Robert Plant-Now and Zen (1988)

Para muchos el cuarto álbum del ex-vocalista de Led Zeppelin, Robert Plant supuso su mejor obra en solitario, en donde combinaba su particular sonido con ciertos arraigos en sus raíces zeppelianas. En esta entrega Plant tuvo la estimada colaboración del teclista Phil Johnstone y del guitarrista Doug Boyle, los cuales participaron en las composiciones de la mayoría de temas logrando con ello un plus de accesibilidad que atrajo al público mayoritario y consiguiendo unas altas posiciones en las listas de éxitos de muchos países. Compuesto por una serie de canciones orientadas al clásico rock americano, con esta nueva entrega Plant lograría tejer un disco adictivo con una serie de cortes brillantes como la idílica "Helen of Troy", la majestuosa "The Way I Feel", la chispeante "Dance On My Own", la zeppeliana "Tall Cool One", con el mismísimo Jimmy Page a la guitarra o la mística "Ship Of Fools".

Marillion-Brave (1994)

Confeccionado a modo conceptual, el séptimo álbum de Marillion "Brave", es uno de los más audaces, perturbadores y sombríos discos del neo progresivo. La idea de la historia que aquí se cuenta surgió cuando el vocalista Steve Hogarth conoció un reportaje policial sobre una joven encontrada deambulando por el puente de Severn, cerca de Bristol. La joven jamás reveló su identidad y como último recurso por medio de los medios de comunicación intentaron contactar con sus familiares o conocidos, todo ello bajo un aura de misterio. Hogarth contó la historia a la banda y sugirió cómo las canciones podían entrelazarse en un relato ficticio de una vida marcada por problemas y horrores como el abuso sexual (un tema cada vez más recurrente en los medios de comunicación en aquel entonces), el aislamiento, la drogadicción y el colapso nervioso, hasta el punto de considerar o intentar el suicidio. Steve Hogarth sobre este hecho creó una historia ficticia sobre la niña. La historia se remonta desde la infancia de la joven hasta el preciso instante en que fue encontrada en el puente Severn. La temática es inquietante y sombría, y sin embargo, a medida que el álbum transcurre ofrece esperanzas a través de las letras y la música. El hecho de que el disco esté dirigido a un público muy selecto, lo hace aún más interesante. Steve Hogarth demuestra aquí que es un excelente compositor. Musicalmente su desarrollo es simplemente fantástico: bajo una producción impecable de Dave Meegan, una ejecución magistral por parte de sus cinco componentes, además de las aportaciones del gaitero Tony Halligan, y la Orquesta Filarmónica de Liverpool dirigidos por Darryl Way. Con numerosas sobre grabaciones y un desarrollo instrumental impresionante, con unas sólidas y estructuradas composiciones de excelentes arreglos, aquí nos encontramos desde pasajes complejos y progresivos como "Goodbye to All That", "The Great Escape" o "Brave", hasta las mas accesibles "Run Away", "Alone Again In the Lap of Luxury" o "Made Again", pasando por las contundentes hard rock "Living With The Big Lie", "Hard As Love" y "Paper Lies". "Brave" se ha convertido en uno de los álbumes más aclamados de Marillion desde sus inicios, y considerada una de las obras maestras del rock progresivo de todos los tiempos.

Genesis-Selling England By The Pound (1973)

"Selling England by the Pound" es una obra maestra que presenta algunas de las composiciones más perfectas creadas en la década de los 70, que con una producción impecable, mostraba al quinteto liderado por Peter Gabriel, en su cima creativa. Aquí Genesis completaba de manera brillantísima su estilo pastoral fusionado con el rock, con momentos delicados de gran belleza, mezclado con partes agresivas y vigorosas. Desde la inicial "Dancing with the Moonlit Knight", cuya flauta y las guitarras medievales la convierten un himno clásico sinfónico, hasta la más pegadiza y comercial "I Know What I Like ( In Your Wardrobe)", pasando por la épica y excéntrica "The Battle Of Epping Forest", la memorable "Firth Of Fifth", o la monumental y evocadora "The Cinema Show". En este apoteósico álbum, la banda muestra un gran nivel de virtuosismo en todos y cada uno de sus integrantes, una enorme creatividad y una perfecta complejidad instrumental.

