Prefab Sprout-Steve McQueen (1985)

Prefab Sprout pertenecieron a la amplia legión de grupos del pop británico surgida en la década de los ochenta, pero que a diferencia de la mayoría de ellos, enfrascados en un estilo comercial y mainstream dirigido principalmente a la gente joven, ellos derivaron su sonido hacia un pop sofisticado y mas orientado hacia los adultos.
Formados a finales de los 70 en Newcastle por los hermanos Paddy y Martin McAloon, su estilo ha siempre han sido considerado como pop inteligente, sofisticado y reflexivo, debido a la influencia de la vida rutinaria de la profunda Inglaterra, el romanticismo británico de la época Victoriana y el rock and roll americano de los años 50.
Junto a la teclista Wendy Smith publicaron su álbum debut "Swoon" en 1984, el cual ya mostraba su estilo original alejado de los sonidos new wave tan de moda en aquellos años.
Un año después publicaron su segundo trabajo y a la postre su mejor álbum, este "Steve McQueen", el cual lograba un disco de oro y grandes elogios por la prensa británica al catalogarlo como uno de los álbumes mas bellos y lúcidos de la década de los ochenta. Producido por el prestigioso musico y productor Thomas Dolby, la banda contaría además con la colaboración del ex guitarrisa de David Bowie, Kevin Amostrong, el saxofonista Mark Lockhart y el batería Neil Conti.
El pop distinguido, refinado y fascinante, es al mismo tiempo sentimental e intenso como queda patente en cortes tan impecables como "Goodbye Lucille #1", "When Love Breaks Down", “Bonny”, “Horsin´Around” o "Appetite".

Dixie Peach-Dixie Peach (1975)

Dixie Peach fueron otra de las olvidadas bandas de los 70, que pese a mostrar un gran southern rock y blues rock, desaparecieron por culpa de la indiferencia y la escasa promoción por parte de su sello discográfico.
Formada en Dayton, Ohio en 1972, su núcleo principal giraba alrededor del cantante y guitarrista Ira Stanley y el bajista Mike Rousculp "Roscoe", que junto al teclista Steve Williams, el batería Jerry Barnhart y el guitarra rítmica Tony Paulus se foguearon en diferentes zonas del Este de los Estados Unidos durante tres años, logrando una amplia legión de fans.
Este éxito les animaría a firmar un contrato con el sello Raintree Records y bajo la producción de Tom Weisser grabaron su álbum homónimo en 1975.
En este primer álbum, la banda no esconde sus influencias sureñas de bandas como The Allman Brothers, mostrando una brillante colección de canciones que navegan entre el rock polvoriento de las bandas del sur, aderezado con sonidos jazz, blues y hard rock.
Excitantes versiones están hermanadas con temas de cosecha propia, como la cover de Tal Mahal "Paint My MailBox Blue", un corte en donde sobresalen la dualidad de las poderosas guitarras o la brillante blues rock "Going Down", una versión de Don Nix, mientras el clásico de Ennio Morricone "The Good, The Bad & The Ugly" es interpretado en clave jam blues rock en donde se permiten incursionar en terrenos jazzisticos.
En cuanto a sus temas propios destacan la melódica "Out Of Money…Out Of Gas", un tema en donde dejan bien claro donde están sus raíces musicales, la funky con aroma groove "Keep on Waitin", la rítmica "(So) Take A Look Around", o la dinámica con toques jazzisticos "I´ll Be Gone".
Un álbum este que reboza de grandes melodías pegadizas y brillantes, y unas texturas de guitarras adictivas, con unos teclados siempre omnipresentes, en definitiva otra rara avis de los 70 que desgraciadamente paso totalmente desapercibida.
Después de la escasa repercusión del álbum, la banda desaparecería hasta casi 40 años después cuando volverían a reunirse para grabar un segundo larga duración titulado "Blues With Friends" (2013).

Museo Rosenbach-Zarathustra (1973)

“Zarathustra”, el único álbum de los italianos Museo Rosenbach, es una de las joyas del rock progresivo, una banda que obtuvieron por derecho propio la gloria gracias a este excelente disco basado en la teoría del súper hombre del filosofo, poeta y compositor alemán Friedrich Nietzche.
Fundada a principios de los 70 en la ciudad de Bordighera, al noroeste de Italia por el teclista Pit Corradi, el batería Giancarlo Golzi, el guitarrista Enzo Merogno, el bajista Alberto Moreno y el cantante Stefano Galifi.
Este singular álbum pese a contener la armonía y el lirismo típico del progresivo italiano, y debido al dinamismo de los teclados, le otorga un gran sentido sinfónico muy original.
Todo ello mas los interludios, las originales y expresivas voz en italiano y los pasajes de las guitarras convierten a este álbum en todo un clásico contemporáneo.
La épica canción que le da titulo es toda una epopeya alucinante dividida en cinco partes con diferentes atmósferas y musicalidad, coronada por rimbombantes sonidos de mellotron, una sección rítmica conjuntada y una instrumentación antológica.
El resto de cortes pese a no estar a la misma altura, se muestran ágiles y enérgicos, en donde los sonidos de órgano y unas sutiles guitarras cierran un álbum legendario y único en el rock progresivo.
 

Bull Angus-Bull Angus (1971)

Bull Angus fueron una banda de hard rock y blues psicodélico fundada en Poughkeepsie, Nueva York, a finales de la década de los sesenta.
Su formación estaba compuesta por los guitarristas Larry LaFalce y Dino Paolillo, Geno Charles (batería), Frankie Previte (voz, flauta y percusión), Ron Piccolo (teclados) y Lenny Vendetti (bajo).
En 1971 lograron obtener un contrato con la Mercury Records y bajo la producción de Vinniy Testa, grabaron su álbum debut el cual pasaría totalmente desapercibido debido a la escasa promoción de su discográfica.
Un año mas tarde publicaron “Free For All”, el cual seria el epitafio a la breve pero interesante carrera de esta desconocida banda norteamericana.
Con un estilo emparentado con Grand Funk Railroad, Groundhogs o Titanic y con ciertas similitudes a otras bandas como Uriah Heep o Deep Purple, su estilo estaba cargado de sonidos pesados de hard rock, blues, música psicodélica e inclinaciones progresivas.
Todos esos estilos están perfectamente representados en sus dos álbumes como demuestran la bluesy “Uncle Duggiés Fun Bus Ride”, la southern rock “Miss Casey”, las hard rock progresivas “A Time Like Ours” y “Pot Of God” o la folk rock “Cry”.
Con su segundo álbum la banda muestra una inclinación aún mas ambiciosa como ponen de manifiesto los cortes “Loving Till End”, en donde se acercan al folk progresivo, o la psicodélica “Train Woman Lee”.
Bull Angus esta considerada otra de esas bandas de culto, que pese a la enorme calidad de sus dos demoledores y soberbios álbumes, pasaron sin pena ni gloria por el muchas veces injusto mundo de la música rock y de paso se ha convertido en otra de las mas rebuscadas por los coleccionistas de vinilos y los fans al proto-prog y al hard rock de principios de los 70.

