Jethro Tull-The Broadsword and The Beast (1982)

Si el álbum anterior a este ("A"), había supuesto un radical cambio en el sonido de Jethro Tull de Ian Anderson, debido a la masiva presencia de la nueva generación de teclados, en detrimento de las guitarras acústicas y los sonidos folk medievales, encajando con ello un estilo mas conservador, para su siguiente lanzamiento optarían por darle mas protagonismo a las guitarras eléctricas agresivas de Martin Barre y un sonido mas hard rock. Anderson cambiaria varios engranajes para este "The Broadsword and the Beast", empezando por el teclista Peter-John Vettese y el baterista Gerry Conway, quienes sustituían a Eddie Jobson y Mark Craney respectivamente. Un registro en el que además sobresale la dosis de modernidad que el nuevo teclista Vettese aporta sin intentar evocar al incomparable Jobson, así mismo la solida sección rítmica compuesta por Conway y Dave Pegg, son el perfecto apoyo para la habitual mezcla de elegancia y riffs ardientes de Martin Barre y la inquietante voz de Ian Anderson y su medieval flauta. La Majestuosa "Beastie", la hard blues "Fallen on Hard Times", la ardorosa "Broadsword", la folky "Pussy Willow" o la tour de force "Watching Me Watching You", son lo mas destacado de una álbum tan evocador como atractivo.

Quartz-Stand Up And Fight (1980)

Estamos ante un álbum que siempre terminaba en el cajón de las ofertas en las tiendas de discos, debido principalmente porque casi nadie les prestaba atención estando en la sección de heavy metal, rodeado de otros discos de bandas mas mediáticas como Iron Maiden, Mortorhead, Scorpions o Judas Priest, entre otras muchas mas. Sin embargo Quartz no son solo fueron una de las germinales bandas del nuevo movimiento del heavy metal británico de los años ochenta, fueron además una de las mas talentosas, hasta el punto de que llamaría la atención del guitarrista de Black Sabbath Tony Iommi, el cual llego a producirles su primer álbum, en el que incluso colaboran Ozzy Osbourne y el guitarrista de Queen, Brian May. Fundada casi a mediados de los 70, su formación más clásica estaba compuesta por Mike Taylor (Voz), Derek Arnold (bajo), Mick Hopkins (Guitarra) y Malcolm Cope (Batería). Con su segunda entrega "Stand Up And Fight", la banda británica mostraba su excelente mezcla entre el pesado hard rock de los 70 y el vertiginoso heavy metal de la nueva década de los 80. Un album trepidante de principio a fin, con una series de acelerados y contundentes temas como "Wildfire", "Stocking Up The Fires of Hell", "Charlie Snow", "Rock´n´Roll Child" o "Stand Up and Fight". Sin embargo pese al enorme talento compositivo e instrumental, pasaría desapercibido, algo que también ocurriría con el siguiente "Against All Odds" (1983), precipitando la disolución definitiva de Quartz algún tiempo después.

Casiopea-Casiopea (1979)

Casiopea simboliza el mejor jazz japonés inspirado en el smooth jazz, el funk y el rock, una formación que durante décadas se ha convertido en uno de sus máximos exponentes. Esta banda nipona ha estado siempre girando alrededor de su líder y principal compositor Issei Noro (guitarra), el único componente que se mantenido en la banda desde su fundación a mediados de los setenta, y que han sufrido innumerables cambios de formación a lo largo de casi cinco décadas. Varios años después de su creación y luego de participar exitosamente en varios festivales de jazz, lograron publicar su primer larga duración con Minoru Mukaiya (teclados), Takashi Sasaki (batería) y Tetsuo Sakurai (bajo). Además en este debut tuvieron la colaboración de tres de los más grandes músicos de la escena del jazz fusión norteamericano como David Sanborn, Michael Brecker y Randy Brecker. Pese a que aún su estilo estaba por consolidarse definitivamente, en este primer registro, la banda nipona logra crear un fascinante álbum de fusion entre el melódico jazz, el vigoroso rock y el rítmico funk. La cadencia funk esta presente en una gran parte del álbum, especialmente en las dinámicas "Dream Hill" y "Black Joke", por otro lado la progresiva "Space Road", la smooth jazz "Tears of the Star" o la jazz fusion adictiva "Swallow", ponen de manifiesto el gran eclecticismo de Casiopea. A partir de aquí la banda tendría una productiva carrera lanzando mas de medio centenar de álbumes entre los de estudio y los directos, lo que la convierte en una de las discográficas más extensas de la historia del jazz rock.

Moon Martin-The Very Best of Moon Martin (1999)

John David Martín (mas conocido como Moon Martin), es uno de los artistas mas curiosos de la new wave, comenzó tocando en varias bandas locales de Oklahoma a finales de los 60 para posteriormente trasladarse a los Ángeles y formar una banda llamada Southwind con los que publicaría tres álbumes de escasa repercusión.
Sin embargo su faceta de compositor y músico de sesión para artistas como Linda Ronstadt o Gram Parsons entre otros, le abrió el camino para proyectar su carrera en solitario.
Ya en 1978 publicaba su primer álbum "Shots from cold nightmare", trabajo en el cual destacaban varias canciones como "Nights thoughts", "Victims of romance", "Cadillac walk", (que se hiciera famosa al ser grabada posteriormente por Willie DeVille), y sobre todo "Bad case of loving you", (publicada por Robert Palmer un año después, y que supuso gran éxito comercial).
A partir de aquí algunas de sus canciones fueron incluidas en los trabajos de diversos artistas y Moon Martín se consolidó como solista. El nuevo álbum "Escape from domination" (79) y los singles "Rolene" y "No chance" son sus piezas claves, entrando en los 80 con el LP "Street Fever", que le otorgó el ser uno de los mejores artistas en la siguiente década. En 1979 Moon formó su propio grupo, The Ravens, con Jude Cole (guitarra), Dennis Croy (bajo) y Rick Croy. En 1982 publicó su cuarto álbum para Capitol Records, "Mystery Ticket", al que le siguió en 1984 "Mixed emotions", para a partir de aquí Martín desvincularse de su carrera en solitario y dedicarse a la composición para otros músicos, aunque con algún que otro disco publicado en las décadas siguientes sin apenas repercusión comercial
Temas como "Bad case of loving you" justifica de sobra el por qué este hombre paso a la historia del pop-rock. Tiene todos los ingredientes de las grandes canciones, calor, ritmo, desespero, estribillo pegadizo y unos riff de guitarra inolvidables.

Magna Carta-Lord Of The Ages (1973)

Magna Carta es una de las más talentosas bandas surgidas a finales de los sesenta en medio del incipiente movimiento progresivo del folk británico. Formada en Londres en 1969 por Chris Simpson, Glenn Stuart y Lyell Tranter, pronto se convirtieron en una de las mas prometedoras formaciones inglesas del folk rock con influencias del estilo de la costa oeste norteamericana de The Byrds o el folk británico de Fairport Convention, todo ello envuelto en arreglos orquestales y grandes armonías vocales. En ese tono estilístico se fueron publicando sus primeras obras, "Magna Carta" (1969), "Seasons" (1970) y "Songs From Wasties Orchard" (1971). Dos años después la banda sufre sus primeros cambios, entrando el guitarrista Stan Gordon en sustitución de Tranter, además de la entrada como colaboradores de Dave Peacock al bajo, Gerry Conway a la batería, Danny Thompson al contrabajo o Jean-Alain Roucel a los teclados. Con esta formación grabaron "Lord Of The Ages", la obra que definitivamente encumbraría a Magna Carta. Un álbum que bajo una enigmática portada diseñada por Roger Dean, es la producción mas progresiva de Magna Carta en donde sobresalen la épica canción que da titulo al disco, casi diez minutos de enormes pasajes progresivos, la adictiva "Wish It Was", la comedida folk "Two Old Friends", la medieval "Falkland Grene" o la melancólica "Father John". "Lord Of The Ages", es una de las obras cumbres del folk progresivo británico, un álbum repleto de refinados detalles, que con ciertas tendencias jazzisticas, se convirtió en la opera prima de Magna Carta.

