Deep Purple-Stormbringer (1974)

El noveno álbum de Deep Purple titulado “Stormbringer”, fue publicado el mismo año que el anterior “Burn”, y fue el segundo con la nueva formación en donde aparecían el vocalista David Coverdale y el bajista Glenn Hughes que habían sustituido a Ian Gillan y Roger Glover después del álbum “Who Do We Think We Are” de 1973.
Pero además con estos cambios mencionados, también había comenzado un cambio en el estilo del poderoso hard rock de los clásicos Deep Purple, hacia derroteros enfocados a los sonidos funk y soul que ya se intuían de manera sutil en el anterior “Burn”.
En “Stormbringer” esos sonidos ya prácticamente inundan el estilo del grupo como queda demostrado en temas como la funk psicodélica “Love Don´t Mean A Thing” y la soul “You Can´t Do It Right”, que manifestaban las influencias de Coverdale y Hughes a la hora de componer en detrimento del liderazgo compositivo de Ritchie Blackmore. Otra muestra de ese cambio esta en la atmosférica y planeadora “Holy Man” y la soul rock “Hold On”. Sin embargo el sonido clásico no desaparece totalmente y esta presente en la dinámica “High Ball Shooter”, en la poderosa “Strombringer” y en la magnifica rock “Lady Double Dealer”, mientras la portentosa “The Gypsy” es una antesala de lo que muy pronto Blackmore haría con sus Rainbow.
El álbum acaba con una de las grandes baladas de toda la historia de la banda como es “Soldier of Fortune”, un prodigioso tema en donde sobresalen la voz de Coverdale, la guitarra de Blackmore y las enormes capas de teclados de Jon Lord.
“Stormbringer” tuvo un feroz recibimiento por parte de los fans de la banda, que con el tiempo fue recuperando el lugar que se merece como uno de los grandes momentos del hard rock de los setenta.
Meses después Blackmore abandonaba Deep Purple para fundar su propia banda “Ritchie Blackmore´s Rainbow” y el resto seguiría adelante con el nuevo guitarrista Tommy Bolin con el que publicarían el meritorio “Come Taste The Band”.

Winterhawk-Revival (1982)

El único álbum en estudio de los norteamericanos Winterhawk, titulado “Revival”, esta considerado por muchos, como uno de los mas destacados trabajos del hard rock orientado a las guitarra de todos los tiempos. Esta banda procedente de Chicago, son comparados con cierta frecuencia con los canadienses Rush, por su semejanza en sus patrones instrumentales y al timbre de voz de Doug Brown, que se asemeja enormemente a la de Geddy Lee.
Sin embargo musicalmente Winterhawk derivo su estilo hacia las raíces primitivas del hard rock americano, a diferencia de la banda canadiense, mas influenciada en el hard rock blues británico, heredera de bandas como Led Zeppelin, con un estilo que ya mostraban en sus tres primeras obras, “Rush”, “Fly By Night” y “Caress Of Steel”.
No obstante no cabe duda de que en muchos de sus pasajes instrumentales, la sombra del trío canadiense es elocuente, como demuestra el corte que da titulo al álbum, o la dinámica “Sanctuary”, e incluso en la hard rock con aires progresivos “Period Of Change”. Por otra parte “Ace In The Hole”, muestra la diversidad del grupo con una pieza musculosa de jazz rock instrumental, mientras la Southern rock “Can´t See The Forest For The Trees” y sobre todo la antológica jam “Free To Live”, demuestra el deslumbrante talento de su guitarrista Jordan Macarus con sus vertiginosos y arabescos solos con las seis cuerdas, dejando patente que es uno de los grandes y al mismo tiempo desconocidos guitarristas del hard rock de los setenta.

George Hatcher Band-Dry Run (1976)

George Hatcher es uno de los mayores héroes anónimos del southern rock, uno de esos músicos que destilan genialidad y creatividad por igual y que tuvo que emigrar a mediados de los 70 a Europa para tener cierta relevancia con su banda George Hatcher Band.
Originario de Carolina del Sur, George Hatcher ya había experimentado su vena musical en varios grupos locales que pasaron sin pena ni gloria llamados Frantic y Flatrock. Ya en 1974 se decide probar fortuna en Inglaterra en donde forma junto a los ex Curved Air; Stuart Copeland, famoso algún tiempo después por fundar The Police, y Darrel Way, el grupo de corto recorrido Stark Naked And The Car Thieves, con los que gira durante algún tiempo por diferentes ciudades del país.
Después de esta efímera aventura, funda la George Hatcher Band, para la cual contó con la colaboración del guitarrista John Tomas y al ex batería de Renaissance, Terry Slade, para poco después integrarse el bajista Harris Joannou, el guitarrista Phil Swan y el teclista Steve Wren, completando de esta manera la banda de manera definitiva.
Gracias al sello United publicaron su primer álbum titulado “Dry Run”, un trabajo orientado a los sonidos sureños con acercamientos al boogie rock como queda demostrado en la inicial “Lucky Guy”, otros temas destacados son “All Night Gambler”, “Rockin´in The Morning, “Firts Thing Smoking” o “Good Friend”, en donde encontramos un estilo influenciado por el country rock y el blues sureño que en muchos momentos nos recuerdan a los Allman Brothers Band.
Durante los siguientes años la banda seguirá publicando grandes trabajos como “Talkin´Turkey” (1977), "Rich Girl” (1978) y “Coming Home” (1980), todos ellos de gran recibimiento mediático, lo que les valdría participar en el Festival de Reading o telonear a artistas como AC/DC, Ted Nugent, Aerosmith o Molly Hatchet por el Reino Unido.
Ya de regreso a los Estados Unidos, en 1985 publicaría su ultimo álbum “Hindsight”, retomando la actividad bien entrado los años 2000, con una serie de conciertos y una banda totalmente reformada y girando con bandas punteras como Molly Hatchet, Cheap Trick, Black Oak Arkansas, The Outlaws, Black Sabbath o Scorpions o actuando como banda principal para grandes audiencias de hasta 80 mil personas junto a los 38 Special, como el celebrado en el año 2002 en el famoso festival Speed Street de Charlotte.

The Clash-Sandinista (1980)

En 1980 The Clash publicaban su quinto trabajo, “Sandinista”, un triple álbum que como perfectamente se refleja en su portada, se ven a sus cuatro componentes de espaldas a un muro, como a punto de ser fusilados, la imagen que describe perfectamente los últimos destellos y coletazos del punk.

Cuando fue publicado a nadie le sorprendería esta apabullante colección de canciones, un año antes ya habían hecho algo parecido cuando lanzaron el doble álbum “London Calling”, un trabajo repleto de temas herederos del rock´n´roll como queda demostrado incluso desde su icónica portada, en un claro guiño al famoso primer álbum de Elvis Presley.  "Sandinista" esta conformado por 36 canciones, no todas de gran calidad, pero como es obvio, en un numero tan elevado de composiciones es algo lógico que así sea. Por ironías del destino a pesar de ser un álbum íntimamente antiamericano, “Sandinista” fue un gran éxito de ventas en los Estados Unidos, gracias en parte a los diferentes estilos y sonidos que en el van enmarcados, desde el rap, hasta el blues, pasando por dub y el rock.
Estilos tan dispares como el rockabilly “The Leader”, las baladas épicas “The Magnific Seven” o el reggae “Junco Partner”, se alternan con composiciones realmente sorprendentes y de gran calidad como “Somebody Got Murdered”, “The Call Up”, “Washington Bullets”, “Police on My Back” o “Rebel Waltz”.
Aún así y con tanto derroche de canciones, “Sandinista” no resulta un álbum fácil, su desarrollo es bastante oscilante y su repertorio peca en exceso de desconcertante y desordenado, algo muy habitual en la filosofía punk, y este álbum en concreto escenificaría la biografía de toda una generación en el umbral de una nueva década y la decadencia y caída posterior de un genero que casi al mismo tiempo que macío fue devorado por su propia imagen.

