el arquitecto primordial del sonido característico del sello ubicado en Memphis, Stax Records.
Sin embargo pocos previeron su ascenso y su estrellato mundial que comenzaría en 1969 con su álbum “Hot Buttered Soul”, un trabajo en donde Hayes combinaba los entornos del jazz con sonidos hipnóticos y los largos desarrollos, con fusiones de funk, soul y psicodelia, todo ello bajo unas guitarras fuzz y oscuras y su voz profunda y cortante.
Después de este álbum llegaron dos trabajos en una línea continuista con extensos temas, arreglos meticulosos y una gran complejidad orquestada.
En 1971 Isaac Hayes lanzaría dos álbumes dobles, por un lado la banda sonora de la película “Shaft” y por otro “Black Moses”.
Con el primero, Isaac Hayes conseguiría su álbum mas exitoso, obteniendo un Oscar a la mejor banda sonora y un premio Grammy, y con ello catapultaría al artista al estrellato mundial, gracias en parte a la canción principal del disco.
En “Shaft”, Hayes combino sabiamente el funk exuberante y contundente con temas instrumentales suaves y delicados, todo ello bañado en lacónicos y sutiles sabores de jazz.
Ese infalible sentido melódico de Hayes brillaría en temas evocadores y atmosféricos como “Bympy´s Lament”, la suave y repleta de vibraciones “Elliés Love Theme”, la alegre “Cafe Regios”, con la cual evocaba ese sonido heredero de West Montgomery, la atrevida y contundente “No Namen Bar” o la deudora del compositor Burt Bacharach “Early Sunday Morning”, todas ellas con unos sofisticados arreglos de cuerda y vientos que se complementaban con los contornos melódicos de Hayes y el estilo requerido por Hollywood.
Meses mas tarde Hayes llegaría a su pico creativo, lanzando otra obra descomunal, “Black Moses”, en donde basaría su sonido en el estilo de “Hot Buttered Soul”, pero agregando fusiones mas eclécticas y expandiendo así su enorme lienzo musical.

Rare Earth-In Concert (1971)

Otro de esos álbumes en vivo que han pasado a las posteridad fue este “In Concert” de los Rare Earth, aquella banda que pese a estar formada por músicos blancos, pertenecían al sello Motown, famoso por su contratar exclusivamente a artistas de color.
Para cuando apareció este doble directo, Rare Earth ya habían publicado tres álbumes de estudio, entre ellos el monstruoso “Get Ready”, la obra que los encumbraba para siempre con el tema del mismo titulo que ha pasado a la historia como uno de los himnos de la música rock.
Rare Earth baso su explosiva música en el rhythm and blues fusionado con sonidos grooves, funk y soul, en una mezcla tan electrizante como musculosa y vibrante.
Los temas que componen este doble en directo fueron extraídos en diferentes conciertos celebrados durante gran parte del año 1971, en las ciudades de Miami, Jacksonville o New York.
Con la breve apertura de la funk psicodélica “I Just Want To Celebrate” se abre la primera cara de este álbum, para a reglón seguido y durante algunos segundos escuchar al batería Pete Rivera advertir al publico que tengan precaución sobre las posibles descargas eléctricas, debido a que gran parte de la audiencia se habían aglutinado muy cerca de las orillas del Atlántico, en una playa cercana al Florida Miami Stadium. Una vez dicho esa advertencia la banda comienza su rítmica maquinaria sonora interpretando gran parte de sus grandes hits como “Hey, Big Brother”, o “I´m Loosing You”, esta ultima un ejercicio soberbio de riffs funkys con un ritmo poderoso y vibrante con los que conforman la simbiosis perfecta entre la música blues y el soul.
Después de la jam musculosa “Get Ready” con sus casi 25 minutos de música enloquecida, llegan la rítmica “What´d I Say” y la psicodélica y progresiva funk “Thoughts”. Con este directo Rare Earth confirmaron que eran una de las bandas mas icónicas y solicitadas en los Estados Unidos de finales de los sesenta y principios de los setenta, con multitudinarias giras en donde llenaban grandes estadios por las ciudades norteamericanas donde pasaban y también con una gran presencia en las listas de éxitos con millones de discos vendidos.

