Van Der Graaf Generator-The Quiet Zone/The Pleasure Dome (1977)

El abandono del órgano atemporal de Hugo Banton y el menor peso especifico del saxo de David Jackson, llevaron a un cambio profundo en las estructuras musicales de Van Der Graaf Generator. Ello obligaría a su líder Peter Hammill a reconvertir su original propuesta musical para el octavo álbum de la banda “The Quiet Zone/The Pleasure Dome” publicado en 1977 y que a la postre seria el epilogo de VDGG hasta 28 años después cuando volvieron para el álbum “Present”. Abandonando las oscuras y largas composiciones y el enorme y caótico entresijo musical de las anteriores obras, aquí la banda se esfuerza por piezas mas cortas pero no por ello exentas de enorme complejidad. La batería de Guy Evans son junto al bajo de Nic Potter, el hilo conductor de un álbum que junto a la fugaz aparición de Jackson y el febril violín de Graham Smith, se nos antoja como el trabajo menos convencional y épico de toda su discografía publicada en la década de los 70. Cortes como la incierta “Lizard Play” o la resistente “The Habit of The Broken Heart” ofrecen desarrollos poco desafiantes, mientras que la floydiana “The Siren Song” o la hipnótica “The Last Frame”, se afianzan como lo mas destacado de este álbum. Sin embargo aún encontramos atisbos del pasado con la trepidante “Cat´s Eye”/ Yellow Fever (Running)”, la psicodélica “Chemical World” o las intensas “The Sphinix in the Face” y su colofón “The Sphinix Returns”.

Gilgamesh-Another Fine Tune You've Got Me Into (1978)

Gilgamesh fue una de las principales bandas del llamado sonido Canterbury que sin embargo nunca tuvieron la fama ni el reconocimiento de otras coetáneas como Soft Machine, Hatfield and The North, National Health o Caravan. Fundada a principios de los 70 por el extraordinario teclista y compositor Alan Gowen, su estilo estaba orientado hacia el jazz rock y el fusión jazz ligero que brillantemente ejecutado lo mostrarían a través de una serie de álbumes exuberantes. Su primer álbum no llegaría hasta casi finales de 1975 con el homónimo “Gilgamesh”, el cual logro llamar la atención del publico en general y de los críticos especializados de la prensa de Inglaterra y Europa. Tres años después y con la inclusión del veterano bajista de Soft Machine Hugh Hopper, quien sustituía al anterior Jeff Clyne, lanzaron su segundo y ultimo trabajo “Another Fine Tune You´ve Got me Into”. La formación además de Hopper y Gowen la cerraban el batería Trevor Tomkins y el guitarrista Phil Lee. Con este segundo trabajo la banda cerraba el circulo a su magnifico estilo jazzistico, desde las ligeras y dinámicas "Darker Brighter", "Play Time" y "T.N.T.F.X." hasta la épica y emotiva "Bobberty- Theme from Something Else", pasando por la belleza acústica de "Waiting", en definitiva un gran álbum hecho por unos talentosos músicos británicos. Desgraciadamente varios años después, Alan Gowen fallecería de leucemia, dando así por concluida la prometedora aventura de Gilgamesh.

The Walker Brothers-No Regrets (1975)