Camel-I Can See Your House From Here (1979)

Finalizando la década de los 70, el rock progresivo no pasaba por su mejor momento, otros estilos como la new wave, el punk, la música disco o el heavy metal estaban en pleno auge, por lo que muchas de las bandas punteras del genero sinfónico intentaron modernizar su estilo hacia los sonidos mas comerciales sin caer en la mediocridad y sin intentar perder un ápice su propia identidad.
Camel no seria la excepción a esa regla, la cual con su séptimo álbum “I Can See Your House From Here”, se reinventaron mezclando la comercialidad y el virtuosismo de manera rutilante.
Llegados a este punto la banda había sufrido diferentes cambios de formación, ya aquí no aparecen ni Pete Bardens ni Richard Sinclair, sustituidos por los teclistas, Kit Watkins y Jan Schelhaas y el bajista Colin Bass, mientras que los fijos Andy Latimer guitarra y Andy Ward batería, cerraban esta novedosa formación.
Producido por Rupert Hine, además contaría con la colaboración de otros músicos como el habitual Mel Collins al saxo o de Phil Collins en las percusiones.
Dejando atrás el jazz y los sonidos de Canterbury de antaño, las melodías aquí se tornan mas pegadizas con grandes estribillos muy adictivos, pero conservando los excelentes aportes de la guitarra de Latimer y los soberbios teclados de la dupla Watkins y Schelhaas.
Temas contagiosos como “Your Love Is Strange Tahn Mine” o “Neon Magic” contrastan con la trepidante “Wait”, con la mas compleja “Survival/Hymn to her” o con la extensa y progresiva “Ice”, esta ultima un claro guiño a su esplendoroso pasado.
El álbum pese a su gran diversidad y su atractivo contenido, supuso el rechazo de una gran parte de sus fans mas puristas al acusarles de venderse a los sonidos del soft pop comercial tan de moda en aquellos años finales de la década de los 70.

Exmagma-Goldball (1974)

Este power trio formado a principios de los setenta, estaba encuadrado dentro del genero Krautrock en su vertiente jazz rock progresivo, los cuales publicaron dos excitantes y explosivos álbumes antes de disolverse definitivamente a mediados de la misma década.
Formado por el teclista Thomas Balluff, el guitarra, bajo y saxo Fred Braceful y el batería Andy Goldner, dos alemanes y un afroamericano, grabaron su primer álbum homónimo en 1973.
En esta primera entrega, este poderoso power trío mostraba un experimental jazz rock impregnado de sonidos psicodélicos, sobresaliendo cortes como la arrebatadora “The First Tune” o la epopeya jam de 19 minutos “Tripping With Birds/ Kudu/ Horny”.
Un año mas tarde aparecería su segundo y ultimo álbum, este que nos ocupa, “Goldball”, un trabajo menos oscuro y mas accesible en donde continúan con ese jazz enérgico y experimental, pero introduciendo elementos del rock acido y sonidos atmosféricos como la épica “Marylin F.Kennedy”, improvisaciones de jazz y rock “Adventures With Long S.Tea” y “25 Two Seconds Before Sunrise” o cortes claramente vanguardistas como “Groove Tango Wolperaiso” y “Greetings to the Maroccan Farmers”.
 

The Rolling Stones-Flashpoint (1991)

En 1989 The Rolling Stones lanzaron el álbum "Steel Wheels", su decimonoveno registro y el ultimo bajo el sello de la Columbia Records/CBS.
Durante los siguientes meses la banda se embarcaría en la gira mundial llamada "Steel Wheels/Urban Jungle Tour" de la cual se realizarían un centenar de conciertos por medio mundo. De algunos de estos shows se extrajeron una serie de temas que fueron incluidos en el quinto disco en vivo del grupo; "Flashpoint", publicado en abril de 1991.
A diferencia de sus anteriores lanzamientos en vivo, este contiene varios temas en estudio, como la anti-bélica "Highwire" y la humorística "Sex Drive", dos canciones que habían sido descartadas para algunos de sus álbumes anteriores, además de varias más que no solían formar parte de su repertorio habitual en directo como la versión del tema de Willie Dixon "Little Red Rooster" o "Factory Girl".
El resto del repertorio lo componen un impresionante set list de clásicos de la banda como “(I Can´t Get No) Satisfaction”, “Paint it Black”, “Symphaty for the Devil”, “Brown Sugar”, “Jumpin´Jack Flash”, “Start Me Up”, o “Miss You”.
La recepción posterior del álbum lograría varios discos de oro y un millón de copias vendidas a nivel mundial.

Janne Schaffer-Earmeal (1978)

Jane Schaffer es un guitarrista sueco conocido por sus trabajos en los estudios de grabación para artistas como ABBA o Bob Marley y el cual ha logrado una reputada carrera en solitario publicando una serie de trabajos enfocados al jazz rock.
Desde su primer álbum publicado en 1973 "Janne Schaffer", este guitarrista ha logrado confeccionar una buena mezcla de influencias de rock y jazz en todos sus lanzamientos, con cautivadoras melodías, grandes instrumentaciones, y una diversidad de estilos que van desde el jazz fusión al soft rock.
En 1978 lanzaría su cuarto larga duración "Earmeal", en el que contaría con un plantel de lujo para su grabación, comenzando por los hermanos Porcaro, todos los cuales han contribuido con la banda Toto en un momento u otro a lo largo de la carrera de la mítica formación californiana.
Ellos son Jeff Porcaro, bateria, Steve Porcaro, teclados y Joe Porcaro, percusión, además de otros músicos destacados como el teclista de Brand X, Peter Robinson o el reconocido flautista sueco Björn J:Son Lindh.
"Earmeal" no se aleja del jazz-rock fusión de otros artistas mas mediáticos como Lee Ritenour o Larry Carlton, repleto de grandes habilidades guitarrísticas, paisajes atmosféricos y un exquisito gusto por unas composiciones pegadizas y brillantemente ejecutadas.

Oz Knozz-Ruff Mix (1975)

Otra de esas bandas desconocidas de corto recorrido fueron Oz Knozz, una efímera formación originaria de Houston, que publico un explosivo álbum de simple y explosivo hard rock muy original.
Su único trabajo titulado “Ruff Mix”, data de 1975 y en el esta olvidada banda tejana mostraba un estilo repleto de guitarras pesadas con efectos wah-wah, un órgano Hammond acentuado con Moogs y sintetizadores y unas voces expresivas como demuestran piezas como "For Pat", mientras la pesada blues rock “Second Time Blues", la progresiva instrumental "Doodley Squat #1" o la jazz rock "Doodley Squat #2", son todas ellas unas excitantes muestras del potencial de un álbum antológico y desconocido para el gran publico.

Este es otro de los discos codiciados por los coleccionistas de vinilos por su limitada edición original y del cual se pagan cantidades desorbitadas por una de sus escasas copias disponibles en la actualidad.

Rush-Fly By Night (1975)

"Fly By Night", es el primero de los dos lanzamientos que los canadienses Rush hicieron en 1975, el segundo álbum cronológico y el primero en presentar al batería y letrista principal Neil Peart, lo que en muchos sentidos lo convierte en el primer álbum "real" de la banda. Peart aportaría alusiones literarias, lirismo profundamente personal y filosófico, y una percusión dinámica y técnicamente virtuosa. Por otro lado la banda comenzó a introducir una musicalidad progresiva más sofisticada en sus canciones. La calidad de la producción mejora notablemente. El blues-hard-rock rudo del primer álbum se amplia con una paleta musical más variada de sonidos y estilos.
El álbum resultante está en la línea evolutiva que Rush fueron desarrollando a medida que fueron grabando sus siguientes trabajos. Aquí ya aparece la primera melodía épica de la banda, los ocho minutos y medio de "By-Tor & the Snow Dog", sus primeras odas al objetivismo clásico y celebración del individuo con la vanguardista "Anthem", su primer hit radial "Fly By Night", o alusiones a las narraciones y los entornos fantásticos de J.R.R. Tolkien, "Rivendell". Entre todas ellas aparecen resquicios de su pasado reciente con la hard rock "In The End", o la enérgica y solida "Beneath, Between & Behind".

"Fly By Night" esta considerado para muchos como el verdadero comienzo de trío canadiense, en el que empezaron a cimentar su legendaria carrera como una de las bandas mas importantes de la música rock del siglo 20.