Van Morrison-The Healing Game (1997)

La carrera de Van Morrison en los noventa estuvo repleta de grandes lanzamientos, álbumes todos ellos que sin llegar al nivel de sus obras capitales, fueron muy bien recibidos por el publico y a su vez obtuvieron criticas favorables en los medios especializados. Casi a finales de esa década, llegaría su vigésimo sexto disco de estudio, “The Healing Game”, un brillante muestrario de su ecléctico repertorio, en donde se dan cabida dispares géneros como el jazz, el soul y el blues, todo ello con una elegantísima instrumentación, con una destacada participación de los saxofonistas Leo Green y Pee Wee Ellis, o el refinado órgano Hammond de Georgie Fame. “The Healing Game” contiene una irresistible colección de piezas como la inicial y soñadora “Rough God Goes Riding”, cortes pegadizos como “Fire In The Belly” o “If You Love Me”, canciones intimistas “Waiting Game”, “Piper At The Gates of Dawn” y melodías tan atrayentes y seductoras como “The Healing Game”, “At The End Of The Day” o “This Weight”. Con este álbum, el Leon de Belfast demostraba que después de cuatro décadas al pie del cañón, seguía siendo una de las mejores voces de todos los tiempos y un icono de la música popular del siglo 20.

J.Geils Band-Live Full House (1972)

J.Geils Band fue una extraordinaria banda norteamericana de rock & roll y R&B, que publicaron una serie de grandes discos en la década de los setenta, los cuales permanecen como parte de lo mejor del rock norteamericano. En sus inicios a mediados de los sesenta, esta banda era un trío de blues acústico formado por el cantante y guitarrista Jerome Geils, el bajista Danny Klein y el armonista Richard Salwitz, posteriormente ya casi a finales de la década se les unirían el cantante Peter Wolf y el batería Stephen Bladd. Con esta nueva formación la banda deriva su estilo hacia los derroteros eléctricos del rock, el blues y el soul. Sus primeros cinco álbumes empezando por el debut “The J.Geils Band” (1970) y su continuación “The Morning After” (1971), constituyen dos antológicos trabajos de sonidos potentes de R&B aderezados con un descarnado rock and roll y grandes dosis de soul, en ellos destacan la poderosa “First I Look At The Purse”, la versión de Otis Rush “Homework”, la tremebunda “Hard Drivin´Man” o “Serves You RightTo Suffer”, esta ultima otra versión, esta vez del gran John Lee Hooker.
Sin embargo en donde realmente destacaba esta banda eran en sus explosivos directos, con una fuerza imparable entre la armónica de Magic Dick, la ardiente guitarra de J.Geils y la tremenda voz de Peter Wolf.
Todo ello quedo reflejado en su directo “Full House” publicado en 1972 y grabado en el Cinderella Ballroom de Detroit, el cual se convirtió en el punto culminante de J.Geils Band. Un directo que esta considerado uno de los grandes registros en vivo de los setenta y que contiene un repertorio fulminante e incendiario como las trepidantes “Firts I Look At The Purse” o “Looking For A Love”, la jam “Whammer Jammer”, la R&B “Hard Drivin´Man” o la blues “Server You Right To Surffer”.
Si bien la banda encontraría más tarde un gran éxito en las listas a principios de los 80, el fanfarrón y blues rock de su propuesta inicial los convirtió en uno de los grupos mas solicitados en las giras estadounidense, una época en donde llenaban estadios durante el periodo comprendido entre 1971 y 1974.
Después de este enorme directo llegaría su siguiente álbum de estudio “Bloodshot” (1973), el cual se convirtió en el lanzamiento mas exitoso de la banda hasta esos momentos, alcanzando el décimo puesto en las listas del Billboard, mientras el siguiente “Ladies Invited” (1973), aún conteniendo grandes momentos, fue el principio de su época mas previsible, alejados de su contundente propuesta inicial, pero que sin embargo reforzaría el estatus de la J.Geils Band como una de las mejores bandas del rock americano de principios de la década de los setenta.
Sin embargo el éxito mundial les llegaría por fin en 1981 gracias a su álbum “Freeze Frame”, todo un numero uno en las listas Billboard, el cual contenía las adictivas y comerciales “Centerfold” y “Freeze Frame”, temas con un claro acento pop sin alejarse totalmente de su planteamiento original con acercamientos al funk, convirtiendo este en su trabajo mas ecléctico y experimental.

