Krautrock

Al principio de la década de los 70, al panorama musical europeo le quedaba ya pequeño el potencial americano e ingles (los máximos exponentes del rock mundial). La sed de la industria por buscar mas y mas modas y tendencias, que ya no estuviesen inventadas en ese momento, (rock, pop, beat, folk, country, psicodelia, hard, progresivo...etc), no se detenía y se sumergía por todos los rincones del mundo en busca de algo nuevo. Los tentáculos de la impresionante maquinaria discográfica habían puesto ya los ojos en Europa y en sus músicos de tradición clásica, no en vano Europa es cuna de músicos de primer orden a través de la historia y con una escuela heredada de los grandes clásicos de siglos pasados, aparte de que la propia Europa vivía no solo del mercado anglosajón, si no que poseía su propio mercado musical de una enorme calidad y variedad, aunque bastante distanciado de los primates ingleses y yanquis por motivos de idioma y razones de la industria (no cabe duda que los grandes productores y compañías discográficas eran anglosajonas)
Antes de aquí, ningún grupo podía entrar en un ranking americano o ingles, que es tanto como entrar en un país, si ese país no lo quería por muy bueno que fuera el artista, grupo o disco. Pero a principios de los 70, todo eso cambio radicalmente, si ya por un lado las cosas empezaban a ser diferentes en lo concerniente a lo musical (las grandes compañías buscaban la panacea), en lo social y político hubo cambios muy favorables hacia la música, la entrada de Inglaterra en el Mercado Común Europeo, y esto trae consigo una serie de ventajas aprovechadas por la música de manera inmediata. Como dije antes, Europa tenia un amplio y rico sentido musical pero también tenia algo que no tenían los anglosajones: vanguardismo variado, evidentemente en Inglaterra había rock progresivo y psicodelia, quizás esto fuera también vanguardismo, pero era muy rock, es decir primero la formula rockera y luego sinfonismo o psicodélica, pero no experimentación ni investigación musical, algo que si poseían de sobra los grupos europeos. Ya a finales de 1972 la prensa musical internacional resalto con grandes titulares un hecho singular, la tradicional Gran Bretaña, tan habituada siempre a barrer hacia dentro, cerrada por completo a todo lo que no fuera británico o americano (a excepción de casos aislados, como por ejemplo los españoles Los Bravos, James Last y otros mas que tuvieron algunos importantes hits en los charts ingleses)... esa Inglaterra pues, colocaba en los Pop Polls (listas de éxitos) a un numero increíble de grupos alemanes, italianos o holandeses como Focus, Can, Amon Duul, Tangerine Dream etc...El mundo entero comenzó a abrir los ojos y razonar ese singular detalle, ¿ por que esa masiva irrupción de bandas europeas en las cerradas listas inglesas?.

Estaba claro que el interés anglosajón era industrializar todo aquello que fuera música y invirtiera dinero en ello, aparte de que existía un rock europeo muy distinto al ingles y americano, aún conservando ciertas similitudes, producto de tantos años de sumisión al auge anglosajón. De pronto un mundo que entonces estaba destinado a ser receptor, comenzaba a ser por primera vez emisor con gran potencial. Un grupo que tiene el mérito de derribar los muros británicos y americanos era Focus, que fue elegido grupo revelación del año 72 (que es como firmar una declaración de principios sobre próximos éxitos) y varios meses después colocaba dos LP´s al mismo tiempo (uno de ellos doble), en la cima de las listas inglesas; algo inaudito para no ser un grupo anglosajón, después ya nadie se sorprende cuando los álbumes de Can, Guru Guru, Floh de Cologne, Neu Faust... irrumpen en las listas británicas ante la incredulidad del publico europeo. Mientras esto ocurría, Focus ya habían llegado al top-100 americano, abriendo brecha para que los demás intentaran el salto. Pero por supuesto que las cosas no son tan fáciles como pueden parecer, para que un grupo edite sus LP´s en Inglaterra o América, se ha de firmar un contrato independiente del que se tenga en el país de origen con la editora del mismo. Y naturalmente cantar en ingles, aunque afortunadamente la música de esos grupos era mas instrumental que vocal. Es por eso que a muchos países, los discos de los grupos alemanes, holandeses o italianos llegaran a través de sus editoriales inglesas, de manera importada y no por sus compañías respectivas del país de origen, esta fue otra de las artimañas anglosajonas, con lo cual para americanos e ingleses seguía siendo un negocio, aunque tuvieran que dar dinero a gente que no fuera británica o yanqui. 

Pronto la demanda de grupos europeos llego ser tan fuerte que no había editora inglesa que no tuviese su grupo de ¨rock alemán". De esa manera la calidad pronto paso de ser utilizada como negocio, aunque musicalmente 1973 conoció así el auge de un buen numero de ideas y sonidos, bien gracias a la política o al mercado que todo lo engullía. Pero ¿ y que pensaban los músicos ingleses y americanos, figuras y nombres de un calibre tan pesado como para tambalear una economía tan fuerte (los ingresos por royalties de grupos anglosajones repercutían de manera importantísima en los Estados Unidos y Inglaterra) de la ¨intromisión¨ europea?, los veteranos supieron apreciar la apertura, por lo que aquello podía significar para una mayor ampliación de las posibilidades sónicas en el contexto de los años 70, sin que pudiera estar en juego la supremacía británica en el rock, cosa que por otra parte nadie discutía. Viendo hoy la visión del presente de lo que ha sido la historia en realidad, no nos damos cuenta de lo realmente importante que fue ese momento, por lo cual en aquella época el impacto que causo el hallazgo del potencial europeo fue realmente de singular relieve, por entonces se especulaban varias opciones, que el boom del rock alemán (curiosamente se etiqueto casi todo el rock europeo en este termino) seria un simple paso mas en desarrollo de los conceptos musicales, cifrando ese cambio tan solo en la búsqueda de la novedad por parte de la industria y del publico; los que esperaban acontecimientos...y los que veían mas allá del tinglado angloamericano. Si ese conjunto de movimiento europeo aumentaba su expansión, era indudable que podían ser la potencia por antonomasia del rock (aunque eso era realmente casi imposible), y si por el contrario decrecía, la barrera de control y ideología de la supremacía anglosajona seria incuestionable. 

Pero ahora con el paso del tiempo no nos imaginamos lo que pudiera haber pasado si no hubiese sido por la gran crisis energética de 1974, ¿quizás fueran cortadas de raíz esa expansión...?. Pero eso es una historia que veremos mucho mas adelante, en Europa el principal bloque musical es el alemán, bautizado como ¨Deutsch Rock¨ o comúnmente llamado “Krautrock”, fue el fuerte consolidado e influyo en grupos de otros países europeos, sus nombres básicos son Karl-Heinz Stockhausen que logro el vinculo música-maquina de forma total, inventor de la música electrónica, o Rolf Ulrich Kaiser, estudioso del rock alemán o Meisel, Korber y Wendel, creadores de los primeros sellos vanguardistas germanos. Pero la maquinaria alemana estaba ya cimentada desde 1968, año del comienzo del movimiento bávaro con la ayuda de los anteriores ¨creadores¨ y otros músicos, pero con un grupo estandarte, Amon Duul, que abrió el camino a todos los demás y culminando con los mas avanzados en plena explosión del genero: Can y Tangerine Dream. Solo en el año 72 se editaron unos 500 LP´s de otros tantos grupos de música vanguardista, con una supremacía de algunos ya consagrados como Agitation Free, Faust, Kraftwerk, Tangerine Dream, Neu, Can y Amon Duul 2 (otra versión de los Amon Duul). Este descomunal poderío del desarrollo de la industria alemana, demuestra la organización, los medios, la selectividad y la calidad de su música, algo que no escapa a la vista de los medios de comunicación del mundo entero, (quizás con menos repercusión en los medios ingleses y americanos), por motivos obvios. Las bases germanas se basan en Wagner, el gran líder, su música violenta, el sonido gigantesco, el barroquismo sónico, todo ello unido a la espectacularidad germana en el empleo del rock, la música se torna en fastuosas ráfagas instrumentales, ribeteadas con profundos desarrollos de ríos emotivos musicales, algunos grupos desarrollan temas de ¡30 minutos! con impresionantes Apocalipsis tumultuosas, todo ello sobre-dimensionalizado en sonidos espaciales y del tiempo, con una combinación de inventiva y de futurismo en la mas absoluta concentración, hasta la libertad para la improvisación y la investigación, algo sublime, y los músicos ingleses de rock progresivo se quedaban asombrados al oír esa música.
Un productor de enorme prestigio en el área londinense de la época llamado Alan Parsons, (todavía no se dedicaba a lanzar álbumes bajo su nombre) llego a declarar que jamás se le hubiese ocurrido hacer esa música, sobre todo por los sonidos tan ricos y atonales que producían, y eso que era uno de los magos de la tecnología anglosajona de la época, como productor de los Pink Floyd, Al Stewart o otros...y jefe de producción de los míticos estudios Abbey Road de la Emi. Esa fue la principal fuente de atracción del rock alemán, su carácter espacial y infinito, el cual capturaban el cosmos y su fantasía en cada disco. Pero entre la gran crisis y la conveniencia del mercado ingles y americano fueron destruyendo poco apoco el resurgimiento inicial, los dólares frenaron la expansión, o al menos la suavizaron, muchas de las bandas se comercializaron, y la calidad se vino un poco abajo en el mercado internacional, pero y esto fue lo que les diferencio a este movimiento con respecto a otros, nunca llego a desaparecer tragado por la industria anglosajona, si no que en los años siguientes fueron surgiendo nuevos grupos y nuevas obras con un mas avanzado planteamiento en torno a la electrónica y el espacio, pero manteniéndose en el mercado propiamente europeo, donde son un movimiento muy aceptado y admirado aún hoy en día. En ciudades como Berlin, Frankfurt, Hamburgo, Colonia etc...es muy frecuente en la actualidad asistir a sesiones de música vanguardistas con músicos de la talla de Klaus Schulze o Peter Hans-Schemeir entre otros, (además de jóvenes músicos y bandas noveles) que aún conservan aquella llama que en una época afloraba en el mundo, pero que por causas ajenas a las musicales y a la de la gran industria del dólar, nunca dejaron culminar, aunque quizás algún día vuelvan a resurgir con otras inquietudes y ambiciones...

