Badfinger-Wish You Were Here (1974)

El ultimo gran álbum de Badfinger tuvo de todo menos suerte, y es que pese a contener un repertorio de power pop rock de ensueño, tuvo una serie de contratiempos los cuales mermarían su difusión promocional y terminaría abocado al fracaso mas absoluto. Pero para entender esta historia debemos retroceder hasta finales de 1973, cuando Badfinger abandonaban el sello propiedad de The Beatles, Apple Records para firmar uno nuevo con la poderosa discográfica Warner Bros, con los que publicaron el brillante “Badfinger” (1974), pero que sin embargo en una mala planificación fue lanzado casi al mismo tiempo que el ultimo grabado para la mencionado Apple, “Ass”, lo cual disminuyo  considerablemente su difusión promocional al competir dos trabajos diferentes de una misma banda. Para paliar este fracaso la banda lanzaría nueve meses después este “Wish You Were Here”, el sexto álbum cronológicamente de Badfinger, el cual mostraba la asombrosa facilidad que el grupo tenia en crear atractivas e irresistibles canciones con una instrumentación exquisita como demuestran los cortes “Dennis”, “Just A Chance”, “You´re So Fine”, “Got to Get out of Here”, “Love Time” o “King of the Load”. Sin embargo, en el momento del lanzamiento del álbum, la Warner Bros supo que el manager de Badfinger, Stan Polley, se había apropiado de más de un cuarto de millón de dólares de los adelantos de la banda por razones confusas e ignorando una reclamación formal para devolver el dinero. El contrato de la banda se congeló, lo que significa que toda la actividad promocional del disco se dejaría de lado, abocándolo al ostracismo total y a su fracaso comercial.

Streetwalkers-Red Card (1976)

Una vez disuelto el grupo Family, dos de sus componentes, Roger Chapman y John Whitney, formaron Streetwalkers, una formación que seguía un patrón estilístico parecido a la anterior. Originalmente llamados Chapman Whitney Band, después de firmar con la Reprise Records, dejaron grabado el álbum "Chapman Whitney Streetwalkers", con una formación en la que se encontraban además otros ex miembros de Family como Ric Grech y John Wetton, además de los ex King Crimson, Mel Collins, Ian Wallace y Michael Giles. Después de varios conciertos por Gran Bretaña, el grupo pasa a denominarse Streetwalkers, con la incorporación del baterista Nicko McBrain. "Downtown Flyers" sería el debut de Streetwalkers, un disco que apenas tuvo repercusión en los Estados Unidos, pero no así en Europa donde fue muy bien recibido. Un año más tarde aparecería este "Red Card", el cual alcanzó bastante notoriedad en las listas británicas. Para este álbum la banda se había ampliado con el guitarrista Bobby Tench (ex Jeff Beck) y el bajista Jon Plotel. La recepción de este espléndido segundo álbum les benefició para ser elegidos para diferentes giras junto a Outlaws, Little Feat, la Sensational Alex Harvey Band o The Who por toda Inglaterra. "Red Card" está compuesto por un repertorio de canciones contagiosas orientadas al rock clásico con la rasposa voz de Chapman como aliciente principal. El groove inicial "Run For Cover", la espontánea y desenfadada "Roll Up  Roll Up", la blues groove "Me An' Me Horse An' Me Rum", las magníficas "Shotgun Messiah" y "Decadence Code" o la hipnótica "Crazy Charade", son parte de una de las joyas del mejor rock británico de los 70.

Alan Parsons-The Secret (2019)

Quince años después del último lanzamiento de estudio de Alan Parsons en solitario "A Valid Path", (2004), el músico y productor regresaba junto a una numerosa alineación de colaboradores musicales con un nuevo trabajo titulado "The Secret", un álbum temático basado en el arte de la magia, una de las fascinaciones del artista. Aunque difícilmente es una pieza conceptual de rock progresivo en toda regla, lo que tenemos aquí es una impecable producción de melodías suaves de rock y pop y baladas elegantes con voces de gran refinamiento, armonías relajantes y una gran orquestación, todo en la tradición clásica de los extintos The Alan Parsons Project. Entre la amplia legión de colaboradores destacan el ex-guitarrista de Genesis, Steve Hackett, el ex vocalista de Foreigner, Lou Gramm, el bajista Nathan East, los vocalistas Jason Mraz, Mark Mikel, Todd Cooper, el batería Vinnie Colaiuta o su guitarrista habitual Ian Bairnson. Un álbum que contiene desde momentos pomposos y orquéstales "The Sorcerer's Apprentice" y "One Note Symphony", hasta pegadizas melodías de pop rock "Miracle", "As Lights Fall" o "The Limelight Fades Away", pasando por las brillantes baladas "Soiree Fantastique", "Years Of Glory" y "Fly To Me", sin dejar de lado el eterno sonido a su banda madre con cortes como "Sometimes" y "Requiem". Con todo ello, el mítico productor, arreglista y multiinstrumentista volvía a demostrar el porque es uno de los grandes genios musicales de los últimos 50 años, dejando para la posteridad un extraordinario álbum de rutilantes temas de pop rock adictivos y pegadizos soberbiamente producido con sus habituales ingredientes orquestales.

