Eric Martin

Eric Martín comenzó su carrera al final de los 70 en una banda de San Francisco llamada 415. Con ella teloneo a gente como Billy Squire, Hall & Oats, Journey, ZZ Top o Foreigner entre otros. La banda firmó por el sello Elektra, para grabar “Sucker for a pretty face” que fue lanzado con el nombre de Eric Martin Band en la que entre otros músicos estaba Troy Luccketta que posteriormente perteneció a Tesla, después de una exitosa gira como teloneros de ZZ TOP en 1985 con el “Afterburner Tour”, la banda se separa. Ese mismo año Eric saca su primer disco en solitario “Eric Martin”, con colaboraciones de lujo como Steve Lukater de Toto o Randy Jackson, muy conocido por haber participado con Journey o Bon Jovi entre otros. Sigue escribiendo y colaborando para músicos como Michael Bolton y en el año 1987 ve la luz un nuevo disco en solitario llamado “I’m only fooling Myself”, su mejor obra. En el periodo 1988-1989 Eric se asocia con Billy Sheehan, Pat Torpey y Paul Gilbert para formar Mr. Big. Pronto se convierte en una de las bandas más frescas del hard rock de la época que a pesar de estar llena de virtuosos talentos desarrollaron canciones accesibles a todos los públicos, basándose en un rock enérgico, alegre y con cadencia. Con dicha formación graban 4 discos de estudio- "Mr. Big", "Lean Into It", "Bump Ahead" y "Hey Man", consiguiendo su mayor éxito con el hit “To be With You” escrito por el propio Martín. En 1998 ve la luz su tercer disco en solitario, “Somewhere in the Middle”, este álbum tuvo muy buena aceptación en Europa y, sobre todo, en Asia, donde Martin tiene una amplísima legión de seguidores. Al año siguiente Mr. Big, con Richie Kotzen a la guitarra como sustituto de Paul Gilbert, lanzan “Get Over It” y posteriormente, en el 2001, lo que seria su último lanzamiento discográfico hasta la fecha “Actual Size”, un disco que los llevó a una exitosa gira entre 2001 y 2002 llamada “Farewell Tour”. Después de 6 álbumes de estudio, numerosos singles, 6 discos en vivo y varios DVD´s publicados, la banda se separa, dejando más de siete millones de discos vendidos. A finales de 2002, Eric publica su cuarto disco solista “I’m Goin’ Sane” con el que se gana la aprobación de críticos y fans y con el que se lanza en una gira por Japón con notable éxito. Al año siguiente el EP “Pure”, en donde repasa varios de sus clásicos en acústico, le da la posibilidad de girar por 23 ciudades de los Estados Unidos. En 2004 “Destroy All Monsters” es editado en Europa, Japón y más tarde en los Estados Unidos, según Eric este es un disco de “Pop Rock distorsionado”, donde se mezclan canciones easy listening con temas rockeros que aderezados con la bluesy voz del cantante generando ambientes muy agradables, donde los ritmos y las melodías mandan. A finales de 2004 Eric Martín se embarca en un interesante proyecto con la super estrella nipona Tak Matsumoto, guitarrista de la mítica banda B´z que ha vendido más de 80 millones discos, junto a Jack Blades (Night Ranger, Damn Yankees ) en el bajo y Chris Frasier (Steve Vai/Edgar Winter/Eddie Money) en la batería para crear una banda de rock duro, rítmico y directo llamada Tak Matsumoto Group. Hoy en día Eric Martin sigue activo y dando conciertos en los Estados Unidos, Japón, Sudamérica y Europa acompañado de una banda de lujo, compuesta por Fabio Cerrone (Virtual Dream, Twin Dragons y Tony Martin band.- ex Black Sabbath - ), y Don Roxx (Uli Jon Roth). 

Passport-Doldinger (1971)

La banda alemana Passport se convirtieron en una de las mas grandes formaciones del jazz rock europeo gracias a su inteligente combinación entre el jazz fusion del sonido Canterbury británico y los elementos atmosféricos y espaciales del krautrock alemán.

Con su primer álbum, considerado toda una obra maestra, esta banda liderada por el saxofonista y teclista Klaus Doldinger, ya dejaba entrever su peculiar estilo repleto de teclados, solos de saxo, reminiscencias psicodélicas y una sutil base bluesy, todo ello bajo una milimétrica precisión instrumental con grandes dosis de accesibilidad.

Pese a que en algunas fases del álbum el enérgico jazz rock esta presente en piezas como "Uranus" o "Madhouse Jam", en general el estilo aquí es mas reposado y lineal que sus coetáneas norteamericanas, otorgando a la música un sonido mas cósmico y espacial, ("Lemuria´s Dance", "Schirokko", "Hexensabbat", "Nostalgia" o "Continuation"), sin duda debido al uso intensivo de los modernos sintetizadores digitales, una innovación que los distingue con respecto a los demás discos de jazz rock/fusión lanzados en esa época, en los cuales se utilizaban teclados analógicos como el órgano Hammond, los pianos eléctricos o los sintetizadores de primera generación.

Bo Diddley

Bo Diddley fue un único e irrepetible musico considerado toda una leyenda de la música rock. Muy pocas veces un músico ha merecido tanto un calificativo de tal envergadura en el mundo del rock’n’roll como este cantante y guitarrista nacido en Mississippi, que apenas alcanzó la repercusión de otros compañeros de época, y que ha muerto a la edad de 79 años en su residencia de Florida a consecuencia de un fallo cardíaco, el segundo en pocos meses. Él fue un auténtico pionero. Inventó su propio nombre, se inventó su guitarra pero sobre todo inventó un sonido, el que ayudó a definir el rock’n’roll, tal y como hoy lo conocemos, el mismo que llena ahora la imaginería popular de eternos sueños adolescentes y desinhibidos, y el mismo que sacó a bailar a negros y blancos, mujeres y hombres, a un espacio compartido por primera vez en la historia del siglo XX. Bo Diddley realmente se llamaba Elias Mac Daniels pero pronto en la escuela decidió tener su propio nombre artístico, que tomó de una guitarra de origen africano. Los sonidos de ese continente más el propio devenir urbano en EE UU serían los que marcarían su vida. En Chicago, una de las mecas del blues, Diddley empezó tocando en esquinas y garitos de poca monta, pero sin éxito. Lo suyo no era el blues de primera generación. Tampoco lo clásico. Excéntrico e independiente, se hizo fabricar una guitarra rectangular que terminó convirtiéndose en todo un símbolo. Lo que este guitarrista versátil ofrecía era algo distinto, único e imperecedero, que él mismo llamó jungle sound (sonido de la jungla), y aprendido según sus palabras de tocar el violín de chaval con unos dedos demasiado grandes. Una especie de latido eléctrico, que liberaba el cuerpo y la mente con la misma fuerza. Insistentes fraseos y poderosas distorsiones acompañados de un verbo escurridizo y provocador, que dejaba con las faldas en la cabeza a la sociedad puritana de Estados Unidos, mientras los jóvenes de medio país, ellos y ellas, rompían el molde y desgastaban las suelas de sus zapatos con la misma emoción inocente con la que pedían su sitio en los nuevos tiempos. Temas como "Bo Diddley", "Hey Good Looking", "Mona" o "I'm a Man" rebosaban de ese espíritu. Sin embargo, este rhythm and blues primigenio y exuberante alcanzó aún más repercusión entre los suyos. Al poco de sacar sus primeros sencillos, Bo Diddley se convirtió en referencia absoluta de todo lo que estaba por venir. La rebelión juvenil que protagonizó Elvis Presley y el resto de alumnos de la clase del 55 contó con sus ritmos de la selva. Chuck Berry colaboró con él más que con ninguno y Buddy Holly interpretó sus canciones para llevarlas a un mercado más amplio. Poco después la conocida British Invasion (Invasión Británica), que revolvió con más ímpetu si cabe las cosas en los sesenta, escribió su nombre con letras mayúsculas. Los Rolling Stones le adoraban, los Animals le dedicaron una de sus mejores composiciones y el autobús mágico de los Who llevaba su gasolina. La estela no se apagó con el tiempo. Eric Clapton, tan receptivo a las buenas influencias, hizo por sonar como él en los Yardbirds y en solitario. Bruce Springsteen también le rindió tributo en su obra maestra, “Born To Run”, al incluir la canción “She’s the one”, que se ha convertido en una de las mejores interpretaciones en directo del músico que más corazones arrebata sobre un escenario. Los Pretenders hicieron lo propio con “Cuban Slide”. Incluso el punk se rindió a la sacudida de sus riffs. La mejor banda de aquel movimiento, The Clash, giró con él por EE UU en 1979. Más tarde llegó el nuevo rock norteamericano y grupos del underground como Long Ryders recuperaron sus sonidos. Una lista interminable. Su ritmo sincopado y vicioso ha sido posiblemente el más copiado de la historia del rock. Y seguirá así hasta que exista alguien con ganas agarrar una guitarra y producir sonidos excitantes, que celebren sin reservas la liberación individual y colectiva. El rock’n’roll siempre estará en deuda con Bo Diddley.

