Love Sculpture-Blues Helping (1968)

Dave Edmunds suele estar históricamente asociado a la new wave y al pub rock. Conocido por liderar la banda Rockpile en los 70 y una fructífera carrera en solitario en los ochenta, sin embargo en sus inicios y mucho antes de su enamoramiento de los sintetizadores y las producciones elegantes, lideraba una banda de blues olvidada llamada Love Sculpture. Con esta banda fundada en 1966 e inspirada en el estilo de los Bluesbrakers de John Mayall o los Fleetwood Mac de Peter Green, Dave Edmunds dio forma a uno de los germinales y mas poderosos tríos de blues rock de la época. Junto a la guitarra y voz de Dave, estaban John Williams al bajo y el batería Bob Jones. Estos tres músicos ya tenían suficiente experiencia al haber tocado en bandas como The Riders y Human Beans, la primera con un estilo orientado al rockabilly y la segunda al blues clásico. Después de firmar un contrato con el sello Parlophone de EMI Odeon, publicaron su álbum debut en medio de la efervescente escena del blues británico, que además de las citadas Fleetwood Mac y la banda de John Mayall, estaban Savoy Brown, Ten Years After, Groundhogs o Cream entre otras muchas mas. Este primer álbum titulado “Blues Helping” contenía una gran colección de estándares de blues y R&B, y una composición propia de Edmunds, creada como escaparate para sus excelencias con las seis cuerdas. Un álbum que con la inicial y vertiginosa versión del blues de Freddie King “The Stumble” ya demostraba el temple de la guitarra de Edmunds, a la que siguen la cadenciosa “I Believe To My Soul” de Ray Charles o el estridente rhythm and blues “So Unkind”, original de Elmore James. La extraña “Summertime” de George Gershwin proporciona el momento psicodélico del disco que contrasta con la saturada versión del clásico “On The Road Again”, que tan famosa hicieran los míticos Canned Heat, mientras “Don´t Answer The Door” es una correcto blues interpretado con feeling y mucha pasión por parte del power trío, para terminar con “Blues Helping” la única composición original, en donde Edmunds presenta una infinidad de notas aceleradas y vertiginosas con su guitarra. Dos años después llegaría el segundo álbum “Forms and Feelings”, un intento algo descafeinado de repetir la hazaña de su debut que pasaría sin pena ni gloria provocando la disolución de la banda a finales de 1970.

Werwolf-Creation (1982)

Seguimos con la serie de bandas desconocidas, esta vez con los alemanes Werwolf, que fue fundada en Sauerland en 1970 por el batería y vocalista Peter Besting, el guitarrista Hartwig Kugoth y el bajista Peter Lorenz. Durante un tiempo fueron un trio, hasta que en 1972 entrarían el teclista Jürgen Göckle, Michael Schlimm en el saxofón y flauta y la cantante Ellen Wiederstein. Con esta formación Werwolf grabaron una maqueta para distribuirla entre diferentes sellos discográficos y así conseguir un contrato pero sin éxito alguno. En esos años la banda se enfocaría en los directos, girando con bandas como Birth Control o Eloy. No seria hasta 1982 cuando publicaron su primer álbum "Creation", en donde solo aparecía Peter Besting de la formación original. En este debut discográfico Wearwolf se orienta hacia los sonidos del folk progresivo con agradables guitarras acústicas y la encantadora voz de su cantante Gitta Loewenstein, la cual contiene cierto parecido vocal a la británica Annie Haslam de Renaissance. Además de la voz de Loewenstein, los aspectos mas destacados de este álbum provienen del gran trabajo del guitarrista Gerd Heuel y los teclados sinfónicos de Wolfgang Unthan. Temas extensos con grandes desarrollos y los continuos cambios de ritmo, le dan una cierta sensación de música hecha en los setenta y no en los ochenta, algo que se entiende al ser composiciones escritas muchísimo antes de ser grabadas. "The Journey To The Land Of The Flying Pigs" o "Daydream" son claros ejemplos de ello, mientras "The Eight Day", "The Song" o la inicial "Höhenflug" son complejas composiciones progresivas con un sonido mas acorde a la década que fue grabado.

