Schicke & Führs & Fröhling-Symphonic Pictures (1976)

Este es uno de los mejores ejemplos del brillante rock sinfónico alemán que se hacia en los años 70. Creado por el trío compuesto por el baterista Eduard Schicke, el guitarrista y teclados Heinz Fröhling y el teclista Gerd Führs, los cuales lograron no solo firmar uno de los hitos dentro del rock germano a nivel compositivo, si no también en el plano comercial, vendiendo mas de 10 mil copias en unas pocas semanas. En esta primera entrega, este trío mostraría un apabullante trabajo instrumental repleto de Mellotrones, teclados eléctricos y sintetizadores respaldado por las sutilezas de unas guitarras pastorales y una efectiva batería en donde las hermosas melodías, la grandilocuencia escénica y la excelente musicalidad, logran adéntranos en un viaje atemporal por unos ambientes atmosféricos entre la música clásica, los paisajes sonoros cinematográficos y los inquietantes sonidos hipnóticos de muchos de los episodios de este extraordinario álbum.

Passport-Infinity Machine (1976)

A mediados de los setenta la banda alemana liderada por el saxofonista Klaus Doldinger estaban en su apogeo creativo, atrás habían dejado para la posteridad una serie de prestigiosos álbumes de gran jazz rock/fusión como "Second Passport", "Hand Made", "Looking Thuru" o "Cross Collateral", todos ellos repletos de pegadizos sonidos en donde fusionaban el funk, el R&B, el rock y el jazz progresivo. En 1976 lanzarían su sexto trabajo, este "Infinity Machine", en el cual la agrupación germana compuesta por Doldinger (saxo, teclados y voces), Curt Cress (batería), Wolfgang (bajo, guitarra y harmónica) y Kristian Schulze (teclados), vuelven a crear otro fantástico registro del mejor jazz vanguardista. Cortes repletos de ambientes funk "Ju-Ju-Man" se alternan con atmósferas ambientales "Contemplation", enérgicas piezas de fusión "Morning Sun", refinadas composiciones románticas "Blue Aurora", piezas orientadas al space fusión "Infinity Machine" o experimentaciones sonoras vanguardistas "Ostinato". Para muchos con este álbum la banda completaba su era mas progresiva, y a partir de aquí entrarían en una época mas convencional con un jazz orientado hacia los sonidos mainstream accesibles al gran publico.

Bob Marley and the Wailers-Live! (1975)

En la primera mitad de los 70, Bob Marley todavía no contaba con la fama que luego adquiriría a nivel mundial.

Con solo un álbum publicado con su firma en solitario "Natty Dread" y otros seis con The Wailers, se presentó en Londres en el Lyceum apoyando al mencionado "Natty Dread" los días 18 y 19 de julio de 1975.
Seis meses después, fue publicado el álbum "Live!", con una selección de temas pertenecientes a esas dos noches y que, al contrario de lo habitual en ese momento, no se editó como un álbum doble, sino como un sencillo con apenas siete canciones.
En esas dos noches Bob Marley y The Wailers ofrecieron dos fantásticas actuaciones con una banda en buena forma y un repertorio repleto de grandes canciones como la inicial y enérgica "Trenchtown Rock", la extensa e incendiaria "Get Up, Stand Up" o la maravillosa "No Woman, No Cry".
"Live" es un directo explosivo, con un público totalmente devoto, guitarras explosivas, coros contagiosos y una sensación revolucionaria en el ambiente.
A partir de aquí y como consecuencia del éxito de esas actuaciones y de la gran acogida que tuvo este disco, la Island Records reeditaría con gran éxito los discos "Catch a Fire" y "Burnin´" de su banda The Wailers, a nivel mundial.

National Health-Of Queues And Cures (1978)

Con este álbum de National Health, se daba por acabada prácticamente la época dorada del sonido Canterbury, un movimiento que había surgido una década antes de la mano de formaciones tan emblematicas como Soft Machine, Caravan, Egg o Hatfield and the North entre otras. National Health fue una formación tardía dentro de ese movimiento, fundada a mediados de los setenta y que después de varios lanzamientos dejaron de existir al poco de comenzar la década de los ochenta. Con una temática musical en donde sus influencias del jazz rock y la música clásica son más que evidentes, sus tres únicos lanzamientos están considerados obras maestras del genero. En 1978 lanzaron su segundo larga duración "Of Queues and Cures", curiosamente publicado el mismo año que su álbum debut, pero 9 meses mas tarde. Formada por cuatro excelentes músicos con una amplia experiencia tras de si como son Dave Stewart (órgano y teclados), Phil Miller (guitarra), John Greaves (bajo) y Pip Pyle (batería), todos ellos ex miembros de algunas de las mas grandes bandas británicas de todos los tiempos como Khan, Egg, Matching Mole, Hatfield and the North o Gong. Desde lienzos cercanos al free jazz rock con la frenética "The Bryden Two-Step (For Amphibians)", hasta piezas experimentales con la oscura "Squarer for Maud", pasando por ejercicios musicales muy emocionantes y dinámicos como "Dreams Wide Awake" o "Binoculars" conforman este esplendido album, sin duda una de las más importantes obras del género de Canterbury, un disco que traspasa los limites del vanguardismo y el jazz rock para adentrarnos en un viaje musical tan excepcional como único.

Gentle Giant-Interview (1976)

"Interview" aparecido en 1976, seria el octavo álbum en estudio de Gentle Giant, publicado en un momento crucial para la banda británica ante la difícil tarea de superar el anterior y antológico "Free Hand" del año anterior. Para esta grabación la banda formada por los habituales Ray y Derek Shulman, Gary Green, Kerry Minnear y John Weathers, confeccionaron un trabajo menos glorioso e ingenioso, pese a contener algunos momentos memorables. Acomodados en su zona de confort progresivo con influencias clásicas y medievales, Gentle Giant introducen nuevos elementos como los modernos sintetizadores digitales y agregan nuevos ritmos como queda demostrado en la reggae "Give It Back", un sofisticado corte que por su enorme complejidad deja en pañales a la mayoría de artistas del genero. Por otra parte la canción que lleva el titulo del álbum, es una sorprendente composición rítmica con una gran interacción entre el órgano y el piano eléctrico y las voces habituales en Gentle Giant. La vanguardista "Design" o el dinamismo de "Another Show", son esos nuevos sonidos que hacíamos alusión anteriormente, mientras que "Lost My Head" es junto a la mencionada "Interview", los momentos cumbres de este álbum, si bien no en términos meramente creativos, pero si en la brillante ejecución instrumental, las cuales se encuentran entre las mejores en la carrera del grupo.

Brainchild-Healing Of The Lunatic Owl (1970)

Otra interesante banda de un solo álbum y corto recorrido fueron los británicos Brainchild, una formación que se movía entre el brass rock emparentado con bandas coetáneas como Blood Sweat & Tears o If y el jazz rock progresivo. Considerada una banda de culto hoy en día, esta formación se origino en la ciudad de Londres a principios de 1970 por Harvey Coles (bajo, voz), Bill Edwards (guitarra, voz), Dave Miller (batería), Chris Jennings (órgano, piano), Brian Wilshaw (saxo, flauta), y Lloyd Williams (trompeta y trombón).  Su único lanzamiento fue bajo el sello A&M Records, un album en donde los pesados sonidos del jazz de metales se fusionaban con sugerentes melodías rock, impregnados de elementos psicodélicos y vanguardistas, convirtiéndolo en una de las mejores entregas del jazz rock británico. "Healing Of The Lunatic Owl" es uno de esos oscuros y olvidados álbumes que muestra una excelente destreza instrumental de jazz rock, en el cual desde el music hall hasta los los complejos arreglos del jazz progresivo se ven refrendados en una serie de piezas de gran calidad como las bluesy jazz "Hide From The Dawn" y "Two Bad Days", la fusión "Autobiography", la rock "She´s Learning", la epopeya jazz rock "A Time a Place", la pastoral "Sadness Of A Moment" o la jazzistica y alegre music hall "The Cage".

