Spirit

Fundamental y mítica banda norteamericana que con un estilo de Hard Rock combinado con el acid-rock y la psicodelia de finales de los 60 y sazonado con elementos jazz, blues y una pizca de folk, se convirtieron en una de las bandas de culto en el mundo del rock´n´roll.
Por esta combinación el grupo obtuvo grandes elogios en la segunda mitad de la década de los '60, siendo “Twelve Dreams of Dr. Sardonicus”, su mejor obra, un álbum de gran ambiente progresivo y todo un clásico del rock.
Formados originalmente en 1967 por el batería Ed Cassidy, el guitarrista Randy California, el bajista Mark Andes, el teclista John Locke y el cantante Jay Ferguson.
Descubiertos por el productor Lou Adler, este los ficha para su sello Ode y les consigue contrato de distribución discográfica con Epic, a mediados de 1968 publican su primer álbum “Spirit”, que les revela como uno de los mejores grupos de la segunda generación de la West Coast, que a diferencia de los discos posteriores, mostraba un predominio casi absoluto de Jay Ferguson como compositor y cantante. Esto cambiará en las sesiones de grabación del siguiente álbum, el sensacional “The Family That Plays Together” (1968), en el que las canciones compuestas y cantadas por Randy son casi tan numerosas como las de Ferguson y en el que destacaban los temas “I Got A Line On You”, con uno sonido cercano al jazz y al rock más duro de la época y el riff característico de Randy California y “The Smiles”, un tema de corte psicodélico.
“Clear” (1969), confirma la calidad del grupo que mantiene muy alto el pabellón compositivo de la banda.
Pero será “Twelve Dreams of Dr. Sardonicus” (1970) el álbum que les encumbra a nivel internacional.
Una obra maestra del rock en donde las armonías vocales perfectas, las guitarras vibrantes, la producción imaginativa y los arreglos de viento hacen del disco incapaz de envejecer con el paso de los años.
Desde la folk “Nature´s Way” hasta la atmosférica “Space Child”, pasando por la conceptual “Prelude-Nothin´to hide” o la glamurosa “Morning Hill Come”, conformaban un álbum apabullante.
Pero el éxito de este álbum trae igualmente problemas internos, lo que precipita la disolución del grupo y así Andes y Ferguson abandonan para formar la banda Jo Jo Gunne publicando los álbumes “Jo Jo Gunne” (1972), “Bite down hard” (1973) “Jumpin´the Gunne” (1973) y finalmente “So…where´s the show” (1974).
Por su parte Randy California después de sufrir un accidente publica el disco “Kaptain Kopter and the Twirlybirds” (1973).
Mas tarde Locke y Cassidy reforma a Spirit con Al y Christian Staehely con los que publican el mediocre “Feedback” (1971), lo que precipita la ruptura definitiva.
Algunos años después California y Cassidy vuelven a reflotar al grupo junto a Larry Knight y graban los álbumes “The Spirit of´76” y “Son of Spirit” ambos de 1975.
Un año después la formación original vuelven a unirse para iniciar la segunda etapa de la carrera del grupo que se inicia con el álbum “Farther Along” (1976) que será continuado con “Future Games” (1977), que pasan bastante desapercibidos por el gran público.
Randy California abandonaría esta aventura publicando junto a Cassidy los trabajos “Live” (1977) y “Potatoland” (1981).
Un año después la formación original volvería a los ruedos con el álbum “The Thirteenth Dream”, que fue publicado en los Estados Unidos como “Spirit of´84”.
“Rapture in the Chambers” (1988), “Tent of Miracles” (1990) y “California Blues” (1996) fueron mediocres parodias de una era ya pasada que sin embargo mostraba a un Randy California en plena forma.
Pero en 1997 mientras practicaba surf y después de salvarle la vida a su hijo, Randy California muere ahogado en un desgraciado accidente.
A partir de ahí los directos y recopilatorios se han publicado por doquier, entre los que destacan “Live at the Rainbow” 1978 (2000) o “Chronicles 1967-1992” (1992).
En el año 2007 se publicaría la box-set “The Euro-American Years” 1979-1973 con cuatro cd´s con material de Randy California en solitario.

Skin Alley-To Pagham and Beyond (1970)

Desconocida para el gran público, Skin Alley fueron una banda de rock progresivo que permanece aún en los oídos de unos pocos afortunados que conocieron de su música en el periodo que duro su carrera comprendida desde 1968 hasta 1974.
Formados originalmente en Londres, el grupo se componía de Bob James a las guitarras, saxo y flautas, Krzysztof-Henryk a los teclados, Thomas Crimble al bajo, y Alvin Pope a la batería y su estilo venia cargado de jazz, folk, blues y rock.
Hacia mediados de 1968 el grupo consigue un contrato con la CBS quien les produce y publica su primer álbum “Skin Alley” (1969), trabajo que contenía nueve buenos temas como “Marsha” o “All Alone” y que fueron producidos por el guitarrista de los Pretty Things, Dick Taylor.
El álbum era una brillante combinación de arreglos de teclados y una buena sección rítmica con unas memorables apariciones de la guitarra y un sonido de flauta en muchos casos excitante.
Los siguientes meses el grupo se embarca en una gira por Gran Bretaña participando en multitud de festivales en donde dan rienda suelta a sus interminables jams con solos de guitarra, saxos y mellotrones, proporcionando a su música un sonido lleno de matices y diversidad sonora.
Un año después llegaría su segundo trabajo “To Pagham and Beyond”, en donde continúan brillantemente con el rock progresivo-jazz fusión de su primer trabajo con largas y complejas composiciones en donde todos los temas del álbum sobrepasan los seis minutos de duración de los cuales sobresalían “Take Me To Your Leader’s Daughter” o “The Queen Of Bad Intentions”.
A finales de ese mismo año Crimble abandona la nave para unirse al grupo Hawkwind y es remplazado por Nick Graham que provenía de los Atomic Rooster y poco después Pope haría lo mismo y su lugar lo ocuparía Tony Knight.
Estas deserciones mermarían considerablemente la brillante continuidad del grupo y así en 1972 se publicaría el discreto “Two Quid Deal” bajo el sello Trasantlantic y un año después el complejo por su abuso de arreglos orquestales y comercialidad “Skintight”.
Estos últimos álbumes fueron publicados por el prestigioso sello Stax para el mercado norteamericano.
Pero el grupo a pesar se su enorme calidad y talento terminaran sucumbiendo y desapareciendo a principios de 1974, dando así por finalizado su corta pero interesante carrera.
Estos últimos años el sello Eclectic Records ha reeditado toda la discografía del grupo, añadiendo temas extras a las versiones originales haciendo así un poco de justicia a esta desconocida banda que no defraudara a los buenos aficionados al progresivo.

Foghat

Este grupo de origen inglés pero de éxito y radicación estadounidense, se forma en 1970 partiendo de una de las ramificaciones del grupo de blues-rock Savoy Brown, con tres de sus miembros: Lonesome Dave Peverett (guitarra y voz), Roger Earl (batería) y Tony Stevens (bajo), a ellos se sumaria el guitarrista Rod Price.
Foghat, lejos de estancarse a lo instaurado por la conocida como “British Blues Invasión” que practicaban Savoy Brown, se americanizaron con su sonido, endurecen su estilo y consiguen crear una compacta propuesta que de inmediato da sus frutos.
Después de conseguir un contrato con el sello Bearsville y bajo la producción de Dave Edmunds, entran en el estudio para grabar su primer álbum que se publica en mayo de 1972 con el titulo de “Foghat”, que les convierten en una banda de excelente reputación de hard rock y boggie rock y que gracias a unos incendiarios directos consiguen un asentamiento triunfal en los Estados Unidos, en este primer trabajo la banda homenajea a su pasado blues con una excelente versión del tema de Willie Dixon “I Just want to make love to you” y otra mas otra de Chuck Berry, “Maybellene”, comenzando de esta manera la costumbre de incluir versiones en todos sus álbumes, o por lo menos en sus primeros años.
Continúan su línea de calidad con el espléndido “Foghat: Rock and roll” (73), al que le sigue “Energized” (74) uno de sus mejores álbumes y su primer disco de oro en USA. “Rock and roll outlaws” (74) se edita posteriormente y coincidiendo con la marcha de Stevens, sustituido por Nick Jameson, con el que se graba “Fool for the city” (75). A Jameson le reemplaza Craig MacGregor (bajo y voz).
El grupo, en la segunda mitad de los 70 continuaría editando buenos álbumes con “Night shift” (77), “Live” (77), “Stone blue” (78), “Boogie motel” (79) y “Tight shoes” (80).
La década de los ochenta empezaría con una serie de mediocres trabajos lejos de los enérgicos y excelentes álbumes de los 70.
Así se publicarían “Girls to Chat & Boys to Bounce” (81), “In the mood for something rude” (82) o “Zig-Zag Walk” (83).
Después de este ultimo trabajo la banda se disuelve y cada uno de sus miembros toman rumbos diferentes, por un lado Roger Earl forma The Kneetremblers y Dave Peverett se retira de la música.
Hasta que en Earl reactiva el grupo y emprende una gira mundial que obtiene un éxito masivo gracias al auge del hard rock de finales de los ochenta.
Observando este hecho Peverett igualmente hace lo mismo y en un momento dado se dio la curiosa situación de que existían dos bandas paralelas llamadas Foghat.
Esta estrambótica situación termino cuando ambas formaciones se unieron y a mediados de los 90 la formación original publica el álbum “Return of the Boggie”, que obtiene una meritoria aceptación por parte del publico y la critica.
Después de unos años de estabilidad con constantes y exitosas giras Lonesome Peverett fallece en el año 2000 víctima de un cáncer diagnosticado tiempo atrás.
Los restantes miembros deciden continuar en memoria de uno de los fundadores del grupo y reeditan el directo “Road Cases” grabado unos años antes.
“Family Joules” (2003) y “Last Train Home” (2010) han sido los dos últimos trabajos del grupo.
Pero antes en el 2005 Price fallecería después de un accidente en su domicilio y sufrir posteriormente un ataque al corazón.
Price había publicado varios trabajos en solitario en donde demostraba su pasión por el blues como “Open” (202) y “West tour” (2003).
A mediados del 2007 se publica “Live II”, una especie de continuación al exitoso y fantástico directo grabado en 1977, que obtiene un éxito absoluto en los Estados Unidos con unas ventas multi-platino.
Foghat además presume de ser uno de los grupos en activo que mas directos tiene publicados, con más de una docena de discos entre los que sobresalen “Rock and Road Outlaws” (2009) o “Live in Chicago” de 1981,
Actualmente la banda sigue girando preferentemente con gran éxito por Estados Unidos, Reino Unido y Japón y recientemente publicaron el directo “Not Live at the BBC”.

