Bad Company

Esta superbanda surgida de las cenizas de los míticos Free, constituiría una de las más formidables formaciones de hard rock de los años 70, con algunos trabajos que son considerados entre los mejores del género.
Una vez disuelto Free, tanto Paul Rodgers como Simón Kirke, decidieron fundar una nueva en donde dar rienda suelta a sus inquietudes hard rock alejados del rhthym & blues de su banda germinal, por lo que contrataron al ex bajista de King Crimson, Boz Burrell y al guitarrista ex Mott the Hoople, Mick Ralphs, y dieron el nombre de Bad Company a este nuevo proyecto.
Además seria Peter Grant (manager y mano derecha de Led Zeppelin), quien los dirigiera y firmaron un contrato con el sello Swang Song, compañía propiedad de los propios Led Zeppelin.
Así en mayo de 1974 se publicaría el single “Can´t get enough”, que seria el adelanto al primer lp del grupo “Bad Company”, editado un mes mas tarde, y que se convertiría en su mayor éxito, además de una de las canciones mas emblemáticas de la historia del hard rock.
El álbum pese a no tener sorpresas desde el punto de vista técnico y musical, se encarama hasta el primer puesto en las listas americanas y al numero 3 en las listas británicas, debido en parte al sabor indomable de su salvaje hard blues rock, sus pinceladas de heavy metal y unos textos muy simples pero igualmente contundentes.
De este disco sobresalían, además de “Can´t get enough”, la envolvente “Bad Company”, la blues-rock “Rock Steady” o la ritmica “Movin´on”.
Un año después llegaría “Straight Shooter”, álbum que mantenía el mismo esquema que el anterior aprovechando el dicho “si algo funciona, no lo toques”, y en donde sobresalían los temas de rock potente “Good Lovin´Gone Bad”, “Feel like making love” o “Deal with the preacher”.
El disco obtiene grandes ventas a ambos lados del Atlántico y logra colocar al grupo entre los grandes de la época. “Run with the pack” (1976) el siguiente álbum conseguiría un disco de platino, (el tercero consecutivo), permaneciendo en las listas casi un año y aunque seguían manteniendo la misma formula poco a poco iban introduciendo ritmos mas funky y cierta dosis country sobre todo a sus medio tiempos.
Llegados a este punto el grupo había conseguido vender más de 5 millones de álbumes de sus tres primeros trabajos y además arrasaban en sus multitudinarios conciertos en prácticamente todo el mundo.
Sin embargo su álbum “Burnin´Sky” (1977) resulta un paso atrás y no logra el éxito de sus anteriores trabajos.
Con “Desolation Angels” (1979), comenzaba cierto declive debido a la explosión punk y al sonido del nuevo heavy metal y sobre todo por la inclusión de elementos electrónicos como los sintetizadores, en cualquier caso obtiene mejores resultados que el anterior y logra un disco de platino.
Con “Rough Diamonds” (1982) el grupo se sumerge en una profunda crisis, ademas Peter Grant pierde el interés por la banda y los conflictos internos crean un ambiente hostil dentro de su seno.
Un año después el grupo se disuelve; cada miembro se sumerge en proyectos solitarios, colaboraciones o entran a formar parte de nuevos grupos, Kirke pasa a liderar a los Wildlife, Paul Rodgers publica su primer álbum en solitario “Cut Loose”, Boz Burrell entra en la súper formación Nightfly junto a Micky Moody y poco después Jimmy Page llama al propio Rodgers para su nueva formación llamada The Firm.
Unos años después la noticia de que Bad Company volvía a publicar un nuevo álbum dejaría sorprendido al mundo entero, en efecto Kirke, Ralphs y Burrell reflotaban al grupo con un nuevo vocalista Brian Howe, además de ampliar la formación con el teclista Greg Dechert. Ese nuevo álbum se titularía “Fame and Fortune” (1986), trabajo producido por Keith Olsen, que pese a notar la ausencia de la voz de Rodgers el grupo mantendría el status bastante alto gracias a una inteligente dosis de hard rock con muchas connotaciones AOR debido sin duda a la sabia mano de Olsen. Pese a ser un buen álbum no logra el éxito apetecido por lo que el siguiente álbum “Dangerous Age” (1988) prescinden del teclista Dechert y de Olsen y el nuevo productor Terry Thomas será quien se encargue de los teclados y la propia producción.
Este nuevo trabajo obtuvo mejores resultados y una buena aceptación por parte del publico con un disco de oro y varios éxitos como “Shake it Up”, “One Night” o “No Smoke without a fire”.
“Holy Water” (1990) seria un enorme éxito en cuanto a ventas y criticas del público, con un sonido más AOR, los sencillos “If you Needed Somebody” y “Holy Water” auparon al álbum hasta el primer puesto de las listas de éxitos.
“Here comes trouble” (1992), el siguiente disco obtendría un moderado éxito, al que seguiría el directo “What you hear is what you get” (1993)
Con este ultimo álbum vendría el abandono de Howe sustituido por el vocalista Robert Hart con quien grabarían los aceptables “Company of Strangers” (1995) y “Stories Told & Untold” (1996).
Unos años después la formación original publicaba el recopilatorio “The Original Bad Company Anthology” que contenía cuatro nuevas canciones.
Una gira posterior seria la antesala del fin definitivo de la banda original a priori, pero en el 2001 el grupo realizaría una exitosa gira por USA e Inglaterra de la que se extraería el material para un nuevo disco en directo “Merchants of Cool”. Posteriormente el grupo volvería a pasar a la inactividad regresando Rodgers a su carrera en solitario.

Faust

Faust fueron una de las bandas más egocéntricas y subversivas del llamado krautrock alemán, que con una música en muchos de los casos demasiado cruda, agresiva, extremadamente experimental y rematadamente demente, constituyo una de las avanzadillas del movimiento germano y posiblemente una de las más influyentes e importantes del género.
Además Faust eran curiosamente los más cultos de dicho movimiento, bastante politizados y por lo tanto los más cultivados, que estaban al tanto de las vanguardias artísticas: el absurdo, el dadá, la música concreta, el minimalismo, la anarquía, pero también las novedades del rock inglés y norteamericano.
El grupo mostró durante casi toda su carrera un hermetismo sobre sus identidades reales y en las portadas de sus álbumes solo se mencionaba sus nombres artísticos sin dar a conocer cuales eran los diferentes papeles de cada miembro dentro del grupo.
Estos miembros eran Werner Diermaier Hans Joachim Irmler, Arnulf Meifert, Jean-Hervé Péron, Rudolf Sosna y Gunther Wüsthoff.
A principios de 1971 el grupo tuvo su clamoroso debut con el álbum lapidariamente titulado “Faust”.
En este primer álbum en donde solo habían tres temas, el nivel es sobresaliente por la gran creatividad ofrecida, con mucha experimentación y muchas variedades, un trabajo único, lleno de sonidos yuxtapuestos, pausas muy inesperadas, tanto vocal como instrumentalmente, y con dosis de space rock, con sonidos de sintetizador que le da un cierto sonido ambiental. Al igual que otras bandas como Amon Düül II, Faust también saben perfectamente como plasmar lo acústico y lo electrónico al mismo tiempo, dando entrada a inteligentes sonoridades dinámicas pero con fuertes bases rítmicas.
Desde este primer álbum el grupo demostraba ser provocativo por devoción, infringiendo las reglas de cualquier estructura melódica y escogiendo el alucinante camino de un rock basado en ritmos eléctricos irregulares y convulsivos, aprovechándose de la electrónica con el objeto de una pura destrucción sonora.
Ya en 1972 llegaría “So far”, su segundo álbum que no contaba con la participación de Meifert.
En este segundo álbum encontramos al grupo sumergido en una onda sonora muy cercana a los Pink Floyd de esa época, (“Atom Heart Mother”) o a los Velvet Underground con un sentido mas minimalista en algunas fases del disco, pero a la vez igual de hostil y oscuro como el primero.
Con el tiempo este álbum se convertiría en una de las piezas de culto por excelencia, además de ser considerada una de las obras maestras del genero krautrock.
Poco después grabarían un álbum extraño, casi con un estilo Trance, junto al violonchelista norteamericano Tony Conrad titulado “Outside the dream syndicate”.
Posteriormente lograrían un ventajoso contrato con Virgin con quien publicaría el extravagante “The Faust Tapes” (1973) y el convencional “Faust IV” (1974).
Después de este último trabajo el grupo cesa oficialmente, aunque han seguido manteniendo cierta actividad que se ha visto sumergida en un continuo misterio.
Entre esporádicas apariciones en giras y conciertos dispares, el grupo realizo una gira por USA a mediados de los noventa y posteriormente por el Reino Unido, y desde entonces siguen girando ocasionalmente.
En todos estos últimos años se ha publicado diverso material del grupo, tanto composiciones que fueron desechadas para sus álbumes originales así como nuevo material.
Con el paso de todos estos años Faust se convirtió en un verdadero grupo de culto tanto por parte del publico como de los músicos vanguardistas, que les ven como el sinónimo europeo de Frank Zappa.
A mediados de los 80 la compañía discográfica Recommended publicaba la interesante antología “Return of a legend/Munich & Elsewhere”, en donde se recuperaba temas nunca antes publicados.

