viernes, 28 de abril de 2006
Stevie Ray Vaughan and Double Trouble-Live Alive (1986)
jueves, 6 de abril de 2006
Led Zeppelin
La obsesión por la magia negra es una de las características constante en el heavy metal y en el hard rock. Si Black Sabbath lo explotaron en sus aspectos mas teatrales con trucos y escenografías, además de sus letras fúnebres y su lapidario estilo o Deep Purple les dedicarían temas como “Mandrake Root” y “Devil´s Eye”, por poner solo dos ejemplos de dos bandas que lo llevaron al extremo, entre otras muchísimas mas, Led Zeppelin hicieron de ella casi una razón de vida y de ser. Jimmy Page incluso llego a comprar un castillo escocés que había pertenecido a Alister Crowley, un famoso ocultista, alquimista, escritor, poeta y mago ceremonial británico del siglo 19.
Además con sus mensajes subliminales (reconocidos o no), esparcidos entre las notas de la música del grupo, atrajo feroces ataques de los censores de rock. Su inteligente mezcla de blues eléctrico, folk y rock a alto volumen, fue memorable y una de las razones de su enorme y contundente éxito a nivel mundial, contribuyendo también su clara identificación con la cultura hippie.
Esta fabulosa banda surgiría de la mente del guitarrista Jimmy Page (nacido en 1944), el cual ya a mediados de los sesenta era famoso por haber pertenecido a The Yardbirds. A principios de 1968, The Yardbirds habían publicado el single “Goodnight Sweet Josephine”, el cual obtuvo una discreta recepción por parte del publico. Las presiones eran constantes por parte del sello Epic para que The Yardbirds volvieran a tener el éxito de sus primeros días, cuando en la banda aún militaban los guitarrista Jeff Beck y Eric Clapton, logrando impactantes éxitos como los hits “For Your Love”, “Heart Full Of Soul, “Evil Hearted You” (1965), o “Shapes Of Things” (1966), por lo que encargaron a Jimmy Page reorganizar la banda bajo el nuevo nombre The New Yardbirds. Para ello Page contaría con el cantante Robert Plant, el bajista John Paul Jones y el batería John Bonham. John Bonham y Robert Plant venían de un grupo llamado The Band Of Joy, una banda de covers de los sonidos ácidos de la costa oeste norteamericana como los Jefferson Airplane.
Los ensayos de esta nueva formación empezarían a mediados de 1968 en Londres y la primera canción que tenían acabada era “Train Kept A-Rollin”, uno de los temas emblemáticos de The Yardbirds. El resto de material ensayado estaba compuesto por temas escritos por Jimmy Page y clásicos del blues y el rhythm and blues. Tras semanas de intensas pruebas la banda estaba preparada para afrontar su primera gira de dos semanas por Escandinavia, bajo el nombre de The New Yardbirds, igualmente lo utilizarían en diferentes conciertos en la ciudad de Londres antes de convertirse oficialmente en Led Zeppelin. Este nombre fue una sugerencia del batería de The Who, Keith Moon, mientras que el bajista del mismo grupo John Entwistle, les aconsejo que tomaran como manager a un tal Peter Grant.
Led Zeppelin debutaron oficialmente en Denver, Colorado, el 26 de noviembre de 1968, como teloneros de Vanilla Fudge y Iron Butterfly, dos bandas que por entonces estaban en su mayor apogeo y aún mas en su propio territorio norteamericano. Aquella noche Led Zeppelin les robaron literalmente el protagonismo a ambas. Ello se debió en parte a la habilidad y al profundo conocimiento que Peter Grant tenia sobre el publico americano. Una vez de vuelta a Inglaterra entraron en los estudios Olympic de Londres y grabaron su primer album, “Led Zeppelin”, que fue lanzado a principios de 1969.
Este primer álbum producido por Jimmy Page como todos los siguientes, es una explosiva mezcla de blues eléctrico, guitarras distorsionadas y elementos de folk y rock´n´roll que marcara el distintivo de Led Zeppelin.
Pese a la polémica a ser acusados por copiar e inspirarse en composiciones de blues; “Dazed and Confused” o “You Shook Me”, ambas versiones de Jack Holmes y Willie Dixon, no es menos cierto que la aportación de Page es grandiosa y elocuente, creando uno de los mas grandes discos de la historia de la música rock.
En el aparecen brutales cortes como “Good Times, Bad Times”, “Babe I´m Gonna Leave You”, “You Shook Me”, “How Many More Times” o “Communication Breakdown”, además de la versiones antes mencionadas y “I Can´t Quit You Baby” de Willie Dixon.
Este primer album hizo ganar a la Atlantic Records cuatro millones de dólares en aquel momento, logrando un sexto puesto en las listas británicas y un séptimo en la americanas.
Durante gran parte de 1969, Led Zeppelin viajan durante cuatro veces mas a los Estados Unidos, completando una serie de conciertos antológicos y lo mismo en el Reino Unido, y aún así tienen tiempo para componer y grabaron un nuevo álbum “Led Zeppelin II”, lanzado en octubre de ese mismo año.
Este segundo álbum es una explosión de hard rock empezando por el poderoso riff de “Whole Lotta Love”, otro de esos sonidos “robados” por Jimmy Page a los viejos bluesmen, en este caso del tema “You Need Love” de Willie Dixon. Sin embargo esta nueva entrega consolida el rock del grupo creando un estilo con poderosas guitarras, voces desgarradoras y agresivas, densos sonidos de batería y por encima de todo una desafiante y desbordante energía.
Pero no solo de “Whole Lotta Love” vivía este soberbio segundo álbum, aquí aparecen demoledores ejercicios de blues rock y hard rock como “Heartbreaker”, “Ramble On”, “What Is and What Should Never Be”, The Lemon Song”, “Living Loving Maid” o “Bring It On Home”.
El album se convirtió en otro tremendo éxito a ambos lados del Atlántico, desbancando al "Abbey Road" de The Beatles del primer puesto de las listas y permaneciendo allí durante 18 meses seguidos en los primeros puestos.
Después de otra gira mundial, la banda se retira durante algunos meses a componer nuevas canciones, así gran parte de 1970, es relativamente un descanso para tan frenética actividad. Esta quinta gira les generara un millón de dólares de beneficio, el Parlamento Británico les entrega dos discos de oro y reconoce que gracias a ellos Gran Bretaña ha tenido grandes ingresos en su balanza de pagos.
Retirados a la campiña inglesa en Gales, la banda manifiesta un creciente interés por el folk y el soft rock californiano, y eso se vería reflejado en el tercer trabajo publicado casi a finales de ese mismo año.
“Led Zeppelin III”, a pesar de contener temas puramente rock como “Immigrant Song”, se desvía hacia los terrenos mas rurales con atmósferas campestres y los sonidos acústicos.
El disco fue mal aceptado en un principio tanto por la critica como por el publico, pero a medida que fue pasando el tiempo se convertiría en otro rotundo éxito, volviendo a conquistar los mercados mundiales con numerosos números uno.
En “Led Zeppelin III”, la banda había abordado con maestría la ampliación de sus horizontes musicales conformando un trabajo glorioso en donde destacaban las sublimes melodías acústicas de “Tangerine”, “Friends” o “Bron-Y-Aur-Stomp” o la blues “Since I´ve Been Loving You”.
Sin embargo el mal recibimiento por parte de las criticas les hace reducir aún mas el numero de entrevistas y el trato con la prensa y el publico. Esta característica fue siempre una constante en Led Zeppelin comparados con otras bandas de su mismo nivel artístico y comercial. Sus cuatro componentes eran poco conocidos fuera del ámbito rock, sus fans debían contentarse con saber muy pocas cosas en el plano personal de sus ídolos. Lo poco que sabían era la pasión de John Bonham por los coches rápidos y el alcohol, la vida casera y rural de Plant o del interés por lo oculto de Jimmy Page y esto debía bastarles. Intencionadamente o no, todo ello contribuía a crear un halo místico en torno al grupo que entre 1971 y 1973 realizo giras regularmente por toda Europa y Extremo Oriente sin necesitar apenas promoción alguna. Cada año los miembros del grupo, tanto en el plano individual como colectivamente, ocupaban las primeras posiciones de las paginas de la prensa mundial.
