Electronic Rock

El principal evento que revolucionaría la música rock hasta sus fibras más profundas de su naturaleza fue la llegada de los instrumentos electrónicos. En 1966 el inventor estadounidense Robert Moog, empezó a comercializar su sintetizador, una nueva clase de instrumento, el primero que tocaría más que una "voz" y aún imitaría las sonidos de todos los otros instrumentos. La vanguardia estaba lista para apropiarse de la idea. Morton Subotnick, por ejemplo, publicó una improvisación libre en un sintetizador, “Silver Apples of the Moon” (1967), que era simplemente el equivalente en la música clásica del acid-rock.
Hasta entonces, la música electrónica había sido un lujo que muy pocos músicos populares podrían acceder. La mayoría de los sintetizadores eran propiedad de centros de música clásica o de grandes estudios de grabación.
A pesar de las dificultades prácticas, unos cuantos compositores visionarios introdujeron arreglos electrónicos en la música popular, siguiendo el éxito de “Good Vibrations” de los Beach Boys (1966). Jean Jacques Perrey y Gershon Kingsley virtualmente inventaron el pop electrónico con la ingenua "sonosíntesis electrónica" de “The In Sound From Way Out” (1966).
El compositor canadiense Mort Garson grabó “Zodiac Cosmic Sounds” (1967), una suite acompañado por Paul Beaver en los teclados electrónicos, “The Wozard of Iz” (1969), una parodia electrónica del clásico infantil (con Bernie Krause en los "sonidos ambientales"), “Lucifer” (United Artists, 1971), una exotérica ópera & misa con sus observaciones de mezcolanza de sonidos electrónicos, y “Music for Sensuous Lovers” (1971), en la cual sobresale el sintetizador Moog y algunos gemidos humanos.
Ron Geesin, un británico investigador de sonidos eclécticos quien había experimentado con el collage en “A Raise Of Eyebrows” (1967), mezcló la psicodélia y el dadaísmo en “The Body” (1970) y particularmente en “Electrosound” (1972), el cual expandió la música cósmica y precedió a la música industrial.
El hombre que tiene el crédito de haber convertido "música electrónica" en música comercial es Walter Carlos, su “Switched On Bach” (1968) fue el primer álbum electrónico en alcanzar las listas de éxitos, aunque el mejor fue “Sonic Seasonings” (1972), que precedió a la música ambiental unos cuantos años antes.
En 1968 muchas bandas de rock también experimentaron con el nuevo medio para realzar su caos creativo, con ejemplos muy notables como las bandas psicodélicas United States Of America en New York y Fifty Foot Hose en San Francisco.
Sin embargo Lothar & The Hand People fueron quizás la primer banda de rock en usar instrumentos electrónicos para más que simple relleno de fondo en sus álbumes “Presenting” (1968) y “Space Hymn” (1969).
La banda legendaria de culto Silver Apples fueron un dúo experimental de teclados y vocales electrónicos que precedieron a la new wave y al synth-pop en casi una década. La música en “Silver Apples” (1968) y “Contact” (1969) mezclaba psicodélia y el rock'n'roll mientras empacaban la neurosis urbana y la angustia existencial.
En Boston, el integrante de Beacon Street Union, Peter Ivers, aplicó "modulaciones" electrónicas a los arreglos ya de por sí salvajemente excéntricos de su album concepto-religioso “Knight Of The Blue Communion” (1969), un desfile surrealista de números de jazz, psicodélia, pop, música clásica y vodevil con una cantante de ópera por delante.
El primer músico en improvisar en vivo con un sintetizador fue probablemente Annette Peacock, ejecutando con el grupo de jazz de Paul Bley.
Dos veteranos de los instrumentos electrónicos formaron otro dúo influyente, simplemente llamado Beaver & Krause (3), cuyo “Ragnarok Electronic Funk” (1969) fue otro punto importante para la adopción de los instrumentos electrónicos. En “In A Wild Sanctuary” (1970) ellos intentaron una fusión de raga, música clásica, folk y psicodélia, y en “Gandharva” (1971), grabado en la catedral de San Francisco con la ayuda de Gerry Mulligan y Bud Schank, se expandieron todavía más hacia el jazz.
En 1970 Robert Moog lanzó el Minimoog, el primer sintetizador portátil. Ese evento hizo la música electrónica disponible a un grupo más amplio de músicos. Aunque era todavía muy caro, este juguete podría moverse de un escenario a otro, y por lo tanto integrarse en el ensamble del rock, de los primeros en ultilizarlos estaban la ya grandes bandas de rock progresivo como Yes, Emerson, Lake and Palmer, Genesis...etc.
David Borden formó en 1969 un trío electrónico que grabaría “Mother Mallard's Portable Masterpiece Company” (1973), armado con el sintetizador mini-Moog e inspirado por el minimalismo de Terry Riley y la improvisación del jazz.
En Suecia, Bo Hansson lanzó “Sagan Om Ringen” (1970), una colección de doce viñetas impresionistas que mezclaban el folk, música clásica, jazz y pop y que precedería al synth-pop y a la música new-age.
En Gran Bretaña, los pioneros de la música electrónica White Noise, el proyecto original del estadounidense David Vorhaus, preparó las canciones de cuna y etéreas y espaciales de “An Electric Storm” (1969).
También en 1969 aparece una banda llamada Rare Bird, que graban un album especialmente curioso y fundamental en la historia del rock progresivo con tintes electrónicos y psicodélicos, ya que en ella no aparece guitarrista alguno, su música se apoya en los sonidos del órgano, piano eléctrico, bajo y bateria, y de esa manera en este su primer album “Rare Bird” (1969), llaman mucho la atención de los aficionados y critica del momento, su mezcla de rock épico y atmosférico muy influenciados sin duda por el rock progresivo será la antesala de los que luego grupos como Camel o mas particularmente Emerson, Lake and Palmer llevaran a la cúspide, posteriormente el grupo redefinio su sonido a estilos mas diversos, “As Your Mind Flies By” (1970) donde incluyeron muchos mas amplios sonidos electrónicos de teclados adicionales a los ya conocidos de órgano y piano eléctrico, aunque el resultado también les salió de manera antológica.
Finalmente, los Tonto's Expanding Head Band grabaron “Zero Time” (1971), la primera colección de melodías pop originales enteramente tocadas en sintetizadores.
Por aquel tiempo, las bandas alemanas habían comenzado a cambiar el centro de gravedad hacia los teclados electrónicos y pronto procederían a reinventar la música rock.

Dream Theater-Systematic Chaos (2007)

Estamos en el año 2007 y Dream Theater estaban establecidos como la punta de lanza del metal progresivo, ese año las huestes lideradas por John Pretrucci y James Labrie, junto a Mike Portnoy, Jordan Rudess y John Myung, lanzaron su noveno álbum de estudio, este "Systematic Chaos", una obra que venia precedido del fenomenal "Octavarium" de varios años atrás. Sin llegar a ser un álbum totalmente conceptual, aquí se tratan temas recurrentes que oscilan entre el antibelicismo, la ciencia ficción o los vicios confesos. Son sin duda las extensas y retorcidas instrumentalmente "The Ministry of Lost Souls", una oscura composición con un antológico trabajo por parte del guitarrista Petrucci y la intrigante "In The Presence Of Enemies Part.2", un corte progresivo dividido en cuatro secciones con un extraordinario trabajo por parte de toda la banda, los temas mas progresivos de todo el álbum. El resto esta formado entre intensas piezas estremecedoras "In The Presence of Enemies Part.1", lienzos vigorosos y accesibles "Forsaken", contundentes trash metal antibélicos "Prophets of War" o influencias pinkfloydianas "Repentance". Sin llegar a las excelencias de obras como "Images and Words", "Awake", "Metropolis Part 2-Scenes from a Memory" o "Six Degrees Of Inner Turbulence", con esta entrega Dream Theater siguieron explorando sus majestuosas estructuras progresivas, fusionándolas de manera sublime con el heavy metal y la épica mágica y grandilocuente.