Slade

Una de las bandas mas curiosas a la vez que de las mas sinceras musicalmente, fueron Slade, dominadores de la escena Glam, que junto a la violencia escénica de Sweet, al glamour de Marc Bolan y al sentido del humor de Gary Glitter, fueron los reyes absolutos de un genero que tuvo su época dorada en la primera mitad de los años 70. 
Ellos a diferencia de todos los anteriores, no contaban con una imagen tan llamativa, no eran la típica representación visual del Glam transgresora, sino mas bien pintoresca, sus pintas de campesinos con pantalones a rayas, con sombreros y tirantes, les daban un look desenfadado y humorístico, su estilo “tranquilo” y rural les llevo a atraer a un publico mas heterogéneo y proletariado, que sin embargo en sus multitudinarios conciertos eran presas de una excitación pocas veces vistas en la escena rock.
Todo empezaría cuando varias bandas locales de Birmingham llamadas Rockin´Phantoms, (liderada por el guitarrista Noddy Holder) y IN´Betweens, en la que estaban el también guitarrista Dave Hill y el batería Don Powell, cruzan sus caminos y terminan con el resultado de una reorganización de esta ultima con la incorporación de Holder y el bajista Jimmy Lea.
IN´Betweens ya habían publicado varios singles de escaso éxito antes de la nueva formación como fueron “Take a Heart”, “Can Your Monkey do the dog”, “Oop Oop I do” y “Little Nightngale” (1965).
Después de una actuación del grupo, el productor norteamericano Kim Fowley se queda fascinado por el talento y potencial de aquellos chicos y les propone producir su siguiente single.
Ese single se publicaría a finales de 1966, “You Better Run”, una versión de un éxito de The Young Rascals, que aunque tuvo una buena aceptación, no lograría entrar en las listas de éxitos.
Poco después y ante el abandono de Fowley el grupo vuelve a sus actuaciones terminando en las Bahamas, en una gira la cual en principio les tomarían varios meses y que solo terminan realizando unas pocas semanas, al quebrar el club que los contrata.
Ante tal contratiempo, el grupo decide buscar ellos mismos unas actuaciones extras para poder conseguir el dinero necesario para regresar a Inglaterra y durante algún tiempo permanecen en las islas, el cual también aprovechan para escuchar canciones y sonidos rock que aún no habían llegado a Europa.
Así el grupo empezaría a incluir en sus repertorios, algunas versiones de Steppenwolf, los Amboy Dukes y Nazz (“Born to be wild”, “Journey to the center of your mind” y “Open my eyes respectivamente”).
Una vez regresaron a su país, firman un contrato con el sello Fontana y cambian el nombre por el de Ambrose Slade y publican su primer álbum titulado “Beginnings” (1969), un trabajo básicamente de versiones de artistas como Frank Zappa, The Beatles o The Moody Blues y las antes mencionadas de Steppenwolf o Amboy Dukes.
Este trabajo deja bastante indiferente al gran publico pero que sin embargo no así a Chas Chandler, el ex -bajista de The Animals que decide promocionarlos acortando su nombre por el de simplemente Slade.
Bajo este epígrafe el grupo publica varios singles mas que resultan transitorios “Wild Wings are blowing”, “Shape of things to come” o “Know who you are” (1970), hasta que a principios del siguiente año, el tema “Get down and get with it”, otra versión, esta vez del cantante Bobby Marchan, entra en las listas de éxitos.
Ese mismo año se publica el álbum “Play it Loud”, un tímido anticipo que seria la antesala de lo que estaba por llegar.
A partir de aquí el rock salvaje y cadencioso de Slade comienza una escalada frenética, a finales de 1971 “Coz I luv you” les lleva hasta el número 1 absoluto, una canción de ritmo enloquecedor y con un sonido de violín que seria la formula en los siguientes éxitos del grupo.
Otro éxito arrollador,” Look wot you dun”, seria la antesala del nuevo álbum “Slade Alive!” (1972) que lograría subir hasta el segundo puesto en las listas de éxitos, estallando así la Slademania por toda Gran Bretaña.
Casi a finales de este mismo año el grupo lanza un nuevo álbum “Slayed?”, que se convierte el numero uno al instante, trabajo este que contenía las memorables “Take me back´ome” o “Mama weer all crazee now”.
Llegados a este punto el grupo había llegado a crear un identidad propia y muy personal con un estilo desenfadado y campechano, que lejos de lo transcendental y con un rock popular y festivo, fueron labrándose una gran reputación por toda Gran Bretaña y gran parte de Europa.
“Sladest” (1973), confirmaría el momento de gloria del grupo con otro numero uno, puesto que también alcanzaría el siguiente Lp “Old New Borrowed and Blue” (1974).
Despues de algunos nuevos éxitos como “Merry Xmas Everybody” o “Far far away”, llegaría “Slade in Flame” (1974), banda sonora que resulta un paso atrás en sus expectativas comerciales y “Nobody´s tools” (1976) trabajo este, con el que intentaron entrar en el mercado norteamericano sin suerte, y así comienza el declive del grupo junto con la decadencia del genero.
“Whatever Happened to Slade?” (1977), seria prácticamente el epitafio del grupo, en un momento en donde el punk lo arrollaba todo con su furia iconoclasta.
A partir de aquí el grupo seguirá manteniéndose en constantes giras y publicando discos esporádicamente, hasta que 1980 son invitados a participar en el festival de Reading, consiguiendo el éxito entre un publico joven que apenas les conocían y que venían predispuestos a escuchar heavy metal, tan de moda en esos momentos.
En lo sucesivo el grupo publicaría numerosos trabajos algunos de ellos incluso entraron en las listas de éxitos, pero por norma general pasaban con mas pena que gloria.
Muchos de los grupos posteriores reconocerían que han sido Slade su principal influencia, entre otros Kiss o Cheap Trick, y otros muchísimos artistas han versionado muchas de sus canciones a lo largo de estas últimas décadas, algunas de ellas obteniendo soberanos éxitos como ocurriría en 1984 con la banda norteamericana Quiet Riot y su versión de "Mama Weer All Crazee Now". 

Slade entre 1971 y 1976 lograron entrar 17 veces en el "Top 20", con seis números uno, tres de ellos entrando directamente en ese puesto, y otros tres y dos éxitos en los puestos segundo y tercero, respectivamente. Vendieron, además, más singles que ningún otro grupo en los años 70. Una presencia semejante en las listas sólo es comparable, de hecho con la de los Beatles y sus 22 canciones entre las 10 más vendidas en una sola década (años 60). Hoy día el grupo es considerado como un precursor del punk británico de la segunda mitad de la década y uno de los grupos más importantes e influyentes del rock británico de todos los tiempos.

Stealers Wheel

Una de las bandas de culto por excelencia dentro del folk rock británico, que con solo tres álbumes se merecieron el respeto y la admiración del público a principios de la década de los años 70 fueron Stealer´s Wheel.
Herederos de la esencia Beatle y las estructuras musicales de Crosby, Stills and Nash, con un preciosista sonido pop y con unas melodías precisas y unas estupendas armonías vocales.
Sin embargo la historia de Stealer´s Wheels, es a la misma vez parte de la historia de su líder, (o uno de sus lideres), Gerry Rafferty, que mucho antes de que fundara el grupo junto a otro de los grandes y mas decisivos compositores británicos como fue Joe Egan, ya había tenido éxito en la banda The Humblebums con la que compartió protagonismo con los músicos Tam Harvey y el posterior actor Billy Connolly.
Con esta germinal banda grabaría los álbumes “Humblebums” (1969) y “Open up the door” (1970), dos trabajos enfocados hacia el folk con suaves melodías y cierta sonoridad orquestada los cuales obtuvieron cierta repercusión en las listas de éxitos.
Una vez disuelto el grupo, Rafferty decidió continuar su propia carrera en solitario y aprovechando el sello con quien había grabado con su anterior grupo decide publicar su primer álbum en solitario “Can I Have my Money Back” (1971), disco en donde mostraba las influencias de The Beatles y su amor por el folk de su Escocia natal, el cual contenía meritorios temas como “New Street Blues”, “Mary Skeffington” o la canción que daba titulo al álbum.
En las sesiones de grabación de este primer álbum ya participaría su amigo de la infancia Joe Egan, poniendo las voces en casi todos los temas, sin embargo ambos ya habían firmado un single de escasa repercusión en 1966.
Finalmente el álbum recibe buenas críticas por parte de la prensa, pero apenas logra el beneplácito del gran publico y se diluye sin apenas hacer ruido. Pero tal fracaso resultaría la antesala de lo que estaba por venir ya que Rafferty y Egan ven un vínculo muy fuerte el cual quieren explotar y deciden fundar juntos una banda a la que bautizan como Stealer´s Wheels.
Durante meses el dúo se recluye para componer y ensayar junto a otros músicos, los cuales terminarían formando parte del grupo como el guitarrista Paul Pilnick, el bajista Tony Williams y el batería Rod Coombes.
Después de firmar por la incipiente compañía A&M records, creada poco antes por Herb Alpert, entran en el estudio y son producidos por los famosos productores norteamericanos Leiber & Stoller.
El resultado es el disco “Stealer´s Wheel” (1973), un excelente trabajo de folk rock con tintes psicodélicos y con un claro acento beatle.
Temas como la Beatle “Stuck in the middle with you”, la hermosa “Late Again” o el art rock “You Put something Better Inside”, conforman un trabajo que es considerado por muchos como una obra maestra del genero.
Esta formidable colección de grandes temas, aúpa al álbum a entrar en las listas, (nº50), e igualmente el tema “Stuck in the middle with you”, resulta un bombazo a ambos lados del Atlántico, y se encarama en las primeras posiciones de los Charts norteamericanos.
Pero poco después de la publicación del álbum, Refferty decide abandonar la banda sin argumentar claramente su decisión y no participa en la gira posterior la cual hace en su lugar Luther Grosvenor que provenía de los Spooky Tooth, igualmente el bajista Delisle Harper haría lo mismo con Williams.
Sin embargo casi a finales de 1973 Refferty retorna al grupo y junto a Egan reforman la formación con nuevos miembros, reclutando a los músicos Chris Mercer saxo, Andrew Steele batería, Bernie Holland guitarra y al harmonicista Chris Neill.
Con esta nueva formación el grupo volvería a entrar en los estudios para grabar su segundo álbum “Ferguslie Park” (1973), otro excelente trabajo que contenía entre otras grandes canciones la conocida “Everything will turn out fine”.
En “Right or Wrong” (1975), su siguiente álbum, el grupo ya se había reducido a el dúo Refferty-Egan y aunque resulta un trabajo con una alta calidad compositiva, temas clásicos de folk and pop y atemporales, comercialmente su aportación resultaría completamente nula.
Poco después Raffery y Egan comienzan a estar en desacuerdo en el rumbo a seguir, que junto a la falta de éxito empeora su relación y deciden dar por terminada la historia del grupo y reanudar uno y comenzar el otro sus propias carreras en solitario.
Rafferty por su parte se vería obligado a un retiro forzoso ya que por problemas contractuales con su antigua compañía no puede grabar durante ese periodo, hasta que en 1977 logra un contrato con United Artists y publica su segundo álbum “City to City”.
Este disco significaría un best seller de la musica, un trabajo lleno de folk rock con reminiscencias Dylanianas y ecos Beatles, y que contenía el hit “Baker Street” que marcaría la carrera posterior de Rafferty. Con un inconfundible sólo de saxo (compuesto por él mismo e interpretado por Raphael Ravenscroft), una canción que inspirada en una calle londinense, se convirtió en una marca registrada en la carrera del autor, además, en el disco se encontraban otros memorables momentos como la fantástica “Right Down the Line” o las meritorias “Island” o “Stealin Time”.
El disco consigue varios momentos históricos, por un lado llegar hasta el numero uno en las listas norteamericanas, colocar al unísono el tema Baker Street en los primeros puestos en medio mundo y ser el álbum en desbancar la banda sonora “Saturday Night fever”, después de muchos meses de estar en lo mas alto de los charts.
Joe Egan por su parte publicaría los álbumes “Out of Nowhere” (1979) y “Map” (1981) ambos injustamente infravalorados por la crítica antes de perderse en el olvido más absoluto.
Un año después de “City to City”, Rafferty volvería a repetir otro masivo éxito con un nuevo álbum “Night Owl” (1979), en donde volvía a repetir la formula del anterior disco con una amalgama colección de piezas de soft rock de las que sobresalían las estupendas “Get it right next time” o “Days Gone Down”.
Con “Snakes and Ladders” (1980) completaría una trilogía de álbumes todos ellos de una grandísima calidad y muy afortunados comercialmente, pero que igualmente suponen el principio del fin de Gerry Refferty, que seguiría publicando trabajos asiduamente como “Sleepwalking” (1982), “North and South” (1988), “On a Wing and a Prayer” (1992), “Over my Head” (1994) o “Another World” (2000), que serán ignorados en parte debidos a su negativa a realizar giras y conciertos de presentación de los álbumes mencionados, así como por su constantes desordenes personales causados por su excesivo consumo de alcohol que paulatinamente minarían su salud.
En 1988 Mark Knopfler le invitaría a colaborar en su álbum “Local Hero”, además de colaborar asiduamente con Richard Thompson y los Fairport Convention en algunos de sus trabajos como productor.
Llegado el nuevo siglo, Rafferty se volvería a reunir con su viejo amigo Joe Egan para regrabar viejos éxitos, volvería a colaborar con el ex lider de Dire Straits, o publicaba canciones las cuales promocionaba en su web o produciría el debut del grupo The Proclaimers.
Sumergido cada vez más en el mundo del alcohol y después de pasar varias veces ingresado en los hospitales, Rafferty fallecería el 4 de enero del 2011 cuando se encontraba trabajando en una nueva colección de canciones que dejo terminadas y que pronto aparecerían de manera póstuma.