McKenna Mendelson Mainline-Stink (1969)

McKenna Mendelson Mainline fue una magnífica banda canadiense de blues de corto recorrido. Fue creada cuando en 1968 el guitarrista Mike McKenna reclutaría a varios músicos para fundar una banda de blues rock.

Esos músicos eran el vocalista Joe Mendelson, el bajista Denny Gerrard y el baterista Tony Nolasco.

Comenzando en año 1969 se trasladaron a Inglaterra donde empezaron actuar en el circuito de blues de Londres, abriendo conciertos para artistas como Jeff Beck o Jimi Hendrix entre otros.

La innegable calidad del grupo no pasaría inadvertida para el sello United quien les financia su primer álbum lanzado casi a finales del mismo año 1969.

Antes de entrar en los estudios el bajista Mike Harrison sustituiría a Gerrard cerrando la formación que grabaría "Stink".

En esta primera entrega la banda canadiense muestra un tremendo feeling, excelentes riffs y solos de guitarra, trepidantes ritmos y una tosca voz que encaja perfectamente con el estilo blues.

En este primer disco destacan la excelsa blues "Bad Woman", el boogie galopante "She´s Alright", las cadenciosas "Beltmaker" "Think I´m Losing My Marbles" "T.B. Blues" y "Drive You", la hipnótica "Mainline" o la folk blues "Don´t Give Me No Goose For Christmas, Grandma".

Miles Davis- In a Silent Way (1969)

“In a silent way” es una de las obras cumbres de jazz-rock, al mismo tiempo que fue el primer álbum de este genero tan novedoso de finales de los sesenta. Davis antes incluso de ser una estrella, pudo siempre grabar con los mejores intérpretes de momento. Primero porque los grandes lo elegían a él, y a partir de los 50, porque él era el grande que llamaba a los que consideraba los más destacados músicos de cada instrumento. Del mismo modo que de los diversos conjuntos de Louis Armstrong salieron algunos de los más importantes jazzmen, las formaciones que Miles Davis reunía para sus sesiones en estudio, pueden considerarse los all-stars del jazz. Quizá el caso más recordado sea el de John Coltrane, que antes de revolucionar la música con su free-jazz estuvo algunos años grabando con el genial trompetista, pero el saxofonista no fue el único que iba a adquirir prestigio junto a Davis antes de emprender una brillante carrera discográfica como líder de su propio conjunto.
En “In a Silent Way”, figuran tres de los más grandes pianistas (Chick Corea, Herbie Hancock y Joe Zawinul), el guitarrista por antonomasia de los 70 (John McLaughlin), un gran saxofonista (Wayne Shorter)… y así con los ocho músicos que acompañaron a Davis en la grabación de este álbum. Con un elenco tan impresionante como este, no es extraño que el resultado sea una obra tan brillante, innovadora y magistral como “In a Silent Way”. Este probablemente sea el disco más colectivo del trompetista. Esto no quiere decir que los demás no lo sean, porque en algunos de sus trabajos la autoría debe ser compartida con Gil Evans, y siempre ha contado con grandes intérpretes. No obstante, aquí es dónde más evidente y determinante es la aportación de todos los músicos que participaron en la grabación. Davis no es el único protagonista, la trompeta no destaca más que el resto de instrumentos, todos (salvo el batería y el contrabajista, aunque su contribución sea también excelente), tienen la oportunidad de lucirse con sus solos. En las dos largas piezas de “In a Silent Way” (en las que, de nuevo, como en el posterior “Bitches Brew”, el trabajo de post-producción de Teo Macero fue muy importante, como si se tratase del noveno intérprete), asistimos a un diálogo sin palabras de los ocho músicos, vemos cómo Davis recoge una idea de Chick Corea, o como John McLaughlin actúa por oposición a Hancock, o Tony Williams marcar un ritmo constante durante un largo fragmento creando así un espacio libre en el que se mueve Zawinul. Y así, con todos estos juegos y otros muchos que contemplamos deslumbrados, estos ocho talentosos intérpretes, crearon una música bella e innovadora, la continuación perfecta seria “Bitches Brew”, otro disco imprescindible para todo amante de la buena música.