Alas-Alas (1976)

Alas fueron una refinada y elegante formación argentina de jazz rock progresivo con ciertas influencias folclóricas criollas. Liderada por el multiinstrumentista Gustavo Morettom, un afamado músico del movimiento jazzistico de su país, uniría sus fuerzas al bajista Alex Zucker y al percusionista Carlos Riganti para fundar Alas a mediados de 1975. Un año después de su creación publicaron su álbum debut, un trabajo aclamado entre los medios especializados de su país. Después de este primer lanzamiento el bajista Pedro Aznar sustituiría a Zucker y bajo esta nueva formación grabarían su segundo registro, "Pinta tu Aldea", un álbum mas orientado hacia los sonidos progresivos y sinfónicos. Centrándonos en su álbum debut, Alas lograron crear un trabajo repleto de composiciones expresivas e impetuosas bajo un contexto de jazz fusión. Los guiños al rock progresivo de Triumvirat o Emerson Lake and Palmer, se reflejan en los ricos sonidos emanados por el órgano Hammond y el mini Moog, el contundente bajo y una batería muy técnica y dinámica. Excelentes musicalidades de jazz progresivo como "Buenos Aires solo es Piedra", o claros dinamismos de fusión con la grandilocuente "La muerte contó el Dinero", en la cual se acercan al rock lírico y progresivo italiano, constituyen una obra notable de jazz rock que nada tiene que envidiar a las obras icónicas surgidas en Norteamérica o en Europa.

Blues Image-Open (1970)

Blues Image nació en la época de los grandes grupos de country rock americanos, compartiendo mesa y mantel con Buffalo Springfield, The Byrds y Poco. Formados en Florida en 1966 alrededor del guitarrista Mike Pinera, Kent Henry, guitarra, Joe Lala, vocalista y percusión, Frank Konte, teclados, Malcom Jones, bajo y Manuel Bertematti batería, tendrían en 1970 su primer y único éxito que les consagró internacionalmente gracias a su álbum "Open" y su hit "Ride Captain Ride".

Antes habían publicado su debut "Blues Image" (69), el cual les había dado cierto prestigio a nivel internacional. Después de este segundo álbum, el grupo perdería estabilidad debido a los continuos cambios de formación, pese haber publicado otro álbum en 1970 "Red White & Blues Image", que pasaría totalmente desapercibido. Posteriormente Pinera ingresaría en los Iron Butterfly y la banda se termina por disolver definitivamente en el año 1970. Blue Image ha quedado como uno de los grandes conjuntos injustamente olvidados de la música de la costa Oeste Norteamericana.

Electric Food-Electric Food (1970)

De las cenizas de la banda germana Lucifer´s Friends, surgiría Electric Food, que bajo un poderoso estilo de hard rock psicodélico, lanzaron varios álbumes en los primeros años 70. Formada por Peter Hesslein (guitarra y voces), Peter Hecht (teclados), Hans-Joachim Rietenbach (batería), Dieter Horns (bajo) y Georg Mavros (cantante). Su primer album cuenta con algunas excelentes versiones, empezando por una trepidante "Whole Lotta Love" de Led Zeppelin, a la que le sigue la tradicional "House Of the Rising Sun", popularizada por The Animals y la boogie rock "Let´s Work Together" de los incombustibles Canned Heat. Mientras que entre sus propias composiciones destacan la psicodélica "The Reason Why", la progresiva "Hey Down", la blues rock "Tavern", la oscura heavy rock "Nosferatu", la galopante “Icerose” y la pesada hard rock "Twelve Months and Day".

Carlos Santana & Alice Coltrane-Illuminations (1974)

Tras dejar magníficos ejercicios de jazz rock como “Abraxas”, "Caravanserai", “Welcome” o "Borboletta", Carlos Santana ratificaría su pasión por John Coltrane creando un apasionante trabajo junto a la compositora y arreglista de cuerdas Alice Coltrane (viuda de John). Bajo la atmósfera espiritual de Sri Chinmoy, en esta monumental obra Santana se rodea de una amplia legión de contrastados músicos como David Holland (contrabajo) y Jack DeJohnette (batería), además de los habituales en su banda Tom Coster, Armando Peraza o Phil Browne, y de otros músicos de sesión como el saxofonista Jules Broussard y Phil Ford en la tabla hindú. La paradisíaca "Angel Of Air" presenta unas atmósferas cercanas al "Caravanserai", con una Alice Coltrane sublime con las cuerdas del arpa. La extensa interacción entre las tablas hindúes y las percusiones, bajo la excitante guitarra de Santana y el complejo saxo de Jules Broussard, están presentes en la genial jazz rock "Angel Of Sunlight", mientras que las influencias del free jazz y la música oriental aparecen en "Bliss: The Eternal Now" y en "Illuminations".

Gotthard-Lipservice (2005)

Suiza a dado al mundo del rock, una serie de grandes bandas que han mantenido el genero de su país a un alto nivel, bandas como Krokus, Toad, Flame Dream, Coroner o Gotthard, entre otras muchas mas, siempre han sido muy bien considerados entre los fans de la música rock. Hoy el toca el turno a Gotthard, una formación que fue labrándose una gran reputación a base de un buen hard rock con influencias clásicas y sus grandilocuentes melodías. Sus orígenes se remontan a 1992 en la ciudad de Lugano, cuando el bajista Marc Lynn y el vocalista Steve Lee unieron sus fuerzas con la intención de fundar una banda que satisficiera sus gustos musicales. Después de reclutar al guitarrista Leo Leoni, a la baterista Henna Habegger y al teclista Pat Regan, lograron que el sello BMG les contrataran para la grabación de varios álbumes, el primero de ellos lanzado a mediados de 1992. Ya desde el disco debut se manifestaron por los sonidos heredero del hard rock con tintes bluesy de los años 70, y en esa onda se fueron sucediendo magníficos trabajos como "Dial Hard" (1994), "G" (1996), "Homerun" (2001) o "Human Zoo" (2003). Dos años mas tarde regresaron con su mejor obra creativa, este "Lipservice", en el cual logran perfeccionar su mezcla de poderoso hard rock con las sugestivas melodías, mostrando un repertorio de magnificas composiciones como "Nothing Left al All", "Stay For The Night", "Cupid´s Arrow", "All We Are", "Lift U Up" o "Anytime, Anywhere". Sin embargo varios años después, su vocalista Steve Lee fallecía en un trágico accidente de motocicleta en Las Vegas, un lamentable hecho que cuestiono el futuro de la banda. Finalmente y después de un tiempo, la banda reclutaría a un nuevo cantante, Nic Maeder, que pese a su innegable rango vocal, no tiene las excelencias del malogrado Steve Lee.