Uriah Heep

La historia de Uriah Heep comienza a finales del año 1969 y tardarán en encontrar su formación ideal en los primeros años de su carrera. El núcleo de la banda lo forman inicialmente el cantante David Byron y el guitarra Mick Box que inicialmente se llaman The Spice, posteriormente y con la entrada del bajista Paul Newton y el teclista, Ken Hensley pasan a denominarse como Uriah Heep. La búsqueda de un batería hará que por este puesto pasen varios nombres en esta epoca; el primer álbum, “…Very ‘eavy …very ‘umble” (70), lo graban con Ollie Olsson como batería, aunque también interviene Alex Napier. El segundo LP, “Salisbury”, que cuenta con un tema de más de 16 minutos respaldado por una sección orquestal, es el primer éxito del grupo; sin embargo, la agresiva contundencia del primer álbum se pierde en aras de una mayor brillantez musical, no exenta de sofisticación, y aunque su sonido es hard-rock, muchos en la época los catalogan como hard-progresivo. En “Salisbury”, el batería es Keith Baker, que será miembro fijo por poco tiempo.
En 1971, el álbum “Look at yourself” introduce a Uriah Heep en Estados Unidos con unas ventas bastantes buenas. El LP no tiene un batería fijo y el grupo parece formado por los 4 miembros fundadores. Este año, Paul Newton les deja y es reemplazado por Mark Clarke, que proviene de Colosseum, pero tampoco cuajará. Ian Clarke es batería durante otro breve período. Finalmente, Byron, Box y Hensley encuentran a los dos hombres clave de la mejor etapa del grupo: Lee Kerslake (batería) y Gary Thain (bajo). Con esta formación se suceden los álbumes de mayor éxito, que colocan a Uriah Heep entre las bandas favoritas de la primera mitad de los años 70: “Demons and wizards” (72), “The Magician´s birthday” (72), el doble álbum grabado en vivo “Live” (73), “Sweet freedom” (73) y “Wonderworld” (74), los que les lleva a competir con otras bandas del mismo genero como Deep Purple, Black Sabbath o Nazareth. Esta excelente y continua línea de grabaciones se amplia con los álbumes de Ken Hensley en solitario: “Proud words on a dusty shelf” (73) y “Eager to please” (75).También Byron editara en 1976 un álbum “Take no prisioners”.
En 1974, Gary Thain estuvo a punto de morir en Dallas a causa de una descarga eléctrica mientras actuaba bajo una copiosa lluvia.
A raíz del accidente surgen divergencias entre el y el resto del grupo, que finalmente le despiden a comienzos de 1975.
El sustituto de Thain fue John Wetton, ex-bajista de Family, King Crimson y Roxy Music.
Curiosamente Thian moriría poco después a causa de las drogas, concretamente el 19 de marzo de 1976.
Los nuevos Uriah Heep debutan con el álbum “Return to fantasy” (75), que mantuvo la cohesión de las ultimas grabaciones; pero, poco después justo cuando se edita el recopilatorio “The Best of...”(75) la banda entra en declive con el álbum “High and Mighty” (76).
Tras ese álbum, Wetton y Byron dejan el grupo. Ambos seguirían por su cuenta con desigual carrera. Trevor Bolder y John Lawton serán los encargados de sustituirles.
Esta nueva formación editara tres álbumes de mediocre factura; “Firefly” (77), “Innocent victim” (77) y “Fallen angel” (78).
En 1980 la banda vuelve con John Sloman y Chris Slade para editar el álbum “Conquest” que sigue la tónica de sus últimos trabajos, posteriormente el álbum “Abominog” (80) les devuelve a la actualidad, aunque su sonido dista bastante de sus primeros álbumes, este será mas enfocado al rock mainstream, pero consigue buenas criticas y unas aceptables ventas.
En lo sucesivo irán apareciendo nuevos trabajos de la banda, la mayoría de ellos alejados de los de su mejor época; “Head First” (83), “Equator” (85), “Raging Silence” (89) o “Sea of Light” (95)... con continuos cambios de formación, manteniéndose Mick Box como el único superviviente de la formación original.

Bob James & Earl Klugh-One On One (1979)

La primera colaboración entre el teclista y compositor de jazz Bob James y el experimentado guitarrista de jazz Earl Klugh, trajo consigo uno de los mejores trabajos del genero del jazz fusión, el cual fue galardonado con un Grammy y un numero uno absoluto en las listas del Billboard Jazz Álbums.

Ambos músicos ya tenían tras de si una amplísima experiencia que los había llevado a consolidar unas carreras muy respetadas.

Bob James había debutado en los sesenta lanzando una serie de discos en solitario, sin embargo no seria hasta mediados de los setenta y ochenta cuando llegarían sus obras mas aclamadas como "One" (1974), "Two" (1975), "Heads" (1977) o "Double Vision", este ultimo junto a David Sanborn y elegido el mejor álbum de jazz en los Grammy de 1986. Por su parte, Earl Klugh comenzaría su larga carrera profesional en 1976, publicando a partir de ese año álbumes enfocados a los sonidos del jazz ligero, con una veintena de discos publicados hasta la actualidad, casi siempre interpretados con la guitarra acústica de cuerdas de nylon.

Álbumes como "Dream Come True" (1980), "Nightsongs" (1985), "Whispers and Promises" (1989) o "Naked Guitar" (2005), fueron igualmente nominados a los mejores registros de jazz en los premios Grammy.

En esta primera entrega titulada "One On One", el dúo muestra un estilo cercano a los sonidos del jazz-pop, con un repertorio cargado de exquisitas composiciones melódicas y sedosas e irresistibles piezas perfectas para las easy listening.

A.B. Skhy-A.B. Skhy (1969)

A.B. Skhy son un claro exponente del brass rock de finales de los sesenta, que siguiendo la estela de bandas coetáneas como Blood, Sweat and Tears o Chicago Transit Authority, lograron publicar dos interesantes álbumes muy apreciados por los fanáticos al jazz rock de la época.

Originalmente conocidos como The New Blues, fue fundada en 1968 en Milwaukee, Wisconsin, por el teclista Howard Wales, quien ya tenia una amplia experiencia a sus espaldas colaborando con artistas como Freddie King o James Brown.

Además de Howard, el resto de la banda estaba formada por el guitarrista Dennis Geyer, el bajo Jim Marcotte, y el baterista Terry Anderson, asimismo también participaban los músicos adicionales Russell Dashiell (guitarra), Otis Hale (flauta), Jim Liban (harmónica), Phillip Pruden (saxo tenor), Jim Horn (saxo), los trompetistas Marvin Brown, Larron Holt y Bud Brisbois, y los trombonistas David Thomas Roberts y Donald Waldrop. A principios de 1969, esta numerosa banda se traslado a San Francisco donde obtuvieron un gran prestigio actuando en diferentes conciertos a lo largo y ancho de la ciudad, un hecho que les reportaría fichar con el sello MGM Records.

