Various Artists-No Nukes (1979)

En 1979 una serie de artistas norteamericanos de la fundación Muse (Una alianza de músicos en contra de la energía nuclear), organizaron una serie de conciertos para recaudar fondos para esa fundación, en donde denunciaban los males de la energía nuclear y fomentaban las energías alternativas.
Promovido por Jackson Browne y Bonnie Raitt, entre el 19 y el 23 de septiembre de ese año, se llevaron a cabo en el Madison Square Garden de Nueva York una serie de conciertos multitudinarios.
Además de Browne y Raitt, participaron Bruce Springsteen, The Doobie Brothers, James Taylor, Tom Petty, Crosby Stills y Nash, Carly Simon, Nicolette Larson, Poco y Ry Cooder, entre otros grandes artistas.
Por separado, como dúo o en grupo, interpretaron sus canciones más conocidas ante el asombro del público al ver ante sí mismos, tal colección de estrellas juntas.
No Nukes es el álbum que recogió lo mejor de dicha serie de actuaciones y fue lanzado bajo el formato de triple álbum en noviembre de 1979.
Este enorme álbum tuvo una gran acogida comercial con casi 500.000 copias vendidas poco después de su lanzamiento.
Un álbum que derrocha pasión a raudales por las interpretaciones memorables de todos los artistas, mucho ardor y grandes canciones rock que convierten a este maravilloso directo en una grabación histórica.

Rose Tattoo-Rose Tattoo (1978)

A igual que sus compatriotas AC/DC, Rose Tattoo son una banda australiana de hard rock que tienen muchas similitudes con la legendaria formación liderada por los hermanos Young. Fundados a mediados de los 70 en Sidney, su principal impulsor fue el vocalista Angry Anderson que junto a los guitarristas Peter Wells y Mick Cocks, a los bajista Geordie Leach y Ian Rilen y al baterista Dallas Royall, consiguieron que los mismos productores de AC/DC les apadrinaran sus primeros registros bajo el sello independiente australiano Alberts. A finales de 1978 Rose Tatoo publicaría su homónimo álbum debut, en donde muestran un trepidante y poderoso hard rock estridente como queda patente en las crudas y viscerales "Never Too Loud", "Rock´n´Roll Outlaw", "Nice Boys", "Stuck On You" o "Remedy". En los siguientes años la banda obtendría una gran reputación y un tremendo éxito debido a sus aclamados conciertos por toda Europa, lo que les valdría conquistar el mercado británico y europeo con el álbum posterior "Assault & Battery" (1981).

Boston-Boston (1976)

El año 1976 represento un antes y un después en la música popular, básicamente porque es el año en el que el punk sube a los escenarios, rompiendo radicalmente con los excesos del rock progresivo y sus derivados, la decadencia de los grandes mastodontes que triunfaron en años anteriores. En unos años, muchas de estas bandas como Yes, Genesis o Jethro Tull, tuvieron que adaptarse a las masas para mantener su relevancia.
Así que Boston, la banda liderada por el ingeniero y prodigio Tom Scholz con el tremendo cantante Brad Delp, no podría haber elegido peor año para debutar. Sin embargo, este clásico todavía se considera uno de los grandes hitos del rock clásico a lo largo de la historia.
Y no hay mayor hito que la canción que la abre, ese "More than a Feeling", radiado hasta la saciedad, con la mejor interpretación de la carrera del malogrado Delp y de la que veinticinco años despues estaría el propio Kurt Cobain tomando sus acordes para el "Smells Like Teen Spirit".
Mítica y omnipresente en cualquier compilación de rock que se precie, es la balada de rock por excelencia de los años setenta. Tom Scholz, a menudo tildado de perfeccionista insoportable, y quien produjo el álbum además de tocar la guitarra y los teclados, encontró una fórmula y la usó a la perfección: solos de guitarra muy melódicos y atractivos, con una guitarra acústica dando el ritmo y las intervenciones agudas de Delp. "Peace of Mind" es uno de los temas que mejor representa ese modelo, además de una gran canción.
En el resto todas las canciones son increíbles, sin excepción: "Foreplay / Long Time", con sus casi ocho minutos, es totalmente épica: la gran introducción comandada por el órgano y el bajo, seguida del tema principal, con sus puntuaciones, sus intermedios acústicos y su potente estribillo.
Mas sencilla es "Rock & Roll Band", crónica de los humildes comienzos del grupo y uno de los cortes más conocidos del disco.
"Smokin" es una oda a la marihuana: de hecho, la duración del tema (4 minutos y 20 segundos), es una referencia a la subcultura del consumo de cannabis, es otro punto fuerte del disco, sobre todo la parte instrumental, con un órgano arrollador y esa dinámica que hace que la canción sea tan entretenida. La banda nunca alcanzó el éxito de este álbum con sus trabajos posteriores, (más de 17 millones de álbumes vendidos) y después de mucho tiempo (Scholz tardó siglos en preparar nuevos álbumes), cinco en más de treinta años, siguen en activo, aunque lamentablemente Delp se suicidó en el año 2007.

Atlantis-Atlantis (1973)

Una vez disuelta la banda germana Frumpy, algunos de sus integrantes decidieron formar una nueva llamada Atlantis, la cual se alejaba de las propuestas psicodélicas y vanguardistas de su antecesora, abordando estilos como el blues, el funk, el soul y el hard rock americano con tintes progresivos. Formada a mediados de 1972 por la cantante Inga Rumpf, el teclista Jean-Jacques Kravetz y el bajista Karl-Heinz Schott, quienes reclutarían al guitarrista Frank Diez y al baterista Curt Cress. Poco después de su fundación se trasladaron a Londres donde entrarían en los estudios de la Island Records para grabar su álbum debut. Sin embargo antes Kravetz seria sustituido por el teclista Jean Alain Roussel, además en las sesiones de grabación también participaría el percusionista de Traffic, Reebop Kwakuh Baah. Unas consiguientes giras por el Reino Unido abriendo conciertos para los propios Traffic y Procol Harum, serian el comienzo de un constante ir y venir de integrantes. A mediados del siguiente año llegaría el segundo acto de la banda "It´s Getting Better", que fue seguido por otra exitosa gira y otros tantos cambios de personal. En 1974 tras el tercer disco "Ooh Baby", la banda se embarca en un largo tour por los Estados Unidos como banda de apoyo a Lynyrd Skynyrd. El siguiente Lp "Get On Board" seria el epitafio final de Atlantis, dando Rumpf y Schott, los dos únicos sobrevivientes de la formación original, por acabada la aventura de esta magnifica formación germana. Centrándonos en su exitoso álbum debut, (obtuvo una ventas considerables en las listas británicas y norteamericanas), nos encontramos con una variada sonoridad de estilos, desde blues, soul y rock clásico como queda patente en "Get Up", "Rock´n´ Roll Preacher", "Maybe It´s Useless", "Words Of Love" y "Let´s Get On The Road Again", hasta piezas progresivas con la extensa y excelente "Living At The Edge Of Time".

Finch-Beyond Expression (1976)

Un año después de su debut discográfico con el impresionante "Glory Of the Inner Force", los holandeses progresivos Finch continuaron su aventura con el mas experimental "Beyond Expression", un álbum menos frenético y mas desafiante que el anterior. Finch siempre se caracterizaron por su impredecible estilo que fusionaba el enérgico rock con interludios más sosegados y espaciales, utilizando una arsenal de teclados analógicos como los mini moogs y el mellotrón. Sin embargo en este trabajo es la guitarra de Joop Van Nimwegen la que se convierte en la protagonista absoluta interpretando muchos de sus pasajes con una gran técnica y un impresionante feeling. La suite "A Passion Condensed" se convierte en su obra cumbre con unas excelentes capas instrumentales, mientras que la épica "Scars On The Ego" es su momento mas metálico e hipnótico con unas guitarras abrasadoras. Para acabar este segundo álbum aparece la dinámica "Beyond The Bizarre", el único de los tres temas que componen en álbum en donde se acercan al sonido más habitual de la banda.

