Atmospheres-Voyage To Uranus (1974)

Afamado músico de sesión, el saxofonista, entre otros instrumentos de viento, Clive Stevens, lidero durante un corto periodo de tiempo, una de las mas destacadas bandas del jazz rock como fueron Atmospheres, un proyecto de corto recorrido que contaría entre sus filas una serie de reputados instrumentistas como el teclista Ralph Towner, los guitarristas John Abercrombie y Steve Khan, el baterista Billy Cobham y el bajista Rick Laird. En 1974, Stevens lograría reunificar en un estudio parte de la Mahavishnu Orchestra (Cobham y Laird), Oregon (Ralph Towner) y a dos de los mejores guitarras del jazz rock de la época (Abercrombie y Khan), para grabar el primer trabajo de este proyecto, el cual sin llegar a revolucionar el mundo del jazz, es todo un gran reflejo del eclecticismo de un genero que por entonces tenia un mundo aún por experimentar un poco mas de lo que ya había hecho. Casi un año mas tarde llegaría el segundo trabajo de este efímero proyecto en el cual ya no se encontraban ni Billy Cobham ni Rick Laird, sustituidos aquí por Stu Woods (bajo) y Michael Thabo Calvin (batería). En esta segunda entrega a diferencia de la tónica de jazz fusión del álbum debut, Stevens se centra en un jazz rock más dinámico y progresivo. Contundentes progresiones rock como "Shifting Phase", "Inner Spaces and Outer Places" o "Voyage To Uranus", están emparentadas con el habitual estilo de las coetáneas Return to Forever o Mahavishnu Orchestra. Estas contrastan con la pausada y atmosférica "Un Jour Dans Le Monde" o la free jazz "Electric Impulse from the Heart", mientras que "Water Rhythms", es el momento mas complejo y vanguardista de este magnifico álbum.

Wes Montgomery-Full House (1962)

Este mítico álbum en directo recoge la actuación de Wes Montgomery en el "Tsubo Jazz Club" de la ciudad californiana de Berkeley Hills, el 25 de junio de 1962. Montgomery para la ocasión estaba acompañado por un impresionante cuarteto  compuesto por el pianista Wynton Kelly, el contrabajista Paul Chambers, el saxofonista Johnny Griffin y el baterista Jimmy Cobb. Ese año era un momento crucial para la carrera de Montgomery, una época en la cual ya estaba considerado uno de los grandes músicos del jazz contemporáneo, y en la que lanzaría una serie de icónicos trabajos para el sello Riverside como los antológicos "The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery", "So Much Guitar!", "Fusion!" o "Guitar on the Go". Ese momento de esplendor esta claramente reflejado en este "Full House", donde con un set list de brillantes piezas como "Come Rain Or Come Shine", "I´ve Grown Accustomed to Her Face", "Blue´n´Boogie" o "Cariba", mostraban no solo el enorme talento con las seis cuerdas de Montgomery, si no también su sutil estilo jazzistico, sus edificantes composiciones y sus excelentes interpretaciones en vivo.

Al Di Meola-Electric Rendezvous (1982)

El quinto album de Al Di Meola refleja en su acertado titulo y en su magnifica portada, lo que contiene entre sus surcos de manera palpable. De alguna manera el guitarrista norteamericano en esta entrega, quiso volver a sus orígenes realizando un trabajo que en cierta medida se acerca a su época culminante ("Land of the Midnight Sun" y "Elegant Gypsy"), presentando una serie de esfuerzos de jazz rock con la estimable ayuda de Jan Hammer, Paco de Lucia, Mingo Lewis, Steve Gadd y Anthony Jackson. Esta sólida y compacta formación llevaría a realizar un perfecto lienzo musical combinando los calidos sonidos latinos "Ritmo de la Noche", con los mágicos sonidos de "Jewel Inside a Dream", ardientes jazz rock con aires blues "Black Cat Shuffle", vigorosos jazz fusión "Electric Rendezvous", densos intercambios guitarristicos con influencias flamencas entre Lucia y Meola en "Grace, Passion and Fire", intensos jazz funk con predominio de la percusión en la trepidante "God-Bird-Change", o piezas de jazz rock marca de la casa con "Cruisin".

Pavlov´s Dog-Pampered Menial (1975)

Considerada una banda de culto, Pavlov's Dog fue fundada a principios de los 70 en St. Louis en los Estados Unidos y tocaban un rock progresivo puro que combinaba  elementos de folk y hard rock.
Su debut fue el impresionante "Pampered Menial" en 1975, que es también sin duda su mejor trabajo, y que mostraba el talento de la banda liderada por el guitarrista Steve Scorfina, que junto al cantante David Surkamp, el baterista Mike Safron, el bajista Rick Stockton, los tecladistas David Hamilton y Doug Rayburn, y el violinista Siegfried Carver conformaban la banda.
En este primer álbum la banda combinó a la perfección bellas composiciones con el enorme talento de todos sus componentes. Con un inicio contundente con el tema "Julia" donde lo acústico y lo sinfónico se mezclan de manera sublime, la banda va mostrando sus diversos sonidos como "Late November" donde muestran más dureza con grandes riffs de guitarra, o la apoteósica y rítmica "Song Dance” que nos lleva a "Fast Gun", "Natchez Trace" y "Theme from Subway Sue", donde podemos comprobar los sonidos eclécticos del grupo, para terminar con el instrumental "Preludin" y el progresivo "Of Once and Future Kings", que se convierte en el colofón de uno de los grandes discos progresivos de los 70, tan digno y grandioso como las obras maestras del género de la época.

Horizont-Summer In Town (1986)

El solo hecho que las influencias occidentales fueran el germen para que una banda soviética llamada Horizont pudiera crear un lienzo musical como ellos hicieron, ya no solo es admirable sino también inverosímil. Recordemos que antes de la caída del muro de Berlín, la actual Rusia era la Unión Soviética, un país de férreo comunismo prácticamente hermético, que negaba casi cualquier cosa que viniera de fuera de sus fronteras. Más allá de estas consideraciónes políticas y cronológicas, el primer trabajo de esta formación fundada a mediados de los setenta, es una de las más fascinantes obras realizadas por un grupo tras el telón de acero. Fundada en la antigua ciudad de Gorky (hoy en día Nizhni Nóvgorod), estaba constituida por cinco músicos con estudios académicos, un dato que sin duda contribuye a las evidentes influencias de la música clásica de las composiciones que están incluidas en su primer álbum lanzado en 1986. Ellos eran Andrey Krivilev (voz y teclados), Vladimir Lutoshkin (guitarras y flauta), Sergei Kornilov (teclados), Alexey Eremenko (bajo) y Valentin Sinitsyn (batería). Un claro ejemplo de lo anteriormente dicho esta en la grandilocuente "Snowballs", casi diez minutos de majestuosos sonidos de órgano, piano, y sintetizadores de cuerda, bajo una coherente y firme sección rítmica. Ecos a grupos del rock sinfónico británico como Génesis o ELP, van y vienen, convirtiéndola en una excelente composición, que aunque sin llegar a aportar nada original, si muestra la faceta virtuosa y el ingenio de esta banda. Por otro lado aparece la hipnótica "Chacone" que envuelta en un aura de melancolía y oscuridad emana grandes ráfagas melódicas, mientras que la suite final compuesta por la epopeya que da titulo al álbum, es un corte mucho mas ecléctico, donde se dan cabida desde secciones sinfónicas, jazz y pasajes atmosféricos muy cercanos al space rock.

