Gypsy-Gypsy (1970)

Gypsy fueron una interesante formación enfocada al rock de raíces americano como el jazz, el rock, el soul y el folk, y que tenían sus orígenes en una formación de pop psicodélico llamada The Underbeats de mediados de los sesenta. Después de mudarse de su Minneapolis natal hacia los Ángeles, la banda endureció su propuesta musical, reinventado su estilo hacia sonidos mas acordes con los movimientos culturales de la costa oeste norteamericana. Entre su numerosa formación de siete miembros, destacaban el guitarrista y cantante Enrico Rosenbaum y el organista y voz James Walsh, sin duda los dos impulsores que componían la mayoría del material y sus mejores instrumentistas. El resto estaba formado por Preston Epps (percusión), James Jonson (guitarra y voces), James Epstein (batería) y Jimmie Haskell (instrumentos de cuerdas). En 1970 bajo una pequeña discográfica californiana publicaron su álbum debut, un doble Lp titulado homónimamente como la banda. En esta primera entrega muestran un variado sonido que van desde el soul, hasta el rock clásico, con algunos elementos vanguardistas de folk y psicodélica, todo ello con ritmos vigorosos y enérgicos. Canciones como "I Was So Young", "The Third Eye", "Man of Reason", "Decisions", “The Vision”, “More Times”, "Here In My Loneliness" o "Gypsy Queen", están repletas de unas ricas melodías vocales, y una gran musicalidad de precisas y arregladas estructuras semi progresivas. Un año mas tarde lanzarían su continuación con el más afianzado "In The Garden", para posteriormente orientar su estilo hacia un rock mas convencional con los siguientes álbumes "Antithesis" (1972) y "Unlock The Gates" (1973), sus dos últimos lanzamientos antes de disolverse definitivamente.

Babe Ruth-First Base (1972)

Babe Ruth fueron una poderosa banda británica de hard rock/blues progresivo que en 1972 publicaron uno de los mejores álbumes del rock clásico de todos los tiempos. Fundados en 1971 en Hertfodshire al este de Inglaterra, en torno al talentoso guitarrista Alan Shacklock, cerraban la formación la cantante Janita Hann, el teclista Dave Punshon, el baterista Dick Powell y el bajista Dave Hewitt. En 1972 y bajo una fantástica portada realizada por Roger Dean, publicaron su primer álbum "First Base", lanzado por la división progresiva de la Emi Odeon, Harvest Records. Además de la banda, aquí participarían una nutrida legión de músicos de violonchelos, saxofones y percusiones. Esta gran cantidad de músicos e instrumentos le otorgan al álbum un complejo entramado progresivo. En "Wells Fardo" la banda muestra su enérgico estilo combinando los poderosos riffs de guitarras, la vigorosa voz de Hann y los instrumentos de viento. En contraste a esta ultima aparece la melódica "The Runaways", que influenciada por elementos sinfónicos muestra el carácter netamente progresivo de Babe Ruth. La instrumental "King Kong" otra pieza enérgica de rock progresivo es la antesala de la compleja y oscura "Black Dog", una canción con influencias blues y grandes arreglos de piano y guitarra, cerrando este magnifico disco la galopante "The Mexican" y la extensa jazz rock progresiva "Joker". En los años posteriores Babe Ruth lanzarían otros cuatro registros, algunos de ellos de gran merito como "Babe Ruth" y "Stealin´Home" (ambos de 1975), pero ninguno llegaría a las excelencias de este formidable "First Base".

Aphrodite Child's-666 (1972)

"666" es una de las obras más espectaculares y fantásticas del art-rock europeo de los 70, que combinaba a la perfección un concepto controvertido como es la Biblia con el mejor rock progresivo.
Este sería el tercer y último álbum de la banda griega Aphrodite Child's que contaba con Demis Roussos al bajo y voz principal, Anargyros Koulouris a la guitarra, Lucas Sideras a la batería y Vangelis Papathanassiou a los teclados.
Creado como un disco conceptual y sumamente ambicioso con mucha experimentación (incluso contiene una extraña pieza cantada por Irene Papas tocando un mantra, mientras unos gemidos ahogados y sexuales suenan sin parar), fue en su totalidad ideado por Vangelis y se basa en el Apocalipsis según San Juan, interpretado según el cultura de finales de los 60 y donde se acomodan el rock psicodélico, los sonidos étnicos o las canciones corales, todo ello adornado con la tecnología más moderna de la época como los sintetizadores y otros teclados de ultima generación.
Musicalmente, el sabor psicodélico, los densos pasajes electrónicos y los sonidos de las guitarras hacen de este álbum uno de los mejores trabajos del rock progresivo de toda su historia.

Gravy Train-Second Birth (1973)

Tercer álbum de los rockeros progresivos Gravy Train y el primero bajo el sello Dawn, después de sus dos primeras obras con Vertigo. En esta entrega el germinal estilo vanguardista del combo británico sigue siendo influenciado por estilos como el blues y el folk, pero siempre bajo la perspectiva del hard rock. En sus primeros cortes "Morning Coming" y "Peter", observamos ese carácter de rock pesado guiado por el órgano Hammond de J.D. Hughes, el liderazgo de su guitarrista Norman Barratt y el afán por las composiciones complejas bajo unas ricas armonías vocales. Por otro lado piezas como el blues "Motorway" nos deja un sabor que nos recuerdan a las huestes de Ian Anderson y los Jethro Tull debido a esa flauta saltarina y a los arreglos instrumentales. La jazzistica "Fields and Factories" se convierte en otro punto culminante en donde hay desviaciones a los sonidos mas pegadizos y en la contundente y oscura "Tolpuddle Episode", vuelven a mostrar esos sofisticados arreglos, bajo la lírica reivindicativa de los mártires que crearon los primeros sindicatos británicos.

Ross-The Pit And The Pendulum (1974)

Segundo y ultimo álbum de los británicos Ross, esta vez concebido como disco conceptual basado en el libro "The Pit and The Pendulum" ("El pozo y el Péndulo"), de Edgar Allan Poe de 1842, que cuenta los tormentos sufridos por los prisioneros durante la Inquisición Española. Si en el álbum debut presentaron un repertorio cargado de jazz rock, funk, hard rock y rock progresivo, en esta ocasión su sonido se vuelve mas melódico sin dejar de lado algunos momentos mas duros y las estructuras del rock sinfónico clásico. Grabado por la misma alineación que la del disco debut, Alan Ross (guitarra y voz), Bob Jackson (teclados), Reuben White (batería), Steve Emery (bajo) y Tony Fernandez (percusión). En esta segunda entrega el magnifico trabajo del teclista Jackson y la brillante guitarra de Ross impulsan un excelente álbum que obtendrían grandes elogios entre los críticos y la comunidad progresiva de la época y muy bien considerado en la actualidad. Repleto de inquietantes y preciosistas melodías como "Swallow Your Dreams", "Standing Alone", "Now I See" y "Nearer and Nearer", vigorosos cortes hard rock "Gotta Get It Right Back", instrumentales progresivos "The Edge", agradables blues semi progresivos "I´ve Been Waiting" o sonidos jazz y gospel, "So Slow" y "Oh, I´m Happy Now", conforman entre todas un solidó trabajo de gran musicalidad. Este seria el epitafio de esta efímera formación, ya que poco tiempo después el guitarrista Ross fundaría The Alan Ross Band, mientras que Bob Jackson comenzaría a colaborar con los desafortunados Badfinger.