Exmagma-Exmagma (1973)

El debut del poderoso trío Exmagma, es uno de los discos mas agresivos, distorsionados y pesados del jazz rock progresivo y experimental que nunca se haya grabado jamás. Con dos jóvenes músicos talentosos y experimentados de la escena blues de Alemania; Thomas Balluff, órgano, piano eléctrico y Andy Goldner, bajo, guitarras y saxo, y un fantástico baterista norteamericano; Fred Braceful, este power trío fue una de las máximas expresiones del germinal krautrock de tendencias jazzisticas. Su primer lanzamiento es un brillantísimo ejemplo del vanguardismo experimental del jazz psicodélico. Desde orientaciones al free jazz "Interessante Ole", hasta el clímax alegre del soul rock "Two Times", pasando por las experimentaciones en la gigantesca epopeya "Trippin With Birds" o los movimientos psicodélicos de "The First Tune". Un álbum este que muestra desde facetas dadaístas, hasta electrizantes paisajes sonoros, en muchos momentos de manera surrealista y unas improvisaciones instrumentales dramáticas de percusión jazzistica, todo ello bajo ingredientes del hard rock pesado con una guitarra disonante y furiosa y un órgano electrizante y espacial.

Humble Pie-Rock On (1971)

Formada a finales de la década de 1960, Humble Pie es considerada una de las primeras súper bandas en la historia del rock. Sus líderes eran los cantantes y guitarristas Steve Marriott (ex-Small Faces) y Peter Frampton (quien más tarde cosecharía una carrera en solitario de gran éxito). El cuarteto lo cerraba el bajista Greg Ridley y el baterista Jerry Shirley.
Después de su segundo álbum, el hermoso "Town and Country", un álbum con muchos pasajes acústicos, le siguió el brillante "Rock On".
En “Rock On”, Humble Pie se alejaron de los sonidos acústicos hacia un sonido claramente americano, dejando claras sus intenciones blues y sacando a relucir todo el potencial de estos excelentes músicos, en donde los teclados comienzan a cobrar más protagonismo, e incluso cuentan con la colaboración de algunos invitados como el saxofonista Bobby Keys.
El álbum abre con el poderoso rock "Shine On", seguido del hard rock "Sour Grain", en contraste con el siguiente "9th and Sunset", es una excelente canción típica de music hall, "Stone Cold Fever", es uno de los clásicos del disco, donde la fusión entre hard-rock, con ese marcado riff y el blues rock van de la mano, “Rollin 'Stone”, es otro momento cumbre, un blues basado en un tema original de Muddy Waters para reinterpretarlo con total libertad, y "Strange Days", otra de las canciones destacadas del disco, una fusión de jazz-blues que consigue crear una atmósfera final extraordinaria e intensa.

Vangelis-Heaven and Hell (1975)

"Heaven and Hell" fue el primer trabajo del griego Vangelis bajo el sello RCA y el primero en ser grabado íntegramente en sus nuevos estudios afincados en Londres. A todo esto es igualmente el primero en donde obtiene la colaboración del cantante de Yes Jon Anderson, el cual puso su extraordinaria voz en la inolvidable "So Long Ago, So Clear". Para este nuevo trabajo, el sexto cronológicamente de su carrera discográfica, Vangelis se aferra a los suntuosos sonidos electrónicos fusionando las estructuras de la música clásica con la música electrónica creando una asombrosa variedad de sonidos atmosféricos que se mueven entre lo exaltado y lo sobrecogedor, todo ello de manera apabullante y majestuosa. Mostrando su faceta más contundente y agresiva, Vangelis también muestra su asombroso dominio del piano clásico, logrando crear notas furiosas y celestiales al mismo tiempo que reinventa la música clásica dotándola de gran complejidad con un arsenal de sonidos de teclados, coros y orquesta funcionando perfectamente de manera sincronizada. Divido en dos partes y varios movimientos, el álbum es una fusión de influencias religiosas y paganas, lo que hace que sea muy fácil adivinar su nacionalidad debido a pompa ortodoxa griega que esta presente en cualquier parte del álbum. Sin duda alguna "Heaven and Hell” es una de las obras por excelencia del músico griego y uno de los mejores registros de la música electrónica de toda su historia.

Dream Theater-Metropolis Pt.2: Scenes From A Memory (1999)

En 1999 Dream Theater lanzaba su séptimo álbum "Metropolis Part 2 - Scenes From a Memory", considerado por muchos su obra cumbre y toda una referencia del heavy metal progresivo. Confeccionado a modo conceptual con una sofisticada narración que cuenta una intrigante historia ocurrida en 1928, en la cual un hombre se ve atormentado después de asesinar a una niña. En la trama este hombre se reencarna de la joven, reviviendo su pasado en sus propios sueños y toda esta historia se ve reflejada en un ambicioso y complejo trabajo, en donde las furiosas guitarras de Petrucci se enfrenta a los grandilocuentes teclados de Jordan Rudess, las pirotecnias de Mike Portnoy con las baquetas y al tremendo ritmo del bajista John Myung, todo ello bajo grandes pasajes de emotividad y crudeza, de poderío y sensibilidad. La amplia variedad de estilos en la voz de James LaBrie, va narrando cada uno de los capítulos de la misma, hasta el punto de que el oyente, atraído por la narración, se ve inmerso e involucrado irremediablemente en el guión de la historia. Dividido en varios actos y nueve partes, en un primera mitad muestra el enorme poderío instrumental de la banda, mientras que en la segunda mitad es mucho más compleja musical y líricamente. El álbum al completo es tan espectacular como antológico, de un virtuosismo alucinante por parte de todos los componentes del grupo, y por arriesgado y pretencioso que pueda parecer una obra de esta envergadura, el quinteto lo ejecuta de manera perfecta, manteniendo en todo momento una gran cohesión sin que haya un solo minuto de sonidos previsibles y desechables. Como botón de muestra de la grandeza de esta obra, aquí aparecen temas como "Through Her Eyes", "Overture 1928", "Home", "Beyond This Life" o "Dance of Eternity", sin duda alguna las mejores composiciones del metal progresivo de la década de los 90.

Electric Light Orchestra-Out of the Blue (1977)

En 1977 la Electric Light Orchestra lanzó "Out of the Blue", un álbum doble que convulsionaría al mundo por su brillantez, sus arreglos, sus composiciones y su perfecta interpretación instrumental.
En este punto ELO ya se encontraba entre las grandes bandas de rock-pop progresivo, con magníficos discos como "No Answer", "ELO 2", "Eldorado", o "A New World Record", estos dos últimos verdaderas obras maestras del genero.
"Out of the Blue" también marcó el final de la etapa mas gloriosa de la banda, comenzando otra menos grandiosa y espectacular, así como menos creativa y sorprendente, pero con un éxito masivo en las listas, como fueron los siguientes discos "Discovery", "Xanadu" o "Time".
En este nuevo álbum, la banda ofrece una amplia variedad de sonidos, desde el inicial y dinámico "Turn To Stone", pasando por la hermosa balada "It's Over", la brillante y comercial "Sweet Talkin´Woman", la sublime "Night In The City ", el elaborado "Jungle", el progresivo "Standing´In the Rain" o el exitoso "Mr. Blue Sky".
"Out of the Blue" es uno de los discos más espectaculares, maravillosos y comerciales de la historia del rock progresivo y el rock en general.

Flight-Flight (1975)

Otra interesante banda norteamericana de jazz rock progresivo fue Flight, que durante mediados los años 70 publicaron tres reconocidos álbumes dentro del género más vanguardista del jazz. Liderados por el trompetista y vocalista Pat Vidas, sus orígenes se remontan a principios de los 70 en Florida donde tenían su centro de operaciones. Además de Vidas, la banda estaba compuesta por el bajista John Ray, el guitarrista Ted Karczewski, el baterista Russell Dawber y el teclista Jim Michael Yaeger. En 1975 logran que la Capitol Records les financie su primer larga duración en el cual muestran desde esfuerzos orientados al jazz rock con complejas y vertiginosas composiciones, hasta amplias interacciones instrumentales de todos sus integrantes, con un gran hincapié en el Mellotron y los sintetizadores, las guitarras rock y las improvisaciones jazzisticas. La trepidante jazz rock "In Flight", la exótica "Latin Dippy Doo", la pegadiza y melódica "Falling In Love", la cautivadora "Ease Of Confusion" o las progresivas "Rhapsody To You" y "Theme to The Stratosphere", constituyen un excelente trabajo del mejor jazz progresivo en su máxima expresión. Un año más tarde volverían con "Incredible Journey", en el cual continuaron con su exquisita propuesta musical, realizando un trabajo aún mas diverso y dinámico de enérgico jazz rock vanguardista.