Grateful Dead-Live Dead (1969)

En 1967 Grateful Dead habian publicado su primer álbum debut titulado genericamente “Grateful Dead”, un trabajo con un repertorio de canciones aún poco definidas e influenciadas por el blues y la gran personalidad de los músicos de la banda.
Después de ello el grupo se ampliaría con el teclista Tom Constanten y el percusionista Mickey Hart, dos músicos que serán fundamentales en el devenir de la carrera del grupo en los próximos años.
Por entonces el resto estaba formado por el guitarrista, líder y su alma máter Jerry Garcia, el batería Bill Kreutzman, el bajo Phil Lesh, el teclista Ron McKernan y el guitarrista Bob Weir.
Con esta formación la banda publico su primera gran obra maestra “Anthem Of The Sun” en 1968, al que seguirá un año después otra obra fundamental como “Aoxomoxoa”, trabajos en donde queda reflejado el impresionante poderío del grupo, con sus entramados y originales temas, sus jams instrumentales, las atmósferas difusas y los larguísimos solos de todos sus virtuosos músicos.
Sin embargo era en directo cuando Grateful Dead sabian sacarles el máximo rendimiento y las grandes posibilidades a su repertorio; con extensas exhibiciones que se prolongaban hasta el amanecer y en las que el publico quedaba atónito por la avalancha de sonidos creativos y apoteósicos.
Debido a estas memorables actuaciones crecería en torno al grupo un fenómeno llamado los “Deadheads”, multitudinarios grupos de fans organizados por todos los Estados Unidos, que nunca les abandonaron, hasta la disolución de la banda en el 2015, aún así, hoy en día el movimiento “Deadheads” es uno de las mas poderosos e influyentes que existen en los Estados Unidos.
Para divulgar lo mejor posible la magia de aquellos conciertos, se publico el doble álbum “Live Dead”, que aparecería casi a finales de 1969 y que esta constituido por un repertorio extraído en diferentes noches en el Fillmore West de San Francisco durante los primeros meses de 1969.
Pero también fue lanzado para de alguna manera paliar y compensar la deuda que Grateful Dead habían contraído con la Warner Bros con su álbum “Aoxomoxoa”, que debido a la extensa y minuciosa producción, les había costado la friolera de 180 mil dólares.
Dicho álbum en su momento no tuvo unas grandes ventas, pero no obstante sus directos si estaban obteniendo un aumento significativo de un publico de culto, gracias a sus prolongados shows, que oscilaban entre las tres y seis horas de concierto cada noche.
Hay que matizar que Grateful Dead fueron una banda excepcionalmente dedicada a la perfección de la interpretación, la originalidad musical, la producción de sus grabaciones y las vastas improvisaciones en vivo. En este punto no debemos olvidarnos de su famoso y mítico “Wall Of Sound”, un enorme y sofisticado sistema de sonido fabricado exclusivamente para la banda y del que tenéis mas información en el enlace del final del post.
“Live Dead” comienza con la monstruosa y monumental “Dark Star”, que con sus 23 minutos de duración es sin duda el “Santo Grial” de los mencionados “Deadheads”, y uno de los temas de vanguardia y exploración que se convirtió en una forma de arte en el rock. Construida sobre dos simples acordes principales, es sin duda el pasaje sonoro mas completo y complejo de la banda y requiere una cantidad sobrehumana de telequinesia, confianza y...LSD ( el estupefaciente preferido de la banda y sus seguidores) para su escucha y comprensión (o por lo menos eso manifestaban los miembros del grupo y los fans).
En su momento mas indulgente, los Dead podían tocar “Dark Star” durante literalmente horas sin parar, divulgando en muros de retroalimentación, exploración de vanguardia y largas improvisaciones, antes de volver a los dos simples acordes iniciales.
El resto de este doble álbum esta compuesto por la destartalada y psicodélica “St.Stephen”, la brillante “The Eleven”, el largo blues experimental “Turn On Your Love Light”, el cadencioso blues “Death Don´t Have No Mercy”, y la vanguardista y lisérgica “Feedback”.
“Live Dead” esta considerado para los mas puristas en la música en vivo, como el mejor registro en directo de la historia, fundamentalmente por que nunca nadie sonó tan sobrenaturalmente como ellos lo hicieron en sus memorables y únicos shows de aquellos añorados años. 

Wall Of Sound 

Lowell George-Thanks, I´ll Eat It Here (1979)

Lowell George es sin duda uno de los iconos de la música de raíces norteamericana, cantante, multi-instrumentista, y productor, salto a la fama después de su paso por los Mothers of Inventions de Frank Zappa y por liderar durante casi una década a los incombustibles Little Feat. En su faceta instrumental, destaco por su destreza con la slide guitar, sin embargo dominaba también otros instrumentos como la harmónica, el saxofón, la flauta o la guitarra.
Con Little Feat publico una serie de grandes obras como su álbum debut del mismo titulo, o los posteriores "Sailin´Shoes”, “Dixie Chicken” o “The Last Record Album”, sin dejar de mencionar el doble en directo “Waiting For Columbus”, todo un clásico de los discos en vivo.
No seria hasta finales de la década de los 70 cuando se decidiría publicar su primer álbum en solitario, "Thanks, I´ll Eat It Here", en donde mostraba su variopinto estilo musical, alternado temas de cosecha propia con versiones de artistas como Allen Toussaint o Rickie Lee Jones.
"Thanks, I´ll Eat It Here" muestra la enorme variedad de sonoridades musicales de Lowell George, como queda demostrado en el tema "What Do You Want The Girl To Do" en el cual confirma sus influencias de la música de Nueva Orleans, mientras las versiónes de Rickie Lee Jones "Easy Money", "I Can´t Stand The Rain" de Ann Pebbles o la de Jimmy Webbs "Himmler´s Ring", son adaptadas genialmente a su estilo ecléctico y versátil de manera brillante, por otro lado sus propias composiciones resultan atractivas como queda demostrado en los cortes "Two Trains" y "Twenty Million Things".
Para la grabación de este álbum Lowell George había contado con la colaboración de una parte de la flor y nata de la música de la costa oeste como David Foster, Bonnie Raitt, Nicky Hopkins, Jim Price, Michael Baird o Jim Keltner entro otros muchos.
Tras la publicación del álbum, Lowell George, formo una banda para promocionarlo en una serie de conciertos por todos los Estados Unidos, al mismo tiempo que anuncio la separación definitiva de Little Feat. Pero apenas le dio tiempo para empezar dicha gira, el 29 de junio de 1979, fallecería fulminado por un ataque cardiaco, dejando con su muerte un vacío irremplazable en la música norteamericana.
Posteriormente se celebraría un tumultuoso concierto en su homenaje en el Forum de los Ángeles en donde participaron su banda Little Feat, Bonnie Raitt, Jackson Browne o Linda Ronstadt entre otros. En los sucesivos años se han publicado varios álbumes de tributos de Lowell George como "Rock´n´Roll A Tribute Lowell George", con artistas como Randy Newman, Eddie Money o J.D. Souther, mientras otros artistas como The Black Crowes o Van Halen han hecho readaptaciones de temas suyos y otros como Christopher Cross le dedicaron canciones como la famosa y archiconocida "Ride Like The Wind".

Bad Company-Desolation Angels (1979)

Este fue el penúltimo álbum de los Bad Company mas clásicos, aquella que tenia entre sus filas a su formación mas exitosa, compuesta por el vocalista Paul Rodgers, el guitarrista Mick Ralphs, el baterista Simon Kirke y el bajista Boz Burrell y que supuso su ultima gran obra antes del mediocre epitafio que supuso el lanzamiento “Rough Diamonds”.
En “Desolation Angels”, Bad Company abandonan de alguna manera sus raíces de blues por un rock poderoso y potente. La monumental “Rock´n´Roll Fantasy” abre este fantástico álbum, un tema que tiene todos los alicientes para convertirse en todo un clásico del rock, ritmo pegadizo, grandes melodías, un sonido pesado y unos estribillos irresistibles. “Crazy Circle” por su parte muestra a los chicos malos mas zeppelianos, con un tema acústico muy adictivo, con “Gone, Gone Gone” y “Evil Wind” asoma el hard rock de gran factura y enorme calidad. Con “Early in Morning” muestran su faceta mas sentida con una composición memorable. Para la segunda cara del álbum dejan sus momentos mas clásicos con la boogie rock “Lonely For Your Love”, la rock sureña “Oh Atlanta”, la country polvorienta “Take The Time” o la impresionante funky rock “Rhythm Machine”, para terminar este sobresaliente álbum con la épica medio tiempo “She Brings Me Love”.
“Desolation Angels” lograría un tercer puesto en las listas norteamericanas con varios discos de platino y volvería a colocar a Bad Company en la cúspide de la música rock, luego de varios años sin publicar un nuevo material desde aquel y prodigioso “Burnin´ Sky” de 1977.

Creedence Clearwater Revival-Willy And The Poor Boys (1969)

En 1969 era tal la hemorragia creativa de la Creedence Clearwater Revival que se permitirían el lujo de publicar tres álbumes en un mismo año, un hecho insólito en la historia de la música rock.
Si en enero de ese año ya habían publicado su contundente “Bayou Country” en el que confirman el sonido del grupo, con ese primitivo y básico estilo que fusionaban el rock, el blues, el country, el soul y el rockabilly, en agosto lanzaban “Green River”, un álbum que mantenía un gran nivel dotando su sonido con mas contundencia y rotundidad, para ya a finales de ese año publicar “Willy And The Poor Boys”, con el cual terminan de consolidar su poderoso e irresistible rock con un lanzamiento que contenía memorables canciones como “Fortunate Son” y “Down On The Corner”. Sin embargo este soberbio cuarto álbum no solo vivía de las excelencias de esas dos canciones, además el resto estaba compuesto por tremendas composiciones como la rock and roll “It Came Out Of The Sky”, la country rock “Cotton Fields”, la cadenciosa “Feelin´Blue”, la adictiva rockabilly “Don´t Look Now”, la melódica rock “Midnight Special” o la bluesy “Side O´The Road”.