Celine Dion-Let´s Talk About Love (1997)

La carrera de esta famosa cantante canadiense, está marcada por sus primeros años en donde publicó ocho álbumes en su idioma nativo francés. Seria a partir de 1990 con su disco "Unison", cuando su carrera se vería tremendamente impulsada gracias a su increíble voz y sus elegantes canciones, la mayoría de corte pop romántico. Siete años más tarde y después estar plenamente consolidada como una súper estrella, lanzó su décimo quinto álbum "Let's Talk About Love", con el que lograría su mayor hazaña en el plano comercial, con más de treinta millones de discos vendidos, así como un premio Grammy y otros numerosos premios alrededor del mundo. Para este álbum el productor David Foster, además de otros co productores como Jim Steinman, reclamaron la ayuda de grandes artistas como los Bee Gees, Corey Hart, Luciano Pavarotti, Carole King, George Martin, Michael Landau, Robbie Mcintosh o Barbra Streisand, entre un centenar de invitados y colaboradores más. "Let’s Talk About Love" es un álbum fundamental en la trayectoria de Céline Dion, el cual la elevó al olimpo de las artistas femeninas más exitosas de todos los tiempos. La cantante canadiense ofreció en este álbum algunas de sus baladas más icónicas y representativas como la archiconocida "My Heart Will Go On", o las hermosas "Immortality", "The Him" o "I Hate You Then I Love You".

Manfred Mann´s Earth Band-The Roaring Silence (1976)

Impulsados por un single de gran éxito con su interpretación del tema "Blinded by the light" de Bruce Springsteen,  Manfred Mann´s Earth Band produjeron a mediados de los setenta uno de sus mejores álbumes con este “The Roaring Silence”. Sin embargo llegados a este punto el vocalista y guitarrista Mick Rogers habia dejado la banda después del lanzamiento del anterior y épico “Nightingales & Bombers', una decisión mutua, resultado de su casi obsesión por el interés en la música de  Frank Zappa y su deseo de llevar a la banda en una dirección avant rock jazz. En sustitución de Rogers, la banda se expandió a un quinteto reclutando al vocalista Chris Thompson y el guitarrista Dave Flett. El resto seguía formado por los músicos que habían dejado para la posteridad álbumes tan mediáticos como los sobresalientes “Messin´” (1973), “Solar Fire” (1973), “The Good Earth” (1974) o el mencionado “Nightingales & Bombers” (1975). Ellos eran Manfred Mann (teclados), Chris Slade (batería) y Colin Pattenden (bajo), además en el proceso de grabación intervinieron una docena de músicos mas como la saxofonista Barbara Thompson o un nutrido grupo de coristas y voces entre las que se encontraban Chris Hamlet Thompson, Irene Chanter, Suzanne Lynch o Mick Rogers. La versión de "Blinded by the Light" da inicio al álbum con un magnífico solo de teclado de Manfred Mann. Si bien la canción claramente tiene una base de pop rock, se diferencia totalmente de la versión original con una larga sección central que fortalece las credenciales progresivas del grupo y se convirtió en todo un verdadero éxito vanguardista. A esta le siguen "Singing the Dolphin Through", un fino corte de rock progresivo melódico, y la atmosférica y caótica "Waiter There's A Yawn in My Ear”, mientras que en la cara B del álbum aparecen "Road to Babylon" y "This Side of Paradise", dos piezas de pausado ritmo progresivo, con melodías fuertes y un complejo trabajo instrumental. El álbum se cierra con la simple pero hermosa "Questions" en donde la voz distintiva de Chris Thomson muestra sus credenciales como soberbio vocalista. Varios discos de oro y plata fueron el resultado de la recepción posterior del álbum, obteniendo un gran éxito en el mercado norteamericano.