Marillion-Recital Of The Script 1983 (2009)

"Recital Of the Script" es el vigésimo sexto (ahí es nada), álbum en vivo de Marillion, grabado íntegramente el 18 de Abril de 1983 en el Hammersmith Odeon de Londres. A pesar de que fue grabado originalmente en esa fecha, no seria hasta el año 2009 cuando fue publicado de manera oficial por el sello Emi. Esas grabaciones fueron tomadas durante el tour que la banda ofreció para promocionar su álbum debut "Script For A Jester´s Tear", e incluye otros temas pertenecientes al EP "Market Square Heroes", lanzado unos meses antes. En este directo aparece el baterista original Mick Pointer, el cual abandonaría la nave poco después del primer álbum para fundar Arena, otra de las legendarias formaciones del neo progresivo. El resto de Marillion estaba formado por Fish (voz), Steve Rothery (guitarra), Mark Kelly (teclados) y Pete Trewavas (bajo). En esta histórica grabación se encuentran algunas de las cumbres creativas del sonido multicolor de Marillion, con composiciones que están a la altura de las clásicas bandas del género como Genesis o Yes. Desde la dinámica "Forgotten Sons", hasta la épica suite "Grendel", pasando por el lirismo de "Script For A Jester´s Tear", la melancolía de "He Knows You Know" o los inimitables solos de guitarra de "Chelsea Monday", constituyen una brillante experiencia de cómo sonaban Marillion en sus primeros y apoteósicos conciertos.

Saga-Images At Twilight (1979)

Publicado a mediados de 1979, el segundo álbum de los canadienses Saga no se alejaba demasiado estilísticamente a lo publicado con su disco debut pese a no alcanzar ni su grandilocuencia ni su misma pomposidad. El estilo del grupo sigue consistiendo en unos grandes arreglos de finas estructuras  instrumentales y una notoria melodía, mostrando un rock progresivo dinámico y moderno. Sin embargo y dicho todo esto, los teclados en esta nueva entrega suenan mas frescos y modernos, con un tono mas futurista, y las guitarras toman aquí mucho mas protagonismo con unos brillantes riffs y enérgicos solos. Atractivas piezas como la orientada new wave "Slow Motion" o la AOR "It´s Time", son secundadas por pesadas canciones como la oscura "Mouse in a Maze" o la progresiva "Images", mientras que las mas accesibles "You´re Not Alone", "Hot To Cold" o la atractiva "Take It Or Leave It", están claramente orientadas a las radio formulas mas comerciales. Pese a la menor innovación que supuso comparado con su predecesor, este "Images at Twilight" contiene momentos memorables, los cuales fueron sin duda fuente de inspiración para las futuras generaciones del neo progresivo.

Santana-Marathon (1979)

Después del éxito comercial que supuso el anterior "Inner Secrets", Carlos Santana volvería a reformar su banda dando entrada al vocalista Alex Ligertwood, sustituyendo a Greg Walker, mientras que Alan Pasqua sustituiría al teclista Chris Rhyne. El resto seguía formada por la misma alineación compuesta por Carlos Santana (guitarra y voces), Chris Solberg (guitarra rítmica), David Margen (bajo), Graham Lear (batería), Armando Peraza (percusión) y Raul Rekow (percusión). Siguiendo la estela del rock convencional y melódico de "Inner Secrets", Santana lanzaría su siguiente movimiento discográfico con su décimo álbum "Marathon", en el que sobresale la enorme instrumental de ensueño "Aqua Marine", seguidas por las adictivas AOR "Lightning in the Sky", “Stand Up” y “You Know That I Love You” o la breve instrumental que da titulo al álbum. Las sensuales "Summer Lady" y "Stay (Beside Me)" o la potente rock "All I Ever Wanted", también aportan una gran calidad al resultado final del álbum, un álbum en donde Carlos Santana vuelve a mostrar un soberbio trabajo de guitarra en cuanto a sonido y la atmósfera creativa que solo este guitarrista sabe imprimir en todas sus canciones.

Hot Flash-First Attack! They´ll Never Take Us Alive (1977)

Otra de las formaciones de un visto y no visto fueron los bostonianos Hot Flash, los cuales solo lanzaron un álbum casi a finales de los setenta, en pleno nacimiento de la fiebre del movimiento del AOR y del rock melódico y progresivo con álbumes como el impresionante debut de Boston, el "Bat Out Of Hell" de Meat Loaf o el "Point of Know Return" de Kansas entre otros muchos más. Su único registro titulado "They´ll Never Take Us Alive", fue lanzado de manera limitada de unos pocos cientos de ejemplares, algo por lo cual hoy en día es uno de esos Lp´s muy cotizados entre los aficionados al rock americano de los setenta. Su formación estaba compuesta por los teclistas Joe Prima y Thom Stolar, el guitarrista Frederic Schwenk, el baterista Steve Balsavage y el bajista John Ferrara. Una de las grandes cualidades de esta formación es que prácticamente todos los integrantes eran vocalistas solistas, un dato que ampliaba la paleta musical del grupo. Grandes líneas melódicas muy cercanas al art rock con acercamientos progresivos están presentes en un brillante repertorio compuesto por destacadas canciones como "King Kool", "Take Me", "Is Anybody Out There", "Uriah", "Star Warped" o "Diamond Wings".

Bob Dylan-Desire (1976)

En 1975 Bob Dylan se había embarcado en una larguísima gira por los Estados Unidos, denominada “Rolling Thunder Revue” y que tuvo como novedad, actuar junto a una serie de músicos como Roger McGuinn, Joan Baez, Mick Ronson o T-Bone Burnett, además de los músicos de su propia banda.
Esta extensa gira se dividió en dos etapas, la primera durante los últimos meses de 1975 por el noroeste de Estados Unidos y Canadá, y la segunda casi a mediados de 1976 por la costa oeste norteamericana.
Justo antes de comenzar dicha gira Bob Dylan grabaría su decimoséptimo álbum “Desire”, que fue lanzando cuando la primera parte de la gira había concluido. En este nuevo álbum, Bob Dylan cede gran parte de su protagonismo en favor de algunos de sus colaboradores en la autoría de las composiciones, la mayor parte escritas por Jacques Levy junto al propio Dylan, o en el plano instrumental con una destacada participación de la violinista Scarlet Rivera o la relevancia de Emmylou Harris como corista.
Un álbum repleto de canciones con una historia real, como la celebre “Hurricane” sobre el famoso boxeador Rubin Carter, el cual fue acusado injustamente de triple asesinato, o “Joey” en donde se narra la leyenda del mafioso Crazy Joey Gallo.
Pese a cierta controversia por la inclusión de estos dos temas sobre estos polémicos personajes, el álbum fue aclamado con uno de sus mejores trabajos, en donde además se encontraban la preciosista balada “Isis”, la conmovedora “Oh Sister”, la melódica “Mozambique” y la compungida “Oh Sister”.
Contra todo pronostico el disco se encaramaría hasta la primera posición en las listas del Billboard, logrando varios discos de platino por sus enormes ventas, convirtiéndose al mismo tiempo en uno de sus trabajos mas emblemáticos.