Eric Clapton-Journeyman (1989)

Durante gran parte de la década de los ochenta, el periplo musical de Eric Clapton estuvo marcado por álbumes de poco bagaje en términos de calidad y comercialidad, con trabajos bastante previsibles y muy alejados de sus obras de la década anterior. Así discos como “Another Ticket”, “Money and Cigarettes” y “Behind The Sun”, fueron experimentaciones muy apartadas de su estilo blues, mas enfocados en los sonidos electrónicos típicos de los ochenta, además con un descafeinado Eric Clapton, tanto en el plano compositivo como instrumental.
Casi al final de los ochenta llegaría su undécimo trabajo, “Journeyman” en donde recuperaba su estilo inconfundible y regresando a sus raíces blues. Grabado entre los estudios The Power Station en Nueva York y The Town House de Londres, durante gran parte de 1989, en los cuales colaborarían una retahíla de grandes músicos como Robert Cray (guitarra), Nathan East (bajo), George Harrison (guitarra), Pino Palladino (bajo), Phil Collins (batería), David Sanborn (saxo) o Daryl Hall (voces), entre otros muchos.
Un álbum que comienza con la espectacular “Pretending” que es junto a la encantadora bluesy “Running On Faith”, la pegadiza “Bad Love” y la soul rock “No Alibis”, lo mas brillante de este lanzamiento. Sin embargo su característico blues esta presente en los cortes  “Before You Acuse Me”, “Old Love” y en la jazzistica “Hard Times”, mientras “Lead Me On”, “Run So Far” y “Anything For Your Love”, muestra el Clapton mas pausado con sus habituales y encantadoras baladas.
Con este álbum Eric Clapton volvía a figurar entre los primeros puestos de las listas de éxitos, obteniendo media docena de discos de platino y unas ventas superiores a los cuatro millones de copias a nivel mundial, además y lo que es mas importante, volvió a recuperar su credibilidad perdida durante algunos años como uno de los mejores guitarristas de la historia del rock.

Genesis-Live (1973)

Incomprensiblemente este fue el único registro en vivo de Genesis con Peter Gabriel durante casi 25 años, hasta que aparecería en 1998 el Box Set titulado “Genesis Archive 1967-1975”, en el cual se incluía diverso material en vivo de los primeros ocho años del grupo.
Lanzado en 1973, inicialmente fue concebido para hacerle sombra a la gran cantidad de discos piratas de Genesis que existían en aquellos años, la gran mayoría de ellos de pésima calidad, y si bien este “Live” sin tener una grabación en términos de calidad sobresaliente, es un digno y fiel testimonio de lo que el grupo era capaz de hacer en directo en aquellos años. Los temas que componen este directo fueron extraídos de la gira del álbum “Foxtrot” a principios de 1973 y mas concretamente durante un concierto ofrecido en la ciudad británica de Leicester. Antes de la publicación de este álbum, la Charisma Records barajo la idea de lanzarlo como doble Lp, pero finalmente fue publicado como álbum sencillo y debido a ello sacrificando el tema estrella de Genesis en aquellos años, la suite de 23 minutos “Supper´s Ready”. Esto fue motivado por diferentes causas, entre ellas para llegar a mas publico con un precio de salida de menor costo y así aumentar las ventas y la popularidad del grupo, sobre todo en el poderoso mercado norteamericano, el cual mostraba por la época un escaso interés por el grupo británico.
Sin embargo, fue publicada una edición limitada de doble LP, que solo fue lanzado en Holanda por el sello Philips, donde curiosamente se si se incluyó "Supper's Ready", el cual por motivos obvios se convirtió a partir de entonces en una pieza de coleccionista. 
Los cinco temas que aparecen aquí están sujetos a las previas explicaciones de Peter Gabriel contando brevemente las historias de las canciones a interpretar. El repertorio esta compuesto por vibrantes y poderosas versiones de los temas “Get´Em Out By Friday”, “The Return Of The Giant Hogweed”, “The Musical Box”, “The Knife” y la inicial, con una sombría e hipnótica entrada, “Watcher Of The Skies”.


Neil Young and Crazy Horse-Zuma (1975)

En su séptimo álbum, Neil Young, volvería a contar con la participación de los Crazy Horse, aunque este seria el primero sin su guitarrista original Danny Whitten, fallecido tres años atrás, y sustituido aquí por Frank “Poncho” Sampredro. También es uno de los álbumes mas melódicos del músico canadiense, que sin embargo sigue manteniendo esa filosofía de rock contundente aunque impregnada sutilmente en algunos momentos de guitarras acústicas, con un acercamiento al country rock.
Para la grabación de este nuevo álbum firmado como Neil Young and Crazy Horse, el guitarrista canadiense obtuvo la colaboración de sus tres ex compañeros en CSN&Y; David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash, quienes ponen sus voces en el tema folk “Through My Salis”, el resto de músicos esta compuesto por el batería y voces Ralph Molina, el bajista y voces Billy Talbot, además del mencionado guitarrista Frank Sampedro.
En “Zuma” se escuchan ecos a álbumes como “Harvest” reflejado en acústica “Pardon My Heart”, o como “Everybody Knows This Is Nowhere” con la country rock “Lookin´For a Love”. El resto lo conforman temas de rock melódico como “Don´t Cry No Tears”, “Barstool Blues” o “Stupid Girls”, pero son las extensas y soberbias “Danger Bird” y la iconica “Cortez The Killer”, ambas una clara muestra del gusto por las improvisaciones guitarrísticas de Neil Young, las mas destacadas y piezas fundamentales en la carrera del mítico músico canadiense.

Metallica-...And Justice For All (1988)

Durante gran parte de la década de los ochenta, Metallica se labrarían una gran reputación dentro del genero del thrash metal con álbumes como el crudo y contundente “Kill ´Em All” (1983), el mas pulido y complejo “Ride The Lightning” (1984) y el incisivo y furioso “Master Of Puppets” (1986), sin embargo aún tenían que subir un peldaño mas para colocarse en la cúspide del heavy metal mundial y eso lo lograrían con su cuarto y descomunal álbum “...And Justice For All”, lanzado a mediados de 1988.
Sin embargo antes de su publicación la banda sufriría una perdida irreparable, como fue la muerte de su bajista Cliff Burton un año antes en un trágico accidente de carretera cerca de Copenhague, durante el traslado del grupo y su equipo para un concierto en dicha ciudad.
Algún tiempo después la banda recluta a un nuevo bajista, Jason Newsted, hasta entonces integrante de la banda Flotsam and Jetsam, con quien graban el EP de versiones “Garage Days Re-Revisited”, poco antes de entrar en los estudios para comenzar las sesiones para el siguiente álbum.
“...And Justice For All” fue publicado como doble LP y supuso el trabajo mas sombrío e instrumental de la banda hasta aquellos momentos, con densos sonidos de batería, de un ritmo frenético y vertiginoso de gran complejidad. Al mismo tiempo seria muy cuestionado por los fans por achacarlo de contener una grabación “defectuosa” deliberada, debido al escaso volumen del bajo, oculto siempre por las distorsionantes guitarras y la poderosa batería.
“...And Justice For All” esta compuesto por un soberbio y memorable repertorio de grandes cortes como las frenéticas “Blackened”, “Eye Of The Beholder” o “Harvester Of Sorrow”, las prolongadas y épicas “One” y “...And Justice For All” o la tremenda instrumental “To Live Is To Die”, situándolos con todo este arsenal de sobresalientes composiciones, en lo mas alto del heavy metal mundial, además de lograr una ventas multimillonarias, ocho discos de platino y una nominación a los premios Grammy en el apartado de mejor álbum del año.

Ryan Adams-Gold (2001)

Ryan Adams había dejado el listón muy alto con su álbum debut “Heartbreaker”, en donde el joven músico dejaba su impronta en un soberbio y monumental trabajo de country rock. Su siguiente movimiento seria "Gold" de un año después, aquel nefasto y fatídico 2001, para esta nueva entrega Ryan Adams se acerca mas hacia los sonidos clásicos del rock americano, con un repertorio de grandes canciones como la atractiva “Firecraker”, o la relumbrante “New York, New York”, que curiosamente y como casualidades del destino, fue el tema promocional del álbum y grabado en video frente a las torres gemelas varios días antes de los atentados del 11 de septiembre. Pero además de estas dos sobresalientes canciones, destacan otras en donde toman protagonismo las guitarras acústicas en varios temas pausados de profundo sonido americano como “La Cienaga Just Smiled” o “When The Stars Go Blue”, o temas mas enérgicos como la stoniana “Tina Toledos Street Walkin´Blues” o la contundente “Gonna Make You Love”, sin dejar de mencionar el sentido blues rock “The Rescue Blues”, que ya había cobrado muchísima relevancia al haber sido incluida en la película protagonizada por Russell Crowe, Meg Ryan y David Caruso, “Proof Of Life”.