Various Artists-Imprescindibles de la New Age (I)

Tim Story-Beguiled (1991) Sin duda alguna estamos ante las músicas más refinadas y elegantes que ha salido de las manos de este artista sutil, irónico y sensible. Sus teclados y guitarra, crean lienzos hermosos, llenos de fuerza apacible y de grandeza épica. 

Deuter-Ecstasy (1979) Grabado en la India, este músico germano nos deleita con siete hermosas piezas adornadas con ambientes orientales y meditativos, interpretadas con instrumentos acústicos y electrónicos. 

Reed Maidenberg-Unexpected Beauty (1986) Este artista utilizando guitarras, sintetizadores y percusión, nos deja un álbum repleto de sensaciones musicales muy evocadoras que nos transportan a sentidos viajes interiores. 

Loreena McKennitt-Elemental (1985) Cantante canadiense, que hace una música tierna, intensa, delicada y seductora, entretejiendo con su voz de influencias celtas, con arpa, violín, violonchelo, percusiones, gaitas y teclados, un sonido único. 

Planxty-World and Music (1983) Planxty son una de las formaciones fundamentales en el resurgimiento de la música tradicional irlandesa. En este trabajo el grupo presenta desde temas propios hasta piezas tradicionales celtas. 

Paul Winter-Earth; Voices of a Planet (1990) En este trabajo el saxofonista norteamericano, no conduce por un hermoso recorrido por muchos ambientes y sonoridades. Desde la música de los Apalaches y los bosques de América, hasta la fauna tropical y oceánica, pasando por tierras australianas y europeas.

Deep Purple-Slaves and Masters (1990)

Deep Purple entraría en la década de los noventa publicando su décimo tercer álbum titulado "Slaves and Masters", el cual tiene la distinción de ser el único lanzado por la formación Mark V, a pesar que esta estaría activa desde 1989 hasta 1992. Esta formación estaba compuesta por los habituales Ritchie Blackmore, Jon Lord, Ian Paice y Roger Glover, además de un nuevo cantante, Joe Lynn Turner el cual sustituía al despedido (por enésima vez) Ian Gillan. También para muchos de sus fans, este es uno de sus álbumes mas desiguales, al sonar más AOR que todo lo que habían hecho hasta esos momentos. Sin duda ello es debido a que la voz de Turner definitivamente no tiene el poder ni la emoción que a menudo estaban presentes en Gillan, pero sin embargo su tono es mucho mas amigable y pegadizo, por lo que muchos consideraron que tuvo mucha influencia en la orientación musical de este nuevo álbum, derivado hacia un estilo mas cercano al rock melódico que al puro hard rock, algo que ya había hecho años atrás con los Rainbow de Ritchie Blackmore. Aún así el álbum presenta una serie de brillantes cortes como las trepidantes "The Cut Runs Deep", "Wicked Ways" y "Fire In The Basement", la magnifica hard rock "King of Dreams", los medios tiempos adictivos "Too Much Is Not Enough"y "Breakfast in Bed", la añeja "Fortuneteller", el único corte junto "Truth Hurts" en donde se vislumbran atisbos de la época dorada de la banda, o la emotiva “Love Conquest All”. Sin llegar a las cifras de sus mas inmediatos predecesores, el álbum lograría unas buenas posiciones en las listas de éxitos de muchos países y varios discos de oro por sus ventas.

Refugee-Refugee (1974)

A principios de los 70, Keith Emerson abandonaba The Nice para formar el primer súper grupo del rock progresivo, los míticos Emerson Lake and Palmer, este hecho prácticamente abocaba a la desaparición de los mencionados The Nice, que sin embargo lograron seguir adelante durante algunos años publicando varios álbumes que consistían básicamente en material que habían compuesto en años anteriores. En 1973 dos de sus componentes Lee Jackson y Brian Davidson quisieron reformar la banda, reclutando a un nuevo teclista, puesto que recaería en el suizo Patrick Moraz que provenía de una banda llamada Mainhorse. Este teclista virtuoso, lejos de intentar emular la pirotécnica instrumental y los sonidos post románticos de Keith Emerson, se mostró como un teclista virtuoso, con unos recursos mas versátiles y orientado hacia un estilo mas barroco y sinfónico clásico. Este nuevo proyecto llamado Refugee, publicaron su álbum debut y a la postre su único trabajo en 1974, el cual mostraba un solidó rock progresivo en donde las composiciones y la instrumentación son sencillamente brillantes, conducida por los teclados de Moraz y secundada por la vigorosidad del bajo de Lee Jackson y de la batería de Brian Davison. Desde el corte que abre el álbum, "Papillon" toda una muestra asombrosa de las habilidades de Patrick Moraz, hasta las epopeyas "The Source" y “Credo”, conforman un sobresaliente trabajo que en nada tiene que envidiar a las obras maestras de ELP. Sin embargo un año después se repetiría la misma historia, esta vez fue Patrick Moraz quien abandonaba la banda para acudir a la llamada del grupo Yes en sustitución de Rick Wakeman, dando así por acabada la aventura de esta efímera y formidable banda de rock progresivo.