The Gary Moore Band-Grinding Stone (1973)

Gary Moore fue uno de los grandes guitarristas de la historia, que influenciado principalmente por el blues, se adentro en terrenos mas duros como el hard rock o el heavy metal, e incluso tuvo acercamientos al jazz rock progresivo.
Los inicios de Gary Moore se remontan a finales de los sesenta, cuando procedente de Belfast y con tan solo 17 años se incorporó a la banda Skid Row (no confundir con la banda del mismo nombre de origen norteamericano de la década de los ochenta).
Con esta banda Gary Moore grabaría tres discos y se haría muy popular abriendo conciertos para bandas consagradas como Mountain o The Allman Brothers Band por todos los Estados Unidos.
Ya en 1973 Gary Moore decidió fundar su propia banda bajo el nombre de The Gary Moore Band, con la cual graba su primer disco titulado "Grinding Stone", donde el guitarrista irlandés ya daba muestras de lo que vendría en los años siguientes.
"Grinding Stone" es un magnífico disco de hard rock y blues psicodélico, con destacadas composiciones como el tema de apertura "Grinding Stone", un instrumental psicodélico donde Moore muestra su talento con las seis cuerdas o brillantes cortes como la épica con tintes progresivos "Spirit" o la Boogie Blues "Boogie My Way Back Home".
A partir de aquí Gary Moore no dejaría de publicar discos con distintas formaciones como con la banda de jazz rock progresivo Colosseum, la de hard rock Thin Lizzy o publicando discos en solitario, donde alternaría discos de rock duro y metal con otros de blues tradicional e incluso se adentro en mas de una ocasión en los ritmos y melodías de la música tradicional de Irlanda, su tierra natal.
En 2011 Gary Moore fue hallado muerto en una habitación de un hotel de Málaga, consecuencia de un ataque al corazón mientras dormía, tenia 58 años de edad y mas de cuarenta en su carrera dentro de la escena musical.

Led Zeppelin- II (1969)

A finales de 1969, Led Zeppelin publicaban su segundo álbum ese mismo año, 9 meses antes en enero habían debutado con su soberbio y ya mítico “Led Zeppelin I”, obra que cambiaría para siempre el devenir de la música rock. Para este segundo álbum titulado “Led Zeppelin II”, la banda demostraba con creces que no eran flor de un día, en un trabajo tan apabullante como único en donde imprimen mucha mas dosis de hard rock a diferencia de su antecesor en donde los sonidos blues eran el denominador común. Con la rotunda y legendaria "Whole Lotta Love", con sus míticos riffs, convierten esta canción en una de los estándares del heavy metal, la exquisita y monumental “What Is And What Should Never Be”, abre la puerta para otra de las joyas del disco, la blues rock majestuosa “The Lemon Song”. Después de semejante arsenal llega “Thank You”, una balada aterciopelada que de alguna manera desencaja en la tónica general de este álbum, a continuación llega uno de los riffs mas asesinos de Jimmy Page, “Heartbreaker”, otra de las canciones icónicas del cuarteto, por su parte “Living Loving Maid (Sheis Just A Woman), es la otra pieza menor del álbum, un rock´n´roll de buena factura que es la antesala de “Ramble On”, otro de sus clásicos temas legendarios, el cual casi enlaza con la arrolladora “Moby Dick”, con un Page antológico y un Bonham virtuoso, y cuando todo parece ya acabado aparece para terminar “Bring It On Home”, con otro riff incendiario de Page con un ritmo contagioso y juguetón con la cual acaban un álbum monumental y soberbio como pocos se han publicado y que junto al mencionado debut removieron los cimientos del rock.

Point Blank-The Hard Way (1980)