Rare Earth-Ma (1973)

El sexto álbum de Rare Earth llegaba precedido de cuatro excelentes trabajos en estudio y un sensacional doble disco en directo, y se convirtió en otra de sus grandes obras gracias a un serie de canciones repletas de blues rock con reminiscencias de funk y soul.
"Ma" fue producido por uno de los productores de la escudería Motown como fue Norman Whitfield, quien a su vez fue coautor de algunos de los temas de álbum, el cual lo dotaría del sonido característico de las bandas negras del mítico sello de Detroit.
La formación de Rare Earth para este nuevo álbum distaba significativamente con respecto al de sus primeras obras, dicha formación estaba compuesta por Gil Bridges (saxo, flauta y voz), Peter Hoorebelke (batería y voces), Ray Monette (guitarra y voces), Mark Olson (teclados y voces), Pete Rivera (batería y voces) y Mike Urso (bajo y voces).
Los diecisiete minutos del repetitivo riff de guitarra de la psicodélica y excelsa “Ma” es el punto álgido de este álbum, un tema que contrasta con la hard rock zeppeliana “Hum Along and Dance”, el sentimiento soul-funk “Big John is My Name” y con la experimental “Come With Me”.
Pese a que no tuvo la misma repercusión mediática ni comercial que otras obras anteriores, “Ma” fue considerado uno de los discos de culto en el ámbito underground y con el tiempo se convirtió en uno de los álbumes mas populares de Rare Earth.
 

Keith Cross & Peter Cross-Bored Civilians (1972)

Al principio de los setenta, las influencias del sonido west coast de los hippies norteamericanos llegaba a Inglaterra, un estilo el cual seria una gran influencia para muchas bandas de británicas de la epoca.
Sin embargo el clima soleado, playero y surfista americano era una clara contradicción con la siempre lluviosa Gran Bretaña, por lo que la llamada "British West Coast" tenían un inequívoco tono tristón y melancólico, directamente conectados su clima, aunque su personalísimo folk contribuiría también a un tono algo mas sombrío y oscuro.
Una de esas bandas fueron el dúo Keith Cross & Peter Cross, dos hermanos que procedían de varias bandas como eran la progresiva T2 y Hookfoot, esta ultima la banda de acompañamiento de Elton John.
Después de componer una serie de canciones reclutan a varios músicos como los guitarristas Nick Lowe que precedía de Brinsley Schwartz y B.J. Cole ex-Cochise, además del saxofonista de Caravan Jimmy Hasting.
El único registro de esta unión fue el álbum "Bored Civilians", una de esas raras joyas muy cotizadas hoy en día debido a la conjunción del impresionante plantel de músicos y de su extraordinario contenido.
Cortes al mas puro estilo CSN o Seals & Crofts como "The Last Ocean Ride", temas folk rock aderezado de voces celestiales "Peace in the End", (esta ultima una revisión de un tema de los incomprendidos Fotheringay), canciones con una clara textura jam psicodélica "Story to a Friend", elegantes composiciones como "Loving You Takes So Long", "Pastels", "The Dead Salute" o "Bo Radley" o temas acústicos como la irresistible "Fly Home", conforman todas ellas un álbum de extraordinaria calidad.
Sin embargo poco después de la publicación la banda se separaría siguiendo cada uno de sus integrantes carreras independientes, dando así por acabada la efímera aventura de esta magnifica y olvidada banda.

Al Jarreau-Breakin´Away (1981)

Este extraordinario cantante de soul, pop y smooth jazz ha sido capaz de traspasar a lo largo de su trayectoria profesional todas las barreras musicales y llegar a un publico mayoritario gracias a su peculiar y preciosista técnica vocal. Curtido durante años en los night clubs de Los Ángeles, en 1975 un cazatalentos de la Warner lo descubre mientras actuaba e inmediatamente le propone un contrato, financiando su primer álbum lanzado algún tiempo más tarde.
Este primer trabajo titulado "We Goy By", recibe grandes elogios tanto por la crítica como por el público, mostrando a un músico que pasaba con una facilidad pasmosa de un estilo a otro con total naturalidad, con una técnica la cual era capaz incluso de imitar a la perfección las guitarras y percusiones, con la calidez de su voz y sus alegres composiciones.
A partir de aquí la carrera de Al Jarreau obtiene una meteórica ascensión publicando una serie de álbumes que logran el beneplácito del gran público como "Glow" (1976), "This Time" (1980) o "Breakin´Away" (1981).
Con este último Jarreau logra su mayor éxito comercial y su mejor obra, una pequeña joya del mejor jazz-soul-pop, con un repertorio repleto de canciones encantadoras como la versión de Dave Brubeck "(Round, Round, Round) Blue Rondo á la Turk", la cautivadora "Breakin´Away", o la sensible pop "We're In This Love Together".
Sin embargo gran parte del mérito de este álbum está en la exquisita producción de Jay Graydon y en un plantel de músicos entre los que se encontraban George Duke, David Foster, Steve Lukather, Bill Champlin, Tom Scott o Jeff Porcaro entre otros afamados músicos de sesión de la costa oeste norteamericana.
Con el paso de tiempo Al Jarreau lograría obtener con sus posteriores álbumes nueve premios Grammy en las categorías de jazz, pop y rhythm and blues, convirtiéndose en el único artista en lograr semejante hazaña.

Hiro Yanagida-Hirocosmos (1973)

Hiro Yanagida fue un aventajado teclista que perteneció a las emblemáticas bandas niponas Food Brian y Love Live Life + One, con los que grabaría los interesantes "Bansan (Social Gathering)" (1970) y "Love Will Make A Better You" (1971), dos magníficos trabajos enfocados al space rock y la música psicodélica.
Una vez había abandonada esta ultima Hiro formaría su propia banda y lanzaría cinco álbumes, aunque ya antes de abandonar Love Live Life + One, había lanzado su primer álbum titulado "Milk Time" donde proponía un estilo no muy alejado del rock psicodélico basado en el sonido del órgano pesado, unas guitarras acidas y agresivas y la improvisación instrumental.
A este debut le seguirán los continuistas "Nanasai No Rohjin Tengoku" (1971), "Hiro" (1972), "Folk & Rock Best Collection-The World Of Hiro Yanagida" (1972) y "Hirocosmos" (1973), el cual fue su epilogo y obra cumbre.
En esta ultima entrega Hiro se adentra en sonidos mas jazzisticos como "Ode To Taurus", un claro corte de jazz-fusión progresivo, o "Breaking Sound-Barrier", otra excelente muestra de jazz rock.
Los sonidos del latín rock al mas puro estilo Santana están presentes en "Happy Cruise", mientras que la heredera a los sonidos Canterbury "Rockomotion", la progresiva "Uncertain Trip" y la atmosférica "Time For Reverie", completan un álbum adelantado a su tiempo, con un estilo cercano al jazz rock progresivo muy emparentado a las bandas británicas Caravan y Camel.

Ross-Ross (1974)

Esta desconocida y olvidada formación fue en un principio la banda de acompañamiento del bajista de The Who, John Entwistle para la gira promocionado su álbum en solitario “Rigor Mortis Sets In” (1973).
Sin embargo pese a ensayar durante algunos meses el repertorio a interpretar en vivo, la gira se suspendería por los problemas contractuales del propio bajista.
Debido a este contratiempo la banda que estaba compuesta por el teclista ex-Indian Summer, Bob Jackson, el batería Reuben White, el vocalista y guitarra Alan Ross, el bajista Steve Emery y el percusionista Tony Fernandez, decidieron grabar un disco y iniciar una carrera independiente.
Este primer álbum titulado homónimamente, es una interesante mezcla de sonidos funky, jazz, y influencias de hard rock progresivo que fue lanzado bajo el prestigioso sello RSO, subsidiaria de la Polydor .
Para promocionar este primer trabajo la banda se embarcaría en varias giras por los Estados Unidos teloneando a Eric Clapton en su gira “461 Ocean Boulevard Tour”, obteniendo un discreto éxito pero con unas expectativas bastante prometedoras.
Después de la gira por tierras americanas, la banda volvería a entrar en los estudios para grabar su segundo larga duración que tendría al destacado productor Bruce Botnick, conocido por sus trabajos frente a The Doors como ingeniero de sonido.
Este segundo álbum fue creado a modo conceptual basado en la poesía de Edgar Allan Poe titulado “The Pie & The Pendulum” (1974), que pese a su innegable calidad pasaría inadvertido para el gran publico.
Este hecho precipitaría la disolución definitiva de la banda, dando así por terminada la carrera de una de las bandas mas prometedoras del rock británico de los setenta.