Rush-Test For Echo (1996)

Con el final de la tercera época y el comienzo de la cuarta, los canadienses Rush se habían convertido en una banda de hard rock sofisticado de gran nivel compositivo e instrumental. Atrás quedaron sus etapas de hard rock, de rock progresivo y de rock tecnológico, así que con el comienzo de esta nueva etapa intentaron fusionar todos esos estilos para orientarse en un claro rock artístico. En ese contexto fueron lanzando los álbumes "Presto" (1989), "Roll the Bones" (1991), "Counterparts" (1993) y este que analizamos hoy aquí; "Test For Echo" (1996). En todos los anteriores el trío logro confeccionar un excelente material que sin embargo los mantenía muy alejados de su época esplendorosa. En este ultimo incluso sobresalen las tendencias progresivas o al menos mucho mas complejas con un claro sonido contemporáneo. El potente tema que da titulo al álbum, muestra el tremendo dinamismo instrumental que el trío canadiense sabe imprimir, con desarrollos rítmicos intricados y la fuerza explosiva habitual. La compleja Driven", una inteligente composición de perfectas estructuras musicales, la psicodélica "Time and Motion", o las hard rock de cierta sofisticación "Half the World", "The Color Of Right", "Totem" o "Dog Years" conducen al álbum por senderos ya antes explorados por el grupo, pero con un plus de complejidad que no se veía desde los tiempos del álbum "Moving Pictures" de 1981.

Charlee-Charlee (1972)

Normalmente cuando hablamos de bandas que apenas tuvieron recorrido, por regla general y pese a su innegable calidad, muchas terminan fracasando estrepitosamente en el plano comercial, aunque sin embargo también las hay que pese a lograr vender una considerable cantidad de discos, terminaron igualmente desapareciendo sin dejar rastro. Eso fue lo que ocurriría con la banda canadiense Charlee, un proyecto liderado por el guitarrista ítalo-canadiense Walter Rossi, el cual antes había pertenecido a diferentes formaciones como la de Wilson Pickett o la de Buddy Miles. Para este nuevo proyecto Rossi reclutaría a la base rítmica de un grupo llamado Luke & The Apostols, el baterista Mike Driscoll y el bajista Jack Geisinger. En 1972 y bajo la RCA canadiense lanzaron su único disco homónimo, el cual pasaría totalmente desapercibido por una pésima gestión promocional. Algún tiempo después el álbum es lanzado en el mercado norteamericano y logra vender cerca de las 10.000 copias en apenas un mes. Ello fue gracias a un trabajo tremendamente explosivo que contiene una serie de cortes con memorables pasajes de guitarra de clara influencia Hendrix como "Let´s Keep Silent" o "Wheel of Fortune". El resto del álbum sigue una línea parecida mostrando un hard rock repleto de guitarras fuzz como la vibrante blues rock "Wizzard", las contundentes "Just You And Me" y "Lord Knows I´ve Won", o la hipnótica bluesy "A Way To Die". Charlee lograría con este disco uno de los mejores debuts del rock canadiense y con el tiempo obtuvo el status de clásico del hard rock de principios de los años 70.

Cliff Richard-From A Distance: The Event (1990)