Brian Auger´s Oblivion Express-Closer To It! (1973)

Si con el álbum "Second Wind", Brian Auger junto a sus As Oblivion Express, se desviaría hacia derroteros mas jazzisticos, en el siguiente "Closer to It!", esa propuesta fue aún mas acusada, entrando de lleno en el jazz rock con fusiones latinas. Para este grabación el vocalista Alex Ligertwood, el guitarrista Jim Mullen y el baterista Robbie McIntosh serian sustituidos por Jack Mills (guitarra)y Godfrey MacLean (batería), mientras que repetirían Lennox Laington (congas), Barry Dean (bajo) y por supuesto el propio Brian Auger (órgano y teclados). Los sonidos del jazz fusión latino están presentes en la inicial "Whenever You´re Ready", la cual marca los argumentos musicales del resto del disco. Por una senda parecida discurren las irresistibles "Hapiness is Just Around the Bend" y "Light on the Path", mientras que la mas sofisticada y progresiva "Compared to What “, la mas previsible "Voices of Other Times” y la antológica versión de Marvin Gaye "Inner City Blues", conforman uno de los mayores y mejores aportes al jazz rock progresivo de Brain Auger. 

Chuck Mangione-Feels So Good (1977)

Chuck Mangione tardó 17 años en tener finalmente un gran éxito y el reconocimiento internacional, y fue gracias a su álbum de 1977 "Feels So Good".
Mangione había comenzado su carrera artística en 1960 lanzando álbum tras álbum con un total de ocho, todos los cuales parecían estar, a pesar de su indudable calidad, estancados en la parte inferior de las listas con poco impacto comercial.
Su carrera hasta esos momentos había sido bastante prolífica con diversas colaboraciones como los Jazz Brothers, junto a su hermano Gaspare, en distintas orquestas de jazz como Art Blakey's Jazz Messenger e incluso grabó un ambicioso proyecto con la Rochester Philharmonic Orchestra, donde quería expresar sus ideas de fusionar jazz y rock y que incluía el corte "The Hill Where The Lord Hides" con el que llamaría la atención de los aficionados al genero del jazz rock.
Cuando salió "Feels So Good", se produjo una locura colectiva hacia la música de Mangione, llegando incluso a liderar las listas de música pop y negra, algo inusual de un disco proveniente del mundo del jazz.
Pero lo más inusual fue que ganaría el premio Grammy en tres categorías diferentes; pop, jazz y rhythm and blues.
Tras este "Feels So Good", Mangione editó otros discos de gran repercusión como "Fun And Games" y la banda sonora "Los Hijos de Sánchez", ambos a finales de los setenta.

Paul Brett´s Sage-Schizophrenia (1972)

Con una carrera larga y brillantísima, Paul Brett es un afamado guitarrista que ha trabajado como músico de sesión con algunos de los grandes de la música experimental y el folk rock británico como Roy Harper, Al Stewart, Strawbs o Arthur Brown. A comienzos de la década de los setenta, Paul Brett formaría su propia banda Sage, con la cual lanzaría tres álbumes entre 1970 y 1972. Para ello reclutaría, al bajista Dick Dufall, al teclista Rob Eberhard Young, al baterista Bob Voice y al guitarrista Stuart Cowell. Mientras que sus dos primeros lanzamientos fueron una clara apuesta por los sonidos  del folk rock progresivo, con ciertos elementos de jazz y blues, en 1972 con su tercer álbum, Brett orientaría su estilo hacia el rock más convencional. En este "Schizophrenia", las melodías contagian la mayoría de los cortes del álbum como "Tale Of A Rainy Night" y "Autumn", piezas psicodélicas "Custom Angel Man" y "Slow Down Ma" o acercamientos al vanguardismo progresivo con "Take Me Back sand I Will Leave You".

Darryl Way´s Wolf-Night Music (1974)

Una vez desintegrada Curved Air, uno de sus lideres, el violinista Darryl Way formaría una nueva a la que denominaría Darryl Way´s Wolf, la cual seguiría el mismo estilo musical que la anterior. Para su creación Way reclutaría al baterista Ian Mosley, al cantante Colin Hodkinson, al guitarra John Etheridge y al bajista Dek Messecar. Con esta formación lanzaron tres álbumes enfocados al rock progresivo con fuertes influencias clásicas y jazzisticas. "Night Music" lanzado en 1974 seria el tercer y ultimo trabajo de la banda, en el cual consiguen un trabajo equilibrado instrumentalmente como queda demostrado en la vertiginosa "The Envoy", la pausada "Black September", la hard rock "Flat 2-55", o en la jazz progresiva "We´re Watching You". En este registro todos los músicos muestran sus excelencias instrumentales, pero son sin embargo las ardientes guitarras de Etheridge, la poderosa batería de Mosley y el inconmensurable talento de Way con el violín, lo más destacado de un excelente álbum del jazz rock progresivo británico.

Mushroom-Early One Morning (1973)

Mushroom fueron una banda irlandesa de folk rock que tuvieron su momento de gloria casi a mediados de los 70 con su álbum "Early One Morning", un disco que comercialmente lograría un top cinco en las listas y mas de cien mil álbumes vendidos en el Reino Unido. Formados alrededor del núcleo de instrumentistas Pat Collins (violín) y Aengus McNally (guitarra), quien junto al teclista Michael Power, el baterista Colm Lynch y el bajista Alan Brown, basaron su estilo en las melodías celtas tradicionales fusionadas con el rock y la psicodélica vanguardista. Sin llegar las excelencias de otras bandas coetáneas del folk rock como Steeleye Span o Horslips, Mushroom lograron un gran prestigio como una de las formaciones abanderas del rock celta del periodo comprendido entre 1970 y 1974. Temas puramente enmarcados en el folk tradicional adornados de música rock como "The Liathdan", “Potters Wheel”, “Devil Among The Tailors” y “Drowsey Maggie”, contrastan con composiciones más complejas como "Johnny The Jumper" o "King of Alba". Sin embargo y tristemente, mientras que Horslips o Steeleye Span lograron el reconocimiento internacional y una larga y estable carrera discográfica, Mushroom fueron victimas de su efímero éxito, un éxito que terminaría devorándolos hasta el punto de desaparecer algún tiempo después del lanzamiento de este magnifico "Early One Morning".

Midnight Sun-Midnight Sun (1971)

De procedencia danesa, Midnight Sun establecieron su estilo cargado de psicodélica y jazz en una serie de álbumes influenciados por el sonido Canterbury en los primeros años de la década de los 70. Bajo una bucólica portada de Roger Dean, en 1971 publicaron su segundo disco, este "Midnight Sun", en el cual participan Allan Mortensen (voz), Peer Frost (guitarra), Niels Brønsted (teclados), Bent Niesselmann (instrumentos de viento), Bo Stief (bajo) y Carsten Smedegaard (batería). Tomando como referencia el jazz rock de los británicos Caravan, esta formación danesa mostró su talento ofreciendo un trabajo bastante atractivo, con buenos riffs de guitarras, la vacilante voz de Mortensen y un marco instrumental de tonos alegres y psicodélicos. La psicodélica jazz rock "Living On The Hill" es el punto álgido de un entramado en donde también hay cabida para composiciones de arreglos suntuosos "Where You Going To Be", o voluminosos rock como "Nobody". Este fue sin duda su trabajo de mayor creatividad, sus posteriores "Walking Circles" (1972) y "Midnight Dream" (1974), ambos bajo las surrealistas portadas de Roger Dean, no alcanzaron las excelencias de este hábil e inteligentemente ensamblado "Midnight Sun".

