El apartamiento de Dylan a raíz de su accidente de mediados de 1966 ha sido estudiado en años precedentes. El carisma de Bob, nunca propenso a explicar o razonar sus pasos, es proclive a todo tipo de consideraciones; por ello la gira de 1974 levantó ríos de tinta que él dejó correr sin ofrecer explicaciones. Los estudiosos dylanianos llegaron a conclusiones complejas pero lógicas. Bob Dylan había estado enviando dinero a Israel bajo el nombre de su padre Abraham Zimmerman. Su sentimiento semita, su raíz judía, parecían razones sobradas para justificar un hecho como éste. Cuando en octubre de 1973 estalló la guerra árabe-israelí, una vez más el pueblo judío se apiñaba en torno a «su» causa. La necesidad de dinero para costear una guerra, por corta y triunfal que fuera, como en este caso, era urgente. Cuando el 12 de diciembre Bob Dylan anunciaba su vuelta a los caminos, con una gira por veintiuna ciudades de Estados Unidos, la conmoción del hecho se aunaba al entorno político del momento. Los 350 millones de dólares de beneficios eran una suma importante, tanto para Dylan como para cualquier causa.
Dejando a un lado el factor político, Bob generaría una corriente de noticias entre fines de 1973 y comienzos de 1974. Dylan abandonaba su compañía, la CBS, y David Geffen (declarado «ejecutivo del año») conseguía su firma y lo incorporaba a su editora, Asylum Records. La «venganza» de CBS consistió en editar rápidamente un álbum titulado “Dylan”, con canciones de desecho procedentes de otros álbumes. A pesar de todo, el LP conquistó un disco de oro por sus ventas. Mientras, Dylan grababa con The Band su nuevo álbum, “Planet waves”, aparecido tres años después que el disco anterior, “New morning”, y grabado en estudio como obra uniforme (Dylan había publicado un LP de éxitos “Greatest Hits” y la banda sonora de un film; “Pat Garrett and Billy the Kid”, durante ese intervalo). Todavía en 1974 aparecía otro LP, doble y grabado en vivo durante la gira “Before The Flood”. Sin embargo, en agosto de 1974 Bob afirmó haberse equivocado al firmar por Asylum, ante lo que CBS se apresuró a formularle una oferta que él aceptó. Bob volvía «a casa» con otro contrato y más millones. Las negociaciones entre 1972 y 1973, que habían dado la imagen de un Dylan demasiado interesado por el dinero, y los dos cambios súbitos, de CBS a Asylum y de Asylum a CBS, volvían a poner sobre el tapete el probable interés de Dylan por el dinero. A lo largo de la gira iniciada en enero de 1974 se especuló sobre si el dinero que pagaban los americanos por verle no servía para comprar balas con las que morían árabes a manos de judíos en Extremo Oriente. Puntos nunca confirmados. Y en la historia, una única realidad fue la del enorme éxito de Bob Dylan en esa apoteósica gira.
Corría el año 1973 cuando un antiguo componente de Oblivion Express, la banda del teclista Brian Auger, decide unirse a otros músicos, todos ellos unos apasionados al soul y al funk, para formar un sexteto que denominarían Average White Band, un nombre un tanto humorístico por ser todos blancos y practicar una música eminentemente negra.
Este músico era el batería Robbie Mcintosh, que junto al guitarrista Hamish Stuart, al bajista Onnie McIntyre, y a los saxofonistas Roger Ball y Malcom Molly Duncan, inician así una carrera que pronto les depararía grandes éxitos a ambos lados del Atlántico.
Este grupo escocés escogería para su presentación la vuelta a los escenarios de Eric Clapton, después de sus tumultuosos desvanes con las drogas, actuando como teloneros del mítico guitarrista.
Y poco después se publicaría bajo el sello MCA su primer álbum “Show Your Hand” (1973), que pese a no entrar en las listas confirman el auge del grupo con un estilo que fusionaba el rhythm & blues británico con el soul.
Un año después el grupo consigue un contrato con la Atlantic Records, en parte debido a la mediación de Bruce McCaskill, manager de Eric Clapton por entonces, quien igualmente les dirige en lo sucesivo.
“Average White Band” (1974), producido por Arif Mardin (responsable del éxito de los grandes artistas de soul de la Atlantic), es el segundo álbum del grupo, y seria el espaldarazo definitivo y un boom comercial de grandes dimensiones, consiguiendo encaramarse hasta el primer puesto en USA y al nº 6 en UK.
En este álbum el grupo mostraba una sólida base de rock fusionado con elementos soul, blues e incluso pop, un estilo que empezaba a tener miles de adeptos en todo el mundo gracias a grupos de moda como Sly Family Stone, Temptations o Kool and the Gang entre otros coetáneos.
El album contenía grandes hits como “Pick up the pieces”, “Nothing You can do” o “You got it”.
Pero la desgracia se cebaría con el grupo poco después, ya que ese mismo año McInstosh fallecería a causa de una sobredosis de heroína.
Pero el grupo seguirá adelante y reclutan a otro ex -Oblivion Express, Steve Ferrone con el cual publican “Cut the Cake” (1974), que sin llegar al éxito del anterior disco consiguen mantenerse en lo mas alto del ranking con varios hits como “School boy Crush” o “If I Ever Lose This Heaven”.
“Soul Searchin´” (1976), seria el ultimo gran álbum de la banda, el cual contenía el hit “Queen of my Soul” y que iniciaría el declive del grupo, publicando trabajos de un menor impacto comercial, algunos de ellos de buena factura pero lejos de sus primeros álbumes.
Así se fueron sucediendo los discos “Person to Person”, un doble álbum en directo, donde mostraba la faceta enérgica del grupo sobre los escenarios, “Benny and US” (1977) álbum firmado junto al gran Ben E. King, “Warmer Communications” (1978), “Feel no Fret” (1979) o “Shine” (1980) trabajo este ultimo que junto al anterior recobraba la entidad perdida y que lograba devolverles a las primeras posiciones de los ranking mundiales, gracias en parte al hit mundial “Let´s go Around Again” y finalmente el álbum “Cupid´s In Fashion” (1982), dando terminada con este ultimo, el primer periplo del grupo, el cual desaparece hasta años después con una reunión en la cual solo estaban Gorrie, McIntyre y Ball, conformando el resto de la banda el guitarrista Alex Ligertwood y el batería Tiger McNeil, los cuales graban el decepcionante “Aftershock” (1989).
Después de este último trabajo el grupo volvería a desintegrarse hasta 1997, cuando volverían a reunirse para la publicación del álbum “Soul Tattoo”, al que seguirá “Face to Fac”e (1999) y por ultimo “Living Colour” (2003).
Actualmente la banda sigue actuando por medio mundo, con solo Gorrie y McIntyre como miembros originales.
“Greatest and Latest” (2005) y los directos “Soul & City” y “Times Squared” (2006-2009) son los últimos discos publicados por la banda.
Los dos festivales celebrados en la isla de Wight a finales de los sesenta y principios de los setenta, tuvieron un doble valor: el primero de ellos, porque contó con Bob Dylan, cuyo solo nombre sirvió ya para mitificar el acontecimiento; el segundo, porque en su gigantismo labró la tumba de los grandes festivales, al menos bajo las premisas y con los conceptos desarrollados en los últimos años 60. La referencia a Dylan basta para escribir a grandes rasgos el primero, celebrado los días 29, 30 y 31 de agosto de 1969. Sus datos y cifras, permiten entender el festival de la isla de Wight en sí mismo por su importancia y su significado.
Wight es una isla de unos 40 km de longitud por unos 23 de anchura, situada en la costa sur de Inglaterra; tenia en aquella época un censo de 94.000 habitantes, que hasta el verano de 1969, vivían en una perfecta paz idílica. Ambos festivales se desarrollaron en los terrenos de East Afton Farm, de 4 millones y medio de metros cuadrados, cerca del pequeño pueblo de Freshwater. La organización del festival corrió a cargo de los hermanos Foulk y Ricky Farr, que actuaron bajo la denominación de Fiery Creations. Después de 1970 pasaron a la historia como los promotores del más importante evento británico.
El primer festival de Wight duró tres días: contó con un concierto libre el día 29, con la participación de los Who, Moody Blues, Fat Mattres, Joe Cocker, Family, The Bonzo Dog Band, Pretty Things, Blodwyn Pig, Edgar Boughton Band, King Crimson, Free, Marsha Hunt and White Trash, Blonde on Blonde y Aynsley Dumbar entre otros, el día 30 con Bob Dylan and The Band, Richie Havens, Tom Paxton, Pentangle, Julie Felix, Gary Farr, etc.
Bob Dylan, que llegó en helicóptero y se fue diciendo que había ido a cantar y nada más, sin otros comentarios, no dejó muy convencidos a los miles de espectadores, entre ellos varios miembros de los Beatles y de los Rolling Stones. Farr y los hermanos Foulk le pagaron 75.000 dólares, la cifra mas alta del festival. Cantó 17 canciones en un par de horas y se fue. Pero para los doscientos mil espectadores, Wight era ya un hito. Dylan había cantado esporádicamente desde su accidente en 1966, y no iba a reaparecer en gira hasta 1974. Así que Wight fue su gran efemérides en los 8 años que mediaron entre 1966 y 1974.
Al año siguiente, sin Dylan, el festival quiso convertirse en la más gigantesca epopeya de la historia del rock, superando a Woodstock y superándose a sí mismo. La Fiery Creations se gastó en pagar a los artistas unas 250.000 libras (cerca de 300.000 dólares), de las cuales cada una de las figuras percibía 15.000. La organización fue modélica hasta el inicio del festival; sin embargo, se vio desbordada por las causas extra-musicales que lo torpedearon en su espíritu, ya que musicalmente fue todo un éxito.