Poco después y bajo la producción de Richard Delvy publicaron su álbum debut a mediados del mismo año. Gracias al hit "Camel Back", alcanzarían entrar en las listas del Billboard y les animaría a publicar un segundo álbum, que fue lanzado a principios de 1970, con el titulo de "Ramblin´ On".

En ambos discos, A.B. Skhy muestran un vigoroso estilo de blues rock con grandes influencias jazz, que se reflejan en las estructuras instrumentales, sobresaliendo la enérgica sección de vientos combinado con el poderoso grupo de rock.

Cortes como la blues "Understand", el pseudo jazz "Of All Sad Words", o la versión en clave jazz rock del blues de B.B. King, "You Upset Me Baby", avalaban la enorme calidad instrumental del álbum y la de esta estupenda y olvidada banda norteamericana.

Elvis Costello-Momofuku (2008)

En el año 2008 Elvis Costello decidió que su ultimo trabajo no fuera editado en cd. Costello honraba así con este lanzamiento al vinilo, puesto que este nuevo album titulado "Momofuku" sólo se publico en ese formato. En un corte de mangas a la industria, que dificultó cuanto pudo la distribución en vinilo para que le sustituyese el cd (y poder ganar así más dinero por cada copia vendida), Costello incluiría en la carpeta del disco un código para descargar este nuevo trabajo en versión digital.
Mientras tanto la Universal reeditaba todo el fondo de su catálogo en cd bajo la supervisión del propio Costello y convirtiendo esta historia en una clara contradicción.
"Momofuku" muestra un trabajo de grandes melodías, elaboradas y ejecutadas por una serie de músicos expertos como Steve Nieve (piano y órgano), Pete Thomas (batería) o Davey Faragher (bajo).

Canciones extrovertidas y reflexivas como "No Hiding Place", "American Gangster Time", "Stella Hurt", "Harry Worth" o sencillas baladas con un trasfondo conmovedor como "Flutter and Wow" y "My Three Sons" convierten a este vigésimo album de Elvis Costello en otro de sus destacados registros.

Three Dog Night-Around the World with Three Dog Night (1973)

Pese a que su género musical no sea precisamente el más destacado dentro de la música rock, Three Dog Night llegaron a triunfar masivamente gracias a la manera que tenían de interpretar una música cuya valía y talento superaron en mucho a cientos de solitas únicos de otros tantos grupos en la década de los sesenta y setenta.

Ellos eran el atípico grupo multirracial con tres vocalistas solistas que llegaron a los máximos honores discográficos con mas de una treintena de hits en las listas, muchos de ellos versiones de otros artistas.

Ellos son Danny Hutton, Cory Wells y Chuck Negron. El estilo nacido de la unión de estos tres cantantes habría que calificarlo como de "estilo vocal", pero al hacerlo nos vendría a la mente formaciones como Crosby, Stills and Nash y otros famosos grupos de grandes armonías vocales.

Sin embargo Three Dog Night a diferencia de todos ellos, tienen en las voces de sus tres solistas, la parte fundamental de su arrollador triunfo, gracias a unas elaboradas voces que interpretan desde rhythm and blues, hasta rock mainstream, pasando por el pop, el funk o el soul, combinando sabiamente lo comercial con la clase y el refinamiento musical.

No obstante el sonido del grupo estaba respaldado por otros cuatro excelentes instrumentistas que figuran junto a los tres lideres, empezando por el guitarrista Mike Allsup, el bajista Joe Schermie, el baterista Floyd Sneed y el teclista Jimmy Greenspoon. En 1971 Three Dog Night logro permanecer durante varios meses en el n1º de las listas de medio mundo gracias a su impactante "Joy To The World", y ello daría el que fuera elegida como la canción del año, no solo en Estados Unidos, sino también en medio centenar de países alrededor del mundo.

Esa canción, junto a otras y sus álbumes "It Ain´t Easy" (1970), "Golden Bisquits" (1971), "Naturally" (1970), "Harmony" (1971), "Seven Separate Fools" (1972) o el espectacular directo "Around The World With Three Dog Night" (1973), es el resultado de una trayectoria magistral, con todos sus discos en la cima de los charts y convirtiéndolos en una de las mejores formaciones vocales que han existido jamás.

Passport-Oceanliner (1980)

Por regla general los álbumes de Passport suelen reflejar de alguna manera la época en los cuales fueron publicados y eso precisamente es lo que "Oceanliner" lanzado en 1980, muestra claramente en su interior.

En ese año Klaus Doldinger había hecho algunos cambios sustanciales en la banda, siguen estando la enérgica guitarra de Kevin Mulligan, los sinuosos teclados de Hendrik Schaper y el juguetón bajo de Dieter Petereit, mientras que David Crigger se hacia cargo de la batería y percusión en detrimento de Willy Ketzer. "Oceanliner" constituye el décimo álbum cronológico de los germanos y al mismo tiempo en el que ya presenta sus primeras influencias del synth-jazz de los ochenta, con diferentes matices funk e incluso acercamientos al pop rock melódico.

En las iniciales "Departure" y "Allegory" se dejan ver las influencias antes mencionadas, con un Doldinger interpretando el Lyricon, un instrumento de viento sintetizado, en contrapunto a estas aparece "Ancient Saga", en la cual Mulligan ofrece un gran trabajo de guitarra. 

La atractiva con un ritmo funk "Oceanliner", la pegadiza fusión con voz "Uptown Rendezvouz", la galopante jazz rock "Rub-A-Dub" o la dinámica y atmosférica "Bassride" de brillante ejecución por parte de Petereit al bajo, cierran otro meritorio album de jazz rock/fusion de esta legendaria formación alemana.

Pink Floyd-Delicate Sound of Thunder (1988)

Después del álbum "A Momentary Lapse of Reason" (1987), Pink Floyd realizarían una gira mundial inmortalizada en el doble en directo "Delicate Sound of Thunder", que seria lanzado a finales de 1988.

En este doble directo vemos la perfecta maquina engrasada de Pink Floyd funcionando en todo su esplendor, con David Gilmour, Nick Mason y Richard Wright en una gran forma, apoyados por una sensacional banda compuesta por Gary Willis (percusión), Guy Pratt (bajo), John Carin (teclados), Scott Page (saxofón), Tim Renwick (guitarra), mas el añadido de las coristas Reachel Fury, Durga McBroom y Margaret Taylor.

El espectáculo de luces psicodélicas, el sonido Holofónico y las diferentes intervenciones escénicas, fueron junto a la música lo más impresionante de ese fascinante tour.

En el primer disco se incluyen canciones extraídas del mencionado "A Momentary Lapse of Reason", sobresaliendo por encima de todas la marcial "Dogs of War", la melódica "On The Turning Away" y la sobrecogedora "Sorrow".

Mientras que en el segundo disco la banda interpreta algunos de sus clásicos como "One of These of Days", "Time", "Money", "Wish You Were Here", "Another Brick in The Wall", "Run Like Hell" o la apoteósica “Comfortably Numb".

Este álbum es, pese a la ausencia de Roger Waters, un emblemático directo, un documento histórico (recordemos que Pink Floyd nunca antes habían lanzado un álbum en vivo hasta la llegada de este), y sobre todo una perfecta muestra de cómo eran sus incomparables actuaciones en vivo.