Jethro Tull-Rock Island (1989)

En 1989 Jethro Tull venían de obtener el Grammy al mejor álbum de hard rock por su brillantísimo “Crest of a Knave”, un galardón que sorprendió a propios y extraños, además de suscitar una controvertida polémica.
La extrañeza de este premio fue que seria otorgado a una banda eminentemente de folk rock progresivo y que a excepción de algunos momentos puntuales en su carrera, ellos nunca se habían desviado al genero hard rock como para catalogarla como banda de ese genero.
Así que de alguna manera con su siguiente trabajo publicado en los albores de la década de los noventa, Jethro Tull irónicamente se acercan descaradamente al hard rock con su trabajo “Rock Island” y de paso abandonan los "tecnológicos años 80", otorgando a Martin Barre y sus poderosos riffs de guitarra hard rock el protagonismo absoluto, dejando en parte de lado los habituales sonidos pastorales y las guitarras acústicas del folk británico.
Líricamente Ian Anderson sigue con sus metafóricas letras, esta vez tratando la soledad de la sociedad actual entre otros temas mas recurrentes como el hogar y la familia.
Pese a que en diferentes momentos aparece esa sensibilidad folk característica, son los sonidos vibrantes y enérgicos los que inundan este decimoctavo álbum de la banda británica como queda sentado en cortes como “Kissing Willie”, “The Rattlesnake Trail”, “Rock Island”, “Big Riff and Mando” o “Heavy Water”, mientras en “Ears of Tin” o “Another Christmas Song”, regresan a su peculiar y fascinante estilo. Por otro lado son "The Whaler´s Dues" y "Strange Avenues" los cortes mas progresivos del álbum.

Electromagnets-Electromagnets (1974)

Electromagnets fue una interesante banda de jazz-rock que son conocidos por albergar en su formación a un jovencísimo Eric Johnson, el cual ya despuntaba maneras para convertirse en uno de los grandes guitarristas del jazz y el blues rock.
Formada originalmente bajo el nombre Aussenhorowitz en 1974 por el teclista Stephen Barber y el batería Bill Maddox, pronto se les unieron el bajista Kyle Brock y el guitarrista Eric Johnson, cambiando el nombre por el definitivo Electromagnets. Ese mismo año y bajo el sello EGM Records grabaron su homónimo álbum debut, y a la postre su único lanzamiento, en donde muestran el virtuosismo instrumental de los cuatro músicos, en especial los hábiles y sinuosos teclados jazzisticos de Barber y los sonidos eclécticos de la guitarra de Johnson.
Temas como la funk rock “Hawaiian Punch”, la enérgica jazz rock “Dry Ice” o la dinámica jazz fusión “Blackhole”, muestra la maestría sobresaliente de Electromagnets, que junto a una excelente producción se encuentra entre lo mas destacado del jazz rock de mediados de los setenta, casi a la altura de las grandes bandas del genero como Weather Report o Return to Forever.

Rainbow-Rising (1976)

El segundo álbum de Rainbow, lanzado casi un año después de su debut “Ritchie Blackmore´s Rainbow”, esta considerado unánimemente como una de las obras maestras del hard rock, así como una de las piedras angulares sobre la que años mas tarde se crearía el prog metal.
Rebosante de cortes impresionantes, son interpretados por una banda de ensueño conformada por Ritchie Blackmore, Ronnie James Dio, Tony Carey, Cozy Powell y Jimmy Balin, bajo la producción de Martin Birch.
Desde la inicial “Tarot Woman” con una introducción hipnótica a base de sintetizadores para luego convertirse en un corte aplastante de hard rock, hasta la acelerada “A Light in the Black”, ocho minutos de ritmos frenéticos en donde los teclados de Carey y la batería de Powell despejan cualquier duda de las habilidades instrumentales de ambos músicos, el álbum se va desarrollando de manera incomparable y antológica.
El resto no le va a la zaga, ahí están la intrigante “Starstruck”, el tour de force “Stargazer” y la pegadiza “Do You Close Your Eyes”, todas ellas interpretadas de manera grandilocuente y hasta positivamente pretenciosa, con un Blackmore impresionante a las seis cuerdas y un Dio operístico y sublime, confirmando su liderazgo como uno de los cinco mejores vocalistas del heavy metal y el hard rock de toda su historia.
“Rising” es sin ninguna duda una de las llamadas “joyas de la corona” de la música contemporánea e imprescindible en cualquier colección de música rock que se precie.
 

Tuck & Patti-Love Warriors (1989)

Este dúo musical, además de matrimonio, comenzaron su rutilante carrera de manera casual a finales de los 70 en San Francisco, donde ambos coincidieron para la audición de una banda local.
Ambos ya tenían tras de si una amplia experiencia musical, por un lado la vocalista Patti Cathcart había pertenecido a diferentes bandas de la bahía de San Francisco, destacando una breve colaboración junto a los Kingfish, banda en donde coincidiría con el guitarrista de Grateful Dead, Bob Weir.
Por su parte Tuck Andress era un veterano guitarrista que pese a su juventud había participado en varias bandas de rock y jazz, entre las que destaca Sonny and Cher y otras bandas locales de la zona de Los Ángeles.
En 1978 y después de conocerse decidieron trabajar como dúo, y durante años fueron desarrollando su peculiar estilo que navegaba entre el jazz vocal, el pop intimista, el R&B, el folk y el gospel.
Durante esos años recibirían varias ofertas de diferentes sellos discográficos, los cuales fueron siempre rechazados por el dúo, al considerar que aún necesitaban perfeccionar mas su estilo.
Ya en 1988 el sello Windham Hill les ofreció un contrato por tres álbumes, una oferta que no rechazarían, publicando ese mismo año su primer álbum "Tears of Joy", el cual obtuvo buenas criticas y una meritorias ventas.
En la portada de este primer disco venia impresa una pegatina que rezaba "álbum grabado sin sobre grabaciones, ni músicos de acompañamiento, ni arreglos electrónicos, solo nosotros dos actuando en tiempo real".
Un año después aparecería "Love Warriors", un atractivo trabajo en donde se alternaban temas de cosecha propia con atractivas versiones como "Europa" de Santana, "Castles Made Of Sand/Little Wing" de Jimi Hendrix o "Honey Pie" de The Beatles.
Posteriormente este segundo disco seria elegido el mejor álbum de jazz contemporáneo en la costa oeste norteamericana, fortaleciendo así la carrera posterior de este brillante e imprescindible dúo.

Canned Heat-Living The Blues (1968)

En 1968 Canned Heat entregaban su tercer trabajo titulado "Living The Blues", un ambicioso doble álbum en donde aparecían entre otros soberbios temas, uno de sus hits mas emblemáticos, el himno rural hippie "Going Up The Country".
En esta tercera entrega del grupo liderado por Alan Wilson y Bob Hite, muestran una clara evolución hacia el blues experimental, modernizando su sonido y demostrando la destreza y el conocimiento de las pasiones musicales de todos sus integrantes.
Llegados a este punto la banda ya estaba consolidada con su formación mas clásica, además de los citados Alan Wilson guitarra, voz y armónica y Bob Hite, vocalista, se encontraban Larry Taylor al bajo, Henry Vestine a la guitarra y Adolfo Fido de la Parra a la batería.
Este monumental doble álbum contiene algunos de los mejores logros del blues y boogie blues de toda su historia, impregnados de sonidos jazzisticos, acid rock y psicodélica, todo ello interpretado con una gran sabiduría, destreza, pasión y energía.
Desde la mencionada y fabulosa "Going Up The Country", hasta la jam vorágine "Refried Boogie", 40 minutos de alucinante blues rock, en cierta medida también algo indulgente, pasando por las tremendas versiones de artistas como Jimmy Rogers "Walking By Myself", o "Pony Blues", una revisión del clásico de Charly Patton, o apabullantes blues "Sandy´s Blues", "Boogie Music" y "One Kind Favor", sin olvidarnos del magnifico y talentoso medley "Parthenogenesis", toda una epopeya sublime de acid rock, experimentación y blues
"Living The Blues" es la obra cumbre de una banda como Canned Heat antes de que la muerte, las drogas y las disputas internas comenzasen a hacer mella entre sus integrantes. Pero antes de que esto sucediese aún tuvieron tiempo de publicar dos alucinantes álbumes mas como fueron "Hallelujah" (1969) y "Future Blues" (1970).