Deep Purple-The House Of Blue Light (1987)

A mediados de los ochenta Deep Purple resurgen de sus cenizas y su formación más clásica y exitosa, el denominado Mark II (Gillan, Blackmore, Lord, Paice y Glover), volvieron a reunirse para publicar varios álbumes de esplendida factura como fueron "Perfect Strangers" (1984) y "The House Of Blue Light" (1987). Sin embargo en muchos momentos de este último lanzamiento repiten los mismos clichés que el anterior "Perfect Strangers", es decir un hard rock convencional sin las pretensiones progresivas de sus álbumes de los 70. Aún así y gracias a los sonidos sinfónicos y espaciales de los sintetizadores de Jon Lord y los pesados riffs de la guitarra de Blackmore, canciones como "Mitzi´s Dupree", "Strangeways" (con su esplendido ritmo oriental), o "Dead or Alive", nos recuerdan al clásico sonido de la banda con ese toque psicodélico de blues rock. En cambio las continuistas "Bad Attitude", "Unwritten Law" o "Mad Dog", siguen la estela del poderoso hard rock del anterior lanzamiento. Con "The House Of Blue Light", el quinteto británico dejaría un álbum tan fresco como dinámico, el cual tiene mucho que ofrecer pese a las criticas recibidas por un sector de la prensa especializada y de sus fans mas puristas. 

Blackbirds-Touch Of Music (1971)

Blackbirds son una de las bandas alemanas más longevas que fundada a mediados de los 60, en el 2014 aun seguían en activo. Originarios de la localidad de Puettlingen, fue creada por el guitarrista Werner Breining y su constante ha sido una continua sucesión de integrantes. Su estilo repleto de sonidos psicodélicos, rock, pop y vanguardismo, impulsados por el excelente órgano Hammond de Peter Bely y los pesados riffs de guitarra, son junto a la poderosa voz de Breining, sus señas de identidad. En 1971 publicarían su mejor obra "Touch of Music", el segundo registro y a la postre su epitafio discográfico definitivo. Aquí Blackbirds estaban compuestos por el teclista Peter Bely, el baterista Charles Sikora, el bajista Wolfgang Bode y el mencionado Werner Breining, quien se encargaba de las guitarras, el violín, las flautas y la voz. Un álbum que muestra claramente la orientación psicodélica de la banda con cortes como "Präludium" y "All You Need", mientras que la lisérgica rock "Return from the water", la siniestra "Give Me Freedom" y las vanguardistas "What is Free" y "Come Back", cierran un meritorio trabajo de inspirado rock psicodélico y progresivo germinal. 

   

Bee Gees-Here At Last...Live (1977)

El 26 de diciembre de 1976 los Bee Gees grabaron su primer álbum en vivo en el Forum de Los Ángeles, que sería lanzado un año después como un LP doble titulado "Here At Last ...Live".
Este doble álbum también cerró la primera parte de una carrera impresionante, logrando el disco de platino por sus ventas al poco tiempo de su publicación.
Hasta ese momento los Bee Gees se habían caracterizado por temas orientados a baladas tiernas, el pop rock e incluso aproximaciones al R&B y canciones de baile como "Jive Talkin" o "Nights on Broadway" de su disco "Main Course" de 1975.
El repertorio que finalmente se incluyó en este doble álbum incluye una fantástica selección de los temas míticos de la banda; "Love So Right", "How Can You Mend a Broken Heart?", "You Should Be Dancing", "Nights On Broadway" o "Jive Talkin´".
El disco tuvo una gran acogida, llegando a casi cinco millones de copias vendidas en todo el mundo, cifra que ayudó a sumar los más de 400 millones de discos que la banda ha logrado vender a lo largo de su dilatada carrera.

Rush-Roll The Bones (1991)

Tras cuatro discos afianzados en los sonidos tecnológicos impulsados por los sintetizadores, los canadienses Rush comenzaban la década de los 90 con un nuevo trabajo en donde recuperaban su esencia mas rockera y directa, pero consolidando su melodía y manteniendo su único estilo original, alejados como era muy habitual en ellos, en las modas musicales de la época. Sin embargo ese cambio ya se empezaba a intuir en el anterior album “Presto”, aunque aun sin la convicción y la determinación de este “Roll The Bones”. Ese hard rock melódico esta presente en las sublimes "Dreamline" y "Bravado", dos encomiables pistas que junto a la instrumental "Where´s My Thing" elevan el tono del álbum hasta cotas que hacia años no lograban. El resto sin llegar a sus excelencias esta a un gran nivel, para reafirmar esto ultimo ahí están la magnifica "Roll the Bones", un peculiar rock con una corta pero interesante sección de Rap, la flotante "The Big Wheel", la frenética "Face Up", la oscura "Neurotica" o la melancólica "Heresy". En definitiva "Roll The Bones" pese a no superar sus mejores entregas, esta compuesto por una serie de temas muy atractivos tanto en el plano compositivo como instrumental, demostrando la enorme capacidad del trío por su constante evolución para confeccionar otro excelente álbum.

Genesis-Abacab (1981)

La orientación comercial de Genesis no comenzaría como muchos afirman con sus discos de los ochenta, en realidad esa tendencia empezaría de manera bastante sutil con la partida de Peter Gabriel años atras, primero con la pegadiza "Ripples" del álbum "A Trick of the Tail" de 1976, seguida de "Your Own Special Way" ("Wind and Wuthering" 1976), un corte claramente orientado al éxito de las radio formulas y para finalizar con la pop rock "Follow You, Follow Me" del album "...And Then There Were Three..." (1978). Así las cosas con su siguiente movimiento discográfico "Duke" (1980), la banda compuesta por Phil Collins, Mike Rutherford y Tony Banks se metieron casi de lleno en los sonidos menos complejos y ambiciosos facturando un trabajo en donde mezclaban sabiamente una serie de canciones semi progresivas con otras de claro carácter pop rock. Un año mas tarde el trio aprovecharía el tirón mediático de Phil Collins y su exitoso "Face Value" para seguir un rumbo considerablemente parecido con algunas excepciones, publicando su onceavo álbum "Abacab". Desde la inicial canción que da titulo al disco, la banda se despoja totalmente del pasado mostrando una enérgica y ritmica pieza en donde los sintetizadores de Banks, el galopante bajo de Rutherford y la aguda voz de Collins la convierten en una épica canción con cierto regusto progresivo. Esa ultima es junto a la brillante "Me and Sarah Jane", los momentos mas elaborados de todo el álbum que sin embargo no desmerecen a otras canciones como la contagiosa "No Reply at All", la excéntrica "Keep It Dark" y la oscura y dinámica "Dodo/Lurker". El resto esta compuesto por una serie de canciones que mas parecen descartes del trabajo en solitario de Collins que otra cosa como son "Like It Or Not", "Another Record" o "Man on The Corner". En definitiva esta fue la propuesta mas arriesgada del grupo hasta aquellos momentos, confeccionando un trabajo repleto de luces y sombras y que comercialmente lograría varios discos de platino y mas de dos millones de copias vendidas a nivel mundial.

Don Henley-Building The Perfect Beast (1984)

Don Henley será recordado eternamente por su voz agonizante en una de las canciones más legendarias de la historia de la música contemporánea como es "Hotel California" del grupo The Eagles.
Su fama le precede no solo por ser uno de los componentes de esa mítica banda, sino también por su exitosa carrera en solitario con discos de gran calidad donde demostró su enorme voz, grandes composiciones y sus dotes como músico.
En su debut en solitario "I Can´t Stand Still" en 1982, continuó el camino que habían dejado The Eagles con su "The Long Run", pero dando más protagonismo a los teclados, con un gran trabajo vocal y armónico.
Dos años después nos dejó "Building The Perfect Beast", en el que solidificó esos términos musicales.
Con las colaboraciónes de Lindsey Buckingham, Steve Porcaro, Berlinda Carlisle, Patty Smith, Mike Campbell, David Paich, Randy Newman, Ian Wallace o Pino Palladino, consiguió que este álbum llegara a lo más alto de las listas de éxitos y también la canción "The Boys of Summer", la cual daría la vuelta al mundo como un súper éxito.
El resto esta formado por grandes canciones como "All She Wants to Do Is Dance", "Drivin 'With Your Eyes Closed', 'Not Enough Love in the World' y 'Sunset Grill', demostrando con todas ellas el enorme talento que tenía Henley sin sus amigos de The Eagles.