The Tremeloes-Greatest Hits (1970)

The Tremeloes fueron una banda británica que empezaron su carrera a principios de los 60 y que tuvieron algunos éxitos que los hicieron mundialmente famosos
La banda estaba compuesta por el cantante Brian Poole, el guitarrista y vocalista Alan Blakley; Graham Scott también guitarrista, el bajista y saxofonista Alan Howard y el batería y también vocalista Dave Munden.
El ingreso de Rick West al grupo en reemplazo de Scott fue decisivo por cuanto el recién llegado tenía contactos con el productor Jimmy Grant, quién eligió a The Tremeloes en lugar de The Beatles para hacerles un contrato, en una nefasta decisión que pasará a la posteridad como uno de los mayores errores de la historia de la música pop.
Sus comienzos fueron con la discográfica Decca, sin embargo al principio empezaron a poner en duda la capacidad artística del grupo después de publicarles varios singles sin apenas éxito.
Después de publicar "Twist and shout", tema original de los Isley Brothers y popularizado también por los Beatles, la banda comenzaría a salir del anonimato en el Reino Unido, alcanzando el estrellato con "Do you love me".
En 1964 seguirán otros éxitos y, en 1965, y un año mas tarde dejan Decca para incorporarse al sello CBS. En 1967 The Tremeloes comenzó a brillar sin Poole, que había abandonado la banda, alcanzando un número 1 en las listas de medio mundo con "Silence is golden".
Los éxitos comerciales siguieron llegando en los sucesivos años pero siempre de la mano de composiciones ajenas. En plena época psicodélica, The Tremeloes intentó remediar esa carencia con "Helule, Helule", que los metió de nuevo en los primeros puestos de los charts, posteriormente el tema de Bob Dylan "I Shall Be Released" sería otro éxito,
Ya en 1968 siguieron grabando con poca suerte comercial. En 1969 lograron un resonante éxito con "Once a sunday morning", igualmente los temas "(Call Me) Number One" (69) y "Me and My Life" (70) tuvieron unos puestos altos en las listas británicas y europeas
Ya en la década de los 70 tuvieron algunos hits en Europa y con los años siguieron grabando pero sin los éxitos de antaño.

Roger Hodgson-Rites Of Passage (1997)

"Rites Of Passage" asi se titula ironicamente el primer album album en vivo del ex lider de Supertramp Roger Hodgson, en el cual de manera logica entremezcla piezas de su ex banda madre con algunas de cosecha propia incluidas en sus albumes en solitario. Grabado en la ciudad de Nevada en California (la residencia habitual del propio musico), muestra de manera fiel y casi exacta una serie de famosas y reconocidas canciones de Supertramp como "Take The Long Way Home", "Give a Little Bit" o "Logical Song", las cuales gracias a una sobria y talentosa banda de apoyo, logran crear el ambiente perfecto del sonido familiar e inconfundible de la iconica formacion britanica. Igualmente Hodgson incluye algunas de sus mas aclamadas composiciones como la pegadiza e intensa "In Jeopardy", ademas de las melancolicas "Don´t Youy Wanna Get High" y "No Colours" o de las energicas pop rock "Red Lake", "Every Trick in the Book" y "Showdown". Sin embargo es la hermosa y extensa "Time Waits For No one", la piedra angular de este registro, en la cual cuenta con la estimable colaboracion de un soberbio Terry Riley a las voces y al instrumento tradicional hindú tanpura, logrando equlibrar un directo entusiasta, que de alguna manera recupera la magia del grandilocuente pasado sonido iconico y mitico de Supertramp.

Dr.Feelgood-Sneakin´Suspicion (1977)

Fundada a principios de la década de los 70, Dr Feelgood es una banda de pub rock que tuvo sus mayores éxitos entre 1974 y 1979.
Formada por el guitarrista Wilko Johnson, el vocalista Lee Brilleaunx, el baterista John Martin y el bajista John B. Sparks. Esta legendaria formación se movieron entre el rock and roll y blues rock con influencias de grandes como Chuck Berry o Bob Diddley, logrando una gran reputación, principalmente con sus incendiarios directos en el circuito londinense de pubs y salas de conciertos.
Con los dos primeros discos tuvieron cierto éxito comercial, y en 1976 publicaron el álbum en vivo "Stupidity" con el que se consagraron definitivamente alcanzando el número uno en las listas británicas.
Un año después, llegaría "Sneakin´Suspicion", que aunque no tuvo la repercusión de su antecesor, esta considerado su mejor trabajo, aunque eclipsado comercialmente y de manera injusta por el auge del movimiento punk de aquellos años.
Con un repertorio cargado de R&B explosivo y alegre como "Nothin´Shakin", "Light Out", "Lucky Seven" o "You´ll Be Mine", este directo mantuvo el alto nivel de la banda, que sin embargo sería el último grabado por Wilko Johnson que abandonaría por desacuerdos musicales con el resto de componentes.

Poco-Ghost Town (1982)

Bien entrada la década de los ochenta los norteamericanos Poco ya estaban lejos de su época gloriosa, una época acontecida a principios de los 70, sin embargo aun así siguieron facturando meritorios trabajos que los mantenían en la cúspide del country rock. En 1982 publicaron su décimo quinto trabajo, este "Ghost Town", en el cual solo aparecen dos de sus originales componentes, los guitarristas Paul Cotton y Rusty Young, mientras que el resto estaba formado por Charlie Harrison (bajo), Steve Chapman (batería) y Kim Ballard (teclados). Llegados a este punto la banda sigue ofreciendo ese country rock melancólico bañado en unas brillantes melodías vocales, adornados con influencias del pegadizo rock armonioso y melódico. Las ricas armonías vocales de "How Will You Feel Tonight", los guiños al pasado con las country rock "When Hearts Collide", "The Midnight Rodeo (In The Lead Tonight)" o "Love´s So Cruel", los adictivos medios tiempos "Ghost Town" y las irresistibles country "Cry No More" y "Break Of Hearts", reflejaron un notable trabajo, pese a estar muy lejos creativamente de sus legendarios álbumes iniciales.

The Chieftains-A Chieftains Celebration (1989)

The Chieftains son sin duda los embajadores ambulantes de Irlanda, que a lo largo de casi cinco décadas han conseguido ser un grupo de música tradicional irlandesa orientado al gran publico, pero manteniendo una versatilidad, el arraigo, la coherencia y la personalidad espontánea y natural de su cultura nativa. Formados por el gaitero Paddy Moloney en 1964, logro reunir entre otros a afamados instrumentistas celtas como Michael Tubridy, Sean Potts, Martin Fay, David Fallon Peader Mercier, Sean Keane, Kevin Conneff y Matt Molloy, algunos de los cuales siguen en la actualidad formando parte de la banda, su música aunque tradicional y popular, ha ido derivando en sonidos mas actuales y diversos, fusionando incluso la música celta con otras tendencias como el jazz y el rock de manera sutil y esporádica. Sus múltiples colaboraciones durante todos estos años incluyen a medio centenar de artistas del calibre de Ry Cooder, Van Morrison, Elvis Costello, Mark Knopfler, Gary Moore, Bela Fleck, Roger Daltrey, Jackson Browne, Art Garfunkel, The Rolling Stones, Sting, Diana Krall o Emmylou Harris. Seis veces ganadores del premio Grammy, el Lifetime Achievement Award en la BBC, y haber sido nombrados honoríficamente por el gobierno irlandés como embajadores musicales de Irlanda, son solo algunos de sus grandes logros artísticos. Con mas de cincuenta álbumes publicados seria imposible destacar un álbum sobre los demás, pero es sin duda "A Chieftains Celebration”, un recopilatorio publicado por la RCA Victor a finales de los años 80, en donde además del excepcional repaso a sus primeros 30 años de gran predominio dentro del folk irlandés, se lanzaba en conmemoración del milenio de la ciudad de Dublin.   