A pesar de ser americanos, la fama de los Walker Brothers comenzaría en Inglaterra a mediados los años 60. Todo comenzó en 1965 con el éxito de su primer single "Make It Easy On Yourself", una canción compuesta por Burt Bacharach unos años antes. La voces de los Walker Brothers se convirtieron durante esos años en clásicas dentro del pop de los 60, con un estilo que se fundamentaba en la perfecta calidad y las armonías vocales de los tres miembros del grupo. Ellos eran Scott Engel (Scott Walker), voz y bajo, John Maus (John Walker), voz y guitarra y Gary Leeds (Gary Walker), batería y voz. Sus inicios se remontan a varios años antes cuando después de diferentes experiencias decidieron mudarse desde California a Inglaterra. Allí además del single "Make It Easy On Yourself", triunfan con otras canciones como "My Ship Is Coming In", igualmente su primer álbum "Take It Easy" los aupa triunfalmente, desembocando en un auténtico boom Walker Brothers. Su más histórica canción "The Sun Ain´t Gonna Shine Anymore" y sus siguientes singles les colocan a la misma altura a nivel comercial, que los mismísimos The Beatles durante varios años. Esos singles son "Baby You Don't Have to tell me", "Another Tear Falls", "Deadlier than the Male", "Stay with Me Baby" y "Walking in The Rain". Sin embargo tamaña vorágine de éxitos no impide que el grupo se separe después de su tercer álbum "Images" lanzado en 1967. Posteriormente ninguno de los tres miembros obtendría el éxito por separado que habían obtenido mientras estuvieron juntos. En 1975 decidieron reunirse de nuevo para grabar el brillante "No Regrets", pero tras el, no vuelve a ver continuidad, quedando inmortalizados como grupo fundamental de los años 60, gracias a su enorme calidad y su perfecta conjunción vocal.

Toad-Tomorrow Blue (1972)

“Tomorrow Blue” fue el segundo álbum de los suizos Toad, una soberbia y acertada mezcla de hard rock, blues rock, y rock progresivo. Liderados por el genial guitarrista Vic Vergeat, y secundado por el bajista Werner Fronlich y el batería Cosimo Lampis, esta popular banda suiza, en esta nueva entrega se aleja de la psicodélica y el proto rock de su álbum debut para adentrarse en los sonidos progresivos e incluyendo elementos del blues rock mas enérgico. Un álbum que esta repleto de sonidos de guitarras afiladas y abrasadoras, una línea de bajo preciso y tremendamente complejo y una batería poderosa, demostrado en cortes como la abrasadora “Vampires”, la épica “Change In Time”, las heavy rock “Thoughts”, “Tomorrow Blue” y “No Need”, o la folk progresiva “Blind Champan´s Tale”.

Neuschwanstein-Alice in Wonderland (1976)

Neuschwanstein fue una banda de rock progresivo alemana formada a principios de los años 70, en la ciudad de Volklingen en Saarbrücken, su nombre proviene del famoso castillo del mismo nombre mandado a construir por el rey Luís II de Baviera en honor a Richard Wagner. En sus primeros años esta banda liderada por Thomas Neuroth y Klaus Mayer se dedicaron a realizar versiones de clásicos del rock progresivo como Rick Wakeman, Yes o King Crimson. Ya en 1974 la banda empezaría a tener cierta relevancia en su país natal, abriendo conciertos para otras bandas del rock alemán como Lucifer´s Friends o Novalis. Dos años después grabarían su primer álbum, este "Alice In Wonderland", un disco conceptual e instrumental con interludios narrados. La formación que grabaría este álbum la comprendían además de los citados Neuroth y Mayer (ambos sintetizadores, teclados y flauta), el batería Hans-Peter Schwarz, el bajista Rainer Zimmer y el guitarrista y narrador Roger Weiler. Ecos a Camel, Rick Wakeman o Genesis, se entremezclan con grandes pasajes atmosféricos, música sinfónica y unas melodías de ensueño que nos dejan un álbum con un trasfondo clásico cuidadosa y brillantemente ejecutado.

Sirius-Rising (1979)

Sirius fue una banda tejana que surgiría de las cenizas de los grupos locales Demian y Bubble Puppy. Ambas bandas estaban lideradas por los guitarristas Rod Prince y Todd Potter, que junto al bajista George Rarey y al batería Mark Evans firmaron con el sello independiente Elcric Flor y lanzaron en 1979 el álbum “Rising” en donde los sonidos cercanos al AOR y al country rock marcaron un meritorio trabajo que pese a su enorme calidad pasaría, como le ocurriera a otros cientos de álbumes de otras tantas bandas, totalmente desapercibido en su momento. Cortes como “Runaway Bay”, “Girl You Take Me Higher”, “No idea”, “Girl Like You” o “Lilany”, demuestran esa orientación melódica muy adictiva, complementada con unos grandes fraseos de guitarra, todo ello bajo una producción exquisita para venir de una productora local de bajo presupuesto.