Para llegar a Wight se dispusieron servicios de trenes especiales desde las principales ciudades inglesas, completados con ferrys desde los puertos cercanos a la isla, Portsmouth y Southampton. En Wight se concentraron 5.000 policías para cuidar el orden público y otros cientos vestidos de paisano para vigilar el eterno gran peligro de todos los festivales: las drogas y cualquier asunto turbio que pusieran en peligro a los asistentes. Sólo para esto, a Wight incluso se desplazó un laboratorio completo de drogas, un tribunal y un hospital especializado, con 80 camas para auxilios inmediatos. Trescientos acres de tierra fueron destinados a «ciudad», para que no sucediera lo de Woodstock y para que quienes lo desearon pudiesen instalar su tienda de campaña y dormir en las pocas horas que el festival lo permitía. La prensa de todo el mundo disponía de emisoras de radio, salas de prensa, 2.500 servicios repartidos por el recinto vallado (con doble valla de seguridad). En la parte alimentaria, Wight tiene una valoración, en cifras, espectacular. El total de comida y bebida almacenada el primer día era de 1.368.800 litros de agua, 113.650 litros de leche e igual cantidad de cerveza, 24 toneladas de bebidas calientes, 8 millones de vasos de papel y 100 toneladas de patatas. Grandes tiendas, restaurantes y un sinfín de puestos de hot–dogs, fish and chips y curry houses, sirvieron comida a lo largo de los cinco días del festival, el más largo jamás planificado. A pesar del número de tiendas, las colas fueron otra constante para conseguir beber, comer o hacer una necesidad.
Los problemas que Wight trajo consigo podrían resumirse en unas líneas: daños a la propiedad privada en cuanto a los habitantes de la isla, para lo cual las compañías de seguros establecieron un seguro especial durante los días del festival; la creación de una legislación que regulase las grandes concentraciones de público; y, finalmente, los propios acontecimientos internos del festival, originados por los Hell Angels y los White Panthers.
La aparición de los Panteras Blancas fue originada por las vallas del festival y por algo que podríamos denominar «política de Wight». Durante algo más de medio año, la organización pregonó que el segundo festival de Wight sería un modelo y algo más que un fenómeno pop.
Wight era la reencarnación del paraíso. En cierto modo, la organización fue víctima de su propio sueño. El público, llegado de todo el mundo, se encontró con una extensión de terreno yermo, con entradas de 10 libras para los VIPs que quisieran estar cerca del escenario y pudieran pagar, y de algo más de una libra para el resto. Los Panteras se autodefinieron como defensores de la masa e iniciaron una lucha para lograr un festival gratuito, sin VIPs. El resultado fue el derribo de las vallas, una pequeña claudicación por parte de los organizadores, ante el riesgo del descalabro, y 70.000 libras perdidas en las primeras horas al tener que dejar entrar gratis a los rebeldes. El Wight-70 comenzó con la sonrisa de Ricky Farr, presentando, vestido de negro, el magno acontecimiento, y terminó con él mismo gritando desde el escenario: «Para la buena gente... ¡adiós! Para los demás... ¡iros al infierno!», unos minutos después de que el vicario de Monteston fuese abucheado al tratar de dirigir unas palabras a un agotado público tras cinco días alucinantes.
Pero a pesar de todo... Wight no fue, ni mucho menos un festival violento, pese a los Panteras y a los Ángeles del Infierno. La frase all right («todo está bien») fue una consigna de las cinco jornadas para los 300.000 espectadores que se reunieron en los momentos clave. El último día, tras la actuación de Joan Baez, cuando se produjo la gran vuelta a casa, todavía la Fiery Creations ayudó a los miles de jóvenes sin dinero, proporcionándoles ayuda para llegar a sus puntos de destino.
El primer día del festival, el 26 de agosto, actuaron grupos desconocidos por aquel entonces, como Judas Jump, Kathy Smith, Rosalle Sorrels, Kris Tossoson y Redbone. El día 27 lo hicieron Supertramp, Groundhogs, Tony Joe White, Cactus, Black Widow, Terry Reid y Andy Roberts and Everyone. El viernes 28 se inauguró oficialmente Wight 70 y comenzaron a desfilar las figuras hasta el domingo 30 de agosto. Las principales fueron Taste, Melanie, Voices of East Halem, Fairfield Parlour, Chicago, Family, Procol Harum, Arrival, Joni Mitchell, Who, Free, Ten Years After, John B. Sebastian, Jimi Hendrix, Leonard Cohen, Joan Baez, Donovan, Jethro Tull, Mungo Jerry, The Doors, Moody Blues, Sly and The Family Stone, David Bromberg, Kris Kristofferson, Miles Davis, Pentangle, Richie Havens, Emerson, Lake and Palmer, Cat Mother, Everly Brothers, Tiny Tim, Good News, Ralph McTell y otros más. No había un Dylan, pero el reparto fue tan impresionante como el de Woodstock y pronto pasaría a los anales de la historia del rock como uno de los acontecimientos mas fantásticos e impactantes jamas realizados.
Uno de los mas finos y elegantes guitarristas del rock progresivo es sin duda el británico Steve Hackett, el cual se dio a conocer cuando formaba parte de la banda Genesis, con los cuales vivió su época mas gloriosa.
Steve Hackett comenzó su carrera a finales de los sesenta en bandas de corte progresivo como Canterbury Glass, Steel Pier y Sarabande, con un sonido muy experimental, pero ya muy cercano al rock sinfónico que luego despuntaría en la década posterior.
En 1970 graba su primer álbum junto al grupo Quiet World en un LP titulado “The Road”.
Justo ese año lee un anuncio publicado en el Melody Marker el cual se buscaba un guitarrista para una banda llamada Genesis, Peter Gabriel y compañía luego de una sesiones quedan muy satisfechos con su calidad y le fichan para el grupo.
Empieza así lo que luego se denominara la formación clásica del grupo, Hackett participa en ocho álbumes de la banda y sin duda serán los mejores en la época dorada del grupo.
Su primera grabación con Genesis es “Nursery Cryme”, editado en noviembre de 1971. La presencia de Hackett llama la atención en temas como "The Musical Box" y "The Return of the Giant Hogweed", en los que experimenta con la técnica del tapping.
“Nursery Cryme”, sin embargo obtiene un resultado comercial discreto, pero en el siguiente disco, “Foxtrot” (1972), alcanza un gran éxito. En él se incluye el instrumental "Horizons", interpretado por Hackett en solitario, que se convierte en una de sus piezas características.
Con el siguiente disco, “Selling England by the Pound” (1973), Genesis alcanza el cenit de su carrera. Destacando el trabajo de Hackett en temas como "Dancing with the Moonlit Knight" y "Firth of Fifth", que incluye uno de los solos más notables y conmovedores de Hackett.
En 1974 el álbum “The lamb Lies Down ob Broadway”, es el final es de la búsqueda y expansión creativa impresionante que puso a Genesis a la altura de todas las maravillas que se sucedían por esas épocas en el plano musical, pero que a la vez supuso el principio del fin para dos de sus miembros, Gabriel y Hackett, el primero abandonaría la nave poco después de la edición del álbum.
Pronto Hackett comienza a verse desencantado con la orientación musical que va teniendo la banda, ya que no puede desarrollar con libertad sus ideas y observa impotente cómo algunas de sus composiciones son rechazadas y no publicadas en los discos, y observando la desviación hacia terrenos algo mas comerciales de la banda. Y así tras la publicación de “Wind & Wuthering” (1977), harto del desprecio obtenido, decide abandonar el grupo.
Ese mismo años se edita el doble álbum “Seconds Out”, un registro en vivo considerado por muchos uno de los mejores directos de la historia y en donde la guitarra de Hackett todavía seguía sonando mejor que nunca, ya que este doble fue grabado en la gira del año anterior.
Sin embargo y aún perteneciendo a la banda en 1975, había grabado “Voyage of the Acolyte”, su primer disco en solitario,
A este álbum se le sumarian otros como “Please don´t Touch” de 1978, “Spectral Morning” de 1979, “Defector” de 1980 o “Cured” de 1981, todos ellos de una innegable calidad.
En todos estos trabajos se aprecian varias etapas: una primera de rock sinfónico e incluso experimental, seguida por otra en la que desarrolla temas más pop incluso cercanos a la world music. Posteriormente, Hackett exploraría su interés por el repertorio de guitarra clásica y el blues. En los últimos años, alterno discos de influencia clásica con otros mas rockeros,
Su disco más vendido es “Highly Strung” de 1982, del que se extrae el single “Cell 151”. Por esos años comienza a colaborar con antiguos miembros de King Crimson y en 1982 se reúne con su ex-banda para un concierto benéfico de WOMAD, por iniciativa de Peter Gabriel.
En 1986, forma junto a Steve Howe, guitarrista de Yes, una banda llamada GTR. De él surge un único trabajo homónimo, muy celebrado por los fans aunque el resultado es un álbum muy en la línea del pop sinfónico que ya hacían bandas como Asia en esa época.
Pero Hackett sigue editando nuevos discos en solitario y explorando nuevos estilos. En general su música está impresa de una energía inigualable, de un sentimiento profundo y recto, de una sensibilidad adorable y exquisita. Sus piezas y canciones son bastante audibles, y pocas son las veces que se le puede incurrir en algún error. Por la forma tan limpia que tiene al hacer sonar sus instrumentos, se le suman participaciones en distintos proyectos en los que destacan Gordian Knot, Gandalf o junto al ex Jethro Tull, David Palmer, realizando un memorable álbum titulado "Objects of Fantasy".
Su estilo acústico y el manejo de las seis cuerdas, son sólo dos maneras de estar, como pocos lo están, en ámbitos sonoros que van desde el hard rock, que pasan por el blues, que se soporta en elementos jazz y que progresa constantemente.
Aunque Steve Hackett ha gozado de reconocimiento a lo largo de su carrera como solista, sus fans siempre han recordado con especial afecto su etapa con Genesis. Steve Hackett ha mostrado su apego por la música de su antiguo grupo en el proyecto Genesis Revisited, emprendido en 1996, en el que cual versiona piezas célebres del grupo, ofreciendo además algunos temas propios fieles al espíritu de la banda.
Hackett sigue actualmente editando discos en forma asidua, viajando por el mundo en giras y colaborando con otros músicos en sus trabajos cómo por ejemplo con su hermano John Hackett, en “Sketches of Satie” (2000), que ofrece una versión depurada, para flauta y guitarra clásica, de una de las piezas más conocidas de Erik Satie.
Su ultimo álbum fue el “Wild Orchids” (2006), en donde retoma la vieja formula del rock progresivo pero dotando de otras muchas influencias y estilos.
Luego edito un álbum de versiones titulado “Tribute”, en donde quiso homenajear a la guitarra clásica con temas de Andrés Segovia, Granados o Bach.