Mountain

Cuando a finales de 1968 el grupo Cream se disuelve, su productor Felix Pappalardi regresa a los Estados Unidos para trabajar para la Atlantic Records como jefe de producción de los estudios de New York.
Y es en esa ciudad en donde descubre a una banda llamada The Vangrants, en la que destacaba un guitarrista llamado Leslie West, que era tan brillante por su técnica como espectacular por su peso y dimensiones.
Sin dudarlo Pappalardi se convierte en su productor y en 1969 aparece el álbum en solitario del guitarrista “Leslie West Mountain”.
El álbum consigue acaparar las expectativas puestas en el y el propio West y Pappalardi deciden unir fuerzas y formar el grupo Mountain.
La primera formación comprendía además de Pappalardi que se encargaba del bajo y a West de las guitarras, se encontraba Steve Knight a los teclados y Norman Smart a la batería.
La identificación de Pappalardi con Cream hará que la banda surja como unos dignos sucesores y herederos del sonido de Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce.
La participación del grupo en el festival de Woodstock en 1969 les consagra definitivamente arrastrando tras de si una amplia legión de seguidores y todo esto sin haber publicado ningún álbum hasta esa fecha.
Después de dicho festival el batería Smart abandona el grupo siendo sustituido por Corky Laing quien se convertiría en colaborador inseparable de West hasta nuestros días.
En 1969 aparece el primer álbum de Mountain titulado “Mountain Cimbling”, al que seguirán “Nantucket Sleighride” (1971), “Flowers of Evil” (1971), “Live : The Road goes ever on” (1972), y “Best of Mountain” (1973).
Entre estos trabajos se encontraban los hits “Mississippi Queen”, “For Yasgur´s Farm”, (tema de dedicado a Max Yougur, el hombre que cedió los terrenos de Woodstock para que se celebrara el festival) o “The Animal trainer and the toad”.
Pero la aventura de Mountain se acaba a finales de 1972 y Pappalardi opta por volver a su trabajo como productor en New York.
Por su parte Leslie West y Corky Laing forman junto a Jack Bruce el grupo West, Bruce and Laing el cual intenta reverdecer la leyenda de la mítica banda.
Pero este power trío no termina de cuajar y después de varios álbumes; “Why Dontcha” (1972) y “Whatever turns you on” (1973) se separan justo cuando su compañía discográfica publicaba el directo “Live ´n´Kickin” (1973).
Después de esta desafortunada aventura, Leslie West reforma a los Mountain y publica el álbum “Avalanche” (1974) que obtiene malas críticas y peores ventas por lo cual decide continuar en solitario.
Y así en 1975 se publica su segundo álbum en solitario “The Great Fatsby” y un año después funda su propia banda Leslie West Band con Corky Laing y Ken Ascher y otros músicos alternativos.
El primer trabajo de esta nueva banda “The Leslie West Band” (1976) tampoco rememora los éxitos de Mountain y se retira temporalmente de la escena rock.
Un año después se publico el doble álbum en directo de Mountain “Twin Peaks”, grabado años atrás en Japón.
Algunos años después, en 1983, Felix Pappalardi seria asesinado por disparos de su propia esposa Gail Collins Pappalardi, quien había compuesto algunos temas de Cream y de los propios Mountain años atrás.
No seria hasta 1985 cuando Leslie West decide volver a reactivar a los Mountain publicando el álbum “Go for Your Life”.
Varios años después West continúo con su carrera en solitario con el álbum “Theme” (1988), un disco de versiones en donde contaba con Jack Bruce al bajo.
En los años siguientes la carrera de West se vio favorecida por una serie de trabajos muy meritorios, muchos de ellos enfocados al blues-rock como “Alligátor” (1989), “Night of the guitar-Live” (1989) o “Dodgin´The Dirt” (1994).
En 1996, diez años después de su ultimo trabajo al frente de Mountain, el grupo publica “Man´s a World”, al que seguirán “Mystic Fire” (2002) y “Master of War” (2007), este ultimo un disco tributo a Bob Dylan, trabajos todos ellos que alternaban con publicaciones en solitario como “As Phat as it Gets” (1999), “Blues to Die For” (2003), “Guitarded” (2005) o “Blue Me” (2006).

Omega

Omega es una legendaria banda húngara de hard rock progresivo que logro sus mayores éxitos en el periodo que comprendió desde 1969 hasta 1980, algunos de sus miembros han seguido igualmente unas carreras en solitario paralelas al grupo, como por ejemplo el teclista Laszlo Benko, quien tiene publicados varios álbumes de música electrónica. Originalmente fundados a principios de los 60 son considerados la mejor banda húngara de la historia, en donde aún son venerados como unas leyendas. Omega fue formada en 1962 en Budapest, por János Kóbor cantante, György Molnar guitarrista, László Benkö teclados, Tamas Miháy bajo y Ferenc Debrecen batería.
Esta formación cambio varias veces durante los años del grupo. Como muchos otros grupos de rock de la década de los 60, su estilo germinal consistía en versiones de temas conocidos de las bandas británicas más punteras de la época, hasta que a mediados de 1967 comienzan a componer su propio material y definir su propio estilo con claro acento psicodélico de jazz & rock.
Omega tiene una extensa discografía ya que publicaron numerosos trabajos en el idioma húngaro y solo editados en su país, e igualmente existe otra cantada en ingles que es la que se podría denominar más interesante y oficial, a ella se suman cantidad de discos no oficiales, compilaciones y álbumes en vivo.
Durante una gira por el país magiar de la Spender Davis Group, el manager de estos, John Martin descubre al grupo y queda fascinado por el talento del mismo
En 1968 el propio Martin les consigue un contrato con el sello británico Decca y viajan a Gran Bretaña para grabar su primer álbum que pronto se convertiría en su primer disco de oro “Omega red Star from Hungary” (68). Un año después aparece el álbum “10,000 lépés” .
En este trabajo ya se podía entrever hacia donde se encaminaba el estilo del grupo, que con una sólida base en la raíces populares, trataban temas místicos y de leyendas tradicionales, desde el blues psicodélico de “Tuzvihar”, hasta la sinfónica “Gyongyhaju Lany” o el boogie rock “Az 1958 boogie-woogie klubban”.
A pesar del hecho de que Hungría era uno de los primeros países disidentes del satélite social comunista y que bajo un nuevo mecanismo económico de José Kadar, puso en ejecución económicamente al país en 1966, habiendo establecido una censura de cualquier canción que fuera de cualquier material sensible o que juzgara o dañara la ideología del estado. Esto tenía pros y contras para el grupo. Uno tiene que considerar que era la época cuando los Beatles o Bob Dylan cantaban sobre una revolución, o Amon Dull y Floh de Cologne hacían una declaraciones musicales contra la política, esto no era muy bien visto en un estado comunista como Hungría
Poco después el grupo decide fichar por el sello alemán Bellaphon especializado en grupos progresivos y de krautrock.
En el álbum “Omega” (1973) el grupo derivo su sonido hacia el terrenos mas hard rock con incursiones al rock sinfónico con muchas dosis de mellotrón, en cambio con el siguiente disco “200 Years after the last war” (1974) el grupo entra en una espiral mucho mas progresiva y en donde destacaban temas como “Suite”, un largo tema progresivo o el space rock “Help To Find Me”.
Los siguientes años el grupo ira publicando una serie de buenos álbumes enfocados mayormente al rock progresivo como “Omega III” (1974), “The Hall of floaters in the sky” (1975) o “Time Robber” (1976) y así hasta llegar a “Skyrover” (1978) y “Gammapolis” (1979), sus últimos grandes discos.
A partir de aquí el grupo entraría la década de los ochenta con grabaciones de menor entidad, que sin embargo fueron cosechando un aceptable éxito en su país, así como en la Alemania Oriental y otros países europeos.
Es en esta década cuando el grupo entabla relaciones con la banda germana Scorpions y junto realizan asiduamente giras por Europa, elevando aún mucho mas la popularidad del grupo.
El grupo durante la década de los noventa realizo continuas giras europeas con espectaculares conciertos algunos de ellos ante más de 80.000 personas en ciudades como Budapest o Kosovo.
En cuanto a su discografía han seguido publicando regularmente álbumes siendo “Omega XV” (1998), “Babylón” (2004) y “Egi Jel” (2006), los últimos editados hasta la fecha.
Ahora hacen 50 años de historia, un grupo que pasó de hacer versiones de rock and roll psicodélico de la época, a erguirse renacientes como una banda de hard rock progresivo comercial y con matices sinfónicos, heredando testimonios a lo largo de cada década desde finales de los 1960 y hasta mediados del 2000, para convertirse en una súper-legendaria, la cual aún hoy en día son muy recordada por los buenos aficionados al rock progresivo y al rock en general.