Jimmy McGriff-Electric Funk (1970)

Jimmy McGriff fue uno de los grandes organistas del funk jazz, el cual tiene tras de si una amplia carrera con cerca del medio centenar de álbumes publicados. Nacido en Filadelfia en 1936, ha principios de los 50 participaría en la guerra de Corea y acabada la contienda se convirtió en oficial de policía de su ciudad natal. Pero a mediados de esa década y gracias a su amigo, el famoso organista Jimmy Smith, empezaría a interesarse por el jazz y con el tiempo aprendería a tocar el órgano Hammond B-3 junto al propio Smith o acudiendo a la prestigiosa Julliard School de Nueva York. Convertido en un talentoso instrumentista empezaría a formar sus propias bandas actuando en el circuito de club de jazz de Filadelfia. En 1962 su versión del tema de Ray Charles "I´Ve Got a Woman", obtendría una importante difusión a nivel nacional, un hecho que le abriría las puertas de las discográficas mas importantes del país. Su estilo basado en los ritmos del blues, el gospel, el funk y el soul estaban impregnados de jazz y durante la década de los sesenta, grabaría una serie de álbumes muy apreciados por el gran publico. En 1970 publicaría su vigésimo trabajo bajo el sello Blue Note, este "Electric Funk", un álbum que esta entre los mejores discos del soul/jazz/funk de los años 70. Sus vibrantes piezas cargadas de atractivos ritmos sin adornos innecesarios, muestran unas líneas musicales inteligentes impulsadas por el órgano y secundadas por una rica y variada sección de vientos.

Giant-Last Of The Runaways (1989)

Giant son una banda norteamericana surgida de la unión de diferentes músicos de sesión provenientes de varios estudios de los Ángeles. Ellos son los hermanos Dann y David Huff (Guitarra y batería respectivamente), el bajista Mike Brigadello y el experimentado teclista Alan Pascua, un músico que tenia tras de si un pasado muy fructífero colaborando con Rick Springfield, Santana, Bob Dylan o House of Lords entre otros. En 1989 se trasladaron al Reino Unido en donde bajo la producción de Terry Thomas graban su álbum debut en los estudios Ridge Farm en Rusper. En este debut titulado "Last of the Runaways", el grupo angelino muestra un exquisito AOR de preciosistas melodías y unos atractivos estribillos adornados con la contundencia del hard rock melódico. Cortes como "I'm a Believer", "I Can't Get Close Enough", "I'll See You in My Dreams" o piezas mas melódicas como “Love Welcome Home”, los catapultan a compartir la cúpula del rock melódico con las formaciones icónicas de aquellos años.

Blood Sweat and Tears-Blood Sweat and Tears (1969)

"Blood Sweat and Tears" fue el segundo álbum de la banda del mismo nombre, el cual esta considerado como una obra maestra del jazz rock y que fue publicado en 1968.
Su estilo estaba más cercano al jazz-rock que a otros estilos predominantes en aquella época, pero que contenía los ápices justos y comerciales que los llevarían a ocupar durante semanas el número uno en las listas norteamericanas e incluso fue elegido como el mejor álbum del año.
Liderados por Al Kooper, había reclutado al poderoso David Clayton-Thomas, y entre otros miembros, se encontraban Steve Katz y Jim Felder, los cuales grabarían esta joya histórica en donde lograron un trabajo que contiene temas legendarios como "You've made ​​me so very happy", todo un clásico de la factoría Motown, "Spinning Wheel" o "When I Die", todos ellos fusionados con un poderoso rock, influencias blues y grandes arreglos de jazz.

Catfish-Get Down (1970)

Catfish fue una banda de blues de la ciudad de Detroit, y como otras tantas el perfecto ejemplo de lo que podrían haber sido y nunca fueron. Formada a finales de los sesenta, por el guitarrista Bob "Catfish" Hodge que junto a Mark Manko (guitarra rítmica), Harry Phillips (teclados), WR Cooke (bajo) y Jimmy Optner (batería), se labraron una gran reputación en el circuito de blues rock de la ciudad del automóvil. Observando el gran potencial de esta banda, el sello Epic les contrataron y les produjeron su prometedor álbum debut en 1970. En esta primera entrega la banda muestra una mezcla de arrollador blues aderezado con country rock. De titulo "Get Down", en este álbum debut esta talentosa banda demuestra como brillantemente se desenvuelven haciendo desde fieles blues "300 Pound For Mama" hasta canciones polvorientas como la country "Sundown Man", lisérgicas demostraciones psicodélicas "Reprise; Catfish/Get High, Get Naked, Get Down" o heroicas composiciones como "Love Lights". A pesar de los elogios y la aclamación general, el álbum no obtuvo el éxito merecido, mas allá del ámbito local y estatal de Michigan. A partir de aquí fueron habituales teloneros de importantes actos mediáticos como Black Sabbath, Bob Seger o Ted Nugent. Un año mas tarde lo volverían a intentar con el directo "Live Catfish", el cual como ocurriera con el anterior, no lograría encontrar el beneplácito del gran publico, lo que precipitaría el adiós definitivo de una de las prometedoras bandas del blues rock norteamericano.

Supersister-To The Highest Bidder (1971)

Junto a bandas como Focus, Kayak, Shocking Blue, Golden Earring o Finch, Supersister fueron una de las mejores formaciones holandesas, aunque sin embargo son menos conocidos mediáticamente que todas las anteriores. Este cuarteto formado por Robert Jan Stips (cantante y teclados), Sacha van Geest (flauta y voces), Ron van Eck (bajo) y Marco Vrolijk (batería), orientaron su estilo hacia los sonidos de Canterbury, el jazz rock y la complejidad de la sátira humorística de los Mothers of Invention de Frank Zappa. Con "To the Highest Bidder", su segunda entrega, continúan por el sendero musical propuesto en su álbum debut, en donde el papel del flautista Van Geest es tan primordial como divertido, manifestando la dinámica del free jazz y el jazz progresivo. Esa progresividad se refleja en los extensos cortes "A Girl Named You" y en "Energy (Out of Future)", piezas claramente vanguardistas con elementos exóticos y latinos, bañados en cierta grandilocuencia instrumental. El resto esta formado por cortes mas introspectivos y sosegados que navegan entre la música caribeña y el jazz rock.

Al Di Meola-Scenario (1983)

La década de los ochenta no fue una época fácil para las bandas y músicos que habían comenzado su carrera artistica durante los primeros años 70, readaptándose lo mejor que pudieron a los nuevos tiempos musicales. El jazz rock no estaba ajeno a todo ello y como tal el estilo fue desviándose sutilmente hacia los sonidos más modernos, con un uso masivo de las nuevas tecnologías, como las nuevas cajas de ritmos, las guitarras sintetizadas o los propios sintetizadores de última generación. Y eso precisamente fue lo que Al Di Meola quiso aprovechar en su sexto álbum "Scenario" lanzado en 1983. Un album en donde compartía protagonismo con otro de los grandes del jazz rock de los setenta como Jan Hammer, con su arsenal de teclados y sintetizadores. En esta entrega, Meola utiliza una serie de modernos instrumentos como la guitarra sintetizada Roland o el Fairlight CMI, además de sus habituales guitarras eléctricas y acústicas. Tambien aparecen diferentes músicos colaboradores como los bateristas Bill Bruford y Phil Collins y el bajista Tony Levin. Sin llegar ni de lejos a las excelencias de sus emblemáticas obras anteriores como "Land Of The Midnight Sun" (1976), "Elegant Gypsy" (1977), "Casino" (1978) o "Electric Rendezvous" (1982), esta nueva entrega es un disfrutable álbum en donde las intrincadas programaciones sofisticadas son junto a las guitarras y teclados de ambos músicos lo mas relevante de un repertorio compuesto por destacadas canciones como la refinada melodía ligeramente mediterránea "Mata Hari", la exótica "African Nights", la synth funk "Cachaca", la hipnótica "Calliope" o la añeja jazz rock "Scoundrel".