Carl Verheyen Band-Six (2003)

Carl William Verheyen (nacido en 1954), es un guitarrista estadounidense, conocido por su trabajo en Supertramp y también por su faceta de guitarrista de sesión en múltiples proyectos y álbumes para otros artistas, ademas es profesor adjunto de guitarra de jazz en la Escuela de Música Thornton de la Universidad del Sur de California.
Su intrigante alquímica musical de blues, fusión y rock orientado a los adultos, que varía de una melodía a otra en cuanto a qué géneros se refiere, es una de sus grandes características, manteniéndose siempre en la vanguardia musical. 
Su primer álbum en solitario se tituló “No Borders”, al que le siguieron “Garage Sale” y “Slang Justice” de 1998, en el cual fue la primera vez que realizó una gira para apoyar uno de sus discos. Sus compañeros de gira incluyeron al bajista Cliff Hugo, y los baterías Chad Wackerman, Steve DiStanislao y Bernie Dresel. “Slingsho”, lanzado en 1998, incluía al baterista Gregg Bissonette y la leyenda de los teclados Jim Cox. Verheyen continuó tocando como intérprete de sesión en los discos de otros artistas, como los Bee Gees y Cher, así como para bandas sonoras de películas como “The Crow” y “The Usual Suspects”. En enero de 2000, lanzó el álbum “Atlas Overload”, seguido en 2001 por un disco de guitarra solista titulado “Solo Guitar Improvisations”.
También en el 2001, Verheyen lanzó un trabajo en colaboración con otros artistas titulado “Reel to Real”, con Karl Ratzer, un guitarrista de jazz austriaco. Grabado en dos días, consistió en “jams” extendidos e intercambios musicales interactivos entre los dos guitarristas y una sección rítmica conjunta. Poco después, lanzó una colección de versiones titulada “Six”, con una estupenda versión de "Yes It Is" de Lennon-McCartney. Posteriormente realizó una extensa gira tocando en numerosos países en el transcurso de dos años.
Verheyen es autor de varios libros instructivos de la guitarra, entre ellos “Improvising Without Scales”, así como “Studio City”, una colección de artículos escritos para la revista “Guitar for the Practicing Musician” entre 1996 y 1999. En 1996 Carl ganó la categoría de Mejor Guitarrista de los “LA Music Awards”.
Además de todo ello, Verheyen ha producido varios DVD´s instructivos y lecciones en línea por internet. Ha producido una combinación de libros y CD´s que perfila su estilo "interválico" llamado “Improvisando sin escalas”; así como un libro titulado “Studio City”, una recopilación de todo lo publicado y escrito para “Guitar Magazine” entre 1996 y 1999. Actualmente escribe una columna mensual para “Chitarre”, una publicación italiana de guitarras.

Def Leppard-Hysteria (1987)

Después del éxito abrumador que supuso el tercer álbum de Def Leppard, “Pyromania”, con un repertorio cargado de heavy metal comercial con acercamientos al pop y que lograría unas fastuosas ventas que hoy en día superan con creces los 25 millones de copias, la banda se enfrentaba al dilema casi imposible de superarlo con un nuevo trabajo.
Cuatro años después llegaba “Hysteria”, con el cual no solo lo superaría en el plano comercial logrando unas ventas aún muy superiores, sino que creativamente significaría su trabajo mas glorioso.
Al mismo tiempo seria su álbum mas polémico, al ser acusado de sobreproducción por parte del ingeniero de sonido Mutt Lange, hecho este que sin embargo no lastra en absoluto un trabajo tan soberbio y magnifico como este.
Habría que matizar un dato crucial para entender esta nueva entrega, y es que tres años antes había ocurrido un hecho significativo y que marcaría el futuro de la banda, su batería Rick Allen perdería uno de sus brazos en un fatídico accidente automovilístico. Llegados a este punto el resto de la banda decidiría seguir contando con su compañero al frente de las baquetas, que después de una larguísima recuperación y a pesar de su discapacidad volvería a ejercitar como el baterista del grupo utilizando una combinación de batería acústica y electrónica que manejaba con pedales con un mecanismo sofisticado fabricado expresamente a su medida.
Musicalmente el álbum muestra la impronta melodía pop fusionada con los contundentes sonidos del heavy metal bien representados en las gloriosas “Rocked”, “Animal”, “Put Some Sugar On Me”, “Women” o “Armageddon”, sublimes e intensas baladas como “Love Bites” e “Hysteria” o potentes y adictivos cortes como “Excitable” y “Don´t Shoot Shotgun”.

Aardvark-Aardvark (1970)

Aardvark fueron una breve formación británica que surgió de las cenizas de la banda de blues Black Cat Bones.

Sin embargo Aardvark orientaron su estilo hacia los sonidos más experimentales de la psicodélica y el rhythm and blues con connotaciones progresivas.

Su formación estaba comprendida por Stan Aldous (bajo), Frank Clark (batería), Steve Milliner (teclados) y Dave Skillin (voz), que como se puede observar adolecían de guitarra, un dato que como es de esperar le otorga a los teclados el dominio casi absoluto de los sonidos instrumentales de esta formación.

Su único registro ocurrido en 1970 y titulado homónimamente, podríamos encuadrarlo en los germinales sonidos del proto progresivo, y una buena muestra de ello son las psicodélicas "Very Nice Of You To Call" y "Outing", mientras que otras piezas como "Cooper Sunset", "Greencap" o "I Can´t Stop" reflejan el dominio de un órgano poderosamente distorsionado que se alterna con pasajes flotantes de gran intensidad.

En definitiva un buen álbum, creado en un intento muy honesto e interesante de ofrecer unas composiciones de rock experimental y vanguardista con influencias psicodélicas y progresivas.

My Solid Ground-My Solid Ground (1971)

Estamos ante uno de los oscuros discos del rock psicodélico alemán, un trabajo repleto de ambientes espaciales y sonidos pesados en donde las difusas guitarras y los teclados dominan un disco altamente creativo e inspirado. My Solid Ground fue en realidad el proyecto del guitarrista de 14 años Bernhard Rendel que logaría confeccionar una banda para la grabación de su único registro acontecido en 1971 y con el cual obtuvo muchísima notoriedad en su país natal. Para ello reclutaría al organista Ingo Werner, al baterista Andreas Würsching y al bajista y voz Karl-Heinrich Dörfler. Compuesto por una serie de canciones cortas orientadas al hard rock pesado y vanguardista y por la mini suite psicodélica "Dirty Yellow Mist". Es sin duda esta última, el punto culminante de este album, una pieza inquietante, ominosa y espacial que contiene todos los ingredientes del mejor krautrock. El resto esta formado por canciones mas convencionales como la feroz "The Executioner" o las pesadas heavy rock "That´s You" y "Handful Of Grass", todas ellas impulsadas por una guitarra pesada con el típico sonido del hard rock británico. Poco después de la publicación de este álbum, Rendel tendría dificultades para seguir manteniendo la banda, por lo que terminaría disolviéndola y se dedicaría a cuestiones académicas, convirtiéndose en profesor en la Universidad de Mainz, además de productor, arreglista y compositor.

Blue Oyster Cult-Spectres (1977)

Después de su aclamado "Agents Of Fortune", álbum con el cual la Blue Oyster Cult logró el éxito comercial debido a una serie de atractivas canciones como la irresistible "Don´t Fear The Reaper", el quinteto neoyorquino repetiría los mismos esquemas de hard rock melódico con su sexto lanzamiento "Spectres", publicado a finales de 1977.

Aquí incluso llegan a lograr componer un puñado de canciones cercanas al heavy pop como la encantadora "Fireworks", la refinada "Golden Age Of Leathers" o la grandilocuente "Celestial The Queen".

Por otro lado los sonidos del hard rock siguen presentes en la melódica "Godzilla", la rítmica "Searchin´For Celine" y en la AOR "Goin´Through The Motions", sin olvidarnos de las sublimes "Death Valley Nights" y "I Love The Night"

Siguiendo la estela de los anteriores discos de la banda, este "Spectres" lograría encaramarse en los puestos altos de las listas del Billboard, logrando un disco de oro y obteniendo el fervor del publico norteamericano y británico y de paso consolidándose como una de las grandes formaciones del hard rock de finales de los setenta.