Status Quo

Status Quo han sido los máximos estandartes del llamado boogie rock, una banda que injustamente a veces son olvidados por gran parte de la comunidad rockera, que sin embargo y pese a su enorme éxito en la década de finales de los sesenta, los setenta y algunas apariciones estelares en los ochenta y noventa fueron obviados en el mercado norteamericano de manera incompresible.
Surgidos como consecuencia de la disolución de varias bandas británicas llamadas Spectres y Traffic Jam, su primera formación estuvo compuesta por los guitarristas Francis Rossi y Rick Parfitt, el bajista Alan Lancaster, el batería John Coughlan y el teclista Roy Lines.
En sus primeros años, finales de los sesenta, Status Quo practicaban un estilo a medio camino entre la psicodélica de la época, el sonido beat británico y ecos al hippismo tan de moda en esos años. Este estilo se ve refrendado en su primer álbum publicado en 1968 “Pictures Matchsticable Message From...” en el que se incluye su primer gran hit homónimamente titulado como el álbum, o composiciones que rebosan sonidos ácidos y psicodélicos.
Después de un segundo y continuista álbum “Spare Parts”, lanzando a finales de 1969, llegaría el mas duro y transitorio “Ma Kelly´s Greasy Spoon”, con el que logran una mayor repercusión a nivel europeo gracias a su sencillo “Down The Dustpipe”.
Un año después llegaría su primera gran obra “Dog Of Two Head” en donde logran el equilibrio perfecto entre su sonido original y primitivo con el boogie rock.
Aquí ya aparecen cortes que serán el ejemplo de su estilo posterior como “Umleitung” o “Someone´s Learning”, además de unos de sus temas estandartes como es “Gerdundula”.
Para este ultimo trabajo la banda se había convertido en cuarteto al abandonar Roy Lines después del anterior “Ma Kelly´s...”
A finales de ese mismo año, la banda cambia de sello discográfico firmando con Vertigo y con los cuales publican su quinto trabajo titulado “Piledriver” (1972) en donde confirman su tendencia hacia los sonidos del hard rock y el boogie rock, alcanzando los primeros puestos de las listas de éxitos en Gran Bretaña con una serie de canciones como la irresistible “Paper Plane” o la lograda versión del tema de The Doors “Roadhouse Blues”.
Portando el nuevo y famoso logo con su nombre, llegaría el siguiente lanzamiento discográfico a finales de 1973, “Hello”, en el cual se encuentran algunos de sus temas clásicos como son “Caroline” o “Roll Over Lay Down”. Este nuevo álbum lograría nuevamente un gran éxito, alcanzando cifras que superaron las doscientas mil copias vendidas. Los siguientes movimientos discográficos seguirán una tónica similar, así fueron apareciendo álbumes tan brillantes como “Quo” (1974), “On The Level” (1975), en donde aparece el memorable tema “Down Down” o “Blue For You” (1976), este ultimo en donde se derivan hacia un sonido mas melódico y comercial.
Después de un extraordinario doble en directo “Live” (1977) llegaría “Rockin´All Over The World” (1977), para muchos su obra cumbre en donde exprimen su característico estilo de boogie rock hasta costas de perfeccionismo absoluto. Para este nuevo trabajo contaron con la producción del afamado Pip Williams y con Andy Bown como miembro de pleno derecho en los teclados. Un álbum en donde destacaban la versión de John Fogerty “Rockin´All Over The World” o las soberbias “Rockers Rollin”, “Hold You Back” o “Hard Time”. El éxito de este los llevaría a conseguir varios discos de oro por sus enormes ventas, lo mismo que ocurriría con los siguientes y continuistas “If You Can´t Stand The Heat” (1978), “Whatever You Want” (1979), (con el extraordinario tema que da titulo al álbum), el dinámico y comercial “Just Supposin” (1980) o el meritorio “Never Too Late” (1981).
Después del exitoso álbum “1+9+8+2” (1982), llegaría el mediocre “Back to Back” (1983), el cual obtiene mala prensa por derivarse en demasía hacia los sonidos mas enfocados al pop rock.
Este tremendo traspiés desemboca en el abandono de su bajista y miembro fundador Alan Lancaster que es sustituido por John Edwards, además del nuevo batería Jeff Rich quien tomo el relevo de Peter Kircher (sustituto de John Coghlan después del álbum “1+9+8+2”).
Con una nueva formación varios años después Status Quo regresan con su decimoséptimo disco titulado “In The Army Now” (1986), el cual se convierte en un exitoso trabajo, de excelentes y brillantes boogie rock adictivos con cortes como el que da titulo al álbum o “Rollin´Home” y “Overdose”.
A partir de aquí se irán sucediendo con cierta frecuencia nuevos álbumes como “Ain´t Complaining” (1988), “Perfect Remedy” (1989), “Rock´Til You Drop” (1991) o “Thirsty Work” (1994), y así hasta una docena de nuevos trabajos que rebozan de gran calidad pero muy alejados de su época dorada.

Frank Zappa-Roxy & Elsewhere (1974)

Grabado en el mítico Roxy Theatre de Hollywood, entre el 10 y el 12 de diciembre de 1973, "Roxy & Elsewhere" fue el tercer álbum en directo de Frank Zappa, que publicado como doble LP contenía un material inédito hasta aquellos momentos de una incuestionable calidad, al mismo tiempo que mostraba la enorme versatilidad del genial músico norteamericano. Por aquellos años Zappa había confeccionado una de sus mejores formaciones compuesta por George Duke (teclados), Don Preston (sintetizadores), Frank Zappa (guitarra y voz), Chester Thompson (batería), Tom Fowler (bajo), Jeff Simmons (guitarra), Ruth Underwood (vibráfono), Bruce Fowler (trombón), Napoleon Murphy (saxofón), Walt Fowler (trompeta) y Ralph Humphrey (percusión). El contenido de este directo abarca desde el jazz rock y fusión, hasta el rock operístico e irónico, pasando por el trasfondo blues y una serie de ingeniosos instrumentales, además de las habituales charlas y los diálogos humorísticos y sarcásticos del propio Zappa. El jazz rock/blues de "Penguin In Bondage", el funk humorístico de "Dummy Up", la retorcida rhthym and blues "Village of the Sun", la enérgica jazz rock "Cheepnis" o la jazz fusión progresiva "Be-Bop Tango", muestra las excelentes virtudes de todos los músicos que intervienen en este doble álbum, empezando por los desgarradores solos de guitarra de Zappa, y continuando por el magnifico trabajo de George Duke, Ruth Underwood, Chester Thompson y Napoleon Murphy.

Sunhouse-Sunhouse (1977)

Sunhouse fue una banda de jazz fusión/rock de origen belga que lanzaron un único álbum en 1977. Su formación estaba compuesta por Denis Van Hecke (cello), Aziz Bourdoud (congas), Frank Wuyts (teclados), Alain Gouthier (bajo), Roger Wollaert (batería), Michel Clement (guitarra), Jean-Jacques Lhoest (teclados) y Bob De Marco (saxo). Bajo un vigoroso estilo de jazz fusión, funk y rock, esta banda logra crear enérgicas y rítmicas piezas en donde la gran interacción entre todos los instrumentos, en especial las mordaces guitarras, las percusiones y el dinamismo de su sección rítmica, impulsan un álbum que no deja indiferente a nadie por sus enérgicas y esplendidas ejecuciones instrumentales.

Dancer-Tales Of The Riverbank (1972)

Dancer fue una banda formada en los primeros años de la década de los 70 en la isla británica de Wight. Su formación estaba compuesta por Anthony Minghella (teclista), Gerry Cahill (guitarra y flauta), Paul Athey (batería), Mike Jolliffe (voz y guitarra) y Mike Cuffe (bajo).

Gracias al patrocinio de Jim Simpson, manager de los primeros Black Sabbath, lograron grabar su primer y único álbum bajo la producción del guitarrista de The Groundhogs, Tony McPhee.

En este único registro Dancer muestran su faceta progresiva, repletas de grandes sonidos de Mellotrón, influencias del folk británico, y pinceladas del sonido jazzistico de Canterbury.

Piezas como la mini epopeya épica que lleva por titulo “Tales Of The Riverbank”, muestra las enormes credenciales de Dancer con un predominante Mellotrón y unas guitarras dinámicas muy efectivas. Por senderos parecidos discurre la furiosa "Mac´s Cafe", la progresiva "Morning", y las enérgicas "Mind The Houses" y "Fairhill affair", en contrapunto a estas aparece la pastoral "American Wood".

Años mas tarde Minghella orientaría su carrera artística en el cine como director de películas entre las que destaca la oscarizada "El paciente Ingles" en 1996.

John Martyn

A ciencia cierta no se sabe muy bien por que John Martyn arrastro tanto al gran público, y es que este cantautor escocés ha sido considerado un artista de culto y uno de los favoritos de los críticos de la música contemporánea, su música ha sido influyente y determinante en la dirección de la música moderna popular, que se desplazaba fuera de la estricta tradición acústica por la infusión con el rock, el blues y jazz. John Martyn firmó un contrato con el mítico sello Island Records de Chris Blackwell en 1967, y un año después sacó su álbum de debut, "London Conversation", posteriormente Martyn lanzó varios discos aclamados por la crítica, pero siempre permaneciendo apartado de la primera línea de la escena musical y de la fama, prefiriendo siempre estar a la sombra de las masas y las noticias mediáticas .
El año 1973, con "Solid Air", dedicado a su amigo Nick Drave, quien aparecería muerto por sobredosis al año siguiente, firmo un álbum genial, muy aclamado por los fans y la critica especializada, pasando a ser todo un clásico de la música británica. Para entonces, Martyn había iniciado su colaboración con el contrabajista de jazz Danny Thompson, quien se convirtió en su acompañante habitual de cámara. Con él desarrolló una forma de cantar alucinante que tomaba su inspiración en el timbre del saxo tenor. Martyn, un formidable y muy personal guitarrista por sí mismo, no fue un cantautor de este mundo, ni por lo que contaba en sus canciones, ni por la forma en que lo hacia, nunca siguió una carrera profesional demasiado ortodoxa, en el álbum "Grace and Danger", que su autor siempre consideró el mejor de su carrera, y su compañía guardó durante un año en el cajón de los "proyectos demasiado perturbadores para ver la luz", fue también considerado una obra maestra, narraba las peripecias de su divorcio, con la producción de Phil Collins.
Antes había editado "One World" (1977, con la colaboración de Lee Scratch Perry en la canción "Big Muff").
Convertido en un artista clásico muy a su pesar, Martyn acertó a continuar por la línea de la heterodoxia en álbumes como "The Church With One Bell" (1998), en el que versionó a Billie Holiday, Elmore James, Ben Harper y Portished.
Este gran artista de folk y blues, considerado uno de los autores musicales más innovadores y carismáticos de Gran Bretaña, había perdido una pierna en 2003 por una infección en un quiste y sufría de constantes problemas de salud tras haber batallado contra adicciones a las drogas y el alcohol.