The Groundhogs

Esta banda desconocida por el gran público, llego a rivalizar con las formaciones mas punteras del blues rock de finales de los años 60 y principios de los 70 como fueron Ten Years After, Cream, los Bluesbreakers de John Mayall o los germinales Fleetwood Mac, aunque también es cierto que sin el éxito ni el impacto mediático de todas ellas.
Formados originalmente en 1963 en Londres por el guitarrista Tony McPhee, que formó el grupo, tomando el nombre de un tema del legendario bluesman John Lee Hooker. Tal fue ese hecho que incluso la banda llego brevemente a llamarse John Lee’s Groundhogs. De esta manera incluso llegaron a telonear al propio John Lee Hooker en algunos de sus conciertos en las Islas británicas por aquella época.
The Groundhogs no llegarían nunca a ser considerados uno de los grupos mas fundamentales del llamado blues británico ni tampoco llamaron la atención por su creatividad, pero en cambio si fueron muy bien considerados dentro del circuito de blues rock de la época con algunos memorables trabajos que aún hoy en día son muy apreciados.
Con un estilo en donde la improvisación era uno de sus signos de identidad con grandes dosis de riffs básicos pero muy bien ejecutados, esta banda nunca llegarían a dar el salto a los Estados Unidos, como las mencionadas anteriormente, pero sí lograrían algunos de los mejores momentos de la historia del British blues.
Quizás la falta de una mejor presencia vocal y sus complicadas y en algunos casos sofisticadas y comprometedoras letras, mermarían su posible impacto en aquellos años. Por otro lado, en ocasiones lograron desviar la forma del blues por caminos insospechados, gracias a la fuerza creativa de su líder, T.S. McPhee.
Sin embargo The Groundhogs fueron muy populares en Gran Bretaña, estableciendo tres de sus álbumes en el Top Ten de principios de la década de los 70.
La primera formación además de McPhee, la conformaban John Cruikshank a la voces, Tom Parker pianista, el batería David Boorman y el bajista Pete Cruikshank, hermano del mencionado vocalista.
Con este plantel lograrían grabar el tema “Shake It” a principios de 1965 bajo el sello local Interphon, que pasa totalmente desapercibido.
Ya a mediados de 1966 y gracias al pequeño sello Planet, se publica bajo la denominación John Lee´s Groundhogs el single “I´ll Never Fall in Love again”, que apenas tiene repercusión y que contaba con la participación del propio John Lee Hooker y Terry Slade.
Después de este fracaso el grupo se disuelve y el propio McPhee crea el grupo Herbal Mixture, una banda, que evolucionaba hacia terrenos mas psicodélicos en detrimento del blues, bien refrendado en el single “Someone to love me” (1966). Después de este experimento, McPhee paso a pertenecer a The John Dummer Blues Band, hasta que a finales de 1967 reactiva nuevamente a The Groundhogs, reclutando al vocalista Steve Rye y al bateria Ken Pustelnik, siendo Pete Cruikshank el único de la formación original que McPhee mantuvo en esta nueva singladura.
Con esta nueva formación se publicaría el directo “Scratching The Surface” (1968), un buen trabajo que contenía meritorios temas como la folkie “Rockin´ Chair”, o la rítmica “Waking Blues”, un año después le seguiría el álbum “Blues Obituary” (1969), este ultimo con el grupo convertido en un trío, debido a la marcha de Rye.
En este último álbum, McPhee ya comenzaba a mostrar su cara mas sarcástica, confeccionando una portada casi de humor negro, en donde se observaban a los integrantes del grupo en una ceremonia fúnebre, metiendo el ataúd en el cual se encuentra “el cuerpo” de la guitarra en un coche funerario. Un guiño sin duda en plan humorístico, para plasmar el ocaso del Blues Británico, que iba perdiendo terreno ante los nuevos estilos musicales como el heavy rock o los sonidos vanguardistas que venían pisando fuerte en esa época.
Llegados a este punto el grupo logra consolidarse entre las bandas punteras y hay quienes les llegan a comparar con Cream, en pleno auge en aquellos momentos, pero aunque compartían varias similitudes, ambas eran un trío, en ambas su líderes eran grandes guitarristas muy técnicos e incluso el propio McPhee llegaba a tener cierto parecido vocal a Jack Bruce, pero sus composiciones eran totalmente opuestas y muy diferenciadas, mientras Cream creaban grandes temas de potente y vigoroso blues rock abierto al gran publico, The Groundhogs mostraba unas composiciones un tanto oscuras e irónicas y demasiado encriptadas para entender lo que realmente querían expresar, lo que mermaría su accesibilidad hacia el gran publico.

Una muestra de ese sarcasmo que tenía McPhee lo deja en claro con su tercer álbum titulado “Thank Christ For The Bomb” (1970), un título que expresaba con gran ironía, una parte negra de la historia de la humanidad.
Este álbum mostraba una enorme crudeza, pereciendo un disco temático antimilitarista, con largos temas improvisados sobre estructuras sencillas y a la vez muy duras, sobresaliendo temas como el hard rock “Darkness is no Friend”, la enigmática “Status People” o el crudo blues rock de “Strange Town”.
Pero pese a lo inaccesible de su contenido, el álbum logra colarse en las listas, logrando llegar hasta la novena posición en los Charts Británicos.
“Split” (1971), seria el siguiente eslabón del grupo, un trabajo que aunque menos sofisticado que el anterior, seguía conteniendo un mensaje turbio y tosco, con claras alusiones al orden establecido y que suponía otro complicado guion, el cual era difícil descifrar.
En esta ocasión el disco se parecía mas a un álbum concepto que a un álbum convencional en si, el cual narraba los efectos producidos en la mente del ser humano después de haber consumido diversas drogas, dividido en cuatro largas partes, McPhee experimentaba sonidos muy cercanos al hard rock con toques lisérgicos y psicodélicos con una amalgama de sonidos y efectos muy variados e interesantes.
Para muchos el grupo consigue con este álbum llegar a su cota más alta, considerándolo como una obra maestra, mostrando el grupo todo su talento y creatividad.
La crítica y el público recibirían con entusiasmo este nuevo trabajo, logrando superar al anterior hasta llegar al quinto puesto de las listas de éxitos británicas, manteniéndose durante meses en esa posición.
Tal éxito, les catapulta hasta el punto de que son los elegidos para telonear a los mismísimos Rolling Stones en la gira Europea de 1971.
Un año después aparecería “Who Will Save The World? The Mighty Goundhogs”, un álbum con claros alejamientos de la esencia blues de los anteriores trabajos y con elementos muy cercanos al rock sinfónico con la introducción del mellotron y las típicas estructuras progresivas predominantes en muchos grupos británicos de principios de los 70.
“Hogwash” (1972), continuaría una senda muy parecida al anterior disco y seria igualmente un trabajo de punto y aparte por parte de la banda, que se toma un largo respiro de varios años, los cuales aprovecha McPhee para publicar su disco en solitario “The Two Sides of Tony McPhee” (1973)
A partir de aquí McPhee manejaría a su antojo al grupo disolviéndolo y reactivándolo continuamente y publicando trabajos de forma asidua, la gran mayoría de menor calidad, destacando algunos muy meritorios como “Solid” (1974), “Crosscut Saw” (1976) o “Black Diamond” (1976), alternandolos con los mediocres “Razor´s edge” (1985), “Back Against The Wall” (1987), “Hogs on the Road” (1988), “No Surrender” (1989) o “Foolish Pride” (1993), además de media docena de álbumes en solitario.
Hoy en día el grupo sigue en activo ofreciendo conciertos y giras esporádicamente por Gran Bretaña y Europa además de ser uno de los grupos más asiduos de festivales de rock y blues del viejo continente.
En definitiva una de las bandas mas olvidadas que actualmente goza de una segunda juventud, pero que durante algunos años fue bastante infravalorada y olvidada a pesar de su efímera fama que obtuvo a finales de los sesenta y principios de los 70 y que fueron sin duda uno de los grandes alicientes que dieron vida al British blues y al blues rock en su época dorada.