Diana Krall-Wallflower (2015)

Para su duodécimo álbum de estudio, la pianista y cantante de jazz Diana Krall, presentó un repertorio compuesto por algunos standards del pop y el rock de las últimas cuatro décadas, todos ellos clásicos contemporáneos que la inspiraron en sus inicios. Producido por David Foster, un ganador nato con más de 15 premios Grammy a sus espaldas, el álbum consta además de la colaboración de grandes leyendas del folk, el rock o el jazz como Graham Nash, Stephen Stills, Christian McBride, Michael Thompson, Nathan East, Michael Bublé, Timothy B. Schmit, Georgie Fame, Bryan Adams, Steve Jordan o Jim Keltner entre otros muchos más. Para la confección del álbum, Diana Krall eligió minuciosamente cada canción que incluye verdaderos clásicos como "California Dreamin" de The Mamas and The Papas, "Desperado" y "I Can´t Tell You Why" de The Eagles, "Sorry Seems To Be The Hardest Word" de Elton John, "Alone Again (Naturally)" de Gilbert O´Sullivan, "Wallflower" de Bob Dylan o "I´m Not In Love" de 10CC. En todos ellos Diana Krall muestra su tremendo talento vocal, cantando expresivamente con gran belleza. Con este álbum Diana Krall dejó por sentado que su talento artístico va más allá de cualquier estilo musical, lo que la ha convertido en una de las artistas más importantes y trascendentales de las últimas décadas.

Taï Phong-Taï Phong (1975)

Taï Phong fueron una peculiar banda francesa nacida a principios de los 70 que fue fundada por los hermanos de procedencia vietnamita, Khanh Mai (voz y guitarra) y Tai Sihn (bajo, guitarra y voz). En sus primeros años su formación la cerraban con un percusionista norteamericano y un teclista alemán, pero estos apenas tendrían recorrido junto a la banda. Algún tiempo mas tarde pasarían a engrosar los franceses Jean-Alain Gardet (teclados), Jean-Jacques Goldman (guitarra, violín y voz) y Stephan Caussarieu (batería y percusión). Con esta formación lograrían un contrato con el sello Warner y grabarían su álbum debut en 1975. Desde la fabulosa obra de arte asiática de su portada, hasta la brillante producción, pasando por una impresionante musicalidad y unas excelentes melodías, Tai Phong combina una mezcla embriagadora de cualidades musicales que hacen de este álbum una pequeña obra maestra del rock progresivo. Elegantes teclados muy atmosféricos, densos y potentes, guitarras afiladas hard rock, y una sección rítmica compleja y dinámica dan como resultado uno de los álbumes mas respetados del rock francés de toda su historia. Cortes puramente progresivos como la epopeya "Out Of The Night", se entremezclan con otras de claras desviaciones rock "Going Away" y "Crest", o relajados números de space rock ambiental como "For Years & Years" o "Fields of God". Un año mas tarde lanzarían el continuista “Windows”, con el que volvían a producir otro exquisito trabajo de rock progresivo melódico, aunque con connotaciones aún mas cercanos al estilo de bandas como Pink Floyd o la BJH. Durante las siguientes décadas han seguido lanzando trabajos de menor envergadura pero que sin embargo les han mantenido como una de las bandas francesas de culto por excelencia.

Jim Diamond-Double Crossed (1984)