Kiss-Alive ! (1975)

Este es uno de los grandes directos de la historia de la música rock, pero al mismo tiempo uno de los mas cuestionados por los sutiles retoques en el estudio, lo que no les supondría ningún lastre para que con este doble álbum, Kiss alcanzaran el estrellato mundial.
Para cuando fue publicado este “Alive”, Kiss llevaban tras de si tres enormes álbumes de poderoso hard rock norteamericano, estos eran el germinal glam heavy “Kiss”, el mas crudo y visceral “Hotter Than Hell” y el desenfadado y convencional “Dressed To Kill”, todo este arsenal se vería reflejado en este asombroso y colosal doble en directo que fue grabado a mediados de 1975 en diferentes ciudades norteamericanas en plena fiebre de la kissmania.
Sin entrar en la polémica que siempre ha suscitado los retoques posteriores por parte del productor Eddie Kramer, (los cuales simplemente fueron debidos a algunos fallos en la calidad del sonido original), el repertorio de este álbum es de lo mejorcito que hasta esos momentos la banda norteamericana había hecho, empezando por la inicial y machacona “Deuce”, a partir de aquí la banda no da tregua con una serie de temas incendiarios y viscerales, que no dejan tiempo para el respiro, así se van sucediendo “Strutter”, “Hotter Than Hell”, “Firehouse”, “Nothin´To Loose”, “C´Mon And Love Me”, “Black Diamond”, “Rock Bottom” o “Rock and Roll All Nite”.
Sin embargo lo que no capta esta grabación, es la inmensa parafernalia que había alrededor de los conciertos de Kiss, como por ejemplo una espectacular puesta en escena, un formidable juego de luces, diferentes plataformas movibles, los espectaculares atuendos y sus maquillajes y un sin fin de atrezos que junto a la música, era el combinado explosivo y perfecto para sus antológicos y apabullantes conciertos.

Peter Hammill-The Silent Corner and The Empty Stage (1974)

"The Silent Corner And The Empty Stage” fue el tercer álbum firmado por Peter Hammill y pese a que esta incluido dentro de su discográfica en solitario, para muchos de los fans de la banda, es un trabajo de Van Der Graaf Generator, aunque atribuido oficialmente a su líder. En el proceso de grabación intervienen todos los músicos del grupo; Hugh Banton, David Jackson y Guy Evans.
Considerado uno de sus mejores trabajos, aquí Peter Hammill continua en esta tercera entrega con esas sensaciones tristes y melancólicas que ya mostraba en el anterior “Chamaleon In The Shadow Of The Night” o con sus álbumes junto a VDGG, y al mismo tiempo es su obra mas sinfónica y progresiva.
Cualquiera de las pistas que aparecen en este álbum podrían perfectamente pertenecer a la discografía de su banda madre, como las escalofriantes “The Lie” y “Forsaken Gardens”, otras como la que da titulo al Lp siguen una línea continuista que su predecesor “Chamaleon”, pero en un tono mas agresivo. La inicial “Modern” en cambio muestra el tono mas duro y arrollador de Hammill, con unas espeluznantes capas de guitarra interpretadas por Randy California, el quinto músico que participaría en la grabación de este disco y esos cantos frenéticos del propio Hammill, sobre el lado deshumanizado de la modernización.
La espiritualidad incendiaria de Peter Hammill continua en temas basados en el piano como “Wilhelmia”, la gótica “The Lie” o “Forsaken Gardens”, donde explora y se lamenta del lado destructivo del egocentrismo de manera progresiva, sonando muy similar a los ejercicios pomposos y barrocos del álbum “H To He, Who Am The Only One", demostrando también con ello, que una pieza puede ser tremendamente rockera sin guitarras, y son precisamente las guitarras las que dominan el tema “Red Shift”, con grandes riffs y texturas acompañadas de solos disonantes creando unas atmósferas que se acerca al blues eléctrico y psicodélico. El álbum finaliza con la extensa y efectiva “A Louse Is Not a Home”, sin duda el tema mas dramático y vigoroso en su parte final.
  

The Who-Who Are You (1978)

Estaban tardando en aparecer por este blog los legendarios The Who, y si bien la carrera de esta formidable e influyente banda tiene tras de si enormes obras maestras como “Tommy”, “Quadrophenia” o “Who´s Next”, hoy reseñaremos uno de sus grandes trabajos que al mismo tiempo esta oculto tras las excelencias de los mencionados álbumes, pero que es sin duda una gran muestra del poderío de esta magnifica banda británica.
Pero “Who Are You” paso a la historia no solo por seguir conteniendo la esencia característica de The Who después de tantos años (en 1978 la banda había cumplido trece años desde su álbum debut), si no también por ser el ultimo con el batería Keith Moon, quien fallecería varias semanas después de la publicación del álbum, producto de una fatal combinación de medicamentos y alcohol.
Musicalmente “Who Are  You” sigue una linea parecida a su antecesor “The Who By Numbers”, con unas excelentes canciones, unas brillantes y arrolladoras guitarras, una portentosa voz y una sección rítmica demoledora y precisa.
Temas como la soberbia que da titulo álbum, hoy en día, archiconocida por ser el tema de apertura de la mítica serie norteamericana “CSI”, o la melódica “Trick Of The Light”, hacen de este trabajo uno de sus mas brillantes obras, pero ademas el resto sigue estando a gran altura como la dinámica “New Song”, la sinfónica “Love Is Coming Down”, la adictiva “Had Enough” o la irresistible “905”.

Megadeth-Youthanasia (1994)

Para mediados de la década de los noventa, Megadeth ya estaban inmersos en el cambio que supuso su renovación del thrash metal hacia sonidos mas accesibles, sin dejar de lado totalmente ese estilo, pero ya establecidos en un heavy metal mas convencional.
Si ya en el anterior y sorprendente “Countdown To Extiction” la banda había mostrado su faceta mas heavy, en el siguiente “Youthanasia” fueron un paso mas allá, creando una obra mucho mas accesible, bajando una marcha a su vertiginosa velocidad y con unas voces mas cuidadas y melódicas.
Por entonces las huestes comandadas por el guitarrista Dave Mustaine estaba formada por la misma formación que sus tres anteriores trabajos; Marty Friedman (guitarra), Nick Menza (batería) y David Ellefson (bajo). Antes de la grabación de este álbum la banda fue sometida a una gran presión debido en parte al éxito del mencionado “Countdown To Extiction” y a las decisiones casi salomónicas de su líder Mustaine y su casi total control a la hora de componer el material para este álbum, finalmente todos los miembros participarían en todas las canciones de este nuevo disco.
"Youthanasia" es un álbum clave en la evolución del grupo, con grandes temas, destacando por encima de todas la emocionante “I Thought I Know It All”, la vertiginosa “Reckoning Day”, la oscura “Addicted To Chaos”, la comercial “Elysian Fields”, la espléndida medio tiempo “A Tout Le Monde” o la pesada y contundente “Family Tree”.

Nightwish-Oceanborn (1998)

Un año después de su debut, “Nightwish” publicaron su segundo trabajo, en donde se alejaban de su propuesta de heavy folk progresivo de su primer álbum. En esta ocasión la banda se enfoca en unos sonidos mas melódicos y sinfónicos, con un mayor empleo de las armonías en las guitarras y los teclados, además de acelerar el ritmo y un contundente sonido mucho mas pesado.
Si en el anterior “Angels Fall Firts” el teclista y líder de la banda Tuomas Holopainen, tomaba el rol de todas las voces masculinas, aquí pasa a ser del vocalista invitado Tapio Wilska, quien con su aguda voz contrasta con la de la cantante principal de la banda Tarja Turunen.
El resultado final  fue realmente extraordinario con una serie de composiciones realmente brillantes como las heavy “Sacrament Of Wilderness” o “Stargazers”, la dinámica y compleja “Passion And The Opera”, las operísticas y progresivas “Devil & The Deep Dark Ocean” y “The Pharaoh Sails To Orion”, pero sin abandonar por completo sus influencias folk como demuestran las originales e innovadoras “Moondance” y “The Riddler”.