Clover-Clover (1970)

Clover fue una banda norteamericana de country rock que tuvieron una respetable carrera que duraría once años (1967-1978), y que saltaron a la fama a finales de su periplo musical por ser la banda de apoyo de Elvis Costello en su álbum "My Aim Is True" (1977). En sus inicios esta banda originaria de Mill Valley en California, se movieron en el circuito psicodélico de San Francisco de finales de los sesenta, compartiendo el prospero folk y country rock de aquella época con sus coetáneas The Byrds, Creedence Clearwater Revival, The Flying Burrito Brothers o Crosby Stills and Nash. Su formación estaba compuesta por Alex Call (voz y guitarra), John McFee (guitarra y pedal steel), John Ciambotti (bajo) y Mitch Howie (batería). En 1970 y bajo el sello Fantasy Records grabaron su primer larga duración, el cual contiene un rico y variado repertorio de excelentes cortes que navegan entre el country puro, el rock y el blues. Entre todas ellas destacan la versión de Junior Walker & The All Star, "Shotgun", interpretada aquí con cierto sabor funk sureño. La country bluesy "Southbound Train" pone la nota distintiva al sabor polvoriento del álbum, por un sendero parecido a esta última, aparecen las estupendas country rock "Stealin", "Going To The Country" y "No Vacancy". Después de un segundo álbum aparecido un año mas tarde "Fourty Niner", Clover se trasladarían al Reino Unido donde acometieron diferentes cambios de formación con la entrada del baterista Micky Shine y el cantante Huey Louis. Después de otro estupendo trabajo producido por Robert "Mutt" Lange, titulado "Unavailable" (1977), colaborarían con Elvis Costello y girarían por toda Inglaterra abriendo conciertos para Thin Lizzy, Graham Parker o Lynyrd Skynyrd. Algún tiempo mas tarde y ya con el fin definitivo de Clover, algunos de sus miembros pasaron a engrosar otras legendarias formaciones como Huey Lewis and The News, (fundada por Huey Louis), Southern Pacific o The Doobie Brothers.

David Lee Roth-Eat´Em and Smile (1986)

Una vez abandonaría los Van Halen, el cantante David Lee Roth se aventuraba a publicar su primer álbum en solitario, en el cual contaría con un impresionante elenco de colaboradores, empezando por el guitarrista Steve Vai además del baterista Gregg Bissonette, el bajista Billy Sheehan y los teclistas Jeff Bova y Jesse Harms. En este debut el cantante se deja llevar por su clara influencia de su banda madre pero sin llegar a su enorme creatividad. Compuesto por una serie de canciones en las cuales sobresalen la técnica y el talento de los tres músicos de apoyo como demuestran "Shyboy", "Yankee Rose", "Ladies Nite in Buffalo" o "Going´Crazy". Pese a la incuestionable calidad del álbum, este “Eat 'Em and Smile” parece mas una clara muestra del virtuosismo de sus musicos y una poca solidez creativa, musicalmente hablando, todo lo cual seria reconducido en el siguiente "Skyscraper", un disco mas asentado y coherente que este meritorio pero poco consistente debut. 

Be-Bop Deluxe-Sunburst Finish (1976)

Be-Bop Deluxe fue una de esas bandas inclasificables que navegaron entre los sonidos del glam rock, el art rock, la new wave y el vanguardismo de los setenta, con mensajes sarcásticos e irónicos en las letras de sus canciones. Su núcleo principal giraba alrededor del guitarrista Bill Nelson, el cual fue el único miembro permanente de la formación. Sus dos primeros álbumes estuvieron orientados hacia el estilo glam rock  "Axe Victim" (1974) y el art rock del siguiente "Futurama" (1975). En ambos discos, destaca el enorme trabajo de la guitarra solista de Nelson, además de las interpretaciones instrumentales complejas, con ritmos melódicos y accesibles. En 1976 llegaría el tercer álbum, este "Sunburst Finish", el cual supuso la cúspide creativa de Be-Bop Deluxe y de Nelson, creando un álbum mas orientado hacia el pop rock de excelente factura. Temas emparentados con los sonidos de la nueva ola de la época como "Fair Exchange", la desenfadada “Ships in the Night", la adictiva medio tiempo "Crying to the Sky", la dinámica "Sleep That Burns", la sombría "Life in the Air Age” o la rock "Blazing Apostles", conforman el mejor trabajo de esta icónica banda británica.

Asia-Alpha (1983)

Un año después del extraordinario debut, el supergrupo Asia lanzaba su segundo larga duración titulado "Alpha", compuesto casi en su totalidad por unas composiciones algo mas cortas y que a diferencia de su predecesor, en donde combinaban los elementos del rock progresivo con atractivas melodías de soft rock, aqui se centran en el lado mas comercial y accesible al gran publico mostrando un rock melódico muy cercano al AOR. Este seria el segundo con la formación clásica formada por John Wetton, bajo y voz, Steve Howe, guitarras y voz, Geoff Downes, teclados y voz y Carl Palmer, batería y habria que esperar veinticinco años para ver un nuevo trabajo realizado por esta misma alineación ("Phoenix" 2008). Con un tono mas corporativista y comercial, la banda afronto un álbum que en parte seria lastrado por el enorme éxito de su debut pese a contener una interesante amalgama de excelentes canciones como las pegadizas "Don´t Cry", "The Smile Has Left Your Eyes", "The Heat Goes On", "Eye To Eye", "Midnight Sun" o "True Colors", mientras que el único resquicio a los sonidos del pasado progresivo se encuentra en la brillante "Open Your Eyes". 

Accept-Balls To The Wall (1983)

Formada a mediados de los 70, no sería hasta 1983 cuando Accept fuera aceptada como una de las mayores bandas referentes del heavy metal europeo y mundial gracias a su enorme disco "Balls to the Wall". Anteriormente Accept habían tenido que editar cuatro discos para darse a conocer internacionalmente fuera de Alemania, aunque es cierto que ya con su anterior trabajo "Restless And Wild" (1982), su popularidad empezó a ser reconocida, aunque que todavía tímidamente fuera de las fronteras germanas.
Con "Balls To The Wall", la banda queda definitivamente confirmada y con este disco se convierte en su logro más exitoso.
Aquí se permitieron un repertorio de grandes canciones donde destacan las melodías sin restar contundencia a su música.
El tema "Balls To The Wall" se convierte en un himno generacional del heavy metal, además de los pegadizos "London Leatherboys", o los viscerales "Love Child" y "Losers And winners" que componían un disco espectacular, elevándolos al podio del heavy metal europeo.

Flower Travellin´Band-Make Up (1973)

"Make Up" fue el cuarto álbum de los japoneses Flower Travellin´Band, un doble Lp que fue grabado por exigencias contractuales de la banda con el sello Atlantic Records. Sin embargo para cuando entraron en los estudios de grabación, la banda liderada por el percusionista Akira Yamanaka no tenían el material suficiente para completar las cuatro caras del doble disco, por lo que finalmente algunos de los cortes incluidos aquí son canciones recogidas en directo y otras tomas que habían sido desechadas para sus álbumes anteriores. Este popurrí de material incluido, le otorga al álbum cierta incoherencia pese a  contener momentos memorables de gran hard rock psicodélico y space rock. Empezando por los vigorosos ejercicios impulsores de pesado rock conducidos por el órgano Hammond de Nobuyuki Shinohara y la lisérgica y visceral guitarra de Hideki Ishima. Por esa senda se mueven "All The Days", "Make Up" o "Slowly But Surely", pistas que contrastan con las pausadas "Shadows Of Lost Days", "After the Concert" y "Broken Strings". Pero es la epopeya "Hiroshima" grabada en vivo, la que mejor muestra el aplastante hard rock de Flower Travellin´Band durante veinticinco caóticos y viscerales minutos, en donde incluso hay tiempo para un contundente solo de batería cargo de los percusionistas Akira Yamanaka y Joji Wada.