Jim Diamond se convirtió en una rutilante estrella, gracias a varias de sus canciones que alcanzaron un gran impacto comercial y mediático en la década de los 80. Este cantautor escocés comenzaría desde muy joven liderando varias bandas locales del área de Glasgow como The Method o Jade en los años 60. Esta última lograría llamar la atención gracias a diferentes conciertos en Londres en 1969. Fue por entonces cuando el legendario bluesman Alexis Korner le vería actuar y quedó gratamente sorprendido por su talentosa voz con tintes soul y blues. Poco después Diamond pasaría a engrosar la banda de Korner, proporcionado los coros y las voces adicionales y grabando el disco "The Lost Album". Una vez acabó su aventura con esta banda, formaría el grupo Bandit, en la cual también participaba el futuro bajista de AC/DC, Cliff Williams. Después de publicar el álbum "Bandit", Diamond desintegra el grupo y pasa a ser el vocalista de BACCO, una formación japonesa de escaso recorrido. La falta de éxito y su poca repercusión mediática le llevaron a mudarse a Los Ángeles y formando una nueva banda llamada Slick Diamond, junto al guitarrista Earl Slick sin que publicaran ningún trabajo de manera oficial. Por fin en 1981 obtendría el éxito con el trío PhD, formado por Diamond, el baterista Simon Phillips y el teclista Tony Hymas, dos experimentados músicos que tras de si tenían una fructífera carrera junto a Jeff Beck, Jack Bruce, Gary Moore, Judas Priest o Duncan Browne. La composición de Diamond "I Won´t Let You Down", se convertiría en una de sus canciones más emblemáticas y uno de los sencillos más vendidos en 1982. Sin embargo la banda tendría una fugaz historia, poco después de disolverse, Diamond decidiría comenzar su carrera en solitario y firma con la A&M Records. En 1984 lograría un éxito mundial con la aclamada "I Should Have Known Better", una intensa balada que pertenece a su álbum debut "Double Crossed", en el cual también hay otros destacados temas como "Remember I Love You" y "I Sleep Alone at Night". Varios éxitos menores como "Hi Ho Silver", o varias colaboraciones con diferentes músicos como Tony Banks y Steve Hackett de Genesis, fueron en lo sucesivo sus aportes más destacados y en los siguientes años, Jim Diamond se convertiría en un artista que quedó al margen de las listas de éxito, pese a publicar esporádicamente una serie de álbumes que pasaron desapercibidos para el gran público.

Hawkwind-Hall Of The Mountain Grill (1974)

"Hall Of The Mountain Grill" fue el cuarto álbum de la banda Hawkwind y el primero en fusionar los sonidos espaciales con el rock acido de sus primeras obras. Grabado durante los meses centrales de 1974 en los estudios Edmonton Sundwon de Londres, tuvo como productor al afamado Roy Thomas Baker ingeniero habitual de bandas como Free, Queen, Journey, Nazareth o Foreigner entre otras muchas mas. Para esta tercera entrega el teclista y violinista Simon House reemplazaba a Robert Calvert mientras que el resto de la banda estaba formada por Dave Brock (guitarra y teclados), Nik Turner (saxofón, flauta y voz), Lemmy Kilmister (bajo y voz), Simon King (batería y percusión) y Del Dettmar (teclados). El nuevo sonido se aprecia en cortes como "The Psychedelic Warlords (Disappear in Smoke)", "D-Rider" y "Paradox", mientras que la vena rockera con aires ácidos sigue presente en los cortes "You'd Better Believe It" y "Lost Johnny". Sin embargo se echa en falta aquí la ausencia total de los interludios de poesía de ciencia ficción y fantasía de Robert Calvert, que pese a que no necesariamente lastran el resultado final del álbum, si es cierto que pierdan la chispa filosófica de sus primeras obras. Aún así este álbum significaría como se menciona al principio el inicio a un estilo más ambiental y progresivo, logrando con ello un trabajo admirable del mejor space rock de la década de los 70.

The Rubettes-Wear It's 'At (1974)

Encuadrados en sus inicios como banda de glam pop con influencias de la música negra americana como el doo-wop, The Rubettes tuvieron su momento de gloria cuando en 1974 una canción suya se encaramaba a los primeros puestos en las listas de éxitos de medio mundo. Fundada en 1974, su alineación inicial estaba compuesta por Alan Williams, como cantante y guitarra, John Richardson, batería y voces, Mick Clarke, bajo y voces, Tony Thorpe, guitarra y voz, y los pianistas Pete Arnesen y Bill Hurd. Todos ellos eran músicos de sesión de los estudios de Polydor, y su principal impulsor sería Wayne Bickerton, uno de los directores de una división de la discográfica, junto con el productor Tony Waddington. Su mayor éxito fue "Sugar Baby Love", que lanzada en enero de  1974, alcanzó varios meses después el número uno absoluto en el mundo entero desbancando al álbum “Waterloo” de Abba, convirtiéndose en uno de los mayores hits del año. Se trata de una canción inspirada en el doo-wop-pop vocal de los años cincuenta, pero adornada con los arreglos de la música más comercial de mediados de los setenta. No era por lo tanto de extrañar su tremendo éxito. Llegó a vender la friolera de cerca de los diez millones de copias alrededor del mundo entre singles y Lp´s, alcanzando el disco de oro en el Reino Unido y en otros muchos países europeos. Aunque después de este éxito y pese a tener algunos hits de menos impacto comercial como "Juke Box Jive" o "Tonight", la banda siguió publicando discos hasta bien entrada la década de los noventa, pero apartados totalmente de las listas de éxitos y considerados una entrañable y famosa banda revival de los años 70.