Cliff Richard es junto a The Beatles, el artista británico más admirado de la historia, y no solo por los propios británicos si no también por todas las generaciones de músicos posteriores. Considerado el Elvis Presley inglés, tiene el honor de ser el impulsor del rock and roll en las islas británicas junto a su banda de aquella época The Shadows. Enumerar aquí sus éxitos es casi imposible, más de 46 álbumes de estudio, más de 150 singles, muchos de ellos números unos o más de 250 millones de discos vendidos, colocándose junto a The Beatles y Elton John a la cabeza de los más vendedores entre los artistas británicos, es solo parte de su impresionante legado y de su enorme éxito. Además de todo ello, tiene junto a Elvis Presley el récord de haber entrado en las listas de éxitos durante seis décadas consecutivas. Este legendario cantante tuvo un éxito arrollador en el Reino Unido antes que los Beatles irrumpiera en el mundo de la música. John Lennon llegó a decir en una ocasión: "antes que Cliff Richard en Inglaterra no había rock and roll", y George Harrison: "Sin Cliff Richard y los Shadows no hubieran existido los Beatles”. Richard ha logrado siete álbumes números uno en las listas de álbumes del Reino Unido en las décadas de 1960, 1970, 1980 y 1990, y ha acumulado 30 álbumes entre los cinco primeros y 47 entre los diez primeros. En 2023, con motivo de su 65 aniversario, lanzó el álbum "Cliff with Strings: My Kinda Life", un recopilatorio de sus éxitos clásicos, bajo los arreglos orquestales de Chris Walden. De entre esa infinidad de sencillos, álbumes en directo y en estudio, canciones de películas, discos recopilatorios etc, etc, uno de sus discos más representativos es este "From a Distance: The Event", una especie de recopilatorio en directo grabado los días 16 y 17 de junio de 1989 en el estadio de Wembley, y lanzado oficialmente como doble Lp a finales de 1990. Entre su repertorio aparecen algunas de sus imprescindibles canciones como "Summer Holiday", "The Young Ones", "In the Country", "We Don't Talk Anymore" o "Saviour's Day", las cuales se alternan con versiones de standards del rock and roll como "Good Golly, Miss Molly" de Little Richard, "Whole Lotta Shakin' Going On" de Jerry Lee Lewis, "Bird Dog" de The Everly Brothers o "C'mon Everybody" de Eddie Cochran.

Goodthunder-Goodthunder (1972)

Goodthunder fueron una banda de Los Ángeles, que en 1972 lanzaron un único álbum el cual supuso uno de los más interesantes del aquel año en el estado de California. Fundada a finales de 1971 su formación estaba compuesta por James Cahoon Lindsay (voz principal y percusión), John Desautels (batería), David Hanson (guitarra y voz), Bill Rhodes (bajo) y Wayne Cook (teclados). Poco después de su fundación son contratados por el sello Elektra quien les produce el álbum homónimo que aquí nos ocupa. Pese a que hoy en día este trabajo esta en parte olvidado, es muy digno y cautivador en donde muestran un competente nivel creando una música que fusionaba el rock melódico, el hard rock progresivo y ciertas dosis del rock americano de raíces. Cortes como la groovy vanguardista "I Can´t Get Through To You" o las progresivas "For A Breath" y “P.O.W”,  son una clara muestra del talento de estos chicos para crear un estilo en donde además de las atractivas voces armónicas, demuestran su gran talento instrumental. Otros cortes como la inquietante "Moonship", las hard rock "Sentries" y "Rollin´Up My Mind" o la brillante "Barking at the Ants", son lo mas destacado de un álbum que ha resistido perfectamente la prueba del tiempo.

Tea-The Ship (1975)

Tea son otra de esas miles de bandas desconocidas de poco recorrido que poblaron la década de los 70, la cual durante los cinco años de su carrera lanzaron tres álbumes enfocados en el hard rock con elementos progresivos. Esta formación suiza iniciaría su andadura en 1971 impulsada por el baterista Roli Eggli junto a Armand Volker (guitarra) y Turo Pashayan (bajo). Algún tiempo después entrarían a formar parte del grupo el vocalista Mark Storace y el teclista Philippe Kienholz, conformando de esta manera la formación definitiva de Tea. Durante varios meses la banda gira alrededor de Suiza y Francia, obteniendo una gran repercusión como una de las bandas prometedoras del hard rock a nivel local. En 1974 publicarían su primer álbum, el cual tuvo una buena acogida en los circuitos underground de diferentes países europeos, sin embargo seria con su segundo larga duración "The Ship", cuando obtienen un mayor reconocimiento mediático, un hecho que los llevaría a telonear a diferentes formaciones británicas como Uriah Hepp o Queen. Este segundo registro muestra un repertorio de meritorias canciones magníficamente arregladas, con una sólida base rítmica secundada por unas excelentes guitarras y teclados. Cortes como la enérgica "Breakdown", muestra el poderío guitarrístico del grupo, además de unas grandes líneas vocales, por senderos parecidos discurren cortes como las semi progresivas "I´d Never Have Bothered" y "Through Scarlet", las hard rock "A Dog Called Joe" y “Crystal Rivers" o la brass rock "Summer in The City". Después de un mediocre tercer álbum, se disolverían definitivamente en 1977, pasando posteriormente su cantante Mark Storace a recalar en la banda suiza de heavy metal Krokus.