Shaggy-Lessons For Begginers (1975)

Shaggy fueron una oscura y olvidada banda sueca de mediados de los setenta que publicaron un excelente disco enfocado en el hard rock, que pasaría inadvertido (como tantos otros), en el momento de su lanzamiento. Su formación estaba compuesta por Janne Gustavsson (bajo), Kurt Kastner (batería), Jan Rognas (guitarra), Thomas Engstrom (voz) y Thomas J. Ryan (teclados y voz). Su único registro, este "Lessons For Beginners", fue lanzado en 1975 y muestra una poderosa propuesta del mejor hard rock setentero emparentado con las bandas coetáneas Uriah Heep y Deep Purple. Con unos enérgicos riffs de guitarra, una aplastante sección rítmica y un ardiente órgano, aquí se dan cabida desde incendiarios heavy rock "Destination Nowhere", hasta trepidantes piezas "Vengeance", pasando por fascinantes instrumentales hard rock "Lessons For Beginners", nostálgicas composiciones "Nobody Cares" o frenéticas canciones de poderoso y pesado rock "Sunshine".

The Steepwater Band-Grace and Melody (2009)

Pese al mal presagio que dicen algunos sigue manteniendo esta época oscura que esta pasando el rock, este nos sigue dando muestras de que sigue muy vivo y una buena muestra de ello son esta banda de Chicago, que en formato de trio nos presenta uno de los discos que sin duda dará que hablar los próximos meses.

Este "Grace and Melody" es un estupendo recorrido por los sonidos mas conocidos del rock, un álbum donde no hay mediocridades ni temas de relleno, mas bien un álbum que puede llegar a ser casi imprescindible en muchas de las discotecas personales de muchos fans al rock. Y es que esta banda formada por Jeff Massey (guitarra y voz,), Tod Browers (Bajo) y Joe Winters (Batería), nos traen una colección de temas muy bien logrados. Piezas con ciertos aires sureños como "At the fall of the day”, claros sonidos stone como “lord Knows”, canciones deudoras del legado de Neil Young como "Waiting to be Ofended", o blues zeppelianos como "Grace and melody" o "World keeps moving on...".

Barclay James Harvest-Once Again (1971)

"Once Again" es uno de los álbumes clásicos del rock sinfónico de los 70, el cual contiene el atractivo y esa fascinación única de aquellos años. Condenados injustamente por la prensa británica como unos meros clones de los Moody Blues, esta lamentable y arbitraria afirmación les lastraría durante sus primeros años. Sin embargo no hay que dejar de reconocer que en ciertas estructuras musicales nos recuerdan vagamente a los mencionados Moody, sobre todo debido al uso masivo en estos primeros años del Mellotron por parte de su teclista, Stuart "Wooly" Wolstenholme. Rodeado de piezas progresivas con rasgos melancólicos y conmovedores como "Galadriel" o "Mockinbird", aparecen otras con un claro carácter del emotivo folk británico como "Vanessa Simmons" o vigorosas canciones rock como la inicial "She Said" o "Ball and Chain", mientras que la temática "Happy Old World" y la orquestada "Lady Loves", son sin duda alguna en donde se intuyen ciertas influencias de los mencionados Moody Blues. En definitiva con este segundo álbum, la Barclay James Harvest logro crear un álbum progresivo de sencillas composiciones, adornadas con unos brillantes arreglos, concibiendo de manera definitiva su peculiar y esencial sonido, el cual seria el santo y seña del grupo británico en los siguientes años.

Freedom-Through The Years (1971)

Freedom fueron una banda británica que contaba entre sus filas varios ex integrantes de los legendarios Procol Harum, por un lado el guitarrista Ray Royer y por otro el baterista Bobby Harrison, quienes junto al cantante y guitarrista Roger Saunders y el bajista y teclista Peter Dennis cerraban esta formación. 

En 1971 bajo el sello Vertigo lanzaron su cuarto álbum "Through The Years" en el cual muestran su estilo de hard rock impregnado de blues.

Cortes como la poderosa "Freestone" nos dejan la excelente combinación de las poderosas guitarras, las voces y la magnifica sección rítmica.

La instrumental hard rock "Get Yourself Together" y la blues rock "Toegrabber", una pieza repleta de grandes riffs y precisos solos de guitarra, son algunas de las canciones mas destacadas de este soberbio trabajo de esta oscura y olvidada banda inglesa.

Rick Wakeman-The Myths And Legends Of King Arthur And The Knights Of The Round Table Music (1975)

Dos años después de su grandilocuente debut discográfico (al margen de su banda madre, Yes), Rick Wakeman se aventuro en otro ambicioso trabajo, esta vez en torno al Rey Arturo y la espada de Excalibur. Ya Wakeman había explorado los sonidos y las texturas de una orquesta sinfónica fusionándola con el rock en el anterior y brillante "The Six Wives of Henry VIII", por lo que en esta nueva entrega intento seguir por un sendero parecido, pero otorgándole a los suntuosos arreglos orquestales y los envolventes coros, un mayor protagonismo, todo ello bajo el enérgico rock y fundamentalmente adornado con sus múltiples cascadas de Mellotron, moogs, teclados eléctricos y otros sintetizadores de ultima generación. Además de la New World Orchestra dirigida por David Measham, también esta presente la English Chamber Choir, dirigida por Guy Protheroe y una sección rock compuesta por Ashley Holt y Gary Pickford Hopkins (voces), Barney James (batería), Jeffrey Crampton (guitarras), Roger Newell (bajo), John Hodgson (percusiones) y Terry Taplin como narrador de la obra. La asombrosa orquestación, mas la narración que cuenta cada parte de la historia junto a la talentosa instrumentación por parte de todos los músicos involucrados, nos sumergen en una rica sonoridad de diferentes atmósferas musicales que en muchos momentos alcanza una gran grandilocuencia, confeccionado con todo ello un álbum tan triunfal como creativamente brillante.

Guns´N´Roses-Chinese Democracy (2008)

Quince años tardaría Guns´n´Roses en publicar su sexto álbum, "Chinese Democracy", el cual es también probablemente uno de los mas caros de la historia, costando alrededor de los 13 millones de dólares. Y es que el proceso de grabación de este álbum ha tenido de todo lo habido y por haber, desde la deserción de muchos músicos, suspensiones de lanzamientos, problemas con las discográficas...etc, todo esto sin contar con los habituales problemas de Axel Rose, un proceso de grabación que casi casi se asemeja al tiempo que se han construido grandes obras magnas en la historia de la humanidad.
Mas allá de esta exagerada consideración, el resultado de tanta espera (que a veces ocurre que a mayor expectación, mayor fracaso), es simplemente un buen disco sin mas, y es que el concepto tiempo se le ha ido de las manos al propio Rose, conformando un disco que mas bien parece grabado en la década de los 80, que en este nuevo siglo, a lo que referente al sonido se refiere, algo desfasado, aunque también deberíamos tener en cuenta que los Guns´n´Roses siempre han sido una clásica banda de rock atemporal. El álbum contiene buenos temas como por ejemplo "Street of Dreams", la hard rockera "Chinese Democracy", la blusera "Sorry", pero poco mas, ya que encontramos temas algo descolocados en el rol del grupo como "If The World" una especie de canción medio reggae y ambient, "Scrapped", un corte que no dice absolutamente nada y se manifiesta como un claro tema de relleno o "Madagascar", esta incluso parece que sin terminar de construir totalmente, una tónica que sigue el resto del álbum, que se antoja bastante frío y que no termina de cuajar. Y es que aquella fantástica formación que fueron los originales Guns´n´Roses, nunca habrían publicado este disco, mas que nada por que aquellos talentosos músicos hubiesen compuesto canciones con mucha mas calidad y corazón, que este nuevo disco de Axel Rose en solitario.