Jane

Jane es junto a otras bandas germanas como Guru Guru, Amon Duul II o Grobschnitt, que aún hoy en día siguen manteniendo vivo el genero krautrock de principio de los setenta, conservando aquel espíritu que revolucionaria la música vanguardista de la música rock.
Fundada en 1970 en la ciudad de Hannover, durante toda su carrera Jane ha tenido innumerables cambios de formación, hasta el punto que a mediados de los noventa se formaron tres bandas paralelas con diferentes miembros originales.
Jane practicaban un estilo que mantenía la síntesis del hard rock progresivo con pinceladas psicodélicas y espaciales muy cercanas a los primeros Pink Floyd. Sus orígenes están en la banda psicodélica Justice Of Peace, los cuales publicaron un sencillo de escaso éxito y en donde contaban con los futuros miembros de Jane, Peter Panka (voz), Klaus Hees (bajo) y Werner Nadolny (saxo).
Ya como Jane, la banda se reestructurarían, formando Panka a la batería y voz, Hess a la guitarra, Charly Maucher al bajo, Berndt Pulst a la voz y Nadolny a los teclados.
Esta primera formación lanzaría el primer álbum “Together” (1972), un disco cargado de un pesado sonido de blues rock con toneladas de órgano Hammond y unos ritmos hipnóticos que fue recibido calurosamente por la prensa germana y obtuvo una buena acogida por parte de los fans al rock progresivo.
Pero a partir de aquí empieza el continuo cambio de integrantes, algo que por otra parte nunca mermaría la calidad del grupo.
Después de varias nuevas incorporaciones se publica “Here We Are” (1973), en donde continuaban con la misma formula musical que el anterior, pero aplicando mas armonía y la introducción de diferentes elementos como los sintetizadores, como queda demostrado en el tema espacial y sombrío “Out In The Radio”. En “Jane III” (1974), la banda deriva su estilo hacia sonidos mas abrasadores de guitarra hard rock, una propuesta que seguía presente en el cuarto álbum “Lady”, en donde los sonidos mas duros se veían reflejados gracias a las incorporaciones de músicos como el guitarrista Matthias Jobs, quien algún tiempo mas tarde pasaría a engrosar la banda de heavy metal Scorpions.
En 1976 llegaría una de las obras cumbres de Jane con el álbum “Fire, Water, Earth & Air”, en donde aparecían las enormes suites progresivas “Air (Let The Sunshine In) + The End” y la que daba titulo álbum.
El enorme doble en directo “Live At Home”, publicado un año después, no hizo mas que confirmar el auge creativo de Jane, logrando abrirse camino en los mercados internacionales como Estados Unidos, Gran Bretaña o Japón con un tremendo éxito de ventas.
Con unas atmósferas conceptuales mas oscuras, llegaría el séptimo album “Between Heaven and Hell” (1977), que siguiendo los paradigmas del rock progresivo, volvía a triunfar dentro y fuera de las fronteras alemanas.
Llegados a este punto, Jane se habían convertido, pese a sus innumerables cambios de integrantes, (siempre alrededor de su fundador Peter Panka), en una de las bandas favoritas de los alemanas, suizos o austriacos, ganando también muchos adeptos en Inglaterra y otros países.
En una onda similar, en 1978 llegaría “Age Of Madness”, con el cual se embarcaron en una exitosa gira por toda Europa. Sin embargo los signos del agotamiento creativo llegarían en el siguiente “Sign No. 9”, el cual adolecía de los ambientes espaciosos creados por los teclados en favor de un dominio mas predominante y convencional de las guitarras, por lo cual fue menospreciado por los fans mas puristas y perdió el interés del publico en general.
Ya en la década de los 80 la banda afrontaba una nueva etapa mas enfocada hacia los sonidos cercanos a la new wave, el jazz, las experimentaciones tecnológicas y el rock mas previsible con los álbumes “Jane” (1980), “Germania” (1982), “Beautiful Lady” (1986) o “Genuine” (2002), este ultimo un intento fallido de recobrar los sonidos de antaño.
A partir de la década de los noventa la banda se divide en diferentes ramificaciones como Lady Jane con Peter Panka como líder, Mother Jane con Hess como hilo conductor o Pater Panka´s Jane, los cuales han seguido publicando discos y actuando regularmente por Europa con cierto éxito conservando el gran legado que el rock alemán dejaría para la historia de la música.

Matrix-Tale Of The Whale (1979)

Matrix fueron otra de las muchas bandas norteamericanas de jazz rock de un segundo escalafón que lanzaron cuatro interesantes trabajos durante los años 1976-1981. Originarios de la localidad de Appleton en Wisconsin, sus orígenes se remontan a 1974, mas concretamente a la Universidad de Lawrence, en donde cursaban cuatro de sus integrantes. Ellos eran los trompetistas y otros instrumentos como percusiones y teclados Larry Darling, Jeff Pietrangelo, Mike Hale y Kurt Dietrich, que junto a las incorporaciones de Michael Bard (saxo), Randall Fird (bajo), Tony  Wagner (batería), John Harmon (teclados) y Fred Sturm (trombón) tuvieron bastante notoriedad participando en diferentes y prestigiosos festivales de jazz como los de Monterey y Newport. Después de dos meritorios álbumes claramente orientados al el estilo del brass rock que los emparentaban con Blood Sweat & Tears; "Matrix" (1976) y "Wizard" (1978), en 1979 y bajo el apadrinamiento de la Warner Bros, publicaron su mejor obra "Tale Of The Whale", un registro mucho mas convencional y accesible dirigido a un publico mas amplio. Los sonidos ambiéntales cercanos al smooth jazz, la new age y las vibraciones de funk jazz rock están presentes en la mayor parte de piezas de este tercer trabajo en donde sobresalen la brillante jazz fusión "Narouz", las ambientales “Nessim” y la que da titulo al álbum, la funky "The Fly" o la planeadora "Galadriel".

Kaleidon-Free Love (1973)

El excelente pianista italiano Stefano Sabatini, fundaría el proyecto Kaliedon a principios de los setenta, un brillante experimento que pese a pasar desapercibido, es un apreciable trabajo enfocado en el free jazz y el jazz rock de bajo perfil, debido principalmente por adolecer de una guitarra eléctrica. Sus orígenes se remontan a finales de la década anterior cuando el propio Sabatini lideraba una banda de pop psicodélico llamada Free Love. Sin embargo un trágico accidente automovilístico acabaría con la vida de dos de los músicos, dejando a Sabatini herido de cierta gravedad. Años después Sabatini formaría una nueva banda a la que denominaría Kaleidon para cual reclutaría a Massimo Balla (saxófon y flauta), Franco Tallarita (bajo) y Giovanni Liberti (batería), mientras que el propio Sabatini se encargaba de los teclados y el piano eléctrico. Su único lanzamiento titulado "Free Love" en homenaje a su antigua banda, y publicado en 1973, es el fiel reflejo del jazz impulsado por los sonidos del saxo y el piano eléctrico. Compuesto por una serie de elegantes piezas de melódico jazz como la homónima “Free Love", la melancólica “Inverno´43" o la jazz fusión "Polvere", demostrando en todas ellas el talento instrumental de Sabatini, uno de los destacados teclistas del jazz europeo.

Arkus-1914 (1981)

Arkus son una banda holandesa que tiene el privilegio de ser una de los primerísimas en lanzar un álbum de neo progresivo, un sub genero que surgió a principios de los ochenta. Formada a finales de los 70 por el guitarrista y cantante Frans Smits, el bajista John Bouman, el baterista Erik Van Duin, el teclista Jan-Henk Wiggerlinkhuizen y el guitarrista Ron Willems. Su debut discográfico, titulado "1914", que fue grabado y publicado de manera privada por la propia banda, esta basado en las escrituras del famoso escritor holandés Bert Voeten. Este registro es un eficaz álbum del germinal neo progresivo, el cual contiene un repertorio cargado de melodías adictivas y coherentes. Sin embargo el estilo de la banda se orienta hacia los sonidos mas atmosféricos y melódicos del rock progresivo de finales de los setenta, que al estilo pastoral y teatral de principios de esa década.

Christmas-Christmas (1970)

Christmas fue una excelente banda canadiense de rock psicodélico vanguardista formada en la ciudad de Ontario a finales de 1969. Creada como consecuencia de las cenizas de otra formación canadiense llamada Reign Ghost, por el guitarrista y cantante Bob Bryden, la vocalista Lynda Squire y el percusionista Helge Ritcher. Sin embargo algún tiempo mas tarde Lynda Squire es reemplazada por el guitarrista Robert Bulger y el bajista Tyler Reizanne, una alineación que quedo consolidada grabando varios álbumes de reconocida valía. Después de un apreciable primer lanzamiento titulado "Heritage", lanzaron su mejor esfuerzo, este homónimo trabajo, que bajo una portada realmente horrenda, lograron crear un registro digno de las mejores bandas del acido y psicodélico rock canadiense de la época. Aquí la banda nos deja desde pasajes psicodélicos como la inicial "Just Suppose", hasta ejercicios progresivos "Christmas", o hipnóticos esfuerzos experimentales como "Jungle Fabulous", una excelsa epopeya en donde dan rienda suelta a su brillante creatividad compositiva e instrumental.

Jane-Jane At Home Live (1977)

“Jane at Home Live” es otro de esos fantásticos dobles en directo publicados en la década de los años 70, este en concreto perteneciente a la mítica formación alemana Jane, una vigorosa banda que durante esa década se movió entre la fusión del rock clásico con tintes hard rock y los elementos del rock progresivo. En sus primeros discos, sus raíces progresivas les llevaron a confeccionar dos soberbios trabajos como son "Together" (1972) y "Here We Are" (1973), mientras que en el tercer y cuarto registro "Jane III" (1974) y "Lady" (1975), se desviaron hacia el blues rock y el rock clásico mas convencional, retomando con el siguiente “Fire, Water, Earth & Fire" (1976), la senda progresiva, con un eficaz y excelente álbum conceptual. De la gira posterior a este ultimo, esta recogido el material de este doble en directo, en el cual la banda germana interpreta de manera intensa y poderosa algunos de sus temas más emblemáticos, como las epopeyas space rock "Windows", "Hangman" y "Daytime", las cuales se entremezclan con otras sublimes composiciones vanguardistas de hard rock y blues rock. Un álbum que por otro lado muestra la enorme destreza de su teclista Manfred Wieczorke, y la de su extraordinario guitarrista Klaus Hess. "Live At Home" refleja desde el virtuosismo de sus integrantes, hasta la enorme creatividad instrumental de su potente rock progresivo, pasando por la enorme capacidad que esta banda tiene de pasar de tocar piezas de gran complejidad a otras de estructuras mas simples con una asombrosa facilidad.