Irish Coffee-Irish Coffee (1971)

Irish Coffee fueron una formación belga de hard rock creada a principios de los 70, surgida como consecuencia de las cenizas de otra banda de versiones llamada The Voodoo. En su corta trayectoria de apenas cinco años, rota por la muerte en accidente automovilístico del baterista e hiriendo gravemente a otro de sus miembros, solo publicaron un álbum lanzado en 1971. Su formación incluía al cantante y guitarra William Souffreau, al baterista Hugo Verhoye, al teclista Paul Lambert, al bajista Willy De Bisschop y al guitarrista Jean Van Der Schueren. Su estilo de genérico hard rock estaba impulsado por un órgano Hammond pesado, unas claras influencias psicodélicas y un constante ritmo que bebía de las fuentes del funk y el blues. Pesados boogie rock como "Can´t Take It", muestran el manual establecido del hard rock de la época, en donde unas ingeniosas composiciones se convierten en embriagadoras piezas como ocurre con la apasionante "The Beginning Of the End". El funk invade el ritmo de "The Show (Part 1)" mientras que el blues hace lo mismo con la segunda parte del mismo tema. Pero la mala fortuna les privarían a que este primer y único trabajo, tuviera continuidad, mas allá de una serie de singles que años mas tarde serian incluidos en la reedición en CD, de este olvidado álbum de hard rock progresivo.

Bennie Maupin-The Jewel in the Lotus (1974)

El saxofonista Bennie Maupin es conocido fundamentalmente por haber participado en álbumes de gran calibre como "Bitches Brew" de Miles Davis, en los de la época "Mwandishi" (1971-1973), de Herbie Hancock o haber pertenecido a la banda de este último, con quienes grabaría los registros "Headhunters" (1973) y "Thrust" (1974). Sin embargo en su carrera ha habido otras apariciones estelares junto a otras figuras como Horace Silver o McCoy Tyner, además consolidar una sobria carrera en solitario produciendo media docena de álbumes de reconocido prestigio. Uno de ellos fue "The Jewel in the Lotus", su debut como solista, en el cual contaría con gran parte de la banda de acompañamiento de Herbie Hancock, quien también colabora con el piano eléctrico, además de Buster Williams al bajo, Charles Sullivan a la trompeta y los tres bateristas Bill Summers, Billy Hart y Frederik Waits. Con un estilo que difiere sustancialmente con todo lo que había hecho anteriormente en sus diferentes colaboraciones, Maupin se inclina por un género avant-jazz y el free jazz experimental. Con unos sonidos intrincados, se van sucediendo unas piezas de claro acento vanguardista y experimental, evitando en gran medida la interpretación melódica, aunque armónicamente sigue siendo un jazz brillante y placentero. Inquietantes pasajes nos sumergen en ambientes fascinantes y adictivos con grandes texturas atmosféricas de jazz fluido, repleto de patrones psicodélicos a la par que abstractos y difusos.

Eric Dolphy-Out To Lunch! (1964)

Estamos ante uno de los discos más avanzados de su época y aun sigue estando muy adelantado a su tiempo, incluso cincuenta años después de su lanzamiento. Producto de un genio como el saxofonista Eric Dolphy, este "Out to Lunch" allanaría el camino para la futura experimentación musical del jazz, un vanguardismo que músicos como Frank Zappa supo interpretar perfectamente junto a los Mothers of Invention. Desde finales de los cincuenta hasta casi mediados de los sesenta Eric Dolphy se erigió en uno de los músicos de jazz mas respetados, al mismo tiempo que uno de los mas populares a nivel mediático, su trabajo junto a Charles Mingus le abriría las puertas a la exploración y la fusion del jazz con la música clásica. Grabado a principios de 1964, Dolphy formaría una formidable banda para la grabación de este registro compuesta por el bajista Richard Davis, el vibrafonista Bobby Hutcherson, el trompetista Freddie Hubbard y el baterista Tony Williams. Meses después de la publicación de "Out To Lunch", justo cuando había acabado una gira europea presentando este álbum junto a Charles Mingus, Dolphy fallecería repentinamente en la ciudad alemana de Berlin.

Detective-Detective (1977)

A mediados de la década de 1970, Led Zeppelin creó su propio sello discográfico llamado Swang Song, con el que la banda pretendía tener un control casi total de todo su material para ser publicado y alejarse de las presiones de la discográfica Atlantic.
Pero además del trabajo de Led Zeppelin también comenzaron a publicar álbumes de otros artistas relacionados con la banda como Bad Company o Detective.
Detective fue una banda que se formó en 1975 en Los Ángeles, y entre sus componentes se destacaban el ex guitarrista de Yes, Tony Kaye y el teclista de Steppenwolf, Michael Monarchi. Inmediatamente serian patrocinados por el mismísimo Jimmy Page el cual facilita que en 1977 publiquen su primer disco, titulado homónimamente "Detective".
Este primer registro está cargado de buen hard rock con influencias de Led Zeppelin, con cuatro de sus temas producidos por el propio Page bajo el seudónimo de Jimmy Robinson.
Con un repertorio en donde hay grandes momentos de hard rock con toques de funky como "Recognition" o "Got Enough Love", esta ultima con un sutil acercamiento a Bad Company, influencias zeppelianas "Grim Reaper" y "One More Heartache" o el rock progresivo con la brillante "Ain't None Of Your Business", un tema en donde Tony Kaye muestra claros guiños a su antigua banda.

Fish-Internal Exile (1991)

Después de dejar Marillion, Fish debutaba con "Vigil In A Wilderness Of Mirrors", un trabajo que resulto de alguna manera muy continuista a lo que hacia con su banda madre, mostrando un brillante neo progresivo reflexivo y conmovedor. Después de este primer álbum no hubo que esperar mucho para que el gigantón escocés volviera a mover ficha, haciéndolo con su segundo lanzamiento "Internal Exile" justo un año despues, en el cual sigue empeñado en esa dirección neo progresiva pero poniendo mas énfasis a las letras y a las voces, en detrimento de los largos pasajes instrumentales que aquí son mas breves y concisos, pero al mismo tiempo incluyendo ciertos sonidos folk y celtas. Canciones como la enérgica "Shadowplay" nos retraen al álbum de Marillion "Misplaced Chilhood", con ese ritmo deslumbrante y preciso, mientras que las edificantes "Credo" y "Tongues" se mueven hacia el rock pesado y áspero. Por otro lado "Just Good Friends” y "Dear Friend" se convierten en las piezas mas accesibles y comerciales, las cuales contrastan con la conmovedora y sólida "Lucky". En palabras del propio Fish, con este álbum quiso plasmar "una colección de historias de jovenes" inspirados en su país de origen, y realmente sus reflexivas y poéticas letras son parte del atractivo de este álbum y son sin duda alguna, unas pequeñas obras de arte en si mismas.