Hard Stuff-Bolex Dementia (1973)

Dos años después de publicar su primer álbum, Hard Stuff, la banda creada por varios ex miembros de Atomic Rooster, afrontaron una nueva grabación en donde se posicionaron en los arriesgados sonidos de la experimentación con tendencias funk y vanguardista. Con la misma formación que en la anterior álbum, aquí están presentes el guitarrista John Cann, el baterista Paul Hammond, el bajista y guitarra John Gustafson y el cantante Henry Shaw.

Sin embargo y debido al drástico cambio sustancial con respecto al estilo del inicial hard rock de su anterior entrega, tuvo cierto rechazo por parte de sus fans mas ortodoxos.

El álbum en si es una amalgama diversa de sonidos que va desde pegadizas canciones "Ragman", hasta enérgicos rock and roll "Roll a Rocket", "Spider´s Web", "Sick N´ Tired" o "Dazzle Dizzy", pasando por estrafalarias piezas experimentales como "Bolex Dementia".

Sin duda un muy buen álbum que mereció mucha mas atención que la obtenida en el momento de su publicación.

Herbie Mann-Memphis Underground (1969)

Herbie Mann es uno de los músicos más admirados del jazz, un hombre que ha influido de manera decisiva dentro del contexto del jazz y de la música en general a las siguientes generaciones de artistas del genero. Nacido en los años treinta en Brooklyn, en sus comienzos artísticos ya era un consumado intérprete de la flauta, el saxo, el piano y el clarinete. Durante las décadas de los cincuenta y sesenta, Mann vio publicados innumerables registros como solista o participando en diferentes orquestas y bandas, en las cuales mostraba su impresiónate dominio de la flauta. Con una descomunal discografía tras de si que abarca desde 1954 hasta el 2004, cuando se publicaría su ultimo álbum poco despues de fallecer, Herbie Man entro en los anales de gran mito musical con una extraordinaria serie de trabajos, en donde combinaba sabiamente las nuevas sonoridades que experimentaba con el jazz, mezclándola con las músicas étnicas africanas y latinas. En 1969 con su álbum "Memphis Underground", Herbie Mann entraría por la puerta grande en el mundo de la música de masas gracias a un LP sorprendente y básico en la música popular del siglo veinte. En esta ocasión Mann toco los palos del soul y del rhythm and blues, bajo los influjos del jazz del sur norteamericano. En "Memphis Underground" Herbie Mann obtendría la colaboración de sobresalientes músicos provenientes del mundo del jazz como Larry Coryell, Roy Ayers, Reggie Young, Gene Chrisman, Miroslav Vitouš, Bobby Emmons o Sonny Sharrock. Considerado una de las obras maestra del jazz, es al mismo tiempo uno de los registros del genero jazzistico mas exitosos de todos los tiempos.

AC/DC-Black Ice (2008)

Sin duda alguna este se ha convertido en el álbum mas esperado de los últimos años, sin contar con la ya aburrida y desesperante historia del "Chinese Democracy" de los Guns and Roses, y aunque la espera ha sido larguísima también es cierto que ha valido la pena, ya que los hermanos Young se han sacado de la manga otro de esos discos que marcaran historia a la larga ya trayectoria de esta considerada por muchos la mejor banda de rock de todos los tiempos.
Y han vuelto por donde saben hacerlo a la perfección con ese rock pesado y contundente que les hizo ya míticos en los años 70 cuando Bon Scott era el alma matter del grupo.
Además han contado esta vez con uno de esos productores (Brendan O´Brien), que parecen preferir estar en la sombra y no ser protagonista de la película y es que este nuevo disco suena perfecto, casi tanto que y salvando las distancias del tiempo con lo que eso conlleva (nuevas tecnologías), deja a míticos productores como John “Mutt" Lange o Rick Rubin en paños menores, sin desmerecer en absoluto la categoría de estos dos genios de la producción.
Un álbum donde el rock clásico toma el protagonismo perdido en trabajos como “Fly on The wall" o “The Razor´s Edge” donde el heavy metal era muy patente.
Temas como “Rock´n´train”, “Skies on Fire”, “Big Jack”, “War Machine” o “Smash n´ Grab” nos dejan tan buen sabor de boca que incluso parece estar escuchando canciones de la época gloriosa del "Back in Black", además de otras que sorprenden por su extraña relación con la banda como “Anything Goes" con ese toque “pop” o “Stormy may day” con un Angus utilizando por primera vez una slide guitar.
El resto de temas, quince en total, siguen la tónica general del álbum manteniendo intacta la leyenda de una banda que aunque tarden en editar nuevo material, nunca defraudan a los millones de seguidores que tienen por todo el planeta, sin duda alguna, una de los mejores noticias que le podían ocurrir al mundo del rock´n´roll.

Dave Greenslade-Cactus Choir (1976)

En 1976 la formación británica Greenslade daba por acabada su aventura después de cuatro excelentes álbumes de brillante rock progresivo, sin embargo su principal impulsor Dave Greenslade, decidió armar otro proyecto bajo su propio nombre y lo comenzaba publicando "Cactus Choir" casi a finales del mismo año.

Para este nueva experiencia Dave Greenslade se rodearía de algunos reputados músicos como el baterista Simon Phillips, los bajistas John Perry y Tony Reeves, el guitarrista Mick Grabham o los cantantes Lissa Gray y Steve Gould entre varios invitados mas.

Bajo una excelente portada diseñada por Roger Dean, Dave Greenslade presenta un álbum prácticamente instrumental, en donde su arsenal de teclados que van desde sintetizadores, Mellotron, Moogs, Pianos eléctricos o órganos Hammond, muestra su enorme destreza bajo a una sección rítmica ajustada.

Pese a que mantiene la misma actitud progresiva de su anterior banda, el teclista incursiona otros terrenos más surrealistas y elegantes, creando unas atmósferas en general bastante agradable y accesible.

Además de alguna pieza orientada a la voz como la refinada “Cactus Choir”,  destacan la sinfónica "Forever and Ever", la pretenciosa "Finale", la épica "Swings And Roundabouts-Time Takes My Time" o la jazz rock "Country Dance".

Vangelis-Albedo 0.39 (1976)

El séptimo álbum del griego Vangelis es una de las obras maestras de la música electrónica, un trabajo en donde el músico se afianza aun mucho más en la electrónica y en los conceptos más espaciales. Por esos años Vangelis comenzaría a explorar los sintetizadores Yamaha, con los cuales y junto a otros teclados electrónicos y sintetizadores, mas una serie de instrumentos de percusión acústicos y electrónicos, logra crear unos inconfundibles lienzos emparentados con el habitual rock progresivo y sinfónico. Con "Albedo 0.39" el músico griego completaba una espectacular trilogía que había comenzado con el terrenal "Earth" (1973), y con el siguiente y místico "Heaven and Hell" (1975), cerrándola magistralmente con un trabajo en donde su música es creada desde el punto de vista del espacio observando la tierra. Sobresalientes piezas como la espacial y poderosa "Pulsar", la grandilocuente "Alpha", la astronómica "Main Sequence", la exótica "Free Fall" o la progresiva dividida en dos partes "Nucleogenesis", conforman uno de los trabajos mas vanguardistas y sólidos creados por el mago griego de los teclados.