Zyma-Thoughts (1978)

Otra olvidada banda germana encuadrada dentro del krautrock fueron Zyma, un admirable quinteto que comenzaron su andadura mucho antes de su fundación oficial, cuando sus todos miembros pertenecían a otras bandas germanas. En sus comienzos (a principios de los 70), su orientación musical estaba enfocada en los sonidos del jazz rock vanguardista, sin embargo sus continuos cambios de formación les convertían en una banda bastante inestable creativamente. A mediados de los setenta y con una sólida formación compuesta por Dorle Ferber (voz principal, violín, flauta y percusión), Tim Pfau (guitarra y voces), Günter Hornung (teclados), Meinrad Hirt (flauta, violín y instrumentos de cuerda), Bodo Brandl (bajo) y Udo Kübler (batería), pudieron establecer su propio estilo acercándose claramente al genuino sonido Canterbury británico, mostrando el talento instrumental de todos sus integrantes y confeccionando una música que oscila entre el jazz rock experimental, el folk y el blues. Su primer lanzamiento se produjo en 1978, con el titulo de "Thoughts", un exquisito paisaje sonoro, para muchos unas de las mejores obras del género británico creado por un grupo alemán. Experimentales demostraciones como la enérgica folk rock "We Got Time", es solo la antesala del impecable trabajo de Zyma en esta magnifica obra. A esta admirable composición la secundan piezas como las melodías celestiales del tema que da titulo al álbum, la excelente e intrincada "Businessman", repleta de grandes texturas musicales, la estimulante y vanguardista "One Way Street", una pieza de claro sabor progresivo y la sublime jazz rock canterburiana "Wasting Time". Un año mas tarde regresarían con su segundo y ultimo registro "Brave New World", un esfuerzo mas diverso con influencias experimentales y menos accesibles que este esplendido debut.

Steve Hackett-Defector (1980)

Steve Hackett entraba en los años ochenta lanzando su cuarto álbum titulado "Defector", el cual es para muchos uno de sus trabajos mas melódicos, que a diferencia de anterior "Spectral Mornings", es mas melancólico y emocionante. Hackett para esta grabación obtendría la colaboración de Pete Hicks (voz), John Shearer (batería), Dik Cadbury (bajo), Nick Magnus (teclados) y la de su hermano el flautista John Hackett. Desde oscuras e intensas piezas progresivas como la inicial "The Steppes", hasta pastorales y sentimentales cortes como "Jacuzzi", “Hammer in the Sand" y "The Toast", pasando por atmósferas cercanas a la música ambiental con "The Brindis" y "Leaving" o elementos cercanos al jazz rock vanguardista como "Slogans", muestran la enorme diversidad musical de un Steve Hackett que por aquellos años estaba en plena auge creativo.

Rick Derringer-All American Boy (1973)

Rick Derringer es un legendario guitarrista norteamericano, creador de obras de gran magnitud como su álbum debut "All American Boy", todo un clásico del rock americano, pasando por sus numerosas colaboraciones para otros artistas entre los que destacan Edgar Winter, Johnny Winter, Steely Dan, Joe Bonamassa o Donald Fagen, sus álbumes junto The McCoys y a su propia banda Derringer. Aunque su carrera musical esta orientada principalmente al hard blues rock, en sus inicios Derringer abordaría el intenso hard rock junto a The McCoys o en sus primeros álbumes en solitario. Su primer registró en solitario llegaría en 1973, que bajo la producción del afamado Bill Szymczyk, obtendría la estimable ayuda de una formación compuesta por Bobby Caldwell, Edgar Winter, Joe Walsh, Joe Vitale, Toots Thielemans o Joe Lala entre otros muchos músicos de la escena del rock norteamericano. Trepidantes rock como la inicial "Rock and Roll, Hoochie Koo", hasta pretenciosas demostraciones de su dominio con las seis cuerdas "Joy Ride", pasando por la polvorienta rock sureña "Teenage Queen", la animada country rock "Cheap Tequila", la emotiva soul "Hold", la pegadiza “Jump, Jump, Jump” o la galopante hard rock "Slide On Ever Slinky", daban inicio a una fructífera carrera repleta de trabajos de enorme calidad que le han mantenido en la cúspide del rock estadounidense durante cuatro décadas interrumpidas.

Aviator-Aviator (1986)

Eclipsado por una serie de enormes álbumes mas mediáticos que se publicaron el mismo año que este, (“Third Stage” de Boston, “Slippery When Wet” de Bon Jovi, “The Final Coundtown” de Europe o “Raised on Radio” de Journey, entre otros muchos mas), el único lanzamiento de los norteamericanos Aviator (no confundir con otras bandas del mismo nombre surgidas a lo largo de los años), es una de las joyas ocultas del A.O.R., repleto de magníficos estribillos, melodías pegadizas, y unas enérgicas guitarras secundados por los esplendorosos teclados. Este efímero grupo compuesto por el baterista Michael Ricciardella, el guitarrista Richie Cerneglia, el cantante y guitarra Ernie White, el bajista Steve Vitale, y el teclista Tommy Zite, lograron crear un sublime disco que esta repleto de magnificos temas como los intensos medios tiempos "Front Line", "Wrong Place Wrong Time", "Magic", "Come Back" o "Trough The Night", las cuales contrastan con las rotundas hard rock "Woman in Love", "Too Young" y "Never Let The Rock Stop". Sin duda este debut es todo un clásico del genero melódico que lamentablemente se quedaría relegado en un segundo plano, como una de las obras de culto del A.O.R.

Creedence Clearwater Revival-Creedence Clearwater Revival (1968)

A finales de los 60 los movimientos musicales estaban envueltos en una gran disparidad de sonidos que estaban inundados de guitarras distorsionadas, órganos Hammond, sintetizadores de primera generación y de docenas de instrumentos complejos que usados al unísono daban una espectacular diversidad sonora muy diferente entre todos los estilos que desbordaban el panorama del pop y el rock. En ese contexto surgiría una formación básica y arcaica, con un sonido tan abrasivo como tradicional, que lograron no solo triunfar masivamente alrededor del mundo, sino también mantenerse en la cúspide durante mas de cinco años consecutivos. La simplicidad y la brillantez al mismo tiempo eran el gran secreto de la Creedence Clearwater Revival, que bajo los ancestrales sonidos de Norteamérica como el blues, el country, el folk y el rock´n´roll se ganaron el respeto y la admiración de millones de personas. Liderados por el guitarrista y voz John Fogerty quien antes ya había creado una formación que tenia los gérmenes y la esencia de la Creedence, llamada The Blue Velvets, en donde también estaban el bajista Stu Cook y el baterista Doug Clifford. Con el ingreso del hermano menor de John, Tom Fogerty se completaría la formación definitiva de la Creedence Clearwater Revival. La integridad sonica de John, unido a la habilidad simple de la sección rítmica de Clifford y Cook, y el rasgueo rítmico de Tom fue la perfecta síntesis de su exitoso estilo denominado “swamp rock” (rock pantanoso), que tan brillantemente ofrecieron en su magnifico debut lanzado a mediados de 1968. Los ocho minutos de la rotunda versión de Dale Hawkins "Suzie Q", no fue impedimento para que se encaramara en los primeros puestos de las listas de singles de medio mundo. Pero aparte de esta clásica canción, todo una icónica del rock, el álbum contenía un repertorio repleto de excitantes canciones como "I Put A Spell On You", otra versión, esta vez de Screamin´Jay Hawkins", "Get Down Woman", "The Working Man", "Walk on the Water" o "Porterville", las cuales asombrosamente llevaron a este primer registro a vender cerca del millón de copias en una sola semana en los Estados Unidos.