Electronic Rock

El principal evento que revolucionaría la música rock hasta sus fibras más profundas de su naturaleza fue la llegada de los instrumentos electrónicos. En 1966 el inventor estadounidense Robert Moog, empezó a comercializar su sintetizador, una nueva clase de instrumento, el primero que tocaría más que una "voz" y aún imitaría las sonidos de todos los otros instrumentos. La vanguardia estaba lista para apropiarse de la idea. Morton Subotnick, por ejemplo, publicó una improvisación libre en un sintetizador, “Silver Apples of the Moon” (1967), que era simplemente el equivalente en la música clásica del acid-rock.
Hasta entonces, la música electrónica había sido un lujo que muy pocos músicos populares podrían acceder. La mayoría de los sintetizadores eran propiedad de centros de música clásica o de grandes estudios de grabación.
A pesar de las dificultades prácticas, unos cuantos compositores visionarios introdujeron arreglos electrónicos en la música popular, siguiendo el éxito de “Good Vibrations” de los Beach Boys (1966). Jean Jacques Perrey y Gershon Kingsley virtualmente inventaron el pop electrónico con la ingenua "sonosíntesis electrónica" de “The In Sound From Way Out” (1966).
El compositor canadiense Mort Garson grabó “Zodiac Cosmic Sounds” (1967), una suite acompañado por Paul Beaver en los teclados electrónicos, “The Wozard of Iz” (1969), una parodia electrónica del clásico infantil (con Bernie Krause en los "sonidos ambientales"), “Lucifer” (United Artists, 1971), una exotérica ópera & misa con sus observaciones de mezcolanza de sonidos electrónicos, y “Music for Sensuous Lovers” (1971), en la cual sobresale el sintetizador Moog y algunos gemidos humanos.
Ron Geesin, un británico investigador de sonidos eclécticos quien había experimentado con el collage en “A Raise Of Eyebrows” (1967), mezcló la psicodélia y el dadaísmo en “The Body” (1970) y particularmente en “Electrosound” (1972), el cual expandió la música cósmica y precedió a la música industrial.
El hombre que tiene el crédito de haber convertido "música electrónica" en música comercial es Walter Carlos, su “Switched On Bach” (1968) fue el primer álbum electrónico en alcanzar las listas de éxitos, aunque el mejor fue “Sonic Seasonings” (1972), que precedió a la música ambiental unos cuantos años antes.
En 1968 muchas bandas de rock también experimentaron con el nuevo medio para realzar su caos creativo, con ejemplos muy notables como las bandas psicodélicas United States Of America en New York y Fifty Foot Hose en San Francisco.
Sin embargo Lothar & The Hand People fueron quizás la primer banda de rock en usar instrumentos electrónicos para más que simple relleno de fondo en sus álbumes “Presenting” (1968) y “Space Hymn” (1969).
La banda legendaria de culto Silver Apples fueron un dúo experimental de teclados y vocales electrónicos que precedieron a la new wave y al synth-pop en casi una década. La música en “Silver Apples” (1968) y “Contact” (1969) mezclaba psicodélia y el rock'n'roll mientras empacaban la neurosis urbana y la angustia existencial.
En Boston, el integrante de Beacon Street Union, Peter Ivers, aplicó "modulaciones" electrónicas a los arreglos ya de por sí salvajemente excéntricos de su album concepto-religioso “Knight Of The Blue Communion” (1969), un desfile surrealista de números de jazz, psicodélia, pop, música clásica y vodevil con una cantante de ópera por delante.
El primer músico en improvisar en vivo con un sintetizador fue probablemente Annette Peacock, ejecutando con el grupo de jazz de Paul Bley.
Dos veteranos de los instrumentos electrónicos formaron otro dúo influyente, simplemente llamado Beaver & Krause (3), cuyo “Ragnarok Electronic Funk” (1969) fue otro punto importante para la adopción de los instrumentos electrónicos. En “In A Wild Sanctuary” (1970) ellos intentaron una fusión de raga, música clásica, folk y psicodélia, y en “Gandharva” (1971), grabado en la catedral de San Francisco con la ayuda de Gerry Mulligan y Bud Schank, se expandieron todavía más hacia el jazz.
En 1970 Robert Moog lanzó el Minimoog, el primer sintetizador portátil. Ese evento hizo la música electrónica disponible a un grupo más amplio de músicos. Aunque era todavía muy caro, este juguete podría moverse de un escenario a otro, y por lo tanto integrarse en el ensamble del rock, de los primeros en ultilizarlos estaban la ya grandes bandas de rock progresivo como Yes, Emerson, Lake and Palmer, Genesis...etc.
David Borden formó en 1969 un trío electrónico que grabaría “Mother Mallard's Portable Masterpiece Company” (1973), armado con el sintetizador mini-Moog e inspirado por el minimalismo de Terry Riley y la improvisación del jazz.
En Suecia, Bo Hansson lanzó “Sagan Om Ringen” (1970), una colección de doce viñetas impresionistas que mezclaban el folk, música clásica, jazz y pop y que precedería al synth-pop y a la música new-age.
En Gran Bretaña, los pioneros de la música electrónica White Noise, el proyecto original del estadounidense David Vorhaus, preparó las canciones de cuna y etéreas y espaciales de “An Electric Storm” (1969).
También en 1969 aparece una banda llamada Rare Bird, que graban un album especialmente curioso y fundamental en la historia del rock progresivo con tintes electrónicos y psicodélicos, ya que en ella no aparece guitarrista alguno, su música se apoya en los sonidos del órgano, piano eléctrico, bajo y bateria, y de esa manera en este su primer album “Rare Bird” (1969), llaman mucho la atención de los aficionados y critica del momento, su mezcla de rock épico y atmosférico muy influenciados sin duda por el rock progresivo será la antesala de los que luego grupos como Camel o mas particularmente Emerson, Lake and Palmer llevaran a la cúspide, posteriormente el grupo redefinio su sonido a estilos mas diversos, “As Your Mind Flies By” (1970) donde incluyeron muchos mas amplios sonidos electrónicos de teclados adicionales a los ya conocidos de órgano y piano eléctrico, aunque el resultado también les salió de manera antológica.
Finalmente, los Tonto's Expanding Head Band grabaron “Zero Time” (1971), la primera colección de melodías pop originales enteramente tocadas en sintetizadores.
Por aquel tiempo, las bandas alemanas habían comenzado a cambiar el centro de gravedad hacia los teclados electrónicos y pronto procederían a reinventar la música rock.

Dream Theater-Systematic Chaos (2007)

Estamos en el año 2007 y Dream Theater estaban establecidos como la punta de lanza del metal progresivo, ese año las huestes lideradas por John Pretrucci y James Labrie, junto a Mike Portnoy, Jordan Rudess y John Myung, lanzaron su noveno álbum de estudio, este "Systematic Chaos", una obra que venia precedido del fenomenal "Octavarium" de varios años atrás. Sin llegar a ser un álbum totalmente conceptual, aquí se tratan temas recurrentes que oscilan entre el antibelicismo, la ciencia ficción o los vicios confesos. Son sin duda las extensas y retorcidas instrumentalmente "The Ministry of Lost Souls", una oscura composición con un antológico trabajo por parte del guitarrista Petrucci y la intrigante "In The Presence Of Enemies Part.2", un corte progresivo dividido en cuatro secciones con un extraordinario trabajo por parte de toda la banda, los temas mas progresivos de todo el álbum. El resto esta formado entre intensas piezas estremecedoras "In The Presence of Enemies Part.1", lienzos vigorosos y accesibles "Forsaken", contundentes trash metal antibélicos "Prophets of War" o influencias pinkfloydianas "Repentance". Sin llegar a las excelencias de obras como "Images and Words", "Awake", "Metropolis Part 2-Scenes from a Memory" o "Six Degrees Of Inner Turbulence", con esta entrega Dream Theater siguieron explorando sus majestuosas estructuras progresivas, fusionándolas de manera sublime con el heavy metal y la épica mágica y grandilocuente.

Jane

Jane es junto a otras bandas germanas como Guru Guru, Amon Duul II o Grobschnitt, que aún hoy en día siguen manteniendo vivo el genero krautrock de principio de los setenta, conservando aquel espíritu que revolucionaria la música vanguardista de la música rock.
Fundada en 1970 en la ciudad de Hannover, durante toda su carrera Jane ha tenido innumerables cambios de formación, hasta el punto que a mediados de los noventa se formaron tres bandas paralelas con diferentes miembros originales.
Jane practicaban un estilo que mantenía la síntesis del hard rock progresivo con pinceladas psicodélicas y espaciales muy cercanas a los primeros Pink Floyd. Sus orígenes están en la banda psicodélica Justice Of Peace, los cuales publicaron un sencillo de escaso éxito y en donde contaban con los futuros miembros de Jane, Peter Panka (voz), Klaus Hees (bajo) y Werner Nadolny (saxo).
Ya como Jane, la banda se reestructurarían, formando Panka a la batería y voz, Hess a la guitarra, Charly Maucher al bajo, Berndt Pulst a la voz y Nadolny a los teclados.
Esta primera formación lanzaría el primer álbum “Together” (1972), un disco cargado de un pesado sonido de blues rock con toneladas de órgano Hammond y unos ritmos hipnóticos que fue recibido calurosamente por la prensa germana y obtuvo una buena acogida por parte de los fans al rock progresivo.
Pero a partir de aquí empieza el continuo cambio de integrantes, algo que por otra parte nunca mermaría la calidad del grupo.
Después de varias nuevas incorporaciones se publica “Here We Are” (1973), en donde continuaban con la misma formula musical que el anterior, pero aplicando mas armonía y la introducción de diferentes elementos como los sintetizadores, como queda demostrado en el tema espacial y sombrío “Out In The Radio”. En “Jane III” (1974), la banda deriva su estilo hacia sonidos mas abrasadores de guitarra hard rock, una propuesta que seguía presente en el cuarto álbum “Lady”, en donde los sonidos mas duros se veían reflejados gracias a las incorporaciones de músicos como el guitarrista Matthias Jobs, quien algún tiempo mas tarde pasaría a engrosar la banda de heavy metal Scorpions.
En 1976 llegaría una de las obras cumbres de Jane con el álbum “Fire, Water, Earth & Air”, en donde aparecían las enormes suites progresivas “Air (Let The Sunshine In) + The End” y la que daba titulo álbum.
El enorme doble en directo “Live At Home”, publicado un año después, no hizo mas que confirmar el auge creativo de Jane, logrando abrirse camino en los mercados internacionales como Estados Unidos, Gran Bretaña o Japón con un tremendo éxito de ventas.
Con unas atmósferas conceptuales mas oscuras, llegaría el séptimo album “Between Heaven and Hell” (1977), que siguiendo los paradigmas del rock progresivo, volvía a triunfar dentro y fuera de las fronteras alemanas.
Llegados a este punto, Jane se habían convertido, pese a sus innumerables cambios de integrantes, (siempre alrededor de su fundador Peter Panka), en una de las bandas favoritas de los alemanas, suizos o austriacos, ganando también muchos adeptos en Inglaterra y otros países.
En una onda similar, en 1978 llegaría “Age Of Madness”, con el cual se embarcaron en una exitosa gira por toda Europa. Sin embargo los signos del agotamiento creativo llegarían en el siguiente “Sign No. 9”, el cual adolecía de los ambientes espaciosos creados por los teclados en favor de un dominio mas predominante y convencional de las guitarras, por lo cual fue menospreciado por los fans mas puristas y perdió el interés del publico en general.
Ya en la década de los 80 la banda afrontaba una nueva etapa mas enfocada hacia los sonidos cercanos a la new wave, el jazz, las experimentaciones tecnológicas y el rock mas previsible con los álbumes “Jane” (1980), “Germania” (1982), “Beautiful Lady” (1986) o “Genuine” (2002), este ultimo un intento fallido de recobrar los sonidos de antaño.
A partir de la década de los noventa la banda se divide en diferentes ramificaciones como Lady Jane con Peter Panka como líder, Mother Jane con Hess como hilo conductor o Pater Panka´s Jane, los cuales han seguido publicando discos y actuando regularmente por Europa con cierto éxito conservando el gran legado que el rock alemán dejaría para la historia de la música.