Paladin

Paladin fue una efímera y fugaz banda que aunque solo publicaron dos álbumes donde dejaron constancia de una gran calidad, son considerados unos clásicos del hard rock progresivo.
Formados en la ciudad inglesa de Gloucestershire a mediados de 1970, Paladin se convertiría en poco tiempo en una innovadora e interesante banda de principios de los años 70 en el mundo del rock.
Sin embargo la idea original fue concebida en Nueva York unos años antes por Peter Solley y Keith Webb, teclados y batería respectivamente, quienes pertenecían a la banda de Terry Reid y que en esos momentos estaban de gira junto a The Rolling Stones.
A la vuelta a Inglaterra ambos músicos abandonaron la banda para formar una propia y reclutaron a los ex–Crisby Dyke, Derek Foley (guitarra) y Lou Stonebridge (voz, teclados y armónica), además del bajista Peter Beckett.
Durante meses ensayaron para engrasar y pulir un estilo ecléctico que fusionaba rock, jazz, blues y elementos de la world music, consiguiendo un sonido dinámico y directo.
Ya en 1971 consiguen un contrato con el recién estrenado sello Bronze que ya contaba en sus filas con dos prometedores grupos como eran Uriah Heep y Osibisa.
Y así a mediados de ese mismo año se publica el primer álbum de la banda titulado simplemente "Paladin", grabado íntegramente en los estudios Olympus de Londres.
Este álbum contenía temas muy meritorios como “Bad Times”, “Third World” o “Flying High”, que confirmaban la calidad del grupo.
Un año después llegaría su segundo y ultimo trabajo “Charge!”, que seria aclamado unánimemente por la critica como una de las obras maestras del genero progresivo de los años 70.
En este nuevo álbum Roger Dean seria el encargado de diseñar la portada, algo que ayudaría aún mas a la popularidad del grupo, dicha portada se convertiría en todo un clásico de la propia factoría de Roger Dean, el cual llego afirmar que esta era una de sus obras preferidas.
Pero sin embrago “Charge!” era un trabajo mucho mas diverso y ecléctico que el primero en donde el grupo se adentraba tímidamente en los terrenos del folk fusionándolo con toda la amalgama de estilos característicos que ellos dominaban, temas como la desenfrenada suite “Watching the World pass”, la progresiva “Max your mind with moonbeams”, la rítmica “Good road” o la sinfónica “Get one together”, confirmaron definitivamente al grupo entre los grandes del rock de principios de la década.
El grupo tendría una gran repercusión en países como España, Italia o Alemania, además de su país natal Inglaterra, donde aglutinaron una amplia legión de fans.
Pero poco después el abandono de Stonebridge y Foley precipito la disolución de la banda.
Años después se publicaría en recopilatorio “Jazzattack” (2002) con material inédito que nunca fue grabado, y que mostraba la cara más jazzistica del grupo.
Peter Beckett en adelante pasaría a formar parte del grupo Player y posteriormente se uniría a la Little River Band, además de grabar para otros artistas como Kenny Rogers o Temptations, igualmente Derek Foley se uniría al grupo The Navadas and Merv´s Bardots.
Por su parte Peter Solley pasaría a engrosar las filas de los primeros Whitesnake en 1978 y colaboraría en álbumes de Eric Clapton, Peter Frampton, Motorhead o Ted Nugent entre otros, además de dirigir su propia discográfica.
Por ultimo Keith Webb fallecería en el 2007 a la edad de 73 años.

American Flyer

American Flyer fue un efímero supergrupo norteamericano fundado a mediados de los 70 por cuatro talentosos músicos como eran Doug Yale, Craig Fuller, Eric Kaz y Steve Katz  provenientes de otras legendarias bandas como Velvet Underground, Pure Prairie League, Blue Magoos, The Blues Project y Blood Sweat & Tears respectivamente.
Todos ellos con una amplia base en los movimientos musicales de finales de los sesenta como el folk, el blues y el country.
Su prometedor debut fue el álbum “American Flyer” (1976), un trabajo de country rock suave con buenas melodías y bastante melancólico que en parte seguían la senda marcada por otras bandas como America o The Eagles.
Un año después el grupo prosigue en la misma línea con “Spirit of a Woman” (1977), trabajo claramente marcado por el talento de los cuatro músicos y una producción impecable de George Martin y en donde colaboraron activamente J.D.Souther y Linda Ronstadt.
Sin embargo el cuarteto se separa en parte debido al escaso éxito obtenido y por que algunos de sus miembros buscaron otras alternativas mas provechosas.
Así Steve Katz posteriormente pasaría a ser vicepresidente de la compañía Mercury Records a la vez que su afición por la música de raíces irlandesas le lleva a producir a The Horslips y al sello especializado en música celta Green Linet.
Katz se volvería a subir a un escenario en el año 2007 en la reunión de su ex banda de los 60 Blood Sweat and Tears.
Por su parte Eric Kaz compuso grandes canciones para otros artistas como “Hans no pride” de Linda Ronstadt, o la música de bandas sonoras para films de Brian de Palma, además de publicar varios trabajos en solitario como “If you´re lonely” (1972) o “Cul de Sac” (1974) o a dúo junto a Criag Fuller, “Fuller/Kaz” (1978).
Craig Fuller después de la disolución de American Flyer paso a ingresar en la reunificación del grupo Little Feat con los que grabo varios álbumes “Let it Roll” (1988), “Representing the Mambo” (1990) y “Shakes me Up” (1991) y participando en el ultimo trabajo del grupo “Join the band” (2008) en donde interpreto el clásico “Spanish Moon”.
Doug Yule por su parte publico el álbum “Live in Seattle” en el 2002 y su unió al grupo RedDog con quienes publico “Hard Times” (2009).