Pat Metheny Group-Still Life (Talking) (1987)

"Last Train Home" es lo más destacado del disco “Still Life (Talking)" publicado en 1987 y sin duda la pieza que elevó a Metheny a la música mainstream, que saltó del disco a las sintonías de televisión y radio convirtiéndolo en un éxito en medio mundo.
Todo el mundo esbozó un gesto de reconocimiento cuando el ritmo del metrónomo de los pinceles de Paul Wertico comienza a sonar momentos antes de que la guitarra-sitar de Metheny comience a tocar una melodía inolvidable. A partir de ahí, todo es mágico y la banda se combina impecablemente desde los elegantes teclados de un Lyle Mays en estado de gracia. Una obra maestra sin paliativos que se convertiría en un clásico instantáneo.
Sin embargo, nadie duda de sus enormes trabajos anteriores, algunos de ellos pura antología del jazz fusión como “American Garage”, “As Falls Wichita, So Falls Wichita Fall”, “Travels” o “First Circle” entre otros álbumes imprescindibles, pero que sin embargo son menos accesibles para los no iniciados en el jazz.
Sería con este fantástico álbum cuando Metheny recibiría el reconocimiento del gran público más allá del ámbito de los circuitos del jazz.

Iron Maiden-Killers (1981)

El segundo lanzamiento de Iron Maiden supuso la confirmación de una banda que ya empezaba a ser tremendamente popular entre los fans del heavy metal alrededor del mundo. Con una producción más elaborada que su predecesor, sin embargo pierde la espontaneidad y la frescura del debut a cambio de unas composiciones mas sobrias y logradas, y una mayor complejidad instrumental, algo que se vería refrendado aun mas en los sucesivos lanzamientos. Esa complejidad esta presente en las vertiginosas "Purgatory", "Wrathchild" y "Twilight Zone", en la reflexiva "Murders In The Rue Morgue", en las intensas y emocionantes "Innocent Exile" y "Genghis Khan" o en la melódica "Prodigal Son". "Killers" se convertiría en todo un clásico de Iron Maiden y del heavy metal en general, además de que comercialmente cosecharía un triunfo aplastante al lograr numerosos discos de oro y platino alrededor del mundo por sus millonarias ventas.

Steamhammer-Speech (1972)

Cuarto álbum y ultimo de los legendarios Steamhammer, una formación que a finales de 1969 se integraron dentro del fértil movimiento del blues rock británico. Mientras que el debut fue un claro modelo del mejor blues de aquellos años, sus siguientes lanzamientos se enfocaron hacia un terreno más jazzisticos con elementos de rock progresivo. En 1972 esta formación compuesta por el guitarrista y voz Martin Pugh, el bajista Louis Cennamo y el baterista Mickey Bradley, que junto con las colaboraciones de los componentes de Renaissance, Keith y Jane Relf y el cantante Garth Watt-Roy grabaron el cuarto y ultimo registro de Steamhammer. En esta cuarta entrega titulada “Speech”, la banda se decantaría por un estilo mas cercano al hard rock siniestro como queda demostrado en la aterradora suite "Penumbra", un corte que deja en pañales a todas las bandas de black metal de los ochenta y noventa. En una onda parecida llegan el blues rock vertiginoso "Telegram" y la extravagante "For Against", la cual incluye un largo y hasta cierto punto tedioso solo de batería. Pese al sonido pesado y enojado de hard rock, este trabajo se convirtió en su propuesta más progresiva con unas canciones enmarañadas y de una instrumentación compleja y dificultosa.

IQ-Are You Sitting Comfortably ? (1989)

Tras dos de las obras magnas del neo progresivo, "Tales from the Lush Attic" (1983) y "The Wake" (1985), la banda británica IQ, abordaría los sonidos mas accesibles del pop sofisticado publicando el tercer álbum "Nomzamo" (1989) y el continuista estilísticamente hablando, "Are You Sitting Comfortably" de varios años mas tarde. Sin embargo a pesar de contener un sonido más pop, también es cierto que aún las dimensiones progresivas siguen estando presentes en la estructura musical final del disco. Un álbum que muestra la sensacional voz de Paul Menel, el cual esta inconmensurable con ese estilo vocal oscuro y lúgubre, en un set list compuesto por canciones con dinamismo, equilibrio y tremendamente pegadizo. Igualmente el trabajo del guitarrista Mike Holmes vuelve a mostrar esa delicadez acústica con sus brillantes arpegios. Por otro lado siguen siendo los teclados de Martin Orford los impulsores con sus futuristas y progresivas notas en donde sobresalen el instrumental "Nostalgia", la oscura "Falling Apart at the Seams", la hipnótica "Nothing at all" o las siniestras "Drive On" y "Sold on You". Después de este cuarto lanzamiento, el cantante Paul Menel abandonaría la nave, dejando tras de si una brillante obra, que sin embargo fue altamente discutida por sus fans mas ortodoxos. Cuatro años mas tarde IQ volverían a la senda vanguardista lanzando el excelente "Ever", con el cual para la alegría de su amplia masa de fans, recondujeron su camino discográfico.

Blackwater Park-Dirt Box (1972)

Otra de las bandas alemanas que sucumbieron muy pronto en el mundo del rock fueron Blackwater Park, que pese a publicar un notable álbum de hard rock progresivo, lamentablemente no tuvieron el beneplácito comercial ni mediático en su época. Fundada en Berlín casi a finales de 1971, su formación original estaba comprendida por los guitarristas y voz, Richard Routledge y Michael Fechner, el baterista Norbert Kagelmann y el bajista Andreas Scholz. Gracias al sello germano BASF, grabaron su único registro en 1972, este "Dirt Box", en el cual muestran sus preferencias musicales orientadas hacia el hard rock, en donde los crudos riffs de las guitarras incisivas, un esporádico órgano Hammond y un trasfondo progresivo con tintes psicodélicos, impulsan bajo un marco melódico y pegadizo una serie de meritorias canciones. Ese vanguardismo progresivo y psicodélico esta presente en "Rock Song", mientras que las pesadas "Roundabout", la psicodélica "One´s Life", la bluesy "Indian Summer" o la melódica rock "Mental Block", conforman un muy buen trabajo que pasaría totalmente desapercibido hasta muchos años después, cuando la banda sueca de metal progresivo Opeth, les rescataría del olvido titulando su quinto álbum en su honor "Blackwater Park" (2001).

Lindisfarne-Back And Fourth (1978)

Lindisfarne es una de las grandes bandas de folk rock británico que en 1971 lograron con su segundo álbum "Fog On The Tyne" colocarlo en el ranking como disco más vendido en el Reino Unido.
Formado originalmente en 1968 por el vocalista y guitarra Alan Hull, el vocalista Ray Jackson, armónica y mandolina, Simon Cowe, teclados, guitarra y mandolina, Rod Clements bajo y Ray Laidlaw a la batería.
Con un estilo que resaltaba la sensibilidad y las suaves melodías del folk británico sacaron algunos de los mejores discos del género durante los 70.
En 1978 editan su sexto disco "Back And Fourth", con el que conseguirían volver a sus raíces perdidas en sus dos discos anteriores y realizar un precioso trabajo donde destaca la hermosa "Run For Home", una de las mejores baladas británicas de todos los tiempos, o la alegre "Juke Box Gypsy", el country folk "Warm Feeling", el pop folk "Woman", el folk blues "Kings Cross Blues" el rock "Get Wise" o el folk rítmico "You And Yo".