Matrix-Tale Of The Whale (1979)

Matrix fueron otra de las muchas bandas norteamericanas de jazz rock de un segundo escalafón que lanzaron cuatro interesantes trabajos durante los años 1976-1981. Originarios de la localidad de Appleton en Wisconsin, sus orígenes se remontan a 1974, mas concretamente a la Universidad de Lawrence, en donde cursaban cuatro de sus integrantes. Ellos eran los trompetistas y otros instrumentos como percusiones y teclados Larry Darling, Jeff Pietrangelo, Mike Hale y Kurt Dietrich, que junto a las incorporaciones de Michael Bard (saxo), Randall Fird (bajo), Tony  Wagner (batería), John Harmon (teclados) y Fred Sturm (trombón) tuvieron bastante notoriedad participando en diferentes y prestigiosos festivales de jazz como los de Monterey y Newport. Después de dos meritorios álbumes claramente orientados al el estilo del brass rock que los emparentaban con Blood Sweat & Tears; "Matrix" (1976) y "Wizard" (1978), en 1979 y bajo el apadrinamiento de la Warner Bros, publicaron su mejor obra "Tale Of The Whale", un registro mucho mas convencional y accesible dirigido a un publico mas amplio. Los sonidos ambiéntales cercanos al smooth jazz, la new age y las vibraciones de funk jazz rock están presentes en la mayor parte de piezas de este tercer trabajo en donde sobresalen la brillante jazz fusión "Narouz", las ambientales “Nessim” y la que da titulo al álbum, la funky "The Fly" o la planeadora "Galadriel".

Kaleidon-Free Love (1973)

El excelente pianista italiano Stefano Sabatini, fundaría el proyecto Kaliedon a principios de los setenta, un brillante experimento que pese a pasar desapercibido, es un apreciable trabajo enfocado en el free jazz y el jazz rock de bajo perfil, debido principalmente por adolecer de una guitarra eléctrica. Sus orígenes se remontan a finales de la década anterior cuando el propio Sabatini lideraba una banda de pop psicodélico llamada Free Love. Sin embargo un trágico accidente automovilístico acabaría con la vida de dos de los músicos, dejando a Sabatini herido de cierta gravedad. Años después Sabatini formaría una nueva banda a la que denominaría Kaleidon para cual reclutaría a Massimo Balla (saxófon y flauta), Franco Tallarita (bajo) y Giovanni Liberti (batería), mientras que el propio Sabatini se encargaba de los teclados y el piano eléctrico. Su único lanzamiento titulado "Free Love" en homenaje a su antigua banda, y publicado en 1973, es el fiel reflejo del jazz impulsado por los sonidos del saxo y el piano eléctrico. Compuesto por una serie de elegantes piezas de melódico jazz como la homónima “Free Love", la melancólica “Inverno´43" o la jazz fusión "Polvere", demostrando en todas ellas el talento instrumental de Sabatini, uno de los destacados teclistas del jazz europeo.

Arkus-1914 (1981)

Arkus son una banda holandesa que tiene el privilegio de ser una de los primerísimas en lanzar un álbum de neo progresivo, un sub genero que surgió a principios de los ochenta. Formada a finales de los 70 por el guitarrista y cantante Frans Smits, el bajista John Bouman, el baterista Erik Van Duin, el teclista Jan-Henk Wiggerlinkhuizen y el guitarrista Ron Willems. Su debut discográfico, titulado "1914", que fue grabado y publicado de manera privada por la propia banda, esta basado en las escrituras del famoso escritor holandés Bert Voeten. Este registro es un eficaz álbum del germinal neo progresivo, el cual contiene un repertorio cargado de melodías adictivas y coherentes. Sin embargo el estilo de la banda se orienta hacia los sonidos mas atmosféricos y melódicos del rock progresivo de finales de los setenta, que al estilo pastoral y teatral de principios de esa década.

Christmas-Christmas (1970)

Christmas fue una excelente banda canadiense de rock psicodélico vanguardista formada en la ciudad de Ontario a finales de 1969. Creada como consecuencia de las cenizas de otra formación canadiense llamada Reign Ghost, por el guitarrista y cantante Bob Bryden, la vocalista Lynda Squire y el percusionista Helge Ritcher. Sin embargo algún tiempo mas tarde Lynda Squire es reemplazada por el guitarrista Robert Bulger y el bajista Tyler Reizanne, una alineación que quedo consolidada grabando varios álbumes de reconocida valía. Después de un apreciable primer lanzamiento titulado "Heritage", lanzaron su mejor esfuerzo, este homónimo trabajo, que bajo una portada realmente horrenda, lograron crear un registro digno de las mejores bandas del acido y psicodélico rock canadiense de la época. Aquí la banda nos deja desde pasajes psicodélicos como la inicial "Just Suppose", hasta ejercicios progresivos "Christmas", o hipnóticos esfuerzos experimentales como "Jungle Fabulous", una excelsa epopeya en donde dan rienda suelta a su brillante creatividad compositiva e instrumental.

Jane-Jane At Home Live (1977)

“Jane at Home Live” es otro de esos fantásticos dobles en directo publicados en la década de los años 70, este en concreto perteneciente a la mítica formación alemana Jane, una vigorosa banda que durante esa década se movió entre la fusión del rock clásico con tintes hard rock y los elementos del rock progresivo. En sus primeros discos, sus raíces progresivas les llevaron a confeccionar dos soberbios trabajos como son "Together" (1972) y "Here We Are" (1973), mientras que en el tercer y cuarto registro "Jane III" (1974) y "Lady" (1975), se desviaron hacia el blues rock y el rock clásico mas convencional, retomando con el siguiente “Fire, Water, Earth & Fire" (1976), la senda progresiva, con un eficaz y excelente álbum conceptual. De la gira posterior a este ultimo, esta recogido el material de este doble en directo, en el cual la banda germana interpreta de manera intensa y poderosa algunos de sus temas más emblemáticos, como las epopeyas space rock "Windows", "Hangman" y "Daytime", las cuales se entremezclan con otras sublimes composiciones vanguardistas de hard rock y blues rock. Un álbum que por otro lado muestra la enorme destreza de su teclista Manfred Wieczorke, y la de su extraordinario guitarrista Klaus Hess. "Live At Home" refleja desde el virtuosismo de sus integrantes, hasta la enorme creatividad instrumental de su potente rock progresivo, pasando por la enorme capacidad que esta banda tiene de pasar de tocar piezas de gran complejidad a otras de estructuras mas simples con una asombrosa facilidad.