Queen + Paul Rodgers-The Cosmos Rocks (2008)

El show debe continuar, “The Show Must Go On”, fue aquella canción que pertenece al album "Innuendo" (1991) que firmo Freddy Mercury (junto a sus compañeros) poco antes de morir y ya sabiendo la terrible enfermedad que padecía y por eso Queen (o al menos dos de sus integrantes, Brian May y Roger Taylor) han seguido girando y dando conciertos por todo el mundo junto a otro de los grandes cantantes de la historia como es Paul Rodgers.
Ahora han ido mucho mas lejos editando un nuevo álbum, con nuevo material, que aunque este firmado como Queen and Paul Rodgers el resultado final esta alejado de la épica y majestuosidad de la Reina, y las influencias son quizás más cercanas a lo que Rodgers ya nos tiene acostumbrados.
Habría que matizar que este "The Cosmos Rocks" es un estupendo disco de rock clásico, hecho por tres grandes músicos, sin embargo no podemos de dejar echar la vista atrás y hacer las odiosas comparaciones, ya que ellos han hecho lo que mejor saben hacer, buena música y buen rock, lejos de los típicos clones y lejos de intentar emular una época gloriosa pero ya pasada.
Quizás y aunque fuese mucho menos comercial, deberían haber firmado este trabajo con sus propios nombres, pero el mercado es el mercado y por eso esta elección.
Pero siempre y como decíamos antes, estarán las odiosas comparaciones, y para el monumental enfado y rabieta de muchos de sus fans y al mismo tiempo para la alegría de otros, ellos no han intentado engañar a nadie y han editado un disco muy variado y profesional, con una estupenda producción y una impecable ejecución, en donde por momentos encontramos ese sonido de Queen de antaño, pero muy de pasada, quizás a muchos les suene mas a trabajos de Bad Company, y es que la mano de Rodgers se nota y es bastante larga.
Un álbum en donde se dan cabida temas hard rock como “C-lebrity” o “Still Burnin´”, clásicos rock & roll al estilo de los Status Quo como “Cosmos Rockin”, temas blues deudores de los mejores Free como “Voodoo” o sutiles esencias de los Queen, con las baladas casi épicas "We Believe" o "Shome Things That Glitter", además de temas country rock como "Call me", y así todo un disco que gana a medida cada vez que se le escucha y dejando constancia de que es sin duda uno de los mejores trabajos de rock de lo que va de año, aunque el lastre que arrastra de los tiempos de Queen junto a Freddy Mercury, al cual esta dedicado este trabajo, pesa y mucho.

Metallica-Death Magnetic (2008)

“Death Magnetic” es el noveno álbum de  Metallica, que lejos de la línea del mediocre "St Anger", publicado cinco años antes, los norteamericanos vuelven por sus fueros con este nuevo lanzamiento, un hecho por otra parte que se convirtió en uno de los lanzamientos mas mediáticos de aquellos años, algo que compartieron con el  álbum "Black Ice" de los AC/DC, publicado ese mismo año del 2008.
“Death Magnetic” contiene un repertorio de meritorios temas y aunque es cierto que adolece de la épica de su etapa dorada, también lo es que en algunos momentos parecen recordar ese añorado periodo.
Y es que “Death Magnetic” es la vuelta de Metallica al sonido que les hizo famosos en los 80, cuando álbumes como “Master of Puppets”, "Justice For All" o el multimillonario "Black Album", les colocaron como la máxima referencia del heavy metal mundial.
Con este nuevo trabajo se alejan por fin de los sonidos pop y alternativos de los últimos discos y que a la postre les sirvió para perder una amplia legión de seguidores descontentos con el rumbo que estaban tomando musicalmente.

Cortes como "That was just your life", "All nightmare long", "My apocalypse", "Suicide & Redemption" o "Broken, Beat & scarred", casi podrían pertenecer perfectamente al repertorio de cualquiera de sus primeros álbumes. 

Santana-3 (1971)

El tercer álbum del grupo Santana sigue siendo tan rutilante como sus predecesores, y de hecho en ciertos aspectos los supera, sin embargo se bajan del jazz rock para seguir la faceta de un enérgico rock accesible, fusionado con los sonidos latinos, bajo con un claro denominador común, la brillante guitarra de Carlos Santana.

En este entrega aparece un nuevo integrante, el guitarrista Neal Schon, el cual cerraba una formación que esta compuesta por Gregg Rolie (teclados), Jose "Chepito" Areas (batería, voz y percusión), Michael Shrieve (batería), David Brown (bajo), Michael Carabello (percusión y voces) y Carlos Santana (guitarra y voz).

Comenzando con la enérgica "Batuka", un arranque que muestra el adelanto por donde trascurrirán los derroteros del álbum, pasando por explosivas piezas como "Jungle Strut", hasta pasajes relajados "Taboo" y "Everything´s Coming Our Way", fantasías de puro ritmo "No One To Depend", atractivas instrumentales "Toussaint L´Overture", radiantes canciones como "Everybody´s Everything" o la irresistibles latinas-rock “Guajira” y “Para Los Rumberos”.

Black Widow-Black Widow (1970)

Con su segundo lanzamiento, la banda británica de heavy progresivo Black Widow, se despojaron de sus letras satánicas y lúgubres de su álbum predecesor, pero al mismo tiempo también perdieron la vitalidad y la frescura de su música, para entregar un trabajo más convencional y previsible. Este segundo álbum esta compuesto por una mezcla de piezas pesadas de heavy progresivo con otras mas melódicas, todas ellas impulsadas por una visceral sección rítmica, un predominante órgano Hammond y unos ritmos de guitarra bluesy y funk. El comienzo del álbum no puede ser mas alentador con la hard rock/blues "Tears and Wine", una interesante canción de dinámicas interacciones entre los riffs de guitarras y el Hammond. A esta la siguen piezas menos interesantes como la agridulce "The Gypsy", la rock and roll “When my Mind Was Young” o la irregular "The Journey", tres canciones que muestran una cierta falta de inspiración, creatividad y un mayor desarrollo instrumental. Por otro lado son la potente blues rock "Poser", la siniestra y conmovedora "Mary Clark", la heavy rock "Wait Until Tomorrow" y la galopante jazz progresiva "Legend of Creation", los cortes mas destacados de un álbum que pese a no superar creativamente su tremendo debut, es una interesante colección de canciones del típico hard rock pesado de principios de los años 70.

Richard Wright

Richard Wright fue fundamental para crear el sonido psicodélico pionero que convirtió a Pink Floyd en la mejor formación del mundo. Sus atmosféricos órganos y sintetizadores, cargados de influencias del jazz, estaban en el primer plano de los temas de la banda. Otras veces brindaban un trasfondo fantasioso en el que el resto del grupo se podía sumergir.
Wright estudiaba arquitectura en el "Regent Street Polythenic" de Londres cuando conoció a Nick Mason y Roger Waters. En 1965 formaron los Architechtural Abdabs y posteriormente se les unió el estudiante de Arte, Syd Barrett y fundaron Pink Floyd. Se dieron a conocer en la escena artística underground de Londres "tocando música que las compañías discográficas no podían entender", como más tarde lo señaló el propio Wright. "Nunca tuvimos el deseo de ser famosos, de ser estrellas de rock and roll", indicó. Según sus propias palabras, el estilo musical de grandes del jazz como Miles Davis fue lo que más influyó en su forma de tocar los teclados. Barrett fue la fuerza creativa que lideró al grupo en sus inicios, pero el consumo de drogas lo llevó a un deterioro mental. El resto de la banda, sin embargo, no cayó en el uso de drogas duras. Wright probó ácido dos veces. La primera fue antes de estar en la banda, en lo que describió como una experiencia "muy placentera". La segunda no lo fue y lo hizo alejarse de por vida. "Es un error pensar que las drogas suministraron la inspiración de Pink Floyd", dijo. "Los que tomaban las drogas eran los asistentes a los conciertos". Después de la salida de Barrett y la llegada del guitarrista Dave Gilmour, la banda comenzó a redefinirse a finales de los '60 y comienzo de los '70, alejándose del pop excéntrico hacia el rock progresivo. Además de participar con sus teclados y con su voz como acompañamiento, Wright escribió muchas de sus canciones. Entre ellas se incluyeron la pieza instrumental de 13 minutos “Susyphuis” del disco “Ummagumma” de 1969 y “Summer'68” del “Atom Heart Mother”, el primero de los álbumes de la banda que ocupó el número uno. El siguiente disco, “Dark Side of the Moon”, de 1973, fue el canto del cisne de la banda.
Wright fue coautor en la mayoría de temas del álbum, incluyendo los temas “Breathe”, “Time” y “Us and Them”, pero su contribución más importante fue “The Great Gig in the Sky”.
En el siguiente álbum “Wish You Were Here”, los teclados de Wright tuvieron aun si cabe mayor protagonismo, siendo este disco el mas electrónico de la banda y en donde por muchos momentos se convierte en el instrumento solista del trabajo. El grupo se había convertido en una de las grandes bandas de los setenta y siguieron editando grandes discos, mientras que Wright también prosiguió una carrera como solista, editando el álbum “Wet Dream” (1978). Sin embargo, las relaciones entre los miembros de la banda comenzaron a deteriorase después del disco "Animals” (1977) y Waters terminaría despidiendo a Wright después del apoteósico “The Wall” en 1979. Waters amenazó con no lanzar el álbum si Wright se negaba a renunciar. Los otros miembros de la banda también se pelearon con Waters y en 1986 Gilmour y Mason comenzaron a trabajar en un nuevo disco sin él, “Momentary Lapse of reason”, Wright se reunió con ellos y continuaron grabando y dando giras con el nombre de Pink Floyd, luego de una larga batalla legal con Waters. Juntos hicieron dos discos más y dieron más de 100 conciertos en la gira para promocionar del álbum “The Division Bell” en 1994, que se convirtió en el tour más lucrativo del rock de la época. Después de eso, la banda entró en la inactividad. Wright lanzó otro disco como solista “Broken China” (1996), y terminó relajándose con su yate de 65 pies en las Islas Vírgenes. Navegar era su "terapia y consigue liberar todas las presiones que uno siente en este negocio", indicó. Wright se unió a su ex compañeros de grupo, con la excepción de Barrett, por última vez en el Festival Live 8 de Hyde Park en 2005. Desde entonces se especuló continuamente que el grupo podría volverse a reunir para hacer una gira. Pero con la muerte de Wright acontecida el 15 de septiembre del 2008, se cerro un capitulo de enorme importancia en la historia de la música rock.