Y es que la atracción de Led Zeppelin en este punto era su original estilo, aparte de la característica voz de amplia modulación de Robert Plant, hay que atribuírselo a Jimmy Page. Page como guitarrista no poseía la energía rítmica de Pete Townshend, ni el funk de Jimi Hendrix, ni el vanguardismo de Jeff Beck, ni siquiera el lirismo de Eric Clapton. Sin embargo, entre todos los guitarristas nacidos artísticamente en los años 60, Page era junto a Hendrix, el que mas había contribuido a expandir el vocabulario sonoro de la guitarra. Page al contrario que todos los demás guitarristas, siempre evitaba excederse en sus solos, siempre prefirió fusionar sus muchas influencias; la pureza acústica del arpegio folk de Bert Jansch, el simple toque blues de Otis Rush, la discreta fuerza de acompañamiento rítmico derivado de la guitarra rockabilly de James Burton y de Scotty Moore (guitarristas de Ricky Nelson y Elvis Presley respectivamente).
A pesar de su enorme talento, Page, en contraste con la música de los supergrupos como Cream, siempre prefirió dar mas importancia a la cohesión sonoro del conjunto que a su individualidad, amplificando al máximo la sección rítmica, a fin de crear el sonido mas potente posible. De hecho como sostienen millones de fans y críticos alrededor del mundo, un tema de Led Zeppelin resiste el desgaste del tiempo, mientras que cualquier tema de Cream, como por ejemplo “White Room”, suena aplastado y desunido con el paso de los años.
Durante los meses finales de 1970 y primeros de 1971, Led Zeppelin entran en los estudios Rolling Stones Mobile, en Hampshire y graban su cuarto álbum. Oficialmente sin titulo, aunque conocido en Estados Unidos como “Zo-So” y en el resto del mundo como “Led Zeppelin IV”.
Este cuarto álbum es la conformación del sonido desarrollado en el disco anterior y contiene uno de los mejores temas de toda la historia del rock´n´roll, la extensa y antológica “Stairway to Heaven”. El amor del grupo por el folk, la potencia evocadora del rock a alto volumen y la sugestión creada por los mitos celtas en las letras, se suman a las perfecciones de un tema único de proporciones épicas.
“Led Zeppelin IV” se convierte en uno de los discos fundamentales de la música rock. En el hay una extraordinaria fusión de rock and roll, blues, folk y sonidos de heavy rock. Desde la demoledora “Black Dog” hasta el sublime final de “When The Levee Breaks, se van sucediendo una serie de temas todos ellos brillantes y perfectos, como la cruda “Rock And Roll”, la sutileza de “The Battle Of Evermore”, la mencionada y magistral “Stairway To Heaven” o las monumentales “Going To California” y “Misty Mountan Hop”, conforman todas ellas un álbum considerado una de las obras maestras del siglo 20.
Este nuevo álbum vuelve a colocarse en los primeros puestos de las listas de éxitos de medio mundo, logrando unas ventas que superan hoy en día los 40 millones de copias a nivel mundial.
Después de otra extensa y apoteósica gira de muchos meses alrededor del mundo, la banda regresaría a los estudio para su siguiente movimiento discográfico, esta vez con un titulo menos genérico “Houses Of The Holy”, grabado entre los Rolling Stones Mobile y los estudios de la Island y Olympic de Londres durante los primeros seis meses de 1972.
Este quinto álbum contiene un repertorio bastante alejado del blues rock que los había hecho famosos y parece apuntar hacia sonidos mas melódicos y relajados, con incursiones hacia los estilos funk y soul, demostrado en cortes como “The Crunge”, que nos recuerdan al James Brown mas genuino, mientras la experimentación esta presente en la reggae “D´Yer Mak´er”, manteniendo su característico estilo en las extraordinarias “The Ocean”, “No Quarter”, “The Rain Song” y en “The Song Remains The Same”, completando un trabajo heterogéneo y diferente a todo lo hecho hasta ese momento.
Aquel año Led Zeppelin comenzaría su mayor gira americana, con un primer concierto en el Brave Stadium de Atlanta en mayo, frente a cincuenta mil personas, que acabaría a finales de julio.
El Financial Times calcula que ese año ganaron cerca de treinta millones de dólares, y en Tampa, baten el récord de publico que tenían los Beatles en el Shea Stadium con 55.000 personas, los Led atraen a 56.800.
Parte de los ingresos de esta gira fueron destinados a la financiación de diferentes filmaciones de algunos conciertos y de algunas rutinas de sus vidas privadas, todo este material tardaría tres años en ser lanzado públicamente como película y en un doble álbum en directo titulado “The Song Remains The Same”.
1974 seria un año de relativo silencio, en vez de grabar y salir de gira, sus integrantes se dedicaron a la promoción de su compañía Swan Song Records, propiedad del grupo. En ella figuraban artistas como las bandas Bad Company y The Pretty Things o la cantante Maggie Bell. Para los lanzamientos discográficos de cada uno de ellos, los miembros del grupo decidieron participar individualmente, organizando fastuosas fiestas en Los Angeles, Nueva York y Inglaterra.
Pero a finales de ese año todos ellos ya estaban cansados de tanto relajamiento y decidirían volver a los estudios de grabación para empezar a trabajar en un nuevo álbum.
“Physical Graffiti”, saldría en marzo de 1975 y seria bajo el sello Swan Song, y en formato de doble LP, en el cual aparecen media docenas de temas que no se incluyeron en los discos anteriores, además de nuevas grabaciones.
Un disco que contiene un compendio de todas las facetas musicales del grupo, desde la funk “Tramped Underfoot”, pasando por la progresiva y exótica “Kashmir”, la hard rock “The Rover”, la pesadas rock and roll “In My Time of Dying” y “The Wanton Song” o la bluesy “In The Light”.
El posterior recibimiento fue apoteósico, con aclamaciones por parte del publico y la critica, lo que motivaría que todos sus álbumes entraran simultáneamente en las listas de éxitos.
Sin embargo todo se volvería de al revés en el mes de agosto de 1975, cuando Robert Plant y su mujer sufrieron un grave accidente en la isla de Rodas en Grecia, lo que obligo al grupo a cancelar la gira americana presentando "Physical Graffiti”.
Ya posteriormente y mientras estaba de convalecencia, Plant encontraría tiempo para componer, junto a Page, nuevo material para un nuevo disco que se grabaría un año después en los estudios Musicland de Munich.
Este nuevo álbum titulado “Presence”, que fue lanzado en marzo de 1976, aparecen los primeros síntomas de agotamiento creativo, falto de cierta inspiración y que sin embargo es técnicamente irreprochable, aún así no desmerece el resultado final de un disco meritorio en donde destacan las magnificas “Achilles Last Stand”, “For Your Life” o “Nobody´s Fault But Mine”, aunque el resto adolecía de ciertas carencias y eran claramente composiciones mediocres comparadas con sus obras anteriores.
Para finales de ese año se publicaría la película y el doble album “The Song Remains The Same”, la cual tuvo un enorme éxito en las salas de cine norteamericanas y británicas.
Posteriormente se planea una monstruosa gira por Estados Unidos con 51 conciertos con un total de un millón y medio de entradas vendidas por adelantado. Durante los primeros cuatro meses todo fue inmejorable, entre el entusiasmo del publico por los nuevos trucos escenográficos de Led Zeppelin, con bombas de humo, rayos láser y video imágenes sincronizados con la música, en unos shows espectaculares que solían durar unas cuatro horas por noche.