Birth Control

Birth Control es uno de los grupos más importantes y claramente mas anglosajónizados del llamado krautrock alemán, movimiento del cual ellos nunca se sintieron plenamente identificados y que en la primera mitad de los 70 irrumpió de manera espectacular en el circuito del rock internacional.
Formados originalmente en 1968 por Reinhold Sobotta (organo), Bernd Koschmidder (bajo), Rolf Gurra (saxo y vocales) y Egon Balder (batería), el grupo adopta un estilo muy en la onda de los Deep Purple germinales, el nombre de Birth Control fue la respuesta contra la declaración del Papa Pablo VI, alegando que era pecado mortal utilizar anticonceptivos.
Ya en 1969 apareció un primer single llamado “October- Freedom”, que pasaría bastante desapercibido, pero en donde ya se podía intuir la calidad del grupo.
Un año después debutan con el álbum “Birth Control”, trabajo en el cual había algunos cambios con respecto a la formación original, conformándose esta con Peter Feoller (bajo y voz), Bruno Frenzel (guitarra y voz), Bernd Noske (batería y voz) y Zeus B. Held (teclados, voz y saxo), este trabajo fue precedido por una gran polémica debido a su portada, de formato troquelado que imitaba una caja de píldoras anticonceptivas. Este primer disco careció de una buena producción y el resultado fue de una pésima calidad notándose la inmadurez del grupo, el álbum contenía una versión del tema de The Doors  “Light my fire”.
Posteriormente grabaron el segundo álbum “Operation” (1971), uno de sus trabajos mas celebrados y de mas éxito en las listas, con otra sorprendente portada en donde se mostraba a una hormiga gigante entusiasmada devorando a unos bebes que estaban siendo bendecidos por el propio Papa.
Estaba claro que el grupo ofrecía una cara provocadora y hasta cierto punto ultrajante, lo que les valió no pocos problemas entre la comunidad conservadora, puritana y católica de la época.
El estilo de Birth Control iba poco a poco confirmándose hacia el estilo de las bandas británicas como Spooky Tooth o los mencionados Deep Purple, alejándose del típico rock alemán de sus inicios, el mejor corte de este álbum fue “Stop Little Lady”, compuesto por Bruno Frenzel como casi todas las canciones del álbum.
Después de este trabajo se publico el álbum “Believe In The Pill” (1972) que no era otra cosa que un recopilatorio de sus dos primeros álbumes, más tres rarezas. Y la polémica de las portadas seguía su camino, esta vez mas provocativa aún, mostrando a un feto tirado en un cubo de la basura en plena calle.
En 1973 son fichados por el sello CBS. y debutan a nivel internacional con el fantástico álbum “Hoodoo man” (74) en donde Sobotta fue reemplazado por Wolfgang Neuser un álbum este en donde la voz desgarradora y brutal de Noske, los riffs de guitarra y los solos de órgano de iglesia resultaban apabullantes, y en donde sobresalían, el clásico “Gamma Ray”, el sorprendente “Buy!” y el soberbio “Get Down To Your Fate”.
Y como no podía ser de otra manera la portada de este álbum volvía a sembrar la polémica, mostrando a una mujer enorme y obesa como dueña del nacimiento del hombre y que le esta dando cuerda como si de un muñeco se tratara.
Posteriormente se publico “Rebirth” (1974), aquí el teclista Wolfgang Neuser fue reemplazado por Bernd "Zeus B." y Dirk Steffens fue contratado como segundo guitarra. Este trabajo es mucho mas instrumental que su antecesor y sigue utilizando la formula de Hard-Rock progresivo, pero no consigue el efecto de su antecesor álbum, después del mismo Dirk Steffens abandona la banda para formar su propio grupo.
En CBS editarán otros tres álbumes: “Re birth” (74), “Live” (74) y “Plastic people” (75).
Este último fue un trabajo soberbio de rock progresivo denso, muy elaborado y con un sonido formidable, destacando temas como “My Mind” o “Plastic People”, en el álbum aparecían otros músicos como Jochen Grumbkow (violoncelo), Christoph Noppeney (viola) y Friedemann Leinert (flauta).
En 1976 volverán al sello alemán Brain, con quienes graban “Backdoor possibilities” que sigue la línea del anterior con un sonido denso y muy elaborado, pero con toques jazzisticos y con elementos hard-rock que recordaban a su primera época.
Los siguientes trabajos pierden parte de su energía y empuje, hecho este que coincidía con el declive del rock alemán; “Increase” (77) “Titanic” (78), “Count of Dracula” (1980) y “Live 79” (1979).
A partir de aquí sus publicaciones se ciñen exclusivamente dentro del marco local alemán y algunos pocos países europeos.
“Bang” (1982), supuso una vuelta a sus orígenes de hard rock que les devolvió cierto crédito entre los seguidores.
Un año después murió su fundador Bruno Frenzel después de una larga enfermedad.
Posteriormente se lanzaron álbum de reuniones y conciertos esporádicos de los miembros de Birth Control como “Condomium Live” (1993), “Two Worlds” (1995), “Deal done at night” (1996) o “Jungle Life” (1996).
En 1998 salio a la luz el álbum “Getting There” y además de algunos trabajos en solitario de algunos de los miembros como “Come out at night” de Bernd Norske aparecido en 1999.
Estos últimos años la banda ha publicado numerosos directos de los que destacan “Live in Fulda” (2004) o “Live at Rockpalast” (2005).

Golden Earring

Golden Earring han pasado a la historia del rock por varios motivos de gran trascendencia, una de ellas, ser una de las más longevas bandas del rock con casi cincuenta años desde su fundación y otra el ser una de las pocas bandas holandesas que han vendido millones de álbumes en todo el mundo, rivalizando con las bandas anglosajonas más punteras.
Con más de una treintena de discos de oro y platino, construyeron su reputación no solo merced a sus buenos álbumes, si no a unas soberbias actuaciones en vivo, que aún hoy en día son dignas de admiración.
Formados originalmente en 1961 en la ciudad holandesa de The Hague con el nombre de Golden Earring’s, obtuvieron una impresionante serie de números uno en su país con un estilo que se acercaba al pop con influencias beat, pero también con ramalazos de rock, entre esos hits estaban canciones como “Just Earring”, “Winter harvest”, “Miracle mirror”, “On the double” o “Eight miles high”.
Fue en 1969 cuando se producen varios cambios significativos en el devenir del futuro de la banda, por un lado suprimen la «s» de su nombre y pasan a llamarse Golden Earring. Al mismo tiempo, cambian también de estilo, dejando el pop por un rock comercial pero de raíz progresiva y vanguardista.
Igualmente se reorganiza la formación del grupo pasando a componerla el guitarrista George Kooymans y el bajista y teclados Marinus Gerritsen, ambos los únicos miembros originales que junto a Barry Hay a la voz, flauta y saxo y Cesar Zuiderwijk a la batería, inician una segunda etapa que les llevará al éxito internacional, primero con el tema “Back home” en USA y a partir de 1972 en Inglaterra y Europa, después de actuar como teloneros en la gira de The Who de ese año. Entre 1969 y 1972, el grupo edita los álbumes “Golden Earring”, “Sing my song”, “Seven tears”, “Together” y “The best of Golden Earring”, que les mantienen en primera línea de los circuitos punteros del rock. En 1973 se edita en Inglaterra “Hearring Earring”, un recopilatorio con lo mejor del grupo, que obtiene un resultado apabullante. En 1974, el álbum “Moontan” y el single “Radar love”, llevan al cuarteto a su auge internacional y a la fama mundial con un éxito absoluto y casi sin precedentes. Con la entrada del teclista Robert Jan Stips y unos impactantes shows en vivo, la banda mantiene su popularidad con “Switch” (75), “To the hilt” (76), “Mad love” (77) y el doble Lp grabado en vivo “Live” (77).
En esos años la banda seria una habitual de la escena hard rock mundial, telonenando a grandes estrellas como Santana, Rush, o The Doobie Brothers.
Eelco Gelling (guitarra) entra en el grupo por Stips, aunque éste colabora en el álbum “Contraband” (77). Con los álbumes recopilatorios “Story” y “Portrait of Golden Earring”, la banda entra en crisis, sin que su siguiente LP “Grab it for a second” (79), les devuelva a su estela triunfal de antaño, aunque mantienen el status dignamente.
La década de los ochenta también les seria bastante fructífera con buenos álbumes y grandes giras en donde seguían siendo aclamados en el mundo entero, trabajos como “Prisioner of the Night” (80), “Cut” (82), “The Hole” (86) o mas recientemente “Milbrook U.S.A.” (2008) por mencionar algunos de la docena de álbumes editados estos últimos años.
A mediados de los 90 el grupo obtuvo otro gran éxito con el directo “The Naked Truth” y el posterior “Naked II”, ambos directos acústicos que pusieron en orbita nuevamente al grupo.
En el 2010 la banda publico “TBA”, su ultimo trabajo hasta la fecha.
Bandas legendarias como The Rolling Stones, The Who o The Beach Boys son unos admiradores de Golden Earring, quienes a principios de los setenta fueron tachados por algunos como una mera copia de los americanos Grand Funk Railroad, afirmación esta, que no se ajustaba a la realidad ya que los holandeses eran anteriores a los americanos y su estilo no les emparentaban en absoluto.
Desde luego, su larga y prolífica carrera merece un pleno reconocimiento y un merecido respeto que hoy en día pocos conocen o pocos recuerdan.