This Oneness-Surprize (1975)

This Oneness son otra de esas miles de bandas de breve recorrido que solo lanzaron un oscuro y desconocido álbum de estimable art rock. Su historia es tan sencilla y "simple" como que fueron “básicamente” la banda de acompañamiento de la cantante Olvia Newton John en una gira por tierras norteamericanas a mediados de los setenta. Al finalizar dicha gira todos los músicos implicados decidieron probar fortuna componiendo y grabando el álbum "Surprize", un disco en el cual hay multitud de influencias que van desde el jazz rock hasta el rock progresivo, pasando por las melodías más accesibles del rock americano. La formación de The Oneness estaba compuesta por Dale Strength (Voz y guitarras), Robyn Lee (teclados y voces), Bernard Pershey (Batería), Douglas Nelson (bajo) y Greg Inhofer (teclados y guitarras). En su único registro muestran un eclético estilo que se mueven entre piezas complejas y espaciales "You Ca´t Do That/Surprize", hasta atractivas melodías accesibles "Please Let The Sunshine", pasando por trepidantes jazz rock de la vieja escuela Canterbury "In Out In Out" o progresivas jazz rock como "Surprize (Reprise/Go In Peace".

The Mahavishnu Orchestra-Between Nothingness & Eternity (1973)

"Between Nothingness & Eternity" fue el único álbum en directo lanzado de manera oficial por la Mahavishnu Orchestra, y publicado en medio de unas tensas relaciones entre el seno de la banda, un hecho que precipitaría que John McLaughlin la reformara poco después del lanzamiento de este disco en vivo. Compuesto por tres extensas piezas inéditas en los álbumes de estudio, fue grabado durante el verano de 1973 en el Central Park de Nueva York y en el participa la primera formación de la Mahavishnu, compuesta por John Mclaughlin (guitarra), Jan Hammer (sintetizadores y teclados), Billy Cobham (batería), Rick Laird (bajo), Jerry Goodman (violin) y Sri Chinmoy (voces). Repleto de sonidos intensos de jazz fusión/rock, muestra el asombroso dominio instrumental de todos y cada uno de los músicos de la banda, desde el virtuosismo con las seis cuerdas de McLaughlin, hasta la soberbia desenvoltura de Cobham con las baquetas, las intensas notas del sintetizador Moog de Hammer y el tremendo talento de Jerry Goodman con el violín eléctrico. Un directo que comienza con la trepidante "Trilogy Medley", una pieza en donde la química instrumental entre todos los músicos demuestran que están a un nivel superior dentro del jazz rock de aquellos años, a esta la sigue "Sister Andrea", la cual mantiene un estilo similar pero bajando una marcha el ritmo frenético de la anterior pieza, derivándose hacia jazz rock progresivo. El final queda reservado para "Dream", un tour de force de mas de veinte minutos divididos entre unos sonidos ambientales y atmosféricos iniciales y una ardiente jam session de su parte final. Como decíamos al principio este fue el ultimo registro oficial de la banda original, un hecho que no cogería por sorpresa a nadie debido al talento y al ego individual de cada uno de ellos, por lo que un año mas tarde la Mahavishnu regresaría con una formación totalmente diferente a excepción de su líder John McLaughlin.

Canterbury Sound

La escuela británica del rock progresivo de Canterbury fue uno de los movimientos más significativos en la historia de la música rock, la cual nació a principios de los 60 cuando Hugh Hopper, Robert Wyatt, Kevin Ayers, Richard Sinclair y otros músicos formaron los Wilde Flowers. Wyatt, Ayers, Hopper y sus nuevos amigos Daevid Allen y Mike Ratledge formaron posteriormente Soft Machine, mientras que Sinclair y los demás formarían Caravan.
Soft Machine, se convertiría en una de las bandas más grandes de rock de todos los tiempos, empezó con álbumes tales como “Volume Two” (1969), que estaba inspirado por el rock psicodélico con un toque de estética dadaísta (es decir sinsentido), pero después de haber perdido a Allen y a Ayers, se reinventaron hacia una interpretación particular del jazz-rock de Miles Davis en “Three” (1970), su obra maestra y uno de los álbumes esenciales del jazz rock de los 70. Teclados minimalistas a lo Terry Riley y metales de jazz realzan tres de las cuatro sesiones (particularmente, “Facelift” de Hopper). La restante, “The Moon In June”, es el primer logro monumental de Wyatt, mezclando una melodía delicada, una atmósfera melancólica y una profunda humanidad. “The Moon In June”, permanecerá en el canon esencial de la música mucho después de que la música rock haya desaparecido. Una alineación vastamente revisada, altamente influenciada por los ensambles de jazz de Ian Carr y Keith Tippett, que en octubre de 1969 agregó una sección de metales de cuatro piezas con un notable trabajo de Elton Dean, continuaron el experimento en un tono frío, cerebral, austero, por ejemplo con la suite de cuatro movimientos “Virtually” del álbum “Fourth” (1971), o con el futurista disco “Six” (1972).
Los otros co-fundadores de la escuela de Canterbury, fueron Caravan, que practicaban una clase de jazz-rock más simple, ligera, melosa y pegajosa que la de Soft Machine. Su especialidad eran las fantasías melódicas que básicamente mejoraban las canciones de cuna tipo folk con ritmos de jazz y contrapuntos instrumentales intrincados: con ejemplos como “Can't Be Long Now”, del álbum “If I Could Do It All Over Again” (1969), o “Nine Feet Underground” (su obra maestra), que abarca medio álbum de “In The Land Of Grey And Pink” (1971), e incluso con temas como “Nothing At All” y “The Love In Your Eye”, del “Waterloo Lily” (1972).
Nucleus de Ian Carr, fueron uno de los grupos más hábiles en la época y protagonistas de la escena británica de jazz-rock por muchos años. La soñadora y romántica “Song For The Bearded Lady”, del álbum “We'll Talk About It Later” (1970), es una buena muestra de ello, el sonido "orquestal" y electrónico de “Torso”, que abarca la mitad de “Solar Plexus” (1971), la síntesis elegante, barroca de su álbum más impecable, “Belladonna” (1972), que se basaba en arreglos de metales y teclados, así como en ritmos que eran resbalosos y sólidos a la vez.
Keith Tippett, quien había ensamblado un formidable grupo de talentos, entregó trabajos tales como “Dedicated To You But You Weren't Listening” (1971) y el colosal “Septober Energy” (1971), ejecutado por la orquesta de 50 miembros, o “Centipede”, que era más apropiadamente jazz.
Dave Stewart y Steve Hillage empezaron otra dinastía dentro de la escuela de Canterbury cuando ellos formaron Egg, otra banda sobre expuesta que tocaba música sinsentido, temas como “La Symphony No.2”, del álbum “Egg” (1970), la fantasmagórica clásica-jazz-rock “Long Piece No.3” de su “The Polite Force” (1971), y las últimas sesiones en “The Civil Surface” (1974), tales como “Germ Patrol” y “Enneagram”, empacaban suficientes ideas para que dos generaciones de músicos exploraran otros campos aún desconocidos.
Como hemos visto muchas de las obras maestras de Canterbury fueron grabadas a principios de los 70 por miembros originales de Soft Machine. Daevid Allen era uno de ellos y estaba solo vagamente relacionado a las principales direcciones estilísticas de la escuela: Allen era, antes que nada, un hippie/raro que mezclaba la estética paradójica de Frank Zappa y la cultura comunal de San Francisco. Fundo la banda Gong, con el guitarrista Steve Hillage, el saxofonista Didier Malherbe y el teclista Tim Blake, y preparó una versión "cósmica" del acid-rock. Sus obras maestras, las cuales incluyen por lo menos “Camembert Electrique” (1971), el grandioso “Flying Teapot” (1973) y “Angel's Egg” (1973), son collages demenciales de melodías infantiles, trompetas de circo, ritmos de jazz, teclados galácticos, lamentos sensuales/celestiales, mantras sardónicos, electrónica burlona e himnos de caricatura. Todo el conjunto exuda una sensación de cacofonía estática. Esta es una psicodelia que alucina pero no está cataléptica. “Flying Teapot” (1973), en particular, permanece como uno de los vuelos más salvajes de la imaginación de la música rock.
Kevin Ayers se convirtió en un cantautor lunático proyectando la persona de un dandi exótico y decadente. “Joy Of A Toy” (1969), es una colección de tonadillas encantadoras, definió su mezcla indiferente de música de salón, canciones de cuna folklóricas, world-music y también música infantil. La melancolía existencial que de por sí poseía, le llevo a su trabajo álbum más excéntrico, “Shooting At The Moon” (1970), con el compositor y teclista de vanguardia David Bedford, el joven guitarrista adolescente Mike Oldfield y el saxofonista de jazz Lol Coxhill. Aquí Ayers encontró un equilibrio poco probable de sinsentido armónico y estribillos pegajosos, mientras que empapaba sus cuentos de hadas de surrealismo y expresionismo. La suite de 18 minutos dividida en cuatro partes “The Confessions of Doctor Dream” (1974) fue su trabajo más ambicioso y una completa pesadilla.