The Lovin´Spoonful

Lovin´Spoonful fueron uno de los grupos mas decisivos de la música norteamericana cuando esta prácticamente aún no tenia un gran impacto en el mercado del pop mundial.

Tan solo les bastaron dos años de plena actividad para convertirse en una leyenda de la historia de la música moderna, dos años justos y precisos para que un grupo tan innovador sentara cátedra y que pasara a ser parte fundamental de la fuerza inicial que esa misma música americana influiría notablemente en adelante en cientos de bandas y artistas alrededor del mundo.
Sus cuatro miembros eran originarios del Greenwich Village neoyorquino, iniciando sus actividades en locales de la zona con bastantes incidentes ya que serian expulsados de algunos de ellos por la extraña y compleja música que realizaban.
Esos cuatro miembros eran buenos músicos, pero sobre todo su líder el guitarrista John B. Sebastian, guitarra rítmica y sin duda uno de los mas grandes compositores que haya dado los Estados Unidos jamás, el resto eran el guitarra solista Zal Yanovsky, Steven Boone como bajista y Joe Butler como batería.
Poco a poco su fama de extraños, les supone un pesado lastre que apenas superan y deciden mudarse hacia otros horizontes, donde los nuevos movimientos musicales están empezando a despuntar. Ese lugar seria la costa oeste, durante el largo camino y en su propia furgoneta, el grupo va puliendo y experimentando los sonidos de allí por donde pasan, así fusionan su música con el folk, el country y el blues.
Toda esta amalgama de estilos es precisamente lo que ya existía en California, y que será apreciada, aceptando al grupo, un grupo que para muchos resultaba verdaderamente insólito y revolucionario, sobre todo emigrando de un lugar como el Este, el paraíso del sonido británico de The Beatles y sus estructuras sonoras.
Ya desde meses antes el grupo presentaba como su principal himno el tema “Do you believe in magic”, que era repudiado hasta la saciedad en su New York natal, pero en California pronto se convierte en un hit, estamos a finales de 1965, y el grupo consigue otro impacto con el tema “You didn´t have to be so nice”.
Ambos temas se encaraman hasta las primeras posiciones de las listas de éxitos y el sello independiente Kama Sutra, el cual apuesta por el grupo, les financia su primer larga duración que se edita a principios de 1966 con el titulo de su primer single “Do you believe in magic”, que obtiene una gran acogida tanto por la prensa como por el publico.
Pero seria poco después de la publicación del álbum cuando el grupo se inventa uno de los temas fundamentales de la música pop; “Daydream”, que alcanzo lo mas alto a ambos lados del Atlántico, con una ventas que superaban con creces el millón de copias vendidas en apenas unas semanas.
Un mes después se publicaría el álbum “Daydream”, que igualmente cosecharía un notable éxito, pero insólitamente varios meses después el grupo publicaba otro de sus grandes temas, “Summer in the city”, que alcanzaría de inmediato el numero uno en las listas americanas.
En esos momentos todo el mundo se preguntaba, pero como estos chicos tienen tanta facilidad de componer hits en apenas unos meses?, la respuesta era el talento innato de su líder John B.Sebastian, que casi todo lo que componía se convertía de la noche a la mañana en un éxito sin precedentes.
El periodo de finales de 1966 y 1967 seria el año de la glorificación del grupo y con ellos la cúspide de su fama, y a partir de aquí su carrera empieza a ser diferente, participan en la composición de bandas sonoras, “What´s up, tiger Lily” (1966) y “You´re a big Now” (1967), realizan buenos álbumes “Hums of the Lovin´spoonful” (1966), “The Best of Vol.1” (1966) y componen buenos temas “Rain on the roof” o “Nashville Cats”, pero la energía inicial pierde un poco de fuerza y con ella la primera deserción, Zal Yanovsky abandona el grupo para seguir una carrera en solitario que pasaría con mas pena que gloria.
Su sustituto recaería en el ex guitarrista de los Modern Folk Quartet; Jerry Yester que no aportaría nada nuevo a la banda.
Posteriormente se publicarían los aceptables pero menospreciados álbumes “Everything Playing” (1968) y el epitafio “Revelation: revolution´69” (1969)
Finalmente el grupo terminaría por desmembrarse definitivamente a principios de la década de los 70.
Poco antes y observando el descalabro de la banda se publicaba el recopilatorio “The Best of Vol.2”.
Pero con el fin de Lovin´Spoonful llegaría el nacimiento de un grandísimo folk Singer como seria John B.Sebastian, un genio vital que poco después relanzaba su carrera en una línea bien diferenciada de su ex banda.
Su estreno seria nada más y nada menos que el festival de Woodstock, donde seria recibido como un héroe, convirtiéndose en un símbolo de los principios fundamentales del pop americano.
Pero su historia es tan apasionante que merece su propio capitulo…

Chase

Considerados uno de los grupos mas innovadores pero a la vez mas olvidados, Chase se presentaron al mundo como una propuesta a medio camino entre el jazz de Blood Sweat & Tears y el rock de Chicago con un parecido escénico y musical patente, numerosos componentes y una sección de viento muy acuciada.
Formada por una idea inicial de Bill Chase que después de muchos años de haber colaborado con otros tantos artistas, decidió plasmar sus propias ideas las cuales fusionaría con las influencias de en las que había participado (Maynard Ferguson, Stan Kenton Orchestra o los Thundering Herd junto a Woody Herman, con los que grabaría una veintena de álbumes).
La primera formación de Chase la comprendían el propio Bill Chase que junto a Alan Ware, Ted Piecerfield y Jerry Van Blair conformaban la sección de viento, mientras John Palmer (guitarra), Phil Porter (teclados), Dennis Johnson (bajo), Jay Burrid (batería) y Terry Richards (vocalista) cerraban el grupo con una potente sección puramente rock.
El tema “Get it on” (1970), les catapulta y logra un enorme impacto entre la critica especializada y el publico, ansiosos por descubrir nuevos sonidos un poco cansados de la psicodelia y el flower power de aquellos años. Con este primer tema el grupo ya empezaba a mostrar un estilo contundente con la fuerza de su sección de viento, a la que Chase hacía trabajar en tesituras agudas y comenzando desde un fortísimo sonido, para ya no bajar de ahí en todo el tema. Este single se mantendría durante semanas en los primeros puestos de las listas americanas.
Observando el tremendo éxito obtenido, la Epic Records se decide producirles su primer álbum, “Chase” (1971), el cual al igual que el single de adelanto, tendría una aceptación abrumadora. En este primer álbum el grupo mostraba una cara musculosa con unas estructuras jazzisticas llenas de vitalidad bien diferenciadas en los seis temas que componían el álbum, con una mini sinfonía final de un cuarto de hora sublime, “Invitation to a river”.
Ese mismo año el grupo seria denominado como segundo mejor grupo rock del año, curiosamente tras Frank Zappa, y obtendrían las mejores calificaciones en revistas como Down Beat, una de la más importante sobre jazz de Estados Unidos, además de diferentes premios como al mejor músico, que recaería en Bill Chase, que fue nombrado mejor trompetista y al mejor álbum de jazz-rock del año.
Posteriormente el grupo se embarcaría en una monumental gira mundial.
Después de esta extenuante gira el grupo tuvo sus primeros cambios así, Burrid, Richards y Palmer son sustituidos por Gary Smith, G.Shinn y Angel South respectivamente.
Con esta nueva formación el grupo publica el trabajo “Ennea” (1972), un trabajo que mostraba a una banda mucho mas confiada en sus habilidades técnicas con momentos de improvisación y múltiples capas de sonidos de trompeta que aun hoy en día suenan muy frescas y en donde Chase volvía a hacer un guiño a las suites con el tema “Ennea” que ocupaba toda la cara b del álbum.
Pero pese a todo, la crítica desprecia totalmente al álbum, y aunque algunos de sus temas entraron en las listas como “Swanee River” o “Zeus”, definitivamente la magia inicial del primer álbum se había perdido y el jazz-rock de gran banda comenzaba a quedar desfasado en los gustos del público, acostumbrado a experimentar nuevos sonidos y estilos prácticamente cada año.
Después de este enorme varapalo, Chase despide totalmente a sus miembros originales, los cuales sustituye por Jim Peterik como vocalista, al batería Tim Gordon, John Emma guitarrista, Wally Yohna a los teclados, Dartanyan Brown como bajista y Jim Oatts,  y por ultimo Joe Morrisey y Jay Sollenberger como sección de vientos acompañando al propio Chase.
Con la nueva formación, se publica el álbum “Pure Music” (1973), trabajo que, sorprendentemente, vuelve a tener el beneplácito de la crítica y les catapulta a estar entre los grandes grupos de la época, y consecuentemente a llenar estadios en constantes giras.
Pero la desgracia se cebaría con el grupo el 9 de agosto de 1974, en medio de una gira, durante una fuerte tormenta, el avión que los traslada se estrella provocando la muerte del propio Bill y tres de los miembros de su nueva banda: el guitarrista, John Emma; el teclista, Wally Yohn y el bajista, Walter Clark, además de los dos pilotos.
La muerte de Bill Chase seria también, el fin definitivo de la banda.
Unos años después de su muerte, se editó un álbum-homenaje, “Watch closely now” (1977), con la participación de todos los miembros de la formación original y los supervivientes al accidente, tomando el trompetista Walt Johnson el papel del propio Chase.