Ozric Tentacles-Strangeitude (1991)

Ya hemos comentado en este blog en otras ocasiones, que Ozric Tentacles son una de las bandas mas originales que hayan existido, su estilo esta basado fundamentalmente en sonidos instrumentales, su originalidad esta en el uso de la misma sección rítmica para casi todas sus composiciones, con diferentes variaciones y enriquecidas con los efectos solistas de cada uno de los músicos de la banda o de diferentes sonidos a lo largo de sus pasajes instrumentales. Además de ello, otra de sus grandes características esta en el flujo de los estados de animo, en donde por regla general, cada tema suele comenzar con suaves atmósferas para derivar en tempos crecientes, en ocasiones de manera vertiginosa y otras mas pausadas, dotando su estilo progresivo de ricos matices que no suelen ser los habituales del genero. Sus detractores suelen acusarles de repetitivos, y si bien es cierto que todos los álbumes de Ozric Tentacles, son bastantes similares en los ritmos y desarrollos musicales, también lo es que cada uno de ellos tiene su propia singularidad, lo que los convierte en trabajos muy atractivos y interesantes.
En 1991 la banda publicaría su tercer álbum “Strangeitude”, uno de sus mas aclamados discos para la comunidad progresiva y que junto al anterior “Erpland” (1990) y el posterior “Jurassic Shift” (1993) constituyen la trilogía de la mejor época de esta banda británica.
Un álbum que comienza con la ambiental y psicodélica “White Rhino” en donde las líneas de bajo son muy inventivas proporcionando un sonido excelente el cual enriquece enormemente la pieza. La enérgica y repetitiva “Sploosh”, es el clásico tema característico del grupo, mientras “Saucers” deja de lado los sonidos espaciales para derivar en una especie de jazz rock con múltiples efectos de sonido. La exótica e hipnótica  “Strangeitude”, nos sumerge en unos ambientes arabescos con progresiones espaciales, retornando a los sonidos space rock con la dinámica “Bizarre Bazaar”, para acabar con la pieza mas progresiva y espacial “Space Between Your Eyes”.

Crosby, Stills, Nash and Young-Four Way Street (1971)

Crosby, Stills Nash & Young fue la primera formación que rehuyeron del termino “grupo” como una denominación preestablecida para definir a una banda tal y como se conoce de manera habitual. Ellos eran básicamente una asociación individual de cuatro talentosas estrellas unidas, para crear una serie de obras, siempre con una total libertad de acción por parte de cualquiera de ellos. Y es que esta reuniones “esporádicas” de tantos genios, todos ellos líderes absolutos en sus grupos anteriores o estrellas en el plano individual, se convertía a priori en un polvorín que no tardaría en explotar, debido a los enormes egos de cada uno de ellos.
Empezando por el canadiense Neil Young, el alma máter junto a Stephen Stills de los míticos Buffalo Springfield, y con varios álbumes en solitario de tremendo impacto, pero los demás no le iban a la zaga, como David Crosby, uno de los fundadores de los tremendos The Byrds, pieza fundamental del folk rock, o Graham Nash, figura y pieza primordial en una de las bandas pioneras de la famosa Invasión Británica como fueron The Hollies, y por ultimo el mencionado Stephen Stills, quien con Buffalo Springfield o junto a su propia banda Manassas, había creado varias obras monumentales de country-folk rock.
En los apenas dos años que este “supergrupo” estuvieron juntos, fueron la mas fabulosa maquina musical de la historia del rock, una unidad que les permitía grabar y actuar juntos o por separado y aún cuando lo hacían juntos, con la total libertad de hacerlo formando dúos, tríos o en las mas diversas combinaciones con su magistral asociación.
Ellos fueron los máximos responsables de la música en esos años, su estilo acústico vocal enfocado hacia el folk pero repleto de rock, partía de las herencias de cada uno de sus integrantes.
Como cuarteto publicaron el majestuoso “Deja Vu”, sucesor del no menos soberbio “Crosby, Stills and Nash”, en ese álbum se demuestra la elegancia de Stills, el colorismo de Nash, el concepto folk de Crosby y el acento incendiario de Young con temas tan emblemáticos como “Carry On”, “Teach Your Children”, “Almost Cut My Hair”, “Helpless”, “Woodstock”, “Our House” o “Country Girl”.
Este celebre episodio de la historia musical tuvo continuación con el directo “Four Way Street”, que supondría el epitafio de estos reyes del folk rock y que se convertiría en uno de los momentos cumbres de la música popular del siglo 20. Para cuando fue publicado este doble álbum, CSN&Y ya habían dejado de existir como banda, y es que las continuas discusiones entre los cuatro músicos eran constantes, incluso en los camerinos antes de los conciertos, lo que precipitaría que poco después de la gira por Norteamérica durante gran parte del año 1970, esta asociación diera por terminada su aventura.
Grabado en el verano de 1970 entre los escenarios del Fillmore East de Nueva York, el Forum de los Ángeles y el Auditorium de Chicago, este documento histórico esta considera una crónica fundamental de la convulsa época que por entonces vivía el país con la guerra de Vietnam, los problemas raciales, las constantes manifestaciones en casi todas las universidades de Estados Unidos y unos crispados momentos políticos.
Dividido en dos partes diferenciadas, el primer Lp contiene sus clásicos en versión acústica como “Cowgirl In The sand” de Neil Young, la emotiva “Right Between The Eyes”, el clásico de The Hollies de Graham Nash “Teach Your Children”, el hit de Stephen Stills “Love The One You´re With”, la emocionante “Triad” de David Crosby, la soñadora "Chicago" o la mítica “49 Bye-Bye-America´s Children”.
Para la segunda parte del álbum la banda se reserva los momentos mas electrizantes en donde cada uno de los cuatro músicos demuestran sus grandes dotes con las guitarras eléctricas como la monumental “Souther Man”, o las geniales “Ohio”, “Carry On”, “Pre-Road Downs” o “Long Time Gone”, todo ello con la ayuda de la poderosa base rítmica compuesta por el batería Johnny Barbata y el bajista Calvin Samuels.
Y ya no habría mas continuidad, a partir de aquí cada uno de ellos, por separado o en diferentes configuraciones que se irían produciendo a lo largo de los años,  seguirían mostrando sus genialidades con algunos de los hechos musicales difícilmente comparables hoy en día.

Joy Division-Unknown Pleasures (1979) Closer (1980)

Joy Division fueron una de las bandas percusoras del llamado sonido post punk que fue desarrollado durante los últimos años de la década de los setenta.
Formados en 1976 en la ciudad de Manchester por Ian Curtis (vocalista y guitarra ocasional), Stephen Morris (batería), Peter Hook (bajo) y Bernard Summer (guitarra y teclados). En sus orígenes esta formación se llamaba Varsovia y algún tiempo mas tarde tomaron su polémico nombre Joy Division de una expresión vulgar usada habitualmente por los oficiales nazis durante la Segunda Guerra Mundial, para referirse a la mujeres mas jóvenes que estaban prisioneras en los campos de concentración y a las que habitualmente violaban y asesinaban a diario. En sus inicios la banda desarrollo un estilo emparentado con el punk rock, que fue derivando en un estilo propio y peculiar, que con el tiempo seria una de las influencias de bandas como The Cure o Siouxsie & The Banshees, en donde además de una música con claras atmósferas siniestras, también mostraban el culto a la muerte, a todo lo lúgubre, las depresiones o la desesperación de una juventud con un futuro incierto y marginado. Sin embargo esta temática ya había sido explotada años antes por David Bowie que junto a Brian Eno crearon la llamada trilogía de Berlin comprendida por los álbumes “Low”, “Heroes” y Lodger”. Gracias al EP “An Ideal For Living”, publicado en junio de 1978, la banda logro captar la atención del subsello Factory Records, el cual les publica su primer álbum “Unknown Pleasures”, obra que terminaría convirtiéndose en uno de los álbumes de culto por excelencia de la música punk rock británica. Este primer álbum es una viaje claustrofóbico por las vivencias y peripecias de su cantante Ian Curtis, quien tenia continuas depresiones debido a la ruptura de su matrimonio, a su epilepsia y a sus problemas personales. “Unknown Pleasures” comienza con la acelerada y animada “Disorder”, pero a partir de aquí todo se vuelve mas oscuro con la siniestra y caótica “Days Of The Lords”, o la misteriosa  “Candidate”, la cual da paso a la mecánica “Insight”, una clara muestra de las influencias del krautrock en esta banda. El resto sigue por una senda muy parecida con la cadenciosa “New Dawn Fades”, la áspera “She´s Lost Control”, la punk rock “Shadowplay” o la tenebrosa “I Remember Nothing”. Comercialmente el álbum tuvo una mediocre recepción por parte del publico ingles, mercado el cual fue a parar la gran mayoría de las diez mil copias que se pusieron a la venta, con una casi nula o limitada exportación fuera de las islas británicas. Un año después y cuando estaba todo listo para una gira por tierras norteamericanas, Ian Curtis cada vez mas abrumado por sus problemas personales, se suicida ahorcándose en la cocina de su apartamento.