Robert Wyatt  expandió en las intuiciones de su “The Moon In June”, en su primer álbum como solista, “The End Of An Ear” (1970). El inventó un nuevo tipo de lenguaje, con inclinación tanto a la tradición (pop, soul, folk, jazz) como a la vanguardia (minimalismo, electrónica), tanto personal como público. La misma sesión de temas privados y públicos, pero con un énfasis en su persona pública (y comunista), caracteriza los dos álbumes de Matching Mole, “Matching Mole” (1972) y “Little Red Record” (1972), los cuales son claros ejemplos de música cerebral, de protesta que es de hecho conmovedora, además de establecerse entre las más intensas grabaciones de cualquier cuarteto de jazz-rock. Su vida privada hizo erupción en “Rock Bottom” (1974), una de las obras maestras supremas de la música rock, una auténtica transfiguración de tanto el rock como el jazz. Sus piezas abarcan la frontera imposible entre un himno religioso y las canciones de cuna infantiles. A lo largo de esa línea imaginaria, Wyatt esculpió una zanja profunda de torrente emocional, donde la felicidad, la tristeza, la fe y la resignación encontraron una unidad metafísica. La sorprendente originalidad de esa obra maestra, y su bien elaborado flujo de conciencia, nunca fueron alcanzados por lanzamientos posteriores de Wyatt. El último trabajo significante de su carrera fue “Animals Film” (1982). Wyatt preparó una de las músicas más conmovedoras de todos los tiempos y por lo menos una de las obras maestras del siglo. El fue bendecido por ser tanto un batería dotado, heredero de las tradiciones del rock progresivo y del jazz-rock, y un vocalista innovador único, con su llanto falsete, vagamente derivado de la forma de cantar sin palabras del jazz, mezclaba el soul, budismo y psicodelia.
“1984” (1973) por Hugh Hopper y Elton Dean de “Elton Dean” (1971) también figuraron entre los trabajos más originales y eruditos del rock progresivo de la Gran Bretaña. Sobre todo, los alumnos de Soft Machine constituían un buen trozo del canon del rock progresivo en la Gran Bretaña.
La escuela de Canterbury continuaron produciendo bandas, talentos y obras maestras a través de mediados de los 70. Richard Sinclair y Dave Stewart unieron fuerzas y formaron Hatfield & The North, cuyo primer álbum, “Hatfield And The North” (1974), fue un apéndice competente a Caravan. Entonces Dave Stewart y Alan Gowen formaron una banda más orientadas a los teclados, los National Health, que no tuvieron reparos en jugar con las disonancias, electrónica y el jazz-rock orquestal de Frank Zappa en los cuatro largos temas que componían su album “National Health” (1978) y en su obra maestra “Of Queues And Cures” (1978).
Cuando el niño prodigio Mike Oldfield grabó “Tubular Bells” (1973), una suite de larga duración en un álbum de música instrumental, toda tocada por sí mismo y pegando las partes de docenas de instrumentos, redefinió lo que el rock progresivo era. De hecho, "rock progresivo" se convirtió en un término obsoleto para referirse a una música que cruzaba todas las fronteras estilísticas. Las aventuras subsecuentes de Oldfield en la suite, comenzando por “Hergest Ridge” (1974), nunca repitieron el milagro de su primer trabajo, a pesar del hecho de que “Ommadawn” (1975) e “Incantations” (1978) estaban construidas en cimientos más y más ambiciosos aparte de que Oldfield eventualmente le restaría valor al formato en favor de la canción soft-rock & pop, particularmente con “Moonlight Shadow” en 1982.

Sin embargo, la segunda generación de Canterbury estaba mejor representada por Henry Cow, fundadores del movimiento político y musical "Rock In Opposition". Con virtuosos tales como el guitarrista Fred Frith, el bajista John Greaves, el percusionista Chris Cutler, el teclista Tim Hodgkinson, y, más adelante, el tocador de oboe Lindsay Cooper, aumentaron el cociente de la inteligencia del rock progresivo. “Leg End” (1973), inspirado por el jazz-rock de Soft Machine y las suites orquestales de Frank Zappa pero también por el free-jazz y por la vanguardia disonante (“Nine Funerals Of The Citizen King”), fue simplemente el aperitivo para “Unrest” (1974) para sus sesiones/suites cerebrales, enrolladas, arduas pero también extravagantes, maravillosas y surrealistas. Los Henry Cow habían fundado un equilibrio mágico entre la composición y la improvisación. En su siguiente paso dieron buena muestra de ello con “Desperate Straights” (1974), el primer fruto de la fusión con el grupo multinacional Slapp Happy, con el teclista británico Anthony Moore, el vocalista alemán Dagmar Krause y el guitarrista estadounidense Peter Blegvad, del cual “Acnalbasac Noom” (1973) había sido un experimento intrigante de cabaret expresionista y música rock. Su segundo, y mejor, álbum en conjunto, “In Praise Of Learning” (1975), fue su testamento artístico: la rústica fusión de los primeros años había mutado en una forma de arte austera y erudita. Ese día fue explorada más adelante por Frith, Cutler y Krause como los Art Bears en sus cantos abstractos de “Hopes And Fears” (1978) y “Winter Songs” (1979).
Otros trabajos notables por músicos del sonido Canterbury incluyen al álbum “L” (1976) de Steve Hillage, quien tendería un puente entre la cultura hippy y la cultura rave en “System 7” (1991), y “New Jerusalem” de Tim Blake (1978).

Cannonball Adderley-Cannonball Adderley Sextet: Planet Earth (1969)

Cannonball Adderley fue uno de los grandes saxofonistas de la historia del jazz, un músico que tenia una peculiar e innata cualidad para comunicar su música de manera masiva y convertirla en muy popular entre el publico en general. Con una carrera consolidada tras de si, a mediados de los 50 se traslado a Nueva York desde su Florida natal, allí pronto causaría una gran sensación y terminaría en la banda de Miles Davis. A finales de esa década publicaría algunas de sus obras cumbres como "Somethin´ Else" junto a Miles Davis, Hank Jones y Art Blakey. Durante la década de los sesenta su estilo conmovedor de hard bop destacaría grabando para los sellos Riverside y Capitol, álbumes de prestigio como "Know What I Mean" junto a Bill Evans o "Accent On Africa". Con la Capitol sus álbumes se orientaron hacia los sonidos más mainstream y comerciales como quedo demostrado en su tremendo éxito "Mercy, Mercy, Mercy" de 1966. Casi a finales de los sesenta, la desaparecida discográfica Riverside lanzaría el directo "Cannonball Adderley Sextet; Planet Earth", en donde contaba con las destacables colaboraciones de Joe Zawinul, Louis Hayes, Nat Adderley, Yusef Lateef y Sam Jones. Un álbum técnicamente impecable con una serie de composiciones de jazz moderno como la soul "Seventh Son", ejecuciones exóticas "Brother John" o intrigantes hard bop "Syn-Anthesia", reflejando con todas ellas un estilo vanguardista de claras influencias orientales.

Aunt Mary-Janus (1973)

Aunt Mary fue una de las agrupaciones más interesantes surgidas en Noruega durante los años 70. Con un estilo que combinaban diferentes influencias que van desde la psicodélica hasta el pop rock, con retazos de blues y los sonidos mas vanguardistas del proto progresivo. Su formación estaba compuesta por Bjoern Christiansen (guitarra y voz), Per Ivar Fure (flauta, harmónica, saxo y órgano), Jan Leonard Groth (teclados, guitarras y voces), Svein Gundersen (bajo) y Kjetil Stensvik (batería). Después de conseguir un contrato con la Polydor, lanzaron su álbum debut a mediados de 1970, un trabajo bastante más accesible que sus siguientes esfuerzos discográficos, con una menos presencia de los teclados en favor de los instrumentos de viento y cuerda. Varios años mas tarde llegaría el segundo registro "Loaded", en donde se orientan hacia los terrenos mas duros del rock, sin abandonar por completo los sonidos progresivos. Sin embargo seria su tercer lanzamiento "Janus", cuando lograrían su obra definitiva, un solidó trabajo en el cual muestran las virtudes talentosas de esta formación. La bulliciosa "Path of Your Dreams", y la animada prog "For all Eternity" son junto a las beatle "All We´ve to do is dream" y "Mr.Kaye" los cortes mas accesibles, mientras que la vena progresiva esta presente en la improvisada bluesy "Stumblin´ Stone" o en las sinfónicas progresivas "Candles Of Heaven" y "What A Lovely Day", dando finalizado así un destacado álbum progresivo realizado por esta fugaz e interesante banda Noruega.