The Greatest Show On Earth-Horizons (1970)

The Greatest Show On Earth fueron una de las muchísimas bandas inclasificables que surgieron a finales de los 70, la cual pese a lanzar dos estupendos álbumes de prog ecléctico no tuvieron éxito esperado y merecido. Fundada en Londres por el guitarrista Garth-Watt Roy y su hermano el bajista Norman Watt-Roy , el resto de la formación incluía al teclista Mick Deacon, al percusionista Ron Prudence, los trompetistas Dick Hanson, Tex Phillpoots y Ian Aitchison, y al vocalista, guitarrista y flauta Colin Jennings. La música de esta numerosa banda estaba enmarañada en diferentes estilos como el soul, el jazz, el R&B y el rock progresivo, por lo que fueron comparados con sus coetáneas norteamericanas Blood Sweat and Tears y Chicago. Esta atractiva mezcla de estilos llamaría la atención del sub sello progresivo de la Emi, Harvest Records quienes les producen varios singles de moderado éxito. En 1970 llegaría su primer larga duracion titulado "Horizons", el cual comienza con la exuberante y poderosa "Sunflower Morning" en donde la guitarra y el pesado órgano se constituyen como los instrumentos impulsores y dominantes del estilo original de la banda. "Angelina", el siguiente corte esta dominado por los vientos en un claro corte brass rock. La atractiva y conmovedora "Day Of The Lady" cierra una primera cara de soberbia musicalidad. El enérgico rock "Real Cool World" con ese ritmo palpitante y los poderosos riffs de guitarra se erigieron como el tema que impulsaría al álbum al éxito en media Europa, mientras que la hard jazz rock "I Fought For Love" muestra la impresionante destreza del teclista Deacon. Con el tema central "Horizons" la banda muestra su faceta mas vanguardista, un tour de force retumbante y apoteósico de hard rock progresivo, para acabar este álbum debut con la melancólica "Again and Again". Después de un segundo álbum publicado a finales del mismo año de 1970, y debido a la falta de un mayor éxito en las listas, contribuye al desmembramiento de The Greatest Show On Earth, y todos sus componentes pasan a engrosar otras bandas de la época como Glencoe, Vinegar Joe, The Blues Band, Chaser, Tagett, o la Wilko Johnson Band.

The Soft Machine-Third (1970)

Estamos ante una de las referencias del sonido Canterbury, toda una obra maestra y una de esas grabaciones únicas y antológicas que han resistido la prueba del tiempo. La tercera entrega de Soft Machine, también marcaría un punto de inflexión en la carrera del grupo abandonando decididamente el sonido psicodélico de sus obras anteriores, para adentrarse definitivamente en el jazz rock fuertemente influenciado por obras como "Bitches Brew" de Miles Davis. El trío compuesto por Mike Ratledge, Robert Wyatt y Hugh Hooper, (teclados, batería y bajo respectivamente), se ampliaría desde este nuevo álbum con el saxofonista Elton Dean, que pasaba a pertenecer por derecho propio a la formación oficial de Soft Machine, además de las colaboraciones de Jimmy Hastings (bajo, flauta y clarinete), Lyn Dobson (flauta y saxofón soprano), Nick Evans (trombón) y Rab Spall (violín). Confeccionado como doble álbum, "Third" solo consta de cuatro temas, uno por cada cara, demostrando así la expansión musical de la banda sin limitaciones de tiempo. La experimental e intensa "Facelift" da comienzo a este doble LP de manera apoteósica con diferentes estados de animo, un tema que es el contrapunto a la relajada "Slightly All the Time" de hermosa melodía y suma complejidad instrumental. "Moon in June" por otro lado es la única pista con voces, pero sin palabras, llegados a este punto Robert Wyatt ha aprendido a usar su increíble voz como otro instrumento mas en un tema claramente canterburiano. Para acabar aparece la psicodélica y espacial "Out-Bloody-Rageous", un maravilloso colofón a este sensacional álbum, uno de los mejores jamás grabados y una obligada referencia a los sonidos progresivos.