Rush-Presto (1989)

Con "Presto", la banda canadiense Rush cerraban otra etapa en la historia del grupo y al mismo tiempo se convertía en el álbum donde volvieron de alguna manera al sonido de sus orígenes, otorgándoles una gran importancia a las guitarras rock en detrimento de los sintetizadores de los anteriores cuatro álbumes. Ese cambio fue debido a un punto donde su estilo dominado por los teclados y los sonidos tecnológicos había llegado a un punto muerto sin posibilidades de evolucionar más allá de lo que ya habían hecho hasta esos momentos. Ese radical cambio esta demostrado en cortes como "Show Don´t Tell", una canción en donde Alex Lifeson y sus guitarras recuperan su espacio perdido. De igual manera las filosóficas letras de Neil Peart sigue estando presente en unas composiciones de altísimo nivel instrumental y así se van sucediendo excelentes ejemplos como "Hand Over Fist", "Anagram (For Mongo)",  "The Pass", "Presto" o "Available Light". Este álbum recibiría una gran aceptación por parte de sus viejos y ortodoxos millones de fans alrededor del mundo, los cuales miraban con recelo las entregas de los álbumes de los años ochenta.

Ayreon-Universal Migrator Part. I (2000)

Encontrar en un solo álbum sonidos e influencias de Pink Floyd, Jethro Tull, Yes o Mike Oldfield, resulta muy complicado por no decir imposible, sin embargo Ayreon lo consiguió y de manera sublime en un disco de rock progresivo impresionante e incuestionable.
Arjen Anthony Lucassen, artífice de esta obra perfecta de Rock Progresivo de regusto añejo pero hecho con los recursos mas modernos, es uno de esos músicos que solo se pueden calificar como genios, quizás a la altura de Trent Reznor, Steven Wilson, Ian Anderson o Mike Oldfield. Uno de esos músicos multiinstrumentistas, que capaz y valiéndose de su genio, puede construir obras de esta envergadura, verdaderas maravillas de la música.
Lucassen es un guitarrista holandés que triunfó en la escena del metal europeo gracias a su trabajo en bandas como Vengeance o Stream of Passion, de mucha popularidad entre los fanáticos del heavy metal épico.
Ayreon es básicamente un proyecto en solitario, sin banda fija que se diseñó para dar rienda suelta a sus influencias progresivas, anclado en la música de los 70, el reino indiscutible de dioses como Pink Floyd, o Mike Oldfield, de toques folk de los Jethro Tull y la complejidad casi jazzística de Yes, además de la enrevesada instrumentación casi imposible de los canadienses Rush.
Lucassen supo tejer óperas de la grandiosidad de "Into the Electric Castle", mostrando virtuosismo y versatilidad, con leyendas de la música de todas las épocas para dar vida a los roles de sus obras.
Lo que aquí nos ocupa se llama "Universal Migrator", un extenso trabajo dividido en dos partes, diseñado para ser publicado por separado, siguiendo una trama que nos ubica en un futuro lejano, dejando a un protagonista solitario, como único superviviente de la raza humana, confinado en una colonia en Marte desde la cual la Tierra no puede ser destruida. Debido a que el argumento de los discos tiene una continuidad entre sí, la discográfica decidió poner a la venta las dos partes en una sola caja, para no privar al oyente de tan magna aventura sonora. Dada la extensión de ambas partes, musicalmente hablando no tienen nada que ver, las dos partes son totalmente diferentes.
La primera parte se llama "The Dream Sequencer", y está ambientada  en un futuro lejano, en el que la raza humana se ha autodestruido, debido a la contaminación, las guerras y la feroz lucha por el poder de las grandes potencias del mundo. En cuanto a la música, el disco en esta su primera parte, se convierte en un compendio de todos los fundamentos que tuvo el Rock Progresivo durante su historia. A medida que avanza su reproducción escucharemos pasajes que nos trasladarán a la música de Pink Floyd de forma magistral, con esos sintetizadores evocando infinitos espacios espaciales, secundados por guitarras salpicadas de notas larguísimas profundizando tanto en el espacio por el que nos encontramos. siendo guiados con riffs de guitarra de exquisitas melodías, solo acariciando las cuerdas, apoyados en la sublime electrónica que nos mostraría el genio Oldfield durante los 90. Guitarras acústicas que sustentan la majestuosidad de los lugares sintéticos que nos hacen retroceder en el tiempo, evocando antiguas batallas en el mar. Hermosos lugares de clara influencia folclórica, de nuevo guiñando un ojo a la influencia de Mike Oldfield, para revivir el mundo medieval de la antigua Irlanda. Órganos Hammond como el maestro Rick Wakeman nos mostró en las largas suites de Yes, con una sensibilidad increíble, capaz de erizar la piel al mas insensible de los mortales.

Captain Beyond-Captain Beyond (1972)

Una de las superbandas a la antigua usanza mas ignoradas fueron Captain Beyond, que formada por ex integrantes de cuatro icónicas formaciones, publicaron tres excelentes álbumes; "Captain Beyond" (1972), "Sufficiently Breathless" (1973) y "Dawn Explosion" (1977). Formada en 1971 en los Ángeles por el vocalista Rod Evans (ex-Deep Purple), los guitarristas y bajo Larry Rhino y Lee Dorman (ex-Iron Butterfly) y el baterista Bobby Caldwell (ex-Johnny Winter Band). Tomando como referencia los estilos de sus bandas madres, es el hard rock y los sonidos pesados los que inundan cada surco de sus tres trabajos, si bien es cierto que con dosis de vanguardismo, sobre todo en su segundo registro. En "Raging River Of Fear" perteneciente a su primer álbum, sobresalen los riffs de pesado blues, o en la trepidante heavy rock “Dancing Madly Backwards”, las cuales forman un repertorio general con piezas de rock de altísimo octanaje con interludios acústicos y jazzisticos. Con su siguiente entrega empiezan a incorporar mucha más variedad estilística e influencias progresivas como demuestra la dinámica "Sufficiently Breathless”, la jazz rock con tendencias latinas "Everything A Circle" o en la espacial "Starglow Energy". Finalmente con su tercera entrega "Dawn Explosion", vuelven a apostar por el hard rock, aunque en un tono más orgánico y melódico como muestra los atractivos cortes "If You Please", "Fantasy", "Breath Of Fire" o “Midnight Memories”. 

Robin Trower-Caravan To Midnight (1978)

En 1978 Robin Trower estaba plenamente establecido como uno de los grandes guitarrista del hard rock blues, tras de si había dejado escrito en oro y platino una serie de álbumes de enorme calidad como "Twice Removed From Yesterday", "Bridge Of Sighs", "For Earth Below" y "Long Misty Days", trabajos todos ellos que obtendrían unas criticas favorables y unas grandes ventas. A partir de este ultimo, Trower introduce cambios en su banda dando entrada al bajista Rustee Allen, liberando de esta manera a James Dewar de ese cometido para centrarse en la faceta vocal. En 1978 Robin Trower lanzaría su sexto registro, este "Caravan to Midnight", en el cual amplia la formación con el percusionista Paulinho da Costa. Sin llegar a las excelencias de sus primeras obras en "Caravan to Midnight", Robin vuelve a dejarnos una serie de piezas de enorme calidad en las que destacan sus brillantes dotes guitarristas como demuestra en la pegadiza "My Love (Burning Love", o en la hipnótica blues "Caravan to Midnight". Otros cortes como la rítmica "I´m out to Get You", la adictiva blues rock "King of the Dance" y la espacial "Sail On", le confirmaban como el fenomenal guitarrista que llego a ser denominado unánimemente por la prensa como el Jimi Hendrix blanco.