Spooky Tooth-The Mirror (1974)

Los orígenes de esta importante banda británica de blues rock con tintes progresivos se remontan finales de 1964, cuando una banda llamada The V.I.P.´s publicarían varios singles de escaso éxito y que derivarían en la antesala de los Spooky Tooth como fueron Art, grupo el cual publicaría el álbum “Supernatural Fairy Tales” (1967) Justo un año después el cantante Mike Harrison, el teclista y vocalista Gary Wright, el guitarra Luther Grosvenor, el bajista Greg Ridley y el batería Mike Kellie, forman oficialmente Spooky Tooth publicando el primer álbum titulado “It´s all about a Roundabout” (1968) que es comercializado por el sello Island. Este primer álbum las influencias psicodélicas del anterior grupo Art son bastantes evidentes, pero asomando tímidamente ese blues rock que mas tarde seria el signo de identidad del grupo, alternando versiones como temas propios, pero que pasaría con mas pena que gloria.

No ocurriría lo mismo con el segundo álbum, el magnífico “Spooky Two” (1969), que logró hacerse un hueco en listas inglesas y americanas, gracias en parte a temas como  "Evil Woman" o "Waitin’ For The Wind". Tras el álbum Greg Ridley abandonó el grupo para pasar a formar parte de Humble Pie. Con un nuevo bajista Andy Leigh, publican “Ceremony” (1970), el cual y debido al cambio hacia terrenos más electrónicos sufre un descalabro monumental y precipita la desbandada general de casi todos los miembros del grupo. A partir de aquí Luther Grosvenor se une a los Stealers Wheels y Gary Wright funda Wonderwheel. A mediados de ese mismo año el grupo se reforma con la incorporación de algunos integrantes de la Grease Band de Joe Cocker, como Chris Stantion, Henry McCulloch y Alan Spenner, pero que no supieron remontar la carrera del grupo con la grabación del álbum "The Last Puff” (1970). Este nuevo fracaso termina por la desaparición del grupo a finales de 1970. Pero tres años después resurge Spooky Tooth con un sonido mas hard rock, la vuelta del teclista Gary Wright y de Mike Harrison, junto a las incorporaciones de nuevos miembros como el cantante Mike Patto, el guitarrista Mick Jones, el batería Bryson Graham o el bajista Ian Herbert, parecen darle nuevos bríos al grupo.

Con esta formación se publica los álbumes  “You Broke My Heart So I Busted Your Jaw” (1973) y “Witness” (1973) con los cuales obtienen unas aceptables ventas y unas mejores criticas, deparando la mejor época del grupo. En “The Mirror” (1974) el grupo vuelve a reclutar a nuevo integrantes como el ex bajista de Van Der Graaf Generator, Keith Ellis, sin embargo pese a contener grandes momentos como "Kyle", "Fantasy Satisfier", "The Mirror" o "The Hoofer", no logran el éxito deseado. En 1974 la banda se separó definitivamente aunque ello no haya evitado las ya consabidas y puntuales reunificaciones con algunos de los miembros originales del grupo. Un año después la Island publicaría el recopilatorio “The Best of” (1976). Posteriormente algunos de los integrantes pasarían a formar parte de bandas como Foriegner (Mick Jones) o The Alvin Lee Band (Bryson Graham).

Manfred Mann´s Earth Band-Angel Station (1979)

Como ya hemos comentando en otras ocasiones, la década de los ochenta supuso un punto de inflexión para todas aquellas bandas que habían triunfado creativa y comercialmente durante los años 70. Manfred Mann´s Earth Band no fueron la excepción y como tal se adaptaron a los nuevos tiempos pero conservando su original filosofía musical. En este contexto surgió el noveno registro de la banda lidera por el teclista Manfred Mann, “Angel Station” (titulo que hace referencia a una de las estaciones del metro de Londres), quien junto a Chris Thompson (voz), Geoff Britton (batería), Pat King (bajo) y Steve Waller (guitarra), lograron crear un firme trabajo que denotaba ciertas influencias new wave y los sonidos comerciales bajo sus influjos progresivos habituales. Esa comercialidad esta presente en la inicial "Don´t Kill it Carol" una atronadora canción de rock clásico impulsada por el bajo, la guitarra y los teclados, otro clásica en clave rock aparece en la versión del tema de Bob Dylan, "You Angel You", la cual pone de manifiesto las acertadas versiones que esta banda solía interpretar. Por otro lado la hipnótica y sublime "Angels At My Gate", la bluesy "Belle of the Earth", la sarcástica "Resurrenction", la épica y antologica "Waiting for the Rain" o la sombría "Hollywwod Town", terminan por completar un álbum tan disfrutable como meritorio, en un momento de la historia en donde había que hilar muy fino para no entrar en la bancarrota musical.

Ginger Baker´s Air Force

Una vez acabada la aventura de Blind Faith, a finales de 1969, Ginger Baker quiso reunir una nueva banda a la que llamo Air Force, en un intento de crear una escuela de rock.
Todo surgiría tras un concierto en el que se reunieron algunos de los mas renombrados músicos de la época, como Steve Winwood, Denny Laine, Graham Bond, Chris Wood, Ric Grech o Harold McNair, además del propio Baker.
De esta simple reunión ocasional surgiría algo mas que esa colaboración en vivo, ya que todos ellos saldrían encantados con la experiencia vivida, gracias a la gran sonoridad y al feeling que conseguirán aquel día.
Fue entonces cuando Ginger Baker pensó en dar forma a una especie de escuela del rock y mantuvo las riendas esa fenomenal alineación, cuyo único patrón era que en ella podría a entrar a formar parte quien quisiera sin compromiso alguno.
Estaba claro que lo que en un principio quería idear Baker era a semejanza de lo que hasta ese momento ya llevaba en practica John Mayall, con la diferencia de que el propio Baker jamás podría ejercer el liderazgo que aquel mantenía en sus constantes proyectos, debido en parte al poco carisma que poseía y a su agrio carácter.

Poco después la banda realiza dos memorables conciertos en el Town Hall de Birmingham y en el Royal Albert Hall de Londres, ambos a finales de 1969.
Los resultados de ambos conciertos se derivan en unas excelentes críticas, las cuales precipitan que se publique en álbum el show realizado en Londres.
Este álbum en vivo titulado “Ginger Baker’s Air Force” fue publicado finalmente el 30 de marzo de 1970 para el mercado europeo y norteamericano. Debido a su duración fue confeccionado como un disco doble, el cual contenía ocho temas, la mayoría de ellos de una duración que sobrepasaban los diez minutos
Este primer álbum supondría un trabajo extraordinario en donde las fusiones del jazz, el rhythm and blues, el folk, y los sonidos étnicos eran muy elocuentes.
El álbum pronto escalaría las posiciones en los charts británicos y norteamericanos y es que para una banda la cual solo había ofrecido dos actuaciones en vivo, colocar con su primer álbum los puestos 33 y 37 respectivamente era algo sin precedentes hasta esos momentos.
Incluso la critica especializada, muy enemiga de las reuniones de los súper grupos, vieron con buenos ojos este insólito proyecto.
La impresionante formación de este primer álbum comprendía a Ginger Baker a la batería y percusiones, Denny Laine guitarra y vocales, Ric Grech al bajo y violines, Steve Winwood al órgano, bajo y vocales, Graham Bond al órgano hammond y vientos, Chris Wood a la flauta y vientos, Harold McNair a los vientos, Remi Kabaka y Phil Seamen a la percusiones, Bud Beadle, vientos y la vocalista Jeannette Jacobs.
Esta increíble formación lograba crear un clímax indescriptible debido en gran parte a la aportación de varias baterías y percusiones las cuales llegaban a transmitir un dialogo de enorme tensión y poderío.
Pero como era previsible y debido al ego y sobre todo al talento de sus integrantes, pronto empiezan a haber deserciones, por un lado el genio Steve Winwood abandona para reunificar a los míticos Traffic y con el se va Wood y Grech, por su parte Denny Laine es llamado por Paul McCartney para pasar a formar parte de su nueva banda Wings y más tarde y poco a poco seguirán el mismo camino el resto de la banda a excepción de Bond y Beadle que continuaron junto a Baker.
Con nuevos refuerzos como el saxofonista Steve Gregory, el bajista Colin Gibson, el percusionista Neemoi Acquaye y las coristas Catherine James, Aliki Ashman y Diane Stewart el grupo parecía que empezaba una nueva etapa realizando una larguísima gira por los Estados Unidos, en un intento de emular las sensaciones de unos nuevos Blind Faith.
Pero la enorme complejidad musical y el poco apoyo publicitario, hicieron de ese tour un fracaso absoluto, con unas ventas de localidades muy escasas, precipitando que el proyecto colapsara justo en el momento en que el grupo ultimaba la grabación del segundo álbum, “Ginger Baker´s Air Force 2” (1970).
Esto aceleraría la total desaparición del grupo a finales de ese mismo año, no sin antes haber dejado impreso su pase por la faz musical mundial con pruebas magistrales de la calidad que atesoraba el grupo mientras duro.
Varios años después Baker formaría el grupo Baker Gurvitz Army, grabando tres meritorios álbumes mas, aunque estos enfocados hacia los terrenos del hard rock, por su parte el otro único superviviente original y gran protagonista de la banda, Graham Bond y en medio de una gran crisis financiera, sentimental y con las secuelas de su recuperación a la adicción a las drogas, terminaría bajo las ruedas de un tren en la estación Finsbury Park de Londres el ocho de mayo de 1974