En el 2009 volvió a la carretera con su Electric Band Tour 2009, donde además de interpretar temas de sus discos en solitario rememora tiempos pasados con temas de su mítica ex –banda, Genesis.
Esta fundamental banda norteamericana ofreció a mediados de los setenta unas nuevas formas de entender el rock, revistiéndolo con pomposos arreglos y unas espectaculares escenografías teatrales.
Todo esto se tradujo en una larga serie de discos de oro y platino por sus ventas sobre todo en el mercado americano, sin embargo nunca funcionaria de la misma manera en el resto del mundo, excepto en Japón, ya que su popularidad no se difundiría tanto como hubiesen merecido.
Originarios de Chicago sus inicios se remontan al año 1963 cuando los hermanos Chuck y John Panozzo (bajista y batería respectivamente), empezaron a tocar por diversión, junto con el teclista Dennis De Young.
No seria hasta finales de los 60 cuando se les unirían los guitarristas James Young y John Curulewski y el grupo bajo el nombre de Tradewinds comenzaría a actuar de manera profesional en el circuito de clubes de Chicago.
Ya en 1970 y bajo el nombre definitivo de Styx, firmaron un contrato con una pequeña discográfica llamada Wooden Níkel y publicarían varios años después su primer trabajo “Styx” (1972) al que seguirán “Styx II” (1973), “The Serpent in Rising” (1974) y “Man of Miracles” (1975), todos ellos buenos trabajos de rock americano con claras influencias del rock progresivo británico, pero que apenas tuvieron repercusión a excepción del tema “Lady” que pertenecía al álbum “Styx II” y que escalo las listas de éxitos y se convertiría en todo un hit en las radios FM de todos los Estados Unidos.
En este punto, la banda decide hacer un cambio casi radical a su estilo y lo primero que hacen es cambiar de compañía discográfica, firmando con la A&M Records y publican el álbum “Equinox”, trabajo que representaba un giro sonoro y artístico de gran calidad, gracias en parte a la presencia de algunas de las canciones fundamentales en la historia posterior del grupo.
Este álbum contenía las memorables “Midnight ride”, “Born for adventure” y la magnifica épica mini suite “Suit madame”.
Después de este álbum Curulewski abandonaría la banda siendo sustituido por el guitarrista Tommy Shaw, quien les brinda un sonido mucho más rico y polivalente.
Además desarrollaron una característica que se convirtió en uno de sus puntos fuertes, la capacidad de cantar a varias voces, alcanzando momentos de arrolladora espectacularidad.
Por lo tanto Styx empieza a contribuir notablemente en el estilo del rock maduro y comercial que la década de los ochenta vería como fenómeno de gran relevancia.
“The Grand Ilusion”, publicado en 1977 seria el despege definitivo del grupo, llegando hasta las primeras posiciones en el ranking americano.
Aquí el grupo mostraba su cara más bucólica con temas como “Fooling Yourself”, de claras influencias de bandas como Yes o Genesis, la AOR “Come Sail Away” o la sofisticada “Castle Walls”.
Posteriormente la banda se sumerge en una impresionante gira por los Estados Unidos colgando el cartel de no hay billetes en grandes estadios de hasta 80 mil personas.
Y así poco a poco Styx conquistaron al publico de la América rural y concierto tras concierto acabaron por convertirse en los mayores protagonistas del rock americano de finales de los setenta.
Igualmente a partir de aquí el grupo se adueña del mercado, obteniendo ventas millonarias a cada disco publicado.
“Pieces of Eight” (1978), seria el siguiente eslabón, álbum caracterizado por tener una mayor atención a las suaves armonías vocales, un disco en donde casi todos los temas eran hits en potencia, con un sofisticado rock progresivo comercial y en donde sobresalían temas como “Blue Collar man”, “Renegade” o “Lords of the ring”.
El inspirado y rockero “Conerstone” (1979), seguirá el mismo camino, catapultado por el tema “Babe” que alcanzaría el primer puesto en las listas de éxitos.
La década de los 80 comenzaría para Styx con el disco “Paradise Theatre”, un
álbum concepto sobre la historia metafórica del teatro Paradise de Chicago y los ideales americanos de los años setenta.
Este álbum consigue colarse hasta el primer puesto en las listas norteamericanas y contenía grandes canciones como “The Best of times” o la polémica (sobre la adicción a las drogas) “Snowblind”.
“Kilroy Was Here”, aparecido en 1983 seguirá la misma tónica del álbum concepto, esta vez creado sobre la "historia" de un último rockero superviviente de una nación, los Estados Unidos del futuro, que ha declarado ilegal el rock y encarcelado a todos los músicos.
Este ultimo álbum basado en la opera rock obtuvo otro masivo éxito y con el, el tema “Mr Roboto”.
“Caught in The Act” (1984), un doble álbum en vivo, cerraría el primer periplo del grupo que no volvería a grabar hasta bastantes años después, concretamente hasta 1990.
Pero antes casi todos sus integrantes se embarcarían en proyectos individuales, Tommy Shaw publicaría los trabajos “Girls with Guns” (1984), “What if” (1985) y “Ambition” (1987), fundando posteriormente el súper grupo Damn Yankees junto a Ted Nugent y Jack Blades de Night Ranger.
Con ellos publicaría dos álbumes, los multimillonarios “Damn Yankees” (1990) y “Don´t Tread” (1992).
Por su parte Styx retomaría su carrera con el álbum “Edge of the Century”, que contenía el éxito “Show me the Way”.
Pero esta reunión no duraría mucho, y el grupo se volvería a separar poco después; no seria hasta la publicación de su disco “Greatest Hits”, cuando se volvió a reunir a los miembros de la banda; incluyendo a Shaw, de forma definitiva en 1996. Pero al poco de esta reunión, John Panozzo presentó complicaciones en su salud a raíz de su problema de alcoholismo, falleciendo en julio de ese año.
Con Todd Sucherman en el lugar de Panozzo, Styx realizó una serie de conciertos para anunciar su reciente reunión y; para sorpresa de todos, la gira resultó ser un rotundo éxito.
En 1997 se lanzó el álbum “Return to Paradise”, que obtuvo el éxito de antaño, en parte por la aparición de la música de Styx en anuncios publicitarios, así como en programas de televisión como South Park, Freaks & Geeks o The Simpsons, de un público predominantemente juvenil.
En 1999, salió el nuevo álbum de Styx “Brave New World”, inspirado en el libro de Aldous Huxley, “Un Mundo Feliz”. Pero las tensiones en la banda volvieron a surgir, y DeYoung dejó Styx definitivamente.
El grupo publicaría en el 2003 un nuevo álbum: “Cyclorama” que incluía apariciones de invitados del calibre de John Waite, Brian Wilson, y el actor Billy Bob Thornton.
Todos estos años la discografía del grupo se ha visto incrementada con recopilatorios y directos como “Styx World Live” (2001) o el multi-platino “Greatest Hits” (1995) entre otros.
Styx parece haber desarrollado una fórmula infalible para seguir vigente, y después de más de 30 años de carrera musical encuentra formas variadas para volver, como la version de “I Am The Walrus” de The Beatles que llegó al puesto 2 en las listas de popularidad en Estados Unidos en el 2004. Y la aparición de su tema “Renegade” en un anuncio con Bradd Pitt, lanzado durante el Super Bowl del 2005 que desató otra oleada de programación radial para la banda.
Moon Martin es un carismático personaje del movimiento norteamericano de la new wave y power pop-rock, un cantante, guitarrista y compositor que logro publicar algunos trabajos que aunque muy ignorados comercialmente, fueron aclamados por buena parte de la crítica de la época, que comprendió desde finales de los años 70 y parte de la década de los 80, desapareciendo por completo de la escena musical hasta reaparecer a mediados de los años 90 con algunas apariciones esporádicas de menor entidad. Nacido como John Martin en Oklahoma en 1950, Martin había participado en algunas bandas locales, entre ellos la banda de rockabilly, The Disciples
Ya a finales de los 60 Martin se trasladó a Los Ángeles y allí lograría un trabajo como músico de sesión y participaría en algunos discos de artistas del calibre de Jackie DeShannon.
Además compone algunas canciones que terminarían en el álbum de rocker francés Johnny Hallyday, “Essential des Albums Studio”.
Poco después el propio Martin reactivaría su viejo grupo denominándolo The Southwind, junto a algunos de sus compañeros en The Disciples.
Esta formación publicaría tres álbumes de escaso éxito y repercusión como “The Southwind”, “Ready to Ride”, y “What a Place to Land”.
Pero ante el fracaso de estos álbumes, unos aceptables y meritorios trabajos enfocados al country rock, Martin decide volver a trabajar como músico de estudio y colabora activamente en trabajos de Linda Ronstadt, Mink de Ville o Gram Parsons, labrándose un reputado nombre dentro del circuito de estudios de Los Ángeles.
En esa misma época Martin también comenzó a centrarse en su carrera en solitario, adoptando el sobrenombre de Moon, una sugerencia de algunos de sus amigos por la inclinación del compositor por mencionar esta palabra en muchas de sus composiciones.
Los planes iniciales para grabar un álbum en solitario comenzaron en 1974 junto con el productor Jack Nitzsche y varias de las composiciones originales que Martin tenia previstas para este primer álbum, serian utilizadas por otros artistas que usaban los mismos estudios y que el propio Nitzsche producía, como por ejemplo Mink DeVille que utilizaría el tema “Cadillac Walk”, para incluirlo en su primer álbum y que posteriormente se convirtió en un éxito moderado, y así otros como Michelle Phillips y Burns Lisa, que también utilizarían temas suyos para algunos de sus álbumes.
En 1976 participaría como del ingeniero de sonido en el álbum del vocalista de Yes, Jon Anderson, “Olias of Sunhillow”.
En estos años Martin colabora activamente en álbumes de otros artistas como B.B.King, Contraband o Jim Pulte.
Por fin a mediados de 1978 aparece su primer álbum “Shots From A Cold Nightmare”, publicado por la Capitol Records el cual contenía claras influencias de Chuck Berry, Buddy Holly o The Beatles.
De este primer álbum sobresalían la rítmica “Hot Nite in Dallas”, la rockabilly “Cadillac walk” y sobre todo el pegadizo rock “Bad Case of lovin´You”.