Mike Oldfield-Ommadawn (1975)

Para su tercer álbum, Mike Oldfield eligió el camino entre las influencias de la música rock y la energía de "Tubular Bells" y los sonidos pastorales y folkys de "Hergest Ridge". Para esta obra Mike Oldfield se encargaría de la producción y de un sin fin de instrumentos entre los que se encuentran las guitarras eléctricas y acústicas, bajo, sintetizadores, arpa, mandolinas, campanas tubulares, piano, órgano y muchos mas, y contaría además de la colaboración de entre otros músicos con la de sus hermanos Sally y Terry Oldfield (voces y flauta) respectivamente, Pierre Moerlen (percusión), o Paddy Moloney (gaitas). Dividido en dos largas suites, la primera parte "Ommadawn Part One", es una epopeya hipnótica y relajante que va en crescendo a medida que va progresando con diferentes estados emocionales en donde los sintetizadores envolventes y las percusiones tribales contrastan con las sublimes aportaciones de las guitarras. La segunda parte sin llegar a las excelencias de la primera, contiene momentos magníficos de inquietantes ambientes musicales en donde hay cabida para relajados momentos bucólicos o acercamientos a la música folklórica irlandesa. Con esta tercera entrega, Mike Oldfield volvía a crear su tercera obra maestra consecutiva, con la cual cerraba una admirable y antológica trilogía.

Popol Vuh-Aguirre (1975)

El séptimo álbum de los germanos Popol Vuh, es una de sus aventuras discográficas más arriesgadas, sumergiéndose directamente en unas atmósferas opresivas y espaciales por igual. Pero en realidad este lanzamiento fue creado para ambientar la banda sonora de la película del mismo nombre; una trama un tanto onírica del director Werner Herzog, en una coproducción alemana-mexicana-peruana de 1972, de drama histórico, escrita y dirigida por el propio Herzog y con Klaus Kinski en el papel protagonista. En ella se narra el viaje del explorador español Lope de Aguirre y un grupo de conquistadores a través del río Amazonas en busca de El Dorado, en una región de la Amazonía que, según leyendas de la época, albergaba ingentes reservas de oro. Una película que con su fotografía y su oscura narrativa, fueron fuente de inspiración para que años después, Francis Ford Coppola la utilizara en su obra maestra, Apocalipsis Now. Un dato bastante reseñable es que aunque la música está está fuertemente asociada a la película, también se disfruta escuchándola por separado. Popol Vuh nos ofrece aquí una música bastante singular, con pasajes contemplativos, caracterizada por una progresión cadenciosa y grandilocuente, que entrelaza una tenue atmósfera, sutil y etérea. Las capas de sintetizador contribuyen a crear un sonido espacial y cósmico, mientras que las voces de fondo aportan una sensación excelsa y sobrenatural, con unos ricos aportes de guitarras y mellotrones, e incluso con elementos exóticos de música andina.

Pink Floyd-The Wall (1979)