Aragorn-The Suite (1973)

La corta carrera de Aragorn apenas duraría unos meses, los suficientes para dejar grabado un álbum que solo fue lanzado en una limitada edición de medio centenar de copias, hasta que muchos años después fue rescatado y reeditado en cd. Esta banda australiana fue liderada por un talentoso músico de formación clásica llamado Oleg Dietrich que en 1967 había empezado a componer una obra llamada "The Suite", influenciado por el libro "El Señor de  los Anillos”. Años mas tarde termino de completar la mayor parte de todo esa composición y formaría una banda a la que llamaría Aragorn para poder grabarla y publicarla oficialmente. Con una banda definitivamente consolidada grabaron "The Suite”, un registro que bebe directamente de las raíces del rock progresivo británico con ecos al folk medieval y al jazz. Una obra que muestra una gran intensidad, con una composición sobria y compleja, con unos densos pasajes en una serie de piezas separadas fluidas que dan como resultado una pequeña obra maestra oculta del rock progresivo.

Premiata Forneria Marconi-Jet Lag (1977)

Con su octavo álbum "Jet Lag", la banda italiana Premiata Forneria Marconi abrió un nuevo sendero musical dejando atrás sus letras poéticas y cantando en ingles sin mediar la participación del letrista Peter Sinfield, el cual habia traducido los álbumes "Per Un Amico", con el sobrenombre de "Photos Of Ghosts" y el de "L´Isola Di Niente" con el de "The World Became The World", ambos para el mercado anglosajón. En esta ocasión la formación transalpina musicalmente se enfoca principalmente en el ambicioso mercado norteamericano, facturando un trabajo más cercano al jazz fusion/rock tan de moda en los años de finales de los setenta. La interacción de la sección rítmica compuesta por Franz Di Cioccio y el bajista Jan Patrick Djivas, es realmente electrizante y compleja, mientras que la falta de los instrumentos de vientos habituales debido al abandono de Mauro Pagani, se ven cubiertos por el excelente violín de Gregory Bloch. Mención aparte es la guitarra de Franco Mussida, mostrando una gran dureza poco habitual con riffs vertiginosos que se asemejan al hard rock. Desde la increíble pieza que da titulo al álbum, una soberbia composición de jazz rock progresivo, hasta la pastoral e instrumental "Peninsula", la formación italiana rebusca y encuentra un sonido incalificable dentro del rock progresivo, siempre sin alejarse de la esencial propuesta progresiva italiana. A todo ello las voces funcionan perfectamente a la filosofía general de la música y pese a no alcanzar la elocuencia de sus emblemáticas obras aun conserva momentos de grandilocuencia. El resto del repertorio esta compuesto por piezas que navegan entre el rock progresivo puro "Traveler", ejercicios instrumentales de gran talento "Meridiani" o exploraciones vanguardistas como la enérgica "Left-Handed Theory". Sin duda "Jet Lag" es otra de las obras imprescindibles de la Premiata Forneria Marconi pese al sustancial cambio estilístico con respecto a su propuesta inicial.

Beyond-O-Matic-Sonic Reclaimator (1996)

Beyond-O-Matic fueron una interesante formación norteamericana de space rock, que lanzaron cuatro interesantes álbumes entre 1994 y 2010.

En 1996 con su segundo álbum "Sonic Reclaimator", esta banda formada por Peter Fuhry (vocalista, guitarra, acordeón flauta y clarinete), Glenn Wilcox (batería) y Kurtz Stenzel (teclados), muestran la suficiente madurez compostiva que de alguna manera adolecían en su primer y meritorio lanzamiento "The Flight Of Luis Garcia" (1994).

En este entrega su brillante propuesta de extensas piezas, sus pasajes atmosféricos y relajados bajo los omnipresentes sintetizadores ambientales y sus influencias hard rock, confieren a este lanzamiento uno de los mejores esfuerzos progresivos norteamericanos de la década de los 90.

Van Halen- A Different Kind Of Truth (2012)

En medio de toda la polémica suscitada en torno a los conflictos entre Sammy Hagar, Michael Anthony y su ex-banda Van Halen, con continuos cruces de declaraciones, se publico el tan ansiado nuevo álbum de los Van Halen originales con David Lee Roth.
De hecho, el que el hijo de Eddie, Wolfgang, se hiciese cargo del bajo en sustitución de Michael Anthony no presagiaba nada bueno en un principio. 
Pero una cosa si teníamos claro y es que ya muchos fans asumían que aprovecharían material desechado de sus primeros álbumes, para confeccionar este nuevo trabajo.

Sin embargo aquí que nos encontramos con un álbum que combina las cualidades de su mejor época, con la experiencia adquirida tras 40 años de carretera.
Y es que aquí no nos vamos a encontrar los medios tiempos ni las baladas típicas de la era de Hagar, todo contrario, el enérgico y poderoso rock es el denominador común de todo el disco y en el encontramos desde los clásicos temas al más puro estilo Van Halen de su primer álbum, como "She´s The Woman", "Bullethead" o "China Town", hasta refrescantes canciones como "Me and your blues", "Beats workin’" o "Tattoo".

The Next Morning-The Next Morning (1971)

The Next Morning fue una fugaz banda norteamericana fundada en Nueva York por el guitarrista de Trinidad y Tobago, Scipio Sargeant, el cual había emigrado a la ciudad de los rascacielos a finales de los sesenta.

Una vez establecido en la gran manzana, entablaría una gran amistad con el guitarrista Bert Bailey, y ambos deciden formar una banda a semejanza del hard rock y el blues rock acido y psicodélico de la Jimi Hendrix Experience.

Para ello reclutan al baterista Herb Bailey, al organista Earl Arthur y al cantante Lou Phillips.

Después de una serie de conciertos en diferentes locales de Nueva York, la banda logra un gran interés mediático y son fichados por un sub sello afiliado a la Rhino Records.

Con el apadrinamiento del mencionado sello logran grabar su primer y único álbum en los estudios Electric Lady de Nueva York.

El resultado final de este álbum es una clara muestra de las tremendas influencias de Jimi Hendrix en la banda, que empujados por un vertiginoso y estridente órgano y unas guitarras fuzz dejaron un repertorio cargado de sonidos psicodélicos y hard rock, con ramalazos de funk y soul como queda demostrado en los cortes "Jam Of Love", “Life Is Love”, “The Next Morning", "Changes of the Mind” o “Back to the Stone”.

Granada-España, Año 75 (1976)

Granada fue una banda española de rock sinfónico que bajo un estilo muy particular y único lanzaron tres magníficos álbumes en los año 70. Liderada por el multi instrumentista Carlos Cárcamo, el resto estaba formado por el baterista Juan Bona, el bajista Antonio García y el guitarrista Michael Vortreflich. En 1975 la formación lanzaría su álbum debut "Hablo de una Tierra", un trabajo ecléctico que fusiona diferentes estilos como el blues y el rock siempre bajo el prisma progresivo. En este debut el sonido de las mordaces guitarras y el omnipresente Mellotrón nos conducen por agradables viajes con sabor mediterráneo y andaluz. Un año mas tarde llegaría su segundo registro, "España Año 75", un titulo irónico para un año crucial en la historia de España. El álbum al completo esta repleto de magnificas exhibiciones de música progresiva sinfónica con rebosantes alusiones folclóricas. Los matices jazzisticos y los ambientes mediterráneos son junto a los pasajes atmosféricos y sosegados, lo mas destacado de un álbum en donde sobresalen cortes como la epopeya "El Calor que pasamos este verano", la atmosférica "Septiembre" o las folk progresivas "Noviembre Florido” y "Ahora vamos a ver que pasa (vámonos para el Mediterráneo)". Con este disco Granada y el rock progresivo español en general, demostraron el solidó estilo que el panorama musical de España producía en los fértiles, musicalmente hablando, años 70.

Steve Hogarth & Richard Barbieri-Not the Weapon but the Hand (2012)

“Not The Weapon But The Hand" es el nombre del primer álbum del proyecto formado por el vocalista de Marillion, Steve Hogarth y el teclista de Porcupine Tree, Richard Barbieri. 
Barbieri y Hogarth empezarían su relación profesional a mediados del 2008, cuando coincidieron en algunos conciertos de ambas bandas. Por aquella época Hogarth propuso a Barbieri formar parte de su propia banda. Mas tarde seria el propio Barbieri quien le propuso iniciar un proyecto al unísono que tardaría algunos años en formalizarse debido a la apretada agenda de ambos músicos. Por fin el año 2011 Barbieri mandó unas maquetas a Hogarth, quien le agregó la voz para finalmente ultimar detalles y tener prácticamente conformado este álbum debut, el cual en unas primeras escuchas resulta muy interesante.