The Crusaders

Uno de los más formidables grupos de jazz-rock surgidos en los años 60, fueron The Crusaders, que con grabaciones propias y como músicos de sesión para otros artistas, se consagraron como un conjunto eminentemente instrumental en los años 70 de enorme prestigio.
Su amplísima discografía de 1961 a 1969, así como las recopilaciones aparecidas en los 70 procedentes de esta época, puede concretarse en los álbumes firmados como The Jazz Crusaders: “Freedom sound” (61), “Looking ahead” (62), “At the Lighthouse” (63), “Tough talk” (63), “Heat wave” (65), “Chile con soul” (66), “Live at lighthouse 66” (66), “Talk that ralk” (66), “Festival album” (67), “Uh huh!” (68), “Lighhouse 68” (68), “Powerhouse” (69), “Lighthouse 69” (69) y “Best of Crusaders”.
En 1971 inician su carrera como The Crusaders, formando el grupo Joe Sample (teclados), Wilton Felder (saxo y bajo), Wayne Henderson (trombón), Nesbert Stix Hooper (percusión) y el único blanco del grupo, Larry Carlton (guitarra). Su discografía alcanza una gran brillantez dentro de un jazz progresivo con un trasfondo rock, pero con pautas de absoluta libertad y esquemas clásicos, alejados de vanguardismos a ultranza. Estos albums son: “Crusaders 1” (71), “Second Crusade” (72), “Unsung heroes” (73), “Scratch” (75), “Southern comfort” (75) y “Chain reaction” (75). Robert «Pops» Powell se les une en “Those southern knights” (76) y Henderson se va antes de “Free as the wind” (77), Billy Rogers sustituye a Carlton en “Images” (78) y en 1979 el grupo cambia por completo, quedando convertido en trío con Felder, Sample y Hooper. El cual graban el album “Street life” (79), que siguen con “Rhapsody and blues” (80) y en 1981 el brillante “Standing tall”, con la ayuda de Joe Cocker en las voces en varios temas.
Posteriormente, Joe Sample graba en solitarios los trabajos “Rainbow seeker” (78) “Carmel” (79), “Nancy dance” (79) “Voices in the rain” (81) o “Spellbound” (1989) y “No Regrets” junto a Randy Crawford (2008), su ultimo trabajo, entre otros muchísimos mas.
Por su parte Wilton Felder ha publicado “We all have a star” (78) e “Inherit the wind” (80). Wayne Henderson debutó en solitario con “Living on a dream” (78) y siguió su propia carrera con los álbumes “Step into your life” (78) y “Emphasised” (79), y aunque han aparecido otros dos álbumes mas suyos, “Freedom sounds” y “At Big Daddy’s place”, su carrera ha estado llena de altibajos.
Stix Hooper por su parte ha editado un único album titulado “The world within” (79).
Pero ha sido Larry Carlton junto a Joe Sample quien ha tenido una carrera mas prolífica y llena de éxitos y interesantísimos trabajos, así una vez dejado The Crusaders publico “Larry Carlton” (1977) al que siguieron “Mr.335 Live in Japan” (1979), “Strikes Twice” (1979), “Seleepwalk” (1981), “Last Nite” (1986), “Alone/But Never Alone” (1986) o “Renegade Gentleman” (1991) entre otros muchos y así hasta llegar a “Take Your Pick” (2010) su ultimo álbum publicado.
Antes Carlton ya tenia los registros “With a Little Help” (1968) y “Singing/Playing” (1973), trabajos estos aún bastantes primitivos en cuanto a su estilo inconfundible.
Varios de sus discos han sido galardonados como mejores álbumes del año y han sido premiados con el Grammy como “Last Nite”, o el tema para la serie de Tv “Hill Street Blues” (1981).
Además ha colaborado en infinidad de registros de otros artistas como Steely Dan, Michael Jackson, Billy Joel, Quincy Jones, Joni Mitchell o Barbra Streisand entre otros muchos.
Ha sido igualmente elegido como mejor guitarrista de jazz del año en varias ocasiones y ha compartido escenario con otros grandes de la guitarra como Steve Lukather de Toto o Robben Ford en giras por medio mundo, además de componer la formación de Steely Dan en varias giras mundiales.
También participa asiduamente en el súper grupo Fourplay junto a Bob James, Nathan East, y Harvey Mason, desde 1997 cuando sustituyo a Lee Ritenour como guitarrista de la banda y con los cuales ha grabado varios álbumes como “4” (1998),” Yes, Please” (2000), “Journey” (2004) o “Energy” (2008).

Various Artists-GRP Live In Session (1985)

El sello discográfico GRP, fue fundado a finales de la década de los 70 por el teclista Dave Grusin, junto al músico y productor Larry Rosen, y que se centró principalmente en el jazz fusión y el smooth jazz.
Los primeros álbumes publicados bajo el sello fueron “Legends” de Dave Valentine y "Mountain Dance" de Dave Grusin y a partir de 1982 empezarían a publicar todos sus lanzamientos en formato digital en compact disc, además del formato de vinilo con grabaciones digitales, siendo el primer sello mundial en hacerlo.
Entre muchos otros artistas que grabarían para este sello estaban Dave Valentine, Sadao Watanabe, Tom Scott, David Benoit, Russ Freeman, Billy Cobham, Lee Ritenour, Kevin Eubanks, Chick Corea, Dianne Schuur, John Patitucci o Dave Samuels.
En 1985 se edita el disco "Live in Session", un directo que culmina la larga gira que algunas de las estrellas del sello habían realizado por Europa y Estados Unidos.
"Live in Session", es un documento extraordinario de gran interacción entre todos estos artistas juntos en el escenario, una perfecta espontaneidad combinada con una relación sensacional entre todos ellos.
Desde "Mountain Dance" inicial de Dave Grusin hasta el éxtasis final con el éxito "St Elswhere" hasta "Oasis" de Dave Valentin, el tour de force de guitarra de Ritenour con "The Rit Variations" y "Rio Funk" o la sensibilidad fascinante de Diane Schuur en "Reverend Lee".

Climax Blues Band

En plena fiebre del llamado “white british blues”, nace esta banda inglesa que en un principio se denominarían Climax Chicago Blues Band y que durante finales de los sesenta y principios de los setenta compitió con otras coetáneas como Savoy Brown, Fleetwood Mac, Chicken Shack y otras muchas mas.
La formación original comprendía a Peter Haycock (guitarra y voz), Dereck Holt (bajo y voz), Colin Cooper (saxo, voz y guitarra), Richard Jones (teclado) y John Cuffley (batería), quienes consiguen un contrato con la subsidiaria de Emi, Parlophone y publican su primer álbum “Climax Chicago Blues Band” (69) que resulta un trabajo lleno de calidad y en donde el blues sofisticado que practicaban, pronto les hace destacar entre la prensa y el publico británico
Al año siguiente llega “Plays on” (69), su segundo álbum en donde el grupo se acerca al vanguardismo, derivando el blues hacia la investigación y la creación de nuevas cotas sonicas.
Después de este álbum entran a formar parte del grupo Arthur Wood (teclado) y George Newsome (batería) en lugar de Cuffley y Jones. Con esta formación el grupo graba dos  sensacionales LP’s, “A lot of bottle” (70) un álbum espectacular y que descubría al gran publico una banda formidable de inteligencia creativa en concepto de nuevas sonoridades dentro del blues y posteriormente “Tightly knit” (71), otro soberbio trabajo de blues creativo y experimental y que fueron publicados por el sello especializado en rock de vanguardia Harvest.
La tercera obra cumbre de esta etapa del grupo y en donde acortaron su nombre a Climax Blues Band supuso uno de los más asombrosos álbumes de rock and blues británico de su historia, el apoteósico “Rich man” (72), formando ahora el grupo Cooper, Haycock, Holt y John Cuffley, que regresaba.
Seguirán los álbumes “FM/Live” (74), “Sense of direction” (74) y “Stamp album” (75), para el cual regresaba Jones.
Poco después se publica el recopilatorio “1969-72” (75) y, aunque lejos de su poderío inicial, el grupo se estabiliza ahora con una notable línea de albumes de excelente factura como: “Gold plated” (76), “Shine on” (78), “Real too reel” (79) y “Flying the flag” (80).
En la década de los ochenta el grupo mostró una cara mas comercial, faceta que ya habían empezado con el pegadizo tema “Couldn´t get it Right” del Álbum “Gold Plated”, que llego a los primeros puestos de las listas a ambos lados del Atlántico.
Y así fueron sucediendose los álbumes con ese tratamiento comercial pero nunca exentos de gran calidad como “Lucky for Some” (1981), “Sample and Hold” (1983), “Drastic Steps” (1988), “Blues from the Attic” (1993) o “Big Blues” (2004).
La banda ha seguido estas últimas décadas girando alrededor del mundo, especialmente en festivales de blues y continuamente se reeditan sus mejores trabajos así como recopilatorios y grandes éxitos de su etapa dorada.
Por ultimo Colin Cooper fallecería en el 2008 a la edad de 69 años victima de un cáncer.

Yes-The Ladder (1999)

El décimo octavo álbum de Yes, “The Ladder”, publicado en 1999, es para muchos el mejor y mas solido trabajo que la banda lanzaría en los noventa.
Por primera vez en su historia, la banda deja de ser un quinteto para estar integrada por seis músicos, con la inclusión de Billy Sherwood, como segundo guitarrista junto a Steve Howe. Por otro lado aquí también aparece Igor Khoroshev como el nuevo teclista, sustituyendo a Rick Wakeman
“The Ladder”, es un magnífico intento por recuperar el sonido clásico de los 70 como se puede intuir en cortes como “New Language”, un claro guiño a emblemáticos temas como son las clásicas “Parallels”, “Siberian Khatru” o “Tempus Fugit”.
El brillante sonido del Hammond por parte de Khoroshev, que en parte nos recuerda al Patrick Moraz del álbum "Relayer", el ritmo frenético que tanto Howe como Squire imprimen y un Alan White que cambian su estilo hacia un sonido mas dinámico, usando más recursos y mucha mas velocidad que el resto del grupo y la magnífica voz de Jon Anderson, hacen de este álbum, un verdadero retroceso musical hacia la época gloriosa de la banda.