Dillard & Clark-The Fantastic Expedition of Dillard & Clark (1969)

Cerca de finales de los sesenta el auge del folk y el country rock norteamericano estaba en su máximo apogeo, bandas y artistas como The Byrds, The Band o Bob Dylan habían contribuido a gran parte de ello, dejando para la posteridad momentos de gran esplendor. En ese contexto surgirían las figuras de Gene Clark, (ex Byrds), y Doug Dillard, un afamado intérprete de bluesgrass y unas de las leyendas del banjo, y el cual es uno de los iconos de los sonidos mas ancestrales de la Norteamérica mas profunda. Ambos músicos unirían sus fuerzas y ambos realizaron uno de los álbumes que redefinirían el country rock moderno, sentando los pilares para todos los siguientes movimientos y sub estilos que bebían del country y del folk americano. "The Fantastic Expedition of Dillard & Clark",  no solo es un viaje a lo mas profundo de la América rural, también es la voz que reivindicaba un estilo y una forma de vida tradicional, que aun hoy en día perdura y que seguirá haciéndolo mucho mas allá del fin de todas nuestras vidas. Un disco que de manera reflexiva muestra una serie de icónicas canciones del country como "Out on The Side", del bluesgrass "She Darkness The Sun" o lamentos y vivencias campestrales como "Train Laves Here This Morning", "The Radio Son" o "With Care From Someone". Estamos sin duda alguna, ante una de las obras más innovadoras, fundamentales y esenciales de la música de raíces norteamericana y toda una obra maestra del genero.

Foghat-Live (1977)

En 1971, tras la publicación del disco "Looking In" de la banda británica de blues rock Savoy Brown, tres de sus integrantes, el cantante y guitarrista Dave Peverett, el bajista Tony Stevens y el baterista Roger Earl, se marcharon para fundar otra de las mejores y más carismáticas bandas de Hard Rock y Boogie Rock.
No hace falta decir que las influencias y raíces de Foghat son más que evidentes, especialmente en sus primeros álbumes.
Sin embargo, esta nueva banda muestra un estilo más duro y enérgico que su banda madre, con rock de alto voltaje y hard rock.
En sus primeros años lograron una gran reputación en Estados Unidos gracias a álbumes como "Rock and Roll", "Energized" o "Rock and Roll Outlaws", que fueron editados en el período de 1973 a 1975.
En 1977 se publica el que se convertirá en su mejor y más aclamado trabajo, el directo "Foghat Live", el cual obtuvo un rotundo éxito con más de dos millones de copias vendidas solo en USA.
Un disco que consta de seis incendiarios temas, y que se convierte en uno de los directos imprescindibles del rock, con un repertorio antológico de sus éxitos y algunas versiones, como el trepidante "Fool for the City", la antológica "Slow Ride" o una versión acelerada de la canción de Willie Dixon "I Just Want to Make Love to You".

Metallica-Kill´Em All (1983)

En 1983 Metallica desatarían su veloz, furioso y trepidante trash metal, con uno de los mas apabullantes debuts de la historia del heavy metal. Un disco de guitarras asesinas, riffs intensos y brutales y una sección rítmica hiperactiva y demoledora, mostrando un sonido crudo, directo y frio como un témpano de hielo. Líricamente ellos se centraron en la muerte, el infierno, en las guerras, en las victorias y en las derrotas con sangre, en revelarse contra todo lo políticamente establecido y mas, mucho mas. James Hetfield (guitarra y Voz), Kirk Hammett (guitarra), Cliff Burton (bajo) y Lars Ulrich (batería), crearon un álbum que a diferencia de los siguientes lanzamientos, en su conjunto son piezas bastantes simples, aunque con estructuras instrumentales algo complejas. Influenciados por la new wave del heavy metal británico (Iron Maiden), el movimiento heavy punk norteamericano y británico (Motorhead) y fusionando esos estilos con la agresividad y la crudeza del hardcore, en este álbum se dan todas esa señas de identidad empezando por las frenéticas "Hit The Lights", "Motorbreath", "Whiplash" o "Phantom Lord", hasta los desarrollos mas complejos e intrincados con la semi progresiva "The Four Horsemen" o en la soberbia instrumental "(Anesthesia) Pulling Teeth". Con este debut Metallica se rebelaron contra toda la música de fácil escucha y le otorgaron un aire fresco al heavy metal y al hard rock de principios de los ochenta y al mismo tiempo inspiraron e influyeron a decenas de millones de jóvenes alrededor del mundo entero.

Eloy-Colours (1980)

El octavo álbum de los germanos Eloy tuvo varias novedades con respecto al álbum anterior "Silent Cries And Mighty Echoes", por un lado con respecto a la formación y otro derivado con el cambio estilístico del grupo. En lo primero aquí ya no están el baterista Jürgen Rosenthal ni el teclista Detlev Schmidtchen, sustituidos por Jim McGillivray y Hannes Folberth respectivamente, mientras que Frank Bornemann (guitarra y voz), Hannes Arkona (guitarras) y Klaus-Peter Matziol (bajo), seguían al frente de la formación alemana. Con respecto al sonido en esta entrega se esfuerzan en seguir una línea continuista de su predecesor pero con un punto más accesible y pegadizo sin duda abriendo el camino de los próximos lanzamientos mas enfocados al pop rock progresivo sin tanta complejidad. Las melodías mas sencillas sin las pretensiones de antaño aparecen en piezas como las "Gallery", "Sunset" o "Impressions", mientras que la progresiva “Horizons" continua con la tradición sus álbumes anteriores y la épica "Child Migration" se convierten en los puntos álgidos de este "Colours".

Ralf Nowy-Lucifer´s Dream (1973)

Ralf Nowy fue un talentoso músico alemán que tuvo una carrera artistica muy prolífica, desde productor hasta músico, pasando por compositor, arreglista o director musical. Ya en los años 60 y después de graduarse en el Conservatorio Stern de Berlín, donde estudio música clásica, composición, arreglos y música jazz, formaría varias bandas de jazz en donde interpretaba la flauta y el saxofón. En 1963 fue elegido el mejor solista en el Festival de Jazz de Berlín. Ese premio le abriría las puertas para dirigir el Teatro Forum de la misma ciudad, y convertirse en director de producciones, el director de la orquesta Saarländischer Rundfunk de Saarbrücken o colaborar con diferentes artistas germanos y europeos. A principio de los 70 empezaría a colaborar con Giorgio Moroder en diferentes bandas sonoras, ademas de componer muchos spots para la televisión germana. Paralelamente a todo ello creo su propia música publicando varios álbumes enfocados al kraturock en su vertiente jazzistica. En 1973 lanzaría su primer registro, "Lucifer´s Dream" en donde reclutaría una amplia legión de músicos de acompañamiento de la escena del jazz y el rock alemán entre los que destacan el bajista Amon Düül II, Lothar Meid y el guitarrista de Missus Beastly, Paul Vincent. "Lucifer´s Dream" esta compuesto principalmente por una serie de piezas muy estructuradas con grandes arreglos, que grabado en un espectacular sonido cuadrafónico es una excitante aventura por los sonidos del jazz fusión con claras connotaciones cinematográficas. Un álbum realmente exquisito en donde además los arreglos de cuerda, la sofisticación, las guitarras, y los instrumentos de viento, lo convierten en una experiencia musical reconfortante.