Dr.John-In The Right Place (1973)

Malcolm John Rebennack, mas conocido como Dr.John, fue uno de los grandes impulsores de los sonidos de Nueva Orleans repletos de jazz, blues y la música ancestral del Mardi Grass, el famoso Carnaval de esa ciudad.
Ya desde muy joven su pasión por esos géneros le llevaría a formar parte de algunas bandas locales o como parte del grupo de acompañamiento de músicos tan prestigiosos como Lloyd Price.
Unos años en donde la guitarra era su instrumento principal, pero debido a un infortunio durante una pelea perdió parte de uno de sus dedos, por lo que en adelante se dedicaría a tocar el piano y así comenzaría una extensa y fructífera carrera como músico de sesión, además de comenzar su carrera en solitario a mediados de los 60, justo en medio del creciente genero psicodélico. No seria hasta finales de esa década, cuando llegaría su primer álbum “Gris-Gris”, al que le siguieron otros interesantes discos como “Babylon” o “The Sun”, entre otros trabajos repletos de los sonidos criollos, R&B, y sonidos jazzisticos, todos ellos bañados en el rock and roll.
En 1973 llegaría una de sus mejores obras “In The Right Place”, su sexto álbum, con el cual conseguiría su mayor éxito comercial, permaneciendo en las listas del Billboard durante casi ocho meses consecutivos.
Grabado en Florida bajo la producción de otro de los grandes de la escena de Nueva Orleans como fue Allen Toussaint y con la colaboración de algunos de los músicos mas respetados de la escena musical americana como Art Neville, Joseph Modeliste, David Spinozza, Leo Nocentelli, Ralph McDonald o George Porter.
Basado en el estilo inconfundible de su sonido, “In The Right Place” es un viaje hacia los rincones del R&B, los sonidos mestizos y el jazz, con irresistibles cortes como “Same Old Same Old”, con ese ambiente carnavalero, el ritmo penetrante de “Right Place, Wrong Time”, la pausada “Just The Same”, la pantanosa “Traveling Mood”, la funky “Peace Brother Peace” o la jazzistica “Such A Night”. Sin embargo John también tiene acercamientos a otros sonidos reconocibles dentro la música tradicional norteamericana como el soul en “Shoo Fly Marches On” o la gospel “I Been Hoodood”.
“In The Right Place” fue uno de sus mayores éxitos, aunque el único en llegar al top 10, sin embargo a lo largo de su carrera y en sus incontables colaboraciones ganó la friolera de seis premios Grammy.
Entre otras muchas, entre esa lista de colaboraciones se encuentran The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Eric Clapton, Van Morrison, The Band, Bob Seger o B.B. King.

Stevie Wonder-Songs In The Key Of Life (1976)