El día 30 de abril en Pontiac, establecen un nuevo récord de asistencia, 76.229 personas les ven actuar, este récord lo volverían a batir por dos veces mas, el 30 de julio en New York con 80.000 espectadores y el 13 de agosto en Filadelfia con 95.000, todo marcha sobre ruedas y nada parece poder detener el abrumador éxito.
Pero poco después todo se vendría abajo de nuevo, en solo cinco días ocurrirían varios hechos que tambalearan la gira. Durante uno de los conciertos en Oakland en San Francisco, Peter Grant y dos roadies del grupo fueron arrestados por darle una paliza a dos promotores del empresario Bill Graham.
Tras pagar la fianza y ser puestos en libertad, la banda se dirigió a Nueva Orleans en donde les esperaban peores noticias. El 26 de julio fallecía el hijo de Robert Plant, Karac, de cinco años de edad, tras sufrir atroces dolores de estomago. En consecuencia, el cantante abandono de inmediato la gira que fue cancelada entre polémicas y largos procesos judiciales. Para rematar la faena, Bonham se rompió la muñeca en un accidente automovilístico algún tiempo después. A partir de aquí se empezaron a escuchar muchos rumores sobre el futuro de la banda. Rumores que sacaban a relucir como causa de tanta desdicha los intereses de Page por el ocultismo.
Ya no habría mas actividad hasta dos años después cuando se vuelven a reunir para la grabación de un nuevo trabajo, para ello se desplazaron a Estocolmo, a los Polar Studios durante los meses finales de 1978, donde completarían el álbum “In Through The Out Door”, que aparecería en los mercados en agosto de 1979, paralelamente junto a dos multitudinarios conciertos que el grupo daría en Knebworth ante mas de 250 mil personas cada noche.
Un álbum en donde por primera vez no era Jimmy Page el hilo conductor de la obra, tarea que recaería en el bajista John Paul Jones y en Robert Plant. Con un Page sumido en el pozo de las drogas y un Bonham acorralado por el alcohol, “In Through The Out Door” nacía excesivamente lastrado como para poder aportar algo diferente a lo que ya se había visto anteriormente.
Este álbum fue editado con seis portadas diferentes para los coleccionistas, obra del diseñador Storm Thorgerson de Hipgnosis y seria nominada al premio Grammy como la mejor portada del año.
Un álbum en donde los sintetizadores cobran un mayor protagonismo y con una amplia variedad de estilos que merman el resultado final de un trabajo que sin embargo, contiene momentos memorables como la soberbia “In The Evening” la fantástica “All My Love”, el crudo blues “I´m Gonna Crawl” y las meritorias “Fool In The Rain” y “Carouselambra”.
Sin embargo la losa de Led Zeppelin es demasiada pesada y larga y el álbum vuelve a encaramarse en las primeras posiciones de las listas de éxitos de medio mundo, logrando unas ventas que superaron los siete millones de copias.
El 29 de diciembre de 1979 John Paul Jones, John Bonham y Robert Plant intervienen en el concierto para Kampuchea, John Paul Jones y John Bonham tocan con la Rockestra que dirige Paul McCartney y Robert Plant canta con un grupo llamado Rockpile.
Con la llegada de 1980, Led Zeppelin vuelven a las grandes giras europeas, anuncian una nueva por Norteamérica en octubre de ese año, que por desgracia nunca podrán realizarla, el 26 de septiembre fallece John Bonham en la casa de Jimmy Page en Windsor, tras abusar de alcohol durante una larga noche. Se había roto uno de los engranajes de Led Zeppelin, hasta el punto de llevar la disolución definitiva de la banda.
Sin embargo después de este suceso se especula sobre un posible sustituto para reemplazar al batería, pero al final todos los miembros del grupo deciden poner fin al mejor grupo de hard rock de todos los tiempos y una de las mas grandes de la historia de la música rock. No obstante la banda aún tenia pendiente un álbum bajo contrato con la Atlantic Records, y para evitar males mayores decidieron (en este caso Jimmy Page de manera unilateral), rescatar algunos de los temas desechados para otros álbumes y recopilar un trabajo que llevaría por nombre “Coda”, el cual fue lanzado en 19 de noviembre de 1982 y el que increíblemente lograría un disco de platino por sus enormes ventas solo en el mercado norteamericano y una gran aceptación a nivel mundial.
Para muchos de sus fans, “Coda” fue considerado un album menor, repleto de retales, algo que en el fondo era cierto, pero el cual contenía algunas joyas que incomprensiblemente nunca antes fueron publicadas de manera oficial.
Compuesto por descartes de álbumes como el ultimo “In Through The Out Door”, que a tenor de los visto, eran mejores que las incluidas en dicho disco como la zeppeliana “Ozone Baby”, la rock´n´roll “Darlene” y la frenética “Wearing And Tearing, o “I Can´t Quit You Baby”, una versión de Otis Rush que originalmente iba destinada al disco debut. Además también aparecen “Bonzo´s Montreux”, en claro homenaje al tristemente batería fallecido, en donde se muestra las habilidades de John con las baquetas o la folky “Poor Tom”, tema descartado del tercer álbum. Mientras “Walter´s Walk”, un enérgico rock desechado del “Houses Of The Holy” y la versión de Ben E. King “We´re Gonna Groove”, grabado en directo en uno de sus iniciales conciertos, completaban este noveno álbum de Led Zeppelin.
Con este lanzamiento la banda evitaría volver a unirse sin su batería original para grabar un nuevo disco, por otro lado publicaban un disco de rarezas y por ultimo dejaban zanjado su contrato con la Atlantic Records, conformando así una jugada maestra.
Su legado comercial les coloca entre los cinco mayores vendedores de la historia detrás de The Beatles y Elvis Presley y compartiendo un lugar de honor junto a Pink Floyd, con mas de 300 millones de copias vendidas a nivel mundial, ocho de sus álbumes números unos consecutivos, cinco de ellos álbumes de diamantes y ganadores de docenas de premios Grammy, Classic Rock Roll Of Honour Awards, Ivor Novello Awards o American Music Awards entre otros muchísimos mas.
sábado, 25 de marzo de 2006
Abedul-Nosotros (1979)
miércoles, 15 de marzo de 2006
Kiss
Con un estilo bañado en el rock´n´roll con influencias del hard rock, el glam rock y los sonidos del genuino rock americano, fueron una de las bandas que con sus espectaculares shows, repletos de parafernalia teatral, pirotecnia y una atractiva estética, se labraron una impresionante reputación alrededor del mundo, pero en especialmente en los Estados Unidos con su amplísima legión de millones seguidores denominados “Kiss Army” o en países como Alemania, Inglaterra, Japón o en Australia donde igualmente son venerados y admirados.
Kiss surgirían en Nueva York a principios de los 70 como consecuencia de las cenizas de una banda llamada Wicked Lester, en donde militaban el bajista Gene Simmons y el guitarrista Paul Stanley. Posteriormente se les unirían el baterista Peter Criss y el guitarrista Ace Frehley y denominarían a esta banda como Kiss.
Pronto empezarían a llamar la atención, pero no solo por su estilo rock derivado de los sonidos del glam, si no también y de manera especial por su original puesta en escena, maquillados y disfrazados con diferentes personalidades, Paul Stanley (Star Lover), Gene Simmons (Demon Lizard), Ace Frehley ( Space Ace) y Peter Criss (Cat Man).
En una de sus actuaciones en Manhattan, fueron descubiertos por el caza talentos Bill Aucoin, quien les propone representarlos. Pronto les conseguiría un contrato con el sello Casablanca y poco después publicarían su primer álbum “Kiss” (1974), en el cual muestran un primitivo hard rock con claras connotaciones glam, pero tremendamente adictivos. En este primer lanzamiento Kiss muestran su poderío y talento en las memorables “Cold Gin”, “Deuce” o “Strutter”.