Gwendal-Gwendal (1974)

Gwendal son una legendaria banda francesa que fusiono sabiamente las influencias celtas y bretonas con el jazz y los elementos del rock. Su creador seria el saxofonista y flautista Youenn Le Barre, quien a lo largo de muchos años fue junto al bajista Roger Schaub y al guitarrista Jean-Marie Renard, los principales integrantes permanentes de esta banda gala. En 1974 saldría a la venta su primer disco, "Gwendal", en donde los ritmos y las influencias folclóricas de Irlanda y la música medieval eran notorios. En este primer lanzamiento instrumentos como el violín o la flauta son los principales impulsores de un estilo netamente tradicional. Sin embargo para entonces otros artistas como The Horslips, Alan Stivell, Gryphon o Clannad, ya habían experimentado esa ecléctica fusión entre lo tradicional y el vanguardismo, publicando algunos fundamentales trabajos que eclosionarían en el mundo de la música moderna. Pese a contener un filosofía musical aún por definir, en este debut muestran interesantes aportes creativos como la rítmica "An Dro-Nevez", la reflexiva "Planxty-Birke", la interesante "Patrick´s Day" o la minimalista "Deu Tu Ganene". A partir del tercer álbum, "Á Vos Désirs" (1977), incorporaron al baterista Arnaud Rogers, un instrumento que ampliaría la paleta de colores musicales de Gwendal, dando un aporte más profundo y jazzistico a su rico y peculiar estilo.

Magnum-On A Storyteller´s Night (1985)

Con una portada que refleja perfectamente la música que contiene, el quinto álbum de los británicos Mágnum. “On A Storyteller´s Night”, se convirtió en una de sus mejores obras, reflejando perfectamente su adictivo estilo que combinan la épica, el rock melódico y las estructuras progresivas de manera brillante. Repleto de grandes pasajes de teclados, cortesía de Mark Stanway, las poderosas guitarras hard rock de Tony Clarke y de la impresionante voz de su cantante Bob Catley. Desde la enérgica "Just Like An Arrow", hasta la melódica "The Last Dance", pasando por la contagiosa "Endless Love", la AOR "Two Hearts" o la épica y gloriosa "Haw Far Jerusalem", Magnum mostraba su gran diversidad musical facturando desde álbumes semi progresivos "Chase The Dragon" o "Wings Of Heaven", hasta claras concesiones al rock melódico de alta calidad como "The Eleventh Hour", "Vigilante" y "Goodnight L.A."

The Box Tops-The Best Of (1976)

Procedentes de Memphis, The Box Tops, fueron uno de los grandes protagonistas de los sesenta con hits mundialmente famosos como “The Letter” y “Cry Like a Baby”.
Formados en la primera mitad de los sesenta por Alex Chilton, Gary Talley, John Evans, Bill Cunningham y Danny Smythe, tuvieron en su primer single publicado, el éxito masivo en USA y el Reino Unido, “The Letter” (1967), que se coloco en lo más alto de las listas de éxito, donde se mantuvo durante cuatro semanas y vendió mas de cuatro millones de copias, recibiendo dos nominaciones para los premios Grammy.
Tras este éxito monumental, el productor comienza a utilizar músicos de estudios para acompañar a Chilton, el integrante del grupo con verdadero talento, con esta decisión los guitarristas de la banda deciden abandonarla. Ambos son sustituidos por dos nuevos y después de grabar los temas “Neon Rainbow” y ”Everything I`am”, el álbum pasa sin pena ni gloria.
Un año después en 1968 vuelven a las listas de éxitos con “Cry Like A Baby” y ”The Door You Closed To Me”, que se colocarían en las listas pop en el segundo lugar y venden mas de un millón de copias.
Después de un par de temas de poca resonancia como “Choo Choo Train”, ”Fields Of Clover”, “I Met Her In Church” o ”People Gonna Talk”, Chilton se siente insatisfecho con los resultados y decide grabar sus propias composiciones y algún tiempo mas tarde y después de un cuarto LP y otros temas con poca relevancia, el grupo deja de existir en 1970, sin embargo en 1971 la compañía publicará canciones que habían quedado grabadas pero no habían salido al mercado oficialmente.
Después de la disolución de la banda, Alex Chilton pasaría a formar parte del grupo Big Star, una de las bandas mas destacadas dentro del power-pop rock underground de los 70.

Earth, Wind & Fire-" The Best of Earth, Wind & Fire, Vol1" (1978)

Earth Wind & Fire consiguió convertir cualquier canción que compusieran en un auténtico himno para toda una generación, ya fuera funk, rock, soul, disco o R&B, además de ser una de las bandas más exitosas de todos los tiempos con cerca de los 100 millones de discos vendidos y habiendo sido nominados diecisiete veces a los premio Grammy, obteniendo seis de ellos y un sinfín de reconocimientos más.
En 1978, con sólo siete álbumes publicados, se lanzó el recopilatorio "The Best of Earth, Wind & Fire, Vol. 1", que obtendría un éxito arrollador con más de 6 millones de copias vendidas, gracias a una impresionante colección de grandes canciones como "Got to Get You Into My Life", "Fantasy", "Love Music", "Getaway", "September" o "Sing a Song".
La banda continuará publicando trabajos hasta 2014, cosechando éxito tras éxito como los álbumes millonarios "I Am" (1979), "Faces" (1980), "Raise!" (1981) o "The Essential" (2002).

Mezquita-Recuerdos de mi Tierra (1979)

Bajo el embrujo de la mezcolanza de las culturas árabes y castellanas, surgiría una de las más formidables bandas del rock progresivo español. Nacida unos años antes de que España se liberara de un régimen autoritario que de alguna manera restringía las expresiones artísticas de los grupos españoles, Mezquita se fundo en la emblemática ciudad de Córdoba, un lugar mágico en donde los árabes tenían un impresionante bastión islámico en medio del gran imperio español. Una banda que estaba compuesta por José Rafael García (guitarra), Randy López (bajo), Rosca López (teclados) y Rafael Zorrilla (batería). No seria hasta finales de la década de los 70 cuando Mezquita publicaron su primer larga duración "Recuerdos de mi Tierra", en donde muestran su amplio patrimonio cultural reflejado en una música repleta de virtuosismo instrumental con fascinantes guitarras flamencas y españolas, ardorosos sonidos de Mellotrón, y una base melódica tradicional folclórica, todo ello bajo un estilo que fusiona el jazz rock, el flamenco, y las habituales exigencias del rock progresivo.

Barclay James Harvest-Live Tapes (1978)

"Live Tapes" es el segundo álbum en directo de Barclay James Harvest, el cual fue lanzado cuatro años después del primero lanzado en 1974 "Live". En este doble álbum es el teclista Wolly Wolstenholme quien con un arsenal de teclados entre los que se encuentran el organo Hammond C3, el Mellotron, o los sintetizadores Arp Pro y Minimoogs , el protagonista absoluto logrando crear unas grandes atmósferas melódicas y unos impecables sonidos armónicos, que junto a la voces emocionantes, las apasionadas guitarras de John Lees, y los apoteosicos e intensos pasajes instrumentales, son lo mas destacado de este directo. Con un repertorio que tiene mucho mas vigor y poderío que sus homónimas de estudio, aquí aparecen piezas tan icónicas en la carrera del grupo como la emocionante "Suicide", la suntuosa "Mockinbird", la atmosférica "Child Of The Universe", la conmovedora "For No One", o las atractivas "Hymn", "Rock´n´Roll Star" o "Hard Hearted Woman".

Brenda Russell-Get Here (1988)

Conocida por su ecléctico estilo, Brenda Russell siempre se mantuvo entre los géneros del soft pop, el soul y el jazz.
Además de una gran cantante y teclista, Brenda Russell es también una gran compositora, que aparte de componer sus propias canciones también ha trabajado para otros grandes como Joni Mitchell, Stevie Wonder o Aretha Franklin entre otros muchos artistas de renombre internacional.
Se inició musicalmente con el dúo Brian and Brenda, publicando varios trabajos para el sello de Elton John, Rocket a mediados de la década de los 70
Después de publicar media docena de álbumes en solitario sin demasiado éxito, en 1988 publicó el que a la postre sería su mejor trabajo, "Get Here", el cual contenía el éxito y nominado a varios Grammy, "Piano in the dark".
"Piano in the dark", es una soberbia canción jazz con fuertes influencias pop y se convirtió en una de las mejores y mas recordadas de la década de los ochenta.