Brand X-Unorthodox Behaviour (1976)

Para la prensa británica de la época, Brand X fue catalogado como la respuesta inglesa a los norteamericanos Return to Forever y a diferencia de otros grupos contemporáneos del otro lado del Atlántico como Weather Report, Mahavishnu Orchestra o Spyro Gyra, además de los mencionados RTF, ellos tenían un estilo claramente británico. Compuesto por unos talentosos músicos que pertenecían a otras formaciones que proyectaron crear una formación paralela para desahogar la creatividad personal de cada musico. Ellos eran el baterista Phil Collins (Genesis), el guitarrista John Goodsall (Atomic Rooster), el bajista Percy Jones (Soft Machine) y el teclista Robin Lumley. Su debut discográfico publicado en 1975 por el sello progresivo Charisma Records, es una de las mas memorables obras del jazz/rock/fusión de la década de los años 70, que compuesto por siete cortes mostraba que el estilo británico se asociaba mucho mas al rock progresivo que el jazz rock norteamericano, mas influenciado por el funk, el blues o los sonidos latinos. Desde la monumental pieza que da inicio al álbum "Nuclear Burn", un corte donde la banda al completo muestra sus excelencias instrumentales, hasta la acústica "Touch Wood", pasando por la rockera "Running on Three", la melódica "Smacks of Euphoric Hysteria" o la influencias funk de "Born Ugly" conforman un potente álbum del mejor jazz rock progresivo que indiscutiblemente forma parte de la lista de los discos indispensables del genero.

Renaissance-Ashes Are Burning (1973)

En el cuarto álbum de Renaissance, publicado en 1973, la banda liderada por la inconfundible voz de Annie Haslam, el sinuoso bajo de JonCamp y los magníficos teclados renacentistas de John Tout, muestra un claro y solido giro hacia los derroteros del folk rock sinfónico.
En este trabajo la banda lograba la madurez necesaria para mostrar el equilibrio perfecto entre el folk, el rock y la música clásica.
Desde la inicial "Can You Understand", Renaissance muestra perfectamente la síntesis atractiva de la música folclórica y el rock sinfónico emulando la filosofía de la música clásica con un énfasis muy poderoso.
Un tema que tiene influencias de los compositores clásicos rusos como Rachmaninov y Prokofiev. La dulce balada "Let it Grow", muestra las excelencias vocales de Annie Haslam en un gran estado de gracia, mientras que la arreglada y acústica "On The Frontier" nos deja ese regusto que la banda tiene por la música renacentista.
La melódica y orquestal  "Carpet of the Sun" da paso a la mas ambiciosa "At The Harbour", que junto al cierre "Ashes Are Burning", en donde participa el guitarrista de Wishbone Ash, Andy Powell, con un soberbio solo de guitarra, son los momentos mas progresivos de uno de los álbumes mas brillantes del grupo británico, que culminaría con los posteriores y sobresalientes "Turn of the Cards" y "Scheherazade and Other Stories" .

Rare Bird-Rare Bird (1969)

Rare Bird esta catalogada como una de las bandas pioneras del llamado proto-prog que tenían como singularidad el contar con dos teclistas, una batería y un bajista pero que adolecían de un guitarrista, algo poco habitual en los cánones de la música rock.
Su estilo basado en los teclados, se anticipo a su tiempo creando sensaciones musicales que en su momento eran aún desconocidos.
Su formación estaba comprendida por Graham Field en el órgano, David Kaffinetti en el piano eléctrico, Steve Gould en la voz y el bajo y Mark Ashton en la batería.
A finales de 1969 y bajo el recién estrenado sello Charisma, publicaron su primer álbum homónimo el cual contenía el hit mundial "Sympathy", un corte impregnado de órgano con unas letras significativas de tono oscuro y melancólico.
El resto estaba compuesto por una serie de temas tan atractivos como pegadizos como la relajante "Bird On A wing", la melodía gótica de "Gods Of War", la pegadiza "Nature´s Fruit”, la dinámica "Melanie" o la brillante "Beautiful Scarlet".
En definitiva un debut que brilla principalmente por la versatilidad de los dos instrumentos de teclados y un sonido exuberante y creativo, demostrando lo grandioso y diverso que fue el rock progresivo en sus comienzos.

Touch-Touch (1969)

Touch fueron una de las primeras bandas norteamericanas de rock progresivo y vanguardista, pero que ha permanecido sepultada y olvidada injustamente bajo el manto de otras tantas formaciones coetáneas mas mediáticas.
Fundada por el ex Kingsmen Don Galluci, famoso por su atemporal riff de guitarra en la canción "Louie Louie" de 1963 y los ex integrantes de la banda Don & The Goodtimes; Jeff Hawks (cantante) y Joey Newman (guitarra), los cuales quisieron alejarse de las limitaciones de las típicas canciones pop de los sesenta para adentrase en composiciones mas arriesgadas y vanguardistas.
Como resultado de esta unión nació Touch, que con la incorporación del bajista Bruce Hauser y el batería John Bordorano, grabaron un álbum homónimo entre finales de 1967 y principios de 1968.
Este a la postre su único publicado, seria muy apreciado por figuras tan legendarias como el propio Jimi Hendrix, Jon Anderson (cantante de Yes) o el guitarrista de Kansas, Kerry Livgren, los cuales afirmaron que esta fue una de sus principales influencias al principio de sus carreras.
Compuesto por una amalgama de sonidos que se movían entre el rock psicodélico y el progresivo bastante pretencioso, con ramalazos del pop mas desenfadado pero al mismo tiempo con auto indulgencia, es todo un documento sonoro histórico que aunque hoy en día pueda sonar algo primitivo, contiene grandes interpretaciones y meritorios arreglos, conceptos estos que algún tiempo mas tarde se verían reflejados en los lanzamientos de muchas de las bandas británicas del rock progresivo y los sonidos underground.

Emerson Lake & Palmer-Emerson Lake & Palmer (1970)

Junto a Cream, Blind Faith y Crosby Stills Nash and Young, Emerson Lake and Palmer fueron de las primeras superbandas de la historia y junto a los primeros iniciaron el concepto de power trío, elevándolo hasta su mayor esplendor.
Ellos edificaron un genero único con unos poderosos teclados, combinados con la música orquestal, una batería grandiosa y la emotividad de un prodigioso cantante.
Su álbum debut esta considerado entre los mayores logros de la música rock con un despliegue técnico descomunal, demostrando el poderío instrumental de cada uno de los músicos que componían esta legendaria formación.
Desde la introducción frenética y apoteósica "The Barbarian", hasta la calidez de la sensible balada "Lucky Man", pasando por la progresiva medio tiempo "Take A Pebble", la pesada "Knife-Edge", la monumental e instrumental "Tank" o la pretenciosa "The Three Fates", todo un escaparate del virtuosismo de Emerson con los teclados, conforman todas ellas un álbum esencial y único en el rock progresivo.
Sin embargo este seria el trabajo mas ecléctico y menos pretencioso del trío, a partir de aquí se sumergieron en complejos y sofisticados trabajos de intrincados arreglos como quedaría demostrado en los siguientes "Tarkus", "Trilogy" y "Brain Salad Surgery".