The Oscar Peterson Trio-Night Train (1963)

El canadiense Oscar Peterson es uno de los mitos de la música moderna, el lograría llevar el jazz como casi nadie lo hizo, a un publico mayoritario gracias a su enorme habilidad para resumir musicalmente un estilo que solo estaba destinado para un publico selecto y reducido. Nacido en Montreal en 1925, con solo cinco años ya era un talentoso niño tocando el piano y la trompeta. Gracias a sus estudios de música clásica, el joven Oscar mostraría un enorme interés por el swing, el be bop y los sonidos del boogie woogie. Influenciado por el gran Art Tatum, a finales de los cuarenta ya era afamado músico gracias a una impresionante técnica y sus improvisaciones con el piano. Por aquellos años ya publicaría bajo sellos como Victor Records sus primeras grabaciones, además de colaborar con mitos del jazz como Louis Armstrong, Stan Getz, Joe Pass, Count Basie o Ella Fitzgerald entre otros muchos mas. Durante la década de los cincuenta, sus tríos eran de las formaciones mas solicitadas y famosas en el mundo del jazz y seria precisamente la compuesta junto a Ray Brown (bajo) y Thigpen (batería), con la que grabaría uno de los registros mas emblemáticos del jazz moderno como es el álbum "Night Train" publicado en 1963 bajo el sello Verve. En esta grabación se exhibe la fascinante manera de tocar de Peterson, que en la cúspide de su carrera muestra un pianista absolutamente magistral. Piezas como la bebop "Bag´s Groove", la pausada "Night Train", la rítmica "C-Jam Blues", la sentida "I Got It Bad (and That Ain´t Good" o la bluesy "Band Call", reflejan las excelencias de Oscar Peterson Trio en un álbum considerado una de las obras maestras del jazz de todos los tiempos.  

Suzanne Vega-Solitude Standing (1987)

Siguiendo la estela de las grandes cantautores como Joni Mitchell, Carly Simon y Carole King, Suzanne Vega demostró con su primer disco lanzado en 1985, que la generación de cantantes de los 80 estaban casi a su misma altura con un estilo sencillo, cautivador y con letras que no se podían ignorar por lo transcendental de sus textos.
Para su segundo álbum publicado en 1987 "Solitude Standing", compuso el tremendo éxito "Luka", una canción que contiene un coro irresistible, asimilable e inolvidable.
En esta destacada canción Suzanne canta en primera persona una historia de violencia doméstica que no puede ser ignorada por el oyente, una canción que primero gusta y luego causa dolor, y todo esto con una naturalidad asombrosa.
Sin embargo, no es la única canción que destaca de este magnífico disco, "Tom's Dinner" es una canción a Capella que deja huella, haciendo que la cantante haga fácil lo difícil, precisamente en una década donde lo normal era todo lo contrario.
"Solitude Standing" es una de esas joyas del "pop de autor" de la última parte del siglo 20, que destaca por estar llena de sentimientos y sinceridad muy ajenos a la pomposidad del pop que en esos años reinaba en el mundo de la música.

Asia-Aura (2001)

Cinco años después de su sexto álbum en estudio ("Arena" 1996), Asia reaparecían lanzando "Aura" en el año 2001, un trabajo en el cual muestran su faceta mas melódica alejados ya casi totalmente de los sonidos progresivos que aparecían aquí y allá en todas sus obras anteriores. Para esta nueva entrega el dúo compuesto por John Payne (bajo, guitarras y voz) y Geoff Downes (teclados), cuentan con una gran cantidad de músicos de apoyo que ayudaron a elaborar este álbum, entre los que destacan Steve Howe, Tony Levin, Simon Phillips, Chris Slade, Pat Thrall, Ian Crichton, Vinnie Colaiuta o Elliott Randall entre otros mas. Además de todo ello, el ex componente de 10CC Graham Gouldman colaboraría en la composición de algunas de las pistas aquí incluidas. Repleto de atractivas atmósferas melódicas, sobresalen edificantes piezas de soft rock como "Awake", "Ready to go Home", "Wherever You Are", "Forgive Me", "Kings of the Day" o "The Last Time", en donde el trabajo de los guitarristas Howe, Thrall y Randall, la evocadora voz de Payne y los estribillos vocales, mas los grandilocuentes y sinfónicos teclados de Downes, las conducen por los senderos de un rock sofisticado de alto octanaje muy atractivo. Por otro lado la jazz rock "Free" y la instrumental "Aura", ponen la guinda progresiva a este magnifico trabajo de una de las bandas mas icónicas del rock melódico.

Hiro Yanagida-Milk Time (1970)

Este es uno de los germinales y a la vez mas glorificados álbumes del rock psicodélico japonés. Creado por el teclista Hiro Yanagida, todo un mítico personaje de la cultura hippie y lisérgica nipona. Con la colaboración del guitarrista Kimio Mizutani, el percusionista Hiro Tsunoda, el violinista eléctrico Hiroki Tamaki, el bajista Keiju Ishikawa y el flautista Nozomi Nakatani, confeccionaron un álbum repleto de crudos pasajes de guitarras, órgano y una enérgica batería. El rock lisérgico y repleto de acidez se ven contrastados con el apoyo de una flauta pausada que pone sosiego y lucidez al desenfreno con sus maravillosos interludios. Este estilo psicodélico también evoca al free jazz, a los ritmos funky e incluso al krautrock alemán. En definitiva un brutal disco de improvisaciones de rock pesado y contundente con influencias jazzisticas y vanguardistas.

White Chocolate-White Chocolate (1973)

White Chocolate fue una banda de hard rock melódico que durante algunos años fueron una de las sensaciones de la costa Este norteamericana. Esta banda se había formado a principios de los 70 por el guitarrista y voz Charlie Karp, el baterista Jimmy Maher y el bajista David Hull. Sus brillantes actuaciones en los circuitos locales llamaría la atención de los cazatalentos y de esta manera el sello RCA les terminaron contratando y les financiaron un álbum que hoy en día esta considerado todo un clásico de culto entre los aficionados al hard rock norteamericano. Lanzado en el año 1973, y producido por Bruce Somerfeld, contaría además con la colaboración de diferentes músicos de estudio como Andre Lewis (teclados), una sección de vientos compuesta por Jerry Mirlaini, Jerry Marant y Gene Hull, además del vocalista Maxayn Lewis. Desde sonidos boogie soul "Getting Ready to Rock´n´Roll", hasta ejercicios de hard psicodélico "Midnight Flight", pasando por enérgicas southern rock "I´m Crying" y "Looking For Love", hard rock "Make It Easy", funk rock "Let´s Get Funked", rock mainstream "Sad Eyes" o irresistibles ritmos blues "Outcast", conforman un atractivo album del mejor hard rock norteamericano.