Asia-Phoenix (2008)

En el 2008 los miembros fundadores de Asia se reunirían para grabar y publicar el álbum “Phoenix”, un trabajo de enorme calidad que dejaba bien claro el talento de sus cuatro componentes tanto en el plano creativo como instrumental.
Así y después de varios años alejados de las grabaciones, John Wetton, Steve Howe, Carl Palmer y Geoff Downes, volvían a ofrecer un trabajo repleto de temas vibrantes e intensos.
Cortes como la inicial y pegadiza “Never Again”, la melódica “Heroine”, la solida rock “I Will Remember You”, o las progresivas "Parallel Worlds” y “Slepping Giant-No Way Back-Reprise”, conformaban un buen álbum de sonidos accesible muy cercano al estilo AOR, pero con ese inconfundible estilo progresivo fruto de la guitarra de Howe y los exuberantes teclados de Downes, junto a la excelente voz de Wetton y la técnica endiablada y poderosa de la batería de Carl Palmer.

Camel-Rain Dances (1977)

En 1977 Camel llevaban publicados cuatro fundamentales álbumes orientados al rock progresivo, con connotaciones al sonido Canterbury.

Ese año de 1977, la banda experimentaba su primer cambio de formación, incorporando al bajista y vocalista Richard Sinclair (Ex-Caravan), en sustitución de Doug Ferguson y al saxofonista Mel Collins (ex-King Crimson).

Ambos músicos nutrieron el sonido de Camel con diferentes texturas y matices jazzisticos, pero conservando las estructuras progresivas habituales de la banda. El resto de la formación seguía compuesta por Andy Latimer, Andy Ward y Peter Bardens.

El resultado de esta nueva reorganización de Camel fue el quinto álbum "Rain Dances", en donde las cristalinas guitarras de Latimer, junto al extenso repertorio instrumental de los teclados de Bardens, son apoyados por el elegante toque del saxo de Collins y una sección rítmica de claro acento jazzistico.

Desde la atmosférica "First Light", o la frágil "Elke", un corte en donde intervienen Brian Eno con sus experimentales teclados y Fionna Hibbert y su arpa electro-acústica, pasando por melodías comerciales como la pegadiza "Highways of the Sun", relajados pasajes “Tell Me”, convincentes piezas minimalistas y orquestadas como “Rain Dances”, o las instrumentales y desenfadadas jazz "One Of These Days I´ll Get an Early Night" o "Skylines", dieron como resultado un trabajo que sin llegar a las excelencias de sus obras predecesoras, si les mantuvo en el alto nivel que a esas alturas se le exigía a esta icónica y esencial banda británica dentro del panorama del rock progresivo.

Michael Landau

Michael Landau es un guitarrista que es conocido por sus múltiples colaboraciones como músico de sesión en muchos álbumes de grandes del pop y del rock mundial. Landau nació y se crio en Los Ángeles. Creció con la música de The Beatles, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Cream y The Band. Su abuelo Ernani Bernardi tocaba el saxo alto durante la era swing, con la Dorsey Brothers y Benny Goodman. Comenzó a tocar la guitarra a la edad de 11 años, y pronto tuvo un gran interés por el jazz y el jazz-rock, teniendo a la Weather Report, Pat Martino y Jaco Pastorius como algunas de sus primeras influencias. A mediados de los años 70 Michael se instalo en Luisiana para estudiar y tocar rhythm & blues. Posteriormente realizo una gira por la costa oeste con The Robben Ford Band, que incluía a Jimmy Haslip y Russell Ferrante. A los 19 años se unió a Boz Scaggs para una gira mundial y a la edad de 20 años comenzó a hacer grabaciones y sesiones de estudio con Steve Lukather, Jeff Porcaro y Danny Kortchmar. Algunos otras colaboraciones posteriores fueron con Pink Floyd, Miles Davis, Joni Mitchell, B.B. King, James Taylor, Ray Charles o Rod Stewart, entre otros muchos. En 1989 lanzó su primer álbum en solitario "Tales from the Bulge", álbum enteramente instrumental y solo editado en Japón y USA inicialmente, trabajo que contó con la estimable colaboración de grandísimos músicos como Wayne Shorter, Vinnie Colaiuta, Carlos Vega, Steve Lukather o Jimmy Johnson. En 1990 formó la banda de blues-rock Burning Water, editando bajo este nombre cuatro buenos trabajos, por esa época comenzó a trabajar asiduamente con James Taylor. Posteriormente en 1993 fue galardonado como mejor guitarrista del año por la revista "Guitar Player Magazine". El siguiente año formó el grupo The Raging Honkies, un power-trío con Teddy Landau y Abe Laboriel Jr. juntos grabaron dos álbumes. En 2001 publicó un doble en directo y un álbum de estudio "The Star Spangled Banner", en su propio sello Inconscient Records. En la actualidad continua realizando giras con su propio grupo, además de con Robben Ford o The Jazz Ministry entre otros, e incluso con el propio James Taylor. Su ultimo álbum, "The Michael Landau Group Live" fue editado a finales del 2006. 

Steve Hillage-Green (1978)

En 1978 el guitarrista Steve Hillage presentaba su cuarto lanzamiento, un trabajo en donde la excepcional teclista Miquette Giraudy cobra una gran relevancia, una mujer que demuestra un dominio absolutamente magistral con los sintetizadores ARP y EMS y el vocoder.

Además de ella, también aparecen el bajista Colin Bass, el  baterista Clive Bunker, los guitarristas Dave Stewart y Christian Boule, los teclistas Phil Hodge y Basil Brooks y la sección rítmica compuesta por Curtis Robertson (bajo) y Joe Blocker (batería).

Producido por el baterista de Pink Floyd, Nick Mason, fue lanzado en medio de efervescente movimiento punk y a pesar de ello, la lírica esta claramente orientada al movimiento flower power de diez años atrás con temas tan recurrentes como todo los relacionado con la madre tierra. Musicalmente presenta desde los sonidos espaciales de "Musik of the Trees", hasta acercamientos a la psicodelia cósmica "Sea Nature", pasando por las experimentaciones siderales "Ether Ships", planeadoras composiciones "Palm Trees (Love Guitar", el jazz rock con ritmos funk "Unidentifield (Flying Being)" o el tour force guitarrístico con la enérgica "The Glorious Om Riff".

The Jeff Healey Band-Hell To Pay (1990)

Jeff Healey fue uno de los mas grandes guitarristas de blues rock de las ultimas décadas del siglo 20. Su particular manera de tocar sentado, con la guitarra sobre sus piernas es recordada por todos los buenos aficionados al rock. Healey también solía tocar tanto la trompeta como el clarinete. Su vida fue alternativamente cruel y generosa, nacido el 26 de marzo de 1966, tenía un año cuando tuvieron que extirparle los ojos, debido a un cáncer en las retinas. Esa minusvalía le hizo concentrarse en la música desde crío. Demasiado pequeño para manejar una guitarra, aprendió a tocarla colocándosela en el regazo, una postura que ya utilizaban los magos de la lap steel. También se convirtió en un fanático del blues y el jazz, amasando una asombrosa colección de vinilos de 78 y 33 revoluciones. Jeff empezó a presentarse en público cuando aun no era mayor de edad; su ceguera, su pirotécnica manera de tocar la guitarra y su fervor como vocalista destacaron en la escena canadiense. La Jeff Healey Band era uno de los fenómenos de Toronto, con algunos singles autoeditados, cuando llamó la atención de unos cazatalentos de Hollywood, que requirieron sus servicios para la película "Road House" (1989), donde Patrick Swayze hacía de encargado de seguridad en uno de esos alborotados locales estadounidenses que vibran al ritmo del blues-rock; el papel de villano correspondía a Ben Gazzara. Allí sonaban sus potentes lecturas de temas de los Doors o Bob Dylan. Simultáneamente, le fichaba Arista Records y le ponía en manos de productores como Jimmy Lovine. Su primer álbum, “See the light” (1988), generó un gran éxito con su versión de una emotiva balada de John Hiatt, “Angel eyes”. Para su segundo trabajo, “Hell to pay” (1990), contaba con apariciones estelares de George Harrison o Mark Knopfler, y contenía una extraordinaria versión del tema de The Beatles "While my guitar gently weeps", además de un repertorio brillante de poderoso blues rock como “Full Circle”, la blues sentimental “I Think love you too much”, melódicos medios tiempos “Let it all go” o cortes como la rítmica “Highway of Dreams”. Varios años después publicaría su tercer álbum “Feel This”, donde ya se evidenciaba que lo suyo era las actuaciones en directo y no una colección de canciones para álbumes que ya no estaban a la altura de sus habilidades guitarrísticas, posteriormente publico el disco de versiones “Cover to cover” (1995), en el cual daba un soberbio repaso en clave de blues rock a temas legendarios como “Shape of Things" de los Yardbirds, “Freedom” de Jimi Hendrix, “Stop Breakin´Down” de Robert Johnson, “Evil” de Willie Dixon”, “Stuck in the Middle with You” de los Stealers Wheel o “Communication Breakdown” de Led Zeppelin, logrando una asombrosa primera posición en el Billboard Blues. A partir de aquí Healey se fue decantando por otros estilos como el jazz y decidió parar su carrera momentáneamente. Montó su propio club en Toronto, el "Jeff Healey's Roadhouse", y fundo los The Jazz Wizards, tocando dixieland y otras músicas tradicionales norteamericanas; lanzó tres álbumes en esa onda a través de la discográfica independiente Stony Plain. Aprovechando lo espacioso de su club, en el presentó programas de jazz con la Canadian Broadcasting Corporation y en la emisora local CJRT-FM. Cuando ultimaba la grabación de su cuarto álbum “Mess of Blues” junto a los The Jazz Wizards, fallecería el 2 de marzo del 2008, después de una recaída que lo mantuvo hospitalizado debido al cáncer que padecía.