Las buenas ventas de este primer álbum logrando un disco de oro, les anima a
lanzar un segundo álbum algunos meses después, “Hotter Than Hell”, que al igual que el anterior, consigue un gran éxito en las listas del Billboard norteamericano.
A diferencia del anterior, aquí muestran un sonido menos pulido y una producción mas elemental, pero con un contenido igualmente interesante como demuestran cortes “Watchin`You”, “Goin´Blind” o “Parasite”.
“Dressed To Kill” aparecido en 1975, muestra un relajamiento en los sonidos pesados hacia un estilo mas simple y básico de rock desenfadado, logrando con ello un mejor resultado comercial en las listas americanas. Aquí ya aparecen algunos de sus clásicos inmortales como “C´mon And Love Me”, “Rock Bottom”, “She” o la soberbia “Rock And Roll All Nite?”.
Llegados a este punto, sus alucinantes conciertos ya causaban furor y pasión entre sus fans, que se iban multiplicando a medida que se lanzaban nuevos discos.
Y aprovechando esa coyuntura a finales de ese 1975 se lanzaba el doble en directo “Alive!”, sin duda uno de los mejores directos de la historia del rock, un doble álbum que por actitud, producción y talento instrumental, acabaría siendo uno de los monumentales discos en vivo.
Producido por un genio como Eddie Kramer, “Alive!” contiene un repertorio repleto de sus temas mas emblemáticos hasta esos momentos, en un coctel explosivo que les reportaría a Kiss numerosas criticas positivas y un éxito comercial a nivel mundial que los auparía hasta el estrellato mundial.
Una vez consolidado su status de estrellas, Kiss lanzarían una de sus obras cumbres “Destroyer" (1976), otro disco con un rotundo éxito, que exhibía en sus surcos unos temas con una producción mas elaborada que en sus anteriores trabajos, y que fue producido por el famoso Bob Ezrin. Su tema mas popular seria la balada "Beth", que junto con grandes piezas rock como "Shout it out loud", "Detroit Rock City", "God of thunder", "Do you love me" o "King of the night time world", conformaban el disco que les afianzaba definitivamente en el rol de súper estrellas. Esta tremenda popularidad fue aprovechada para inundar el mercado mundial de merchandising con productos con su imagen de todo tipo, desde maquinas pinball, hasta muñecos, pasando por camisetas, cómics, juguetes y un sin fin de artículos relacionados con Kiss que se vendían a millones.
También protagonizarían la película "Kiss meet the phantom of the park", un exitoso telefilm que fue dirigido en 1978 por Gordon Hessler y producido por la famosa productora Hanna Barbera.
Antes de la llegada de la década de los 80, Kiss publicarían los soberbios discos “Rock and roll over" (1976), "Love Gun" (1977) y un segundo doble en directo "Alive II" (1977).
Casi acabada la década de los setenta, la banda reconsidera su propuesta musical acercándose hacia los sonidos de moda de esa época y lanzan "Dinasty" (1979), en el cual coquetean descaradamente con los sonidos discotequeros pero sin abandonar su propuesta hard rock y creando soberbias canciones como las heavy-pop “I Was Made for lovin´You” o “Sure Know Something”, las cuales catapultan al álbum hasta las primeras posiciones de las listas de éxito de medio mundo y alcanzando una ventas que superaron con creces el millón y medio de ejemplares.
Pero tras este álbum la banda sufre su primer abandono, Peter Criss decide largarse y es sustituido por el batería Eric Carr. Además los cuatro miembros dedican un año entero a sus proyectos en solitario, los cuales tendrían unos favorables resultados comerciales en las listas norteamericanas.
El siguiente álbum “Unmasked" (1980), supondría un paso atrás en la carrera comercial del grupo en Norteamérica, pero no así en el resto del mundo donde obtendrían buenas ventas y unas favorables criticas.
Su fracaso norteamericano fue debido a su clara desviación hacia los sonido pop, intentando con ello ganar nuevos adeptos pero consiguiendo el efecto contrario.
Aún así el álbum contiene grandes momentos como los destacados “Talk To Me”, “Two Sides Of The Coin”, “Torpedo Girl” o la tierna balada “Shandi”, logrando de nuevo varios discos de oro y platino por sus ventas mundiales.
Un año después aparecería el meritorio “Music from the elder" (1981), pero que junto al anterior “Unmasked”, estaban bastantes alejados de lo ofrecido en los años setenta. El siguiente en marcharse seria Ace Frehley, descontento con el rumbo musical del grupo. Su sustituto seria el guitarrista Vinnie Vincent. Su siguiente trabajo "Creatures of the night" (1982), fue en cambio un respetable álbum que tampoco lograría retomar el nivel de sus mejores obras, todo lo contrario que ocurriría con el siguiente "Lick it up" (1983), en donde aparecían por primera vez sin su maquillaje característico.
"Animalize" (1984), también obtuvo buena acogida en las listas, aunque resultaría un trabajo de inferior calidad. En mitad de esta ultima grabación Vincent abandonaría el grupo siendo sustituido por Mark St. John, que pronto tendría que abandonar debido a problemas de salud derivados del síndrome de Reiter. Su relevo seria el guitarrista Bruce Kulick.
Los álbumes grabados en los posteriores años adolecían de la creatividad original, pero fueron bien acogidos por sus fans, "Asylum" (1985), "Crazy Nights" (1987), "Hot in the shade" (1989), fueron las últimas aportaciones junto a Eric Carr, que lamentablemente fallecería de cáncer en el año 1991. Su sustituto recaería en la figura de Eric Singer, quien participo en la grabación del álbum "Revenge" (1992), que volvió a cosechar estimables ventas a nivel mundial. En 1996 lanzarían un tercer doble álbum en vivo titulado "Alive III".
Ese mismo año se volverían a reunir los cuatro componentes originales, para iniciar una gira mundial y retornar a su antiguo maquillaje, hechos que les proporcionaría un multitudinario éxito, provocando también la grabación de un nuevo disco "Psycho Circus" (1998).
Este formación continuaría hasta comienzos del año 2001 cuando Peter Criss anuncio definitivamente que dejaba de nuevo el grupo, siendo reemplazado por Eric Singer.
El legado de Kiss, se encuentra revalorizado con justicia y homenajeado por multitud de fans en tributos como "Kiss my ass" (1994), disco en el cual aparecían artistas tan diversos como Anthrax, Lenny Kravitz, Garth Brooks, Stevie Wonder, Extreme, Dinosaur Jr., Lemonheads o Gin Blossons.
Comercialmente Kiss han logrado una ventas que superan con creces los 100 millones de discos, mas de 30 discos oro y un legado musical que es la influencia de muchas de las bandas posteriores del heavy rock.
martes, 28 de febrero de 2006
Alrune Rod-Hej Du (1970)
viernes, 24 de febrero de 2006
Time Of Commotion-"Live from the 70´s-Es Ist Nie Zu Spät" (1976)
jueves, 16 de febrero de 2006
Bob Dylan
Robert Allen Zimmerman nació un 24 de mayo de 1941 en la localidad de Duluth, Minnesota pero a temprana edad se mudaría a Hibbing, ciudad localizada en el mismo estado. En su temprana adolescencia empezaría a aficionarse a la música folk, blues, rock'n'roll y country, imitando a sus maestros mientras sus padres atendían una ferretería familiar. En el instituto, Bob comenzó a tocar la guitarra y pronto formaría un grupo llamado The Golden Chords, en donde principalmente interpretaba rock'n'roll al estilo de Little Richard, su músico de rock favorito por aquellos años.
Cuando se traslado a la Universidad de Minnesota, comenzó a expandir su pasión por los estilos tradicionales de la música americana, y creció su devoción por gente como Woody Guthrie (a quien conoció en sus últimos días), Hank Williams o Leadbelly y adoptando el apellido Dylan, en homenaje a uno de sus poetas preferidos, Dylan Thomas.