Steve Hillage-Live Herald (1979)

“Live Herald” es un doble álbum en vivo del guitarrista Steve Hillage, grabado durante las gira posteriores a su tercer y cuarto trabajo, “Motivation Radio” y “Green”, en diferentes localizaciones de Londres y sus alrededores.
Grabado en la cima de su popularidad, (Hillage venia precedido de sus exuberantes trabajos junto a las bandas Khan y Gong y a su propia y brillante carrera en solitario), su repertorio esta basado principalmente en cortes pertenecientes a los álbumes “Fish Rising”, “L” y “Motivation Radio”, además de contener algunas interesantes versiones como “Hurdy Gurdy Man” de Donovan” o “It´s All too Much” del ex-Beatle George Harrison.
Con un sonido excelente, la interpretación de Hillage se torna ligeramente mas hard rock en contrapartida a los sonidos atmosféricos de sus discos en estudio, en donde su distintivo trabajo de guitarra apoyado por los tonos sinfónicos de los sintetizadores de cuerda, le otorgan una gran singularidad y un plus de diversidad estilística.
Cortes como "The Golden Vibe”, con un gran clímax apoteósico, la extensa “Searching for the Sparks” o la suite “Radiom/Lunar Musick Suite/Meditation of The Dragon”, confieren a este rutilante directo, el punto culminante a la carrera de uno de los mejores y mas reputados guitarristas británicos de todos los tiempos.

Jane-Together (1972)

Jane fueron otra de las grandes bandas del krautrock, que junto a Amon Duul II, Grobschnitt y Guru Guru continuaban llevando el estilo originario alemán de los setenta hasta casi bien entrada la década del 2000.
Fundada en Hannover a finales de los sesenta por el vocalista Bernd Pulst y el batería Peter Hanka, a los que se unieron el guitarrista Klaus Hess, el organista Werner Nadolny y el bajista Charly Maucher.
Después de firmar con el sello germano Brain graban su primer álbum que es publicado en 1972 bajo el titulo de "Together", en el cual muestran un exuberante trabajo de órgano Hammond, unas guitarras acidas y grandes interludios instrumentales.
Sin embargo en este primer álbum Jane muestran un estilo menos sinfónico que en sus sucesivos trabajos, centrando su música hacia derroteros de blues rock progresivo como demuestra cortes como el psicodélico hard rock "Wind" o la blues rock "Try to Find", mientras la progresiva "Daytime" o la epopeya "Spain" muestran el lado pesado y oscuro de su hard rock progresivo, con un sonido muy emparentado con sus coetáneos Deep Purple o Uriah Heep.
En los sucesivos años Jane ira produciendo una serie de trabajos mas enfocados al rock sinfónico entre los que destacan los brillantísimos "Here We Are" (1973), "Jane III" (1974), "Fire, Water, Earth & Air" (1976) o "Between Heaven and Hell" (1977), sin olvidarnos de su antológico doble álbum en directo "Jane At Home Live" de 1977.

Talk Talk-Spirit Of Eden (1988)

Fundada a principios de los ochenta por el multi-instrumentista Mark Hollis, Talk Talk comenzaron moviéndose por los sonidos cercanos al synth pop vanguardista y dentro de ese marco salieron a la luz dos interesantes trabajos como fueron “The Party´s Over” y “It´s My Life”, los cuales levantaron cierto interés entre el gran publico.
Con el tercer y brillante “The Colour of Spring”, la banda evoluciona hacia un sonido mas experimental y en cierta medida progresivo, como queda demostrado en las soberbias composiciones “I Don´t Believe In You”, “Living in Another World” y “Give it Up”.
Sin embargo el sonido que los definiría fueron sus dos siguientes obras, este “Spirit of Eden” y el siguiente “Laughing Stock”.
En ambos discos la banda adopta un estilo libre y abstracto, con una serie de cortes que se revelan como paisajes sonoros delicadamente construidos en donde cada nota es poderosamente emocional.
Llegados a este punto podríamos considerar que Talk Talk son para el pop rock lo que King Crimson fueron para el rock progresivo, entre otras cosas por sus texturas musicales abstractas tan cambiantes a lo largo de toda su carrera.
En “Spirit Of Eden”, Talk Talk muestra su eclecticismo y su faceta sombría y oscura en los cortes “The Rainbow” y “Wealth”, el desafío vanguardista en “Inheritance”, las melodías terrenales con la agradable “I Believe in You” o el rock convencional con la memorable “Desire”.
“Spirit Of Eden” se convirtió en un álbum tan desafiante como atractivo, demostrando la genialidad de un Mark Hollis creando una obra que difícilmente tenga parecido a todo lo que se haya grabado hasta la actualidad.

Clark Hutchinson-Retribution (1970)

Aquí tenemos otra de esas fantásticas bandas de culto que apenas tuvieron recorrido en el mundo del rock, pero que dejaron tras de si algunos de los mejores discos de la década de los 70.
Fundada a finales de los 60 por los multiinstrumentistas Andy Clark y Mick Hutchinson, los cuales grabarían como dúo el album “A=MH²”, en el que tocaban todos los instrumentos que iban desde el órgano hasta las guitarras, pasando por el bajo, percusiones, instrumentos de viento y teclados. Este primer disco estaba claramente influenciado por las composiciones orientales y exóticas con una base en el hard rock.
Después de este álbum la banda se ampliaría con dos nuevos miembros como fueron el bajista Steve Amazing y el batería Del Coverley.
Con esta formación se grabaría el segundo “Retribution”, todo un vendaval de blues rock lisérgico y pesado con unas desgarradoras voces y unas alucinantes guitarras sobrecogedoras y tremendamente poderosas.
Temas como la heavy blues “Free To Be Stoned”, la pesada y melancólica “Best Suit”, la rhythm and blues “After Hours" o la furiosa “Death, The Lover” conforman un disco brutal del mejor heavy blues de los años 70.
Un año mas tarde llegaría el tercer álbum “Gestalt” en donde mostraban un blues rock mas convencional y previsible pero igualmente arrollador. Ya posteriormente se publicaría el cuarto y ultimo trabajo “Blues”, con temas perteneciente a sus primeros años y que nunca antes fueron lanzados de manera oficial.

Wallenstein-Blitzkrieg (1972)

Wallenstein fueron una de las bandas mas importantes y longevas del llamado rock alemán, manteniéndose en activo durante prácticamente toda la década de los 70 y principio de los ochenta.
Formada en 1971 inicialmente como Blitzkrieg en la ciudad de Viersen al oeste de Alemania, estaba formada por el teclista Jürgen Dollase, el guitarrista Bill Barone, el bajista Jerry Berkers y el batería Harald Großkopf.
Casi inmediatamente fichan por el sello germano Pilz quienes les aconsejan cambiar de nombre para no coincidir con una banda británica del mismo nombre.
Ya como Wallenstein graban su primer álbum titulado "Bliztkrieg" (1972), bajo la producción de afamado Dieter Dierks. Este primer trabajo los catapulta como una de las sensaciones del rock progresivo alemán de ese año gracias a un estilo fusionando la música clásica, el rock psicodélico y el hard rock progresivo.
Compuesto por cuatro largos temas, todos ellos interpretados de manera virtuosa por la banda al completo, tienen sin embargo en Dollase como el principal protagonista con unas impecables habilidades con los teclados atmosféricos y su estilo clásico, que son el perfecto contrapunto a las vertiginosas y abrasadoras guitarras heavy rock y una sección rítmica enérgica y dinámica.
Wallenstein tienen un lugar preferente en los anales de la historia de la música krautrock por haber dejado tras de si una serie de álbumes imprescindibles muy apreciados por los fans del rock progresivo y por la critica especializada.