Barry White-Can´t Get Enough (1974)

Barry White fue un genio indiscutible del soul romántico. Su voz cavernosa y profunda, sus arreglos orquestales repletos de funk, soul y rhythm and blues, son un referente y su música sigue siendo atemporal y admirada aún hoy en día por millones de personas alrededor del mundo. Este cantante, compositor y arreglista, supo desarrollar una música que estaba adornada de lujosas armonías instrumentales y unas sensuales y irresistibles melodías. Nacido en 1944, creció en uno de los barrios mas desfavorecidos de Los Ángeles, y de joven se vio envuelto en serios problemas con la ley. Con el paso del tiempo, Barry White se dedicaría a aprender a tocar el piano de manera autodidacta, escuchando música clásica y practicando muchas horas al día. Algunos años mas tarde comenzaría a tocar como músico de sesión en la emergente escena musical de su ciudad. Durante esos años comenzaría a trabajar como compositor y arreglista en varios estudios de grabación, algo que seria vital para su posterior carrera en solitario. En los años 70. White formaría su propia banda llamada Love Unlimited Orchestra, con la que fue lanzando discos que estaban influenciados de música soul y funk con unos refinados arreglos de música clásica. Su debut discográfico llegaría en 1973 con el álbum “I've Got So Much to Give”, en donde aparecía su primer gran éxito “I'm Gonna Love You Just a Little More Baby”. Su profunda voz, junto con sus románticas letras, pronto lo auparon entre los artistas más solicitados en las emisoras de radio de medio mundo. Durante el resto de los años 70, seguirá publicando una docena de álbumes exitosos como "Stone Gon", "Can't Get Enough" o "Just Another Way to Say I Love You", los cuales contenían exitosas canciones como "Just the Way You Are", "It's Ecstasy When You Lay Down Next to Me", "You're the First, the Last, My Everything" o la famosa "Can't Get Enough of Your Love, Babe". Pese que a partir de los años 80 su fama fue decreciendo paulatinamente, siguió manteniendo su enorme popularidad y su gran talento publicando asiduamente álbumes que fueron bien recibidos entre el público, como por ejemplo su álbum lanzado en 1994 "The Icon Is Love", con el que volvió a disfrutar de las mieles del éxito. Durante todos esos años, Barry White obtendría numerosos discos de oro y platino y varios premios Grammy, y actualmente es considerado uno de los mayores influyentes de gran infinidad de artistas actuales del R&B, el soul y el funk. 

Demian-Demian (1971)

Originarios de Texas, Demian fue una efímera banda que en sus comienzos se denominaban Bubble Puppy y que bajo ese nombre lanzó un estupendo álbum orientado al rock psicodélico a finales de 1969. Liderados por los guitarristas Rod Prince y Todd Potter, el resto estaba formado por el bajista y voz Roy Cox y el batería David Fore. Después de este primer álbum, la banda se traslada a California y cambian su nombre por el de Demian, evitando así posibles problemas con su anterior discográfica. En tierras californianas la banda endurece su sonido, reforzando sus líneas de guitarras hacia un estilo hard rock. Varios años mas tarde logran un contrato con una nueva discográfica y publican el álbum homónimo en donde abundan los sonidos de las dobles guitarras melódicas que los emparientan de alguna manera con sus coetáneos Mountain, Steamhammer o Wishbone Ash. Este primer y único álbum de Demian es una excelente muestra del hard rock y blues rock de principios de los setenta con elementos de heavy pysch, con una robusta producción sobresalen cortes como las enérgicas "Face The Crowd", "Windy City", "Todd´s Tune" y "Only A Loner", la folk rock "Love People", la bluesy "Coming", o las psicodélicas "No More Tenderness" y "There You Go With My Baby".