La carrera de Stevie Wonder esta avalada por mas de 20 premios Grammy, una cifra con la que muy pocos artistas pueden competir. Descubierto como un niño prodigio, con apenas doce años grabaría su primer álbum, el primero de una serie de discos sujetos a un contrato abusivo que sus padres habían firmado con la Motown. Hasta llegar a la mayoría de edad ya tenia publicado la friolera de quince álbumes, entrando algunos de ellos en las listas de éxitos como ocurriría con el directo “Recorded Live: The Year Olg Genius” en 1963, el cual alcanzaría un rotundo numero uno en el Billboard norteamericano.
Una vez obtuvo la mayoría de edad, Wonder renovaría su contrato con la propia Motown, pero con diferentes acuerdos, entre otros el tener casi un total control sobre las grabaciones de sus posteriores álbumes. Y es que llegados a este punto, las ventas de sus discos habían superado los 30 millones de copias, convirtiendo a la Motown en una de las discográficas mas importantes de los Estados Unidos. A partir de aquí Stevie Wonder se dedico a pasar largas horas en los estudios Electric Lady de Nueva York aprendiendo todo lo que podía hacer con los teclados de ultima generación como los sintetizadores ARP y mini-Moog, con los cuales empezaría a trabajar en sus próximos discos. Una vez se familiarizo con las nuevas tecnologías electrónicas, Wonder se sentó definitivamente a negociar un nuevo contrato en donde exigió la absoluta libertad de decisión sobre las canciones a incluir en sus discos, los singles a publicar, y una serie de condiciones que se alargaban en unas 120 paginas de un contrato larguísimo y metódico.
Así llegarían tremendas obras como “Talking Box” en 1972, un álbum que fue avalado por la posterior gira que hizo junto a The Rolling Stones. En este primer álbum de su nueva etapa, destacaba la guitarra de Jeff Beck, la cual le daba una gran credibilidad en el ámbito del rock y los textos de algunas de las canciones incluidas como la netamente política “Big Brother” una clara alusión al presidente Richard Nixon en plena crisis de la Guerra del Vietnam.
A este le siguieron obras como “Innervisions” (1973) y “Fulfillingness´First Finale”, con los cuales conseguiría los premios Grammy y un primer puesto en las listas de R&B y en el Billboard.
Después de ello Stevie Wonder volvería a negociar otro nuevo contrato con la Motown, esta vez firmaría por siete años, siete álbumes y 37 millones de dólares, uno de los acuerdos mas grandes que se habían hecho hasta la fecha con una estrella del mundo del pop y del rock.
Después de ese ultimo álbum de 1974, Stevie Wonder se tomaría dos años para preparar su siguiente movimiento discográfico “Songs In The Key Of Life”, un doble álbum en donde mostraba su mejor creatividad, mostrando una ecléctica amalgama de estilos que iban desde el funk, el pop, el jazz y sutiles sonidos latinos. Temas que iban desde la rítmica jazz fusión “Contusion” hasta delicados duetos de voz y arpa “If it´s Magic”.
Aunque en los créditos figuran mas de 130 músicos que participaron en las labores de grabación, entre los que se encuentran Harbie Hancock, George Benson, Michael Sembello, Minnie Riperton o Ronnie Foster, el concepto nunca se aparta de la visión singular y ardiente de Stevie Wonder. El pre-estribillo casi furtivo de “Knocks Me Off My Feet”, contrastan con el vertiginoso funk pop de “As”, la funk rítmica “I Wish” o la armónica “Sir Duke”, dedicada a Duke Ellington.
Pero también hay momentos para las reivindicaciones y la protesta social, como queda demostrado en “Village Ghetto Land”, en donde expresa el dolor y la indignidad de la pobreza y la falta de viviendas sociales o en “Black Man”, una clara revisión histórica y literal, en donde da el ejemplo de como todos los colores y culturas han contribuido al progreso global.
“Songs In The Key Of Life”, publicado el año del bicentenario de los Estados Unidos, una época en donde la frustración y la desesperación en torno al gobierno y las instituciones del país eran constantes, fue visto como un correctivo y una contra narrativa a los continuos bombardeos de los dirigentes con historias y actos heroicos alabando la bandera norteamericana y el sueño americano.

Rare Earth-Get Ready (1969)

Rare Earth pasaron a la historia por varios hechos muy significativos, el primero por ser la primera banda de blancos por fichar por un sello enfocado exclusivamente a artistas de color como era la Motown y en segundo lugar por su emblemático tema “Get Ready”, una volcánica y musculosa canción de mas de veinte minutos que los colocaría en la cima de la música rock en 1969.
Formados a principios de los sesenta, no seria hasta finales de esa década cuando conseguirán el reconocimiento mundial, sin embargo durante todos esos años la banda reafirmaría un estilo peculiar en donde las influencias del jazz, el blues, el rock y la música negra les otorgaban un sonido diferente y muy atractivo.
Compuesto por el guitarrista Rod Richards, el batería y vocalista Pete Rivera, el bajista John Persh, el cantante Gil Bridges y el teclista Kenny James. Después de un primer álbum que pasaría bastante desapercibido “Dreams/Answers”, llegaría “Get Ready” un año mas tarde, con el que consiguen encaramarse hasta las primeras posiciones de las listas de medio mundo y un disco de platino por sus ventas.
En este álbum la banda manifestaba sus perfectas dotes instrumentales con un ritmo vivo y sostenido con poderosos temas como la inicial “Magic Key”, la hipnótica “Tobacco Road”, la soul “Feelin´Alright” o la psicodélica “Train To Nowhere”, además de la mencionada “Get Ready”. Para el siguiente álbum la banda se amplia a sexteto con la incorporación del percusionista Eddie Guzmán, cuya inclinación latina dota de una mayor profundidad musical a la rica amalgama de estilos fusionado por Rare Earth.
Los siguientes movimientos discográficos del grupo vuelven a tener un gran éxito y así tanto “Ecology” (1970), en el que destaca el tema clásico negroide “( I Know) I´m Losing You”, el siguiente “One World” (1971) y el directo “In Concert” (1971), les volvieron colocar en la cumbre con su sonoridad poderosa y contundente. A partir de aquí Rare Earth seguirían publicando regularmente álbumes de menos impacto comercial pero de gran calidad como “Ma” (1973), donde destaca la musculosa soul progresiva del mismo titulo, la cual ocupa toda la primera cara de LP o el siguiente “Back To Earth” (1975).