This Oneness-Surprize (1975)

This Oneness son otra de esas miles de bandas de breve recorrido que solo lanzaron un oscuro y desconocido álbum de estimable art rock. Su historia es tan sencilla y "simple" como que fueron “básicamente” la banda de acompañamiento de la cantante Olvia Newton John en una gira por tierras norteamericanas a mediados de los setenta. Al finalizar dicha gira todos los músicos implicados decidieron probar fortuna componiendo y grabando el álbum "Surprize", un disco en el cual hay multitud de influencias que van desde el jazz rock hasta el rock progresivo, pasando por las melodías más accesibles del rock americano. La formación de The Oneness estaba compuesta por Dale Strength (Voz y guitarras), Robyn Lee (teclados y voces), Bernard Pershey (Batería), Douglas Nelson (bajo) y Greg Inhofer (teclados y guitarras). En su único registro muestran un eclético estilo que se mueven entre piezas complejas y espaciales "You Ca´t Do That/Surprize", hasta atractivas melodías accesibles "Please Let The Sunshine", pasando por trepidantes jazz rock de la vieja escuela Canterbury "In Out In Out" o progresivas jazz rock como "Surprize (Reprise/Go In Peace".

The Mahavishnu Orchestra-Between Nothingness & Eternity (1973)

"Between Nothingness & Eternity" fue el único álbum en directo lanzado de manera oficial por la Mahavishnu Orchestra, y publicado en medio de unas tensas relaciones entre el seno de la banda, un hecho que precipitaría que John McLaughlin la reformara poco después del lanzamiento de este disco en vivo. Compuesto por tres extensas piezas inéditas en los álbumes de estudio, fue grabado durante el verano de 1973 en el Central Park de Nueva York y en el participa la primera formación de la Mahavishnu, compuesta por John Mclaughlin (guitarra), Jan Hammer (sintetizadores y teclados), Billy Cobham (batería), Rick Laird (bajo), Jerry Goodman (violin) y Sri Chinmoy (voces). Repleto de sonidos intensos de jazz fusión/rock, muestra el asombroso dominio instrumental de todos y cada uno de los músicos de la banda, desde el virtuosismo con las seis cuerdas de McLaughlin, hasta la soberbia desenvoltura de Cobham con las baquetas, las intensas notas del sintetizador Moog de Hammer y el tremendo talento de Jerry Goodman con el violín eléctrico. Un directo que comienza con la trepidante "Trilogy Medley", una pieza en donde la química instrumental entre todos los músicos demuestran que están a un nivel superior dentro del jazz rock de aquellos años, a esta la sigue "Sister Andrea", la cual mantiene un estilo similar pero bajando una marcha el ritmo frenético de la anterior pieza, derivándose hacia jazz rock progresivo. El final queda reservado para "Dream", un tour de force de mas de veinte minutos divididos entre unos sonidos ambientales y atmosféricos iniciales y una ardiente jam session de su parte final. Como decíamos al principio este fue el ultimo registro oficial de la banda original, un hecho que no cogería por sorpresa a nadie debido al talento y al ego individual de cada uno de ellos, por lo que un año mas tarde la Mahavishnu regresaría con una formación totalmente diferente a excepción de su líder John McLaughlin.

Canterbury Sound

La escuela británica del rock progresivo de Canterbury fue uno de los movimientos más significativos en la historia de la música rock, la cual nació a principios de los 60 cuando Hugh Hopper, Robert Wyatt, Kevin Ayers, Richard Sinclair y otros músicos formaron los Wilde Flowers. Wyatt, Ayers, Hopper y sus nuevos amigos Daevid Allen y Mike Ratledge formaron posteriormente Soft Machine, mientras que Sinclair y los demás formarían Caravan.
Soft Machine, se convertiría en una de las bandas más grandes de rock de todos los tiempos, empezó con álbumes tales como “Volume Two” (1969), que estaba inspirado por el rock psicodélico con un toque de estética dadaísta (es decir sinsentido), pero después de haber perdido a Allen y a Ayers, se reinventaron hacia una interpretación particular del jazz-rock de Miles Davis en “Three” (1970), su obra maestra y uno de los álbumes esenciales del jazz rock de los 70. Teclados minimalistas a lo Terry Riley y metales de jazz realzan tres de las cuatro sesiones (particularmente, “Facelift” de Hopper). La restante, “The Moon In June”, es el primer logro monumental de Wyatt, mezclando una melodía delicada, una atmósfera melancólica y una profunda humanidad. “The Moon In June”, permanecerá en el canon esencial de la música mucho después de que la música rock haya desaparecido. Una alineación vastamente revisada, altamente influenciada por los ensambles de jazz de Ian Carr y Keith Tippett, que en octubre de 1969 agregó una sección de metales de cuatro piezas con un notable trabajo de Elton Dean, continuaron el experimento en un tono frío, cerebral, austero, por ejemplo con la suite de cuatro movimientos “Virtually” del álbum “Fourth” (1971), o con el futurista disco “Six” (1972).
Los otros co-fundadores de la escuela de Canterbury, fueron Caravan, que practicaban una clase de jazz-rock más simple, ligera, melosa y pegajosa que la de Soft Machine. Su especialidad eran las fantasías melódicas que básicamente mejoraban las canciones de cuna tipo folk con ritmos de jazz y contrapuntos instrumentales intrincados: con ejemplos como “Can't Be Long Now”, del álbum “If I Could Do It All Over Again” (1969), o “Nine Feet Underground” (su obra maestra), que abarca medio álbum de “In The Land Of Grey And Pink” (1971), e incluso con temas como “Nothing At All” y “The Love In Your Eye”, del “Waterloo Lily” (1972).
Nucleus de Ian Carr, fueron uno de los grupos más hábiles en la época y protagonistas de la escena británica de jazz-rock por muchos años. La soñadora y romántica “Song For The Bearded Lady”, del álbum “We'll Talk About It Later” (1970), es una buena muestra de ello, el sonido "orquestal" y electrónico de “Torso”, que abarca la mitad de “Solar Plexus” (1971), la síntesis elegante, barroca de su álbum más impecable, “Belladonna” (1972), que se basaba en arreglos de metales y teclados, así como en ritmos que eran resbalosos y sólidos a la vez.
Keith Tippett, quien había ensamblado un formidable grupo de talentos, entregó trabajos tales como “Dedicated To You But You Weren't Listening” (1971) y el colosal “Septober Energy” (1971), ejecutado por la orquesta de 50 miembros, o “Centipede”, que era más apropiadamente jazz.
Dave Stewart y Steve Hillage empezaron otra dinastía dentro de la escuela de Canterbury cuando ellos formaron Egg, otra banda sobre expuesta que tocaba música sinsentido, temas como “La Symphony No.2”, del álbum “Egg” (1970), la fantasmagórica clásica-jazz-rock “Long Piece No.3” de su “The Polite Force” (1971), y las últimas sesiones en “The Civil Surface” (1974), tales como “Germ Patrol” y “Enneagram”, empacaban suficientes ideas para que dos generaciones de músicos exploraran otros campos aún desconocidos.
Como hemos visto muchas de las obras maestras de Canterbury fueron grabadas a principios de los 70 por miembros originales de Soft Machine. Daevid Allen era uno de ellos y estaba solo vagamente relacionado a las principales direcciones estilísticas de la escuela: Allen era, antes que nada, un hippie/raro que mezclaba la estética paradójica de Frank Zappa y la cultura comunal de San Francisco. Fundo la banda Gong, con el guitarrista Steve Hillage, el saxofonista Didier Malherbe y el teclista Tim Blake, y preparó una versión "cósmica" del acid-rock. Sus obras maestras, las cuales incluyen por lo menos “Camembert Electrique” (1971), el grandioso “Flying Teapot” (1973) y “Angel's Egg” (1973), son collages demenciales de melodías infantiles, trompetas de circo, ritmos de jazz, teclados galácticos, lamentos sensuales/celestiales, mantras sardónicos, electrónica burlona e himnos de caricatura. Todo el conjunto exuda una sensación de cacofonía estática. Esta es una psicodelia que alucina pero no está cataléptica. “Flying Teapot” (1973), en particular, permanece como uno de los vuelos más salvajes de la imaginación de la música rock.
Kevin Ayers se convirtió en un cantautor lunático proyectando la persona de un dandi exótico y decadente. “Joy Of A Toy” (1969), es una colección de tonadillas encantadoras, definió su mezcla indiferente de música de salón, canciones de cuna folklóricas, world-music y también música infantil. La melancolía existencial que de por sí poseía, le llevo a su trabajo álbum más excéntrico, “Shooting At The Moon” (1970), con el compositor y teclista de vanguardia David Bedford, el joven guitarrista adolescente Mike Oldfield y el saxofonista de jazz Lol Coxhill. Aquí Ayers encontró un equilibrio poco probable de sinsentido armónico y estribillos pegajosos, mientras que empapaba sus cuentos de hadas de surrealismo y expresionismo. La suite de 18 minutos dividida en cuatro partes “The Confessions of Doctor Dream” (1974) fue su trabajo más ambicioso y una completa pesadilla.