David Crosby-If I Could Only Remember My Name (1971)

David Crosby es un icono de la música norteamericana, el fue un formidable percusor de los sonidos folk y country como queda demostrado en los soberbios álbumes junto a The Byrds; “Mr. Tambourine Man”, “Turn! Turn! Turn!”, “Fifth Dimension”, “Young Than Yesterday” o “The Notorious Byrd Brothers”, todos ellos obras fundamentales del genero publicadas a finales de los años 60.
Tras abandonar The Byrds, Crosby se uniría al ex Buffalo Springfield, Stephen Stills y al ex The Hollies, Graham Nash para formar CSN con los que grabaría el antologico disco homónimo “Crosby, Stills & Nash” en 1969 y “Déja Vu” un año después con la inclusión del guitarrista canadiense Neil Young, formando así una de las mayores y mas aclamadas superbandas de la historia de la música rock.
A principios de 1971 David Crosby no pasaba por su mejor momento debido a las adición a la marihuana y otras sustancias y a la muerte de su novia en un trágico accidente automovilístico.
Fruto de todo ello fue el resultado de su primera grabación en solitario “If i Could Only Remember My Name” lanzando en febrero de 1971 y en la cual contaría con la colaboración de sus ex compañeros Graham Nash y Neil Young, la cantante Joni Mitchell, el guitarrista de Jefferson Airplane, Jorma Kaukonen o el líder de los Grateful Dead, Jerry Garcia, entre otros muchos mas.
“If i Could Only Remember My Name” esta confeccionado por breves inspiraciones de maestría musical, con grandes armonías vocales y una gran dimensión político y social, representando diferentes estilos como el flower power o el folk psicodélico.
Repleta de canciones profundas como la embriagadora “Music is Love”, la capella “I´d Swear There Was Somebody Here”, la angelical “Orleans”, la acústica “Traction In The Rain”, la filosófica “Laughing” o el tour de Force “Cowboy Movie”, conforman un álbum algo caótico pero al mismo tiempo absolutamente brillante.

Rush-Counterparts (1993)

Con su decimoquinto álbum, Rush volvieron a reivindicar su sonido primitivo y básico del hard rock de sus inicios, ofreciendo un trabajo con canciones con menos complejidad y mas viscerales, desapareciendo casi por completo los sintetizadores y teclados tan presentes en sus álbumes de los ochenta.
Incluso las letras se tornan mas genéricas y abstractas a excepción de la letra de “Nobody`s Hero”, la cual suscito cierta polémica por sus explícitas referencias a la homosexualidad y el sida. En el resto la banda continua tratando temas como la intolerancia, el crimen o la ambición humana.
Los poderosos riffs de guitarra de Alex Lifeson cobran aquí nuevamente el rol principal dotando el sonido al hard rock como queda demostrado en los cortes “Animate”, “Stick it Out”, “Cut to the Chase”, “Double Agent” o en la excelente instrumental “Leave That Thing Alone”.
En contrapunto a estas aparecen la mencionada “Nobody´s Hero”, o las edificantes “Alien Shore” y “Everyday Glory”, las cuales nos retraen sutilmente a los sonidos de sus álbumes de los 70.
Para muchos de sus fans y gran parte de la crítica, este fue el mejor álbum de la banda en la década de los 90, el cual lograría un número dos en las listas del Billboard y varios discos de oro y platino por sus ventas en el mercado norteamericano.  

Jeff Beck-Blow By Blow (1975)

Estamos ante uno de lo discos imprescindibles dentro de los llamados álbumes orientados a la guitarra eléctrica, y es que este “Blow by Blow" esta considerado una de las obras maestras del jazz-rock y el punto culminante del guitarrista Jeff Beck, el cual hace ahora justo un año, fallecería a los 78 años de edad.
Aunque "Blow by Blow" es cronológicamente su quinto álbum, en realidad era su segundo trabajo firmado en solitario, (el primero habia sido el interesante "Truth" publicado en 1968), y que después de disolver su banda compuesta por Tim Bogert y Carmine Appice y con los que lanzaría los apabullantes "Beck-Ola" (1969), "Rough and Ready" (1971), "The Jeff Beck Group" (1972), y "Beck, Bogert and Appice" (1973), además del directo "Beck, Bogert and Appice; Live in Japan" (1974), este ultimo solo publicado en el mercado nipón, decidiría continuar su carrera en solitario.
Producido por el llamado quinto Beatle, George Martin, en esta segunda entrega, Beck contaría con la colaboración del teclista Max Middleton, el bajista Phil Chen y el batería Richard Bailey, además de la aparición estelar de Stevie Wonder y los arreglos orquestales del mencionado George Martin.
"Blow By Blow" se caracteriza por ser uno de los primeros álbumes de Jeff Beck en adentrase por completo en el jazz-fusión y el jazz-rock, alejándose de los sonidos de hard rock y blues de sus primeras entregas.
El álbum al completo reboza de momentos memorables como la funk jazz "You Know What I Mean", la emocionante "She´s A Woman", las jazz rock poderosas "Constipated Duck", "Airblower" y "Scatterbrain", la emblemática "Cause We´ve Ended as Lovers" o la inmortal y todo un clásico de las radios FM norteamericanas "Freeway Jam".

Sea Level-Sea Level (1977)

Sea Level fue una magnifica banda norteamericana que tuvieron bastante repercusión a mediados de la década de los 70.
Formada por algunos ex miembros de The Allman Brothers Band como eran el teclista Chuck Leavell, el baterista Jai Johanny Johanson y el bajista Lamar Williams.
Sin embargo ya antes de abandonar a los mencionados The Allman Brothers, estos tres músicos ya habían formado la banda paralela We Three, con la cual incluso llegaron a telonear a su banda madre durante la gira norteamericana promocionado el album "Win, Lose or Draw", participando cada noche en ambas bandas.
Tras la primera disolución de los Allman acontecida a finales de 1976, los tres músicos mas el guitarrista Jimmy Neals deciden seguir como Sea Level, firmando un contrato con la Capricorn Records, quienes les producen su primer álbum titulado homónimamente "Sea Level" en 1977.
El estilo de esta nueva banda no se alejaba demasiado de lo que hacían con los Allman, con un southern rock con notorias influencias de jazz y funk.
En este primer álbum esta compuesto por una irresistible colección de temas rutilantes como la instrumental jazz-rock "Tidal Wave", la jazzistica "Shake Leg", la brillante "Rain In Spain", la funk “Country Fool”, o las southern rock "Just A Good Feeling", "Nothing Matters But The Fever" y "Grand Larceny".
Después del buen recibimiento por parte del publico y la critica, la banda seguirá publicando una serie de interesantes trabajos como "Cats On The Coast" (1977), “On The Edge" (1978), "Long Walk on a Short Pier" (1979) y "Ball Room" (1980).
Posteriormente Chuck Leavell pasaría a engrosar como músico de sesión y de apoyo en los Rolling Stones, puesto que ocuparía desde 1983 hasta el año 2016, por lo que la banda se disolvería definitivamente a mediados de 1982.

Jefferson Airplane-After Bathing At Baxter´s (1967)

Si un álbum como "Surrealistic Pillow", (el segundo trabajo de Jefferson Airplane), resultaría tan influyente como revolucionario en el mundo del rock, en realidad no dejaba de ser un disco repleto de canciones estándar de rock innovador, en cambio con su siguiente lanzamiento, el grupo californiano cruzaría radicalmente su estilo hacia terrenos mas experimentales y psicodélicos.
“After Bathing at Baxter´s” esta considerado su álbum mas exigente y el mas cercano a los subgéneros psicodélicos y el avant-garde, el cual esta reconocido unánimemente como una de las piezas maestras del proto/early prog rock.
Si en el anterior fue el guitarrista Marty Balin quien asumiera la autoría de gran parte de las composiciones, aquí seria el también guitarrista Paul Kantner, quien tomara mucho mas protagonismo explorando temas mas vanguardistas y menos accesibles.
Su obsesión por temas recurrentes como la ciencia ficción, se deja ver en cortes repletos de momentos disonantes y atonales como “Watch Her Ride” o “Spare Chaynge”, locuras vanguardistas; “Small Package of Value Will Come to You, Shorty” o viajes lisérgicos de folk/psicodélico; “Martha” y “Rejoyce”, mientras la continuista “Two Heads”, nos deja un sabor heredero a la clásica e inmortal “White Rabbit” del mencionado “Surrealistic Pillow”.
Incluso se atreven a mostrar su lado exótico con los sonidos orientales de guitarras tipo raga en la extraña pero brillante mini suite “Won´t You Try/Saturday Afternoon”.