Hot Tuna-Hoppkorv (1976)

A principios de los 70, varios miembros de Jefferson Airplane quisieron formar una banda paralela para dar rienda suelta a su pasión por el folk blues.
Así Jack Cassidy y Jorma Kaukonen, comenzaron a actuar como teloneros de los propios Jefferson Airplane, con la incorporación de otros miembros del grupo de manera ocasional como Marty Balin y Spencer Dryden.
En 1976 se lanza "Hoppkorv", el octavo álbum de la banda, donde vuelven a ofrecer ese sonido contundente, vibrante y enérgico que habían hecho en sus anteriores trabajos.
El potente "Santa Claus Retreat", la densa "Extrication Love Song" junto con la acústica "Watch The North Wind Rose" dejaron un disco donde explotaron su lado rockero alejándose en parte de su característico folk blues.

Johnny Winter-Captured Live! (1976)

"Captured Live" muestra el mejor momento y la máxima expresión de Johnny Winter y su rock blues eléctrico, con gran vitalidad y sacando lo mejor del blues tradicional pero con un rock potente donde su característico sonido con las seis cuerdas aquí se ve reforzado por un segundo guitarrista como Floyd Radford.
Grabado durante la gira de los dos álbumes que Johnny Winter había editado en 1974; "Saints & Sinners" y "John Dawson Winter III", recopila canciones de diferentes conciertos ofrecidos en California, más concretamente en el At Swing Auditorium de San Benardino, en el Sport Arena de San Diego y el Colisseum de Oakland.
Con un repertorio repleto de versiones eléctricas, destaca sobre todo la del clásico "Highway 61 Revisited" de Bob Dylan y "Sweet Papa John" de Winter.
Un gran show en vivo de uno de los mejores guitarristas de blues de la historia, que durante su dilatada carrera nos dejó algunos de los discos más memorables de ese género.

Allan Holdsworth-I.O.U. (1982)

“I.O.U.” el cuarto álbum del fenomenal guitarrista Allan Holdsworth, ex componente de las legendarias bandas Soft Machine, Nucleus, Tempest, Gong y U.K., es una de sus obras maestras, presentando un estilo completamente diferente a todo lo hecho anteriormente en sus obras predecesoras. Aquí el guitarrista británico se rodeo de los músicos Paul Williams (voz), Paul Carmichael (bajo) y Gary Husband (Batería y teclados). Su nueva vision de jazz rock le llevo a entrar en unos parámetros aun no tan explorados como el guitarrista lo hace en esta virtuosa demostración. Los inteligentes arreglos de "Checking Out", las exuberantes atmósferas de "Letters of Marquee", o el pesado jazz rock "Out From Under", son junto a las guitarras flotantes y etéreas de "Shallow Sea", lo mas destacado de un álbum imprescindible del mejor jazz rock de los años 80.

 

Freddie Roach-Good Move (1963)

Freddie Roach fue un famoso músico del soul jazz que durante gran parte de los sesenta dejaría algunos de los mejores álbumes del género. Roach fue uno de pocos músicos de jazz que utilizaban el órgano Hammond B-3, un instrumento poco usual en este género musical a diferencia de otros estilos como el rock progresivo o el rock psicodélico. A principios de los 60 Roach firmaría con el sello Blue Note y grabaría cinco álbumes entre el periodo comprendido entre 1962 y 1964. Entre esos registros se encuentra este "Good Move", que lanzado en 1963 contaría con las colaboraciones de Hank Mobley al saxo tenor, Blue Mitchell a la trompeta, Clarence Johnston a la batería y Eddie Wright a la guitarra. En este trabajo las refinadas melodías impulsadas por el brillante órgano de Roach van emanando de manera firme y sólida una serie de variadas piezas ejecutadas elegantemente, con unas líneas musicales sofisticadas que se combinan perfectamente con los ingeniosos solos del saxo de Hank Mobley y de la trompeta de Blue Mitchell.

Chris Botti-Italia (2007)

Originario de Oregon, Chris Botti se dio a conocer como trompetista trabajando como musico de sesión para diferentes estudios de Nueva York a mediados de los años 80, o actuando y grabando para figuras como Frank Sinatra, Aretha Franklin, Joni Mitchell, Paul Simon o Sting entre otros muchos artistas más. Después de más de diez años adquiriendo una amplísima experiencia con todos esos artistas, en 1995 lanzaría su primer álbum en solitario "First Wish", en donde combina sabiamente los sonidos del jazz con el pop instrumental. Con una serie de discos mas, Botti fue explorando poco a poco el smooth jazz, logrando un éxito comedido con álbumes como "Slowing Down the World", "Night Sessions" o "I Fall in Love". En el 2007 con su noveno álbum "Italia", lograría su mayor éxito mediático, un álbum en el cual interpreta una serie de versiones emblemáticas con una lujosa instrumentación, creando un ambiente fascinante y unas melodías sublimes. Unas interpretaciones reflexivas que abarcan desde standard cinematográficos, hasta versiones de clásicos de la opera y composiciones propias. Esa atmósfera envolvente esta presente en piezas como "Deborah´s Theme" perteneciente a la película "Once Upon A Time In America" o "Gabriel´s Oboe" de la película "La Mission", ambas del compositor Ennio Morricone. Botti también rinde homenaje al país trasalpino evocando su exuberancia y su romanticismo en la bellísima "Nessun Dorma" y en la extraordinaria "Italia", en un logrado dueto junto a Andrea Bocelli. Mientras que la interpretación del "Ave Maria" es sencillamente sublime y antológico, secundado por un coro que recrea las pertinentes características religiosas. Otras versiones son la sensual "The Very Thought of You", todo un clasico del gran Ray Noble, en la voz de Paula Cole y la encantadora "I´ve Grown Accustomed to Her Face", del musical "My Fair Lady", con la esplendida voz de un rejuvenecido Dean Martin.

Deep Purple-Fireball (1971)

Inexplicablemente Deep Purple no habían alcanzado el número uno en las Islas Británicas con su fantástico "In Rock", alcanzando "solo" un cuarto puesto, no ocurriría así en Estados Unidos donde llegarían a lo más alto, sin embargo con su próximo disco "Fireball" si lo harían, lográndolo de inmediato.
Grabado con la formación clásica (Blackmore, Paice, Lord, Glover y el cantante Ian Gillan), es el segundo disco después del mencionado "In Rock" donde Deep Purple suenan a Deep Purple, sus tres primeros trabajos no son más que interesantes colecciones de versiones bastante obvias pero muy cercanas al pop.
"Fireball" siempre estuvo lastrado por estar justo en medio de sus dos grandes obras maestras como son "In Rock" y "Machine Head" y entre las grandes canciones que la componen, solo dos han pasado a la posteridad; "The Mule" y "Strange Kind Of Woman".
Sin embargo nadie duda de que el nivel de "Fireball" es algo inferior a los dos discos mencionados, pero aún así tiene una riqueza estilística envidiable.
Canciones apoteósicas como "Fireball", la hipnótica y brillante "Demon's Eye" o la psicodélica "Fools", demuestran que están casi en la cúspide junto a sus mejores trabajos.

King Crimson-Three Of A Perfect Pair (1984)

Con "Three Of A Perfect Pair" se daba por finalizado la trilogía de los años 80 de King Crimson, un álbum que en cierta medida no evoluciona estilísticamente con respecto a sus dos anteriores lanzamientos. Para muchos críticos y fans en este nuevo registro se cuestionaban la tremenda influencia que Adrian Belew tenía dentro de la banda, derivando la música hacia terrenos cada ves mas new wave e incluso post punk. Mas accesible que "Discipline" y "Beat", en esta ocasión el grupo "supestamente" liderado por Robert Fripp, se sumerge totalmente en el espíritu musical de los 80, repletos de percusiones y sonidos electrónicos y unos arreglos extraños y por momentos difusos. Aun así la banda compuesta por los mismos componentes que las anteriores entregas (Fripp, Belew, Bruford y Levin), nos dejan algunos regustos musicales interesantes como la inquietante "Sleepless", mientras que la new wave "Model Man", las instrumentales "Nuages" y "Industry", la meritoria "Three Of A Perfect Pair", o "Lark´s Tongues In Aspic Part III", esta ultima sin duda el momento mas progresivo de todo el álbum, les otorgan algo de solidez al resultado final. Sin embargo pecan de mantenerse en su zona de confort con las insustanciales "Dig Me", "Man With An Open Heart" y "No Warning". "Three Of A Perfect Of Pair" pese a sus buenas intenciones, peca de cierta inspiración y creatividad y tal vez por ello, a nadie se le escapa que esta tercera reencarnación de King Crimson terminara por colapsar después de este álbum. 