Def Leppard-Adrenalize (1992)

Cuando Def Leppard lanzo "Adrenalize" en 1992, parte de la prensa los acusó de continuistas por considerar que utilizaban fórmulas idénticas al anterior "Hysteria".
Sin embargo, este no era el único hándicap con el que se encontraría la banda, en ese momento el grunge y el rock alternativo arrasaban con los gustos musicales, en detrimento de las bandas que años antes se habían adueñado de las listas y las preferencias del gran público.
Aún así, "Adrenalize" subiría al número uno tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, obteniendo 15 discos de platino en ventas globales.
Musicalmente, el álbum ciertamente presenta un sonido muy en la línea del álbum anterior, con canciones enérgicas como "Let's Get Rocked", "Make Love Like a Man", baladas lacrimógenas como "Have You Ever Needed Someone So Bad" o "Tonight ", y medios tiempo de impacto como  "Stand Up (Kick Love Into Motion)".

Frank Marino & Mahogany Rush-What´s Next (1980)

Comenzando la década de los 80, el guitarrista canadiense Frank Marino publicaba su séptimo álbum junto a sus inseparables Mahogany Rush, esta vez con el añadido de Vince Marino (hermano de Frank), como segundo guitarra. El resto seguía formado por el bajista Paul Harwood y el baterista Jimmy Ayoub. Pese al culto de las melodías y los omnipresentes teclados que empezaban a hacer mella en el rock de esos años, aquí aún Frank Marino sigue empeñado en expandir su apabullante hard rock de los 70 como manifiesta este "What´s Next", con un repertorio cargado de tremebundas canciones como "Loved By You", "Finish Line", "Something´s Comin´Our Way" o poderosas versiones como la tradicional blues "Rock Me Baby", la excitante "Mona" de Bob Diddley" y la trepidante "Roadhouse Blues" de The Doors.

Van Der Graaf Generator

Este mitico grupo británico ha vivido una larga e intensa historia que daría lo mejor de sí entre 1969 y 1972, precisamente la mejor época del rock progresivo, pero que en los sucesivos 40 años ha seguido manteniendose como una de las mas longevas de la historia.
Considerada una de las bandas de este genero más destacadas de la era de los 70 y liderada por el incomparable e intenso compositor, vocalista, pianista y guitarrista, Peter Hammill, la agrupación supo crear un sutil rock sinfónico, en donde son características fundamentales las inflexiones y giros vocales, las letras existencialistas y las complejas composiciones instrumentales. Además, Peter Hammill tiene una brillante carrera como solista, que hasta nuestros días lo mantiene en constante actividad, convirtiéndose en una de las figuras de culto mas esenciales de la vanguardia de todos los tiempos.
Todo empezaría a mediados de 1967 en la ciudad de Manchester, cuando Chris Judge-Smith, se uniría a Peter Hammill y al teclista Nick Peame, para formar una banda  la cual bautizaron con el nombre de Van Der Graaf Generator, en honor a un físico nuclear norteamericano. De este primer núcleo saldría la primera formación oficial del grupo que además de los mencionados comprendían también a Hugh Banton al órgano, Guy Randolph Evans a la batería y Keith Ian Ellis al bajo.
En 1968 publican su primer elepé, “The Aerosol Grey Machine” (1969), un excéntrico trabajo que en un principio fue concebido como álbum solista de Peter Hammill, y que pasa totalmente desapercibido por la critica y él publico en general.
Seria justo después de este álbum cuando Tony Stratton Smith, un afamado periodista musical que acababa de crear el sello Charisma, se interesa por el grupo y les contrata y así al año siguiente, con el reemplazo de Ellis por Nic Potter y la incorporación del saxofonista David Jackson, editan su segundo álbum, “The Least We Can Do Is Wave To Each Other” (1969), un trabajo sobrecogedor y sorprendente, aquí el grupo ya muestra una faceta barroca con unos textos excelentes de Hammill, que hablan desde lo místico hasta lo cotidiano, pasando por la religión, la astrología...etc.
El grupo mostraba también aquí su lado gótico y atmosférico, en el que recreaban su propia versión del Apocalipsis, con referencias cruzadas al ocultismo y a la ciencia atómica nuclear, aparte de incluir el gran tema “Refugees”.
La música en si era intensa y furiosa por momentos, en donde dan cabida desde el jazz, hasta la psicodelia y al rhythm blues, el órgano electrónico de Benton, el sonido punzante del saxo de Jackson, el frenético ritmo de Evans y la inigualable voz de Hammill, crean un impacto sonoro impresionante y arrollador.
Temas como la opresiva “Darkness”, la melódica “Refugees” o la sutil “Out fo my book”, conforman un álbum que quedara como una obra maestra del rock progresivo.
Este lanzamiento consigue unas grandes criticas tanto de publico como de la prensa especializada y logra entrar én los charts británicos alcanzando muy buenas ventas.
Un año después aparece otro de sus grandes discos “H To He Who Am The Only One”, (1970), en donde continúan por la senda del anterior y confirman su sonido característico, sobresaliendo el sonido envolvente del órgano Hammond que involucra a la música en un estado mucho mas sepulcral y violenta, y en medio del tinglado electrónico aparece la guitarra de Robert Fripp, invitado de lujo en este álbum.
La siniestra “Killer”, la complejísima “The Emperor in His War-Room” o la melódica “House with no Door”, vuelven a poner al grupo entre la vanguardia del rock sinfónico de esa época.
Después de este ultimo álbum el bajista Nic Potter abandona el grupo y lejos de ser remplazado por un nuevo músico, el cometido de su instrumento fue sustituido por los pedales del órgano de Banton
Con la partida de Potter, la banda publica en 1971 un sofisticado álbum titulado “Pawn Hearts”, quizás la obra más ambiciosa del grupo, en la cual también contarían con la colaboración de Robert Fripp a las guitarras.
El grupo experimentaría aquí el modelo de “Foxtrot” de Genesis, con una larguísima suite de 22 minutos titulada “A Plague of lighthouse keepers”, secundada por las baladas “Lemmings” y “Man erg”, dos ejercicios deslumbrantes de art-rock
Pero a partir de aquí la banda empieza a encontrar una serie de dificultades, entre ellas las del propio Hammill, que desea un mayor protagonismo en solitario.
Tanto es así que Hammill disuelve la agrupación y comienza su carrera como solista, editando una serie de reconocidos trabajos como “Fool’s Mate” 1971, (nuevamente con la participación de Robert Fripp), “Chameleon In The Shadow Of The Night” (1973) y “The Silent Corner And The Empty Stage” (1974) este ultimo junto a Randy California, entre otros.
Pero mientras Hammill explotaba su imaginación lírica en sus trabajos en solitario el resto del grupo no se esta quieto y forman una banda a la que denominan Long Hello y con la cual publicarían un disco homónimo en 1974 bajo el sello Charisma sin ninguna repercusión comercial.
Un año después Hammill reforma la banda con la misma formación (Banton, Evans y Jackson), volviendo con el excelente disco “Godbluff” (1975). Un trabajo más terrenal, lejos de las grandilocuencias suites de antaño y las sepulcrales atmósferas del inicio.
Este nuevo album seria un notable regreso, con un Hammill más en el frente que nunca, el saxo y el órgano tomando un rol protagónico e incluso en pequeños detalles como el de la recreación del potente riff de “Killer” en el tema “Arrow”.
Aún así el propio Hammill no renuncia a la idea de seguir una carrera en paralelo y publica los álbumes “In Camera” (1974) y “Nadir´s big Chance” (1975), un pletórico ejercicio sonoro electrónico en donde se inventa el personaje de Rikki Nadir, un personaje clave a la inspiración del movimiento punk que llegaría mas tarde.
Un año después llegarían los álbumes de Van Der Graaf; “Still Life”, con una temática muy similar al anterior y “World Record”, en el cual Peter Hammill expande sus horizontes instrumentales dando más espacio a su guitarra eléctrica (a la que dedica una pieza completa llamada “Meurglys III”) y por vez primera a los sintetizadores. La experimentación resulta exitosa y permite al grupo no repetirse emulando los dos anteriores trabajos “Godbluff” y “Still Life”. Esto le da una personalidad propia a “World Record”. Además, este sería el último disco en el que participaría el saxofonista David Jackson y el organista Hugh Banton, por lo que el grupo acortaría su nombre simplemente a “Van Der Graaf” y cambiaría nuevamente de formato.
En cualquier caso son trabajos en los que exhibían un sonido más apretado y poderoso, y poco después se integra el violinista Graham Smith. Con el sonido de los vientos reemplazado por el violín y sólo bajo el nombre de Van Der Graaf, editan el disco “The Quiet Zone/The Pleasure Dome” en 1977 y al año siguiente el trabajo doble en directo, “Vital”, que fue su despedida, no precisamente notable por su calidad de grabación para lo que Van Der Graaf había hecho en años anteriores.
Ya empezada la nueva década de los ochenta llegarían varios álbumes mas; “Rock Heavies” (1980) y “Now & Then”, aparecido en 1986.
La carrera de Peter Hammill en cambio seguía sin ningún problema publicando interesantes trabajos y convirtiéndose de paso en una figura de culto para los seguidores del rock progresivo.
Trabajos como “Over” (1977), “The Future Now” (1978), “PH7” (1979), o “Black Box” (1980), eran caldo de cultivo para sus experimentaciones mas variadas, desde el rock convencional hasta casi un estilo minimalista, publicando en adelante numerosos trabajos todos ellos muy apreciados por los fans de alrededor del mundo.
Volviendo al grupo, ya en los ‘90 se reunieron para algunas grabaciones en vivo, además de editarse variadas recopilaciones, entre las que destaca “Maida Vale” de 1994, un recopilatorio de sus registros para la BBC entre el ‘71 y el ’76, donde todavía asombra la capacidad de la banda para tocar complejas piezas como “Darkness” y “Man-Erg”. En 1993 aparece “I Prophesy Disaster”, otra compilación que incluía el bonus tracks de un impresionante tema llamado ‘W’, claro ejemplo de una época intensamente bizarra.
Ya en el año 2005 el grupo vuelve a reunir la formación original para publicar el álbum “Present”, y después de este el grupo ya conformado como trío, sin Jackson han publicado los trabajos “Trisector” (2008) y “A Grounding in Numbers” (2011)
En definitiva Van Der Graaf Generator fue una de las pocas puntas de lanza del art rock británico en alcanzar reconocimiento, más que un status de culto, en Estados Unidos. La banda esculpió sólidos cimientos de un estilo gótico gracias al sonido del órgano Hammond de iglesia que desprendía el teclado de Hugh Banton, una vibra virtuosa en la compleja batería de Guy Evans y la lírica flagelante e intensamente existencialista de Peter Hammil. De hecho las oscuras y quejumbrosas visiones de este último fueron reconocidas por un personaje del punk rock de fines de los ‘70, como fue el mismísimo Johnny Rotten de los Sex Pistols.