The Ramones-Rocket To Russia (1977)

Para muchos esta es la obra definitiva del punk, un álbum perteneciente a la primera y más longeva formación de ese genero propiamente dicho y que junto a otras bandas con un estilo cercano al punk rock más antiguo, como The Stooges o New York Dolls, fueron la punta de lanza norteamericana de este sonido revolucionario. Sus influencias del rock and roll de los cincuenta y el pop rock de los sesenta las adecuaron a sus básicas estructuras instrumentales y compositivas. "Rocket To Russia" supuso el tercer lanzamiento de los neoyorkinos, el álbum que los confirmaría definitivamente como la "mejor banda de punk del planeta", mostrando un repertorio repleto de cortes joviales, directos y enérgicos. Con una retahíla de clásicos como "Here Today, Gone Tomorrow", "Surfin´Bird", "I Wanna Be Well", "Teenage Lobotomy", "Sheena Is A Punk Rocker", "Rockaway Beach" o "Cretin Hop", este álbum se convirtió en la obra cumbre del género y una clara influencia para las bandas británicas del punk de finales de los setenta y principios de los ochenta.

Journey-Revelation (2008)

"Revelation", es él decimo tercer álbum de Journey y el primero con su nuevo vocalista Arnel Pineda, que en sustitución del anterior Steve Augeri, debutaba exitosamente complaciendo con su extraordinaria voz a los millones de fans de la banda. En esta nueva entrega la banda sigue sonando como es habitual en ellos, con la grandilocuencia y la enorme brillantez que han mostrado siempre desde sus inicios a mediados de los setenta. La juventud y frescura del nuevo cantante es sin duda un soplo de aire fresco para los ya veteranos integrantes de la banda; Neal Schon, Ross Valory, Jonathan Cain y Deen Castronovo. Desde la magnifica hard rock melódica "Never Walk Away", hasta la contundente "Change For The Better", pasando por las preciosistas medios tiempos "Like a Sunshower" y "After All These Years", constituyen un trabajo repleto de composiciones brillantes, confirmándolos como una de las más grandes bandas de la historia del rock.

The Doors-Morrison Hotel (1970)

Con su quinto lanzamiento, el grupo californiano The Doors regresaban a sus raíces musicales ahondando en el blues y abandonando sutilmente la psicodélica y las experimentaciones anteriores. En esta entrega lanzada en 1970, el grupo liderado por Jim Morrison busco no cometer los mismos errores del anterior "The Soft Parade", en un intento de no perder la gran credibilidad que por entonces tenían. Conseguir ese objetivo fue una tarea ardua y difícil, teniendo en cuenta las circunstancias, ya que si mientras grababan el mencionado "The Soft Parade", apenas tuvieron tiempo para escribir y componer fuera del estudio de grabación, debido a las intensas giras y a las conductas problemáticas del irascible Morrison, menos aun lo tenían de cara a este quinto trabajo. Aún así lograron confeccionar un álbum realmente soberbio con algunas de las mejores canciones del grupo, canciones como el brillante blues "Roadhouse Blues", las rockeras "Ship Of Fools", "You Make Me Real" y "Land Ho!", las blueseras "The Spy", "Maggie M´Gill" y "Queen Of The Highway", la psicodélica "Waiting For The Sun" o la rítmica "Peace Frog". Con este "Morrison Hotel", The Doors reinventaron a los propios The Doors, mostrándolos en su pleno esplendor, volviendo los mas genuinos y explosivos y confeccionado una de sus mejores entregas y uno de los grandes discos de los años sesenta, pese a que fue publicado a principios de los setenta.

Neil Diamond-Home Before Dark (2008)

La asociación que Johnny Cash y Rick Rubin dejo patente en grandes discos en la ultima etapa del hombre de negro, vuelve ahora pero esta vez junto a Neil Diamond. Si ya antes los exquisitos "American Recordings" del duo-Cash-Rubin, fueron todo un éxito de criticas y ventas, con estas nuevas entregas junto a Neil Diamond no se quedan atrás, hay que decir que ya habían colaborado juntos en el álbum "12 songs", ahora con este nuevo trabajo titulado "Home before dark", volvemos a escuchar al gran Diamond con canciones honestas, con una voz impresionante y con la maestría de un reputado productor como es Rubin.
Además en el álbum colaboran músicos del calibre de Mike Campbell y Benmont Tench de los Heartbreakers de Tom Petty.
En definitiva un disco que recupera a uno de los grandes músicos de la historia con un trabajo exquisito y con una producción sencilla y con talento.

King Crimson-Beat (1982)

Para el líder de los King Crimson, Robert Fripp, no le seria nada fácil la tarea de grabar un nuevo álbum después del sorprendente "Discipline" de 1981, por lo que de alguna manera se volvía a repetir la misma historia de diez años atras, cuando en 1970 lanzaron "In The Wake Of Poseidon", un enorme y monumental disco que fue eclipsado por el anterior "In The Court of the Crimson King". Si en "Discipline" mostraban la nueva e innovadora cara del grupo adentrándose en el pop y la new wave, bajo los influjos de los sonidos complejos y progresivos, en "Beat", las influencias de Adrian Belew cobran mucho más protagonismo, acercando el sonido de la banda al estilo del funk pop-rock de su banda anterior Talking Heads. Pese a no mostrar la majestuosidad y el genio compositivo de sus mejores discos, en esta entrega aun hay elementos muy rescatables como la dinámica instrumental "Sartori in Tangier" o la frenética "Neurotica", piezas repletas de guitarras poli rítmicas cortesía de Belew y Fripp y una sección rítmica precisa y compleja, ejecutada por dos verdaderos maestros como son Bill Bruford y Tony Levin. Esas referencias mencionadas anteriormente a los Talking Heads, están presentes en las pegadizas "Neil and Jack and Me" y "Heartbeat", mientras que la inquietante "Two Hands" o la sofisticada "Waiting Man", muestra que en este noveno álbum la banda aun seguia muy interesada en concebir una música enigmática, atrayente y vanguardista, pese al varapalo que obtendría por una gran parte de sus fans mas ortodoxos, que lo tacharon de una mera copia descafeinada del anterior "Discipline".

Sunday Funnies-Benediction (1972)

Sunday Funnies son junto a Rare Earth, de las primeras bandas de músicos blancos que ficharon por el sello eminentemente negro Motown, con sede en Detroit. Formados en los años 60, tuvieron cierta relevancia al ser apadrinados por el productor y manager de The Rolling Stones en esos años, Andrew Loog Oldham. Su estilo psicodélico de influencias soul y gospel, se ven claramente reflejados en sus dos únicos lanzamientos. Su formación estaba compuesta por Richard Mitchell (batería), Richard Fidge (cantante), Ron Aiken (guitarra, bajo y voz), y Richard Kosinski (teclados y voz). Durante algún tiempo bajo el apoyo de la Motown, los Sunday Funnies realizaron varias giras abriendo para Deep Purple, Fleetwood Mac, Savoy Brown y James Gang, cosechando entre el publico una buena reputación como banda de directos. Siguiendo la estela del musculoso soul rock, con unas voces de grandes armonías y ritmos funk de su primer álbum, en 1972 publicaron su segundo lanzamiento, este "Benediction", en el cual incluso logran materializar unos mejores arreglos y unas atmósferas musicales aún mas psicodélicas. La voz gruñona de su cantante principal, la distorsionada guitarra, un bajo atronador y un agudo teclado, impulsan el contenido del disco como se aprecia en la funk "Get Funk", la enérgica "Double Grace", la reflexiva balada "Two Halves of a Whole", la bluesy "Keep on Trucking", la gospel "Power & The Glory", la conmovedora "The Pillow" o la reelaborada versión del clásico de la Motown "Reach Out I´ll Be There". Para cuando se lanzo el álbum, la Motown ya había perdido el poco interés que tenia en esta banda, hasta el punto de ni siquiera se molestaron en promocionarlos debidamente. Este hecho además de otras cuestiones, llevaría la banda a terminar sus días algún tiempo después perdiéndose en la inmensa oscuridad del túnel del tiempo.  