Eric Clapton-Just One Night (1980)

A finales de la década de los 70, Eric Clapton estaba viviendo un momento artístico con cierta estabilidad, tanto comercial como de popularidad y personal, y había publicado en los últimos años varias obras como "Slowhand" (1977) y "Backless" (1978), que lo habían devuelto a la senda del éxito.
A principios de los ochenta se publico el doble disco en directo "Just One Night", grabado íntegramente en el Budokan de Tokio, un año antes durante la gira del álbum "Backless", y con la particularidad de utilizar como banda de apoyo una formación diferente y mucho mas talentosa a la que grabo el mencionado álbum.
Para esta gira, tendría a Albert Lee como segunda guitarra, Henry Spinetti como batería, Dave Markee como bajo y Chris Stainton como teclista.
El repertorio contenía canciones y versiones propias como los tradicionales blues "Early In The Morning" o "Rambling On My Mind", algunos de sus éxitos más recientes como "Cocaine", "Tulsa Time", "Wonderful Tonight" o "Lay Down Sally", y clásicos del rock y blues como "Further On Up The Road" o "Blues Power".
Se comprobó que Clapton no quería seguir viviendo del legado de sus antiguas bandas del pasado como Cream, Blind Faith o Derek And The Dominos al no incluir ninguna de sus legendarias canciones en este directo.
Un disco donde la magia de la guitarra de Clapton sigue asombrando, pero que sin embargo adolece de la chispa incendiaria y apasionada que alguna vez transmitió sobre todo a finales de los sesenta y principio de los 70.
Aún así, el álbum cosechó un enorme éxito en las listas británicas y norteamericanas alcanzando las primeras posiciones durante el año 1980.

Fela Kuti-Black President (1981)

Sin ser un estilo masivamente popular, la música africana es muy rica y diversa, tanto como lo es el propio continente, influenciada por una amplia variedad de estilos musicales procedentes de Europa y América, que van desde el jazz, gospel, blues, calipso, o los sonidos latinos que aprovechan su enorme variedad de instrumentos musicales, muchos de ellos autóctonos para crear sonidos y estilos como el afro beat
Sus orígenes se remontan a muchas décadas atrás, una de sus principales referencias (de manera muy sutil) es Miriam Makeba en los sesenta, pero es sin duda Fela Kuti su mayor impulsor.
Este nigeriano nacido en 1938 de una familia de clase media, su padre fue un reverendo y un gran pianista. En 1958 Fela Kuti se mudaría a Londres para terminar sus estudios de medicina y allí después de ver el incipiente movimiento musical del pop, decidió dedicarse a la música y fundo su primera banda llamada Koola Lobitos, los cuales practicaban un estilo basado en los sonidos tribales fusionados con el jazz y el pop, a partir de aquí su estilo empezaría a ser conocido como el afro beat. Algunos años después viajara a los Estados Unidos y allí se alineo con los Black Power y los Panteras Negras, motivo por el que fue inmediatamente deportado a su Nigeria natal.
Durante la década de los 70 publicaría varias docenas de álbumes, sin embargo su discográfica oficial es algo confusa al perderse en la maraña de sellos independientes y africanos de escasa repercusión fuera de su ámbito local, sin embargo varios de ellos fueron rescatados por sellos europeos y americanos y solo media docena son reconocidos oficialmente. En 1981 y publicado por el sello Arista, llegaría su álbum "Black President".
Este álbum fue realmente concebido mucho antes de su publicación, sus orígenes se remontan a finales de los sesenta cuando estaba en los Ángeles, y parte de los temas aquí expuestos son de sesiones de grabación de aquella época, y otras en Londres en donde colaboraría el percusionista Ginger Baker. Regrabados posteriormente, con unas composiciones extensas y un gran contenido político, "Black President" es el punto álgido de su creatividad, aquí muestra su lado mas salvaje contra el poder político y social. Posteriormente hizo muy buenos trabajos, pero es este sin duda el que quedo como referencia básica de su estilo y su mensaje.

Prelude-Voyage (1979)

Prelude fueron una de las germinales formaciones del neo progresivo temprano, que originarios de Lieja, Bélgica, publicaron un único álbum en 1979. Su formación estaba compuesta por el cantante David Piron, el guitarrista Vincent Fis, el bajista Benoit Van Der Straeten, el tecladista Michel Crosset y el baterista Leon Paulus. Su estilo impregnado de refinadas guitarras e impulsado por múltiples capas de sintetizadores y teclados va conduciendo su progresivo repertorio compuesto por majestuosas composiciones como "Mox" o la enérgica "Life After The Life". La pausada "Voyage" y la ambiental "Life´s Melody is a Mystical Symphony" contrastan por otro lado con la sombría pieza sinfónica "Suicided", una clara muestra de sus influencias pinkflodianas.

Hot Tuna-Yellow Fever (1975)

En 1975 Hot Tuna, la banda liderada por los ex Jefferson Airplane, Jorma Kaukonen y Jack Casady, decidieron darle una vuelta de tuerca a su estilo de blues folk que representaban sus cuatro primeros registros, para endurecer los sonidos hacia el hard rock blues. "America´s Choice" seria el primero de esta nueva etapa del grupo, la cual fue denominada "La trilogía Rampage", caracterizado por esa nueva orientación estilística. Seis meses después del lanzamiento de "America´s Choice", llegaría "Yellow Fever", el séptimo álbum del grupo, en el cual al igual que el anterior aparecía un nuevo baterista, Bob Steeler, sustituyendo a Sammy Piazza. Los largos desarrollos instrumentales, el pesado rock con distorsionados riffs y los densos sonidos blues, son el denominador común de un repertorio compuesto por piezas como la boogie rock "Baby What You Want Me To Do", las hard rock "Free Rain" y "Half/Time Saturation", la southern psicodélica "Sunrise Dance With the Devil", las blues rock "Hot Jelly Roll Blues" y "Song for the Fire Maiden" o la enérgica instrumental "Surphase Tension".

Brian Auger & The Trinity-Befour (1970)

En 1969 Julie Driscoll decidió abandonar Trinity, la banda que lideraba junto a Brian Auger con quien había publicado algunos de los mejores discos del rhythm and blues y jazz fusion rock de la década de los sesenta, ("Open", "Jools And Brian" y "Streetnoise"). Sin embargo pese a este importante abandono, Brian Auger decidió continuar adelante reclutando al guitarrista Gary Winston Boyle y junto al resto de la formación compuesta por Dave Ambrose (bajo), Clive Thacker (batería) y el propio Auger (teclados y voz), graban el sexto álbum de Trinity, este "Befour" lanzado a mediados de 1970 por el sello RCA y en el cual también intervienen los bateristas Mickey Waller, Barry Reeves y Colin Allen. En “Befour” Auger presenta una serie de sorprendentes versiones en clave de jazz rock y groovy fusión, impulsados por el brillante trabajo de Brian Auger con el órgano Hammond, y el fenomenal estilo guitarrístico de Boyle. Las ingeniosas interpretaciones de los clásicos "Pavane" y "Adagio per Archie e Organo" muestra el inteligente estilo de Brian Auger, que lejos de parecer pretencioso, muestra su increíble dominio con el órgano. La atmosférica versión de Traffic "No Time to Live", es interpretada de manera inquietante, al mismo tiempo que la audaz versión de Herbie Hancock "Maiden Voyage", es reconducida de manera poco ortodoxa pero igualmente efectiva al terreno que la banda mejor saben desenvolverse. La exuberante "Listen Here", una brutal fusión de ritmos jazz rock con cuatro bateristas y dos bajistas de sonidos incontestables y rotundos, o la arrebatadora "Just You Just Me", son piezas que muestra por donde seguirán los derroteros de Auger junto a sus Oblivion Express en los siguientes años, esta ultima una pieza hipnótica de repetidos ritmos con una intrincada guitarra y unos atmosféricos solos de órgano cautivadores. Con este álbum Brian Auger volvió a crear un trabajo tan vibrante como arrebatador y toda una obra maestra del jazz rock de principios de los 70.   