Quintessence

Quintessence fueron un grupo inglés de influencias religiosas y orientales, con una amalgama fusión de jazz y rock dentro de una ambigua estructura sónica, más colorista que importante, que se convirtieron en uno de los grupos más exóticos de los surgidos en los años 60.
Quintessence surgieron del centro artístico de Oxford Gardens y formaban la banda: Raja Ram, a la flauta, voz y piano; Shiva Shankar, a la voz y teclados; Shambhu Babaji; al bajo; Jake Milton, a la batería; y Maha Dev y Allan Mostert, a las guitarras.
Todos ellos se unieron a raíz de unos curiosos incidentes ocasionados en el barrio artístico de Oxfords Gardens, donde poetas, músicos, pintores e incluso la parroquia del lugar habían colaborado para su expansión.
La parroquia tenia una parte fundamental en todo lo relacionado con ello ya que la base de la música de Quintessence era la religión y en ella su problemática universal, y no es que se dirigían a un solo dios o a una sola forma divina, sino a todas las existentes y ello era lo que confería a su música ese policromo entorno que les distinguió.
Todo eso se conseguía con una compleja mezcla de rock, jazz, gospel, blues, estilos cuales les aplicaban estructuras sonoras tan dispares como las raíces de la música oriental, tibetanas, judaicas, etc.
Todos sus álbumes eran partiendo de esta base, un descomunal templo sinfónico en donde casi todo cabía. Es decir podríamos decir que este era un estilo verdaderamente progresivo.
Con producción de John Abraham, que había colaborado con Ravi Shankar y Yehudi Menuhin y que era experto en materias orientales, el sexteto debuta con “In blissful company” (69), a las pocas semanas de constituirse el grupo.
Este trabajo maravillo a los críticos del jazz, blues, músicas del mundo, del pop, etc.
A este primer álbum le siguieron “Quintessence” (70) y “Dive Deep” (70) que formaban la parte más genuina de su obra.
En 1972, empiezan a haber las primeras deserciones y así Shiva deja el grupo para formar otro de estructura similar, y Maha Dev también se va.
Con “Self” (72) y “Indweller” (73), Quintessence pierde los valores originales y desaparece, dejando tras de si una breve pero intensa historia que indudablemente no destacarían por ser un grupo de impacto, ni de listas, ni siquiera de hits, pero que lograron su propósito de crear algo distinto, con muchísima personalidad y originalidad.

Saxon-Wheels Of Steel (1980)

Formados a mediados de los setenta, Saxon es una de las abanderadas del movimiento del heavy metal británico, comúnmente también llamado New Wave Of British Heavy Metal, junto a otras formaciones coetáneas como Iron Maiden, Diamond Head, Samson, Praying Mantis, Motorhead o Def Leppard entre otras muchas más. Su núcleo principal giraba en torno a los guitarristas Graham Oliver y Paul Quinn, que junto al cantante Peter Byford, el bajista Steve Dawson y el baterista Peter Gill, obtuvieron una gran repercusión con su primer álbum publicado en 1979. Pero seria con su segunda entrega cuando lograrían entrar en el olimpo del heavy metal mundial, con una de las obras maestras del genero, "Wheels Of Steel" (1980). Con este segundo disco, Saxon mostraban el sonido que los convertiría en una referencia del movimiento heavy, con piezas tan memorables como "Freeway Mad", "Motorcycle Man", "747 (Strangers in the Night", "Wheels of Steel" o "Machine Gun".

Un sorprendente quinto puesto en las listas británicas, con una certificación de disco de oro, avalaron este grandioso y enérgico álbum del mejor heavy metal.

James Gang

Este grupo norteamericano de hard rock, originarios de la ciudad de Cleveland, Ohio, atesoran tras de si una rica pero poco valorada obra discográfica y que es primordial en la historia de la música rock de Estados Unidos. Por ella habrían de pasar excelentes músicos, algunos de ellos fundamentales en el devenir de bandas cruciales dentro del panorama rock mundial.
La formación inicial contaba con Glen Schwartz (guitarra), Tom Kriss (bajo) y el líder y fundador, el batería Jim Fox que a mediados de 1966 logran una reputada fama en el circuito de Cleveland y sus alrededores.
Pero esta alineación duraría poco ya que a principios del 69, Schwartz abandona para unirse al grupo Pacific Gas and Electric y es sustituido por el guitarrista Joe Walsh, quien pronto toma las riendas del grupo con su personalidad y su talento.
En esta época el grupo llego a telonear a Cream en la ciudad de Detroit, realizando una soberbia actuación que no hizo más que asentar la calidad e incrementar la popularidad del grupo a nivel nacional.
El primer LP, “Yer album” (69), les revela como gran banda. Tras él se va Kriss y entra Dale Peters (bajo y voz).
Con esta formación, el trío graba sus tres mejores obras: “Rides again” (70), “Thirds” (71) y el doble LP grabado en vivo “Live in concert” (72). Ya posteriormente y con el respaldo de Pete Townshend, James Gang se presentan en Europa con gran éxito teloneando a The Who.
Posteriormente la banda intervendría en la película "Zachariah", un musical western surrealista basado en la novela de Herman Hesse; “Siddartha”.
En noviembre de 1971, Joe Walsh decide abandonar la nave para seguir en solitario una carrera llena de éxitos.
Walsh junto a Joe Vitale y Kenny Passarelli formarían la banda Barnstorm y publicaron su primer álbum “Barnstorm” (1972) y un año después el excelente álbum “The Smoker You Drink, The Player You Get” (1973), que contenía el hit mundial “Rock Mountain Way” que se convertiría en uno de los clásicos del rock de todos los tiempos.
Poco después la desgracia de ceba con Walsh al perder a su hija pequeña en un atropello.
Destrozado por esta perdida Walsh decide disolver el grupo y se retira durante mas de un año, hasta que casi a finales de 1974 se anima a publicar su primer álbum en solitario “So What” (1974) al que seguirán los exitosos “You Can´t Argue with a Sick Mind” (1976), “But Seriously Folks” (1978) o “There Goes The Neighborhood”(1981).
Pero sin duda seria su entrada como guitarrista de The Eagles y su primordial contribución al apoteósico “Hotel California” (1976) y al magnifico “The Long Run” (1979), lo que le llevaría al estrellato mas absoluto a nivel mundial.
Pero siguiendo con James Gang, después del abandono de Joe Walsh la banda se amplia con varios músicos mas por un lado Domenic Troyano (guitarra y voz) y por otro Roy Kenner (voz) que junto a Fox y Peters, graban los álbumes “Straight Shooter” (72) y “Passin’ thru’” (73). En 1973, es Troyano quien abandona para unirse a The Guess Who, siendo reemplazado por el guitarrista Tommy Bolin, con el se publican los brillantes “Bang” (73) y “Miami” (74).
Pero el año siguiente Bolin acepta la llamada de Roger Glover para unirse a Deep Purple en sustitución de Ritchie Blackmore, siendo seguido de Kenner, que también deja la banda. En 1975, Fox y Peters reaparecen con Rick Shack (guitarra) y Buba Keith (guitarra y voz), con quienes graban los mediocres “Newborn” (75) y “Jesé come home” (76), que se convierten en los dos últimos trabajos oficiales del grupo y posteriormente se precipita la disolución definitiva de James Gang. Ya en 1972 se había editado el recopilatorio “The best of James Gang”, con lo mejor de la etapa estelar, en la que Joe Walsh era el hombre fundamental de una banda que ha pasado a la historia como una de las pioneras del hard rock norteamericano.

National Health-National Health (1978)

National Health fue una de las ultimas grandes bandas del movimiento del sonido Canterbury, interpretando el mismo estilo progresivo de influencias de jazz, rock y música clásica de la extinta banda Hatfield and The North. Formada por antiguos miembros de la mencionada Hatfield and The North, Caravan, Egg, Khan o Colosseum, estaba formada por Phil Miller (guitarra), Dave Stewart (teclados), Pip Pyle (batería) y Neil Murray (bajo), además de los músicos colaboradores Alan Gowen (teclados), Jimmy Hastings (flauta, clarinete), Amanda Parsons (voz) y Joni Mitchell (percusión). En 1978 publicaron su debut homónimo en donde sobresalían la epopeya "Tenemos Road", una de las piedras angulares del sonido Canterbury, las jazz rock "Brujo" y "Borogoves (Excerpt from Part Two)", en ambas todos los miembros de la banda muestran sus destrezas musicales de manera deslumbrante, para acabar este primer album con  la edificante jazz "Elephants".

Catherine Ribeiro & Alpes-Paix (1972)

Catherine Ribeiro & Alpes fueron una de las bandas mas originales del underground francés de la década de los 70. Su estilo siempre fue difícil de definir, ellos utilizaban elementos del folk, la experimentación, la psicodélica y los sonidos progresivos. Liderada por el guitarrista Patrice Moullet y la cantante Catherine Ribeiro, tenían en el organista Patrice Lemoine, el bajista Jean-Sebastian Lemoine y el percusionista Michel Santangelli, el resto de esta particular banda gala. En 1972 lanzaron su cuarto trabajo bajo el sello Philips titulado "Paix", que con sus dos largas suites, es considerado su trabajo más progresivo y su obra cumbre. Estas dos suites son “Paix”, en donde muestran el típico sonido del krautrock alemán debido a los teclados espaciales, los sonidos ácidos, hipnóticos y oscuros y el ambiente inquietante de toda la pieza.

Por otro lado "Un Jour...la Mort", muestra un sonido mas intenso, con grandes capas de teclados y pasajes sonoros de guitarra y una percusión palpitante.

Durante los siguientes años, esta banda francesa seguiría publicado regularmente trabajos hasta 1980, cuando lanzaron su última obra, para poco después desintegrarse definitivamente.