Moving Gelatine Plates-Moving Gelatine Plates (1971)

Moving Gelatine Plates fue una banda francesa de efímera duración formada por Gérard Bertram (guitarrista) y Didier Thibault (bajista) a finales de los años 60, los cuales tenían un gran interés por el jazz rock. Con la posterior incorporación del baterista Gérard Pons y el organista e instrumentos de viento Maurice Hemlinger, lograron que el sello CBS les financiara su primer álbum en 1971.

En este debut esta banda demostraría que no era necesario ser británico para tocar el estilo Canterbury, y ciertamente aquí mostraron sus fuertes influencias de los icónicos Soft Mahine y Caravan, unido al vanguardismo de The Mothers of Invention de Frank Zappa.

Sin embargo Moving Gelatine Plates evitaron las inclinaciones políticas que eran muy comunes en las bandas galas de principios de los 70, debido fundamentalmente al movimiento estudiantil anarquista que había comenzado en Mayo de 1968.

Musicalmente es un álbum que esta repleto de grandes composiciones melódicas muy sofisticadas de jazz rock y jazz fusión.

Su inventivo estilo es una fascinante interacción de rock con toques de jazz, interludios vocales, grandes instrumentaciones de flauta, saxo y trompetas y una sutil pero abrasiva guitarra eléctrica.

Las cinco pistas que contiene este álbum debut son todas ellas muy destacadas, pero son sin duda el improvisado jazz rock "Gelatine" y la vigorosa y enérgica epopeya "Last Song", los momentos culminantes de esta magnifica obra.

Chuck Berry-The Anthology (2000)

Chuck Berry es uno de los grandes pioneros del rock and roll, fue tan influyente como Elvis Presley o The Beatles, además de uno de los mejores compositores que ha conocido el estilo y pieza fundamental en la historia de la música rock.
Chuck Berry comenzó su larga carrera como compositor y guitarrista de rock and roll a mediados los años 50. Este legendario artista, compuso innumerables canciones que con el paso del tiempo se han convertido en clásicos del genero, como "Roll over Beethoven", "Johnny B. Goode", "Rock and roll music", "School day", "Carol", "Sweet little sixteen", "Memphis Tennessee", "Reelin' and rockin", "Around and around", "Little Queenie" o "Too much monkey business". Bandas como The Beatles y los Rolling Stones entre otros muchísimos, han hecho versiones de sus canciones hasta la saciedad. La canción "Roll Over Bethoven" llegó al puesto 29 de las listas, pero el disco de oro por esta canción se lo llevaron los Beatles en 1965. Chuck Berry influyó en músicos como Ritchie Valens, Bill Haley, Little Richard o Buddy Holly entre otros muchos. El creó el famoso "Duck walk" (paso del pato). Según cuenta la leyenda, un día llegó al concierto sin tiempo para cambiarse y para que nadie se diese cuenta de que tenía la ropa arrugada Berry empezó a moverse por el escenario como si fuera un pato. En 1972 su canción "My ding-a-ling", llegó a ser número uno en las listas de EEUU y Gran Bretaña. Entre los músicos que han pertenecido a las bandas que llegaron a telonearlo figuraban Bruce Springeteen o Steve Miller. Su música ha llegado hasta el espacio. En 1979 cuando la NASA mandó la sonda "Voyager" al espacio, dentro llevaba una cinta de música, como muestra de la civilización humana. Esa cinta contenía, además de la "Novena Sinfonia" de Bethoven y "La flauta mágica" de Mozart, la canción "Go, Johnny, Go, Go" de Chuck Berry. El músico ha ganado numerosos premios, entre ellos el Grammy que le dieron en 1984 por toda su trayectoria artística. Además, forma parte de dos Salones de la Fama: el de la música rock y el de los compositores. Sus riffs de guitarra han sido imitados hasta la saciedad por todos los guitarristas del rock. Su carrera artística fue de las mas longevas de la música rock, estando activo desde 1953 hasta el 2017, el año de su muerte.
En el año 2000 el sello Chess Records lanzaría el doble recopilatorio “Anthology” en donde se recoge 50 de sus mejores canciones, casi todas ellas clásicas del genero y piezas fundamentales de la historia del rock.

Steve Hillage-L (1976)

El segundo registro del ex-guitarrista de Gong, Steve Hillage, "L", tuvo como productor al prestigioso Todd Rundgren y como banda de apoyo a sus propios Utopia, por lo que no es de extrañar que detrás de todo ello este el estilo inconfundible del multiinstrumentista y productor originario de Pensilvania.

Los músicos que grabaron este fantástico álbum fueron la habitual Miquette Giraudy (voz y sintetizadores), Roger Powell (teclados), Don Cherry (trompeta, campanas tibetanas y voz), John Wilcos (batería), Kasim Sulton (bajo), Larry Karush (tabla hindú) y los guitarristas Steve Hillage y el propio Todd Rundgren.

Piezas progresivas como la impresionante "Lunar Musick Suite", doce esplendidos minutos de estimulantes sintetizadores, unas sombrías guitarras y una atmósfera de hostigamiento instrumental, se convierte en el punto culminante de esta obra.

En otros momentos memorables aparece la exótica oriental "Om Nama Shivaya", que cubierta de múltiples capas guitarrísticas pone la nota de color, sin dejar de mencionar las excelentes "Hurdy Gurdy Man" y "It´s All Too Much", ambas con un gran despliegue de solos de guitarras y una gran interacción entre todos los instrumentos, mientras la rock melódica "Electric Gypsies" y la espacial "Hurdy Gurdy Glissando", muestran el rico estilo ecléctico de Hillage en un trabajo realmente sublime y sorprendente.

Grand Funk Railroad-On Time (1969)

Grand Funk Railroad surgieron de las cenizas de una banda local de la ciudad de Flint en Michigan, llamada Terry Knight & The Pack, a la cual pertenecían el guitarrista Mark Farner, el baterista Donald Brewer y el cantante Terry Knight.

En 1968 Farner y Brewer reclutaron al bajista Mel Schacher, quedando así conformada la primera alineación de este power trío, mientras que Terry Knight pasaría a ocupar el puesto de manager.

El propio Knight lograría que la banda actuara en el prestigioso Festival Pop de Atlanta de mediados de 1969, cosechando un abrumador éxito que les valdría fichar por el sello Capitol Records.

Poco después debutan discográficamente con su primer álbum titulado "On Time", en el cual muestran soberbiamente sus cartas credenciales con un vigoroso y contundente estilo de hard rock con ramalazos de blues y soul.