Kansas-Freaks Of Nature (1995)

"Freaks of Nature" supuso el regreso de Kansas en la década de los noventa, un álbum que venia precedido del conceptual "In The Spirit Of Things" de siete años antes. Sin embargo después de todos esos años mucho habían cambiado las cosas en el seno del grupo y con una renovada formación en la que ya no aparecían Robby Steinhardt, Kerry Livgren, Dave Hope y Steve Morse, sustituidos aquí por Greg Robert (teclados), Billy Greer (bajo) y David Ragsdale (violín y guitarra), mientras que los miembros originales Steve Walsh (voz y teclados), Phil Ehart (bateria) y Rich Williams (guitarras), lideraban esta nueva reencarnación del grupo de Topeka. Lo primero que llama la atención es la vuelta del predominante violín de antaño, después de varios álbumes en donde había perdido el protagonismo mostrado en las obras de los setenta. Otra de las características de esta nueva entrega es el alejamiento de los sonidos del rock melódico de los ochenta para dar un paso atrás hacia el rock progresivo de los 70 pero con un gran énfasis en el hard rock. Ese estilo de hard rock progresivo esta presente en cortes como "Desperate Times", en donde el violinista Ragsdale y la sección instrumental de enorme poderío conducen una pieza de magnifica ejecución. La melódica "Hope Once Again" se convierte en uno de los momentos mas destacados, la cual contrasta con la pesada "Black Fathom 4", la exótica "Need" y la acústica "Peaceful and Warm". Por otro lado los momentos más progresivos están constituidos por la dramática "Under The Knife" y la compleja "Cold Grey Morning". En definitiva "Freaks Of Nature" supuso el retorno de los Kansas mas eclécticos y efectivos, sin duda un gran punto de partida para sus siguientes lanzamientos que seguirían con el orquestado "Always Never The Same" (1998) y el épico "Somewhere to Elsewhere" (2000).

The Moody Blues-In Search Of The Lost Chord (1968)

El tercer álbum de The Moody Blues es toda una fascinante aventura de principio a fin, un verdadero tour de force que tomando la música psicodélica como influencia, van evolucionando hacia los sonidos mas vanguardistas terminando de transformarse en un trabajo realmente progresivo. Como seria norma habitual de la banda, este es un álbum conceptual sobre la investigación personal, desde la exploración física hasta la realización de la mente humana. Con un transfundo de música clásica, en esta grabación utilizaron un sinfín de instrumentos no habituales en la música rock, desde tablas hindú, violonchelos, arpas eléctricas y acústicas, clavecín, el sitar, saxofones o timbales, además de las habituales guitarras eléctricas y acústicas, teclados, batería, bajo y flauta. Una música que enmarcada en los sonidos orquestales que proporciona el Mellotron de Mike Pinder, va fluyendo entre temas puramente rock "Ride My See-Saw", hasta hipnóticos pasajes bajo el embrujo psicodélico "Dr Livingstone, I Presume" "House Of Four Doors Part. 1", "Legend Of A Mind" o "House Of Four Doors Part. 2". En la cara dos The Moody Blues se sumergen directamente en el descubrimiento personal con las melódicas "Voices In The Sky" y "The Best Way To Travel", mientras que la pastoral "Visions Of Paradise", la melancólica "The Actor" y la exótica oriental "Om", dan por acabado un sorprendente viaje que muestra la originalidad, los pasajes emocionantes y la complejísima variedad musical que esta legendaria formación británica creaban con una facilidad asombrosa.

Art Blakey & The Jazz Messengers-Moanin´ (1959)

Art Blakey fue un prodigio tocando la batería, un líder que combinaba perfectamente el talento, la destreza, la técnica, el poder y la sutileza. Junto a otros legendarios bateristas como Max Roach o Kenny Clarke, invento el estilo moderno de la batería bebop. Su estilo de hard bop con elementos blues, y los ritmos funk fueron básicos para influir en las siguientes generaciones de bateristas alrededor del mundo. Blakey manejaba como nadie los tempos del swing, el sabia como complementar su estilo en una banda, empleando su técnica instrumental para ofrecer el dramatismo y la inspiración necesaria. Blakey dirigió durante muchos años una de las mas formidables bandas del jazz como fueron los The Jazz Messenger, en donde tocaron algunos de los mas grandes músicos de la época como Wynton Marsalis, Lee Morgan, Wayne Shorter o Clifford Brown. Todas esas facetas y cualidades están perfectamente representadas en su album "Moanin´" junto a los The Jazz Messenger, que fue lanzado bajo el sello Blue Note a principios de 1959. El estilo jazzistico impregnado de soul de la pieza del mismo nombre, una composición escrita por el pianista Bobby Timmons, fue muy popular durante los años 60, en este álbum además el saxofonista Benny Golson compuso cuatro extraordinarios cortes, incluidos "Blues March", "The Drum Thunder Suite" y "Along Came Betty", todas ellas unos estándares del jazz moderno, en las cuales Blakey muestra su fulminante destreza instrumental.

Morse Code-La Marche Des Hommes (1975)

Bajo el nombre de Morse Code Transmission se esconde uno de los principales activos del rock vanguardista canadiense germinal, que durante el periodo comprendido entre 1971 y 1994 lanzaron siete interesantes álbumes orientados en el rock sinfónico clásico. Fundados casi a finales de los sesenta en Montreal, su alineación inicial estaba compuesta por Christian Simard (voz y teclados), Jocelyn Julien (guitarra), Peter Schenkman (cello), Al Cherny (flauta), Michel Vallée (bajo) y Raymond Roy (batería). Su primer album fue lanzado en 1971 y junto al segundo publicado un año mas tarde, muestran un estilo aun sin una clara orientación musical, pero en donde los sonidos psicodelicos del folk y el pop barroco son el denominador común de ambos discos. Tres años después y con el cambio del guitarrista Julien por Daniel Lemay, y con el acortamiento del nombre de la banda por el de Morse Code, lanzaron su tercera obra "La Marche Des Hommes", un álbum mas evolutivo, en donde la banda consigue su plena madurez compositiva, facturando un notable trabajo que se mueve entre el rock contundente y el rock progresivo, un estilo que lo emparentaban a medio camino entre los Genesis mas pastorales y teatrales y una versión suavizada de los grupos britanicos del hard rock setentero. Piezas como la memorable y espacial que da titulo al álbum es la antesala de un agradable repertorio compuesto por excelentes canciones sinfónicas como "Qu'est-Ce Que T'as Compris ?", "Une Goutte De Pluie" o "Cocktail", las cuales conforman un notable trabajo del clásico rock progresivo de la década de los 70.