Eric Clapton

Eric Clapton esta considerado uno de los mas extraordinarios guitarrista de la historia,
tenaz defensor y apasionado del blues, ha sido un personaje fundamental en la historia de la música rock durante las ultimas cinco décadas.
Nacido el 30 de marzo de 1945 en la localidad británica de Ripley, perteneciente al condado de Surrey, Eric Clapton creció con sus abuelos, quienes le regalaron su primera guitarra cuando cumplió catorce años, comenzando así su innata senda artística, devorando y emulando a sus ídolos del blues como Muddy Waters, Robert Johnson o B.B. King. Con su progreso instrumental, el adolescente Eric fue perdiendo interés en los estudios y tras dejar el Kingston College of Art, volcaría sus esfuerzos y aptitudes en la creación de su primera banda, llamada The Roosters, un grupo de R&B con el que dio sus primeros conciertos en los clubes londinenses. Posteriormente se uniría al grupo Casey Jones & The Engineers.
Su primera gran banda serian los Yardbirds, grupo al que se incorporo en 1963 para sustituir a Tony Topham. En esta influyente formación profundizaría en sus raíces blues y conseguiría una meteórica fama gracias a su depurada técnica guitarrística entre los aficionados al R&B y a la música negra que asistían al Crawdaddy Club. Sus seguidores le terminarían apodando "Slowhand" (Mano Lenta). El compromiso con los Yardbirds se romperÌa tras grabar el grupo el single escrito por Graham Gouldman "For your love", al no estar de acuerdo con el cambio de sonido efectuado por la banda, pues abandonaban las raíces blues a favor de posturas pop mas comerciales.
Para continuar desarrollando su dirección blues se unió a los Bluesbreakers de John Mayall, uno de los grandes artífices del blues británico. Ahora su nuevo apelativo vendría determinado por una popular pintada en una calle de Londres, realizada por un seguidor que expresaba "Clapton is God". Nacía de esta manera el dios británico de la guitarra. Tras participar en multitud de conciertos y en la grabación de un álbum con los Bluesbreakers, “Bluesbreakers With Eric Clapton” (1966), Eric dejo a Mayall para crear en 1966 el grupo Cream, su banda mas representativa e importante, pues asentó los cimientos del power trío con una espectacular fusión ente rock, blues y los sonidos psicodélicos. Los otros integrantes del trío eran el bajista Jack Bruce y el batería Ginger Baker, ex miembros de la Graham Bond Organisation que se convirtieron en los complementos ideales para que Cream se erigiese en una de las formaciones mas importantes y exitosas de su época, grabando imprescindibles álbumes como "Fresh Cream" (1966), "Disreali Gears" (1967) o "Wheels of Fire" (1968). Tristemente y debido a disputas personales, el trío se separaría en 1969 tras una triunfal y apoteósica gira de despedida.
Ese mismo año, Eric, Ginger Baker y dos importantes miembros del rock británico de todos los tiempos como Steve Winwood (Spencer Davis Group y Traffic) y Rick Grech (Family y Traffic) formaron el supergrupo Blind Faith, proyecto que no tuvo continuidad a pesar de grabar un fenomenal álbum de titulo homónimo “Blind Faith” (1969). En 1970 y harto de su talante de estrella, Clapton decidió formar parte como simple guitarrista de la Plastic Ono Band de John Lennon y colaborar con la pareja Delaney & Bonnie, quienes habían actuado como teloneros de Blind Faith. Con su ayuda, Eric publico su primer álbum en solitario titulado simplemente "Eric Clapton" (1970), con canciones co-escritas en su mayoría con Delaney Bramlett, desde unos cimientos R&B y elementos de rock'n'roll, pop y country.
Con los músicos que acompañaban a Delaney & Boney, Clapton formaría Derek & The Dominos, grupo que obtuvo un gran éxito con la composición "Layla", incluido en el álbum “Layla & Other Assorted Love Songs” (1970), un clásico que contó con la participación de Duane Allman, acompañando a Eric en la guitarra. Esta canción estaba dedicada a Pattie, la por entonces mujer de George Harrison de la que Eric se había enamorado mientras colaboraba con el ex Beatle en la grabación del álbum "All things Must Pass" (1970).
Por esa época comenzaría un largo calvario para el gran guitarrista, al ser atrapado por las drogas y su adicción a la heroína, que incluso le llevaría a vender parte de sus emblemáticas guitarras para la adquisición de la droga. Cuando se encontraba al borde de la muerte, surgieron muchos compañeros de profesión en apoyo de Clapton, especialmente el líder de los Who, Pete Townshend, que organizo en su ayuda el concierto Eric Clapton At The Rainbow. Un multitudinario concierto que contaría con la participación de Ronnie Wood, Ric Grech, Jim Capaldi, Steve Winwood o Rebop Kwaku Baah y que algún tiempo después seria lanzando como “Eric Clapton´s Rainbow Concert” (1973).
Posteriormente se internaría en la clínica Harley Street para desintoxicarse de su dependencia. Años después el propio Clapton fundaría un centro de desintoxicación para drogo-dependientes al que llamaría Crossroads.
En 1974 regresaría los estudios para grabar el estupendo "461 Ocean Boulevard" (1974), disco que presentaba la exitosa versión de Bob Marley "I Shot the Sheriff", la cual llegaría al numero uno en las listas de éxitos. A este álbum le seguirían "There's One in Every Crowd" (1975), "No Reason to Cry" (1976), “Slowhand” (1977) o “Backless” (1980).
Antes había participado en la despedida de The Band, documentado en el triple álbum y la película “The Last Waltz” (1978). La década de los ochenta comenzaría con la publicación del doble en directo “Just One Night”, grabado en el mítico Budokan de Tokio.
Un año después llegaría “Another Ticket”, con el que vuelve a obtener un gran éxito, mientras los siguientes “Behind The Sun” (1985), y “August” (1986), obtienen un moderado impacto, pero manteniendo su estatus de gran guitarrista.
Ya casi al final de la década llegaría su mejor álbum de los ochenta “Journeyman” (1989), logrando dos discos de platino por sus ventas.
La década de los noventa empezaría trágicamente para Eric Clapton, el 27 de agosto de 1990, y mientras realizaba una gira junto al guitarrista Stevie Ray Vaughan, el helicóptero que los traslada después de uno de los conciertos se estrella, falleciendo el propio Stevie y varios de sus técnicos. Casi un año después, volvería a suceder otro trágico acontecimiento, su hijo Connor, el cual contaba con cuatro años de edad se precipita desde el piso 53 del rascacielos donde residía junto a su madre en Manhattan, falleciendo al instante.
Algún tiempo después Eric Clapton compondría uno de sus temas mas melancólicos y sentidos en memoria de su hijo Connor titulado “Tears of Heaven”.
Este corte fue incluido en su álbum “Unplugged” (1992), con el cual consigue unas asombrosas ventas de mas de 25 millones de copias a nivel mundial.
Varios años después el guitarrista vuelve a la senda de sus raíces blues con el soberbio “From the cradle" (1994) y posteriormente con el notable "Riding with the king" (2000), un trabajo en el cual que contaría con la colaboración de uno de sus grandes ídolos de juventud como B.B.King.
Posteriormente publicaría el diverso "Pilgrim" (1998) en donde coqueteaba con el soul y volvía a conseguir un enorme éxito gracias a los hits "Changes the World" o "My Father's Eyes". Su ultimo lanzamiento seria "Reptile" (2001), un álbum que le mantenía con éxito en la cúspide del rock en el nuevo milenio.