Scorpions-Animal Magnetism (1980)

Con "Aminal Magnetism", Scorpions estrenaban la década de los ochenta con su séptimo registro, un disco que pese a contener retazos del oscuro y pesado hard rock de los 70, ya muestran algunas atmósferas del sonido típico del heavy metal de su nueva etapa. Las sistemáticas armonías guitarristicas de Rudolf Schenker y Matthias Jabs, son acompañadas por las sublimes melodías vocales de Klaus Meine y de la trepidante sección rítmica compuesta por el portentoso batería Herman Rareball y el bajista Francis Buchholz. Trepidantes piezas como la heavy metal "Don´t Make No Promises", conducen al álbum por senderos tremendamente pesados y melodicos; "The Zoo", "Only a Man", "Animal Magnetism", "Hold Me Tight" o "Make it Real", en las cuales aun les cuesta despojarse de su lado hard rock, por otro lado el sentido melódico sigue presente con formidables composiciones como la atmosférica "Lady Starlight". Con este trabajo la banda germana supo combinar perfectamente el sonido inquietante del hard rock, sus habituales melodías y la potencia del metal, algo que supieron reconocer sus fans, logrando un meritorio disco de platino en el mercado norteamericano.

Slade-Sladest (1973)

Slade es quizás la banda de Glam Rock más grande de la historia, expertos en hacer grandes himnos de rock, ideales para cantar en los campos de fútbol británicos de los  años 70, lograron colocar 13 sencillos en el Top 10 entre 1971 y 1975.
Sus inicios se remontan a finales de la década de 1960, cuando Chas Chandler, ex bajista de The Animals, descubriría al grupo en uno de los bajos garitos de Londres donde actuaba el grupo habitualmente, que en ese momento se llamaban Ambrose Slade.
La banda luego de fichar por el sello Polydor, publica sus dos primeros discos "Beginnings" (69) y "Play it Loud" (70) con los que logran ingresar a las listas de exitos con las canciones "Coz I luv You" y "Mama Weer All Crazee Now”.
Poco a poco, la banda se va haciendo un nombre en el mercado británico con un estilo de rock agresivo y visceral, pero con grandes dosis de humor y canciones pegadizas.
"Slayed?" publicado en 1972, los consagra definitivamente, logrando alcanzar el número uno gracias a temas como "Skweeze Me", "Pleeze Me" o "Merry Xmas Everybody".
Un año después, el recopilatorio "Sladest" y el single "Cum on Feel the Noize", los situaron de nuevo en las primeras posiciones de las listas británicas.
En los tres años sucesivos editaron otros discos que lograron colarse en los primeros puestos como "Slade in Flame" (74), perdiendo paulatinamente el interés del público en fervor por otros estilos más de moda a mediados de la década.
Años más tarde, las nuevas generaciones de grupos de heavy metal rescataron el potencial de Slade, versionando sus canciones como Quiet Riot con su disco "Metal Health" (83) y el tema "Cum On feel the noize", que los catapultará al primer lugar en Billboard con unas ventas que superaron los cinco millones de copias y de paso iniciando la fiebre “Sladesmania” en Gran Bretaña con un revival de los álbumes de Slade y la vuelta a la popularidad de esta mítica e inolvidable banda.

IQ-Ever (1993)

Una vez acabada la gira promocional del álbum "Are You Sitting Comfortably?", los británicos IQ reformarían la banda con las salidas del bajista Tim Easu y del vocalista Paul Menel, sustituidos por John Jowitt y Peter Nicholls respectivamente. Con estos nuevos miembros IQ lograron reafirmar su status neo progresivo, volviendo a sus raíces con el quinto registro "Ever" lanzado en 1993. En esta nueva entrega, los ambientes sombríos y los extensos pasajes instrumentales, con claros guiños a los Genesis más teatrales y barrocos y bajo ese embrujo, mostraron a una banda con un sonido mas moderno y actualizado. En “Eve” muestran un excelente repertorio de piezas intensas e hipnóticas como queda demostrado en la entusiasta "The Darkest Hour", la siniestra "Fading Sense", la animada "Out of Nowhere", o las progresivas "Further Away" y  "Leap of Faith". Este seria sin duda el paso definitivo para que IQ se afianzaran definitivamente como una de las grandes formaciones del genero neo progresivo.

Atmospheres-Voyage To Uranus (1974)

Afamado músico de sesión, el saxofonista, entre otros instrumentos de viento, Clive Stevens, lidero durante un corto periodo de tiempo, una de las mas destacadas bandas del jazz rock como fueron Atmospheres, un proyecto de corto recorrido que contaría entre sus filas una serie de reputados instrumentistas como el teclista Ralph Towner, los guitarristas John Abercrombie y Steve Khan, el baterista Billy Cobham y el bajista Rick Laird. En 1974, Stevens lograría reunificar en un estudio parte de la Mahavishnu Orchestra (Cobham y Laird), Oregon (Ralph Towner) y a dos de los mejores guitarras del jazz rock de la época (Abercrombie y Khan), para grabar el primer trabajo de este proyecto, el cual sin llegar a revolucionar el mundo del jazz, es todo un gran reflejo del eclecticismo de un genero que por entonces tenia un mundo aún por experimentar un poco mas de lo que ya había hecho. Casi un año mas tarde llegaría el segundo trabajo de este efímero proyecto en el cual ya no se encontraban ni Billy Cobham ni Rick Laird, sustituidos aquí por Stu Woods (bajo) y Michael Thabo Calvin (batería). En esta segunda entrega a diferencia de la tónica de jazz fusión del álbum debut, Stevens se centra en un jazz rock más dinámico y progresivo. Contundentes progresiones rock como "Shifting Phase", "Inner Spaces and Outer Places" o "Voyage To Uranus", están emparentadas con el habitual estilo de las coetáneas Return to Forever o Mahavishnu Orchestra. Estas contrastan con la pausada y atmosférica "Un Jour Dans Le Monde" o la free jazz "Electric Impulse from the Heart", mientras que "Water Rhythms", es el momento mas complejo y vanguardista de este magnifico álbum.

Wes Montgomery-Full House (1962)

Este mítico álbum en directo recoge la actuación de Wes Montgomery en el "Tsubo Jazz Club" de la ciudad californiana de Berkeley Hills, el 25 de junio de 1962. Montgomery para la ocasión estaba acompañado por un impresionante cuarteto  compuesto por el pianista Wynton Kelly, el contrabajista Paul Chambers, el saxofonista Johnny Griffin y el baterista Jimmy Cobb. Ese año era un momento crucial para la carrera de Montgomery, una época en la cual ya estaba considerado uno de los grandes músicos del jazz contemporáneo, y en la que lanzaría una serie de icónicos trabajos para el sello Riverside como los antológicos "The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery", "So Much Guitar!", "Fusion!" o "Guitar on the Go". Ese momento de esplendor esta claramente reflejado en este "Full House", donde con un set list de brillantes piezas como "Come Rain Or Come Shine", "I´ve Grown Accustomed to Her Face", "Blue´n´Boogie" o "Cariba", mostraban no solo el enorme talento con las seis cuerdas de Montgomery, si no también su sutil estilo jazzistico, sus edificantes composiciones y sus excelentes interpretaciones en vivo.

Al Di Meola-Electric Rendezvous (1982)

El quinto album de Al Di Meola refleja en su acertado titulo y en su magnifica portada, lo que contiene entre sus surcos de manera palpable. De alguna manera el guitarrista norteamericano en esta entrega, quiso volver a sus orígenes realizando un trabajo que en cierta medida se acerca a su época culminante ("Land of the Midnight Sun" y "Elegant Gypsy"), presentando una serie de esfuerzos de jazz rock con la estimable ayuda de Jan Hammer, Paco de Lucia, Mingo Lewis, Steve Gadd y Anthony Jackson. Esta sólida y compacta formación llevaría a realizar un perfecto lienzo musical combinando los calidos sonidos latinos "Ritmo de la Noche", con los mágicos sonidos de "Jewel Inside a Dream", ardientes jazz rock con aires blues "Black Cat Shuffle", vigorosos jazz fusión "Electric Rendezvous", densos intercambios guitarristicos con influencias flamencas entre Lucia y Meola en "Grace, Passion and Fire", intensos jazz funk con predominio de la percusión en la trepidante "God-Bird-Change", o piezas de jazz rock marca de la casa con "Cruisin".