Steeleye Span-All Around My Hat (1975)

"All Around My Hat" supuso la perfecta síntesis del estilo germinal de Steeleye Span, mezclando su folk con el rock mas accesible y comercial, sustituyendo de manera sutil su habitual fusión entre folk artístico y el folk tradicional de sus anteriores obras, principalmente de sus predecesores "Now We Are Six" (1974) y "Commoners Crown" (1975). Para este nuevo álbum, curiosamente lanzado meses después del anterior "Commoners Crown", la formación liderada por el dúo Maddy Prior y Tim Hart (voz y guitarras respectivamente), expande sus horizontes musicales hacia los terrenos del rock con influencias folk, destacando los poderosos riffs de la guitarra eléctrica de Bob Johnson. Con un repertorio cargado de atrayentes canciones como "All Around My Hat", "Gamble Gold", "Hard Times Of Old England", "Sun Waves" o "Dance With Me", con este álbum, el octavo cronológicamente del Steeleye Span, obtendrian su mayor logro comercial, consiguiendo un disco de oro en las listas británicas y unas ventas considerables fuera del Reino Unido.

Boomerang-Boomerang (1971)

De las cenizas de los míticos Vanilla Fudge surgieron varias bandas; Cactus y Boomerang, la primera de ellas liderada por el baterista Carmine Appice y el bajista Tim Bogert, mientras que el teclista Mark Stein seria el núcleo principal de la segunda. Para formar Boomerang, Stein reclutaría varios músicos desconocidos, empezando por el guitarrista Richard Rameriz, el bajista Jo Casmir y el baterista James Galluzi. Su único lanzamiento es el homónimo "Boomerang", un aceptable trabajo de hard rock pesado que bebía de las fuentes sonoras de otras formaciones coetáneas como los propios Vanilla Fudge, Led Zeppelin o Steppenwolf, pero con uno claro trasfondo psicodélico. Los pesados riffs de la guitarra de Rameriz, el denso órgano de Stein y el ritmo polvoriento cercano al southern rock es el denominador común de un disco que a pesar de contener un meritorio repertorio fracasaría estrepitosamente lastrado por el éxito de sus ex-compañeros de Cactus. Temas contundentes de hard rock como "Cynthia Fever", "The Peddler" o "Juke", la country rock "Hard Time", la boogie bluesy "Mockinbird", la atractiva southern rock "Fisherman" o la melódica balada "Brother´s Comin´Home", tienen el crédito suficiente para que este lanzamiento hubiera tenido un mayor reconocimiento mediático y comercial.

 

Badger-One Live Badger (1973)

Badger fue una efímera banda fundada por uno de los fundadores de Yes, Tony Kaye, quien lanzó dos álbumes a principios de la década de 1970.
La historia nos dice que Tony Kaye fue despedido de Yes poco después de la primera gira norteamericana de la banda en 1970. Las diferencias con el resto del grupo habían aumentado con la entrada de Steve Howe. El relevo, como todos saben, fue Rick Wakeman.
Luego de su aventura con Peter Banks en "Flash", Tony Kaye forma Badger junto con el bajista y vocalista David Foster quien había coincidido con Jon Anderson en "The Warriors" y luego colaboró ​​en algunas canciones de Yes. Como baterista tenemos a Roy Dike (Ashton, Gardner y Dyke) y como guitarrista a Brian Parrish (Parrish & Gurvitz). Su primer álbum, "One Live Badger", fue lanzado en 1973 y para su segundo LP, "White Lady" (1974), la banda se había reestructurado con la entrada del bajista Kim Gardner, el guitarrista Paul Pilnick (Stealers Wheel) y el cantante Jackie Lomax.
Su primera grabación fue grabada en vivo en el Rainbow Theatre de Londres en 1972. El grupo estaba teloneando precisamente a Yes y la compañía discográfica que compartían estaba grabando lo que luego sería el famoso álbum triple "Yessongs".
El álbum fue coproducido por Jon Anderson y Geoffrey Haslam y la realización de la portada fue obra de Roger Dean. En cuanto a su música tenemos rock progresivo mezclando los sonidos de típicos de Yes, Manfred Mann e incluso la Barclay James Harvest, en donde sobresalen el gran trabajo de Tony Kaye, especialmente con el Hammond y el del guitarrista Brian Parrish.

Ornette Coleman & Prime Time-Dancing In Your Head (1976)

Ornette Coleman no necesita ninguna presentación, el es una leyenda indiscutible del jazz, con una impresionante carrera que abarca desde los años 50, cuando publicaría sus primeros discos, hasta casi finales de los noventa cuando lanzaría su ultimo álbum en estudio. Coleman fue un talentoso músico que hizo del saxo su vida personal y espiritual. Su estilo no era muy fácil de asimilar para el gran público, estilos que oscilan entre el free jazz y el avant jazz, géneros muy alejados de los sonidos accesibles y parsimoniosos del jazz convencional y que sobre todo a finales de los 60 y en la década de los 70 inundaban la mayoría de registros publicados. A principios de 1976 Coleman lanzaba su decimoquinto disco, este "Dancing in Your Head", en el cual contaría con uno de sus sextetos mas famosos, el conocido como Prime Time. Este cuarteto estaba formado además del propio Ornette Coleman, por Charles Ellerbee, Bern Nix, Rudy MacDaniel, Robert Palmer y Ronald Shannon. En esta entrega además de las guitarras solistas interpretadas por Ellerbee y Nix, sobresale el refrescante sonido del saxo de Coleman, mientras que Robert Palmer añade un rico y embriagador clarinete en las piezas mas cortas. Sin llegar a sus excelentes obras de las décadas de los cincuenta y sesenta, como "Something Else!!", "The Shape of Jazz to Come", "This Is Our Music" o "Ornette on Tenor", "Dancing In Your Head" es una gran adición de free jazz, y como consecuencia, a los sonidos mas vanguardistas del jazz.

Fischer-Z-Red Skies Over Paradise (1981)

Fischer-Z fueron una de las bandas de post punk y new wave más exitosas y conocidas de principios de los años 80. Formada en 1977 por el guitarrista y activista John Watts, junto a David Graham (bajo), Steve Liddle (batería) y Steve Skolnik (teclados). Este cuarteto se labró una gran reputación durante varios años en el circuito de clubs y pub´s de Londres, gracias a su mezcla de punk rock y synth pop con elementos del pub rock y los ritmos del ska y el reggae. Con un contrato bajo el brazo con el sello United, publicaron su primer álbum a mediados de 1979 titulado "World Salad", en donde sobresalían los mordaces temas políticos de la época y un estilo de basico pop rock atractivo y pegadizo. Con el siguiente larga duración "Going Deaf For A Living", Watts consolidaba el estilo del grupo estableciendo con firmeza su música para transmitir sus ideas políticas en los cortos relatos de sus canciones. En estos dos primeros álbumes sobreseían sarcásticas canciones como "Pretty Paracetamol", "The Worker", "So Long" o "Room Service". Con "Red Skies Over Paradise", su tercera entrega, muestran desde la irónica portada, unas claras referencias políticas a la guerra fría entre los países capitalistas y el comunismo. Esa irónica narrativa están presentes en canciones como "Battalions of Strangers" y "Cruise Missiles", las cuales contrastan con melancólicas piezas de amor como la conmovedora "Marliese". Con este ultimo disco, Fischer-Z lograban su mejor obra creativa y comercial, logrando vender mas de un millón de copias y de paso se convertiría en su epitafio. Poco después, John Watts daba por finiquitada la banda, al menos durante seis largos años cuando volvería a reflotarlos con nuevos miembros, pero mostrando sus habituales y contundentes mensajes políticos, mezclados con otras canciones de índole mas recurrentes. 