Tina Turner-Private Dancer (1984)

 

A finales de los setenta Tina Turner terminó su relación artística y emocional con Ike Turner, después de más de 15 años juntos y a partir de entonces la cantante comenzaría una carrera en solitario llena de éxitos.
Sin embargo, sus primeros trabajos pasaron completamente desapercibidos, el tortuoso final con Ike y este comienzo vacilante, pusieron su carrera al borde del abismo.
Pero en 1984 y gracias al disco "Private Dancer", Tina Turner logró volver a lo más alto con un disco que logró la increíble cifra de más de veinte millones de copias vendidas.
Para este álbum, la Capitol Records, su nuevo sello, puso a sus órdenes una gran cantidad de músicos, productores y estudios de grabación, entre otros se encontraban algunos componentes de los Dire Straits, además de Jeff Beck, Mel Collins, Rupert Hine, Joe Sample o Hal Lindes entre otros muchos.
"Private Dancer" sería un disco excepcional con un repertorio repleto de versiones de clásicos adaptados al rock moderno como "Let's Stay Together" de Al Green, "Help" de The Beatles, "1984" de David Bowie, o "I Can ´t Stand the Rain "de Ann Peebles, así como canciones extraordinarias como la balada" "Whats Love Got it Do With it" o "Private Dancer", esta ultima compuesta por Mark Knopfler que originalmente iba a ser incluida en el álbum de Dire Straits "Love Over Gold".

Sad Cafe-Facades (1979)

Sad Cafe fueron otra de esas bandas inclasificables que navegaron entre el pop-rock melódico y el art rock. Formada a mediados de los 70 en la ciudad de Manchester, tuvieron varios hits de gran impacto como "Every Day Hurts", "Strange Little Girl", "My Oh My" y "I'm in Love Again", alcanzando puestos muy altos de las listas de éxitos del Reino Unido. Su formación estaba compuesta por Paul Young (voz), Ian Wilson (guitarra), Vic Emerson (teclados), Ashley Mulford (guitarra), John Stimpson (bajo) y Tony Cresswell (batería). En 1977 bajo el sello RCA publicaron su primer trabajo "Fanx Ta-Ra" en el cual su refinado estilo del pop-rock armonioso llamaría la atención de la critica y del publico británico y europeo. Con el siguiente "Misplaced Ideals" (1978) consiguen mantener su status de banda prometedora, creando otro magnifico álbum de grandes melodías con unas irresistibles voces, complementada por una excelente y sofisticada instrumentación. En "Facades" aparecido un año mas tarde, son producidos por el famoso componente de los 10CC Eric Stewart, convirtiéndose en su trabajo mas ecléctico desde los sonidos del hard rock melódico de "Take Me To The Future", hasta complejas composiciones como "The World", pasando por las pegadizas pop rock "Little Girl", las melodías grandilocuentes de “Nothing Left Toulouse" o los sublimes medios tiempos de "Get Me Outta Here".  

Foghat-Fool For The City (1975)

"Fool For The City" fue el quinto album de la popularísima banda de boogie rock y hard blues rock, Foghat, un registro que lograría un disco de platino por temas como el archiconocido "Slow Ride", y puestos muy altos en las listas de éxitos de medio mundo en 1975. Formada en 1971 en Londres debido a las cenizas de otra de las fundamentales bandas británicas del blues rock como fueron Savoy Brown, por el guitarrista Dave Peverett junto al también guitarrista Rod Price, el bajista Tony Stevens y el batería Roger Earl, los cuales pronto se ganarían una tremenda reputación en los Estados Unidos gracias a sus incendiarios conciertos con su estilo simple pero directo de hard rock boogie. "Fool For The City" se compone de siete canciones básicas de hard rock, boogie y blues rock que los inmortalizaron gracias a una serie de cortes como la mencionada "Slow Ride", un extenso tour de force de vibrante rock and roll incendiario. Pero no solo de este emblemático tema vive este álbum, aquí aparecen la vertiginosa y adictiva hard rock que da titulo al álbum, la rock and roll "My Babe", la contundente blues rock "Terraplane Blues", la rítmica "Save Your Loving (For Me)" o la melódica con tintes jazzisticos "Take It or Leave it".

Chris Farlowe-From Here To Mama Rosa with The Hill (1970)

Chris Farlowe es considerado una de las mejores voces de Rhythm and Blues británico y toda una leyenda de la música rock de las Islas Británicas. Con una fuerte personalidad, durante la década de los sesenta perteneció a diferentes bandas en la cual dejo siempre su emblemático sello con su singular voz. Sus titubeantes inicios como cantante solista, publicando una serie de discos de poca relevancia acabarían cuando formaría los Thunderbirds, una banda con la cual lanzaría algunos hits importantes que le aseguraron cierta reputación entre los músicos profesionales de su pais. En esta primera formación curiosamente coincidiría con las futuras leyendas del rock británico Dave Greenslade y Carl Palmer. Sin embargo mediaticamente no alcanzan el fervor del público, un dato que le otorga el status de gran figura sin público. Pero a mediados de los sesenta el líder de los Rolling Stones Mick Jagger, acepta producirle la canción "Think" con el que por fin logra el éxito esperado. En los siguientes años llegarían otros hits como "Just a Dream", "Out Of time" o "Yesterday´s Papers", los cuales le terminan de consagrar como una de las figuras del panorama musical de la época. En 1970 Farlowe junto a los Thunderbirds, pero ahora reformados como The Hill, compuesta por Steve Hammond (guitarra), Peter Robinson (órgano Hammond), Bruce Waddell (bajo), Paul Buckmaster (violonchelo) y Colin Davey (batería), grabarían el álbum "From Here To Mama Rosa with the Hill", considerado toda una pequeña obra maestra del rock británico. Un álbum que alejado de sus anteriores grabaciones de Rhythm and Blues esta enmarcado en los ampulosos sonidos orquestales del pop psicodélico y vanguardista envuelto en brillantes sonoridades progresivas como "Mama Rosa", "Head In The Clouds", "Winter Of My Life", "Are You Sleeping?", "Questions" o "Travelling Into Make-Believe". A partir de aquí Farlowe se movería entre una serie de colaboraciones junto a las legendarias bandas Colosseum y Atomic Rooster, además de su propia carrera en solitario, lanzando discos regularmente hasta el año 2014 cuando apareció su último trabajo.

Various Artists-No Nukes (1979)

En 1979 una serie de artistas norteamericanos de la fundación Muse (Una alianza de músicos en contra de la energía nuclear), organizaron una serie de conciertos para recaudar fondos para esa fundación, en donde denunciaban los males de la energía nuclear y fomentaban las energías alternativas.
Promovido por Jackson Browne y Bonnie Raitt, entre el 19 y el 23 de septiembre de ese año, se llevaron a cabo en el Madison Square Garden de Nueva York una serie de conciertos multitudinarios.
Además de Browne y Raitt, participaron Bruce Springsteen, The Doobie Brothers, James Taylor, Tom Petty, Crosby Stills y Nash, Carly Simon, Nicolette Larson, Poco y Ry Cooder, entre otros grandes artistas.
Por separado, como dúo o en grupo, interpretaron sus canciones más conocidas ante el asombro del público al ver ante sí mismos, tal colección de estrellas juntas.
No Nukes es el álbum que recogió lo mejor de dicha serie de actuaciones y fue lanzado bajo el formato de triple álbum en noviembre de 1979.
Este enorme álbum tuvo una gran acogida comercial con casi 500.000 copias vendidas poco después de su lanzamiento.
Un álbum que derrocha pasión a raudales por las interpretaciones memorables de todos los artistas, mucho ardor y grandes canciones rock que convierten a este maravilloso directo en una grabación histórica.

Rose Tattoo-Rose Tattoo (1978)

A igual que sus compatriotas AC/DC, Rose Tattoo son una banda australiana de hard rock que tienen muchas similitudes con la legendaria formación liderada por los hermanos Young. Fundados a mediados de los 70 en Sidney, su principal impulsor fue el vocalista Angry Anderson que junto a los guitarristas Peter Wells y Mick Cocks, a los bajista Geordie Leach y Ian Rilen y al baterista Dallas Royall, consiguieron que los mismos productores de AC/DC les apadrinaran sus primeros registros bajo el sello independiente australiano Alberts. A finales de 1978 Rose Tatoo publicaría su homónimo álbum debut, en donde muestran un trepidante y poderoso hard rock estridente como queda patente en las crudas y viscerales "Never Too Loud", "Rock´n´Roll Outlaw", "Nice Boys", "Stuck On You" o "Remedy". En los siguientes años la banda obtendría una gran reputación y un tremendo éxito debido a sus aclamados conciertos por toda Europa, lo que les valdría conquistar el mercado británico y europeo con el álbum posterior "Assault & Battery" (1981).