Pavlov´s Dog-Pampered Menial (1975)

Considerada una banda de culto, Pavlov's Dog fue fundada a principios de los 70 en St. Louis en los Estados Unidos y tocaban un rock progresivo puro que combinaba  elementos de folk y hard rock.
Su debut fue el impresionante "Pampered Menial" en 1975, que es también sin duda su mejor trabajo, y que mostraba el talento de la banda liderada por el guitarrista Steve Scorfina, que junto al cantante David Surkamp, el baterista Mike Safron, el bajista Rick Stockton, los tecladistas David Hamilton y Doug Rayburn, y el violinista Siegfried Carver conformaban la banda.
En este primer álbum la banda combinó a la perfección bellas composiciones con el enorme talento de todos sus componentes. Con un inicio contundente con el tema "Julia" donde lo acústico y lo sinfónico se mezclan de manera sublime, la banda va mostrando sus diversos sonidos como "Late November" donde muestran más dureza con grandes riffs de guitarra, o la apoteósica y rítmica "Song Dance” que nos lleva a "Fast Gun", "Natchez Trace" y "Theme from Subway Sue", donde podemos comprobar los sonidos eclécticos del grupo, para terminar con el instrumental "Preludin" y el progresivo "Of Once and Future Kings", que se convierte en el colofón de uno de los grandes discos progresivos de los 70, tan digno y grandioso como las obras maestras del género de la época.

Horizont-Summer In Town (1986)

El solo hecho que las influencias occidentales fueran el germen para que una banda soviética llamada Horizont pudiera crear un lienzo musical como ellos hicieron, ya no solo es admirable sino también inverosímil. Recordemos que antes de la caída del muro de Berlín, la actual Rusia era la Unión Soviética, un país de férreo comunismo prácticamente hermético, que negaba casi cualquier cosa que viniera de fuera de sus fronteras. Más allá de estas consideraciónes políticas y cronológicas, el primer trabajo de esta formación fundada a mediados de los setenta, es una de las más fascinantes obras realizadas por un grupo tras el telón de acero. Fundada en la antigua ciudad de Gorky (hoy en día Nizhni Nóvgorod), estaba constituida por cinco músicos con estudios académicos, un dato que sin duda contribuye a las evidentes influencias de la música clásica de las composiciones que están incluidas en su primer álbum lanzado en 1986. Ellos eran Andrey Krivilev (voz y teclados), Vladimir Lutoshkin (guitarras y flauta), Sergei Kornilov (teclados), Alexey Eremenko (bajo) y Valentin Sinitsyn (batería). Un claro ejemplo de lo anteriormente dicho esta en la grandilocuente "Snowballs", casi diez minutos de majestuosos sonidos de órgano, piano, y sintetizadores de cuerda, bajo una coherente y firme sección rítmica. Ecos a grupos del rock sinfónico británico como Génesis o ELP, van y vienen, convirtiéndola en una excelente composición, que aunque sin llegar a aportar nada original, si muestra la faceta virtuosa y el ingenio de esta banda. Por otro lado aparece la hipnótica "Chacone" que envuelta en un aura de melancolía y oscuridad emana grandes ráfagas melódicas, mientras que la suite final compuesta por la epopeya que da titulo al álbum, es un corte mucho mas ecléctico, donde se dan cabida desde secciones sinfónicas, jazz y pasajes atmosféricos muy cercanos al space rock.

Brian Auger´s Oblivion Express-Closer To It! (1973)

Si con el álbum "Second Wind", Brian Auger junto a sus As Oblivion Express, se desviaría hacia derroteros mas jazzisticos, en el siguiente "Closer to It!", esa propuesta fue aún mas acusada, entrando de lleno en el jazz rock con fusiones latinas. Para este grabación el vocalista Alex Ligertwood, el guitarrista Jim Mullen y el baterista Robbie McIntosh serian sustituidos por Jack Mills (guitarra)y Godfrey MacLean (batería), mientras que repetirían Lennox Laington (congas), Barry Dean (bajo) y por supuesto el propio Brian Auger (órgano y teclados). Los sonidos del jazz fusión latino están presentes en la inicial "Whenever You´re Ready", la cual marca los argumentos musicales del resto del disco. Por una senda parecida discurren las irresistibles "Hapiness is Just Around the Bend" y "Light on the Path", mientras que la mas sofisticada y progresiva "Compared to What “, la mas previsible "Voices of Other Times” y la antológica versión de Marvin Gaye "Inner City Blues", conforman uno de los mayores y mejores aportes al jazz rock progresivo de Brain Auger. 

Chuck Mangione-Feels So Good (1977)

Chuck Mangione tardó 17 años en tener finalmente un gran éxito y el reconocimiento internacional, y fue gracias a su álbum de 1977 "Feels So Good".
Mangione había comenzado su carrera artística en 1960 lanzando álbum tras álbum con un total de ocho, todos los cuales parecían estar, a pesar de su indudable calidad, estancados en la parte inferior de las listas con poco impacto comercial.
Su carrera hasta esos momentos había sido bastante prolífica con diversas colaboraciones como los Jazz Brothers, junto a su hermano Gaspare, en distintas orquestas de jazz como Art Blakey's Jazz Messenger e incluso grabó un ambicioso proyecto con la Rochester Philharmonic Orchestra, donde quería expresar sus ideas de fusionar jazz y rock y que incluía el corte "The Hill Where The Lord Hides" con el que llamaría la atención de los aficionados al genero del jazz rock.
Cuando salió "Feels So Good", se produjo una locura colectiva hacia la música de Mangione, llegando incluso a liderar las listas de música pop y negra, algo inusual de un disco proveniente del mundo del jazz.
Pero lo más inusual fue que ganaría el premio Grammy en tres categorías diferentes; pop, jazz y rhythm and blues.
Tras este "Feels So Good", Mangione editó otros discos de gran repercusión como "Fun And Games" y la banda sonora "Los Hijos de Sánchez", ambos a finales de los setenta.

Paul Brett´s Sage-Schizophrenia (1972)

Con una carrera larga y brillantísima, Paul Brett es un afamado guitarrista que ha trabajado como músico de sesión con algunos de los grandes de la música experimental y el folk rock británico como Roy Harper, Al Stewart, Strawbs o Arthur Brown. A comienzos de la década de los setenta, Paul Brett formaría su propia banda Sage, con la cual lanzaría tres álbumes entre 1970 y 1972. Para ello reclutaría, al bajista Dick Dufall, al teclista Rob Eberhard Young, al baterista Bob Voice y al guitarrista Stuart Cowell. Mientras que sus dos primeros lanzamientos fueron una clara apuesta por los sonidos  del folk rock progresivo, con ciertos elementos de jazz y blues, en 1972 con su tercer álbum, Brett orientaría su estilo hacia el rock más convencional. En este "Schizophrenia", las melodías contagian la mayoría de los cortes del álbum como "Tale Of A Rainy Night" y "Autumn", piezas psicodélicas "Custom Angel Man" y "Slow Down Ma" o acercamientos al vanguardismo progresivo con "Take Me Back sand I Will Leave You".