Compuesto por diez canciones, algunas de ellas con extensos desarrollos instrumentales como "Into the Sun", "Heartbreaker" o "T.N.U.C", melódicos y dinámicos cortes de hard rock "Are You Ready?", intensos blues rock "Time Machine" o acercamientos a la psicodelia imperante en aquella época con las frenéticas "Anybody´s Answer" y "High on a Horse".

Un top ten en las listas de Billboard y más de un millón de copias en ventas, conformaron uno de los mejores debut de la música del rock de finales de los sesenta.

Jeff Wayne-The War Of The Worlds (1978)

La inmortal obra de H.G. Wells La Guerra de los Mundos es un hito en la literatura de ciencia ficción, ya que fue el primer libro en abordar el tema de una invasión extraterrestre a la Tierra, temática que sería explotada hasta la saciedad en otras novelas y cuentos del género así como en el cine con sus múltiples variaciones. En general La Guerra de los Mundos ha servido de espejo para mostrar el temor de diferentes generaciones; desde su adaptación fílmica de 1953 (la guerra fría) hasta la versión 2005 de Steven Spielberg (el terrorismo). Incluso la sensacional versión de radio de 1938 orquestada por Orson Welles sirvió para explotar el miedo de los americanos en la época previa a la Segunda Guerra Mundial (y la paranoia sobre una posible invasión nazi). Es una obra que está marcada por un nivel de excelencia infrecuente en todas sus adaptaciones: siempre hechas por artistas geniales, siempre haciendo historia. Y hoy es el turno de hablar de una adaptación muy popular en su tiempo (1978), pero que con el paso de los años ha quedado en el olvido al menos en el mundo de habla hispana, ( que no en el mundo anglosajón, donde sigue siendo un clásico, cosechando mucho éxito tanto en literatura como en la version musical ). Me refiero a la versión musical de Jeff Wayne. He aquí la historia del album: Jeffrey "Jeff" Wayne nació en Norteamérica pero se crio en Inglaterra. Su padre Jerry era actor, compositor y productor teatral, actividades que terminaron por influir en el joven Jeff. Ya en 1966 colaboraría con su padre en la versión musical de Historia de Dos Ciudades, la obra clásica de Charles Dickens. Y pronto se volcaría como productor musical, participando en el album Rock On de David Essex. En esos años comenzaría a experimentar con el rock sinfónico. Alternando entre la producción musical, y la composición de jingles publicitarios, a mediados de los 70 Jeff y su padre se dedicaron a la tarea de montar una dramatización musical de una obra literaria conocida. Las alternativas iban desde dramas griegos hasta novelas como la de Aldous Huxley Brave New World, o incluso la base literaria del film de ciencia ficción The Day of The Triffids de John Wyndham. Fue Doreen Wayne (la madre de Jerry) quien, husmeando en una librería, se le ocurrió pensar en la más grande historia de ciencia ficción jamás contada. Y era, por supuesto, La Guerra de los Mundos de Wells. Los Wayne llegaron a un arreglo con los familiares del hermano de H.G Wells (que era los únicos herederos y poseedores de los derechos de autor), quienes le dieron el visto bueno. Doreen Wayne sería quien se encargaría de los primeros pasos de la adaptación de la obra, y Jerry Wayne haría de editor del libreto, trabajando sobre los puntos que había destacado Jeff. Mientras éste se dedicaba a contactar a ejecutivos de la CBS en Inglaterra, en especial Dick Asher, quien sería el que les brindara el apoyo total durante los tres años que duró el proceso de elaboración de la obra. Inicialmente presupuestada en un costo de 34.000 libras esterlinas, con el paso del tiempo el proyecto crecería ... y los costos también, hasta llegar a la cifra de 240.000 libras. Incluso hubo cambios en el formato; debido a las dimensiones de la obra, pasó a ser un album doble. Pero los resultados sobrepasaron las expectativas, y cuando el album fue lanzado en 1978, superó el millón de ejemplares en sólo 6 semanas. Permaneció en los charts por más de 6 años y se convirtió en la banda de sonido más vendida en el Reino Unido, llegándose a vender mas de diez millones de copias en total, a pesar de que no fuera el soundtrack de un film ni se tratara de una opera rock puesta en escena en ese momento. Recientemente en el 2004 firmaría un acuerdo con la Paramount, quien le proveería numerosas escenas animadas en CGI y montaría un espectáculo musical itinerante, obra que continúa en cartel hasta el presente año. La versión original de Jeff Wayne contaba con un elenco de artistas y músicos consagrados dentro del mundo del rock como Richard Burton como narrador y protagonista de la obra; como músicos la participación de Justin Hayward vocales y guitarra (de The Moody Blues), Phil Lynott en vocales y bajo ( Thin Lizzy ), David Essex en las voces, Ray Cooper en las percusiones, Barry Morgan en la batería, Chris Spedding y Jo Partridge a las guitarras, Herbie Flowers al bajo, y Chris Thompson (Manfred Mann) a los teclados, entre otros músicos. A su vez el album contaba con numerosas ilustraciones de Peter Goodfellow, Geoff Taylor y Michael Trim que servían para seguir el avance de la historia. El álbum sigue con absoluta fidelidad a la obra de Wells; ambientada en la Inglaterra Victoriana del Siglo XIX, tanto el narrador como los protagonistas recrean las escenas más importantes de la novela. Desde el aterrizaje marciano hasta los primeros encuentros entre la artillería y los invasores; la desesperación y locura de los pobladores, entre los que se encuentra un artillero que planea atacar a los alienígenas emergiendo desde debajo de la tierra; el éxodo de la población y el ataque al carguero Thunder Child que transporta a los exiliados... Wayne incluso incorpora cierta personalidad musical a los invasores, ya que los mismos aúllan un grito de guerra (el famoso Ulla !) que les da protagonismo en la obra. Y, jugando con los hechos de la época, aporta un epílogo en donde la misión Viking a Marte (que data de aquellos años) se posa en el planeta rojo... y la comunicación es interrumpida. Musicalmente el sonido se orientaba claramente hacia el rock sinfónico épico, Varios de los temas escalaron posiciones individualmente en los charts, en especial "Thunder Child","The Spirit of Man" y "Forever Autumn", siendo esta última el single más exitoso del álbum. A su vez la repercusión a nivel internacional no se hizo esperar, y surgieron versiones en alemán (con Curt Jurgens) y en español (con Teófilo Martinez) como los narradores centrales. Jeff Wayne´s War of the Worlds es una obra excepcional; tiene cierto sabor a serial radial, donde la música y la narración dejan volar la imaginación; y se trata además, de la producción más fiel a la obra de H. G. Wells hasta el momento. Hay una gran cantidad de momentos musicales "pegadizos", y tiene una construcción épica privilegiada. Pero de algún modo el éxito descomunal de la obra terminarían por opacar al mismo Wayne. Su producción musical continuó pero con mayores intervalos, y sólo hubo un intento de generar una nueva obra a gran escala con la versión musical de Spartacus pero sin alcanzar el impacto de este album. Y actualmente se encuentra dedicado a la puesta en escena itinerantemente durante todo el pasado año y parte de este. 

Alejandro Franco

The Ramones

Marc Bell, nombre verdadero de Marky Ramone, es, junto a Thomas Erdélyi (Tommy Ramone), el único de la ficticia familia Ramone de su formación original que aún vive. Para ser justos, sólo Tommy es el único miembro fundador con vida, tras el fallecimiento del cantante Joey Ramone en 2001, del bajista Dee Dee Ramone en 2002 y del guitarra Johnny Ramone en 2004. Marky entró a formar parte de este proyecto, germen del punk rock antes de que Malcom Mclaren se inventase a los Sex Pistols, tras abandonar a Richard Helle y sus Voidoids, para sustituir a Tommy, primer batería y productor del grupo, que participó de la percusión en los tres primeros discos registrados por el grupo de Queens, y en la práctica los tres más completos y compactos de su historia: "Ramones" (1976), "Leave home" (1977) y "Rocket to Russia" (1977). Su primera aportación al universo Ramone sería en la grabación del cuarto disco, "Road to ruin" (1978), un trabajo de menor octanaje que los anteriores y en el que se intuía el fin de una etapa. En él aparecían temas como "I just want to have swomething to do", "Needles & Pins" o "I wanna be sedated o She's the one". Marky dejaría su sello en posteriores como "End of century" (1980), "Pleasant dreams" (1982) y "Subterranean jungle" (1983). Saldría del grupo a finales de 1982 para regresar de nuevo cinco años más tarde y hasta el fin definitivo de la historia en 1996. Su batería sonó otra vez con fuerza en "Brain drain" (1989). En la práctica, ha sido quien ha asumido el rol de defender el legado de la banda en los últimos años al tiempo que se ha multiplicado en proyectos como Marky Ramone & The Intruders, Speedy Kings y The Misfits, entre otros. 