La ópera rock de Pink Floyd, The Wall, es definitivamente una de las piezas musicales más artísticas y perfectas jamás escritas y al mismo tiempo una de las obras faraónicas jamás concebidas, tanto por su temática lírica, como con su concepto y su posterior puesta en marcha en sus apoteósicos shows en vivo. El concepto y las letras de Roger Waters son un trabajo de genio, y aunque esto no es tan complejo musicalmente como muchos de los trabajos anteriores de la banda, aún logran mantener la atmósfera habitual de su estilo, aquí presente en un trabajo emocional y significativamente profundo, pero como con cualquier álbum conceptual se debe escuchar por completo. Sin embargo tiene el notable efecto de dividir a sus millones de fans en dos direcciones; aquellos que creen que el álbum es el mejor que la banda haya lanzado, y aquellos que desearían que hubieran frenado las divagaciones pretenciosas en un trabajo más coherente. Basado sobre una estrella de rock que ha estado construyendo un muro a su alrededor para protegerse de la realidad y la vida que le ha causado tanto dolor. Para muchos, esto está bastante cerca de la historia de la propia vida de Roger Waters con algunos cambios introducidos. En definitiva un álbum esencial, una obra maestra perfecta y a pesar de no ser tan progresiva como "The Dark Side Of The Moon" o "Wish You Were Here", se confecciono para poner a prueba las emociones del oyente como lo hace toda la música de Pink Floyd. perturbando el cerebro y el corazón al mismo tiempo, con una música inteligente y conmovedora.

Various Artists-Proton Vol.1 (1974)

Otros de esos dobles álbumes que se publicaban en los 70 para promocionar a sus artistas, fue este publicado por el sello alemán Kerston, en donde presenta cinco bandas noveles en aquellos momentos, la mayoría de ellas encuadradas en el movimiento krautrock. La primera de ellas es Zyma, una banda que estaban más cerca de los sonidos bluesy y el folk psicodélico underground de la mejor tradición canterburiana, la cual publicaría dos interesantes discos de escasa repercusión casi al final de la década de los 70. Andorra por su parte fue una efímera banda de rock acido con influencias del folk rock americano de la cual apenas hay mucha mas información. Penicillin el grupo mas extraño y desconocido del álbum, estaba orientado a los sonidos del blues rock y se nos antoja que es la mas débil del set presentado en este doble álbum. Para finalizar aparecen las dos bandas mas interesantes, por un lado Nexus, la cual nos traslada al mejor jazz rock alemán de mediados de los setenta y Sun que de alguna manera mantiene el sabor jazzistico de la anterior, aunque derivando su estilo hacia derroteros mas bluesy con elementos progresivos y vanguardistas. Sin duda un interesante recopilatorio el cual mostraba una serie de bandas que apenas tuvieron recorrido y que de no ser por este tipo de samplers quizás nunca hubiéramos conocido de su existencia.

Various Artists-Imprescindibles de la New Age (II)

Jerry Goodman-On The Future Of Aviation (1985) Diez años estuvo alejado Jerry Goodman del mundo del jazz y el rock, pero ello no mermó su enorme capacidad compositiva ni el talento de este ex violinista de Flock y la Mahavishnu Orchestra, publicando un exquisito álbum en donde las sonoridades del violín eléctrico se funden con las guitarras y los sintetizadores. 

Ravi Shankar-Tana Mana (1987)  Este genio del sitar ofrece en este trabajo una sabia combinación entre los sonidos modernos con los timbres más ancestrales de las voces e instrumentos indios en un álbum que irradia elegancia, alegría y exaltación. 

Suzanne Ciani-Pianissimo (1990) Con su sexto trabajo, la creadora de emblemáticas obras como "The Velocity Of Love", confecciona nuevas versiones de algunas de sus temas más emblemáticos, interpretados por la magia que obtiene de su piano de cola MIDI. 

R. Carlos Nakai-Desert Dance (1990) Grabado en la capilla Lindisfarne, ubicada en lo alto del valle de San Luís en Colorado, una zona sagrada para los indios navajos, una tribu de la que proviene este artista, que nos transporta con su música repleta de flautas de caña, tambores, sonajas y voz, a esos pasajes naturales. Un disco de meditación musical sobre los espíritus de esa zona y sobre las fuerzas naturales que lo conforman. 

David Arkenstone-Citizen Of Time (1990) Con su tercer registro, este multi instrumentista norteamericano nos transporta a un viaje infinito en el tiempo en los que contemplamos escenarios como la Gran Muralla China, frondosos bosques, la aurora boreal o las tumbas egipcias. 

Paul Horn-Inside The Great Pyramid (1983) En este doble álbum se recogen una serie de grabaciones que el flautista realizo en el interior de la gran pirámide egipcia de Keops a mediados de los 70, además de otras piezas recogidas en las pirámides de Kefrén y Micerino.