Robert Wyatt  expandió en las intuiciones de su “The Moon In June”, en su primer álbum como solista, “The End Of An Ear” (1970). El inventó un nuevo tipo de lenguaje, con inclinación tanto a la tradición (pop, soul, folk, jazz) como a la vanguardia (minimalismo, electrónica), tanto personal como público. La misma sesión de temas privados y públicos, pero con un énfasis en su persona pública (y comunista), caracteriza los dos álbumes de Matching Mole, “Matching Mole” (1972) y “Little Red Record” (1972), los cuales son claros ejemplos de música cerebral, de protesta que es de hecho conmovedora, además de establecerse entre las más intensas grabaciones de cualquier cuarteto de jazz-rock. Su vida privada hizo erupción en “Rock Bottom” (1974), una de las obras maestras supremas de la música rock, una auténtica transfiguración de tanto el rock como el jazz. Sus piezas abarcan la frontera imposible entre un himno religioso y las canciones de cuna infantiles. A lo largo de esa línea imaginaria, Wyatt esculpió una zanja profunda de torrente emocional, donde la felicidad, la tristeza, la fe y la resignación encontraron una unidad metafísica. La sorprendente originalidad de esa obra maestra, y su bien elaborado flujo de conciencia, nunca fueron alcanzados por lanzamientos posteriores de Wyatt. El último trabajo significante de su carrera fue “Animals Film” (1982). Wyatt preparó una de las músicas más conmovedoras de todos los tiempos y por lo menos una de las obras maestras del siglo. El fue bendecido por ser tanto un batería dotado, heredero de las tradiciones del rock progresivo y del jazz-rock, y un vocalista innovador único, con su llanto falsete, vagamente derivado de la forma de cantar sin palabras del jazz, mezclaba el soul, budismo y psicodelia.
“1984” (1973) por Hugh Hopper y Elton Dean de “Elton Dean” (1971) también figuraron entre los trabajos más originales y eruditos del rock progresivo de la Gran Bretaña. Sobre todo, los alumnos de Soft Machine constituían un buen trozo del canon del rock progresivo en la Gran Bretaña.
La escuela de Canterbury continuaron produciendo bandas, talentos y obras maestras a través de mediados de los 70. Richard Sinclair y Dave Stewart unieron fuerzas y formaron Hatfield & The North, cuyo primer álbum, “Hatfield And The North” (1974), fue un apéndice competente a Caravan. Entonces Dave Stewart y Alan Gowen formaron una banda más orientadas a los teclados, los National Health, que no tuvieron reparos en jugar con las disonancias, electrónica y el jazz-rock orquestal de Frank Zappa en los cuatro largos temas que componían su album “National Health” (1978) y en su obra maestra “Of Queues And Cures” (1978).
Cuando el niño prodigio Mike Oldfield grabó “Tubular Bells” (1973), una suite de larga duración en un álbum de música instrumental, toda tocada por sí mismo y pegando las partes de docenas de instrumentos, redefinió lo que el rock progresivo era. De hecho, "rock progresivo" se convirtió en un término obsoleto para referirse a una música que cruzaba todas las fronteras estilísticas. Las aventuras subsecuentes de Oldfield en la suite, comenzando por “Hergest Ridge” (1974), nunca repitieron el milagro de su primer trabajo, a pesar del hecho de que “Ommadawn” (1975) e “Incantations” (1978) estaban construidas en cimientos más y más ambiciosos aparte de que Oldfield eventualmente le restaría valor al formato en favor de la canción soft-rock & pop, particularmente con “Moonlight Shadow” en 1982.

Sin embargo, la segunda generación de Canterbury estaba mejor representada por Henry Cow, fundadores del movimiento político y musical "Rock In Opposition". Con virtuosos tales como el guitarrista Fred Frith, el bajista John Greaves, el percusionista Chris Cutler, el teclista Tim Hodgkinson, y, más adelante, el tocador de oboe Lindsay Cooper, aumentaron el cociente de la inteligencia del rock progresivo. “Leg End” (1973), inspirado por el jazz-rock de Soft Machine y las suites orquestales de Frank Zappa pero también por el free-jazz y por la vanguardia disonante (“Nine Funerals Of The Citizen King”), fue simplemente el aperitivo para “Unrest” (1974) para sus sesiones/suites cerebrales, enrolladas, arduas pero también extravagantes, maravillosas y surrealistas. Los Henry Cow habían fundado un equilibrio mágico entre la composición y la improvisación. En su siguiente paso dieron buena muestra de ello con “Desperate Straights” (1974), el primer fruto de la fusión con el grupo multinacional Slapp Happy, con el teclista británico Anthony Moore, el vocalista alemán Dagmar Krause y el guitarrista estadounidense Peter Blegvad, del cual “Acnalbasac Noom” (1973) había sido un experimento intrigante de cabaret expresionista y música rock. Su segundo, y mejor, álbum en conjunto, “In Praise Of Learning” (1975), fue su testamento artístico: la rústica fusión de los primeros años había mutado en una forma de arte austera y erudita. Ese día fue explorada más adelante por Frith, Cutler y Krause como los Art Bears en sus cantos abstractos de “Hopes And Fears” (1978) y “Winter Songs” (1979).
Otros trabajos notables por músicos del sonido Canterbury incluyen al álbum “L” (1976) de Steve Hillage, quien tendería un puente entre la cultura hippy y la cultura rave en “System 7” (1991), y “New Jerusalem” de Tim Blake (1978).

Cannonball Adderley-Cannonball Adderley Sextet: Planet Earth (1969)

Cannonball Adderley fue uno de los grandes saxofonistas de la historia del jazz, un músico que tenia una peculiar e innata cualidad para comunicar su música de manera masiva y convertirla en muy popular entre el publico en general. Con una carrera consolidada tras de si, a mediados de los 50 se traslado a Nueva York desde su Florida natal, allí pronto causaría una gran sensación y terminaría en la banda de Miles Davis. A finales de esa década publicaría algunas de sus obras cumbres como "Somethin´ Else" junto a Miles Davis, Hank Jones y Art Blakey. Durante la década de los sesenta su estilo conmovedor de hard bop destacaría grabando para los sellos Riverside y Capitol, álbumes de prestigio como "Know What I Mean" junto a Bill Evans o "Accent On Africa". Con la Capitol sus álbumes se orientaron hacia los sonidos más mainstream y comerciales como quedo demostrado en su tremendo éxito "Mercy, Mercy, Mercy" de 1966. Casi a finales de los sesenta, la desaparecida discográfica Riverside lanzaría el directo "Cannonball Adderley Sextet; Planet Earth", en donde contaba con las destacables colaboraciones de Joe Zawinul, Louis Hayes, Nat Adderley, Yusef Lateef y Sam Jones. Un álbum técnicamente impecable con una serie de composiciones de jazz moderno como la soul "Seventh Son", ejecuciones exóticas "Brother John" o intrigantes hard bop "Syn-Anthesia", reflejando con todas ellas un estilo vanguardista de claras influencias orientales.