Golden Earring-Switch (1975)

El décimo disco de los holandeses Golden Earring tuvo la difícil papeleta de suceder al anterior y exitoso "Moontan", en el cual sobresalía todo un clásico atemporal de la música rock como es el inmortal "Radar Love". Sin embargo la banda liderada por el guitarrista George Kooymans no intentaron repetir los mismos clichés musicales de aquel álbum, derivando su hard rock progresivo hacia derroteros más diversos musicalmente. Aquí Golden Earring se muestran melódicos y pegadizos, con un repertorio mas mainstream y accesible pero no exento de enorme calidad, aunque sin llegar a las complejidades instrumentales de sus trabajos anteriores. Todo ello queda demostrado en una serie de temas adictivos como la rock funky "Love Is A Rodeo", la alegre "Tons Of Time", la atmosférica "Intro: Plus Minus Absurdio", la hard rock "Troubles and Hassles", la hipnótica "The Lonesome D.J." o la enérgica "Kill Me (Ce Soir)". Pese al varapalo que supuso su fracaso comercial comparado con "Moontan", este álbum lograría unas ventas más que aceptables en el mercado europeo y norteamericano y un numero uno absoluto en su país de origen.

Fireballet-Night On Bald Mountain (1975)

Otra de esas bandas olvidadas en el túnel del tiempo son los norteamericanos Fireballet, los cuales publicaron dos excelentes álbumes enfocados al rock progresivo a mediados la década de los setenta. Originarios de Jersey esta formación contaba con Jim Como (voz principal, batería y percusión), Bryan Howe (teclados), Ryche Chlanda (guitarra y voces), Frak Petto (teclados y voces) y Martyn Biling (bajo). En 1975 lanzaron su debut "Night On Bald Mountain" en donde muestran una propuesta muy cercana al rock sinfónico británico de los 70, muy emparentado con lo que hacían Yes, Genesis o VDGG, pero sin dejar de lado las influencias del rock americano. El excelente trabajo de la dualidad de los teclados, junto a unos precisos riffs de guitarra y la complejidad instrumental, son secundadas por unas ricas armonías vocales. La suite épica de veinte minutos "Night On Bald Mountain" se convierte en el punto culminante del álbum, una pieza elegante y ambiciosa que en cierta medida oscurece al resto de cortes y que sin embargo mantienen un nivel muy alto con instrumentaciones muy dinámicas y de gran complejidad musical.

Wobbler-From Silence to Somewhere (2017)

Influenciados por los entramados sónicos de Gentle Giant, el vanguardismo de King Crimson y el sonido barroco de los Genesis más pastorales, la formación noruega Wobbler es otra de las abanderadas del llamado rock progresivo moderno. Fundada a finales del siglo 20 en la localidad de Hønefoss, su mentor y líder es el teclista Lars Fredrik Frøislie, que junto a Kristian Karl Hultgren (bajo), Martin Nordrum Kneppen (batería), Morten Andreas Eriksen (guitarras) y Tony Johannessen (cantante), publicaron su primer esfuerzo discográfico bien entrado los años 2000 con el prometedor "Hinterland" (2005). Después de varios lanzamientos mas en donde fueron evolucionando y afianzando su rico y original estilo, publicaron su obra cumbre con "From Silence to Somewhere" en el 2017. Sin embargo llegados a este punto la formación había sufrido diferentes cambios de integrantes, aquí ya no aparecen ni el guitarrista Morten Eriksen ni el cantante Tony Johannessen, en su lugar están presentes el multiinstrumentista Andreas Wettergreen Strømman y el guitarrista Marius Halleland. Tras 18 años de carrera Wobbler ya estaba considerada una de las mejores y veteranas bandas de la escena progresiva europea y como tal con este lanzamiento demuestran perfectamente ese reconocimiento facturando un trabajo que fusiona sabiamente el folk noruego con los sonidos medievales, la psicodelia y el rock sinfónico. Desde su primer corte "From Silence to Somewhere", un brillante recorrido por sus diversas influencias de raíces, de enorme dinamismo instrumental, hasta la extensa "Foxlight", en donde muestran diferentes estados de ánimo que van desde ruidosos y grandilocuentes compases hasta secciones acústicas de ensueño, pasando por la estridente "Fermented Hours", Wobbler lograron crear otras de las obras cumbres del rock progresivo moderno del siglo 21.