Pero antes dejaría grabado un álbum a modo de epitafio, el enorme y sombrío “Closer”, con una de las portadas mas icónicas y fantasmales de la música moderna, representada por una fotografía de la lapida de una tumba de un cementerio situado en Genova, uno de los camposantos mas grandes de toda Europa y famoso por sus esculturas monumentales.
“Closer” significaría un álbum mas fúnebre y sombrío que su predecesor con momentos funestos como la caótica “Atrocity Exhibition”, las electrónicas “Isolation” y “Decades” (el germen de los que después se convertiría en New Order), las sombrías “Passover” y “Heart and Soul”, la convencional y previsible “Colony” y las agónicas “Twenty Four Hours” y “The Eternal”.
Con apenas unos pocos años de existencia, Joy Division dejarían tras de si dos obras tan emblemáticas que hoy en día no solo son consideradas obras de culto y pequeñas obras maestras incuestionables, si no que también están presentes en la actualidad con tanta vigencia como cuando fueron publicadas.

Murasaki-Impact (1977)

Cuando estallo la guerra de Vietnam, los norteamericanos empezarían a utilizar sus bases en ultramar para bombardear regularmente el Vietnam del Norte con los imponentes B-52, una de estas bases aéreas fue Kadena en Okinawa, la cual pronto se convertiría en la mayor base estadounidense durante ese conflicto. Durante el tiempo que duraron las hostilidades, muchas ciudades de la isla experimentaron un auge económico muy importante gracias al trasiego de miles de soldados norteamericanos que partían desde allí al Vietnam y el numeroso personal civil y militar de dichas bases. Así las cosas, muchos norteamericanos buscaron el consuelo y el entretenimiento fugaz de la guerra a través de la música rock. Hasta esos momentos musicalmente la juventud autóctona de Okinawa estaba muy influenciada por los sonidos británicos de The Beatles, The Kinks o The Shadows y las bandas locales los emulaban con bastante acierto, pero pronto empezarían a tocar hard rock y blues rock para los soldados afincados en las bases aéreas. Actuar para este publico americano, (ya de por si bastante experimentado y conocedor del buen rock), ayudaría enormemente a estas bandas locales a desarrollar un estilo único y muy diferente al de las bandas del Japon continental e incluso los medios nipones lo denominaron como “el rock de Okinawa”. Pero entre todas las bandas que surgieron de ese movimiento, destacarían por encima de todas dos de ellas, por un lado Condition Green y por otro Murasaki, esta ultima fundada por el teclista George Murasaki junto a los hermanos Shiroma, Toshio y Masao, bajo y vocalista respectivamente, al batería Eiichi Miyanaga y a los guitarristas Kiyomasa Higa y Yukio Shimoji. Ya mediados de 1975 Murasaki fueron invitados a tocar en un Festival organizado por Yamaha en Osaka y después de una actuación memorable, la popularidad de la banda se dispararía definitivamente. Posteriormente con el patrocinio de un sello discográfico publican su primer álbum en donde su estilo de hard rock poderoso se combinaba con el órgano barroco y dos incendiarias guitarras los que les valió el apodo de los “Deep Purple japoneses”. Sin embargo seria su segundo álbum “Impact”, quien haciendo honor a su titulo, fue el verdadero impacto mediático de esta banda, un trabajo soberbio que los catapultaría como la mejor banda nipona y la mas popular, además de que todos sus integrantes fueran votados entre los mejores instrumentistas en sus categorías individuales. Un álbum que reboza grandes composiciones de puro hard rock como las herederas del sonido purple “Fly Me Away (From Home)” y “Just A Rock´n´Roll Band”, la frenética heavy rock “Let Me Go”, la hard progresiva “Mother Nature´s Plight”, o la blues rock “Take You For a Ride”.
En definitiva, “Impact” es un enorme álbum de hard rock que esta considerado una de las joyas del rock japonés y que nació gloriosamente en el contexto histórico de la Guerra del Vietnam y las ciudades que albergaban las bases cercanas estadounidenses.

Rare Earth-Get Ready (1969)

Rare Earth pasaron a la historia por varios hechos muy significativos, el primero por ser la primera banda de blancos por fichar por un sello enfocado exclusivamente a artistas de color como era la Motown y en segundo lugar por su emblemático tema “Get Ready”, una volcánica y musculosa canción de mas de veinte minutos que los colocaría en la cima de la música rock en 1969.
Formados a principios de los sesenta, no seria hasta finales de esa década cuando conseguirán el reconocimiento mundial, sin embargo durante todos esos años la banda reafirmaría un estilo peculiar en donde las influencias del jazz, el blues, el rock y la música negra les otorgaban un sonido diferente y muy atractivo.
Compuesto por el guitarrista Rod Richards, el batería y vocalista Pete Rivera, el bajista John Persh, el cantante Gil Bridges y el teclista Kenny James. Después de un primer álbum que pasaría bastante desapercibido “Dreams/Answers”, llegaría “Get Ready” un año mas tarde, con el que consiguen encaramarse hasta las primeras posiciones de las listas de medio mundo y un disco de platino por sus ventas.
En este álbum la banda manifestaba sus perfectas dotes instrumentales con un ritmo vivo y sostenido con poderosos temas como la inicial “Magic Key”, la hipnótica “Tobacco Road”, la soul “Feelin´Alright” o la psicodélica “Train To Nowhere”, además de la mencionada “Get Ready”. Para el siguiente álbum la banda se amplia a sexteto con la incorporación del percusionista Eddie Guzmán, cuya inclinación latina dota de una mayor profundidad musical a la rica amalgama de estilos fusionado por Rare Earth.
Los siguientes movimientos discográficos del grupo vuelven a tener un gran éxito y así tanto “Ecology” (1970), en el que destaca el tema clásico negroide “( I Know) I´m Losing You”, el siguiente “One World” (1971) y el directo “In Concert” (1971), les volvieron colocar en la cumbre con su sonoridad poderosa y contundente. A partir de aquí Rare Earth seguirían publicando regularmente álbumes de menos impacto comercial pero de gran calidad como “Ma” (1973), donde destaca la musculosa soul progresiva del mismo titulo, la cual ocupa toda la primera cara de LP o el siguiente “Back To Earth” (1975).

Ten Years After-Rock´N´Roll Music To The World (1972)

El noveno álbum de Ten Years After esta considerado un trabajo menor en comparación con los precedentes “Ssssh”, “Cricklewood Green” y “Space In Time”, tres obras maestras de poderosos blues rock con acercamientos a los sonidos jazzisticos y progresivos en donde dejaron temas clásicos como “Love Like A Man”, “50.000 Miles Beneath My Brian”, “Bad Scene” o “One Of These Days”, obteniendo por ello la reputación de los “Pink Floyd del Blues”, por parte de algunos de los sectores de la prensa británica de la época.
Sin embargo en “Rock´N´Roll Music To The World”, el grupo liderado por el genial guitarrista Alvin Lee, siguió demostrando estar en la cúspide del blues rock con un álbum que mantenía ese equilibrio de temas accesibles y magníficos como la blues espacial “Religion”, la experimental y progresiva  “Standing At The Station”, la boogie rock “You Can´t Win Them”, el contundente blues rock “You Give Me Loving” o el cadencioso blues “Turned Off Tv Blues”.
En definitiva un álbum con un gran feeling, experimentación, ciertas dosis de rock progresivo y blues clásico, que significaría el ultimo gran aporte de Ten Years After antes del mas previsible “Positive Vibrations” de dos años después, álbum este que significaría el epitafio de la banda hasta casi quince años mas tarde con el sorprendente “About Time”.

Eloy-Ocean (1977)

En 1977 la banda germana Eloy publicaban “Ocean”, uno de los mas prodigiosos álbumes del space rock que nunca se hayan concebido, una obra tan monumental como apoteósica. Estamos ante la sexta obra de una banda que se había reformado varios años antes después de su cuarto larga duración “Power And The Passion” de 1975, y de hecho en “Ocean” el único miembro original que aún permanecía era el guitarrista y líder Frank Bornemann, el resto estaba compuesto por el bajista Klaus-Peter Matziol, el teclista Detlev Schmidtchen y el batería Jurgen Rosenthal, todos ellos ya habían participado en el anterior “Dawn” de un año antes. “Ocean” es un álbum conceptual sobre el nacimiento, el ascenso, la decadencia y la destrucción de la Atlántida, un viaje apocalíptico a través de grandes capas de sintetizadores, poderosos riffs y solos de guitarra, que los convierten en una obra fascinante y al mismo tiempo bastante accesible. La inicial e impresionante “Poseidon´s Creation” abre el álbum de manera majestuosa, doce minutos apoteósicos de grandes interacciones de sintetizadores y guitarras épicas, esta deriva en la atmosférica “Incarnation Of The Logos”, mientras “Decay Of The Logos” contrasta por su hard rock poderoso con la space rock “Atlantis´ Agony At June 5Th”, el colofón y el clímax definitivo a esta asombrosa obra de los germanos.
Sin embargo “Ocean” fue duramente criticado por algunos sectores británicos por tacharla de sonar de manera muy evidente a los geniales Pink Floyd, hecho este que no influyo en el monumental éxito que este disco obtendría a nivel europeo, hasta el punto de estar considerada una de las obras maestras del rock progresivo del viejo continente.