El disco llego a entrar en las listas de Billboard y la crítica le compara con sus coetáneos Nick Lowe o Elvis Costello.
Curiosamente años después, Robert Palmer conseguiría un éxito abrumador a nivel mundial con una versión de la mencionada “Bad case of lovin´you”.
Pero lejos de dedicarse exclusivamente a su carrera, Martin seguiría colaborando y participando en álbumes de otros artistas como el mencionado Robert Palmer, Bad News o The Searchers.
Un año después Martin publicaría su segundo álbum “Escape from Domination” (1979), trabajo que seguirá la misma tónica que el anterior y el cual contenía buenos momentos como la pop-rock “I´ve Got a reason” o la rítmica “Rolene”.
“Street Fever”, publicado en 1980 seria su tercera entrega, un trabajo algo mas rock que los anteriores, de cual sobresalía la hipnótica “Bad news” o la new wave “Pushed Around”.
Varios años después llegaría “Mystery Ticket” (1982), un trabajo mucho mas pop en donde los teclados tomaban tanto protagonismo como las guitarras bien demostrado en temas como “Don´t you Double” o “Aces with you”.
Pero el poco entusiasmo comercial de sus discos hizo que Martin volviera a sus trabajos en estudio dejando aparcada su carrera en solitario y así en adelante se dedicaría a seguir participando activamente en otros proyectos,
Entre otros Martin estuvo presente en trabajos de artistas como Koko Taylor, Robert Palmer o Bette Midler.
En 1994 retomaría su carrera con el álbum “Cement Monkey”, al que seguirán “Lunar Simples” (1995) y “Lousiana Jukebox” (2002).
Todos estos últimos álbumes de escasa repercusión comercial.
Aún así Martin ha seguido estando en la cúspide de solicitudes para colaborar con multitud de artistas, entre otros muchos Dave Edmunds, Giant, Sean Hogan o Ben Wasson.
A finales de los 90 se traslado a Nashville donde tiene su propio estudio y esporádicamente realiza giras por los Estados Unidos y Europa con una aceptable acogida.
Por ultimo en 1999 la Capitol publicaría el recopilatorio “The Very best of”, un disco enfocado principalmente a sus cuatro primeros trabajos y anteriormente en 1993, también se había publicado el directo “Bad News Live”.
De este primer álbum destacan memorables momentos como la genial “Metamorfosi”, la espectacular “In Volo” o la suite “'Il Giardino Del Mago”
El álbum pronto se convierte en un éxito en Italia y en media Europa, reafirmándolos entre los mejores grupos del rock sinfónico del año 1971.
Este mantiene su prestigio y calidad con los dos siguientes álbumes, el mítico “Darwin” (73) considerada una obra maestra del progresivo y el intenso y monumental “Lo sono nato libero” (73).
La lírica italiana tradicional, unida al tono del rock mediterráneo, con una gran amalgama de sonidos y una increíble riqueza instrumental, les impulsa fuera de sus fronteras. Keith Emerson les descubre y les introduce en el sello Manticore, donde ya está la otra gran banda italiana, PFM.
Con el cambio de Rodolfo Maltese como guitarra en lugar de Todaro, y con el nombre abreviado Banco, el sexteto debuta en el nuevo sello con el LP, “Banco” 1975) y posteriormente “Garofano rosso” (76), al que seguirán una serie de buenos trabajos como “Di tearo” (77), “Canto di primavera” (78), “Capolinea” (79) y “Urgentísimo” (80 ). A pesar de los buenos auspicios, no habrá éxito masivo; y perdida su oportunidad internacional, vuelven a circunscribir su trabajo exclusivamente en Italia con los álbumes “Boune Notizie” (81) y “Banco” (83).
Después de este ultimo la banda desaparecería hasta mediados de los 90 cuando se reunirían y publicaban el discreto “II13” (94), antes se habían publicado algunos trabajos como el recopilatorio “Donna Plautilla” (89).
En lo sucesivo el grupo seguirá publicando nuevos albumes de enorme calidad pero de una menor entidad comercial como “Banco d´Accusa” (96) “Nudo” (97) o “Seguendo le Tracce” (2006).
Actualmente la banda sigue girando en conciertos por media Europa, al mismo tiempo es una de las asiduas a todos los festivales del rock progresivo del viejo continente.
Uno de los mayores hitos en la historia de la música rock, es el protagonizado por The Moody Blues, que con mas de cuarenta años de actividad, es una de la carreras no solo mas largas, si no también de las mas afortunadas con decenas de discos de oro y de platino y una popularidad sin fronteras y que sin duda comparten el Olimpo del rock´n´roll junto a The Beatles, Rolling Stones, Led Zeppelin, Pink Floyd o The Who.
Lo que empezaría como una banda de pop con algunos números uno en las listas de éxitos, se convertiría después en la banda precursora del pop sinfónico creando obras conceptuales de maravilloso fondo sonoro, con una creatividad coherente y una excepcional habilidad para conseguir hacer una música en muchos casos sublime.
Fundados en Birmingham a mediados de 1964, en la misma ciudad en donde otro grupo Move iniciaba por aquella época su andadura musical, con quienes tenían unas estrechas relaciones, ya que algunos de sus miembros habían compartido bandas años antes.
Inicialmente la formación de The Moody Blues la comprendía el guitarrista Denny Laine, el teclista Mike Pinder, el vocalista, flauta y armónica Ray Thomas, el bajista Clint Warwick y el batería Graeme Edge.
Los comienzos del grupo estuvieron bajo el emblema de su común pasión por el R&B y tocaban sin cesar en locales de su ciudad hasta que el sello Decca les ficha observando en ellos un potencial en bruto, y no queriendo dejarles escapar como ya lo hiciesen años antes con los mismísimos The Beatles.
“Lose your Money”, se convertiría poco después en su primer single sin que tenga el éxito esperado, pero si el segundo “Go Now”, una frenética versión del tema de Bessie Banks.
Este single publicado en enero de 1965 se convertiría inmediatamente en un éxito abrumador llegando a alcanzar el numero uno en la listas de éxitos.
El grupo cosecho tal éxito que los propios The Beatles le propusieron ser sus teloneros por la gira norteamericana.
Pero a pesar del éxito el grupo aún no había alcanzado la estabilidad y lo siguientes singles fueron bastante mal parados en las listas de éxitos.
Así en 1965 y de vuelta de la gira norteamericana graban su primer álbum “The Magnificent Moodies”, un vacilante trabajo que desemboca en el abandono de Warwick y Laine.
Pese a todo el álbum recibió buenas criticas y contenía varios singles de de éxito como “Steal your heart away” y el mencionado “Go now”, llegando al número uno este ultimo, convirtiéndose así en el primer gran éxito de la banda.
Los sustitutos de Laine y Warwick serian el bajista John Lodge y el guitarrista Justin Hayward, que pronto se revelaría como un músico fundamental en el devenir futuro del grupo.
Los nuevos Moody Blues sacarían al mercado un disco con un nuevo sonido pop-rock sinfónico “Days of future passed”, un inconmensurable álbum conceptual grabado junto a la London Festival Orchestra que iniciaría de manera oficial un nuevo estilo, el rock sinfónico.
Soberbios temas como “Tuesday Afternoon” o la archiconocida “Nights in white satin”, catapultaron al álbum hasta las primeras posiciones a ambos lados del Atlántico.
Un álbum que nacería de manera extraña en parte debido a varias coincidencias.
Una de esas coincidencias seria cuando un exitoso Tom Jones recibió la invitación para un gran concierto en el Olympia de Paris y este antes de rechazar tal oferta por aún no tener un nuevo repertorio el que ofrecer, invita precisamente a The Moody Blues con quienes compartían sello discográfico, para que de alguna manera llenaran el hueco de una hora de duración que Jones no podía realizar.
La actuación de los Moody Blues seria apoteósica y el público asistente quedo sorprendido por el talento y la calidad del grupo.
Después de esta calurosa acogida, los responsables del sello discográfico les plantearon a los Moody Blues grabar una versión especial de la sinfonía del nuevo mundo de Dvorak.
Revelando unas grandes dotes de diplomacia, el grupo logro beneficiarse de la situación y aprovecharon la presencia de la orquesta para grabar sus propias canciones y realizar “Days of future Passed”.
Posteriormente otros muchos artistas emularon el proyecto de The Moody Blues para grabar acompañados de una orquesta sinfónica y así casos como Deep Purple y su “Concerto for group and Orchestra”, Procol Harum con su “With the Edmonton Symphony Orchestra” o otros muchos fueron sucediéndose en las décadas posteriores.
Este álbum vería la luz en 1968, y seria producido por Tony Clark y orquestado por Pete Knight .
“In search of the lost chord” (1968), seguiría otro rumbo al incorporar un nuevo instrumento, el Mellotrón y producido por Tony Clark. El álbum fue grabado durante las madrugadas de varios meses y está lleno de melodías de influencia oriental y psicodélica. En él se utilizan multitud de instrumentos tocados por ellos mismos, como por ejemplo el sitar.
El disco enseguida tendría gran éxito en Inglaterra y Estados Unidos, consigue un disco de oro, al igual que los dos singles extraídos del mismo: “Voices in the Sky” y “Ride My See-Saw”.
Al año siguiente editan un nuevo álbum titulado “On the Threshold of a Dream”, en el que continúan con la misma estructura e influencias psicodélicas del anterior Lp. Producido por T.Clark, el disco llega hasta el número 1 en las listas inglesas y a los primeros puestos de las americanas. Con él los Moodies consiguen su tercer disco de oro y el single “Never Comes the Day” extraído de éste álbum también tiene un gran éxito.
Después de este trabajo dejan Decca para fundar su propia compañía discográfica, a la que bautizan como Threshold, en un intento de invertir mejor el dinero obtenido, casi diez millones de dólares en apenas dos años. En ella editan en noviembre de ese mismo año un nuevo Lp producido por T.Clark; “To Our Children´s Children´s Children”, un álbum apropiado para ese año en el que el hombre pisó la luna por primera vez, puesto que la música incluida en él explora temas espaciales y de viajes astrales. Fue el proyecto más ambicioso de los Moodies hasta entonces. De nuevo la banda consigue un disco de oro por su trabajo, el cuarto hasta ese momento.