Jethro Tull-Living In The Past (1972)

"Living In The Past", el quinto álbum de Jethro Tull, es un semi-recopilatorio que presenta una gran cantidad de canciones inéditas que no pertenecen a ningún álbum anterior, algunas de ellas publicadas originalmente en las caras B de los singles, además de otras que fueron desechadas para sus discos oficiales, que fue lanzado en 1972 en formato de doble LP.
Este doble álbum contiene una serie de temas que no conocían previamente muchos de los aficionados de la época, pertenecientes al periodo comprendido entre 1968 y 1971, por lo que para la gran mayoría fue visto como un nuevo álbum oficial y no una mera recopilación al uso.
Al tratarse de un disco que contiene obras de diferentes épocas, es sumamente interesante observar la evolución de la banda desde sus comienzos de blues y folk hasta los sonidos hard rock y progresivos que fueron imprimiendo a medida que fueron transcurriendo esos primeros años de la carrera de la banda.
El folk, el blues y las influencias de jazz están presentes en cortes como "Song for Jeffrey", "Love Story", "Bourée", "Driving Song" o "Witch´s Promise", mientras la vena mas experimental la encontramos en "Sweet Dream", "Singing all Day", "Life Is A Long Song", "Dr. Bogenbroom" o la progresiva "Living In The Past".
Por derecho propio "Living in the Past" se ha convertido en un disco imprescindible en la discográfica de Jethro Tull y probablemente uno de sus mejores trabajos, pese a llevar la camuflada etiqueta de recopilatorio.

Queen-Queen II (1974)

No demasiado contentos con su álbum debut algo prometedor, pero sin una clara cohesión ni un estilo definido, Queen regresaron un año después con su segundo trabajo, un soberbio y magistral disco que esta entre los mejores de la década de los 70.
Dividido en dos partes bien diferenciadas, en cierto modo esta concebido como un álbum conceptual, con una cara denominada “Side White”, escrita casi totalmente por Brian May y una segunda, “Side Black” compuesta en su totalidad por Freddie Mercury.
Desde la majestuosa intro “Procession” hasta el canto final que concluye con el asombroso “Seven Seas Of Rhye”, este “Queen II” apenas tiene un solo corte que desmerezca de cualquier otro de toda su amplia y rica discografía.
Las maravillosa melodía del hard rock “Father To Son” y la conmovedora “White Queen (As It Began)", con unos pasajes desgarradores de guitarra, son contrarrestados por la encantadora “Some Day One Day” y la sorprendente “Loser In The End”, esta ultima contribución de Roger Taylor, la cual representa un genero atípico en la dirección general del álbum, y que cierra un primera cara emocionante y de gran belleza.
Con la segunda cara, “Side Black”, Mercury va un paso mas allá, proporcionando algunas de las mejores canciones de Queen, empezando por la metálica “Ogre Battle”, la cual nos deja sin aliento impulsada por sus increíbles voces y los poderosos riffs de guitarra, le sigue la innovadora “The Fairy Feller´s Master-Stroke”, con una estructura compleja y progresiva.
La breve balada “Nevermore”, es rematada por la epopeya “The March Of The Black Queen”, con unas voces armónicas sobresalientes y un gran dinamismo instrumental.
Mientras “Funny How Love Is”, proporciona un alivio entre tanta música apoteósica antes de que la gloriosa “Seven Seas Of Rhye”, culmine uno de los álbumes mas sobresalientes de la historia de la música rock.

Jethro Tull-A (1980)

Concebido por Ian Anderson como un concepto en torno a las turbulencias y tensiones de la sociedad moderna con el objetivo de convertirlo en un álbum en solitario, el solo hecho de terminar lanzado como un álbum de Jethro Tull, condenaría al decimotercer álbum de la banda titulado "A", el ser muy controvertido entre sus fans mas puristas y gran parte de los críticos de la época.
Gran parte de esa controversia viene dado por el fuerte impulso de los sintetizadores cortesía de Eddie Jobson y a los sonidos cercanos al synthpop tan de moda en la década de los ochenta.
Para esta nueva aventura, Anderson había prescindido de gran parte de la formación clásica de Jethro Tull, que a excepción del guitarrista Martin Barre, ya no aparecen los teclistas John Evan y David Palmer, el bajista John Glascock ni el batería Barriemore Barlow, sustituidos por el mencionado Jobson, el percusionista Mark Craney y el bajista Dave Pegg.
Sin embargo pese al tremendo varapalo que obtendría por una parte de sus fans, “A” esta confeccionado a modo experimental con codificadores de voz y una interesante mezcla de electrónica vanguardista, rock, folk e incluso influencias orientales como queda patente en el tema “Uniform”.
La solidez de este álbum esta claramente demostrada en cortes como la rock con tintes funk “Crossfire”, el progresivo electrónico “Fylingdale Flyer” o la mini epopeya “Black Sunday”, sin duda la composición mas lograda y progresiva del álbum.
El resto de cortes bajan considerablemente de calidad, apuntando al patrón habitual de la canción pop-rock, aunque de innegable calidad como la sarcástica “Batteries Not Included”, la exótica “Uniform”, o la infecciosa blues rock “4.W.D. (Low Ratio)".
En definitiva “A” constituye uno de los mejores ejemplos de la evolución de la música progresiva en la década de los ochenta, la cual supuso el fracaso de muchas de las grandes bandas de los 70 que no supieron adaptarse a los nuevos sonidos y los gustos musicales de una nueva era mas tecnológica.

U.K.-Danger Money (1979)

"Danger Money" fue la segunda y última grabación de estudio del grupo británico de rock progresivo U.K. y pese a que no obtuvo las excelencias de su predecesor homónimo, sigue siendo una brillante muestra del rock progresivo de finales de los 70. En ese momento, dos de los pilares de la formación original, el baterista Bill Bruford y el guitarrista Alan Holdsworth, se habían marchado para dedicarse a otros proyectos. Sin duda alguna gran parte de lo mejor de la encarnación inicial se quedó con ellos. Los sabores de fusión que Bruford y Holdworth habían aportado a esa mezcla embriagadora, están ausentes en este segundo trabajo, en donde incluso Holdsworth ni siquiera fue reemplazado, por lo que no hay guitarras en este disco, ni influencias de jazz, mientras que el ex Frank Zappa, Terry Bozzio seria el sustituto de Bruford.
Parte del material que se encuentra aquí es más accesible y menos desafiante que los del excelente primer álbum, como demuestra el entusiasta tema que le da titulo, ocho minutos de poderoso rock progresivo intenso y trepidante.
Como contrapunto a esta aparece la agridulce y melódica “Rendezvous 6:2”, la cual reboza de sonidos crimsonianos. El ritmo frenético regresa con la siguiente “The Only Thing She Needs”, otro largo corte repleto de trucos progresivos.
En "Caesar's Palace Blues", la banda se adentra en los terrenos del hard rock con un emocionante trabajo de violín por parte de Eddie Jobson.
Mientras "Nothing to Lose" ya muestra por donde irán los derroteros en los siguientes trabajos de John Wetton, con un numero adictivo y comercial, pero tremendamente efectivo.
Para finalizar la banda reserva su momento mas progresivo con “Carrying No Cross”, doce minutos de sólidos sonidos sinfónicos y épicos que evocan el espíritu de EL&P.
Apenas cinco meses después se publicaría el epitafio de la banda a modo de álbum en directo; “Night After Night”, y poco después seria el bajista John Wetton quien publicara su primer álbum en solitario, “Caught In The Crossfire”, el cual tuvo una continuación lógica con el debut de su nueva banda Asia, publicado dos años mas tarde.