The Allman Brothers Band-Shades Of Two Worlds (1991)

Uno año después de su reunificación lanzando el álbum "Seven Turns", The Allman Brothers Band volverían a publicar un nuevo trabajo, el cual se constituyo uno de sus mejores logros, casi a la misma altura de sus grandes obras de los setenta. En esta nueva entrega titulada "Shades Of The Two Worlds", la banda originaria de Jacksonville vuelven a mostrar su imponente estilo con un álbum repleto de country, rock, jazz y blues, todo ello bajo el envoltorio del rock sureño. Grabado en los estudios Ardent Recording de Memphis, fue producido por Tom Dowd y los propios Allman, que por aquellos años estaba formada por Gregg Allman, Dickey Betts, Butch Trucks, Warren Haynes, Marc Quiñones, Allen Woody y Jai Johanny. Piezas tan magnificas como los poderosos blues rock "Get On With Your Life" o "Desert Blues", conviven con los acercamientos a los sonidos jazzisticos "Kind Of Bird" y "Bad Rain", o con los polvorientos rock sureños "End Of The Line" y "Midnight Man", sin olvidarnos de sus raíces country y folk con "Come on in My Kitchen" o sus típicas jams extendidas con la soberbia "Nobody Knows". En definitiva, con este nuevo trabajo The Allman Brothers volvieron a reivindicar su esplendoroso pasado, dejándonos para la posteridad uno de los mejores álbumes de la música de raíces norteamericana.

Nitty Gritty Dirt Band

Este es uno de los grandes grupos del country rock norteamericano más característico y en el que, junto a los miembros originales, han actuado otros grandes del género como Jackson Browne y otros coetáneos legendarios del folk y el country.
Originalmente la Nitty Gritty Dirt Band se forma en 1966 en California cuando de las cenizas de la germinal formación The Jug Band formada por el cantante Bruce Kunkel y el guitarrista Jeff Hanna se unen a Jimmie Fadden voz y armónica, Ralph Taylor Barr guitarra y Leslie Steven Thompson, bajo.
Posteriormente se les unirían John McEuen banjo, Chris Darrow guitarrista y Jim Ibbotson guitarra y teclados.
A finales de 1966 el grupo consigue un contrato con el sello Liberty quien les asegura un mínimo de ocho álbumes.
A principios de 1967 llegaría el primer álbum titulado “Nitty Gritty Dirt Band” que cosecha un discreto éxito gracias al tema “Buy me for the rain”.
Los siguientes álbumes obtienen meritorios resultados en las listas del country; “Ricochet” (1967), “Rare Junk” (1967), “Pure Dirt” (1968) y “Dead and Alive” (1969).
Pero fue su sexta grabación, “Uncle Charlie and His Dog Teddy” (1970), el que les convertiría en el grupo revelación del country and folk rock de aquel año, incluyendo tres éxitos pop, entre ellos la versión de Jerry Jeff Walker: “Mr. Bojangles”. De los muchos temas sobresalientes en “Uncle Charlie”, hubo también una versión de Earl Scruggs: “Randy Lynn Rag”. Esto puso en marcha lo que se convertiría posteriormente el álbum “Will The Circle be Unbroken”, una verdadera suma de talentos la cual incluía a grandes figuras del country como Scruggs, Doc Watson, Merel Travis, Roy Acuff and Mother Maybelle Carter...etc, este álbum triple grabado en un estudio de Nashville durante mas de seis días de 1971, se convirtió en un evento antológico y memorable y un hit multi-platino. “With the Circle...” permanece como un importante trabajo; a 30 años de su lanzamiento y es una de las 50 grabaciones honoradas y preservadas por la biblioteca del Congreso de los Estados Unidos como parte fundamental en la historia de la música norteamericana.
Un año después llegaría otra gran obra “All the good times” y participan en la película “Paint your Wagon”, hecho este que les hace aún mas populares.
Ambos trabajos fueron publicados por el sello United Artists una vez había finalizado el contrato que la banda tenia con Liberty.
Después de este ultimo trabajo Darrow y Thompson abandonan la banda, quedando esta conformada como cuarteto y así graban “Stars and Stripes forever” (1974) y “Dream” (1975).
A finales del año siguiente Hanna también decide abandonar la banda y el resto deciden continuar como “The Dirt Band” y empiezan esta nueva era con el triple álbum “Dirt, Silver and Gold” (1976), disco de versiones de clásicos del country and western.
Posteriormente llegarían “The Dirt band” (1978), “An American Dream” (1979) y “Make a little magic” (1980) que pasan bastantes desapercibidos fuera del circuito folk.
Tras algunos éxitos en la primera década de los 80’s, la banda regresó a Nashville una vez más y comenzó lo que se convertiría en una carrera bastante exitosa en la música country con tintes comerciales. Entre los exitos estaban “Dance Little Jean”, “Workin’ Man”, “Long Hard Road”, “Baby’s Got A Hold On Me” o “Fishin’ in the Dark”, que elevaron al grupo en la cima de las listas de country en las siguientes décadas y que pertenecían a álbumes como “Jealousy” (1981), “Twenty Years of Dirt” (1986), “Will the Circle be Unbroken Vol,Two” (1989) “The Rest of Dream” (1990) o “Not Fade Away” (1992).
Finalmente “Welcome to Woody Creek” (2004) y “Speed of Life” (2009) son los dos últimos registros de la banda.
Así mismo la banda ganaría en 1989 el premio Grammy al mejor álbum de country con “Will the Circle be Unbroken Volumen Two” y en 1992 haría lo mismo con el álbum “Acoustic”.

The Pentangle

Esta fundamental banda de folk británico, surgió a mediados de 1967 y pronto se convertiría en todo un clásico gracias a una refinada calidad y una elegancia instrumental basada tanto en la voz de Jacqui MsShee, como en la de sus dos guitarras solistas, los prestigiosos y reputados John Renbourn y Bert Jansch y de la sección rítmica compuesta por el batería Terry Cox y el bajista Danny Thompson que creaban el perfecto contrapunto rock a la sonoridad folk del quinteto.

Los orígenes de la banda se remontan varios años atrás cuando Renbourn publica su primer disco “John Renbourn” (1965) en el cual colaboraba Bert Jansch.
Ambos músicos ya eran sobradamente conocidos en el mundo del rock y el folk a nivel internacional, de hecho Donovan aprendía trucos de guitarra de Bert Jansch y le dedicaba la cancion “Bert Blues”. Ademas Neil Young se inspiro en su “Neddle Of Death” para su “Ambulance Blues” y Jimmy Page casi plagio su “Black Mountain Side” del “Black Water Side”.
Por su parte John Renbourn, era un virtuoso con la guitarra con claras influencias por el blues y la música antigua inglesa.
Este primer disco funciono tan bien en los circuitos de folk que un año después ambos músicos firman conjuntamente el álbum “Bert and John” (1966) y posteriormente “Another Monday” (1967) en donde además también intervenía McShee.
Paralelamente Bert había iniciado su carrera como solista con el álbum “Bert Jansch” (1965) al que siguieron “It Don´t Bother me” y “Jack Orion”, ambos de 1966 y “Nicola” (1967).
Y es ese mismo año cuando Jansch, Renbourn y McShee deciden juntar sus fuerzas y fundar una banda e incorporan a la mejor sección rítmica del momento dentro del panorama folk-rock, Danny Thompson y Terry Cox.
La unión de todos estos magníficos músicos originara una banda singular que enseguida adquiere fama y popularidad.
Definidos como folk rock barroco, su estilo se derivaba mas allá de esta relación; sus músicos reflejaban un fondo inequívocamente jazz. Y aunque sin haber mucho rock si influenciaron a este estilo mucho mas de lo que ellos fueron influenciados por el.
Pentangle reinvento canciones tradicionales anglosajonas de folk, blues y jazz mezcladas con composiciones de Bert. Sonidos mecidos por un sólido e imaginativo contrabajo, batería casi susurrada, dos guitarras enzarzándose en una melodía principal de idas y venidas y una cristalina voz de McShee acompañada por la que sentaría las bases por las que se medirían después todas las voces femeninas del folk británico como por ejemplo Sandy Denny.
Sus primeros años serán de una creatividad formidable con excelentes álbumes muy considerados tanto por la critica como por el publico en general y así se van sucediendo uno tras otro “The Pentangle” (1968), “Sweet Child” (1968), “Basket of Light” (1969), “Crouel Sister” (1970), “Reflection” (1971) y “Solomon´s Seal” (1972), que mantienen al grupo en lo mas alto del folk-rock británico.
Pero tanto talento difícilmente tiene una longevidad larga y a mediados de 1973 el grupo se disuelve.
A partir de aquí todos los músicos siguen unas carreras en solitario, siendo Bert Jansch y John Renbourn quienes se muestren mas activos publicando asiduamente nuevos y numerosos trabajos, si bien paralelamente al grupo habían publicado “Sir John Alot Merre Englandes musik thynge and ye grene knyghte” (1968) o “The Lady and the unicorn” (1970) por parte de Renbourn y “Birthday Blues” (1969) y “Rosemary Lane” (1971) de Jansch. 
Después de la disolución de la banda el primero grabaría “So Clear” (1973), al que seguirán “Heads and tails” (1974) y “Black Balloon” (1978) entre otros muchísimos mas y el segundo “Moonshine” (1973) o “Santa Barbara honeymoon” (1975).
En los años siguientes se publicarían numerosos recopilatorios de Pentangle como “History Book” (1972) o “Anthology” (1978).
En 1980 la banda se reuniría para una serie de conciertos por toda Europa que apenas duraría unos meses por el abandono de algunos de sus miembros.
A partir de aquí la banda se ha venido reuniendo ocasionalmente con diferentes formaciones quedando solo McShee y Jansch como únicos miembros originales y publicando algunos nuevos registros como “Think of Tomorrow” (1991) o “One More Road” (1993).