El grupo estaba por entonces en la cúspide de la popularidad y participan en el multitudinario Festival de la Isla de Wight.
A principios de 1970 el grupo publicaría el single “Question” como anticipo a su nuevo álbum, una canción de protesta contra la Guerra de Vietnam, que logró un éxito arrollador: se vendieron mas 15.000 copias en 3 días en Inglaterra y 70.000 copias en solo 5 días en los Estados Unidos, algo asombroso e inaudito.
Ese mismo año, en agosto aparece su nuevo Lp “A Question of Balance”, escrito y grabado en tres semanas. En él deciden no utilizar gran cantidad de instrumentos como en sus álbumes precedentes, sino emplear los que tocaban sobre el escenario en directo. El resultado fue satisfactorio y ese mismo mes conseguían el número 1 en las listas inglesas durante tres semanas. En Estados Unidos llegaron hasta el número 3 y son galardonados con su quinto disco de oro.
No seria hasta mediados de 1971 cuando el grupo se decidiera publicar un nuevo trabajo “Every Good Boy Deserves Favour”, que fue como una continuación musical de “A Question of Balance”. El álbum está influido por la erosión social de los antiguos idealísimos de los sesenta. Su título es consecuencia de las notas musicales E-G-B-D-F (mi-sol-si-re-fa), cuya fórmula se repite varias veces a lo largo del disco. En él utilizan una gran variedad de extraños instrumentos electrónicos y primitivos sintetizadores. De nuevo los Moodies llegaron al número 1 en Inglaterra y al número 2 en Estados Unidos, y recibieron el sexto disco de oro en su hasta entonces corta carrera musical.
Finalizada la posterior gira mundial retoman la grabación de su séptimo álbum: “Seventh Sojourn” (1972), que será realizado en octubre. Fue grabado en varios estudios, incluso en el que Mike Pinder tenía en su garaje. La idea del álbum está tomada de los "Cuentos de Canterbury", en los que cada uno cuenta sus propias historias. Así los Moodies relatan una historia en cada canción del álbum. Utilizan un nuevo instrumento de teclado llamado Chamberlain, parecido al mellotrón pero que consigue mejores sonidos. El éxito de “Seventh Sojourn” es arrollador tanto en Europa como en Estados Unidos, donde estuvo como número 1 durante cinco semanas, consiguiendo un nuevo disco de oro.
Aprovechando la coyuntura se reedita el single “Nights in White Satin”, que consigue incluso más éxito que la primera edición de 1967, llegando incluso a ser numero uno en medio mundo.
Después de este álbum se embarcan en una gira mundial de 9 meses que les lleva por toda Europa, Japón y los Estados Unidos.
El triunfo de su nueva sonoridad había sido saludado con un nuevo éxito en ventas con cada siguiente disco y con cada gira multitudinaria posterior, pero a principios de la década de los 70 todos los integrantes del grupo dejaron aparcado el proyecto para perseguir diferentes carreras en solitario.
Ese mismo año el grupo inauguran su propio estudio en West Hampstead, Londres. Se trataba del primer estudio cuadrafónico del mundo, repleto de tecnología punta.
Aprovechando el parón se publica “This is The Moody Blues”, doble álbum recopilatorio que consiguió un gran éxito y otorgándoles su octavo disco de oro.
Justin Hayward y John Lodge trabajan juntos en un nuevo proyecto. El resultado llega en marzo cuando lanzan en Estados Unidos su álbum “Blue Jays”, que continua con el legado melódico de los Moody Blues. Peter Knight, que colaboró con ellos en “Days of Future Passed”, orquesto tres cortes del disco. Su éxito es inminente en Estados Unidos e Inglaterra, lo que les lleva a realizar una gira mundial.
“From Mighty Oaks”, primer disco en solitario de Ray Thomas, también fue publicado en las mismas fechas. El álbum está construido a semejanza del estilo sinfónico de los Moody Blues y con el toque personal de Ray. El álbum consigue un éxito moderado. Poco tiempo después publicaría un segundo titulado “Hopes, Wishes and Dreams”, que cosecha un menor éxito que el anterior disco
Por su parte Graeme Edge graba su disco en solitario en colaboración con los hermanos Adrian y Paul Gurvitz. Bajo el nombre de The Graeme Edge Band editan el álbum titulado “Kick of Your Muddy Boots”, cuyo éxito fue escaso. El estilo del Lp es totalmente ajeno al de los Moody Blues.
Finalmente Mike Pinder realiza “The Promise”, un disco inspirado en temas espirituales. A pesar de su calidad, pasaría con más pena que gloria
El siguiente año 1977 también seria elegido para proyectos en solitario, así
John Lodge edita un disco en solitario titulado “Natural Avenue”, que sigue el camino musical de los Moodies. John consigue un notable éxito en Inglaterra con este encantador álbum.
“Songwriter”, el primero de los álbumes en solitario de Justin Hayward, ve la luz a principios de 1977. El éxito del disco tanto en Inglaterra como en Estados Unidos es enorme.
Y Graeme Edge junto a su banda lanza su segundo disco: “Paradise Ballroom”, el cual tiene escasa repercusión en las listas.
Este mismo año se publicaría el doble álbum “The Moody Blues Caught Live + 5”, que incluye una grabación de su concierto en el Royal Albert Hall de Londres en diciembre de 1969 y cinco canciones de estudio de los años 1967 y 1968 no editadas hasta entonces. El doble Lp tiene una buena acogida en Estados Unidos.
Ya en 1978 Justin Hayward es llamado por Jeff Wayne para colaborar en su álbum “The War of the Worlds”, en el que también colaboran el actor Richard Burton y los cantantes David Essex, Phil Lynott, Julie Covington, etc... Justin canta en los dos singles extraídos de este doble álbum: “The Eve of the War” y “Forever Autumn”, este última canción sería de grandísimo éxito en medio mundo.
Para principios del mismo año se publica “Octave” (1978) el nuevo Lp tras esas aventuras en solitario y muy esperado por sus fans, que llegó fácilmente al número uno. En la gira posterior Pinder fue reemplazado por Patrick Moraz.
La década de los 80 empezaría cuando Justin Hayward realiza su Lp “Night Flight”. El disco es producido por Jeff Wayne, con quien ya había trabajado en “The War of the Worlds”. Hayward combina canciones propias con versiones de temas de otros autores. El disco consigue mayor éxito en Inglaterra, donde llega al Top 50. Las canciones “Night Flight” y “Nearer to You”, son editadas como singles.
Ese mismo año The Moody Blues comienzan a trabajar en su nuevo disco, que verá la luz al año siguiente.
Ese nuevo álbum se titularía “Long Distance Voyager”, (1981) producido por Pip Williams. La música de este disco sigue llena de bellas melodías. Un trabajo con un sonido más moderno sin perder un ápice el sonido característico de los Moodies, para ello se utilizó los mas modernos sintetizadores y se reforzó la sección rítmica. El resultado fue satisfactorio y el álbum consiguió llegar a lo más alto de las listas mundiales. En Estados Unidos son galardonados con un disco de platino después de ser el número 1 durante tres semanas
No seria hasta varios años después cuando se publicaría el siguiente trabajo “The Present” (1983), una lógica continuación del estilo de “Long Distance Voyager”, combinando de forma magistral baladas y canciones fuertes llenas de Rock & Roll. El disco tiene una gran aceptación aunque no llega al éxito del anterior.
Un año después se publicaría el recopilatorio “Voices in the Sky” (1984).
Justin Hayward editaría al año siguiente su nuevo álbum “Moving Mountains”, en el que trabaja con varios productores; Martin Wyatt, Tony Visconty, Jeff Wayne y algunas de las canciones tienen arreglos de Peter Knight. Justin canta temas propios que había grabado desde 1980, además de una canción escrita junto con Jeff Wayne y otra de C.Ward. El disco tiene un buen éxito y de él se editan dos singles: “Silverbird” y “The Best is Yet to Come”.
Pero el grupo decide finiquitar definitivamente su propio sello fichando por Polydor al año siguiente y seria con esta discográfica con la que publicarían el álbum “The Other Side of Life” (1986), el cual será el comienzo de una nueva etapa. En el disco, producido por Tony Visconti, se sustituyen los sonidos orquestales por otros sonidos pre-programados y más modernos, lo cual da un toque pop a su música. Con este Lp los Moodies recogen para sí una nueva generación de fans en el mundo. El éxito del disco no se hace esperar tanto en Europa como en Estados Unidos, país en donde realizan una gigantesca gira de más de cuatro meses de duración.
“Prelude”, un recopilatorio de temas menos conocidos de la banda seria la antesala del nuevo álbum publicado en 1988, “Sur la Mer”, producido al igual que el anterior por Tony Visconti. El disco sigue el camino trazado con “The Other Side of Life”. Sin embargo ni Graeme ni Ray aportan composiciones al álbum, incluso Ray no participa en la grabación del mismo. El Lp consigue un buen éxito mundial y sus conciertos son muy concurridos por jóvenes y viejos fans.
Un año después Justin Hayward edita el álbum “Classic Blue” con la colaboración de la London Philharmonic Orchestra dirigida por Mike Batt. Justin interpreta canciones de otros grupos y compositores como Led Zeppelin, The Beatles, The Beach Boys, Procol Harum, Simon & Gartfunkel, Don McLean, etc..., con las que consigue completar un bellísimo álbum que, sin embargo no tendrá excesiva repercusión.
Otro recopilatorio, “Blue´” es seria precedido del nuevo álbum del grupo “Keys of the Kingdom”, en el cual trabajaron con tres productores: Alan Turney, Christopher Neil y Tony Visconty. En este nuevo trabajo The Moody Blues vuelve a su antigua fórmula de combinar canciones de todos los miembros de la banda, aunque en esta ocasión Graeme no firmaba ninguna y Patrick Moraz tan sólo participa como músico de estudio en algunos temas. El éxito de este disco es menor que el de otros anteriores, aún así consiguió estar dentro del Top 100 en Estados Unidos.
En 1992 en conmemoración del 25 aniversario de la realización de su primer álbum “Days of Future Passed”, los Moody Blues ofrecen dos conciertos en Red Rocks (Denver) junto con la Orquesta Sinfónica de Colorado. Estos conciertos tuvieron un éxito increíble en ese momento y en años posteriores.