Memoriance-Et Aprés (1976)

Memoriance fue una oscura y olvidada banda francesa de art rock y rock sinfónico que durante la década de los 70 publicaron dos atractivos álbumes muy cotizados en la actualidad por la comunidad de prog heads. Formados a mediados de los 70, su formación original estaba compuesta por Jean-Pierre Boulais (guitarra y voz), Jean-François Périer (teclados), Didier Guillaumat (guitarra y voz), Didier Busson (batería) y Michel Aze (bajo). Su inteligente fusión de estilos que comprenden el clásico rock sinfónico y el space rock, esta ampliamente presente en sus únicos registros. En el primero titulado "Et Aprés", predominan los sonidos de un bajo galopante, las refinadas y elegantes guitarras y ciertos elementos del jazz, todo ello bajo una gran musicalidad. Temas como "Je Ne Sais Plus", da muestra del virtuosismo de sus integrantes confeccionado un poderoso, al mismo tiempo que melódico, entramado progresivo con continuos cambios de ritmos. El jazz rock aparece en la instrumental "La Grange Mémoriance", mientras que el aspecto teatral del grupo esta reflejado en el tema principal "Et Aprés", un diverso corte en donde hay cabida para momentos pausados y ritmos trepidantes, finalizando con el rock clásico accesible y convencional "Tracsir". Tres años mas tarde regresarían con el álbum conceptual "L'Écume des Jours d'Apres Boris Vian", basado en una novela de los años 40 del escritor filosofo Boris Vian. Luego de un maxi-single titulado "Sparadrap/Téléphone" publicado en 1981, la banda sucumbiría definitivamente dando por acabado su interesante periplo discográfico.

George Benson-Weekend In L.A. (1977)

Con una de las portadas más icónicas del mundo del jazz, George Benson publicó su segundo álbum en directo titulado "Weekend in L.A." en 1977, poco después de haber lanzado su decimosexto disco de estudio "In Flight", donde ya comenzaba a deslumbrar los rumbos hacia donde iba su carrera desde ese momento, con un jazz con influencias pop, sin olvidar sus incursiones por el funk y el soul.
Para el momento en que se lanzó este álbum, Benson había estado lanzando discos durante catorce años seguidos desde que debutó con "The New Boss Guitar Of George Benson" en 1964.
Influenciado por guitarristas como Wes Montgomery, Benson comenzaría con discos instrumentales orientados al jazz, swing e incluso R&B donde su peculiar forma de tocar la guitarra lo hizo famoso, llegando incluso a ganar varios premios Grammy (diez en total), a lo largo de toda su carrera.
Obras destacadas como "Beyond the Blue Horizon", "White Rabbit" ambas de 1971, el exitoso "Breezin" (1976), "Living´Inside Your Love" (1979), o "Give Me The Night" (1980), lo catalogan como uno de los mejores instrumentistas del jazz.
"Weekend In L.A." fue grabado íntegramente en el West Hollywood Roxy de Los Ángeles, y es su álbum en vivo más conocido y legendario.
Con un repertorio muy variado donde se puede escuchar su estilo ecléctico que va desde el instrumental "California P.M." o "The Greatest Love Of All", hasta el famoso "On Broadway" que aparecía en la mítica película "All That Jazz", pasando por temas más mainstream como "Lady Blue", cortes al más puro estilo smooth jazz como "Windsong" o cortes de jazz clásico como "We As love".

Stevie Ray Vaughan and Double Trouble-In Step (1989)

Stevie Ray Vaughan estuvo sumergido durante muchos años en problemas con el alcohol y las drogas, al mismo tiempo también participaría en múltiples proyectos musicales, giras y colaboraciones durante los años 70 con otros artistas, y por fin comenzó a tener cierto éxito cuando fundó su banda Double Trouble a principios de los 80.
Con una técnica envidiable, original y un gran talento con las seis cuerdas, tocando con una pasión desenfrenada, Stevie Ray Vaughan fue uno de los últimos grandes guitarristas del blues moderno, con una carrera en solitario que duró apenas diez años y en la que grabó una serie de discos considerados de los mejores del blues rock.
Con su primer disco "Texas Flood", logró una gran reputación y fue nominado al Grammy, siendo aún hoy en día uno de los discos más populares del blues eléctrico.
"In Step" fue su último álbum lanzado en 1989, donde Vaughan produjo un enérgico blues rock, fusionando el blues de Chicago, con la energía y el misticismo de uno de sus ídolos, Jimi Hendrix.
Desde el inicial y contagioso "Crossfire", pasando por el rock and roll "The House is Rockin´", la balada de blues "Leave My Girl Alone", el experimental "Riviera Paradise" o el instrumental "Travis Walk", Vaughan nos deja un disco fundamental que lamentablemente supuso el cierre de su excelente carrera, ya que un año después murió en un trágico accidente de helicóptero en Wisconsin mientras se dirigía a un concierto en Chicago.

Popol Vuh-In Den Gärten Pharaos (1971)

Popol Vuh fueron pioneros en expresar las diversas ideas musicales que nacieron a finales de los 60 y principio de los 70. Con su segundo lanzamiento "In Den Gärten Pharaos" (1971), la banda liderada por Florian Fricke, muestra una clara evolución con respecto a su primer trabajo publicado el año anterior. Además de Fricke (sintetizadores, órgano y piano eléctrico), la formación de Popol Vuh para este trabajo estaba compuesta por Betina (platillos y producción), Holger Trülzsch (instrumentos de percusión turcos, africanos y asiáticos) y Frank Fiedler (sintetizadores Moogs). Compuestos por dos amplias epopeyas de sonidos genuinamente hipnóticos, este es sin duda uno de los grandes hitos de la música popular, que constituye un fundamental avance en el aprendizaje y la consolidación en los diferentes movimientos musicales que estarían por llegar. Los casi 20 minutos del tema principal "In den Gärten Pharaos", establece una aventura cósmica surrealista, con multitud de sonidos ambientales de ricas instrumentaciones que alternan percusiones de la world music, platillos, órganos y sintetizadores. En "Vuh", una suite aún mas extensa que la anterior, el órgano medieval de iglesia es el principal impulsor de la música aquí reflejada, que secundada por los sintetizadores y los sonidos cacofónicos de platillos y tambores, la convierten una música muy cercana al trance y a la meditación mas profunda. Sin duda alguna pese a su inaccesibilidad para el gran público, este "In Den Gärten Pharaos" es toda una obra maestra de la música contemporánea y del rock más experimental e innovador.

Hank Mobley-Soul Station (1960)

Injustamente oscurecido por músicos contemporáneos como fueron los saxofonistas Sonny Rollins, Stan Getz o John Coltrane, Hank Mobley fue otro de los grandes mitos del hard bop y el jazz soul. Sin ser un mero creador ni un pionero, su carrera fue bastante fértil, lanzando formidables álbumes para el sello Blue Note en el periodo comprendido entre 1955 y 1970. Su estilo que distaba del sonido agresivo de Coltrane o la sutileza de Stan Getz, era distendido, delicado y melódico. Para la Blue Note grabaría algunos de los mejores álbumes del jazz como son "Soul Station" y "Roll Call", álbumes de una gran solidez musical y jazzistica. En "Soul Station" (1960), Mobley se rodeo de algunos grandes musicos de su época como Art Blakey, Wynton Kelly o Paul Chambers, ofreciendo una cátedra clase de jazz empezando por la antológica "I Remember" o las formidables "Dig Dis" y “If I Should Lose You”, en las que este talentoso músico además mostraba su tremenda habilidad para componer exquisitas piezas del mejor hard bop de la historia.