Comenzó a cantar folk, estilo que a comienzos de los años 60, interpretaría con su singular voz y su peculiar fraseo en los locales neoyorquinos del Greenwich Village, tras aburrirse del academicismo universitario y abandonar sus estudios de arte. Con anterioridad había adoptado, tras contemplar al bluesman Jesse Fuller en Denver, el soporte para la armónica, que le permitía tocar la guitarra al mismo tiempo que el citado instrumento de viento.
En 1961 consigue firmar un contrato discográfico con Columbia y publicar su primer Lp titulado simplemente "Bob Dylan" (1962), trabajo repleto de versiones de blues y folk producido por John Hammond Jr. que incluía estupendos temas propios como "Talkin' New York" o "Song to Woody".
Ese mismo año, Dylan comenzó a trabajar en su segundo album grande que ya iba a ser proveído con profusión por su talento en la escritura con temas tan clásicos como "Blowin' in the wind" (versioneado con gran éxito por Peter, Paul & Mary), "Masters of war", "Don't think twice, it's all right", "I shall be free", "Girl from the north country" o "A hard rain's a-gonna fall", todos ellos pertenecientes a su primera gran obra "The Freewheelin' Bob Dylan" (1963), con una foto en la portada del compositor y su novia (por esos momentos) Suze Rotolo, un disco que contenía momentos de acerada critica social sin perder el tono irónico y amoroso.
En 1964 y tras desechar su manager, Albert Grossman algunos temas ("Mixed up confusión") de tendencias mas rockeras, publico "The times they are a-changin" (1964), album que proseguía su senda político-social con temas como el single homónimo, "With God on our side", "The lonesome death of Hattie Carroll" o "Boots of spanish leather". Otro magistral disco titulado "Another side of Bob Dylan", en donde incorporaba material de mayor calado sentimental y elementos de mayor complejidad lírica de elevado talante simbolista, influenciado por el poeta francés Arthur Rimbaud. Las mejores canciones de este Lp producidas por Tom Wilson son "All I really want to do", "Spanish Harlem Incident", "It ain't me babe", "Chimes of freedom", "I don't believe you" o "My back pages", temas versioneados hasta la saciedad por cientos de grupos y solistas, incluida Joan Baez que se convertiría en su compañera sentimental y principal fan del cantautor. La relación duraría poco y Dylan contraería su primer matrimonio en 1964 con la modelo Sara Lowndes, de quien se divorciaría en 1977.
En 1965 electrificaría su sonido tras admirar las posibilidades expansivas de la música rock y pop en el folk con la versión realizada por los Byrds de su "Mr. Tambourine man" y por la soberbia re-adaptación del tema de los Animals "House of the rising sun", siendo rechazado cruelmente por los mas acérrimos seguidores del folk, que lo abuchearon cuando apareció en el mítico Festival de folk de Newport con su guitarra eléctrica y el grupo The Paul Butterfield Blues Band. El folk-rock fue adoptado por Dylan en su disco "Bringing it all back home", pieza clave de su discográfia con canciones impregnadas de imaginería y con temáticas eclécticas de connotaciones surrealistas en piezas como "Subterranean Homesick blues", "Maggie' farm", "She belongs to me", "Love minus zero", "Bob Dylan's 115th dream", "Gates of Eden", "It's alright, ma, I'm only bleeding", "It's all over now, baby blue" o la propia "Mr. Tambourine man".
El cambio al campo eléctrico y el abrazo a tendencias mas blues, R&B y trazos de rock se materializo totalmente en dos trabajos esenciales de su extensa carrera: "Highway 61 revisited" (1965) y "Blonde on blonde" (1966), dos obras maestras que prolongaban su talento lírico y musical con clásicos de la talla de "Like a Rolling Stone" (su sencillo mas exitoso comercialmente hablando, alcanzando el puesto numero 2), "Rainy day women #12 & 35", "Visions of Johanna", "I want you" o "Just like a woman", temas (con el single "Positively 4th Street") en los cuales colabora gente como Michael Bloomfield, Harvey Brooks, Al Kooper y los miembros de The Band, formación canadiense conocida hasta esos momentos como The Hawks (los cuales acompañaban por entonces al rockero Ronnie Hawkins) y los cuales se convertirían en su grupo de acompañamiento en directo y con quienes giraría por el Reino Unido en 1966, siendo acusado de traidor de nuevo a la causa folk por sus seguidores británicos. Esta gira fue recogida por las cámaras de D. A. Pennebaker en su documental "Eat the document".
La carrera de Bob Dylan alcanzaría en esos momentos su mayor auge popular, ya que junto al merecido éxito de la critica y la admiración de sus compañeros de profesión, sus albumes y sus sencillos cosecharían importantes resultados en ventas. En pleno auge profesional un grave accidente de motocicleta acaecido en junio de 1966 en Bearsville, estado de Nueva York, pudo terminar trágicamente con su exitosa trayectoria.
Por fortuna no sucedió así, aunque tras este excepcional periodo de inspiración compositiva, Bob Dylan se refugio durante algun tiempo en su familia y en su hogar, pensando incluso en abandonar el negocio musical. Su encuentro en una casa llamada Big Pink con sus compañeros The Hawks, le estimulo de nuevo para grabar multitud de temas procedentes de la música mas genéricamente americana, el resultado fue el disco "The Basement Tapes", que no seria publicado hasta 1975, aunque circularian multitud de copias piratas de las grabaciones entre Dylan y el grupo canadiense.
A finales del 67 publicarían el disco "John Wesley Harding" (1967), un album repleto de country que se encontraba al margen de las tendencias psicodélicas de la epoca y que desplegaba una menor complejidad en sus letras que en sus trabajos anteriores, retomando el gusto de Dylan por la música tradicional. El album fue todo un éxito, alcanzando el numero 1 en las listas británicas, gracias a temas como "All along the watchtower", "Dear Landlord" o "I dreamed I saw St. Augustine". El country continuo con "Nashville Skyline" (1969), disco en el que aparecía Johnny Cash y que contenía su gran canción "Lay lady lay", uno de los temas mas bellos de toda su carrera.
El comienzo de la década de los 70 no resultó positivo para Dylan, ya que su complaciente disco "Self Portrait" (1970) resulto mal recibido por la critica, todo lo contrario que "New Morning" (1970), album que recuperaba para bien los buenos procederes del cantautor de Minnesotta. En esa epoca diversifico sus tareas artísticas, publicando el libro "Tarantula" y apareciendo como actor al lado de Kris Kristofferson y James Coburn en el western de Sam Peckinpah "Pat Garret y Billy The Kid" (1973), para la cual compuso la banda sonora, disco en el cual se encontraba el famoso sencillo "Knockin' on heaven's door", también apareció en vivo cantando en el Concierto para Bangladesh, organizado por el ex Beatle George Harrison.
Tras firmar con David Geffen y después de publicar en Asylum Records el innecesario "Dylan" (1973), un disco lleno de versiones, en la mitad del decenio Bob Dylan publico una serie de meritorios discos comenzados con "Planet Waves" (1975), trabajo en el que volvía a colaborar con The Band y que le llevaría a puestos muy altos en las listas de ventas. Posteriormente llegarían el directo "Before the flood" (1974) y el esencial "Blood on the tracks" (1975), un Lp grabado para Columbia lleno de amargura personal que estaba marcado por el comienzo del traumático divorcio de Dylan con su esposa Sara.
Este gran disco con temas como "Tangled up in blue", "Idiot wind", "Meet me in the morning" o "If you see her, say hello", le llevaría directamente al numero 1 en ventas.