Chris Spheeris & Paul Voudouris-Enchantment (1990)

A finales de los ochenta y principios de los noventa la música new age vivía su mejor época, cientos de artistas competían y rivalizaban al mismo nivel que las rutilantes estrellas del pop y el rock y muchos de ellos incluso les desafiaban en las listas de éxitos.
Uno de los álbumes que lograron un éxito arrollador fue “Enchantment”, el quinto de los músicos norteamericanos de ascendencia griega, Chris Spheeris y Paul Voudouris.
“Enchantment” supuso un hito sin precedentes en las llamadas nuevas músicas, logrando vender cientos de miles de discos, algo poco usual en este genero musical
Este dúo ya había firmado una serie de álbumes orientados al folk pop como “Spheeris and Voudouris” o “Points Of View”, ambos de finales de lo setenta, o trabajos mas orientados a la musical ambiental como “Primal Trech Music” de 1982.
A partir de este ultimo cada músico siguió su propia carrera en solitario, hasta que a finales de los ochenta se reunirían para la grabación de este trabajo, el cual se convertiría en una de las obras maestras del genero.
Musicalmente “Enchantment” esta repleto de contagiosas melodías con una gran misticismo, unos sonidos cálidos y mediterráneos, en donde diferentes culturas musicales de distintos países se fusionan para crear una obra elegante y al mismo tiempo sorprendente.

Grand Funk-Phoenix (1972)

En 1972 Grand Funk Railroad se encontraba en la encrucijada de seguir mostrando su potente y directo hard rock o desviarse hacia los sonidos más versátiles y accesibles incorporando los teclados para obtener unos matices comerciales, sin dejar de lado su musculoso rock.

Con la inclusión del teclista Craig Frost, publicaron el álbum "Phoenix", un trabajo en donde incluso aparecen sutiles toques progresivos como queda patente en la inicial "Fight Of The Phoenix".

Además de ello, en esta nueva entrega acortaron su nombre por el de Grand Funk, aunque de manera provisional, prescindiendo igualmente de su manager y productor Terry Knight.

Sin embargo este nuevo álbum también denota cierta falta de frescura creativa por parte de su guitarrista y líder Mark Farner, pese a que sigue mostrando su cara más electrizante y enérgica.

Cortes como la semi progresiva "Trying To Get Away", la psicodélica "Rain Keeps Fallin´", la boogie blues "I Just Gotta Know", la hipnótica "Freedom Is For Children" o la pegadiza "Rock and Roll Soul", demostraron que la banda aun tenia el suficiente crédito para seguir avanzando musicalmente.

Pese a que comercialmente “Phoenix” no superaría a sus predecesores, si lograron un séptimo puesto en el Billboard y un disco de oro en los mercados norteamericanos y canadienses.

Giles, Giles & Fripp-The Cheerful Insanity Of Giles, Giles & Fripp Music (1968)

Estamos ante un álbum histórico, y no precisamente por sus excelencias musicales, si no mas bien por que en medio de la época mas esplendorosa de la psicodelia aparecen tres de los futuros miembros de una de las mas grandes bandas de la historia como fueron King Crimson, creando un álbum muy alejado de lo que un año mas tarde se consideraría el inicio del rock progresivo con el primer y antológico registro de la Corte de Carmesi.

Sin embargo y observando desde la distancia que dan mas de 50 años, aquí se aprecia algo mas profundo que la simplicidad de las canciones incluidas, unas canciones orientadas hacia las psicodélica pastoral, de estructura simple y extraña con un concepto ciertamente absurdo y pueril.

En el podemos encontrar atisbos de los elementos que serian fundamentales en los futuros King Crimson, como las ejecuciones del baterista Michael Giles, y la fenomenal guitarra y mellotrón de Robert Fripp. 

Esas características están presentes en varios cortes como "Suite No. 1" y "Erudite Eyes", la primera una instrumental sosegada con una gran intro de Robert Fripp y la segunda una enérgica experimentación intrigante de jazz psicodélico.

Con ambas, pese a que no aclaran fehacientemente el camino que pronto seguirían con su siguiente formación, si muestran de alguna manera su etapa temprana y como tal podemos considerarlo como un claro preestreno de la legendaria formación británica.

Led Zeppelin-Live O2 Arena (2007)

Y por fin llego la hora y el día mas esperado, Led Zeppelin se reunirían de nuevo en los escenarios 19 años después de su última aparición en publico, ante un auditorio repleto de miles de fans en el 02 Arena de Londres. y no defraudaron. Los 18.000 afortunados en conseguir una entrada escucharon con devoción la voz desgarradora de Robert Plant, los riff´s únicos de la guitarra de Jimmy Page, a un John Paul Jones en plena forma con el bajo y los teclados, y en el lugar de John Bonham a la batería, su hijo Jason, que estuvo sencillamente genial. Con muchos más años encima y lejos del look de los años 70, pero con la misma calidad y contundencia, Led Zeppelin rubricó con sobresaliente una noche magistral y apoteósica. Un concierto que duro alrededor de los 90 minutos, con una espectacular "Good Times Bad Times", elegida para abrir la velada. Led Zeppelin demostraron por que es la mejor banda de hard rock de todos los tiempos, el misticismo de las letras de sus canciones y sus influencias de rock blues y folk, hicieron que los miles de fans corearan todos los temas, muchos de ellos ya clásicos de rock´n´roll. El Auditorio entero vibró con temas como "Since I've Been Loving You", "Black Dog", la aclamada "Stairway To Heaven" (la cual supuso el momento más memorable de la noche), la progresiva y épica "Kashmir" y un largo recorrido con algunos de sus grandes temas, que no hacían mas que entusiasmar a los fans según transcurría la noche. Aclamados por las exigencias del público, la banda tuvo que volver a salir al escenario dos veces más después de haber terminado, en dos bises, interpretando entre otras "Whole Lotta Love", dando por finalizado de esta manera, una de las noches mas memorables que haya dado el mundo del rock en los últimos años.

Blonde On Blonde-Contrasts (1969)

Tomando prestado el titulo del álbum de Bob Dylan de 1966, Blonde on Blonde fueron una banda psicodélica formada en 1967 en Newport por el guitarrista Gareth Johnson, el bajista Richard Hopkins y el baterista Les Hicks.

Algún tiempo más tarde se les unirían los guitarristas y voces Ralph Denyer y Simón Lawrence.

En 1968 se trasladan a Inglaterra y logran grabar varios singles de merito bajo el sello británico Pye Records.

Ese mismo año grabarían su primer larga duración, este "Contrasts" en donde muestran sus influencias psicodélicas fusionadas con otros estilos como el blues, el folk y el hard rock.

En este debut nos encontramos canciones que van desde el pop rock psicodélico británico "Ride With Captain Max", hasta acercamientos a los sonidos orientales "Spinning Wheel", el folk "Regency" y "Island on a Island", pasando por el blues rock "I Need My Friend" o acercamientos al blues progresivo con la elaborada "Mother Earth".

En los siguientes dos años la banda lanzaría dos nuevos trabajos "Rebirth" y "Reflections On A Life", que pese a una incuestionable calidad, pasarían totalmente desapercibidos abocando con ello, la desaparición de esta excelente formación norteamericana.