Various Artists-FM (The Original Movie Soundtrack) (1978)

"FM" es la banda sonora de la película del mismo nombre, que se estrenó en abril de 1978, y en el resto del mundo en noviembre de ese mismo año.
Con el lema publicitario "No Static At All", esta película narra las aventuras de una emisora de radio ficticia "Q-Sky, que había logrado convertirse en la emisora número uno en la zona oeste de Norteamérica debido principalmente a su repertorio musical.
Pero esa popularidad llevaría a los enfrentamientos del disc-jockey a cargo de la emisora Jeff Dungan y los jefes inversionistas, quienes lo presionaron para que emitiera mucha más publicidad y menos horas de música.
La banda sonora es una especie de gran recopilación de los grandes éxitos de la música estadounidense de aquellos años, un elenco impresionante de artistas y sus canciones, que se ha convertido en una de las mejores compilaciones jamás realizadas en un solo álbum, el cual esta considerado una obra de culto en la actualidad.
Con una lista repleta de estrellas como Tom Petty, Steely Dan, Boston, Foreigner, The Eagles, Bob Seger, James Taylor, The Doobie Brothers, Linda Ronstadt, Steve Miller, Joe Walsh, Billy Joel, Queen, Jimmy Buffett, Dan Fogelberg o Randy Meisner entre otros, pronto alcanzaron el millón de discos vendidos.
Todas las canciones aquí incluidas son clásicos del rock, country o folk-rock y prácticamente todos fueron un éxito absoluto y coparon los primeros puestos en las listas en el momento que fueron publicadas en el mundo entero.
En 1979 el álbum ganaría el premio Grammy a la mejor producción e ingeniería de grabación, otorgado al productor Roger Nichols, quien hasta entonces era quien producía regularmente los álbumes de Steely Dan.

Return To Forever-Light As A Feather (1972)

Un año antes de reorganizar los Return to Forever, incluyendo un guitarrista eléctrico (Bill Connors) y adentrarse en el rotundo jazz rock, su líder Chick Corea estaba inmerso en el refinado jazz fusión con manifiestas influencias cariocas y latinas. Después de su álbum debut grabado para el sello ECM, Corea lanzo el elegante "Light as a Feather" junto a la cantante brasileña Flora Purim, al baterista Airto Moreira, al saxofonista Joe Farrell y al bajista Stanley Clarke. En este segundo registro, esta formación ofrece un cálido set list de sonidos isleños y latinos en donde sobresalen la versátil "Captain Marvel", la épica "Spain", la antológica "500 Miles High", la samba jazzistica "You´re Everything" o la bossa nova "Light As A Father". A partir de aquí, solo Chick Corea y Stanley Clarke permanecerían en Return to Forever la siguiente etapa de la banda, y sin embargo la que grabaría este "Light As A Feather", es sin duda responsable de uno de los mejores álbumes del jazz fusión de todos los tiempos.

Levon Helm-Electric Dirt (2009)

Levon Helm no necesita ninguna presentación, baterista y cantante de la legendaria The Band en los años sesenta y setenta, fue uno de los grandes defensores de la música de raíces estadounidense.
"Electric Dirt" fue su noveno álbum, en una carrera en solitario que había comenzado en 1977, poco después de la disolución de su banda madre. En este nuevo lanzamiento, Helm logra superar el éxito de su antecesor el fantástico "Dirt Farmer" con el que había logrado como este, el premio Grammy al mejor disco de música americana.
Sin embargo aquí, que tenía por entonces setenta años, amplía los horizontes musicales para ir un poco más allá, introduciendo elementos más eléctricos para continuar con sus influencias gospel, blues y el jazz de Nueva Orleans, todo aderezado con su habitual estilo de folk y country.
Con su voz ya deteriorada (en ese momento sufría de cáncer de garganta), Helm va pasando de tema en tema con gran sinceridad y de manera auténtica con versiones de canciones de The Band, Randy Newman, Staples Singers o Muddy Waters además de algunas composiciones propias.

Jethro Tull-Heavy Horses (1978)

Siguiendo la formula del anterior "Songs From The Wood", Jethro Tull presentaba su decimoprimero álbum “Heavy Horses”, en el cual las medievales influencias del folk británico son el pilar fundamental de esta entrega. Esta vez Ian Anderson hace hincapié en el avance insostenible de las urbanizaciones en el medio rural, y su posterior repercusión en los animales silvestres y en el medio ambiente campestre. Ese marco rural esta reflejado en una música repleta de guitarras acústicas cortesia de Martin Barre y Anderson, los violines y los arreglos orquéstales de Darryl Way y David Palmer y la inconfundible flauta del propio Ian Anderson. Con esas estructuras se van sucediendo canciones como "...And The Mouse Police Never Sleeps", "Acres Wild", "Moths", "One Brown House" y "Weathercock". Sin embargo no se olvidan totalmente del rock con temas más sofisticados y enérgicos como la nerviosa "No Lubally", la semi funk "Journeyman" o la folk progresiva que da titulo al álbum. "Heavy Horses supuso el mejor epilogo a una serie de álbumes ("Minstrell In The Gallery", "Too Old To Rock´n´Roll; Too Young To Die!" y "Songs From the Wood"), en donde los sonidos acusticos y el folk progresivo habían sustituido de manera sutil al enérgico folk rock y el rock progresivo de "Aqualung", "Thick As A Brick", "A Passion Play" y "War Child".

Man-Be Good To Yourself At Least Once A Day (1972)

Man son sin ningún lugar a dudas, la banda por antonomasia de Gales, que a pesar de sus continuos cambios de formación, alcanzaron el status de leyendas gracias a una serie de álbumes en los que se asemejaban a sus coetáneos americanos Grateful Dead y Quilcksilver Messenger Service, debido a sus largas suites improvisadas con riffs y extensos solos de guitarras, el estilo psicodélico y las influencias del country rock y el blues. En 1972 Man estaba conformada los guitarristas y voces Micky Jones y Clive John, el teclista Phil Ryan, el bajista Will Youatt y el baterista Terry Williams. Con esta formación entrarían en los estudios galeses Rockfield en Mommouth para grabar su quinto registro, este "Be Good to Yourself at Least Once a Day". Con solo cuatro largos temas que oscilan entre los ocho y los doce minutos, en esta nueva entrega siguen mostrando su faceta psicodélica experimental pero consiguiendo un mayor equilibrio entre todos los estilos antes mencionados. La implacable "C´Mon" es la encargada de abrir este álbum, toda una epopeya con dosis de space rock, un reluciente órgano Hammond y las improvisaciones de unas guitarras explosivas. La instrumental "Keep on Crinting" se mueve entre suaves pasajes country, los sonidos espesos de la psicodélica y sutiles toques jazzisticos. La asombrosa rock acida "Bananas" es otro de los puntos culminantes, todo un clásico de estos galeses, que se encuentra a medio camino entre el rock psicodélico y el krautrock, con un ritmo constante y una excelente interacción instrumental. Mientras que el final esta reservado para la boogie bluesy "Life on the Road", en donde entre las secciones vocales hay espacio para monumentales pasajes instrumentales y el protagonismo de sus dos ingeniosos guitarristas.

Them-Them Featuring Van Morrison (1973)

Them fue uno de los mas influyentes grupos de la mitad de los años 60, creadores de uno de los hits mas famosos del genero, "Gloria", toda una pieza clásica durante muchos años y a través de las diferentes versiones de múltiples intérpretes y grupos.
Creados en Belfast en el año 1963, su formación original la comprenden Van Morrison a la voz, Billy Harrison a la guitarra, Alan Henderson al bajo, Patrick McCauley al órgano y Ronnie Millinc a la batería.
Posteriormente el grupo iría cambiando de miembros sin que ello repercutirá en la calidad del grupo, cimentada casi con exclusividad en la arrolladora personalidad de Van Morrison.
En el año 1964, el grupo se traslada a Londres y sus primeros discos crean un enorme clímax en torno a la personalidad y la voz casi negra de Morrison.
"Baby please don’t go" y "Here comes the night", canciones escritas por Bert Berns (autor de otros hits, como “Shout” y “Hang on sloopy”), los catapultan al estrellato, pero su mayor éxito será la mencionada “Gloria”, nº 1 en 1965 y uno de los grandes temas de los años 60.
En 1965 publican su primer álbum bajo el sello Decca "The Angry Young Them", en el aparecen la citada "Gloria" o "Mystic Eyes", ambos firmados por Morrison, además de versiones del clásicos de R&B.
Them grabaría otros muchos temas brillantes como "Call my Name", "Here Comes the Night", "It's All over Now" o  "Baby Blue" entre otros.
Un año después llegaría el segundo álbum "Them Again", pero en 1967 y con solo dos álbumes grabados, Van Morrison deshace el grupo para continuar su carrera en solitario. Desde entonces se convierte en una de las figuras más relevantes del rock y del blues en el mundo, con una carrera que le mantendrá fuera de los rankings comerciales pero a la altura de los mejores solistas de todos los tiempos. En 1973, se editaría la recopilación “Them Featuring Van Morrison”, en la que se recuerdan los mejores temas del grupo.