Serene-Serene (1979)

A finales de los setenta, el krautrock prácticamente había dejado de existir, solo unas cuantas bandas seguían empeñadas en mostrar su potencial enfrascadas en un estilo que ya estaba en cierta medida desfasado. Entre esas bandas se encontraba Serene, los cuales conjugando de manera inteligente los sonidos melódicos y cercanos al pop de finales de la década, fusionados con dosis de rock progresivo facturaron un álbum que resultaría uno de los mas gratificantes y tardíos del genero. De sus surcos destacan las progresivas “Serenity” y “A New Man”, la techno pop sofisticada “Dream Stagnation” y la oscura y  compleja “We´ve Only Just Began”.

4/3 De Trio-Ersatz (2004)

4/3 De Trio, fueron una banda francesa muy influenciada por el estilo mas ortodoxo de los King Crimson de Robert Fripp y los sonidos oscuros con un rock progresivo con ciertas connotaciones acústicas y eléctricas y una orientación heavy rock. Tres años después de su extraño y poderoso primer álbum, la banda se disolvería a pesar de que tenían el material suficiente para un segundo disco.
La trágica muerte de su baterista Didier Pegeron en un accidente automovilístico, dieron al traste para ese segundo larga duración, que sin embargo finalmente fue realizado y grabado a modo de epitafio y en homenaje a su compañero fallecido. En este segundo álbum titulado “Ersatz” aprovecharon las demos que había dejado el mencionado musico grabadas para sin sustituirlo por ningún percusionista, incluirlas y completar esta nueva entrega y la ultima obra del grupo.
A diferencia del primer y mas progresivo “Faiblesse” (1998), este nuevo trabajo se caracteriza por ser mas sinfónico, con unas composiciones en su mayoría instrumentales, variadas y complejas que transportan al oyente a los pasajes atmosféricos, oscuros y cercanos a los sonidos crimsonianos y con una sabia mezcla de prog y jazz rock.
Pese a ser una grabación del 2004 no puede evitarse establecer paralelismos con el estilo progresivo de la década de los 70.
Un álbum que comienza con la majestuosa “Solmhinarm” una clara muestra de la energía y el dinamismo de esta virtuosa banda francesa, con múltiples capas de mellotrón y poderosas guitarras, a la que sigue la jazz rock “Ersatz”, la inquietante “Ayahusca”, y la atmosférica y pausada “La Blonde”, mientras “Kossmokardak” es un tour de force de 16 minutos apoteósicos y enérgicos, con solos de órganos y electrizantes interacciones de guitarras y sintetizadores que culminan una excelente obra de rock progresivo contemporáneo.

Arena-Songs From The Lion´s Cage (1995)

A mediados de la década de los noventa, dos de los mejores instrumentistas del neo progresivo, Clive Nolan, teclista de Pendragon y Mick Pointer ex batería de Marillion, unieron sus fuerzas para fundar Arena, una banda que a mediados de 1995 publicaba su enorme álbum debut, "Songs From The Lion´s Cage", considerado una de las joyas del genero progresivo de los años noventa.
Para esta primera grabación ambos músicos contaron con la colaboración del guitarrista de Marillion, Steve Rothery, el también guitarrista Keith Moore, el bajista Cliff Orsi y el vocalista John Carson. La propuesta de Arena en esta primera entrega estaba basada en los sonidos progresivos de los primeros Marillion, con reminiscencias a las grandes bandas de los 70 como Genesis o Yes.
Los sonidos de los elocuentes y omnipresentes teclados de Clive Nolan, la formidable precisión de Mick Pointer con las baquetas y el sobresaliente trabajo de guitarras y bajo, traen consigo un álbum tan espectacular como sorprendente y en donde sobresalen las épicas y progresivas “Valley Of The Kings” y “Solomon”, la poderosa “Out Of The Wilderness”, la melódica “Jericho” o la atmosférica “Crying For Help IV”. A partir de aquí la banda iría publicando con cierta regularidad una serie de obras de gran calidad como los posteriores “Pride” (1996), “The Visitor” (1998) o “Contagion” (2003) entre otras, hasta llegar a “Double Vision” (2018), la ultima gran aportación de esta formidable banda del neo progresivo.

Aerosmith-Get Your Wings (1974)

Pese al discreto recibimiento que supuso el debut de Aerosmith, la discográfica Columbia siguió apostando por ellos y un año después vuelven a confiar en la banda de Boston, financiando el segundo larga duración titulado “Get Your Wings”. Pero esta vez la compañía discográfica opto por coger el toro por lo cuernos y decidieron unilateralmente tanto el lugar de la grabación, los famosos The Record Plant de Nueva York, como a los productores Jack Douglas y Ray Colcord en sustitución de Adrian Barber. Jack Douglas era un aventajo alumno del mítico productor Bob Ezrin, elegido en un principio como el encargado en la mesa de mezclas, pero que en un ultimo momento declinaría la oferta en favor de su colega Douglas.
En este segundo álbum la banda abandona las influencias blues por un estilo mas hard rock, con un sonido mas pulcro y refinado a la par que mejor estructurado y mas equilibrado que el primero. La fantástica y fiestera “Same Old Song And Dance” da comienzo a este álbum, a la que sigue la no menos espectacular y decadente “Lord Of The Night”, la espacial “Spaced”, como bien indica su nombre esta cerca de los sonidos psicodélicos y el sapce rock tan característico de principios de los 70. La áspera “Woman Of The World” da paso a uno de los momentos cumbres con el clásico de los años cincuenta de Tiny Bradshaw “Train Kept A-Rollin´”, reinventada aquí de manera incendiaria. La oscura y con cierto tono progresivo “Seasons Of Wither” y la soul rock “Pandora Box” dan por finalizado un álbum que obtuvo un resultado sorprendente con varios discos de platino y una gran recepción por parte del publico norteamericano y la prensa especializada.

Jade Warrior-Released (1971)

Jade Warrior son una de las bandas de culto por excelencia, al mismo tiempo que es considerada una de las mas originales propuestas musicales de la historia de la música rock.

Ellos imprimían a su estilo una sabia mezcla de sonidos étnicos, jazz, psicodelia, folk, rock y vanguardismo.
En una anterior entrada se relata la biografía de esta peculiar banda, por lo que no vamos a extendernos con demasiados detalles sobre su historia, y nos centramos en su segundo álbum, aparecido en 1971 y que supuso un espectacular cambio con respecto a su debut, publicado ese mismo año y titulado homónimamente “Jade Warrior”. En esa primera entrega los sonidos estaban enfocados en elementos del jazz rock fusionado con la música africana, en un álbum experimental y vanguardista. Sin embargo este segundo trabajo se caracteriza por potentes y poderosos temas muy cercanos al hard rock como la inicial “Three-Horned Dragon Kill”, con un sonido heredero de Led Zeppelin, pero conservando esa percusión africana tan característica en Jade Warrior. La juguetona “Eyes On You”, con ese ritmo contagioso da paso al sonido mas habitual de la banda con las relajadas y atmosféricas “Bride Of Summer” y “Water Curtain Cave”, que desembocan en la lisérgica y contundente “Minnamoto´s Dream”, con unas afiladas guitarras al mas puro estilo de Jimi Hendrix, mientras la rock and roll “(We Have) Reason To Believe” contrasta con la épica “Barazinbar” la cual progresivamente se va desarrollando entre tribales percusiones y sonidos de flauta, para acabar con la bucólica y acústica “Yellow Eyes”. Este álbum tuvo una fría acogida por parte de los fans, sorprendidos por este radical cambio, motivo por el cual la banda volvería a retomar su estilo inconfundible en sus siguientes entregas para el disfrute de los mas fieles y acérrimos seguidores al progresivo.