The Sensational Alex Harvey Band-SAHB Stories (1976)

Riffs pesados, teatralidad escénica por doquier, ramalazos de glam rock y una pizca de humor, fueron los ingredientes que siempre caracterizaron a The Sensational Alex Harvey Band, una de las bandas mas populares en Inglaterra durante la década de los 70. Con ocho álbumes en estudio y dos directos en apenas cinco años, ellos supieron conjugar los sonidos pesados del hard rock, con letras humorísticas y una puesta en escena atractiva. En 1976 y gracias al exitoso sencillo "Boston Tea Party", además consiguieron colocarse en el top ten de las listas británicas, un tema que pertenecía a su sexto álbum "SAHB Stories", el cual también obtendría una gran repercusión en los charts. Este sexto álbum producido en los Basing  Street de Londres durante los primeros meses de 1976, fue lanzado a mediados del mismo año y fue grabado por los músicos Alex Harvey (guitarra y voz), Zal Cleminson (guitarra), Ted McKenna (batería), Chris Glen (bajo) y Hugh McKenna (teclados). Además de la mencionada y desenfadada "Boston Tea Party", el grupo nos deja un trabajo repleto de impactantes cortes como la contundente y preciosista "Dance To Your Daddy", la groove boogie rock "Amos Moses", la elegante "Jungle Rub Out", la extravagante bluesy "Sirocco", la hard rock "Sultans Choice" o la épica "Dogs Of War", con la que dan por finalizado este fantástico y recordado álbum de una de las bandas mas icónicas del rock británico de toda su historia.

Pell Mell-Marburg (1972)

Pell Mell fueron otra de esas bandas talentosas que cayeron por las grietas del abismo a finales de la década de los 70, para desaparecer como si nunca hubieran existido. Su álbum debut "Marburg", repleto de violines, mellotrones, flautas y una sólida base rock, desarrollo un rock sinfónico que bebía de los grandes clásicos del genero, fusionándolos con una dosis de sonidos pesados impulsado por el órgano Hammond, proporcionando con todo ello un estilo que se asemejaba a las bandas británicas Uriah Heep o Deep Purple. Esta formación tenia en la ciudad de Marburgo al noroeste de Alemania, su centro de operaciones y su alineación estaba comprendida por Jorg Gotzfried (bajo y voz), Andy Kirnberger (guitarra), Bruno Kniesmeijer (percusión y batería), Hans Otto Pusch (teclados) y Thomas Schmitt (flauta, violín, teclados y voz). Los nueve minutos de la frenética "The Clown and the Queen" abren este debut al mismo tiempo que se convierte en su punto culminante, a esta le siguen la dinámica "Friend", la grandilocuente "City Monster" y la pesada heavy rock "Alone". Mientras que la versión del clásico de Smetana "The Moldau", es quizás la pieza menos interesante y que sin embargo no le resta méritos a este interesante álbum de rock sinfónico clásico muy apreciado por los progheads.