Quintessence-Dive Deep (1971)

"Dive Deep" fue el tercer y ultimo álbum lanzado bajo el sello Island por los esotéricos Quintessence, antes de firmar por la compañía RCA, con la cual publicaron sus dos siguientes obras.

Lanzado en 1971, en este entrega la exótica banda británica estaba formada por Shiva Shankar Jones como cantante principal, teclados y percusión, Allan Mostert guitarras y bajo, Maha Dev guitarra rítmica, Raja Ram flauta, Sambhu Babaji bajo, guitarra acústica y arpa judía y Jake Milton batería y percusión, además de los habituales colaboradores Vidya Bahen Jee voz, Swami Ambikananda arpa hindú, Ned Balen tabla hindú y Sita Devi Jee violín, casi todos ellos con unos nombres que son seudónimos tomados de personajes legendarios de la cultura filosófica hindú.

En esta tercera entrega esta exótica y peculiar formación continuaron con su propuesta de sonidos psicodélicos de influencias étnicas con unas estructuras simples pero muy efectivas y elaboradas.

En el aparecen desde ambientales viajes atmosféricos bajo el embrujo del LSD como "Dance For The One”, hasta incursiones a los sonidos orientales con la raga "Sri Ram Chant", pasando por acercamientos al jazz psicodélico "Dive Deep",  atractivas melodías como "The Seer" o piezas mas contundentes como la enérgica "Epitaph for Tomorrow".

Greenslade

Cuando a finales de 1971 se confirma la ruptura del grupo de jazz progresivo Colosseum, cada uno de sus miembros, todos ellos de excelente prestigio, toman rumbos diversos y así Dave Greenslade, el teclista del grupo forma su propia banda llamada Greenslade a principios de 1972, junto con otro ex-miembro de Colosseum, el bajista Tony Reeves, completando la formación Andrew McCulloch (batería, que había sido músico de Arthur Brown y temporalmente de King Crimson) y Dave Lawson (cantante, teclista e instrumentos de viento, otro veterano que había militado en grupos como Episode Six y el Alan Bown Set).
Greenslade iniciarían así su rutilante historia, con un estilo basado en la aplicación de dos teclados e inspirado en los márgenes más vanguardistas de lo hecho por Colosseum, El grupo graba dos primeros álbumes excelentes que les colocan en un buen lugar dentro de las nuevas bandas de rock progresivo en los primeros años 70 y que contó con la estimable colaboración de Roger Dean con sus espectaculares portadas. Estos LP’s eran “Greenslade” (72), un trabajo muy orientado al jazz con reminiscencias blues en donde la ausencia de guitarras es el denominador común del álbum, y en donde el mellotrón cobra un protagonismo vital conformando un trabajo lleno de matices con largos paisajes de sosegados sonidos, rotos por momentos con enérgica línea de bajos y la tonalidad pastoral de la voz de Lawson y el siguiente “Bedside manners are extra” (73) publicado un año después, un trabajo mas pulcro y solidó, con una notable incorporación de sintetizadores y una sección rítmica mas participativa, dotando al sonido elementos de poderoso blues-jazz-rock progresivo.
En 1974, el guitarra Dave Clempson, que acaba de dejar Humble Pie, se une a ellos como quinto miembro oficial, ampliando el potencial del grupo, aunque apenas colabora en el tercer LP, “Spyglass guest” (74), que continua con la línea estilística del anterior disco.
El abandono después de este último trabajo por parte de Tony Reeves es cubierto por el bajista Martín Briley, mientras que Dave Clempson sigue su camino itinerante de igual forma. En 1975, se publica “Time and time”, que supone un ligero paso atrás y que precipita la disolución de la banda a principios de 1976
Posteriormente Dave Greenslade graba su primer álbum en solitario “Cactus choir” (1976) un portentoso ejercicio de rock progresivo que contó con un lujoso plantel de invitados; Rupert Hine, Simon Phillips o Mick Grabham.
Varios años después en 1979 reaparece con su segundo álbum, el ambicioso y espectacular “Pentateuch of the cosmogony”, un álbum doble conceptual sobre relatos y cuentos del prestigioso ilustrador Patrick Woodrofe que contenía ilustraciones y dibujos en una edición lujosísima que fue durante muchísimo tiempo una pieza de coleccionista tanto para los melómanos como los aficionados a la ilustración y que contaba con la participación de Phil Collins.
En lo sucesivo Dave Greenslade publicaría dos trabajos más “From the Discworld” (1994) y “Going South” (1999).
Por su parte la historia del grupo se mantendría viva ya que en 1997 se publicaría el grandes éxitos “Shades of Green” y varios años después el directo “Live” con temas grabados en conciertos de las épocas entre 1973 y 1975.
Sin duda Greenslade fueron uno de los pilares fundamentales del rock progresivo de la década de los 70.

Al Stewart

Al Stewart es uno de los grandes cantautores británicos surgidos de la primera corriente del folk ingles que protagonizaría muchos momentos memorables durante la década de los setenta.
Este escocés de nacimiento, inicio su periplo musical cuando a mediados de los sesenta abandona Glasgow en donde era miembro de una banda local de pop llamada The Sabres y se traslada a Londres para iniciar una carrera en solitario y comienza a actuar en el circuito de clubs de folk de la capital británica.
Junto a Donovan se convierte en uno de los grandes trovadores del estilo y le aportan la fama suficiente para que el sello londinense Decca le proponga un contrato, el cual consistía en grabar varios singles que pasaron totalmente desapercibidos.
Este es el motivo por el cual dicho sello le rescinde el contrato y Stewart lejos de desanimarse logra conseguir que la discográfica CBS se interese en el y le publique una serie de canciones que el músico tenia compuestas y pasarían a pertenecer a su primer álbum “Bedsitter Images” (1967), en donde Stewart mostraba su faceta folk muy cercana al flower power, con orquestales arreglos barrocos que obtiene un discreto éxito en las listas.
No seria hasta principios de 1969 cuando llegaría su segundo trabajo “Love Chronicles”, en el cual Stewart se despoja en parte de las florituras amorosas y orquestales del primer album para seguir la corriente vanguardista de la época y cuya principal novedad es la inclusión del tema homónimo de 18 minutos de duración, en el cual el músico realiza una sucinta memoria autobiográfica y en donde sobresalía la guitarra sublime de un genial Jimmy Page.
En “Zero she Flies” (1970), su siguiente álbum, Stewart reiteraba los gustos por el folk-rock y las buenas melodías dejando claro su habitual lado intimista.
Los siguientes cinco años publicaría el meritorio “Orange” (1972), en donde contó con la participación de Rick Wakeman, el ambicioso y conceptual “Past, Present and Future” (1973), un disco que narraba las predicciones del famoso boticario francés en el corte ”Nostradamus” o el magnifico “Modern Times” trabajo bajo las influencias de Alan Parsons, que tomo las riendas de la producción, evidenciando aquí el sonido pop sofisticado que emanaba en todo el álbum.
Este último fue curiosamente su álbum más exitoso hasta ese momento, pero también el último con la CBS.
Un año después llegaría su obra maestra “Year of the Cat” (1976), el primero con el nuevo sello RCA y producido nuevamente por Alan Parsons, que consigue un éxito apoteósico a ambos lados del atlántico, gracias en parte al tema que daba titulo al álbum o otras de igual belleza como “On the Border” o “Lord Grenville”.
Llegados a este punto Al Stewart estaba en el cenit de su carrera y sus trabajos en adelante entrarían en una etapa de continuidad musical con un estilo lleno de sencillez, colorismo y canciones deliciosas de un gran impacto comercial.
Así se fueron sucediéndose los álbumes como el magnifico “Time Passages” (1978), el aceptable “24 carrots” (1980) el doble álbum en directo Indian “Summer Al Stewart Live” (1981), o los interesantes y meritorios “Russians and Americans” (1984), “Last days of the Century” ( 1988), “Rhymes in Rooms” (1992) o “Famous last Words” (1993).
En 1995 Stewart volvió a publicar un nuevo álbum concepto, “Between The Wars” en el cual relataba acontecimientos históricos y culturales de principios del siglo 20.
Los últimos trabajos publicados por Stewart han sido “A Beach full of Shells” (2005),  “Sparks of Ancient Light” (2008) y el directo “Uncorked” (2009).