Strawbs-Grave New World (1972)

Strawbs fueron una de las bandas británicas más originales debido a su constante evolución fusionando el folk ingles y el rock progresivo. Fundada por el guitarrista y cantante Dave Cousins a mediados de los años 60, tuvieron que esperar hasta casi finales de esa década para ver publicado su primer trabajo homónimo. Un año después, la entrada del teclista Rick Wakeman, les otorgaba un estilo más vanguardista, dirigiendo la música hacia el rock sinfónico como queda demostrado en "Dragonfly" (1970) y con un mayor énfasis en el siguiente "From The Witchwood" 1971). Sin embargo después de este ultimo lanzamiento, Wakeman decide acudir a la llamada del grupo Yes y abandona la nave siendo sustituido por el teclista Blue Weaver, que junto al baterista Richard Hudson, al bajista John Ford, y a los guitarristas Dave Cousins y Tony Hooper y bajo los arreglos y la producción de Tony Visconti acometen la grabación del cuarto lanzamiento de Strawbs. En esta entrega la banda muestra un álbum conceptual sobre la vida del hombre, desde su nacimiento hasta su muerte. "Grave New World", un titulo que hace referencia a la novela de Aldous Huxley, contiene desde melodías agradables, junto a una lírica irónica y mordaz con la gloriosa "Benedictus", hasta aproximaciones a la psicodelia "Queen Of Dreams", pasando por las enérgicas guitarras de "Heavy Disguise", la balada sinfónica "Flower and the Young Man" o el vigoroso rock progresivo "Tomorrow", todas ellas entremezcladas con los interludios folk "On Growing Older" y "Ah Me, Ah My".

The Pretty Things-Savage Eye (1975)

En 1973 Led Zeppelin junto a su manager Peter Grant, fundaron su propio sello discográfico "Swan Song Records", y con ello firmaron algunas de las bandas mas populares de los años 70 como Bad Company o The Pretty Things, las cuales lanzaron varios álbumes bajo su patrocinio. Centradonos en los segundos, The Pretty Things habían logrado mantener una carrera muy estable desde mediados de los sesenta bajo un estilo que navega entre el pop psicodélico y el proto progresivo. Álbumes como "S.F. Sorrow" (1968) y "Parachute" (1970), están considerados dos de las grandes obras maestras de la época. Ya lejos de su época esplendorosa, siguieron lanzando meritorios trabajos enfocados en el rock clásico como "Freeway Madness" (1972), "Silk Torpedo" (1974) o este que nos ocupa hoy aquí, "Savage Eye" lanzado en 1975 y como el álbum anterior, publicado bajo el mencionado "Swan Song Records". En esta entrega la banda compuesta por Phil May (vocalista), Jack Green (bajo, voz y guitarras), Peter Tolson (guitarras y bajo), Gordon Edwards (guitarras, teclados y voces), John Povey (teclados) y Skip Alan (batería), se enfocaron en un repertorio básicamente orientado al rock convencional y al rock´n´roll típico de esos años 70. Cortes como la monolítica y zeppeliana "Under The Volcano", o la melancólica folk pop rock "Sad Eye", son junto a la grandilocuente "My Song", créditos mas que suficientes para catalogar este magnifico álbum. El resto sin llegar a las excelencias de las anteriores, sigue estando a un buen nivel compositivo e instrumental, como queda demostrado con la alegre rock´n´roll "It Isn´t Rock´n´Roll", en el enérgico rock "I´m Keeping" o en el relajado pop rock "It´s Been So Long".

Thelonious Monk-Brilliant Corners (1957)

"Brilliant Corners" fue el noveno registro de Theloniuos Monk como solista, grabado para el sello Riverside en 1956 en Nueva York y publicado al año siguiente. Con esta grabación Monk empezaría ser considerado como un pionero del jazz moderno, después de años de incomprensión por parte de los críticos y de los aficionados debido a su vanguardismo experimental. Con "Brilliant Corners" no solo logaría una de sus mejores entregas, si no también una de las grandes grabaciones en la historia de jazz. Para esta grabación Monk se rodeo de un gran elenco de músicos donde sobresalen Max Roach, Clark Terry, Paul Chambers, Sonny Rollins y Ernie Henry. La mayoría de las melodías que aparecen en este disco están basadas en el blues de medios tempos relajados, empezando por la tour de force que da titulo al álbum, un corte adelantado a su tiempo debido a su tremendo dinamismo. El jazz-blues vanguardista "Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are" o la delicada balada "Pannonica", muestran el aplomo de las teclas del piano de Monk, mientras que la afro caribeña "Bemsha Swing", retorna su cara experimental junto al saxo de Sonny Rollins, que a través de las desafiantes secuencias de piano de Monk, muestra su sublime talento con el saxofón.

The Allman Brothers Band-Enlightened Rogues (1979)

En 1979 The Allman Brothers lanzaban su sexto álbum de estudio "Enlightened Rogues", el cual muestra algunas de las piezas mas duras y enérgicas de toda la carrera del grupo y que pese a su incuestionable calidad esta considerado una de sus obras mas previsibles. Grabado en un momento en donde la falta de creatividad de un despreocupado Gregg Allman, tuvo en el guitarrista Dickey Betts el impulsor principal escribiendo cinco de los ocho temas que componen el disco. Para esta grabación la formación originaria de Jacksonville ya no contaban con el teclista Chuck Leavell ni con el bajista Lamar Williams, sustituidos aquí por Dan Toler (guitarras) y David Goldflies (bajo), permaneciendo los habituales Gregg Allman (órgano, piano eléctrico y voz), Dickey Betts (guitarras y voz), Jaimoe (batería) y Butch Trucks (percusión). Las composiciones de Betts se traducen en una serie de canciones de gran poderío como "Can´t Take It With You" o "Blind Love", mientras que el sonido caracteristico del blues sureño impregnado de pasajes jazzisticos esta presente en "Just Ain´t Easy", en la blues "Need Your Love So Bad", una pieza original de John Mertis, o en el tour de force guitarristico "Pegasus". Lastrado por el exito de las las enormes obras anteriores, el álbum no tuvo el reconocimiento que se merecía y pese a ello lograría un noveno puesto en las listas del Billboard y un disco de oro por sus numerosas ventas en el mercado norteamericano.

Trúbrot-...Lifun (1971)

Nos vamos a Islandia, de allí son Trúbrot, una banda ecléctica que se movían entre los sonidos hipnotizantes y atmosféricos del space rock psicodélico y el proto hard rock. Fundada en 1969, su formación estaba compuesta por Karl Sighvatsson (teclados), Gunnar Jökull Hákonarson (batería), Gunnar Þórdarson (guitarra), Rúnar Júlíusson (bajo y voces) y Shady Owens, (cantante). Después de varios álbumes enfocados en el típico pop rock psicodélico de los años 60 "Trúbrot" (1969) y "Undir Áhrifum" (1970), se trasladaron a Inglaterra donde en 1971 grabaron su trabajo mas ambicioso, "Lifun". En este entrega la formación islandesa muestra su gran diversidad estilística con una serie de canciones que van desde el heavy rock "Lives Overture", hasta estimulantes piezas atmosféricas "Circulation", pasando por la galopante progresiva "School Complex", el folk "Hush-S-Bye" o ampulosas mini sinfonías "Margföld er Lifun er Lifum við Ein". Tras varios álbumes mas, "Mandala" y "Náttúra: Magic Key", ambos lanzados en 1972, terminaron disolviéndose a finales del año siguiente.