Point Blank se mantienen como una de las bandas mas infravaloradas de la escena del southern rock de la década de los 70, pese haber publicado seis grandes álbumes entre 1976 y 1982, que fueron muy bien considerados por la critica y bien recibidos por el gran publico.
Originarios de Texas, Point Blank nacieron de las cenizas de Southpaw, una banda local del área de Dallas, fundada oficialmente en 1974 por los guitarristas Rusty Burns y Kim Davis, el batería Buzzy Gruen, el cantante John O´Daniel y el bajista Philip Petty. Su estreno discográfico "Point Blank", fue publicado en 1976, en donde ya mostraban sus credenciales de poderoso rock sureño a la misma altura que otras coetáneas como Molly Hatchet o Blackfoot. Después de su siguiente trabajo "Second Coming" (1977), la banda rompe con el sello Arista y firman con la MCA con quienes graban el estupendo "Airplay" (1979), el cual contiene el clásico del rock sureño "Mean To Your Queenie".
Un año después llegaría "The Hard Way", en donde muestran un sonido mas duro, con esos dobles y poderosos riffs de guitarras, una furia contenida y muy buenas composiciones del mejor southern rock. En "The Hard Way" destacan la inicial y melódica "On The Run", el boogie rock "Point Blank", la blues rock "Wrong To Cry / Thank You Mama" o una excelente y "sureña" versión del clásico de Deep Purple "Highway Star". Este disco tuvo muy buena recepción en las listas de éxitos y una gran difusión en la estaciones de radios FM norteamericanas.
A partir de aquí la banda sufre sus primeras bajas en su formación como la del vocalista O´Daniel, descontento por la orientación cada vez mas AOR del grupo, como queda patente en su álbum "American Exce$$". No obstante este ultimo se convirtió en su mayor éxito comercial y su tema "Nicole" escalo los puestos altos de las listas de éxitos del rock melódico. Poco después de su álbum "On A Roll" (1982), Point Blank se disuelve definitivamente, hasta el año 2005 cuando se reunirían para un concierto benéfico, permaneciendo juntos hasta la actualidad e incluso publicando nuevos álbumes como el soberbio directo "Reloaded" (2007) o el brillante "Volume 9" (2014), además de continuas giras alrededor de los Estados Unidos y de Europa.

Sweet-Off The Record (1977)

Iconos del glam rock y toda una institución en Gran Bretaña, Sweet fue una de las mejores bandas británicas de todos los tiempos, a pesar de que durante sus doce años de carrera (1968-1981), su estilo fue diversificando hacia otros sonidos como el hard rock o acercamientos comerciales y melódicos. En sus inicios a principio de los 70 con su poderoso estilo de glam rock, anegaron las listas de éxitos con algunas canciones clásicas y míticas como "The Ballroom Blitz", "Blockbuster", “Fox On The Run”, o “Teenage Rampage”.
Pero sin embargo a partir de la mitad de la década el declive de la banda parecía cada vez mas cerca, los gloriosos días del glam se habían acabado y el glamour de aquel movimiento tan irresistible ya no volvería tragado por los sonidos de la música disco, el rock progresivo o el heavy metal. En 1977 publicaban "Off the Record", su quinto álbum que contra todo pronóstico fue uno de sus discos más emblemáticos, grabado con grandes dosis de hard rock y melodías cercanas al heavy metal, pero sin abandonar su estilo inconfundible de glam rock.
Canciones pegadizas con poderosos riffs de guitarras como “Fever Of Love” y “Lost Angels”, contundentes temas de hard rock “Live For Today” o “Midnight To Daylight”, o heavy glam aplastantes como “Windy City”, “She Gimme Lovin´” o “Hard Times” e incluso acercamiento a los sonidos mas comerciales con la funky “Funk It Up”, demostraron que con este álbum y que a pesar de que su época de gloria ya había pasado, Sweet aún mantenían el empuje suficiente y la creatividad precisa para continuar en lo mas alto y dejar su impronta a modo de un legado incuestionable, el cual seria imitado por innumerables bandas del metal pop de la siguiente década de los ochenta.

Hunger-Strickly From Hunger (1968)

Hunger fueron una excelente banda de rock psicodélico emparentados con The Doors, Jefferson Airplane o Strawberry Alarm O´Clock, que tuvieron su momento de gloria en la escena californiana de finales de los 60. Sus orígenes fueron en Portland, Oregón, a mediados de los sesenta y ya casi a finales de la década se trasladaron a Los Ángeles, donde comenzaron a ganarse una gran reputación entre la floreciente escena psicodélica hippie de la costa oeste. Durante ese tiempo abren conciertos para Cream, Frank Zappa o The Byrds. En 1968 publicaron su único álbum "Strickly From Hunger", en donde sus largas pausas instrumentales impulsadas por los sonidos de órgano y las penetrantes líneas de guitarra, les confieren un estilo muy cercano a la banda de Jim Morrison. Buena muestra de esa influencia son los temas  "She Let Him Continue", un rock psicodélico con diferentes efectos de sonidos, la instrumental "Portland", o la siniestra "Colors". En "Strickly From Hunger", se pueden escuchar elementos de casi todos los géneros (jazz, blues, pop, rhythm & blues), entremezclados en cada canción, aunque su escucha debe ser detenida para saborear los matices de cada una. Cada canción sirve como un excelente ejemplo de la polinización cruzada de géneros. Hunger fueron mucho mas que una simple banda de rock psicodélico, llamados a ser estrellas si el destino no se hubiera interpuesto en su camino, con una serie de lamentables acontecimientos, como el robo de todo su equipo en varias ocasiones, entre otros desafortunados hechos que tal vez la hubieran convertido en una banda importante, tan respetada e influyente como sus contemporáneos de la costa oeste.