Aunt Mary-Janus (1973)

Aunt Mary fue una de las agrupaciones más interesantes surgidas en Noruega durante los años 70. Con un estilo que combinaban diferentes influencias que van desde la psicodélica hasta el pop rock, con retazos de blues y los sonidos mas vanguardistas del proto progresivo. Su formación estaba compuesta por Bjoern Christiansen (guitarra y voz), Per Ivar Fure (flauta, harmónica, saxo y órgano), Jan Leonard Groth (teclados, guitarras y voces), Svein Gundersen (bajo) y Kjetil Stensvik (batería). Después de conseguir un contrato con la Polydor, lanzaron su álbum debut a mediados de 1970, un trabajo bastante más accesible que sus siguientes esfuerzos discográficos, con una menos presencia de los teclados en favor de los instrumentos de viento y cuerda. Varios años mas tarde llegaría el segundo registro "Loaded", en donde se orientan hacia los terrenos mas duros del rock, sin abandonar por completo los sonidos progresivos. Sin embargo seria su tercer lanzamiento "Janus", cuando lograrían su obra definitiva, un solidó trabajo en el cual muestran las virtudes talentosas de esta formación. La bulliciosa "Path of Your Dreams", y la animada prog "For all Eternity" son junto a las beatle "All We´ve to do is dream" y "Mr.Kaye" los cortes mas accesibles, mientras que la vena progresiva esta presente en la improvisada bluesy "Stumblin´ Stone" o en las sinfónicas progresivas "Candles Of Heaven" y "What A Lovely Day", dando finalizado así un destacado álbum progresivo realizado por esta fugaz e interesante banda Noruega.

Spooky Tooth-The Mirror (1974)

Los orígenes de esta importante banda británica de blues rock con tintes progresivos se remontan finales de 1964, cuando una banda llamada The V.I.P.´s publicarían varios singles de escaso éxito y que derivarían en la antesala de los Spooky Tooth como fueron Art, grupo el cual publicaría el álbum “Supernatural Fairy Tales” (1967) Justo un año después el cantante Mike Harrison, el teclista y vocalista Gary Wright, el guitarra Luther Grosvenor, el bajista Greg Ridley y el batería Mike Kellie, forman oficialmente Spooky Tooth publicando el primer álbum titulado “It´s all about a Roundabout” (1968) que es comercializado por el sello Island. Este primer álbum las influencias psicodélicas del anterior grupo Art son bastantes evidentes, pero asomando tímidamente ese blues rock que mas tarde seria el signo de identidad del grupo, alternando versiones como temas propios, pero que pasaría con mas pena que gloria.

No ocurriría lo mismo con el segundo álbum, el magnífico “Spooky Two” (1969), que logró hacerse un hueco en listas inglesas y americanas, gracias en parte a temas como  "Evil Woman" o "Waitin’ For The Wind". Tras el álbum Greg Ridley abandonó el grupo para pasar a formar parte de Humble Pie. Con un nuevo bajista Andy Leigh, publican “Ceremony” (1970), el cual y debido al cambio hacia terrenos más electrónicos sufre un descalabro monumental y precipita la desbandada general de casi todos los miembros del grupo. A partir de aquí Luther Grosvenor se une a los Stealers Wheels y Gary Wright funda Wonderwheel. A mediados de ese mismo año el grupo se reforma con la incorporación de algunos integrantes de la Grease Band de Joe Cocker, como Chris Stantion, Henry McCulloch y Alan Spenner, pero que no supieron remontar la carrera del grupo con la grabación del álbum "The Last Puff” (1970). Este nuevo fracaso termina por la desaparición del grupo a finales de 1970. Pero tres años después resurge Spooky Tooth con un sonido mas hard rock, la vuelta del teclista Gary Wright y de Mike Harrison, junto a las incorporaciones de nuevos miembros como el cantante Mike Patto, el guitarrista Mick Jones, el batería Bryson Graham o el bajista Ian Herbert, parecen darle nuevos bríos al grupo.

Con esta formación se publica los álbumes  “You Broke My Heart So I Busted Your Jaw” (1973) y “Witness” (1973) con los cuales obtienen unas aceptables ventas y unas mejores criticas, deparando la mejor época del grupo. En “The Mirror” (1974) el grupo vuelve a reclutar a nuevo integrantes como el ex bajista de Van Der Graaf Generator, Keith Ellis, sin embargo pese a contener grandes momentos como "Kyle", "Fantasy Satisfier", "The Mirror" o "The Hoofer", no logran el éxito deseado. En 1974 la banda se separó definitivamente aunque ello no haya evitado las ya consabidas y puntuales reunificaciones con algunos de los miembros originales del grupo. Un año después la Island publicaría el recopilatorio “The Best of” (1976). Posteriormente algunos de los integrantes pasarían a formar parte de bandas como Foriegner (Mick Jones) o The Alvin Lee Band (Bryson Graham).

Manfred Mann´s Earth Band-Angel Station (1979)

Como ya hemos comentando en otras ocasiones, la década de los ochenta supuso un punto de inflexión para todas aquellas bandas que habían triunfado creativa y comercialmente durante los años 70. Manfred Mann´s Earth Band no fueron la excepción y como tal se adaptaron a los nuevos tiempos pero conservando su original filosofía musical. En este contexto surgió el noveno registro de la banda lidera por el teclista Manfred Mann, “Angel Station” (titulo que hace referencia a una de las estaciones del metro de Londres), quien junto a Chris Thompson (voz), Geoff Britton (batería), Pat King (bajo) y Steve Waller (guitarra), lograron crear un firme trabajo que denotaba ciertas influencias new wave y los sonidos comerciales bajo sus influjos progresivos habituales. Esa comercialidad esta presente en la inicial "Don´t Kill it Carol" una atronadora canción de rock clásico impulsada por el bajo, la guitarra y los teclados, otro clásica en clave rock aparece en la versión del tema de Bob Dylan, "You Angel You", la cual pone de manifiesto las acertadas versiones que esta banda solía interpretar. Por otro lado la hipnótica y sublime "Angels At My Gate", la bluesy "Belle of the Earth", la sarcástica "Resurrenction", la épica y antologica "Waiting for the Rain" o la sombría "Hollywwod Town", terminan por completar un álbum tan disfrutable como meritorio, en un momento de la historia en donde había que hilar muy fino para no entrar en la bancarrota musical.

Ginger Baker´s Air Force

Una vez acabada la aventura de Blind Faith, a finales de 1969, Ginger Baker quiso reunir una nueva banda a la que llamo Air Force, en un intento de crear una escuela de rock.
Todo surgiría tras un concierto en el que se reunieron algunos de los mas renombrados músicos de la época, como Steve Winwood, Denny Laine, Graham Bond, Chris Wood, Ric Grech o Harold McNair, además del propio Baker.
De esta simple reunión ocasional surgiría algo mas que esa colaboración en vivo, ya que todos ellos saldrían encantados con la experiencia vivida, gracias a la gran sonoridad y al feeling que conseguirán aquel día.
Fue entonces cuando Ginger Baker pensó en dar forma a una especie de escuela del rock y mantuvo las riendas esa fenomenal alineación, cuyo único patrón era que en ella podría a entrar a formar parte quien quisiera sin compromiso alguno.
Estaba claro que lo que en un principio quería idear Baker era a semejanza de lo que hasta ese momento ya llevaba en practica John Mayall, con la diferencia de que el propio Baker jamás podría ejercer el liderazgo que aquel mantenía en sus constantes proyectos, debido en parte al poco carisma que poseía y a su agrio carácter.