Seventh Key-Seventh Key (2001)

A principios del año 2000, el bajista Billy Greer, ex miembro de la segunda época de Kansas y el guitarrista Mike Slamer, ex componente de la banda liderada por Steve Walsh Street, fundarían Seventh Key, una formación que navegaba entre el rock melódico y el hard rock. Apenas comenzado el año 2001 lanzaron su álbum debut, en el cual además de los teclistas David Manion e Igor Len y con el añadido del baterista Chet Wynd, también participaron algunos miembros del mencionado Kansas como Phil Ehart, Steve Walsh, Steve Morse y Rich Williams. En este primer álbum los riffs de las guitarras hard rock de Slamer, Morse y Williams, son junto a los rellenos de teclados de Manion y las irresistibles armonías vocales cortesía de Greer y los cantantes Terry Brock y Steve Walsh, el denominador común de la mayoría de los cortes aquí incluidos. Desde atractivos medios tiempos como "Only The Brave", "Missy", "Surrender" o "When Love Is Dying", hasta pegadizos lienzos AOR "Everytime It Rains" y "Forsaken", pasando por las enérgicas "The Kid Could Play" o "Prisioner of Love", conforman entre todas ellas un excelente trabajo muy considerado por los seguidores del rock orientado hacia adultos, que tendría una brillante continuidad varios años mas tarde con "The Raging Fire".

Todd Rundgren-Initiation (1975)

Probablemente este sea el trabajo mas progresivo de Todd Rundgren en solitario, para muchos una de las obras cumbres del vanguardismo, que ofrece entre sus surcos desde piezas enérgicas hasta asombrosos ejercicios instrumentales de teclados y guitarras. Publicado en 1975, "Initiation" seria su sexto álbum alejado de su banda Utopia, en el cual el guitarrista y productor se rodearía de un amplio abanico de colaboradores entre los que se encontraban Edgar Winter, Rick Derringer, David Sanborn, Dan Hartman, Rick Marotta o Roger Powell entre otros. Confeccionado con una insólita duración de cerca de 70 minutos, Rundgren fue capaz de grabar en una cara del vinilo original, un repertorio dos veces mas largo que casi cualquier otro registro lanzado en su época. Un álbum que si bien hay varias canciones de clara sintonía rock convencional, también contiene muchos momentos progresivos y experimentales. La pesada "The Death of Rock and Roll", y "Eastern Intrigue”, son quizás las pistas mas peculiares entre todas esas convencionales, las cuales contrastan con la agradable "Real Man" o la extravagante "Born to Synthesize", una canción a capella cantada por el propio Todd. Sin embargo las extensas "Initiation", "Fair Warning" y sobre todo la alucinante suite instrumental "A Treastise On Cosmic Fire", los momentos mas álgidos de este sorprendente registro del rubio guitarrista de Pennsylvania.

Blueset-Rock Machine (1974)

Blueset fueron otra de esas oscuras y efímeras bandas que solo pudieron lanzar un álbum a mediados de los 70, para posteriormente desaparecer en la oscuridad del tiempo. Fundados en Södertälje, Suecia, su único lanzamiento es otro de los álbumes de coleccionismo debido a su limitada tirada original. Su alineación en formato de power trio estaba compuesto por el guitarrista Kenth Long, el bajista Mikael Olofsson  y el batería Claes Jansson. Su único registro fue "Rock Machine", un álbum en donde su principal sonido esta enfocado al hard blues rock fusionado con elementos psicodélicos pesados. La extensa tour de force "Vibrator I Folkton (Suite)" una hipnótica pieza instrumental de descomunal hard rock y blues rock contundente y vibrante, las pesadas rock and roll "Rock Machine" y "Whiskey", la boogie blues "Let´s Boogie" o la polvorienta "Look At Me", son lo mas destacado de este meritorio esfuerzo discográfico de esta magnifica formación sueca.

Kenny Rogers-The Gambler (1978)

Para cuando Kenny Rogers publico el disco "The Gambler" en 1978, su quinto disco cronológicamente hasta esa fecha, ya era un experimentado músico country con varios éxitos a sus espaldas, sus obras "Kenny Rogers" (77), "Daytime Friends" (77 ) y "Love or Something Like it" (78) habían alcanzado la cima de las listas, obteniendo varios discos de platino por sus ventas.
Kenneth Ray "Kenny" Rogers nació en Texas en 1938, su infancia transcurrió en uno de los sectores más pobres de la ciudad de Houston, y comenzó su carrera a los 20 años, interpretando canciones de otros cantantes de la época.
En 1966 formó parte de un grupo folk llamado The New Christy Minstrels. Además de Kenny, los aún desconocidos Gene Clark y Kim Carnes estaban activos en el grupo. Al año siguiente, Rogers y algunos miembros dejaron la banda para formar The First Edition, que luego adoptaría el nombre de Kenny Rogers & the First Edition.
Con esta banda tuvo algunos éxitos que funcionaron bien en las listas de éxitos del pop y del country como 'Ruby, don't take your love to town', 'Reuben James' o 'Something's burning'.
En 1975 Kenny Rogers disolvió el grupo y comenzó una carrera en solitario, logrando en 1977 el éxito que lo catapultó a la fama internacional con 'Lucille'. El tema fue el número uno en muchos países vendiendo más de cinco millones de copias.
Otro de sus grandes éxitos country fue la canción "Coward of the County". En 1979, su balada romántica "She Believes in Me", lo consagra no solo como cantante de country, sino también como un sólido intérprete romántico en las listas de éxitos de todo el mundo. En 1980 con "Lady" obtuvo fama mundial y la confirmación de ser una gran estrella de la música, también ganó un premio Grammy.
Con este nuevo álbum Rogers inaugura su propio estilo característico, también se inició como actor en películas y series de televisión.
A partir de 1978, su carrera alcanzó niveles muy altos de popularidad en todo el mundo con 'The Gambler' (1978), 'Coward and the County' (1979), 'Lady', su primer número 1 en las listas de éxitos (1980), 'We 've tonoght' (1982) y junto a Sheena Easton, el álbum 'Crazy' (1985).
En 1980 protagonizó una serie de televisión y varias secuelas basadas en dos de sus canciones: 'The Gambler' y 'Coward of the County', que mantuvieron su popularidad en la década de 1990 a pesar de que sus grabaciones ya no tenían el mismo impacto en las listas de ventas. Continuó cosechando el número 1 en las listas de éxitos del Estados Unidos con canciones como 'Morning desire' (1985), 'Tomb of the unknown love' (1986), 'Make No Mistake, She´s mine' (1987, con Ronnie Milsap y nuevamente en el 2000 con 'Buy me a Rose' con Alison Krauss y Billy Dean.
Hoy en día Kenny Rogers es considerado una leyenda en Norteamérica y se refleja en múltiples premios que ha ido cosechando durante cuatro décadas.

Judas Priest-Defenders Of The Faith (1984)

Considerado por sus fans mas ortodoxos como uno de los últimos gran eslabones de Judas Priest, "Defenders of the Faith" continuaba la senda triunfal de sus predecesores álbumes "British Steel" (1980), "Point of Entry" (1981) y "Screaming for Vengeance" (1982). En esta nueva ocasión la banda incluso transforma su visceral estilo en un agresivo heavy metal, con infinidad de pirotecnias instrumentales impulsados por sus dos despiadados guitarristas K.K.Downing y Glenn Tipton y secundados por las vertiginosa sección rítmica compuesta por el bajista Ian Hill y el baterista Dave Holland. Mención aparte son las infinitas voces de un sublime Rob Halford en un estado de forma inconmensurable. Trepidantes heavy metal como "Freewheel Burning" o "The Sentinel", son junto a las descarnadas "Jawbreaker", "Rock Hard Ride Free", "Love Bites", "Some Heads Are Gonna Roll" o "Heavy Dute", el alucinante repertorio de uno de los discos imprescindibles de la historia del heavy metal.