After All-After All (1969)

Esta banda de Florida es otro claro ejemplo de una agrupación de escaso recorrido, de la cual apenas se tiene mucha información. Formada en 1969, fue producto del esfuerzo de cuatro músicos con experiencia, todos ellos provenientes de distintas bandas de la escena musical de la zona de Tallahasse. Estos cuatro músicos eran el batería Mike Ellerbee, el teclista Alan Oro, el bajista Bill Moon y el guitarrista Charles Short. Esta banda solo grabaría un álbum, el homónimo "After All" publicado ese mismo año de 1969.
El estilo del Atfer All es básicamente un jazz rock con toques progresivos, mezclando una amplia variedad de sonidos; rock, pop, blues, heavy psicodélico y sonidos latinos. El álbum contiene muy buenos momentos, un tanto arriesgados por la ambiciosa mezcla que imprimen a su música, logrando con todo ello el típico sonido post psicodélico de la época, y que por momentos dan paso a sonidos mas progresivos. Esa variedad y eclecticismo están presentes en la funk "Let It Fly", las jazzisticas "Blues Satin" y "Nothing Left To Do" y la progresiva "Intangible She". Otro dato destacado es la soberbia producción de este Lp, con una gran calidad de sonido, el cual no ha necesitado ser remasterizado en las ediciones posteriores en CD.

Gamma-Gamma 2 (1980)

Gamma fue la segunda banda liderada por el guitarrista Ronnie Montrose, después de su primer proyecto “Montrose”, con quienes publico una serie de grandes trabajos como "Paper Money" (1973), "Warner Bros. Present…Montrose" (1975) o "Jump It" (1976). Una vez publicada su primera obra en solitario "Open Fire" en 1978, formaría Gamma junto a Davey Pattison, voces, Jim Alcivar, teclista, Alan Fitzgerald bajo y el batería Skip Gillette. Con esta formación grabaría el álbum "Gamma 1" (1979). Un año después llegaría el segundo "Gamma 2", el cual presentaba varios cambios con respecto a la formación anterior, Denny Carmassi y Glenn Letsch sustituían a Gillette y Fitzgerald respectivamente. "Gamma 2" se convertiría en una referencia básica del sonido de Ronnie Montrose, la confirmación de Davey Pattison como uno de los mejores vocalistas del hard rock de la década de los ochenta y una sección rítmica solida y poderosa con Carmassi y Letsch. Un disco en donde destacan el tema inicial “Mean Streak", un potente hard rock, al que siguen el rock vertiginoso "Four Horsemen" o la AOR "Dirty City". El resto se mueve por los senderos bluesy con potentes blues rock como el atmosférico y brillante “Voyager”, la hard blues “Cat On a Leash” o la blues progresiva “Skin and Bone”, mientras la heavy rock “Mayday”, muestra un Montrose pletórico, demostrando su soberbia técnica con las seis cuerdas.

Soundtrack-Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1978)