En 1994 se edita “Time Traveller”, una caja con 4 discos compactos y un libreto interior que repasa toda la carrera de la banda. Incluye una selección remasterizada de canciones de sus discos, además de algunos singles y material no editado hasta entonces como la canción “Highway” grabada durante las sesiones del “Keys of the Kingdom”. También se realizo una edición limitada con un quinto cd que incluía una selección de canciones del concierto del 9 de septiembre de 1992 en Red Rocks.
Ese mismo año Justin Hayward graba junto con la Frankfurt Rock Orchestra el álbum “The Moody Blues Classic Hits”, para el sello alemán M.M.S. En este disco, también llamado “Justin Hayward & Friends”, Justin canta 6 de sus canciones junto con la orquesta con arreglos y producción de Tommy Schmitt-Zijnen. El resto de canciones de los Moodies las cantan Michael Sadler (SAGA) y Shaun Williamsen
Ya en octubre de 1996 sale a la venta en Estados Unidos el nuevo álbum en solitario de Justin Hayward: “The View from the Hill”, producido por Phil Palmer, un bello álbum con canciones que firma él mismo, otras en colaboración con Dennis Lambert y Mickey Féat, y dos escritas por Paul Bliss y Phil Palmer. A pesar de ser un gran álbum, su éxito es moderado.
Se edita una nueva recopilación de éxitos de los Moodies titulada “The Very Best of the Moody Blues”, que consigue el número 13 en la semana de su salida a la venta. Poco después los Moody Blues recibirán su enésimo disco de oro por este álbum.
No seria hasta mediados 1999 cuando se publicaría el nuevo álbum del grupo “Strange Times”, que ellos mismos producen. Con él consiguen volver a sus clásicos discos de los años 60 y 70, pero con canciones más modernas. Buena prueba de ello es el cd-single extraído del mismo: “English Sunset”. El disco tiene una buena aceptación entre el público americano.
“Hall of Fame” (2000) un directo grabado en el Royal Albert Hall, “December” (2003) álbum de temas navideños tradicionales versionados y canciones nuevas y el recopilatorio “Ballads” (2003), son los últimos lanzamientos del grupo.
En estos últimos años toda la discografía del grupo ha sido reedita en formato remasterizado.
Hasta el año 2009 el grupo había cosechado 19 discos de oro y 28 de platino con unas ventas globales que superan los ochenta millones de discos vendidos en todo el mundo.
Después de tantos años The Moody Blues nunca perdieron el talento y la sobriedad de sus canciones dejando en todo ese tiempo una música única e inmejorable.
Esta formidable banda de rock progresivo nació como consecuencia de la unión de varios músicos de la escena británica de rhythm and blues que habían pertenecido a los grupos de prestigiosos artistas como John Mayall o Graham Bond.
Así a finales de 1968 el batería Jon Hiseman y el saxo Dick Heckstall-Smith deciden abandonar los Bluesbreakers de Mayall para seguir por su cuenta creando una nueva, siguiendo la escuela del propio Mayall.
Para este nuevo proyecto reclutan al guitarrista Jimmy Litherland, al bajista Tony Reeves y al teclista Dave Greenslade, quienes son los encargados de grabar el álbum “Those who were about to die we salute you” (1969), un portentoso trabajo de blues rock con ramalazos de jazz que fue publicado por el sello Fontana y que contenía grandes temas como “Walking in the park”, compuesto por Graham Bond o la versión del tema del legendario Leadbelly “Backwater blues”.
El álbum consigue un importante éxito de ventas lo que les lleva a grabar el segundo álbum “Valentyne suite” (1969), que se convertiría a la postre como la obra maestra del grupo, un álbum en donde conjugaban perfectamente el rock progresivo y el jazz-rock con unas composiciones majestuosas como “The Kettle”, un vibrante tema psicodélico, la jazzistica “Elegí”, la blusera “Butty´s blues” o la monumental suite que daba titulo al disco.
Pero pese al éxito de este nuevo álbum el grupo pierde a varios de sus componentes por discrepancias y así Reeves y Litherland son sustituidos por Mark Clarke y Dave Clempson respectivamente, el primero recabaría poco después en el grupo Greenslade junto a Dave y el segundo en el grupo Mogul Thrash, así mismo el grupo se ampliaría con el cantante Chris Farlowe.
Con esta formación se grabaría el álbum “Daughter of time” (1970), trabajo que presentaba una variedad de ritmos intensos y complejos que estaban enfocados hacia la intensidad vocal de Farlowe, un trabajo un tanto desequilibrado pero ajustado en cierta media, logrando estabilizarse y ser considerado un gran álbum de Jazz Rock.
Un año después se publicaría el directo “Colosseum Live”, una clara muestra del poderío del grupo en vivo y que seria la antesala de la desbandada total de los miembros de Colosseum que toman diferentes rumbos musicales, por un lado Dave Greenslade forma su propia banda de rock progresivo Greenslade, Dave Clempson se une a los Humble Pie, Chris Farlowe hace lo mismo en Atomic Rooster y Jon Hiseman junto a Clarke funda el grupo de folk progresivo Tempest.
Por su parte Heckstall-Smith grabaría los álbumes “A Store Ended” (1972) y “Manchild” (1973) siguiendo posteriormente una carrera irregular, publicando su ultimo álbum en el año 2001 “Blues and Beyond” y falleciendo en el 2004.
Pero la historia de Colosseum se volvería a reabrir en el año 1976 cuando Hiseman, después de cerrar definitivamente el grupo Tempest con dos soberbios trabajos “Tempest” (1973) y “Living in fear” (1974) en donde contaba con la colaboración del excelente guitarrista Allan Holdsworth, decide volver a reunificar la banda con nuevos bríos, denominándola Colosseum II, esta vez recluta al guitarrista Gary Moore, al teclista Don Airey, al bajista Neil Murray y al cantante Mike Starr para grabar el álbum “Strange New Flash” (1976).
Esta nueva etapa se abría con un álbum de sobrado despliegue instrumental, en muchos momentos fascinante de virtuosismo comandados por los teclados Airey y la guitarra de Moore y seguidos por una impecable batería de Hiseman, con un estilo mas enfocado hacia el rock pero impregnado de jazz bien patentes en la funky “Gemini & Leo”, la progresiva “Winds” o la instrumental “Dark side of the Moog”.
El álbum si bien no consigue el primitivo éxito de la banda, si les mantiene en lo mas alto gracias en parte al prestigio de sus componentes.
Un año después saldría un nuevo álbum “Electric Savage” (1977) en el que contaba con un nuevo bajista Neil Mole, que había sustituido a Murray que había dejado la banda para engrosar el nuevo grupo de David Coverdale, Whitesnake.
En este nuevo álbum seguía la tónica estilística del anterior pero con mucho mas énfasis a la parte instrumental, de hecho solo un tema era cantando.
A finales de ese mismo año se publicaría “War Dance”, que en un intento de buscar una mayor repercusión comercial se deriva claramente hacia derroteros hard rock, un claro síntoma de que Gary Moore cogía las riendas del grupo en detrimento de Airey.
Pero el álbum no deja satisfecho a sus integrantes y finiquitan el grupo a mediados de 1978, siguiendo sus componentes dispares carreras, Gary Moore por su parte publicaría una serie impresionante de buenos álbumes, algunos de ellos de enorme impacto comercial como “Still got the Blues” (1990) o “After Hours” (1992), Don Airey pasaría a engrosar las filas de Rainbow y colaboraría con Ozzy Osbourne, Black Sabbath, Whitesnake o Deep Purple.
Jon Hiseman por su parte reactivaría a Colosseum para varios álbumes “Bread & Circuses” (1997) y “Tomorrow´s Blues” (2003), además de otras colaboraciones y trabajos en solitario como “About to Time” (1991).
Hot Tuna fue una banda paralela de algunos de los miembros de Jefferson Airplane, en la cual tenían una especie de escape en sus ansias de ofrecer nuevas formulas al gran caudal sónico que albergaba su banda madre.
De esta manera y sin que ello indicase el fin de los propios Jefferson Airplane, nacería este grupo con Jorma Kaukonen a las guitarras y voz, Jack Casidy al bajo, Will Scarlett a la armónica, Joel Convington a la batería y Paul Ziegler a las guitarras.
Lejos del lisérgico y psicodélico estilo y el acid rock de los Airplane, Hot Tuna se derivo hacia sonidos muchos mas folk-blues, que en un principio solo tenían la intención de actuar en directo sin ninguna pretensión discográfica.
En una de esas actuaciones y cuando aún eran un trío ( Kaukonen, Casidy y Scarlett) se grabaría su primer álbum titulado “Hot Tuna” (1970), el primero de una larga serie de grabaciones que entremezclarían durante mucho tiempo las carreras de ambos grupos sin que interfieran en los estilos de cada uno.
El material de este primer álbum eran viejos blues adaptados hacia sonidos folk blues por Kaukonen y Casidy como “How Long Blues”, “Uncle Sam Blues” o “Don´t you leave me here”, llevando al álbum hasta puestos altos en las listas y que pronto alcanza un gran éxito y en vista de ello el grupo se estabiliza y reclutan al violinista John Creach y a los mencionados Convington y Ziegler y con esta formación a finales de 1971 se publica el segundo álbum “First Pull Up, Then Pull Down”, que sin llegar a obtener el éxito del primero se coloca en las listas intermedias del blues.
En los años sucesivos se irían publicando buenos e interesantes trabajos que confirman al grupo en la escena de blues de la costa oeste norteamericana, aunque ciertamente nunca se les considero un autentico grupo del genero ya que los ramalazos psicodélicos, impregnaban en cierta medida su filosofía musical.
“Burgers” (72), seria el último en el que el grupo adoptaría el sonido acústico, el cual electrificarían con el siguiente trabajo “The Phosphorescent Rat” (74).
Después de este último álbum Creach abandonaría definitivamente Hot Tuna para seguir con los Jefferson y Kaukonen y Casidy harían todo lo contrario para centrarse en los Hot Tuna.
Los álbumes “America´s Choice” (75), “Yellow Fever” (75), “Hoppkorv” (76) o el magnifico directo “Double Dose” (78), fueron sucediéndose todos ellos con excelentes temas como el espléndido ejercicio blues-rock instrumental “John´s Other”, el swamp rock “99 Year Blues”, el blues psicodélico “Easy Now” o la hard rock “Hit single “1”.