Posteriormente comenzaría una larga gira bajo el nombre de Rolling Thunder Revue, en la que Dylan se encontraba acompañado por gente como Joan Baez, Roger McGuinn, Mick Ronson o el poeta Allen Ginsberg. Parte de sus actuaciones fueron recogidas en el album en directo "Hard Rain" (1976). Ese mismo año publico un notable disco titulado "Desire" (1976), que incluía la canción "Hurricane", homenaje al boxeador Rubin "Hurricane" Carter, injustamente detenido acusado de un asesinato que no había cometido. El Lp volvió a alcanzar el numero 1.
En la parte final de los 70 y comienzos de los 80, Dylan publicaría varios discos de muy buena calidad como "Street legal" (1978), "Slow train coming" (1979), con la colaboracion del guitarrista Mark Knopfler, "Saved" (1980) y "Shot of love" (1981), estos tres últimos trabajos marcados por su conversión al cristianismo y temas religiosos.
Los bamboleos espirituales de Bob Dylan le llevaron a dejar sus ideales cristianos y adoptar en 1983 el judaísmo, justo antes de la publicación de "Infidels" (1983), trabajo producido junto al mencionado Mark Knopfler y en el que aparecía el ex Rolling Stone Mick Taylor. En 1986 contrajo matrimonio con Carolyn Dennis, de quien terminaría divorciandose en 1992.
Los restantes discos de Dylan en los 80 fueron los directos "Real live" (1984) y "Dylan & Dead" (1989) y los meritorios trabajos en estudio "Empire burlesque" (1985), "Knocked out loaded" (1986), "Down on the groove" (1988) y "Oh mercy" (1989). Por esta epoca giro con Tom Petty & The Heartbreakers y The Grateful Dead, ademas de grabar dos soberbios albumes con los Travelling Willburys.
En su ultima etapa continuo trabajando con bastante regularidad y tras una serie de discos bastante aceptables con buenos temas como "Under the red sky" (1990), "Good as I been to you" (1991), "World gone wrong" (1993) o el directo grabado para la MTV "Umplugged" (1995, publico dos excelentes muestras de su talento inagotable como son "Time out of mind" (1997) y "Love and Theft" (2001).
domingo, 15 de enero de 2006
Años 60
Otra imprescindible banda fueron Fairport Convention, la cual incluyó músicos muy reconocidos, pero solo el guitarrista Richard Thompson resistiría la prueba del tiempo. En su mayoría tocaron versiones y temas tradicionales. Su álbum “Liege And Lief” (1969), y sus odas de folk" “Matty Groves” y “Tam Lin”, son típicos de los pros (ritmo de rock, interpretación virtuosa) y contras (material estéril) del folk y su movimiento de avivamiento. “Sloth”, de “Full House” (1970), y la ópera popular “Babbacombe Lee” (1971) fueron probablemente los logros más significativos (precisamente porque estaban menos alineados con el resurgimiento del folk).
Pentangle y Fairport Convention se convirtieron en los grupos líderes del folk-rock británico. Docenas de ellas siguieron sus pasos, pero el movimiento en su mayoría no logró producir un valor real. Shirley Collins, una figura fundamental desde el comienzo del movimiento de renacimiento del folk inglés, lanzó el álbum conceptual “Anthems In Eden” (1969), con arreglos casi orquestales, pero utilizando instrumentos antiguos.
La contribución más erudita a la reforma del folk-rock provino del ex vocalista de Them, Van Morrison, quien rápidamente se estableció como el músico más importante de su generación. Las jams largas, complejas, hipnóticas y soñadoras de “Astral Weeks” (1968) acuñaron un formato de canción abstracto y de forma libre que mezclaba soul, jazz, folk y psicodélia y se interpretaba con la austera intensidad de la música de cámara. Los elementos psicodélicos y de jazz pasaron a primer plano en “Moondance” (1970), que presumía de exuberantes arreglos barrocos. Tal vez sintiendo el final de una era, durante unos años Morrison abandonó esos experimentos audaces y se retiró a las canciones mas convencionales de rhythm 'n' blues, con la notable excepción de “Listen To The Lion”, del album “St Dominic's Preview” (1972). Luego en el siguiente “Veedon Fleece” (1974) aplicó el mismo tratamiento a un estado de ánimo pastoral, nostálgico y elegíaco. El estilo vocal de Morrison continuó evolucionando hacia una forma única de gorjeo que unió a los bardos celtas y los cantantes de soul. En álbumes como “Into The Music” (1979), “Common One” (1980), “Beautiful Vision” (1982) e “Inarticulate Speech Of The Heart” (1983), Morrison empleó elementos musicales dispares para moldear composiciones que son profundamente personales e incluso filosóficas, que son tanto meditaciones arduas como construcciones elaboradas, que son, en última instancia, más similares a "suites" clásicas que a canciones pop. Sus majestuosas odas mostraban una creciente afectación, a menudo sonando como sermones pretenciosos, pero nacidos de una dolorosa convergencia de autoflagelación espiritual, confesión torturada, trance chamánico, la corriente de conciencia de James Joyce, la poesía metafísica de John Donne y el simbolismo visionario de William Blake.
Durante esta era de "renacimiento", los músicos británicos incluso mezclaron el rock and roll con la música clásica. Moody Blues fue el prototipo de gran parte del rock sinfónico de Gran Bretaña. El mellotrón, simulando el majestuoso sonido de la orquesta sinfónica y, en general, una confianza en los teclados y la flauta en lugar de la guitarra, así como la pasión por las armonías vocales a cuatro voces en lugar de los gritos de rhythm 'n' blues, hizo de “Nights In White Satin” (1967) la vanguardia de la música rock inspirada en la música sinfónica. La pompa y la pretensión, pero también producciones meticulosas que emplearon conscientemente el doblaje de estudio como una adición a la banda, impregnan el álbum conceptual “In Search Of The Lost Chord” (1968), un tributo al misticismo hippy y la psicodélia, junto a la fantasía melódica de “On The Threshold Of A Dream” (1969).
Procol Harum inventó un sonido basado en dos teclados (el equivalente a acoplar un órgano de iglesia y un órgano de gospel) pero lo usó solo para vestir arias majestuosas, elegantes y de sonido clásico como “A Whiter Shade Of Pale” (1967), “Homburg” ( 1967), “Conquistador” (1967) y “A Salty Dog” (1969). La suite de cinco movimientos “In Held Twas In I” (1968) mostró en cambio sus límites, pero no sus puntos fuertes.
la banda The Nice introdujo la idea de los arreglos de música clásica y jazz basados en el teclado. En lugar de escribir nuevas canciones y apegarse al formato pop, Nice se basó en los estándares del repertorio clásico y de jazz, pero los deformó a través de improvisaciones de estilo psicodélico. Pusieron énfasis en las interpretaciones virtuosas (particularmente del teclista Keith Emerson) y en solos extensos. Era la misma idea de Jimi Hendrix Experience y Cream, excepto que el instrumento principal era el órgano.
La Bonzo Dog Doo Dah Band, fue uno de los grupos más grandes de la historia del rock británico, a pesar de que eran esencialmente un cruce entre el music-hall de los años 50 y el teatro del absurdo. Sus canciones eran parodias de estilos musicales del pasado, con letras que se burlaban de varios aspectos de la vida británica, pero el ecléctico collage de su repertorio era, en conjunto, mucho más que una mera parodia. Álbumes como “Gorilla” (1967) y “Donut In Granny's Greenhouse” (1968) se basaron en todos los géneros que tuvieron a mano; y en particular de todo lo que era "kitsch", desde la opereta hasta el doo-wop, desde los comerciales de televisión hasta las bandas de música, desde las melodías de Broadway hasta el swing de las grandes bandas, desde las baladas folclóricas hasta los coros patrióticos, y empleando una asombrosa variedad de instrumentos y registros vocales. Su empeño fue, de hecho, muy similar al sabotaje posmodernista llevado a cabo en California por Frank Zappa. Milagrosamente, un caldero tan poco ortodoxo de ingredientes musicales se fusionó en canciones concisas y pegadizas. “Tadpoles” (1969) trató de vender a las masas ese atractivo pop oculto. Los mecanismos de relojería barrocos de “Keynsham” (1969) y “Let's Make Up And Be Friendly” (1972) estaban preparados para detonar una secuencia aleatoria de irresistibles melodías y efectos de sonido. “Men Opening Umbrellas Ahead” (1974), fue el primer álbum en solitario de la líder de Bonzo Band, Vivian Stanshall, el cual no fue menos anárquico. Fueron los mejores artistas sin sentido desde Dada, el equivalente musical de Monty Python y, quizás, los mejores arreglistas de su época. “Slush” (1972) es su testamento: alguien riendo en el cielo, rodeado de angelicales violines y órgano.