Last Straw-Alone On A Stone (1975)

Last Straw fueron una banda originaria de la Isla de Wight, que situada al sur de Inglaterra es famosa entre otras cosas por sus multitudinarios Festivales de los cuales, las dos primeras ediciones celebradas en 1969 y 1970 son las mas recordadas e históricas. Sus comienzos datan de 1972 y durante años esta banda formada por  Jack Charles Toole (Batería), Peyte Burnan (Guitarra y Voz), Geoff Taylor (Guitarra, Teclados y Voz) y Steve Griffin ( bajo), se movieron dentro del circulo de pubs de su ciudad natal, Newport. A mediados de los 70 y gracias a varias de sus canciones que obtuvieron cierto impacto mediático, lograron hacer una extensa gira por toda Inglaterra. Sin embargo acabada dicha gira la banda se desintegraría sin dejar constancia de haber grabado ningún álbum publicado oficialmente. Algunos años mas tarde el sello Kissing Spell logra recuperar diferentes demos grabados y los publica bajo el titulo “Alone On a Stone”. Las canciones aquí incluidas muestran un talento brillante de grandes músicos, en donde se orientan hacia el hard rock espacial y progresivo muy en la onda a lo que hacían bandas como Hawkwind  y Wishbone Ash. Pese a la inconsistente calidad del sonido de estas demos, hay momentos de excelente musicalidad como podemos apreciar en cortes como la atractiva “Terence”,  la hard rock “Alone On a Stone”, las melódicas “When August Breaks” y “Fly” o la progresiva “Kings Return”.

Too Much-Too Much (1971)

Esta banda formada a finales de los 60 en la ciudad japonesa de Kobe, nació bajo la influencia de la música occidental, sobre todo la de los Estados Unidos e Inglaterra gracias a los álbumes que llegaban en los barcos de aprovisionamiento para el consumo de las tropas norteamericanas allí afincadas. Liderada por por el ex guitarrista de The Helpful Soul, Junio Nakahara, el cual ya tenia tras de si una amplia carrera musical en donde había absorbido parte de la psicodélica, el hard rock y el blues de finales de los 60. Nakahara contaría con el cantante Juni Lush, con el batería Hideya Kobayashi y con el bajista Masayuki Aoki y después de firmar un contrato con el sello norteamericano Atlantic Records a mediados de 1970, escribieron una gran cantidad de material, muchos de ellos grandes himnos de proto metal japonés, algunos de los cuales fueron a parar al único álbum que esta banda publicaría a principios de 1971. El resultado final es toda una de las obras maestras del rock japonés con una serie de canciones monolíticas como las hard rock “Grease It Out”, “Love Is You” o “Gonna Take You”, enormes piezas de blues rock “Love That Blinds Me”, baladas malhumoradas y lacrimógenas “Reminischence” y “I Shall Be Released” o ejercicios de hard rock psicodélico como la épica “Song For My Lady”, una enorme pieza progresiva repleta de guitarras acústicas, flauta y mellotrón. Poco después de este lanzamiento la banda se separaría definitivamente tomando cada miembro caminos separados, pero dejándonos para la posteridad este formidable álbum del mejor hard rock nipón.

Max Webster-Max Webster (1976)

Álbum debut de una de las bandas mas icónicas e importantes surgidas en Canadá en la década de los 70. Max Webster fueron durante los apenas cinco años de su carrera musical, una de las mas exitosas y reconocidas en su país natal, pero que sin embargo no les llegaría el reconocimiento fuera de sus fronteras hasta años después cuando ya habían desaparecido. Compañeros de los gigantes Rush en el sello discográfico Mercury Records, compartían igualmente el mismo productor, Terry Brown. Esta formación estaba compuesta por el guitarrista, cantante y líder de la banda Kim Mitchell, el teclista Terry Watkinson, el bajista Mike Tilka y el batería Paul Kersey. Bajo la producción del mencionado Brown entrarían en los estudios de grabación Toronto Sound Studios, y durante los meses finales de 1975 confeccionarían este primer álbum homónimo. Con un estilo en donde mezclaban los sonidos del hard rock, con ramalazos del glam rock y sutiles influencias progresivas, el álbum es toda una magistral muestra del eclecticismo de esta banda. Cortes de poderoso rock como “Hangover”, “Blowing The Blues Away”, “Only Your Nose Knows” o “Coming Off The Moon” conviven con otras de carácter mas progresivo como “Lily”, extravagantes temas freaky al mas puro estilo Frank Zappa “Toronto Tontos”, o cortes melódicos como la pausada “Summer Turning Blue”.