Por aquellos años la banda había adquirido fama por las interminables jam sessions que solían ofrecer durante sus actuaciones.
A mediados de 1979 el grupo se disuelve con la publicación del recopilatorio “Final Vinyl”, que dará por finiquitada la historia del grupo.
A mediados de los 80 ambos músicos retornarían a sus raíces blues: Casady se unió a su compañero Marty Balin y Paul Kantner en la K.B.C. Band y Kaukonen volvió al blues acústico de sus años iniciales. A partir de 1986 hicieron alguna sesión de reunificación de los Tuna tocando juntos en varias ocasiones, reforzándose en 1990 con el multiinstrumentista y cantante Michael Falzarano. Tiempo después publicaron una recopilación de material de estudio inédito de la última década así como un directo titulado “Live at Sweetheart” en 1992.
En 1997 publicarían “Splashdown Two” y en 1999 “And Furthurmore”. En los años venideros Hot Tuna continuó tocando en varios shows en directo con diversas formaciones. Un recopilatorio de los años en RCA vería la luz en el 2006:” Keep on Truckin'”. En ese mismo año también aparecerían en el festival de Merlefest, el mayor festival acústico de EE.UU.
Más recientemente se ha reeditado material de Jorma Kaukonen como el álbum “Rockplast” o “Barbeque King”, publicados originalmente en 1980 o “Magic” (1985), además del único álbum de la KBC Band publicado en 1987.
Fotheringay fue un efímero proyecto ideado por la mítica cantante de Fairport Convention, Sandy Denny y que supuso el paso transitorio de su separación de dicha banda y su posterior carrera en solitario que quizás solo fuera una pequeña pagina en la historia del rock, pero en ella se escribió una parte de la esencial de la música folk que ha pasado a los anales como una de las mejores formaciones del genero.
Cuando a finales de 1969 Fairport Convention publicaba su cuarto álbum y su obra cumbre “Liege and Lief”, su vocalista Sandy Denny alcanzaba la madurez total con un talento increíble que era básicamente el preámbulo de una calidad que en 1970 la haría ser proclamada “mejor cantante inglesa del año”.
Pero este álbum fue igualmente la encrucijada que situó a Sandy en el máximo de su fama y su ego permitió que les dijera adiós a sus compañeros para formar rápidamente un grupo a la imagen y semejanza de los Fairport, el cual llamo Fotheringay.
Fotheringay estaba integrado por cuatro magníficos instrumentistas, por un lado Trevor Lucas, voz y guitarrista y líder junto a Sandy, Jerry Donahue, guitarra solista, Gerry Conway a la batería y Pat Donaldson al bajo y voces.
Esta formidable formación solo publicaría un álbum, una obra equiparable sobradamente al “Liege and Lief” de los Fairport Convention y que se titulaba homónimamente como el grupo “Fotheringay” (1970), álbum que impregnaba una música deliciosa sensible y purista, con mucho tradicionalismo, este hecho heredado sin duda de los Fairport, y sobre todo mucho de investigación y vanguardismo experimental, pero con el sello inconfundible de lo que en aquellos años triunfaba en el mundo, la calidad acústica-vocal de unos Crosby, Stills and Nash o The Hollies.
Fue un álbum perfecto, brillante e insólito, que sin embargo no serviría para cimentar el grupo, ya que Sandy Denny tras el, volvió a decidir su futuro lejos de estos nuevos compañeros.
Como contrapunto a las composiciones de Sandy Denny y Trevor Lucas el álbum presentaba dos maravillosas versiones que fueron ejecutadas magistralmente, “The Way I Feel” de Gordon Lighfoot y “Too Much of Nothing” de Bob Dylan.
El abandono de Sandy se produjo mientras el grupo preparaba su segundo álbum que no seria editado hasta casi cuarenta años después cuando el sello Fledg´ling Records lo rescataba y publicaba a finales del 2008, “Fotheringay 2”.
A mediados de 1971 Sandy inicia su carrera en solitario y en septiembre publica el álbum “The North Star Grassman and the Ravens”, en el que colaboraban algunos de sus ex compañeros como Jerry Donahue, Richard Thompson, Trevor Lucas, Pat Donaldson o Gerry Conway.
Ese mismo año Robert Plant la invita a participar en el celebre “Led Zeppelín IV” e interpreta el tema “The Battle of Evermore” junto al propio Plant.
Su carrera en adelante tendrá altibajos con meritorios trabajos alternados con otros de mediocre factura hasta su vuelta a Fairport Convention con quien publicaría varios álbumes más, hasta que a principios de 1978 sufre un accidente casero y fallece a causa de una hemorragia cerebral.
Trevor Lucas por su parte colaboraría en adelante en multitud de proyectos y formo parte de bandas tales como los propios Fairport Convention o The Bushwackers hasta que en 1989 fallecería victima de una ataque al corazón.
Jerry Donahue igualmente ha pertenecido a los Fairport y ha publicado una interesante serie de buenos álbumes orientados al folk y a la música celta.
Pat Donaldson seguiría una carrera como músico de sesión y Gerry Conway pasaría a formar ocasionalmente bandas como Jethro Tull, Pentangle, Fairport Convention y seria uno de los músicos de confianza de Cat Stevens participando en los álbumes “Teaser and the Firecat” (71), “Catch Bull at Four” (72), “Foreginer” (73) o “Buddah and the chocolate box” (74).
Este fundamental grupo norteamericano seria la concertación y la sedimentación de la música rock de los años sesenta, todo el caudal de ideas, de sonidos y de originales composiciones que Mike Bloomfield, el niño prodigio de la música americana y el mejor guitarra de blues blanco de la segunda mitad de los sesenta, había atesorado en los años de aprendizaje junto a Paul Butterfield.
Bloomfield un nómada por naturaleza, creo Electric Flag en un momento decisivo tanto en lo concerniente a su música, como de la propia Norteamérica, en una época en que el blues resurgía con fuerza cuando el poder del sonido de la costa oeste había ya cristalizado y el camino a seguir era tan solo el de la confirmación.
Seria a principios de 1967 cuando una vez abandono a la The Paul Butterfield Blues Band, Mike Bloomfield decide formar su propia banda reclutando para ella a Nick Gravenites (guitarra), Buddy Miles (batería y percusión), Peter Strazza (vientos), Herbie Rich (guitarra y vientos), Barry Goldberg (teclados), Harvey Brooks (bajo) y a Marcus Doubleday (trompeta y percusión), todos ellos procedían de grupos reputados y habían colaborado con otros grandes interpretes y estaban considerados entre los mejores en sus instrumentos y denominan al grupo como Electric Flag.
Durante el año y medio que el grupo permanecería unido grabaría varios álbumes básicos, dos verdaderas joyas que el paso del tiempo se ha encargado de colocar entre los clásicos del rock.
En 1967 aparecería “The Trip”, banda sonora que contenía las primeras grabaciones en estudio de Electric Flag, con una explosiva mezcla de soul/jazz/rock de frutos de la imaginación compositiva de Michael Bloomfield y en donde sobresalían las salvajes “Fine Jug Thing” y “Peter Gets Off " o la funky "Gettin´Hard”.
El segundo de ellos saldría publicado a mediados de 1968 “A long Time Comin´”, un fantástico ejercicio de blues, rock y soul con ramalazos de jazz e impregnación de psicodelia, que contenía momentos memorables como los blues “Goin' Down Show” o “Texas”, la soul “You Don't Realise”, la jazzistica “Another Country” o las excepcionales “Killing Floor” y “Groovin' Is Easy”.
Curiosamente por aquella época también saldría publicado el primer álbum de Blood Sweat & Tears con un planteamiento muy parecido a la Electric Flag, secciones de viento y mucho blues y jazz, aunque con “ligeras” diferencias, por un lado Bloomfield imprimía mucho mas soul a su música que Al Kooper, quien profundizaba en un estilo mucho mas progresivo y experimental.
Y varios años después otra banda “copiaria" los estandartes de la Electric Flag como fueron Chicago Transit Authority.
Pero Blommfield presa de las drogas y otros problemas personales deja la banda y vuelve a sus sessions y fabulosas jams junto a Al Kooper y otros grandes de la costa oeste norteamericana y deja en manos de Buddy Miles el liderato del grupo y quien contrata al guitarrista Hostal Wright para suplir a Bloomfield.
En diciembre de ese mismo año llegaría el álbum “An American Music Band”, que no pierde un ápice de la frescura del anterior disco con grandes temas como “With Time there is change” o “Hey little Girl”.
Después de este nuevo álbum la banda seguiría funcionando unos meses mas hasta su separación, por un lado Gravenites se uniría a Big Brother & The Holding Company de Janis Joplin, y Buddy Miles formaría la Buddy Miles Express.
Pero seria a finales de 1973 cuando Bloomfield, Miles, Goldberg y el bajista Roger Troy reflotan al grupo y publican “The Band Kept Playing” (1974) que resulta un meritorio trabajo pero escaso de fuerza y originalidad que terminaría por acabar finiquitando definitivamente la banda.
En adelante las carreras artísticas de los miembros del grupo tendrían dispares resultados, Buddy Miles colaboraría con Carlos Santana durante algunos años y firmaría el excelente “Carlos Santana & Buddy Miles Live” (1972), antes había pertenecido a los Band of Gypsy de Jimi Hendrix, y había lanzado una docena de álbumes en solitario hasta su fallecimiento en el 2008.
Por su parte Gravenities ha seguido colaborando con los más importantes artistas de blues y rock y fue inducido en el Hall of Fame of Rock´n´Roll en el 2008.
En cuanto a Mike Bloomfield su historia seguirá una carrera llena de altibajos hasta su muerte en 1981.
Ted Nugent es uno de los grandes héroes de la guitarra que casi roza el status de figura mitológica por su salvaje rock, su cavernícola puesta en escena, sus argumentos políticos y sus extravagantes gustos.
Ted Nugent antes de comenzar su exitosa carrera en solitario ya había saboreado las mieles del éxito en su banda germinal The Amboy Dukes, con quienes grabaría una serie interesantes de álbumes de hard rock psicodélico, algunos de ellos considerados verdaderas obras maestras del genero como “Journey To The Center Of The Mind” (1968).