Crow

Esta desconocida banda para el gran publico, surgiría hacia finales del 67 producto de la unión de dos bandas locales de la zona de Minneapolis, por un lado The Raveons y por otro The Jockers Wild, para en un principio denominarse South 40.
Con esta denominación el grupo publicaría el álbum en directo “Live at Some Place Else” (1968).
Crow tuvo su punto más álgido a finales de la década colocando todos sus temas en el top 100 norteamericano.
Con un estilo de blues rock con cierta dosis de agresividad, el grupo mantuvo durante algunos años una gran reputación de prestigio mundial gracias a temas como “Slow down”, “Cottage cheese”, “Evil woman”, que posteriormente popularizarían Black Sabbath, o “King of rock & roll”.
El grupo lo formarían Dave Middlemist, guitarrista y teclados, Dave Wagner, voz, Larry Wiegan bajo, Dick Wiégan guitarra, (hermano del anterior) y Danny Craswell batería.
Después de fichar con la Columbia se publica su primer álbum “Crow Music” (1969), al que seguirán “Crow by Crow” (1970) y “Mosaic” (1971).
Pero poco después de este ultimo trabajo Dave Wagner abandona la banda para seguir en solitario, publicando un año después el álbum “d/b/a Crow” (1972).
Su puesto seria ocupado por el cantante Mick Stanhope que no lograría la estabilidad necesaria para el grupo ya que poco después se disolverían con un legado de solo tres álbumes interesantes.
Ese mismo año se publicaría el recopilatorio “Best of Crow”.
Pero a principios de la década de los 80, el propio David Wagner reflotaría al grupo con una nueva formación la cual grabaría el álbum “Crow on the Run” (1982) y se mantendrían con apariciones esporádicas hasta incluso hoy en día, ofreciendo conciertos por prácticamente toda Norteamérica.
Durante todo este tiempo el grupo a publicado numerosos trabajos, la gran mayoría para el mercado local, de los que sobresale el publicado en el 2005 “Before the Storm”.
Igualmente el grupo ha recibido varios premios y menciones estos últimos años al reconocimiento de su carrera entre los que destaca las inclusiones en los Hall of Fame de Minnesota y de Iowa.

The Guess Who

Guess Who fueron sin duda la primera gran banda canadiense por excelencia en el periodo vanguardista que supuso el tramo final de la década de los sesenta.
Seria sin embargo una desastrosa gira emprendida por el grupo a mediados de 1967 por los Estados Unidos, el máximo determinante de su posterior éxito varios años después.
Sus orígenes en la ciudad canadiense de Winnipeg, se remontan a principios de esa misma década cuando de las cenizas de varios grupos llamados Al and The Silverstones y Chad Allen and The Expressions surgiría The Guess Who?, nombre que denominarían a la nueva banda hacia mediados de los sesenta.
La primera formación la comprenderían Chad Allen, vocalista y guitarra, Bob Ashley, piano, Randy Bachman, guitarrista, Jim Kale, bajo y Gary Peterson a la batería.
Con esta formación el grupo grabaría el single “Shakin´all over”, (un cover del grupo Johnny Kid and the Pirates), tema que pasaría con mas pena que gloria en los Estados Unidos, aunque si alcanzaría un éxito rotundo en su país natal. Poco después, discrepancias entre los miembros del grupo precipitaría la salida de Ashley siendo sustituido por el teclista Burton Cummings.
Con una serie de singles, algunos de ellos incluso llegaron a entrar en las listas norteamericanas, “His Gir”l, ”She´s all  mine” (1966), “This Time Lon Ago” (1967) o “Miss Felicity Grey” (1967), el grupo consigue una buena reputacion hasta que a finales de 1968 consiguen un contrato con la RCA, quien les financia su primer álbum titulado “Wheatfield soul” (1969), trabajo que se encarama hasta el puesto numero 46 en el ranking americano, consiguiendo unas muy buenas ventas y buena critica por parte de la prensa especializada.
Por esta época ya Cummings era el vocalista principal de la banda en detrimento de Allen que había abandonado la formación justo después del tema “His Girl”.
En este primer álbum el grupo se decantaba por los sonidos duros y crudos experimentando hacia  terrenos del jazz y el blues con un estilo que en parte recordaban a The Doors.
Además contenía momentos memorables como la bella “These Eyes” o las excelentes “Maple Fudge” o “Pink wine sparkles in the glass”.
Casi a finales de ese mismo año se publica “Canned Wheat Packed by the Guess Who”, que contenía varios temas muy meritorios como “Laughing” o “Undun”.
Pero seria su tercer álbum el que les llevaría al estrellato mas absoluto; “American Woman” (1970), el cual contenía la canción del mismo titulo que consigue colocarse en el numero uno a ambos lados del Atlántico y que encumbra al grupo para la posteridad.
El álbum, sin embargo, no llega a alcanzar el nivel de sus predecesores, pero nadie parecía tenerlo en cuenta dada la absoluta brillantez del tema principal, y como suele suceder, los estadounidenses adoptaron la canción a pesar de que consistía en un tremendo misil contra su forma de vida, personificada en la típica "mujer americana".
El disco contaba con temas que lejos de la brillantez de su hit “American Woman”, suponían un paso hacia adelante en su carrera, “No Sugar Tonight/New Mother Nature” o “Time”.
Pero como casi siempre suele suceder en estos casos, el éxito absoluto conlleva a disputas y deserciones en post de nuevas aventuras y así debió pensar Randy Bachman, que decide dejar la formación para convertirse a la religión mormona en un principio y tiempo después emprender una nueva carrera lejos de sus compañeros de viaje formando la exitosa banda Bachman-Turner-Overdrive.
Su lugar lo ocuparían dos nuevos guitarristas, los canadienses Kurt Winter y Greg Leskiw, ambos provenientes de la ciudad origen del grupo, Winnipeg y que habían pertenecido a las bandas Brother y Wild Race respectivamente.
Con esta nueva formación el grupo publicaría el álbum “Share The Land” (1970), con un enfoque mas hard rock que se ve reflejado en unas buenas ventas logrando encaramarse hasta los primeros puestos de las lista americanas.
Pero la inestabilidad del grupo se ve reflejada en la continua entrada y salida de miembros y poco a poco se van editando álbumes que marcan un lento pero inexorable declinar del grupo, trabajos menores (aunque no exentos de calidad) como “So Long Bannatyne” (1971), “Rockin´”(1972), “Live at the Paramount” (1972), “Artificial paradise” (1973) “#10” (1973), “Road Food” (1974) “Flavours· (1975) y finalmente “Power in the Music” (1975).
Llegados a este punto el grupo desaparece definitivamente hasta varios años después cuando uno de los fundadores Chad Allen reflota al grupo con nuevos miembros y publica los varios álbumes de escasa repercusión “All This A Song” (1979) y el directo “Together Again” (1984).
En los años sucesivos se fueron publicando diversos recopilatorios todos ellos remakes del exitoso “The Best of The Guess Who” publicado en 1971. Actualmente y como viene siendo norma habitual entre muchos grupos de los años 60 y 70, existen dos versiones del grupo, por un lado The Guess Who liderado por el bajista Jim Kale y por otro Bachman-Cummings, sin duda los dos miembros mas significativos de la banda, que incluso han publicado un álbum titulado “Jukebox”.

Gentle Giant-Three Friends (1972)

"Three Friends" supuso el primero de los dos álbumes que Gentle Giant publico en 1972, (el segundo seria "Octopus", lanzado ocho meses después de este). En esta nueva entrega, el tercero cronológicamente de la banda británica y el primero en ser comercializado en los Estados Unidos, crearon un álbum conceptual sobre las angustias y amarguras de tres amigos de la infancia. A diferencia del experimental y oscuro álbum anterior ("Acquiring the Taste" de  1971), aquí expresan su lado mas rock, dejando de lado los sonidos medievales y complejos, mostrando unas guitarras distorsionadas y agresivas y un órgano Hammond poderoso en muchos de los momentos de esta obra. El cautivador inicio con la pegadiza "Prologue", muestra esa faceta enérgica, aunque dominada por unos teclados que están bien secundados por unas excelentes líneas de bajo. La estelar "Working All Day" por el contrario tiene el impulso del saxofón del deslumbrante Philip Shulman, el cual interactúa brillantemente con los teclados espaciales de Kerry Minnear. Por otro lado la melancólica "Peel the Paint", (aquí es el violín de Ray Shulman quien toma el protagonismo), nos transporta por deliciosos pasajes musicales con ciertas dosis de locura. Esta ultima contrasta radicalmente con la rítmica y cercana al hard rock "Three Friends", con la hermosa de patrones vocales complejos y gran percusión "Schooldays" y con la densa disonante "Mister Class and Quality". A partir de aquí Gentle Giant se especializaron en confeccionar obras que giraban alrededor de un concepto, como sucedería con "In A Glass House" (1973), "The Power and The Glory" (1974) o "Interview" (1976).