Poco después la banda realiza dos memorables conciertos en el Town Hall de Birmingham y en el Royal Albert Hall de Londres, ambos a finales de 1969.
Los resultados de ambos conciertos se derivan en unas excelentes críticas, las cuales precipitan que se publique en álbum el show realizado en Londres.
Este álbum en vivo titulado “Ginger Baker’s Air Force” fue publicado finalmente el 30 de marzo de 1970 para el mercado europeo y norteamericano. Debido a su duración fue confeccionado como un disco doble, el cual contenía ocho temas, la mayoría de ellos de una duración que sobrepasaban los diez minutos
Este primer álbum supondría un trabajo extraordinario en donde las fusiones del jazz, el rhythm and blues, el folk, y los sonidos étnicos eran muy elocuentes.
El álbum pronto escalaría las posiciones en los charts británicos y norteamericanos y es que para una banda la cual solo había ofrecido dos actuaciones en vivo, colocar con su primer álbum los puestos 33 y 37 respectivamente era algo sin precedentes hasta esos momentos.
Incluso la critica especializada, muy enemiga de las reuniones de los súper grupos, vieron con buenos ojos este insólito proyecto.
La impresionante formación de este primer álbum comprendía a Ginger Baker a la batería y percusiones, Denny Laine guitarra y vocales, Ric Grech al bajo y violines, Steve Winwood al órgano, bajo y vocales, Graham Bond al órgano hammond y vientos, Chris Wood a la flauta y vientos, Harold McNair a los vientos, Remi Kabaka y Phil Seamen a la percusiones, Bud Beadle, vientos y la vocalista Jeannette Jacobs.
Esta increíble formación lograba crear un clímax indescriptible debido en gran parte a la aportación de varias baterías y percusiones las cuales llegaban a transmitir un dialogo de enorme tensión y poderío.
Pero como era previsible y debido al ego y sobre todo al talento de sus integrantes, pronto empiezan a haber deserciones, por un lado el genio Steve Winwood abandona para reunificar a los míticos Traffic y con el se va Wood y Grech, por su parte Denny Laine es llamado por Paul McCartney para pasar a formar parte de su nueva banda Wings y más tarde y poco a poco seguirán el mismo camino el resto de la banda a excepción de Bond y Beadle que continuaron junto a Baker.
Con nuevos refuerzos como el saxofonista Steve Gregory, el bajista Colin Gibson, el percusionista Neemoi Acquaye y las coristas Catherine James, Aliki Ashman y Diane Stewart el grupo parecía que empezaba una nueva etapa realizando una larguísima gira por los Estados Unidos, en un intento de emular las sensaciones de unos nuevos Blind Faith.
Pero la enorme complejidad musical y el poco apoyo publicitario, hicieron de ese tour un fracaso absoluto, con unas ventas de localidades muy escasas, precipitando que el proyecto colapsara justo en el momento en que el grupo ultimaba la grabación del segundo álbum, “Ginger Baker´s Air Force 2” (1970).
Esto aceleraría la total desaparición del grupo a finales de ese mismo año, no sin antes haber dejado impreso su pase por la faz musical mundial con pruebas magistrales de la calidad que atesoraba el grupo mientras duro.
Varios años después Baker formaría el grupo Baker Gurvitz Army, grabando tres meritorios álbumes mas, aunque estos enfocados hacia los terrenos del hard rock, por su parte el otro único superviviente original y gran protagonista de la banda, Graham Bond y en medio de una gran crisis financiera, sentimental y con las secuelas de su recuperación a la adicción a las drogas, terminaría bajo las ruedas de un tren en la estación Finsbury Park de Londres el ocho de mayo de 1974

Aragorn-The Suite (1973)

La corta carrera de Aragorn apenas duraría unos meses, los suficientes para dejar grabado un álbum que solo fue lanzado en una limitada edición de medio centenar de copias, hasta que muchos años después fue rescatado y reeditado en cd. Esta banda australiana fue liderada por un talentoso músico de formación clásica llamado Oleg Dietrich que en 1967 había empezado a componer una obra llamada "The Suite", influenciado por el libro "El Señor de  los Anillos”. Años mas tarde termino de completar la mayor parte de todo esa composición y formaría una banda a la que llamaría Aragorn para poder grabarla y publicarla oficialmente. Con una banda definitivamente consolidada grabaron "The Suite”, un registro que bebe directamente de las raíces del rock progresivo británico con ecos al folk medieval y al jazz. Una obra que muestra una gran intensidad, con una composición sobria y compleja, con unos densos pasajes en una serie de piezas separadas fluidas que dan como resultado una pequeña obra maestra oculta del rock progresivo.

Premiata Forneria Marconi-Jet Lag (1977)

Con su octavo álbum "Jet Lag", la banda italiana Premiata Forneria Marconi abrió un nuevo sendero musical dejando atrás sus letras poéticas y cantando en ingles sin mediar la participación del letrista Peter Sinfield, el cual habia traducido los álbumes "Per Un Amico", con el sobrenombre de "Photos Of Ghosts" y el de "L´Isola Di Niente" con el de "The World Became The World", ambos para el mercado anglosajón. En esta ocasión la formación transalpina musicalmente se enfoca principalmente en el ambicioso mercado norteamericano, facturando un trabajo más cercano al jazz fusion/rock tan de moda en los años de finales de los setenta. La interacción de la sección rítmica compuesta por Franz Di Cioccio y el bajista Jan Patrick Djivas, es realmente electrizante y compleja, mientras que la falta de los instrumentos de vientos habituales debido al abandono de Mauro Pagani, se ven cubiertos por el excelente violín de Gregory Bloch. Mención aparte es la guitarra de Franco Mussida, mostrando una gran dureza poco habitual con riffs vertiginosos que se asemejan al hard rock. Desde la increíble pieza que da titulo al álbum, una soberbia composición de jazz rock progresivo, hasta la pastoral e instrumental "Peninsula", la formación italiana rebusca y encuentra un sonido incalificable dentro del rock progresivo, siempre sin alejarse de la esencial propuesta progresiva italiana. A todo ello las voces funcionan perfectamente a la filosofía general de la música y pese a no alcanzar la elocuencia de sus emblemáticas obras aun conserva momentos de grandilocuencia. El resto del repertorio esta compuesto por piezas que navegan entre el rock progresivo puro "Traveler", ejercicios instrumentales de gran talento "Meridiani" o exploraciones vanguardistas como la enérgica "Left-Handed Theory". Sin duda "Jet Lag" es otra de las obras imprescindibles de la Premiata Forneria Marconi pese al sustancial cambio estilístico con respecto a su propuesta inicial.

Beyond-O-Matic-Sonic Reclaimator (1996)

Beyond-O-Matic fueron una interesante formación norteamericana de space rock, que lanzaron cuatro interesantes álbumes entre 1994 y 2010.

En 1996 con su segundo álbum "Sonic Reclaimator", esta banda formada por Peter Fuhry (vocalista, guitarra, acordeón flauta y clarinete), Glenn Wilcox (batería) y Kurtz Stenzel (teclados), muestran la suficiente madurez compostiva que de alguna manera adolecían en su primer y meritorio lanzamiento "The Flight Of Luis Garcia" (1994).

En este entrega su brillante propuesta de extensas piezas, sus pasajes atmosféricos y relajados bajo los omnipresentes sintetizadores ambientales y sus influencias hard rock, confieren a este lanzamiento uno de los mejores esfuerzos progresivos norteamericanos de la década de los 90.

Van Halen- A Different Kind Of Truth (2012)

En medio de toda la polémica suscitada en torno a los conflictos entre Sammy Hagar, Michael Anthony y su ex-banda Van Halen, con continuos cruces de declaraciones, se publico el tan ansiado nuevo álbum de los Van Halen originales con David Lee Roth.
De hecho, el que el hijo de Eddie, Wolfgang, se hiciese cargo del bajo en sustitución de Michael Anthony no presagiaba nada bueno en un principio. 
Pero una cosa si teníamos claro y es que ya muchos fans asumían que aprovecharían material desechado de sus primeros álbumes, para confeccionar este nuevo trabajo.

Sin embargo aquí que nos encontramos con un álbum que combina las cualidades de su mejor época, con la experiencia adquirida tras 40 años de carretera.
Y es que aquí no nos vamos a encontrar los medios tiempos ni las baladas típicas de la era de Hagar, todo contrario, el enérgico y poderoso rock es el denominador común de todo el disco y en el encontramos desde los clásicos temas al más puro estilo Van Halen de su primer álbum, como "She´s The Woman", "Bullethead" o "China Town", hasta refrescantes canciones como "Me and your blues", "Beats workin’" o "Tattoo".

The Next Morning-The Next Morning (1971)

The Next Morning fue una fugaz banda norteamericana fundada en Nueva York por el guitarrista de Trinidad y Tobago, Scipio Sargeant, el cual había emigrado a la ciudad de los rascacielos a finales de los sesenta.

Una vez establecido en la gran manzana, entablaría una gran amistad con el guitarrista Bert Bailey, y ambos deciden formar una banda a semejanza del hard rock y el blues rock acido y psicodélico de la Jimi Hendrix Experience.

Para ello reclutan al baterista Herb Bailey, al organista Earl Arthur y al cantante Lou Phillips.

Después de una serie de conciertos en diferentes locales de Nueva York, la banda logra un gran interés mediático y son fichados por un sub sello afiliado a la Rhino Records.

Con el apadrinamiento del mencionado sello logran grabar su primer y único álbum en los estudios Electric Lady de Nueva York.

El resultado final de este álbum es una clara muestra de las tremendas influencias de Jimi Hendrix en la banda, que empujados por un vertiginoso y estridente órgano y unas guitarras fuzz dejaron un repertorio cargado de sonidos psicodélicos y hard rock, con ramalazos de funk y soul como queda demostrado en los cortes "Jam Of Love", “Life Is Love”, “The Next Morning", "Changes of the Mind” o “Back to the Stone”.