En Estados Unidos la reacción al rock político de Dylan y al acid-rock de San Francisco fue aún más fuerte. El "reajuste" involucró a casi todas las bandas y marcó un cambio repentino en el sonido y el formato. La música rock volvió a la canción bien estructurada, corta, melódica, y redescubrió su tradición, tanto blanca (country) como negra (blues).
En 1968 el "vaquero cósmico" Gram Parsons inventó el "country-rock": primero con “Safe At Home” (1968), junto a la International Submarine Band, y luego con “Sweetheart Of The Rodeo” (1968), de los Byrds, dos discos que interpretaban material de Nashville y que empleaban instrumentos country junto a instrumentos de rock y una actitud hippy. Parsons continuó el proyecto con una nueva banda, “Flying Burrito Brothers”, que debutó con “Gilded Palace Of Sin” (1969).
El country-rock de Parsons generó innumerables imitadores, en particular Seatrain, el nuevo nombre de la antigua banda de Al Kooper, Blues Project, cuyos álbumes “Planned Obsolescence” (1968) y “Sea Train” (1969) estaban aún mas más logrados (gracias al violinista Richard Greene y al guitarrista Peter Rowan).
The Band, la banda de acompañamiento de Dylan, inventó el "roots-rock" al fusionar folk, gospel, country y rock en los magníficos álbumes “Music From Big Pink” (1968) y “The Band” (1969). Las canciones bien elaboradas de estos álbumes capturaron una dimensión privada/doméstica y rústica que sonaba como una paradoja en la era del folk-rock (urbano) y los hippies (públicos, comunitarios). The Band recuperó los estilos norteamericanos más humildes: los cantantes folklóricos de los Apalaches, los predicadores de gospel de las denominaciones sureñas, los bluesmen, etc. un ambiente señorial, digno de música religiosa. La interacción entre el baterista Levon Helm, el bajista Rickie Danko, el pianista Richard Manuel, el teclista Garth Hudson y el guitarrista Robbie Robertson fue única en su equilibrio de tonos domésticos y épicos.
Lo que The Band hizo por el gospel, la Creedence Clearwater Revival lo haría por el swamp-blues de Luisiana. Uniendo los ritmos de los "pantanos" con las melodías del folk-rock, el fervor de la música religiosa, la fiebre rebelde del rock'n'roll y la angustia existencial de Bob Dylan. Sus mejores álbumes, “Bayou Country” (1969), “Green River” (1969), “Willy And The Poorboys” (1969) y “Cosmo's Factory” (1970), que es posiblemente su obra maestra, lograron una forma clásica de roots-rock lleno de premoniciones siniestras, evocando el gótico vudú pero proyectándolo a su época. De alguna manera, esta combinación improbable se fusionó en canciones sencillas y pegadizas que encarnaban la quintaesencia de la música estadounidense: “Proud Mary” (1968), “Bad Moon Rising” (1969), “Down On The Corner” (1969), “Run Thru The Jungle” (1970), “Looking Out My Backdoor” (1970), “Who´ll Stop The Rain” (1970) o “Have You Ever Seen The Rain” (1971).
The Flamin' Groovies, quienes autoprodujeron su EP debut, “Sneakers” (1968), años antes de que naciera el indie-rock, lanzaron un álbum de virulento rock'n'roll y estribillos pegadizos, “Flamingo” (1970), que influiría en las generaciones posteriores (el progenitor del power-pop).
The Shaggs eran tres hermanas de New Hampshire que tocaban dos guitarras y una batería, y que grabaron uno de los discos más "incompetentes" de la historia de la música, “Philosophy Of The World” (1969). Su estilo de "hágalo usted mismo" y el tono sincero e íntimo de sus canciones son anteriores al pop "lo-fi" (baja calidad) de la década de 1990 y el 2000.
Otro "supergrupo" lideró el movimiento hacia un sonido más suave: Crosby Stills Nash & Young, formado por dos ex miembros de Buffalo Springfield, un ex Byrds y un ex Hollies, popularizaron armonías vocales intrincadas, contrapuntos lánguidos y ritmos suaves. “Dejà Vu” (1970) suena como la versión relajada, atmosférica y ligeramente psicodélica de lo que los tres habían hecho con sus bandas anteriores. Prácticamente inventaron un nuevo género: el country/blues/soul soleado, melancólico y reflexivo que se llamaría "sonido de la costa oeste".
Este estilo se hizo popular en todo el mundo, como lo demuestran éxitos "suaves" como el del grupo America y su canción “Horse With No Name” (1972).
Irónicamente, justo cuando la música rock comenzaba a "rendirse", a ceder a la presión del establishment ya renunciar a su ethos revolucionario, también protagonizó su triunfo definitivo. 1969 fue el año de Woodstock en EE.UU. (300.000 personas asistieron al festival de tres días) y de la Isla de Wight (150.000 personas asistieron al festival más grande jamás realizado en Europa). El mercado mundial de la música valía dos mil millones de dólares: una vez más, la música rock había provocado un auge en la industria discográfica. Una vez más, una música nacida para rebelarse contra el establecimiento había ayudado al propio establecimiento a registrar ganancias récord.
jueves, 5 de enero de 2006
Steve Jones-Fire And Gasoline (1989)
domingo, 1 de enero de 2006
Elvis Presley
El fue quien modifico la música para siempre, con un sonido y un estilo que, singularmente, combino las influencias musicales mas diversas introduciendo a la humanidad en una revolución que transformo la cultura mundial.
Elvis era un apasionado de una serie extensa y variada de estilos. Sus influencias incluyeron, las baladas, la música country, el góspel y el R&B que absorbió en la histórica Beale Street en su adolescencia. Nadie podría predecir el éxito de Elvis ni el impacto que generaría tanto en la música como en la sociedad. Elvis se empapo de una amplia gama de influencias musicales, creando un sonido y un estilo nunca antes escuchado. Fue así como se convirtió en el primer icono del rock & roll, proporcionando a toda una nueva generación un ritmo que nunca antes habían palpitado.
La carrera de Elvis experimentó alzas y bajas, pero hay dos periodos que definieron su historia musical: 1955-1956, cuando logra el reconocimiento a nivel internacional; y en los 70 cuando, después de dos regresos, se transformo en un exponente a través de sus extensas giras.
Este año se cumplen, 30 años de su muerte y pese a que ha pasado mucha agua bajo el puente, su éxito como artista ha permanecido intacto manteniendo bien alto su gran cartel como el Rey indiscutible de rock & roll. Pero la carrera de Elvis no se inclino hacia el Rock & Roll desde el principio. En sus primeras grabaciones con Sam Phillips en los estudios de Sun Records en 1954, Elvis solía cantar inicialmente baladas. Sin embargo fallo al querer impresionar a Phillips de ese modo, quien pensó que su talento no podría competir con el de Eddie Fisher, Dean Martin y Johnny Ray, algunos de los muchos artistas de renombre ese momento.
Elvis se involucró entonces en una versión inédita del tema de Arthur Crudups "That's All Right", el resultado fue precisamente lo que Phillips estaba esperando.