Nazareth-Exercises (1972)

El segundo álbum de Nazareth es una rara avis dentro de su amplísima discografía, un disco que se alejaba de su interesante propuesta inicial de hard rock reflejada en su debut "Nazareth" de 1971. Sin embargo ese primer álbum pecaba de poca cohesión estilística, un dato que por otro lado era lógico y normal en una banda novel. Este segundo álbum de titulo "Exercises" apareció a mediados de 1972 y en el la banda compuesta por Dan McCafferty (voz), Pete Agnew (bajo), Manny Charlton (guitarra) y Darrell Sweet (batería), dan un cambio de tuerca y se enfocan en los sonidos acústicos y orquestados con una lírica oscura y acida. Ya desde el inicio la banda muestra esa tendencia con la sinfonica "I Will Not Be Led", con una clara y obsesiva alusión a la manipulación de las sectas religiosas. Repitiendo un esquema parecido se encuentran "Sad Song" y "1692 (Glen Coe Massacre)”, en las cuales igualmente muestra esas instrumentaciones orquestadas pero en un tono mas melancólico la primera y dramática la segunda. Por otro lado los sonidos pausados y acústicos llegan con las folk "Cat´s Eye, Apple Pie", "In My time", "Fool About You" y "Madelaine", mientras que la bluesy "Woke Up This Morning" y la dinámica soft rock “Called Her Name” son los momentos mas enérgicos de todo el álbum. Este radical cambio musical llevaría al desconcierto y el rechazo de una gran parte de sus fans, motivo por el cual con los siguientes lanzamientos la banda endurecería poderosamente su estilo orientándose al hard rock clásico.

Folk

El evento más significativo en la escena musical norteamericana a principios de los 60, fue sin duda el resurgimiento del folk. Iniciado en 1958 por el componente de los Kingstone Trio, Tom Dooley y celebrado públicamente en 1959 en el primer Newport Folk Festival. Un resurgimiento que introdujo el sentir que el propósito de la música era algo más que un puro entretenimiento.
En los siguientes años, este movimiento se expandiría dramáticamente. Artistas como Joan Baez, que transformó la música folk en una forma austera, bien refrendado en su album “Joan Baez 2” (1961), o Bob Gibson que seria uno de los primeros cantantes de folk en renovar el arte de la música folk. Su mejor álbum, “The Gate Of Horn At” (1961), fue una presentación en vivo junto a Bob Camp, y se anticipo al estilo íntimo del folk-rock en casi una década, otros como Ian Tyson o Sylvia Fricker fueron quizás más sentimentales, adelantándose al folk-rock con álbumes como “Four Strong Winds” (1963) y “You Were On My Mind” (1964), el cual incluía el hit “the We Five”. A partir de aquí la música folk evolucionaría rápidamente en algo más profundo y más complejo, cómo se demostró con los álbumes conceptos de Lee Hazlewood, “Trouble Is A Lonesome Town” (1963) y “The N.S.V.I.P.'s” (1965), que consistían en historias solitarias de inadaptados y perdedores. Pero fueron Woody Guthrie y Pete Seeger quienes habían inventado la simbiosis entre los cantantes de folk y la izquierda política y fue sin duda sus influencias la que provocaría que durante algunos años (entre abril de 1962 y finales de 1965), que ese invento se convertiría en la principal regla para los cantantes de folk en todo el país. Y esos mismos cantantes de folk se convirtieron en la voz de tanto el movimiento de derechos humanos como el movimiento de paz. Se esperaba que una canción fuera una concentración política en miniatura, su título un eslogan político, sus letras un discurso político. El epicentro de éste fenómeno fue la Greenwich Village en Nueva York. Y seria 1962 el año en el cual un joven músico llamado Bob Dylan publicaba “Blowing in the wind”. El así llamado "movimiento Greenwich" ayudó a los cantantes de folk a transformarse en cantautores: unos artistas que políticamente conscientes estaban escribiendo sus propias letras y música, y estaban poniendo mas énfasis en las historias, y no tanto en la melodías. Músicos como Bob Dylan, Joan Baez o Phil Ochs, o con canciones protesta como fueron “Ain't Marching Anymore” (1965) y “The Ringing For Revolution” (1966), de Tom Paxton, y extraídas de su primer álbum “Ramblin' Boy” (1965) que recordaba al estilo de Woody Guthrie, o Buffy Saint-Marie, con el himno pacifista “Universal Soldier” (1964), donde marchaban y se planteaban junto con miles estudiantes en grandes manifestaciones protesta y que ellos enfocaban en sus canciones. Honestos a sus ideales pero pacifistas, no abogaban por la resistencia violenta. Sus canciones eran rebeldes en una forma melancólica y desolada. El Movimiento Greenwich fue también importante porque les dio a los jóvenes una "voz", y esa voz fue musical. La música se convirtió en el vehículo para los jóvenes para ventilar sus inquietudes políticas. Era un tipo de música diferente, y en un tipo de frustración diferente, pero las similitudes con el rock 'n' roll eran obvias. Era sólo cuestión de tiempo que la música mas desenfrenada y oída (rock 'n' roll) y la mas obrera (y en parte intelectual) y la minoritaria (canción de protesta) encontraran puntos en común y se unieran. La lógica era que la música hecha por los cantantes de protesta no fuera innovadora, pero curiosamente otros músicos de folk se enfocaron en eso: la innovación. La mayoría de ellos vinieron de fuera de los Estados Unidos (en principio), como el británico Davy Graham quien publicaba la balada folk “She Moves Through the Fair” (1963) con claro acento de raga o “Folk Blues and Beyond” (1965) donde jugueteaba con el jazz y la World music, otros como John Fahey en la costa oeste, y Sandy Bull en la costa este, interpretaban y componían piezas que fusionaban folk, blues, jazz y raga indio, mientras Joseph Spence en las Bahamas inventó un estilo de guitarra intrincado, polifónico y politécnico. La extensa “Blend” de Sandy Bull, que perteneciente a su obra maestra “Fantasy´s For Guitar & Banjo” (1963), estaba adelantada a su tiempo años-luz, como lo estaba “Inventions For Guitar And Banjo” (1965), y más adelante trabajos como ”Electric Blend”, del álbum “E Pluribus Unum” (1970), confirmaría su status como uno de los genios más olvidados de su era. Su amigo Djalma "Bola Sete" De Andrade, un guitarrista brasileño quien se había mudado a San Francisco en 1959, mezcló samba, jazz, música folk norteamericana y la vieja música clásica europea en las improvisaciones sin esfuerzo de “The Solo Guitar” (1965), “Ocean” (1972) y “Shambhala Moon” (1982). Fue por estas fechas cuando John Fahey, siguiendo la intuición de “Goofing Off Suite” (1955) de Pete Seeger, inventó "el primitivismo estadounidense", una nueva forma de explotar la tradición folk y country. John Fahey fue el músico que introdujo la corriente de conciencia en la música folk, la transformó en música clásica, y la hizo atravesar las fronteras de la música occidental y oriental. El padre espiritual de la "guitarra primitiva estadounidense", Fahey cambió el solo de guitarra en un ejercicio metafísico. “Great San Bernardino Party” (1966) y “Requia” (1967) introdujeron su mundo surrealista de visiones trágicas y solemnes; imágenes construidas por la guitarra, más que por la voz. Su "raga occidental", como se define por sus tres obras maestras instrumentales, “A Raga Called Pat Part 3 & 4”, de “Voice Of The Turtle” (1968), “The Voice Of The Turtle”, de America (1971), y la canción que da tituló al álbum “Fare Forward Voyagers” (1973) tejen un flujo lento, hipnótico de quinquenios, una majestuosa marea de fragmentos melódicos en formato libre. Esas largas meditaciones trabajan en dos niveles: primero evocan amplios paisajes y naturaleza imponente, y hacen que surjan los fantasmas de toda la gente los escuchaba. Los sueños de los exploradores, la ansiedad de los aventureros, las esperanzas de los pioneros juntadas, pero Fahey se retrae del modo épico y prefiere una forma de impresionismo doméstico, el cual es tierno y cálido. Su arte es acerca de los mitos colectivos de la humanidad. Su peregrinación musical representa la odisea de todos los "Ulises" que viajaron (caminando, explorando, navegando) hacia lo desconocido. El misterioso Daniel Robinson, mejor conocido como Robbie Basho, utilizó la música para guitarra sola de John Fahey, la mezcló con el misticismo oriental (mucho antes que la música new-age fuera inventada), mezclada en elementos de música de medio oriente, india, latinoamericana y japonesa (también mucho antes que la "world-music" fuera inventada), y agregó experimentación derivada de las improvisaciones del jazz (del mismo modo mucho antes que la fusión fuera inventada) en sus álbumes “Seal Of The Blue Lotus” (1965), “The Grail And the Lotus” (1966) “Falconer's Arm” (1967), “Venus In Cancer” (1969) y “Song Of The Stallion” (1971) son todas ellas obras maestras. El virtuoso del oud y del tar, el pubiano de Egipto Hamza El Din, preparó un sonido hipnótico en “Al Oud” (1965) y “Escalay” (1971), que despliega la interacción embrujadora de las cuerdas gentiles del oud, el rango percusivo extendido y sobre tonos del tar y sus vocales sometidas, fue otro de esos pioneros olvidados.