Van Der Graaf Generator-Pawn Hearts (1971)

Con su cuarto álbum, Van Der Graaf Generator demostraron que estaban en la cúspide del rock vanguardista con una entrega que nada tiene que envidiar a la obras maestras de las grandes bandas como Yes, ELP, Genesis o Pink Floyd. Del mismo modo que el antecesor “H To He, Who Am The Only One”, este nuevo trabajo representa un estilo atrevido, de difícil escucha y extremadamente exigente, pero al mismo tiempo muy gratificante. Todos los elementos clásicos de VDGG se encuentran representados en este magnifico álbum, desde las letras abrasivas y oscuras de Peter Hammill, hasta los teclados de Hugh Banton, pasando por la precisión de la batería de Guy Evans y el toque único y original de David Jackson con el saxo y la flauta. Para enriquecer el matiz musical, Robert Fripp vuelve a ser el guitarrista invitado, agregando su peculiar estilo al espectro final de este lienzo musical. “En Pawn Hearts” la banda muestra madurez y una tremenda facilidad de ejecución, todo ello sin llegar a afrontar esta obra con los sonidos tan complejos e inteligentes de su anterior álbum.
Un álbum que por otra parte muestra un gran contenido lírico, tan profundo como el musical, pequeñas dosis de humor, extravagancia y una agresividad sónica. Desde la inicial y apocalíptica “Lemmings”, Hammill deja claro su mensaje por el cuestionamiento de la autoridad y la elección de nuestro propio camino sin creer en los gobiernos. La reflexiva y poética “Man-Erg” vuelve a enfrentarnos al retrato que Hammill hace del ser humano, y su capacidad universal de hacer el mal o el bien. Para la segunda cara se dejaba la suite “A Plague Of Lighthouse”, una de las mas asombrosas piezas del rock progresivo de toda su historia, un viaje alucinante en donde se mezclan pasajes melancólicos, poderosos, oscuros, catárticos y edificantes, todo ello barrido por los sonidos de mellotrones y la particular y afilada guitarra de Robert Fripp.  

Kansas-Masque (1975)

Tercer álbum de Kansas y el segundo que publicaron en el año 1975,  justo siete meses después de “Song For America”. Este hecho fue debido en parte a las presiones de la Epic Records que quisieron aprovechar el éxito comercial que supuso el mencionado “Song For America”, sin embargo tanta premura lastraría en parte este nuevo álbum que alcanzaría unas ventas mediocres, por lo menos en los primeros meses inmediatos tras su lanzamiento. Para esta nueva entrega la banda se dirigiría a Louisiana, a los In The Country Studios, pero manteniendo al mismo equipo de producción dirigido por Jeff Glixman.
Esta vez pese a componer un álbum de una altísima calidad, la banda no consiguen lograr un trabajo tan homogéneo ni equilibrado como el anterior. La comercial y adictiva “It Takes A Woman´s Love” fue el elegido como single promocional, el cual no ensombrecería ni por asomo a su hit anterior “Song For America”, por otro lado aquí ya aparecen varios de sus temas clásicos como la inmortal “Icarus-Borne On Wings Of Steel”, un potente rock con toques progresivos, o la pegadiza “Two Cents Worth”. La melódica “All the World” muestra la faceta mas sinfónica de Kansas, mientras las vertiginosas “Child Of Innocence” y “Mysteries and Mayhem” muestran la faceta mas rock del grupo de Topeka, para terminar con la progresiva y extensa “The Pinnacle” que culmina de esta manera un álbum que esta considerado un paso transitorio para la posterior confirmación de Kansas como una de las mas grandes bandas americanas de los años 70.

The Alan Parsons Project-The Turn Of A Friendly Card (1980)

Estamos ante otro de los grandes trabajos de The Alan Parsons Project, “The Turn Of A Friendly Card”, el quinto álbum de este magnifico proyecto es mismo tiempo su ultima gran obra en el plano progresivo. Siguiendo la estela de todos los anteriores trabajos, este también esta grabado a modo de obra conceptual, esta vez dedicado al mundo de los juegos y las apuestas en los casinos. Una idea original que surgió de la inspiración de cuando Eric Woolfson vivía en Montecarlo, uno de los lugares por excelencia de los grandes casinos de Europa. Para esta nueva entrega, Alan Parsons y Eric Woolfson volvieran a contar con la ayuda de gran parte de su equipo colaborador en los anteriores años. Así pues aquí aparecen David Paton al bajo, Ian Bairnson a las guitarras, Stuart Elliott a la batería, Chris Rainbow y Lenny Zakatek a las voces y coros, y Andrew Powell como arreglista y director de la The Philarmonic Orchestra.
Sin embargo este álbum, a diferencia de todos los anteriores, muestra un tono menos progresivo y mas pop, con un estilo mas comercial, debido sin duda a que el dúo quiso adaptarse a los nuevos tiempos y a la década que recién había comenzado cuando fue publicado. Un álbum que comienza con la fascinante y lírica "May Be To Price To Pay" con esos aires deliberados y siniestros, esta contrasta con la mas pegadiza e intrigante “Games People Play”, un tema de grandes arreglos y lujosas capas instrumentales que da paso a “Time”, con esos guiños a los Pink Floyd mas melódicos. La pegadiza pop “I Don´t Wanna Go Home” y la instrumental e irresistible “The Gold Bug” son el colofón a una primera cara que mantiene el listón bastante alto. Para la segunda cara nos encontramos con el tema principal del álbum, “The Turn Of A Friendly Card”, una mini suite dividida en cinco partes que sin bien no están muy conexionadas entre si, musicalmente ofrecen los momentos mas progresivos como la medieval “The Ace Of Swords”, la hermosa medio tiempo “Nothing Left To Lose”, con dos partes bien diferenciadas, una primera bucólica y una segunda mas enérgica, la rock “Snake Eyes” y las progresivas “Part One” y “Part Two”, dando así por finalizado un trabajo que si bien adoleció de cierta consistencia y de la épica habitual de obras anteriores, también es cierto que las grandes voces, las orquestaciones y los trabajos de guitarra lo colocan como una de las obras mas importantes de APP.

Marillion-Clutching At Straws (1987)

Cuarto álbum de Marillion y a la postre el ultimo con su líder y cantante Fish al frente, al mismo tiempo es sin duda su obra maestra, que sin embargo queda oscurecida por la magnitud comercial del anterior "Misplaced Childhood".
Para este trabajo el grupo, en realidad básicamente Fish, vuelve a afrontar un álbum conceptual, esta vez sobre las drogas y el alcohol, sustancias en las cuales el propio Fish estaba inmerso por aquellos años. A diferencia del anterior "Misplaced Childhood", en esta nueva entrega, la cohesión musical no esta tan definida, aquí el vinculo esta mas enfocado en las letras mas maduras y coherentes, predominando los estados mas emocionales como la tristeza y la resignación, todo ello cantado de manera fascinante por un Fish emocionante que de alguna manera esta pidiendo ayuda y que esta grabación sea el punto de quiebra para su salud, (de hecho después de esta grabación el propio Fish se recluyo en un centro de desintoxicación y rehabilitación durante algún tiempo). Musicalmente es el equilibrio perfecto entre el rock progresivo y los sonidos mas accesibles, en el hay mas sutileza, con muchos momentos emocionales y atmosféricos y en donde ningún instrumento toma el protagonismo por encima de otro, con unos suaves teclados que encajan de manera perfecta y unas guitarras deliciosas con unos excelentes solos muy melódicos y pegadizos.
Otro hecho destacado es la extraña y significativa portada que al igual que los anteriores discos fue realizada por Mark Wilkinson, dotándola de un logo diferente de manera sutil y una reveladora imagen del interior del pub británico Baker´s Arms, con personajes famosos recreados por Wilkinson en la escena interior del mencionado pub. Todos ellos con un denominador común; los serios problemas con con el abuso de las sustancias, y que defendían sus adicciones como una ayuda para su posterior creatividad o dicho de otra manera como una muleta para protegerse de la naturaleza surrealista de la fama. Ellos son Robert Burns (poeta nacional escocés), que murió a los 37 años de intoxicación etílica, Dylan Thomas (poeta nacional galés), murió a los 39 años por las mismas causas, Truman Capote (escritor y periodista, famoso por su novela "Breakfast at Tiffany´s), que murió a los 59 por una fatal combinación de alcohol, drogas y pastillas (probablemente suicidio), o Lenny Bruce (comediante y satírico social), que murió a los 40 años por una sobredosis de heroína. Además de estos aparecen tres personajes mas; John Lennon, James Dean y Jack Kerouac (asesinado el primero, muerto en un accidente automovilístico el segundo y de cirrosis el tercero), los tres compartían la misma filosofía de vida… vivir casi al limite.
La estimulante y enérgica "Hotel Hobbies", da comienzo a esta singladura por las vivencias de Torch (personaje representado por el propio Fish en tercera persona), en la melódica "Warm Wet Cicle", en donde se va narrando los peligros de quedar atrapado en el pub después del trabajo, todo ello bañado por los suaves rellenos de guitarra. La mas pop y melancólica "That Time Of the Night", dan paso a la atmosférica "Going Under", a la enérgica "Just For The Récord" y a la dinámica y politizada “White Russian”. Mientras el corte "Incommunicado", supone el momento mas comercial del álbum, un tema fuerte con un ritmo endiablado y adictivo. La irresistible y melancólica “Torch Song”, la contundente "Slainte Mhath", la encantadora "Sugar Mice" y la poderosa y progresiva "The Last Straw/ Happy Ending", dan finalizado a un álbum extraordinario y un digno colofón a la época dorada de Marillion.