La música de Elvis entre 1954-1955, un año antes de que explotara en la escena musical, fue sencillamente revolucionaria. En sus primeros shows, el astro, mezclaba el R&B con la música country, uniendo géneros musicales que inicialmente se habían considerado incompatibles. Estaba preparando, de esta manera, la introducción a un nuevo estilo musical que fue conocido algún tiempo mas tarde como Rock & Roll. Por 1956, Elvis se había convertido en una estrella nacional y era considerado como el líder del movimiento del rock & roll.
El nuevo género encontró su hogar en la RCA, sello al que Elvis se unió ese mismo año. Con el lanzamiento de "Hound Dog" en el año 1956, solidifico el rock & roll como el sonido mas novedoso del momento. Pero este no fue el único género en el que se incursiono durante sus primeros pasos por esa compañía discográfica. El rey del rock & roll, continuo incorporando a sus grabaciones los estilos musicales que lo motivaban, como el pop, el R&B y el góspel. Con su trabajo consiguió un nivel de éxitos nunca antes alcanzado por ningún otro artista. En su primer lanzamiento para la RCA, Elvis Presley, se mantuvo en el numero 1 durante 10 semanas consecutivas en los charts y se convirtió en el álbum mas vendido hasta ese momento. Pero eso no fue todo, sus singles ocuparon el primer puesto en los charts de ese formato por el espacio de mas de 24 semanas. Fue así como durante 1956 Elvis mantuvo 10 temas de diferentes géneros musicales en el Top 100 simultáneamente.
El rock & roll se convirtió rápidamente en un catalizador para el cambio. Elvis le proporciono a la juventud de los 50's (una generación joven, inquieta y sedienta de nuevas alternativas musicales diferentes a la de sus padres), un sonido que adquirieron como propio de esa nueva era. Se alejo así de las baladas que lo hicieron conocido en sus comienzos, y le dio a sus fans el estilo fresco y novedoso que llevaban buscando durante largo tiempo. Al mismo tiempo las criticas (por parte de los padres, medios de comunicación y otros artistas), lo tildaron de lujurioso, rebelde y peligroso. Irónicamente, Elvis, no estaba haciendo una música para fomentar un cambio social o encender una revolución musical, el tenia simplemente una meta: que su música entretuviese a la gente.
La revolución del rock & roll comenzó a decaer en 1958, cuando el Elvis se alisto en el ejercito. Ambos eventos no están de todos modos relacionados, de hecho RCA lanzo tres singles que se convirtieron en hit mientras Elvis estaba en el ejercito. La popularidad del rock & roll decayó como género revolucionario y los fans se vieron expuestos a nuevas voces. Luego de abandonar la Armada en 1960, el estilo de Elvis cambio. Su primer álbum del post-ejercito, “Elvis Is Back”, reflejó una nueva voz, mas madura. Este hecho, en combinación con las nuevas técnicas de grabación, hicieron que Elvis sonara mejor que nunca.
Lanzo su siguiente álbum tras dos años, con un repertorio de música mucho mas madura, que no solo incluyo rock & roll, sino también R&B, pop y góspel.
Además de su pasión por la música, Elvis tenía el ardiente deseo de convertirse en actor. Su manager, el Coronel Parker, apoyo esta aspiración como un mecanismo por reforzar la popularidad de Elvis, aspiro a ser un actor dramático entre finales los años 50's y principios de los 60's; sin embargo, el publico solo anhelaba su música. Fue por eso que los productores solo lo convocaron para papeles en comedias musicales, sintiendo como consecuencia, una gran decepción. En el transcurso de los 60's, alterno sus energías entre el cine y la música. Pero mientras su carrera como actor crecía, la música que grababa para sus películas no eran precisamente unos éxitos. Para compensar esta situación, Elvis, continuo grabando su material musical de un modo completamente independiente al de sus películas.
Entre 1961-1968 Elvis se encontró manejando ambas carreras con un éxito relativo. Pero con el tiempo, el interés por este artista comenzó a caer. Su música ya no mostraba la originalidad y espontaneidad de sus inicios. Simultáneamente, la invasión de música proveniente de Inglaterra en 1963, que le debía mucho al surgimiento de Elvis en los 50's, y la nueva música Americana barrieron con la próxima generación de fans. Bandas como The Beatles, The Animals, The Rolling Stones y The Doors y muchas mas o cantantes y compositores como Bob Dylan, inundaron la escena musical presentando una nueva alternativa para los jóvenes.
En el año 1968, esta situación cambio con el regreso de un Elvis totalmente renovado. Lo que originalmente iba a ser un especial de Navidad para TV en 1968, "Elvis", fue el camino hacia una nueva etapa en su carrera. Apoyado principalmente en el repertorio de rock & roll de sus comienzos en los 50's, junto con un puñado de nuevas canciones, su actuación fue un retrospección de su primera imagen, tanto en el sonido como en estilo. Enfundado en ropa de cuero negra, Elvis mostró el mismo carisma y la energía que cautivó a toda una generación una década atrás. Esta actuación lo llevo a conquistar nuevamente al publico que lo había olvidado. La reacción de los fans y la critica inspiraron a Elvis a recobrar su prominencia musical. Y comenzó a cambiar su rutina de grabación por primera vez en casi 10 años.
Abandonando los estudios Nashville, que fueron como su hogar durante los años 1960-1968, Elvis comenzó a grabar en Memphis un mes después del show especial de 1968. busco una nueva banda de músicos y, una vez mas, se negó a ser restringido por las barreras musicales del momento y se comprometió a crear música que lo identificara. El álbum, “From Elvis in Memphis”, incorporo muchísimos géneros musicales. Liderado por los temas "In the Ghetto" y "Suspicious Minds", su música mostró en este álbum letras mucho mas maduras y con un alto contenido social.
Elvis había entrado en otra fase de su carrera. Su regreso en 1968 con el show especial de Navidad para la televisión también le había proporcionado una interacción con el publico que realmente había extrañado durante su estadía en el ámbito de Hollywood.
En agosto de 1969, Elvis regreso a un periodo de éxitos con una serie de presentaciones en vivo, comenzando con 4 semanas de shows absolutamente sold-out, en el International Hotel de Las Vegas, algo que rompió con todos los moldes de la estructura de ese lugar. Posteriormente se embarco en una impresionante y exitosa gira a lo largo de los Estados Unidos. Paralelamente a sus actuaciones en vivo continuo grabando. Y una vez mas, sus singles y discos vendieron millones de copias.
En enero de 1973 Elvis marco un hito en la historia de la televisión y el entretenimiento con el especial "Elvis: Aloha From Hawaii", esta transmisión fue vista por mas de mil millones de espectadores en 40 países en directo vía satélite. A lo largo de los 70's, su performance fue decayendo gradualmente. Durante esta etapa en su música predominaban las baladas que reflejaban las dificultades de vida, incluyendo el fracaso de su propio matrimonio. Elvis y Priscilla Presley se divorciaron en 1973.
Camino al fin de su carrera, Elvis todavía disfrutaba de hacer presentaciones en vivo, pero comenzó a cansarse del proceso de grabación y lo que esto implicaba, (hasta el punto en que insistía en grabar en los estudios de su casa). De hecho, Elvis nunca asistió a su ultima sesión en los estudios de Nashville en enero de 1977. Finalmente, habiendo logrado un éxito mayor al que cualquier artista podría haber aspirado, Elvis se volvió firmemente aburrido, y fue a partir de este sentimiento que se esforzó por encontrar nuevos desafíos. Su salud también empeoro tras numerosos problemas médicos y una dependencia creciente a las drogas prescritas.
A pesar de su trágica muerte y la consecuente muerte súbita de su carrera, los logros musicales de Elvis han marcado su paso por la historia. Sus álbumes en América han sido galardonados con Disco de Oro, Platino, Multi-platino y Diamantes gracias a los altos volúmenes de venta de sus mas de 132 singles y álbumes, mucho mas que cualquier otro artista y que prácticamente es imposible que nadie jamás los supere.
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