Herbie Hancock-The Herbie Hancock Group: Head Hunters (1973)

Una vez Herbie Hancock dio por acabada su aventura que comprendería su época "Mwandishi", (básicamente una fusión entre el free jazz, el jazz modal y los sonidos tribales), volvería a un estilo jazzistico mas convencional repleto de funk publicando "The Herbie Hancock Group: Head Hunters". Para ello Hancock recuperaría su banda Sextant, entre los que se encontraban Bennie Maupin, Paul Jackson, Harvey Mason y Bill Summers. Compuesto por cuatro extensos cortes, desde la inicial "Chamaleon", Hancock nos deja claro que el material aquí expuesto dista bastante con lo anteriormente publicado, un tour de force en clara sintonía de jazz funk, las referencias al jazz rock de "Bitches Brew" esta representada en la dinámica "Sly" y en la etérea atmosférica "Vein Melter", mientras que la jazz fusión "Watermelon Man", pone el momento mas accesible de todo el álbum. Este "Head Hunters" es junto a obras como "Crossings" (1972), "Sextant" (1973), "Thrust" (1974), "Man-Child" (1975) o "Mr. Hands” (1980), el pináculo creativo de uno de los grandes pianistas del jazz rock de la historia.

Barclay James Harvest-XII (1978)

El noveno álbum de los británicos Barclay James Harvest, supuso el último en donde contarían con su teclista principal y uno de los fundadores de la banda, Wolly Wolstenholme, que abandonaría por discrepancias musicales con el resto de la formación. Así mismo seria el último trabajo en el cual utilizarían el Mellotrón, sustituyéndolo en adelante por los sintetizadores mas vanguardistas. Pese a que "XII" es un disco mas armónico y compensado que el anterior "Gone To Earth", también es cierto que no contiene cortes tan populares y adictivos como "Hymn", "Love Is Like A Violin", "Poor Man´s Moody Blues" o "Sea Of Tranquility", que si aparecían en el lanzamiento anterior. Es sin duda el tema "Berlín", una clara oda a la ciudad germana dividida en aquellos tiempos por el muro de Berlín, el momento más emotivo, todo un tremendo éxito en Alemania y en el resto de Europa. Por otro lado el solidó rock "Fantasy: Loving Is Easy" se convierte en el único contrapunto a un álbum repleto de bellas melodías de soft rock como "Classics: A Tale of Two Sixties", "Turning In Circles" o "Sip Of Wine", mientras que la vena progresiva aparece en las majestuosas "Science Fiction: Nova Lepidoptera" y "In Search Of England", para acabar con la agradable "Fiction: The Streets Of San Francisco", inspirada en la famosa serie policíaca norteamericana de los 70. Como en todos los anteriores registros, este volvería a inundar las listas de éxitos en Alemania y el centro y norte de Europa, lugares en donde la banda aglutinaba una amplísima legión de fans.

Electric Light Orchestra-Secret Messages (1983)

El sucesor del futurista y antológico "Time", fue el décimo álbum de la Electric Light Orchestra titulado "Secret Messages", el cual se convirtió en otro esplendido trabajo repleto de la sofisticación y la clase habitual en las composiciones de su líder Jeff Lynne. Grabado con la misma formación que sus anteriores álbumes (Jeff Lynne, Richard Tandy, Bev Bevan y Kelly Groucutt), mas la inclusion de Louis Clark, Dave Morgan y Mik Kaminski, Lynne elegiría esta vez unos estudios de grabación ubicados en Holanda, mas concretamente en la ciudad de Hilversum, al norte del país. Al contrario que el anterior álbum que estaba inundado de los sonidos de los sintetizadores que ambientaban la historia conceptual de ese disco, en esta entrega Lynne tira de melodías pop rock impulsadas por las guitarras bajo una producción excelente, en donde la música ejecutada elegantemente se torna atractiva y sugestiva. Ahí están para corroborarlo desde hermosas baladas como "Take Me On and On", "Stranger" o "Letter From Spain", hasta las galopantes piezas rock "Danger Ahead", "Four Little Diamonds" o "Rock ´n´ Roll is King", pasando por cautivadoras canciones como "Train Of God" o "Loser Gone Wild".

Skagarack-Hungry For A Game (1988)

Herederos del mejor rock melódico creado en el norte de Europa, los daneses Skagarack se reivindicaron como la perfecta alternativa a otras bandas escandinavas del género como Europe, Alien o Treat. Formados a mediados de los ochenta, su núcleo estaba compuesto por Alvin Otto (batería), Torben Schmidt (voz), Jan Petersen (guitarra), Tommy Rasmussen (teclados) y Morten Munch (bajo). Su álbum debut fue toda una declaración de intenciones, en el cual las armoniosas voces, las cautivadoras melodías y sus poderosos riffs de guitarras les abrieron las puertas del olimpo del metal melódico escandinavo. Dos años mas tarde publicaron su segunda entrega, este "Hungry For A Game" que bajo la discográfica Polydor volvían a dejarnos un excelente trabajo de grandes melodías, poderosos cortes hard rock y unas emotivas canciones bajo unos inolvidables estribillos. Desde la genial pieza que da titulo al álbum, una irresistible canción de grandes estribillos vocales, hasta la contagiosa "Joanna", la banda danesa muestra su increíble facilidad para crear potenciales hits de rock melódico como también muestran las arrolladoras "Somewhere In France", "Boys" o "Always In a Line", sin olvidarnos de la preciosista balada "This World".

The Don Harrison Band-The Don Harrison Band (1976)

The Don Harrison Band fueron un efímero grupo popularmente conocidos en Norteamérica por albergar dos de los famosos componentes de la Creedence Clearwater Revival como son el bajista Stu Cook y el baterista Doug Clifford. Junto al guitarrista Don Harrison y al también guitarrista Russell DaShiell, formaron en 1975 The Don Harrison Band, publicando los álbumes "The Don Harrison Band" en 1976 y "Red Hot" al año siguiente, ambos bajo la Atlantic Records. Es sin duda el debut homónimo, su mejor registro, un álbum en donde resuenan de manera bastante sutil los aires del country rock, el rock pantanoso y el rhythm and blues de los mencionados Creedence. En este primer registro sobresalen canciones como la swamp rock "Sixteen Tons", sin duda la muestra mas palpable del sonido Creedence junto a la divertida "Romance", la sureña "Who I Really Am", la rock and roll "Rock and Rooll Records", la folky "Fame and Fortune", la blues rock "Sometimes Loving You" o la melódica "Living Another Day". La buena recepción comercial del álbum les supondría telonear a los mismísimos The Rolling Stones en el Festival de Knebworth de 1976. Después del segundo álbum, la banda se desintegraría definitivamente, pasando Cook y Clifford a engrosar los Southern Pacific, para posteriormente reactivar su antigua banda bajo la denominación de Creedence Clearwater Revisited pero sin los hermanos John y Tom Fogerty.