Janis Joplin

Janis Joplin fue la mejor vocalista blanca que ha existido jamás del rock y blues de todos los tiempos, de estremecedora y desgarradora voz, que con su agitada vida y su trágica muerte la han llevado a ocupar un puesto de honor entre los grandes mártires de la música moderna.
Janis nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, una pequeña localidad en el estado de Texas en la cual nunca termino por encajar. Su forma de vestir y sus gustos musicales eran muy diferentes a sus compañeros y compañeras de su misma edad, mas orientados a los sonidos del rockabilly y los crooners de la época, quienes la insultaban y vejaban a menudo. Ella ante estas ofensas se refugiaba mucho mas en el mundo de la música buscando un lugar casi místico en donde expulsar sus penas. Amaba el rock, pero también el folk y el blues, estilos que practicaba en su solitaria existencia influenciada por las interpretes de blues como Bessie Smith e incluso por uno de los grandes del soul, Otis Redding.
Cuando tenia 15 años comenzó a actuar en clubs, se unió a los Waller Creek Boys y se marcho a la soleada California. En San Francisco conoció a una banda de psico-blues denominada Big Brother & The Holding Company con los que actuó en el famoso festival de Monterey en 1967 consiguiendo un extraordinario éxito con el tema "Ball And Chain". Con los Big Brother grabo dos Lps, "Big Brother & The Holding Company" (1967) y "Cheap Thrills" (1968), este ultimo con portada de Robert Crumb, que resultó todo un éxito de ventas, un éxito basado claramente en la fuerza vocal y escénica de su líder femenina.
Mientras tanto, la vida personal de Janis iba poco a poco sumergiéndose en una espiral continua de drogas, alcohol y sexo muy propia de la época y de la cual Janis Joplin fue uno de sus máximos exponentes. El éxito del grupo y varias distensiones internas hicieron que a finales de 1968 Janis Joplin se saliera de la formación e intentara probar fortuna en solitario. Su primer trabajo seria "I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!" (1969), un álbum producido por Gabriel Mekler muy bien recibido en el que colaboraba un nuevo grupo de acompañamiento llamado The Kozmic Blues Band (anteriormente llamados Janis & The Joplinaires), que incluía al guitarrista de Big Brother, Sam Andrew.
Aunque la calidad de la grabación era buena, su siguiente y póstumo disco titulado "Pearl" (1970), interpretado al lado del conjunto Full Tilt Boogie (con varios componentes de Kozmic) y producido por Paul A. Rothchild (productor de grupos como Doors o Love), seria su gran obra en la que desplegaba su gusto por el soul, el folk, el blues y el rock en temas clásicos como "Me and Bobby McGee" (compuesto por Kris Kristofferson), "Mercedes Benz" o "Move Over".  
La canción de Kristopherson alcanzó el top en las listas americanas en 1971 pero tristemente Janis Joplin ya no estaba viva para disfrutar del triunfo, había muerto de sobredosis por heroína en el 4 de octubre de 1970 en un hotel de Hollywood. Tenia solo 27 años.

Frijid Pink

Nacidos en plena explosión del Sonido Detroit, en donde bandas como MC5, Ted Nugent and the Amboy Dukes o The Stooges, forjaban un estilo que pronto pasaría a los anales del rock, Frijid Pink se darían a conocer con un extraordinario primer álbum y una no menos extraordinaria versión del clásico tema “The house of the rising sun”, que les catapultaría a la cima en 1970, año este, el de su irrupción en el mundo del rock´n´roll y aunque su carrera nunca fue trascendente, no es menos cierto que se ganaron el respeto y la admiración del publico en general y de la prensa especializada de la época.
Formados por los guitarristas Gary Thompson y Satch Harris, el batería Rick Stevers y su líder el vocalista Kelly Green, tuvieron una larga andadura con muchos altibajos hasta encontrar un sello que les financiara su primer álbum.
Este sello seria la discográfica independiente Parrot quien les publica el álbum homónimo (con una sorprendente portada en color rosa) que contenía una gran variedad de estilos muy personalizados que iban desde el blues rock de “Drivin´Blues”, hasta sonidos pre-punk como “I'm On My Way”, pasando por clásicos rock como “I Want To Be Your Lover”.
Además contenía la mencionada “The House of the rising sun”, que encarama al álbum hasta las primeras posiciones a ambos lados del Atlántico.
El álbum consigue en poco tiempo la cifra de un millón de copias vendidas lo que supone un enorme bombazo comercial.
Casi a finales de ese mismo año se publica “Defrosted” (1970), un trabajo algo alejado de las sonoridades del primer disco, más enfocado hacia el hard rock, abandonando las aventuras bluseras y acidas de su debut.
Aún así contenía buenos temas como el blues-rock “Black lace” o la pseudo progresiva “I´ll Never be lonely”.
Pero el grupo pierde el encanto que les encumbraría y el disco tiene unos resultados mediocres, aunque logran sostener el prestigio ganado meses antes.
Este pequeño traspiés supone los primeros cambios y así Green y Thompson son sustituidos por Craig Webb guitarrista y John Wearing, que tomaba el rol como el nuevo vocalista.
Con esta formación publican su tercer álbum “Earth Omen” (1972) con un nuevo rumbo musical, esta vez hacia derroteros mas psicodélicos que si bien mantienen al grupo en el candelero de cabeza, supone otro paso atrás en la carrera del grupo.
“All Pink inside” (1975), supondría el cuarto y ultimo álbum de la banda y seguía la misma tónica que su predecesor, con una hard rock psicodélico de mediocre factura.
En este álbum la banda contaba con nuevos miembros por una lado el vocalista Jo Baker y por otro el bajista Larry Popolizio.
Ya a principios de los 80 el grupo entraría en el estudio para grabar un nuevo álbum, pero por problemas de compañía discográfica no seria publicado y daría así por finiquitada la carrera de Frijid Pink, hasta años después, mas concretamente en el 2002, cuando el sello Dynasty lo publica bajo el nombre “Inner Heat” con gran parte del material de esas grabaciones junto a otras nunca publicadas.
Al año siguiente se publicaría “Hibernated”, una caja con sus tres primeros discos remasterizados.
Hacia mediados del 2006 el batería original Stevers refloto la banda, la cual sigue actualmente ofreciendo actuaciones exitosas en locales y salas de conciertos por todo el estado de Michigan.

Jefferson Starship-Red Octopus (1975)

El segundo álbum de Jefferson Starship "Red Octopus", siempre será recordado por una de las emblemáticas canciones del rock norteamericano como es "Miracles", un hit que impulsaría al álbum a conseguir varios discos de platino y el mayor éxito comercial de cualquier otra de las versiones de la saga Airplane (Jefferson Airplane, Jefferson Starship y Hot Tuna). "Red Octopus", fue el segundo lanzamiento de la nueva reencarnación de la banda después de "Dragon Fly" (1974), un álbum este que se alejaba en cierta medida de los sonidos psicodélicos de la banda madre para enfocarse en el rock mainstream. En esta segunda entrega, el guitarrista fundador de los Airplane Marty Balin, pasaria a pertenecer por derecho propio como integrante de los Starship y fue el encargado de componer la brillante balada "Miracles", además de coescribir cinco de las diez canciones del disco. En aquellos momentos Jefferson Starship estaba formada por ocho miembros en total, incluyendo a Grace Slick (voz), David Freiberg (teclados) y Paul Kantner (guitarra), todos los cuales compartían las labores vocales, más la contribución del guitarrista Craig Chaquico, el violinista Papa John Creach, el bajista Pete Sears y el baterista John Barbata. Sin embargo este soberbio segundo Lp no solo vivía de las excelencias de la mencionada "Miracles", aquí aparecen desde relecturas del típico sonido de los Airplane con sabor funk "Git Fiddler", hasta accesibles piezas con aires pop rock como "Sandalphon" y "Play On Love", pasando por excelentes composiciones de rock melódico "Fast Buck Freddie" y "Tumblin´", o piezas enérgicas como las rock "Sweeter Than Honey" y "I Want To See Another World".

Yes-Magnification (2001)

Si ya era complicado y realmente difícil superarse así mismos, Yes casi prácticamente lo lograron con su décimo séptimo álbum titulado "Magnification", el cual fue publicado en el año 2001. Un trabajo que tiene como particularidad el no contar con uno de los instrumentos fundamentales del grupo británico y del rock progresivo en general; los teclados, sustituidos aquí por una orquesta sinfónica completa, dirigidos por Larry Groupé, Bruce Donnelly y Frank Macchia. La arriesgada propuesta de mezclar la música clásica con el rock siempre puede llegar a ser un éxito o un completo desastre y afortunadamente el resultado final fue el de un álbum de altísimo nivel compositivo e instrumental, (algo que por otro lado siempre fue muy habitual en Yes a lo largo de los años), y que a falta de los teclados, se compensa con una orquestación que ofrece el sonido exuberante y grandilocuente perfecto al talento de la guitarra de Steve Howe, la ingeniosa batería de Alan White, el omnipresente bajo de Chris Squire y la sublime voz de Jon Anderson. Grandiosas epopeyas como las épicas "In The Presence Of" o "Dreamtime", son créditos mas que suficientes para catalogar a este álbum como memorable. Sin llegar a sus excelencias aparecen otras canciones de gran merito como "Spirit of Survival", "Don´t Go", "Give Love Each Day" o "Magnification". Pese al inédito hecho de adolecer de teclados, el álbum fue muy bien recibido por su amplísima legión de fans alrededor del mundo, hasta el punto de ser catalogado por muchos de esos seguidores como el mejor trabajo de los británicos desde aquel magnifico "Drama" de 1980.