Boston-Boston (1976)

El año 1976 represento un antes y un después en la música popular, básicamente porque es el año en el que el punk sube a los escenarios, rompiendo radicalmente con los excesos del rock progresivo y sus derivados, la decadencia de los grandes mastodontes que triunfaron en años anteriores. En unos años, muchas de estas bandas como Yes, Genesis o Jethro Tull, tuvieron que adaptarse a las masas para mantener su relevancia.
Así que Boston, la banda liderada por el ingeniero y prodigio Tom Scholz con el tremendo cantante Brad Delp, no podría haber elegido peor año para debutar. Sin embargo, este clásico todavía se considera uno de los grandes hitos del rock clásico a lo largo de la historia.
Y no hay mayor hito que la canción que la abre, ese "More than a Feeling", radiado hasta la saciedad, con la mejor interpretación de la carrera del malogrado Delp y de la que veinticinco años despues estaría el propio Kurt Cobain tomando sus acordes para el "Smells Like Teen Spirit".
Mítica y omnipresente en cualquier compilación de rock que se precie, es la balada de rock por excelencia de los años setenta. Tom Scholz, a menudo tildado de perfeccionista insoportable, y quien produjo el álbum además de tocar la guitarra y los teclados, encontró una fórmula y la usó a la perfección: solos de guitarra muy melódicos y atractivos, con una guitarra acústica dando el ritmo y las intervenciones agudas de Delp. "Peace of Mind" es uno de los temas que mejor representa ese modelo, además de una gran canción.
En el resto todas las canciones son increíbles, sin excepción: "Foreplay / Long Time", con sus casi ocho minutos, es totalmente épica: la gran introducción comandada por el órgano y el bajo, seguida del tema principal, con sus puntuaciones, sus intermedios acústicos y su potente estribillo.
Mas sencilla es "Rock & Roll Band", crónica de los humildes comienzos del grupo y uno de los cortes más conocidos del disco.
"Smokin" es una oda a la marihuana: de hecho, la duración del tema (4 minutos y 20 segundos), es una referencia a la subcultura del consumo de cannabis, es otro punto fuerte del disco, sobre todo la parte instrumental, con un órgano arrollador y esa dinámica que hace que la canción sea tan entretenida. La banda nunca alcanzó el éxito de este álbum con sus trabajos posteriores, (más de 17 millones de álbumes vendidos) y después de mucho tiempo (Scholz tardó siglos en preparar nuevos álbumes), cinco en más de treinta años, siguen en activo, aunque lamentablemente Delp se suicidó en el año 2007.

Atlantis-Atlantis (1973)

Una vez disuelta la banda germana Frumpy, algunos de sus integrantes decidieron formar una nueva llamada Atlantis, la cual se alejaba de las propuestas psicodélicas y vanguardistas de su antecesora, abordando estilos como el blues, el funk, el soul y el hard rock americano con tintes progresivos. Formada a mediados de 1972 por la cantante Inga Rumpf, el teclista Jean-Jacques Kravetz y el bajista Karl-Heinz Schott, quienes reclutarían al guitarrista Frank Diez y al baterista Curt Cress. Poco después de su fundación se trasladaron a Londres donde entrarían en los estudios de la Island Records para grabar su álbum debut. Sin embargo antes Kravetz seria sustituido por el teclista Jean Alain Roussel, además en las sesiones de grabación también participaría el percusionista de Traffic, Reebop Kwakuh Baah. Unas consiguientes giras por el Reino Unido abriendo conciertos para los propios Traffic y Procol Harum, serian el comienzo de un constante ir y venir de integrantes. A mediados del siguiente año llegaría el segundo acto de la banda "It´s Getting Better", que fue seguido por otra exitosa gira y otros tantos cambios de personal. En 1974 tras el tercer disco "Ooh Baby", la banda se embarca en un largo tour por los Estados Unidos como banda de apoyo a Lynyrd Skynyrd. El siguiente Lp "Get On Board" seria el epitafio final de Atlantis, dando Rumpf y Schott, los dos únicos sobrevivientes de la formación original, por acabada la aventura de esta magnifica formación germana. Centrándonos en su exitoso álbum debut, (obtuvo una ventas considerables en las listas británicas y norteamericanas), nos encontramos con una variada sonoridad de estilos, desde blues, soul y rock clásico como queda patente en "Get Up", "Rock´n´ Roll Preacher", "Maybe It´s Useless", "Words Of Love" y "Let´s Get On The Road Again", hasta piezas progresivas con la extensa y excelente "Living At The Edge Of Time".

Finch-Beyond Expression (1976)

Un año después de su debut discográfico con el impresionante "Glory Of the Inner Force", los holandeses progresivos Finch continuaron su aventura con el mas experimental "Beyond Expression", un álbum menos frenético y mas desafiante que el anterior. Finch siempre se caracterizaron por su impredecible estilo que fusionaba el enérgico rock con interludios más sosegados y espaciales, utilizando una arsenal de teclados analógicos como los mini moogs y el mellotrón. Sin embargo en este trabajo es la guitarra de Joop Van Nimwegen la que se convierte en la protagonista absoluta interpretando muchos de sus pasajes con una gran técnica y un impresionante feeling. La suite "A Passion Condensed" se convierte en su obra cumbre con unas excelentes capas instrumentales, mientras que la épica "Scars On The Ego" es su momento mas metálico e hipnótico con unas guitarras abrasadoras. Para acabar este segundo álbum aparece la dinámica "Beyond The Bizarre", el único de los tres temas que componen en álbum en donde se acercan al sonido más habitual de la banda.

The Tremeloes-Greatest Hits (1970)

The Tremeloes fueron una banda británica que empezaron su carrera a principios de los 60 y que tuvieron algunos éxitos que los hicieron mundialmente famosos
La banda estaba compuesta por el cantante Brian Poole, el guitarrista y vocalista Alan Blakley; Graham Scott también guitarrista, el bajista y saxofonista Alan Howard y el batería y también vocalista Dave Munden.
El ingreso de Rick West al grupo en reemplazo de Scott fue decisivo por cuanto el recién llegado tenía contactos con el productor Jimmy Grant, quién eligió a The Tremeloes en lugar de The Beatles para hacerles un contrato, en una nefasta decisión que pasará a la posteridad como uno de los mayores errores de la historia de la música pop.
Sus comienzos fueron con la discográfica Decca, sin embargo al principio empezaron a poner en duda la capacidad artística del grupo después de publicarles varios singles sin apenas éxito.
Después de publicar "Twist and shout", tema original de los Isley Brothers y popularizado también por los Beatles, la banda comenzaría a salir del anonimato en el Reino Unido, alcanzando el estrellato con "Do you love me".
En 1964 seguirán otros éxitos y, en 1965, y un año mas tarde dejan Decca para incorporarse al sello CBS. En 1967 The Tremeloes comenzó a brillar sin Poole, que había abandonado la banda, alcanzando un número 1 en las listas de medio mundo con "Silence is golden".
Los éxitos comerciales siguieron llegando en los sucesivos años pero siempre de la mano de composiciones ajenas. En plena época psicodélica, The Tremeloes intentó remediar esa carencia con "Helule, Helule", que los metió de nuevo en los primeros puestos de los charts, posteriormente el tema de Bob Dylan "I Shall Be Released" sería otro éxito,
Ya en 1968 siguieron grabando con poca suerte comercial. En 1969 lograron un resonante éxito con "Once a sunday morning", igualmente los temas "(Call Me) Number One" (69) y "Me and My Life" (70) tuvieron unos puestos altos en las listas británicas y europeas
Ya en la década de los 70 tuvieron algunos hits en Europa y con los años siguieron grabando pero sin los éxitos de antaño.