La discográfia de Amboy Dukes se completaba con “The Amboy Dukes” (1967), “Migration” (1968), “Marriage on the Rocks/Rock Bottom” (1970), “Survival of the Fittest Live” (1971), “Call of the Wild” (1973) y “Tooth Fang & Claw” (1974).
En todos estos trabajos el grupo mostraba su estilo lisérgico con incursiones al progresivo y un potente hard rock y blues rock con guitarras distorsionadas y fenomenales melodías.
Pero a mediados de 1975, Nugent da por terminada esta aventura y dedica todos sus esfuerzos a una nueva carrera en solitaria y así en 1976 y después de fichar por el sello Epic, publica su primer álbum en solitario “Ted Nugent”, en donde no contaba con su mano derecha y espléndido compositor y guitarrista en los Amboy Dukes, Steve Farmer y reclutaba a Rob Grange (bajo), al guitarrista y cantante Derek St.Holmes y al batería Cliff Davies.
Este primer álbum resultaba un brillante trabajo de rock dinámico y contundente con grandes temas como la hard rock progresiva y extensa “Stranglehold”, la dinámica “Stormtroopin´”, la rítmica “Hey baby” o la jazzistica “You make me feel right at home”, que catapultan al disco entre los mejores del año y que lograr vender mas de dos millones de copias solo en los Estados Unidos.
Ted Nugent empezaba así su leyenda, con un debut casi legendario y no fácilmente superable pese a que poco tiempo después es Derek St Holmes quien decide abandonar por discrepancias con el propio Nugent.
Así y todo el segundo álbum “Free-For-All” (1976), superaría en ventas y popularidad al primero, Nugent contaría para esta ocasión con un desconocido Meat Loaf en las partes vocales y ciertamente que suplió adecuadamente a Holmes, y el resultado fue un inmenso trabajo de hard rock pesado y poderoso como el tema que daba titulo al Lp o la frenética “Turn it up”.
Resueltas las discrepancias, Holmes decide seguir junto a Nugent y vuelve para el siguiente trabajo “Cat Scratch Fever” (1977), que se convertiría en su mejor álbum y que llegaría a ser multiplatino en medio mundo, y que para muchos es considerado una obra maestra del hard rock.
Trallazos espectaculares como “Wang Dang Sweet poontang”, la fantástica “Cat Scratch Fever” o la heavy rock “Street Rats”, conformaban un trabajo impecable y antológico.
A principios de 1978 Epic publicaría el majestuoso doble álbum en vivo “Double Live Gonzo”, uno de los imprescindibles directos de la historia del rock con una impresionante retahíla de potentísimos temas que plasmaban en un registro los asombrosos e impactantes conciertos que Ted Nugent era capaz de ofrecer.
Ni que decir tiene que esta álbum supero todas las expectativas convirtiéndose en uno de los directos mas vendidos del rock.
Poco después de la edición de este álbum, Holmes volvió a abandonar la nave siendo sustituido por el cantante Charlie Hunn, así mismo el bajista Grange seria sustituido por David Hull.
Poco después salía al mercado el cuarto álbum en estudio, “Weekend Warriors”, que cerraba brillantemente una época con un trabajo mas evolutivo que los anteriores, en donde la elaboración de los temas junto a una impecable producción, volvían a catapultar al músico y en donde sobresalían temas del calibre de “Need You Band” o el rock pesado de “Smockscreen”.
“State of Shock” (1979), el siguiente eslabón contaría con un nuevo bajista, Walter Monahan que sustituiría a Hull y resultaría un trabajo mas pulcro y ligero con un mayor énfasis al virtuosismo de Nugent bien demostrado en temas como “Paralyzed” o “Take it or leave it”.
La misma formación grabaría “Scream Dream” (1980), que deriva un sonido más versátil con temas más distorsionados y un estilo más mainstream.
Aquí destacaban canciones que hacían disfrutar al oyente más ecléctico como "Wang Tango” o la propia “Scream Dream”.
Un año después llegaría otro apoteósico directo “Intensities in 10 Cities”, que seria el preámbulo del recopilatorio “Great Gonzos-The Best of Ted Nugent” (1981).
Llegados hasta este punto, Ted Nugent estaba ya consagrado mundialmente y no solo por su espectacular técnica como guitarrista o por sus impresionantes e incendiarios directos, si no por que con su carisma podía hacerse con las riendas de una gran masa de seguidores sobre un escenario, su espectacularidad, su extroversión y su personalidad, lo convirtieron en una auténtica bestia del directo, una leyenda del rock a la hora de presentarse ante una audiencia en concierto que además dejaba brillantísimos trabajos en estudio.
Pero las nuevas tendencias de la década de los ochenta mermaron los sonidos del hard rock de los setenta y la carrera del guitarrista empezaría a sufrir un cierto declive, aún manteniendo una larguísima legión de seguidores alrededor del mundo que nunca le darían la espalda.
Así a mediado de 1982 se publicaría el discreto “Nugent”, al que seguirían “Penetrator” (1984), “Little Miss Dangerous” (1986) y “If You Can´t Lick ´Em…Lick´Em” (1988), trabajos menores en la carrera del músico.
Observando el fracaso de estos ultimo trabajos, a finales de 1989 forma junto a Jack Blades de Night Ranger, Tommy Shaw de Styx y Michael Cartellone el supergrupo Damn Yankees y graban el álbum “Damn Yankees” (1990), que resulta un tremendo bombazo comercial, con mas de cinco millones de copias vendidas, además de un magnífico trabajo de hard rock melódico, muy influenciado por el AOR.
Varios años después llegaría el segundo y último álbum del grupo “Don´t Tread”, que pese a tener una gran calidad no obtiene los mismos resultados que el anterior.
Pero el proyecto no funcionaria más allá y la banda se separó, volviendo Ted Nugent a retomar su carrera en solitario, que afrontaría con renovadas energías y le permitiría grabar un gran álbum como fue “Spirit of the wild” (1995), un trabajo fresco y espontáneo y en el que volvía a contar con Holmes a la voces, con un rock que si bien no superaba viejos laureles si regresaba a aquella época gloriosa con un disco sobresaliente.
A partir de aquí volvería a entrar de nuevo en una curva descendente en lo que a creatividad musical se refiere, con trabajos menores como “Craveman” (2002) y “Love Grenade” (2007).
Estos últimos años el guitarrista se ha visto inmerso en varios proyectos alternativos junto a músicos como Joe Bonamassa o Jason Bonham entre otros muchos, además de ser nominado para el Rock and Roll Legends Hall of Fame, y ser un importante activista en contra de las drogas y el alcohol, a favor de las armas en EEUU para la defensa personal pero con respeto a la ley federal, su firme oposición al presidente Obama y su política y otras reindivicaciones sociales.
Rare Earth fue el primer grupo formado por músicos blancos que grabo para el sello Motown. Incluso sus dos primeros éxitos, “Get Ready” y “(I Know) I´m losing you”, ya habían sido éxitos a principios de los 60 en la propia Motown por The Temptations.
Ello no impediría que el conjunto consiguiera una línea propia después de estos arrolladores éxitos de sus comienzos, basado en un ritmo constante de soul & blues y jazz-rock con bastante predominio de los pasajes instrumentales y con un publico mixto de blancos y negros.
Fundados a partir de un grupo de soul llamado Sunliners, que actuaban en la zona de Detroit, sus componentes eran Gil Bridges (voz, saxo, flauta y percusión), Rod Richards (guitarra y voz), John Persh (bajo), Kenny James (organo) y Peter Rivera (batería y voz)
En 1969 gracias a la mediación del guitarrista Dennos Coffey, consiguen un contrato con el sello especializado en música negra Motown y pasan a engrosar el subsello que curiosamente se llamaba Rare Earth.
El éxito que cosecharían en los años sucesivos demostraba que Berry Gordy Jr, no se equivocaba cuando contrataba algún artista para su sello, el grupo consiguió colocar seis éxitos entre los primeros puestos de las listas norteamericanas.
Ese mismo año 1969 saldría publicado su primer elepé “Get Ready”, con material compuesto en su mayor parte por la propia banda y que seria producido por Norman Whitfield.
Este álbum contenía una versión demoledora e hipnótica del tema de los Temptations de más de veinte minutos, cuya edición en single, que solo duraba cuatro minutos accedió hasta los primeros puestos de las listas.
Un año después aparecería el segundo álbum de la banda “Ecology”, que contenía el tema (otra versión de los Temptations), “(I Know) I´m losing you”.
Para este nuevo álbum la banda se había ampliado con el percusionista Ed Guzman.
Poco después de la salida de “Ecology”, James y Richard abandonan la nave y son sustituidos por Ray Monette y Mark Olson y con esta formación se publica “One World” (1971) que contenía el hit “I Just want to celebrate”.
“In Concert” (1972), doble álbum grabado en vivo, supone el momento cumbre del grupo refrendado por el single “Hey Big Brother”.
Mike Urso y Peter Hoorelbeke sustituirían a Persh y Rivera para los álbumes “Willie Remember” (1973) y un año después el extraordinario “Ma”, producido por Norman Whitfield y con el tema del mismo titulo ocupando toda una cara del álbum.
Este seria el último disco significativo de Rare Earth que a finales de 1974 desaparece casi por completo
En 1975 vuelven con una nueva formación y el álbum “Back to Earth”, al que seguirán con escaso impacto los álbumes “Midnight Lady” (1976), “Rare Earth” (1977), “Band Together” (1978) y “Grand Slam” (1979).
Estos dos últimos con prácticamente la formación original que volvían a reunirse en un claro intento de resucitar los viejos laureles, pero el momento de Rare Earth parecía un pasado difícil de volver y ya no darían más que hablar, desapareciendo de la primera línea del rock a principios de los ochenta.
En los sucesivos años el grupo ha seguido actuando en eventos corporativos y festivales oldies con numerosas formaciones y publicando varios álbumes de escasa repercusión “Tight and Hot” (1982), “Different World” (1993) o “A Brand New World” (2008)
Rare Earth por otra parte tiene una extensa discografía de recopilatorios entre los que destacan “Motown Superstar Series Vol.6” (1981) o “Anthology” (1995).
Por ultimo Mark Olson fallecería en 1991 por una enfermedad en el hígado y Eddie Guzmán en 1993 por una complicación debido a su diabetes.