Nova-Blink (1975)

Gratamente recordados por los seguidores españoles del jazz rock progresivo de los 70, Nova fue una banda italiana surgida a raíz de la unión de varios integrantes de otras formaciones trasalpinas como Osanna y Cervello. Ellos eran los guitarristas Corrado y Danilo Rustici, que junto al saxofonista Elio D´Anna formaron esta banda a mediados de los setenta en Londres. Durante los años 1975 y 1978 publicaron cuatro magníficos discos enfocados a las extensas improvisaciones progresivas orientadas al jazz. Dadas las excelencias instrumentales de sus componentes y su prestigio, pronto lograrían que la Arista Records les financiara su primer álbum aparecido en 1975 bajo el titulo de "Blink". En esta primera entrega además de los mencionados Corrado y Danilo Rustici y D´Anna, participan el bajista Luciano Milanese, el baterista Franco Lo Previte y el percusionista de Brand X, Morris Pert. Compuesto por una ecléctica fusión de estilos que van desde el jazz rock, hasta los suntuosos ritmos funk y el intenso blues rock, todo ello bajo grandes pasajes instrumentales. Desde contundentes jazz rock con un trasfondo blues "Tailor Made", hasta sólidos ejercicios de rock clásico y pesado “Something Inside Keeps You Down", animosos jazz fusión con ritmos funky "Nova" o "Toy", o vertiginosos blues rock "Stroll On", componen un álbum que pese a no contener la consistencia de sus lanzamientos posteriores, muestra los dispares estilos guitarrísticos de sus dos lideres y el contundente poderío de la sección rítmica, que junto a unas líneas musicales creativas, convierten a este primer trabajo de Nova en toda una gran experiencia auditiva de jazz rock progresivo de alto nivel.

Hannibal-Hannibal (1970)

El brass rock no fue un estilo exclusivamente americano, de otras partes del mundo también surgieron formaciones que fusionaron el jazz con el rock, la música clásica, el blues y el progresivo con peor suerte mediática y comercial, que las bandas abanderas del genero como las norteamericanas Chicago Transit Authority, Blood Sweat and Tears, If, A.B. Skhy o Dreams. Hannibal fue una de esas formaciones que surgió a remolque de las mencionadas y fue creada en la ciudad de Birmingham en Inglaterra a finales de los 60. De efímera historia, solo publicaron un álbum en 1970, en el cual participaron Alex Boyce (voz), Adrian Ingram (guitarra), Bill Hunt (órgano Hammond), Cliff Williams (saxo tenor y clarinete), Jack Griffits (bajo) y John Parkes (batería). Con un estilo basado en elaboradas composiciones que navegan entre el blues rock y el jazz rock, esta banda lograría crear un excelente repertorio en donde sobresalían la jazz vanguardista "Winter", las blues rock-jazz "Wet Legs" y "Look Upon Me", la hipnótica y psicodélica  "Winds of Change", la experimental jazz-blues "Bend for a Friend" o la oscura y progresiva "1066".

 

Rush-2112 (1976)

Cuarto álbum de la banda canadiense y el que los encumbraría definitivamente para siempre, al mismo tiempo que mostraba la faceta mas progresiva del trío, demostrando con su estilo que eran únicos y diferentes al resto de todos sus coetáneos.
Si hasta esos momentos Rush se habían mostrado como una de las bandas deudoras del sonido mas puro del hard rock de bandas como Led Zeppelin, con la publicación de tres álbumes soberbios y de gran entusiasmo, también es cierto que aun no habían terminado de cumplir con las expectativas tanto comerciales como estilísticas.
“2112” significo un punto y aparte en la carrera de los canadienses, esta fue la obra que necesitaban para dar el salto definitivo hacia el estrellato en el mundo del rock y lo lograrían de manera espectacular con un disco conceptual y asombroso, repleto de hard rock y pasajes progresivos al mismo tiempo, con una demostración de las cualidades virtuosas de cada miembro de la banda que los convertiría en adelante en los máximos valedores en sus respectivos instrumentos.
Los poderosos riffs de guitarra de Alex Lifeson son combinados a la perfección con suaves acordes de guitarras acústicas, eléctricas y solos antológicos, mientras Geddy Lee alcanza con su voz una interpretaciones sublimes y perfectas, que junto a la impecable batería de Neil Peart, utilizando todo tipo de percusiones, muestran a un percusionista que en muchos momentos parece sobrehumano con unas interpretaciones alucinantes.
La conceptualidad del álbum es producto de la enorme imaginación de Neil Peart, quien sobre una idea futurista de ciencia ficción, convierte a esta obra en un viaje apoteósico, con una gran variedad de textos creativos que son acompañados por un enorme derroche instrumental épico y fascinante.
La inicial suite “2112”, una epopeya de casi 20 minutos, dividida en siete partes épicas, es todo una clara demostración de intenciones, aquí el trío combina perfectamente los pasajes duros con otros momentos progresivos y atmosféricos, convirtiendo a esta pieza en uno de los momentos cumbres del genero.
En esta suite destacan de manera sobresaliente “Overture”, “The Temples Of Syrinx” y “Gran Finale”, todas ellas repletas de cambios de ritmo y de asombrosa virtuosidad.
El resto no le va a la zaga con las tremendas y épicas “A Passage To Bangkok” y “The Twilight Zone”, las bucólicas “Lessons” y “Tears” y la potente rock “Something For Nothing”.
“2112” es una de las obras imprescindibles del rock y no solo por su valor histórico, si no también por el tremendo aporte musical que el trío dejaría para la posteridad con esta obra maestra absoluta de la música rock.

UFO-Lights Out (1977)

UFO son unas leyendas dentro del hard rock mundial, pero casi de igual manera fueron injustamente desplazados durante épocas por muchos fans a meros segundones, en comparación con otras grandes bandas del genero, pese haber facturado una discografía descomunal y brillante. Una de esas impresionantes obras es su mítico "Lights Out", toda una obra maestra del hard rock británico que publicado en 1977 era su sexto lanzamiento hasta esos momentos. Solo la presencia del guitarrista Michael Schenker demostrando su enorme talento y su virtuosismo ya es un argumento mas que valido para considerar este álbum en una obra sencillamente magistral. Pero además de Michael Schenker, Phil Moog muestra su excelente rango vocal haciendo un trabajo memorable al igual que el resto de la formación, compuesta por Paul Raymond (guitarra y teclados), Pete Way (bajo) y Andy Parker (bateria). Poderío, ritmo, melodía y energía es lo que UFO deja constancia en los surcos de este álbum, destacando las vigorosas "Too Hot to Handle With", "Just Another Suicide", "Gettin´Ready" y "Electric Phase", además de la épica semi progresiva "Love to Love", mientras que la bellísima balada "Try Me", o la acertada versión de los norteamericanos Love, "Alone Again Or", ponen el freno a tan robusto repertorio de magnificas canciones del mejor hard rock de finales de los 70.

Atoll-L'araignée-mal (1975)

Escasamente reconocidos fuera del ámbito francés, Atoll fueron una interesante formación gala que no tuvieron mucha relevancia mediática, más allá de cuatro álbumes publicados en los años 70. Sin embargo serian sus dos primeros lanzamientos los que le supondrían cierta reputación en el entorno vanguardista europeo. Formada en la ciudad de Metz en 1973, su núcleo principal estaba compuesto por André Balzer (cantante), Luc Serra (guitarras, teclados y voces), Michel Taillet (teclados), Jean-Luc Thillot (bajo y guitarras), Alain Gozzo (batería) y Laurent Gianez (saxo, flauta y voz). "Musiciens Magiciens" (1974) fue la primera piedra angular de esta banda francesa, un merito trabajo que adolecía de una mejor producción. Un año mas tarde regresarían con un ambicioso segundo disco, "L´araignée-mal", en el cual pese a contener otra discreta producción contiene mejores pasajes dramáticos, grandes ritmos dinámicos y una estructura instrumental homogénea como queda patente en la apasionante "Le Voleur d´extase", en la extravagante "Le Photographe Exorciste" o en la épica suite progresiva que da titulo al registro. Pese a que pasaría inadvertido en su país de origen, este álbum obtendría un discreto éxito fuera de sus fronteras, como por ejemplo en tierras niponas. A finales de la siguiente década volverían a reunificarse para lanzar un agradable quinto álbum, pero que sin embargo esta muy lejos de los esfuerzos de sus primeras obras.