Juicy Lucy

Esta poderosa banda de rock-blues, tuvo una gran hegemonía a principios de los años 70, con un sonido un tanto demencial, pero muy estructurado, bien refrendado en su primer y gran éxito, la versión de un tema de Bo Diddley titulado “Who do you love”. 
Formados a finales de 1969 en el Reino Unido su primera alineación comprendía a Ray Owen a la voz, Glenn Campbell a las guitarras, Chris Mercer al saxo, Neil Hubbard guitarra rítmica, Keith Ellis al bajo y Pete Dobson a la batería.
Algunos de estos músicos provenían de otras bandas más punteras como los Bluesbreakers de John Mayall, o la Graham Bond Band Organisation.
Su primer álbum “Juicy Lucy” (1969), publicado por el sello Vertigo, dejo claro los derroteros por los cuales la banda se movería los años siguientes, un potente rock aderezado con blues y algunas dosis de jazz.
En este primer álbum además del tema ya mencionado “Who do you love”, sobresalían los poderosos “Mississippi Woman”, “Train” y sobre todo la hipnótica “Just one time”.
Después de este disco el grupo sufriría los primeros cambios de formación y así Micky Moody sustituiría a Neil Hubbard y Rod Coombes haría lo mismo con Dobson.
Un año después y con esta formación llegaría su segundo trabajo “Lie Back and joy it”, que contenía el tema “Pretty Woman”, tema compuesto por Paul Williams que se sumaria al resto del grupo poco antes de estos entrar en el estudio y pasando a ser el nuevo vocalista en detrimento de Owen.
Aquí el grupo seguiría en la misma tónica que su debut, incluyendo algunos ramalazos de country pero con esa intensidad característica de su rock vibrante y ritmo sostenido, destacando temas como la versión de Frank Zappa, “Willie the pimp”, la acústica “Whisky in my jar” o las eléctricas “Thinking of my life” y “Hello L.A. bye bye Birmingham”, (esta ultima en referencia a su traslado desde la fría ciudad británica hasta la soleada California).
Quizás fruto de un cambio tan radical como son ambos lugares, el grupo muestra un estilo mas comedido en su siguiente trabajo “Get a whiff a this” (1971), que americaniza en parte su sonido y se alejan de la agresividad de sus dos primeros trabajos.
A partir de aquí los constantes cambios de formación destabilizan la banda que publicaría el álbum “Pieces” (1972) y que seria la antesala de su separación definitiva.
En estos dos últimos trabajos participarían músicos como los bajistas Jim Leverton o Andy Pyle, el batería Ron Berg o el teclista Jean Roussel.
El recopilatorio “The best of”, seria el epitafio definitivo al carpetazo del grupo que sin embargo y gracias al primer vocalista Ray Owen reaparecerían años después con nuevos bríos y una formación totalmente remodelada entre los que ese encontraban músicos como el guitarrista Mike Jarvis, el bajista Andy Dougthy y el batería Spencer Blackledge.
Con esta formación el grupo grabaría los meritorios “Blue Thunder” (1998) y “Here she comes again” (1999).
Ya entrado el nuevo milenio el grupo vuelve a sufrir nuevos cambios y participan entre otros en una gira junto a Nazareth, la cual les devuelve al primer plano de la actualidad y posteriormente son invitados a intervenir en el festival Cambridge Rock cosechando una gran actuación.
“Do that and you´ll lose it”, publicado en el 2006 les aporta una gran reputación de banda en vivo con asiduas giras por media Europa y Gran Bretaña con gran acogida entre los nuevos aficionados y sus fans de antaño.

Miles Davis-Nefertiti (1968)

Al igual que ya había ocurrido nueve años antes con el aclamado "Kind Of Blue", en 1968 Miles Davis volvió a dejarnos otra de las obras fundamentales del jazz, en la cual también contaría, como en aquel, con un lujoso plantel de músicos bajo su banda Quintet. En esta ocasión el trompetista norteamericano cuenta con el mago de los teclados del fusion y el jazz rock, Herbie Hancock, el baterista Tony Williams, el saxofonista Wayne Shorter y el bajista Ron Carter. Compuesta de una extraordinaria creatividad musical, este fue el último gran álbum de jazz "clásico" de Miles, antes de que se desviara paulatinamente hacia el rock y los sonidos más vanguardistas y experimentales. Sin embargo aquí aun se escuchan muchos retazos del hard bop de la década anterior, pero en tonos mas acústicos y melodías armónicas ("Nefertiti" y "Fall"), dinámicos free jazz ("Hand Jive" y "Madness"), o composiciones con claros acentos al hard bop estándar ("Riot" y "Pinocchio"). A partir de aquí Miles Davis escogería la vertiente electrónica del jazz con elementos psicodélicos, fusionando sabiamente el rock y el jazz, empezando por el siguiente "Miles in The Sky" (1968) y continuando con dos de las obras cumbres de la historia del género como son "In A Silent Way" (1969) y "Bitches Brew" (1970).

King Curtis-Live At Fillmore West (1971)

Pese a su corta carrera, King Curtis fue uno de los saxofonistas más impresionantes del jazz norteamericano. El participaría en formaciones tan icónicas como la orquesta de Lionel Hampton y fue el principal estimulante en las carreras de Aretha Franklin, Wilson Pickett y Otis Redding, entre otros destacados artistas del soul. Su estilo impregnado de blues, rhythm and blues y gospel, le llevaría a convertirse en un músico polifacético que se movió de manera brillante dentro de los sonidos más puros del jazz, el funk o el blues. Considerado en la actualidad como uno de los interpretes del jazz de culto por excelencia, dejo para la posteridad algunas de las obras fundamentales de la música afroamericana como su apoteósico disco en directo "King Curtis Live at Fillmore West", grabado a principios de 1971 junto a su banda His Soul Inc. Pocos meses después de esta grabación, King Curtis fue asesinado en extrañas circunstancias tras una acalorada discusión con un hombre que merodeaba cerca de su apartamento en Manhattan a altas horas de la noche.

 

Johnny Winter

Johnny Winter es el clásico prototipo de guitar héroe, estrella del blues-rock, pero también un estilista original e incomparable en la línea de los grandes guitarristas del hard rock y el blues con un sonido definitivamente negro.
Algunos detalles de su niñez le presentan con un cariz determinante y revelador. Nacido un 23 de febrero de 1944 en la localidad tejana de Beaumont, el pequeño albino viene al mundo en el seno de una familia predispuesta hacia la música y en una zona limítrofe con el norte de Luisiana, especialmente fecunda en la tradición afroamericana. Así a los cinco años Johnny aprende a tocar el clarinete; a los ocho se inicia en el banjo y el ukelele; dos años mas tarde empieza a tocar la guitarra e interviene en concursos y programas de televisión locales, hasta que en 1958, organiza su primer grupo, Johnny and the Jammers.
A través de las emisoras de radio negras y de las actuaciones en los clubes de la zona, Winter asimila con precocidad los sonidos del blues y el rhythm and blues y, más significativamente establece fructíferos contactos con intérpretes como Clarence Garlow y Lazy Lester.
Cuando su nombre saltó, súbita y espectacularmente, Johnny Winter llevaba 10 años actuando en locales modestos, y había grabado más de 15 singles y un álbum, “The progressive blues experiment”, que no vería la luz hasta años después cuando empezó a tener éxito.
Un artículo publicado en 1968 en la revista Rolling Stone, lo descubre y Winter se encuentra de la noche a la mañana, gracias de las habilidades mercantiles de su representante, convertido en superestrella del blues. Con su trío (Uncle John Turner, a la batería, y Tommy Shannon, al bajo), se embarca en constantes giras y actuaciones en grandes escenarios, y graba sus dos primeros álbumes para la CBS, “Johnny Winter” (1969) y “Second Winter” (1970). La popularidad llegaría en el ámbito del hard rock, con una nueva banda compuesta por antiguos miembros de los McCoys. Interpretando piezas de Bob Dylan y los Rolling Stones junto a temas propios y composiciones del segundo guitarrista, Rick Derringer, publica los siguientes álbumes “Johnny Winter And” y “Johnny Winter And Live”. El albino paga de inmediato el precio del éxito y sus excesos  desembocan en nueve meses de desintoxicación en un hospital de Nueva Orleans (1972).
Después en medio de su curación a la adicción a las drogas, publica mediocres trabajos enfocados al rock que sin embargo le mantiene en una privilegiada posición dentro del circuito rock mundial, discos como “Still alive and Well” (1973), “Saints & Sinners” (1974), “Thunderhead” (1975) o el fabuloso directo “Captured Live” (1976).
El retorno al blues ocurre en 1977. La amistad con Muddy Waters (a quien produce cuatro elepés donde también interviene como guitarrista), no solamente proporciona memorables grabaciones (los tres primeros reciben premios Grammy), sino que también devuelve al tejano al terreno que le pertenece.
Esos trabajos eran “Nothin´but the Blues” (1977), “White Hot and Blue” (1978) y “Raisin Cain” (1980)
En 1984, Winter encuentra su lugar en un sello independiente de Chicago que trabajaba hasta entonces exclusivamente con artistas negros: Alligator. Sus nuevas grabaciones no desmerecen de anteriores trabajos y así poco a poco va publicando buenos trabajos como “Guitar Slinger” (1984), “Third Degree” (1986), “The Winter of 88” (1988) o “Let me In” (1991).
A mediado de 1992 publicaría el excelente “Hey, Where your Brother” y a finales de ese mismo año “Scorchin´Blues”.
Ya a finales de los noventa se editaba el directo “Live in NYC´97”, álbum que recogía una selección de temas interpretados en los últimos cinco años de gira.
No seria hasta el año 2004 cuando volvería a grabar un nuevo álbum titulado “I´am a Bluesman”, que recibiría grandes elogios por la prensa y una gran aceptación por el público.
A finales del 2009 se publicarían dos estupendos recopilatorios titulados “The Johnny Winter Anthology” y “The Woodstock Experience”.
Estos últimos años Winter aquejado de la enfermedad llamada Síndrome Túnel Carpiano se ha visto obligado a actuar sentado por problemas en su cadera, pero que no le ha impedido seguir tocando por todo el mundo, dejando constancia de su gran talento y su enorme don con las seis cuerdas.