Asia Minor-Between Flesh And Divine (1980)

Asia Minor fue una banda francesa que surgió cuando la edad de oro del rock progresivo estaba finalizando y el movimiento del neo progresivo europeo comenzaba a despuntar. Formada por varios músicos descendientes turcos y franceses, publicaron dos magnificas obras que se encuentran entre los mejores registros del genero vanguardista europeo. Influenciados por el sonido atmosférico y sinfónico de Camel, desde su debut acontecido a finales de los setenta, despuntaban grandes maneras gracias a su exuberante estilo sinfónico. Sin embargo toda su creatividad y su enorme talento se vería reflejado en su segundo larga duración "Between Flesh and Divine", considerado una de las joyas del rock progresivo francés. Compuesto por unas composiciones de gran musicalidad repletas de una enorme interacción entre todos sus instrumentos, como queda ejemplificado en piezas como la armoniosa "Nightwind", la bucólica "Northern Lights", la oscura psicodelica "Lost in a Dream Yell" o la dinámica "Dreadful Memories". No obstante la falta de reconocimiento mediático tanto en el plano comercial como critico, precipitaría la disolución de Asia Minor algún tiempo después de la publicación de este segundo álbum.

Electric Light Orchestra-Eldorado (1974)

En 1974 la Electric Light Orchestra aún estaban en pleno proceso perfeccionista buscando un estilo distintivo entre el rock progresivo y las melodías pop heredadas de The Beatles. Ese año de 1974 llegaba "Eldorado", el cuarto álbum de la banda, en donde su líder Jeff Lynne, empezaría a explorar como lograr que su propuesta progresiva y compleja fuera al mismo tiempo adictiva y popular. Confeccionado como álbum conceptual sobre los sueños y la magia del hombre, en esta nueva entrega Jeff Lynne (guitarras, teclados, voz), utiliza una orquesta de 30 músicos dirigidos por Louis Clark, además de su propia banda, compuesta por Richard Tandy (teclados), Hugh McDowell (cello), Bev Bevan (batería), Michael Edwards (cello), Mike Kaminski (violín) y Mike de Albuquerque (bajo). Todo este arsenal de músicos e instrumentos convierten este trabajo en un edificante torrente sonoro de pop progresivo grandilocuente. Esa grandilocuencia se ve reflejada en la inicial "Eldorado Overture" y en el cierre final "Eldorado-Finale". Aquí también aparece una de las piezas icónicas de la banda, la exuberante pop "Can´t Get It Out Of My Head", una clara muestra de lo que estaba por llegar en los años siguientes. La conmovedora "Boy Blue", una pieza clásica en la cual destacan los instrumentos de metal y los interludios de cuerda, la melódica "Laredo Tornado", la rock "Poorboy", la ingeniosa "Nobody´s Child" o la brillante "Eldorado", mostraban que Jeff Lynne estaba en el camino correcto para poco a poco ir desarrollando el sonido característico de la Electric Light Orchestra, un estilo peculiar que algún tiempo después los encumbraría definitivamente.

America

Consideradas una de las máximas expresiones de folk rok melódico y comercial, America fueron una banda digna sucesora de los míticos Crosby, Stills, Nash and Young, con sabias composiciones de corte acústico-eléctrico junto a un sobresaliente trabajo con sus irresistibles melodías vocales
Formados a finales de los 60 en el Reino Unido cuando dos estudiantes hijos de militares norteamericanos destinados en una de sus bases en Inglaterra, Dan Peek y Gerry Beckley, se unen al británico Denny Bunnell y forman un trío acústico de folk, bajo el nombre de America.
Ya a comienzos de la década de los 70 cosecharon mucha popularidad en Inglaterra y telonearon para artistas como Elton John entre otros igualmente importantes en la escena de la música rock de la época.
En 1972 y gracias a su representante Jeff Dexter consiguieron firmar con la Warner Bros y publican su primer álbum "America" (1972), un trabajo producido por Ian Samwell y el propio Dexter, que contenía los hits "A horse with no name" y "I need you", dos estupendos temas de gran repercusión comercial, en especial "A horse with no name", una canción muy similar al estilo de los mencionados CSNY, que lograría el numero 1 en las listas de éxitos de Estados Unidos y de medio mundo, puesto que también alcanzaría el Lp.
La continuación a su debut sería el excelente "Homecoming" (1973), otro triunfal disco que incluía cortes tan emblemáticos como "Ventura Highway", "Only in your heart" o "Don't cross the river".
"Hat Trick" (1973), su siguiente larga duración, supuso un serio traspiés en la trayectoria de America, ya que no funciono comercialmente ni tenia la creatividad de las anteriores obras. El sencillo "Muskrat Love", tampoco obtuvo las ventas de los singles predecesores. El grupo necesitaba un estimulo y ese se produjo con la llegada de George Martin, el ex productor de los Beatles, que comenzó su colaboración con el grupo con la publicación del siguiente álbum "Holiday" (1974), un Lp que los devolvió a los primeros puestos de las listas con grandes canciones como "Lonely people" o "Tin man".  
En el siguiente "Hearts" (1975), otro disco producido por Martin, incluían el sencillo "Sister golden Hair", una canción que los llevo de nuevo al numero uno en singles. Los trabajos en álbumes eran algo inferiores a sus dos primeros Lps, pero sin embargo, en sus singles como en el citado "Sister golden hair", continuaban manteniendo a America entre los grupos de mayor éxito en el soft-rock. En el disco también incluían los temas "Daisy Jane" o "Woman tonight", dos canciones que se incluirían en “History" (1975), un recopilatorio que recogía sus mejores composiciones y que lograría un gran éxito comercial.
George Martin como productor y Geoff Emerick como ingeniero también ayudaron a America en "Hideaway" (1976), un irregular disco que contenía temas como "Today's the day", "Lovelight Night" o "Amber Cascades" y el meritorio "Harbor" (1977), un trabajo que sería el preludio de la marcha de Peek, quien abandono a sus dos compañeros para dedicarse a interpretar canciones de corte espiritual.
Beckley y Bunnell continuarían grabando con el nombre de America publicando los álbumes "Silent Letter" (1979), un buen trabajo que no recuperaba el fervor comercial de sus tiempos pasados.
Llegados a este punto George Martin puso punto y final a su colaboración con el dúo. Su siguiente trabajo fue el intrascendente "Alibi" (1982), continuado por "View from the ground" (1983), un Lp producido por el famoso ex componente de Argent, Russ Ballard, que contenía el single "You can do magic", un tema escrito por el propio Ballard que los coloco entre los puestos mas vendidos de las listas americanas.  
En "Your move" (1983) y "Perspective" (1984), intentaron enfatizar sus acercamientos a los sintetizadores de la época, pero los resultados no fueron satisfactorios y supuso la ruptura de la pareja, que diez años después volverían a grabar un nuevo disco titulado "Hourglass" (1994), en el que recuperaban su ultimo gran éxito, "You can do Magic". Su ultimo Lp en estudio sería "Human Nature" (1998), un trabajo publicado junto a varios discos en directo que recogían diferentes actuaciones en vivo, en donde rememoraban los grandes temas de su mejor periodo creativo y comercial.