Robert Stigwood fue uno de los grandes productores de la década de los 70, el había financiado obras musicales tan emblemáticas como "Hair", "Jesus Christ Superstar" o "Evita", además de publicar bajo su sello RSO, las bandas sonoras de las películas "Tommy", "Saturday Night Fever", "Grease", “Fame" o la cuarta parte de la saga de "Stars Wars: The Empre Strikes Back", entre otras muchas.
Algunas de estas bandas sonoras fueron un éxito tan rotundo que llegaron a vender millones de copias, ya solo dos de ellas, "Grease" y "Saturday Night Fever" superan los cincuenta millones. Pero además de esto la RSO tenia los derechos sobre algunos de los mejores y mas exitosos artistas de la década, entre otros estaban Eric Clapton o The Bee Gees, por lo que casi a finales de la década, este sello estaba entre los de mayor éxito financiero en el negocio musical. Sin embargo Stigwood era un magnate muy ambicioso y visionario y a mediados de 1977 quiso llevar al cine el legendario álbum de The Beatles "Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band", adaptándolo libremente al musical que algunos años antes se había estrenado en los teatros de Broadway como "Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band On The Road”.
Con un guion readaptado a modo de opera rock en tono acaramelado, mezclaba canciones de varios álbumes de The Beatles, además del mencionado "Sgt Peppers…" también aparecían canciones de "Abbey Road", incluso para lograr una cierta similitud, fue mucho mas lejos, logrando que el productor de The Beatles, George Martin y el ingeniero de sonido de esos míticos álbumes participaran como productores en la película. Dirigida por Michael Schultz fue estrenada el 21 de julio 1978 y en ella aparecen una multitud de artistas y actores famosos, Steve Martin, Paul Nicholas, George Burns, Aerosmith, Peter Frampton, Billy Preston, Alice Cooper o The Bee Gees, además de las apariciones fugaces de John Mayall, Elvin Bishop, George Benson, Rick Derringer, Dr.John, Jack Bruce, Curtis Mayfield y así hasta casi el centenar de grandes de la escena rock y pop de la época. Como gancho comercial Robert Stigwood aprovecharía los momentos de gloria que vivian en aquellos momentos Peter Frampton con su aplastante éxito "Comes Alive" y The Bee Gees con “Saturday Night Fever".
Sin entrar en la sinopsis de la película, la cual recibiría aplastantes criticas por la prensa de medio mundo, en lo estrictamente musical, sin llegar a lo extraordinario, si tuvo momentos de gran lucidez por parte de algunos de los músicos que intervinieron. Entre ellos estaban las versiones del tema "Come Together", por Aerosmith, "Got To Get You Into My Life" por Earth Wind and Fire", "Get Back" por Billy Preston, o casi todas las interpretadas por Peter Frampton y The Bee Gees. Sin embargo también aparecen algunas versiones ciertamente funestas como las interpretadas por Steve Martin, con una lúgubre "Maxwell´s Silver Hammer" para llorar, Sandy Farina con una versión medio verbenera de "Strawberry Fields Forever", la estrambótica “Because” por Alice Cooper junto a The Bee Gees o la excéntrica "Fixing A Hole" por George Burns.
El doble álbum fue lanzado una semana antes de que se estrenara oficialmente la película en los Estados Unidos, lo que serviría para que lograra el disco de platino por sus ventas anticipadas, antes de que el publico pudiera ver con sus propios ojos la esperpéntica película, que comercialmente fue todo lo contrario, un rotundo fracaso, básicamente por el bizarro guion, la participación grotesca de algunos actores que no estaban a la altura y una puesta en escena absurda, cómica y surrealista.
A partir de aquí, las carreras, fundamentalmente de Peter Frampton y The Bee Gees disminuyeron enormemente, o por lo menos durante algún tiempo, a causa de esta rotunda y pésima obra cinematográfica, que sin embargo se ha convertido en una película y un álbum de culto, que para bien o para mal ha pasado a la historia dentro de las excentricidades de la música rock.

Warhorse-Warhorse (1970)

En 1969 Deep Purple publicaban su tercer álbum y casi inmediatamente dos de sus componentes, Nicky Simper y Rod Evans, abandonan la banda invitados expresamente por Ritchie Blackmore. A partir de aquí ambos músicos tomarían rumbos diferentes, por un lado Evans fundo la banda Captain Beyond y Simper haría lo mismo con Warhorse.
Mientras Captain Beyond enfocaría su estilo hacia los sonidos progresivos, Warhorse continuaría un estilo hard rock con similitudes a Deep Purple.
Para fundar Warhorse, Nick Simper se unió al cantante Ashley Holt, al guitarrista Ged Peck, al teclista Frank Wilson y al batería Mac Poole. En 1970 Warhorse publican bajo el sello Vertigo su álbum homónimo, un excelente disco de hard rock impulsado por los sonidos del órgano Hammond de Wilson, los poderosos riffs de guitarra de Peck y la voz chillona de Holt, con un estilo que se asemejaba bastante a Vanilla Fudge pero sin dejar de lado el sonido Purple. Pronto son tachados de poca originalidad y de no intentar crear un sonido propio, y navegar con unas influencias de los Purple demasiado obvias. Aún así este primer álbum contiene momentos sobresalientes como la inicial y dinámica “Vulture Blood", la épica "No Chance", la poderosa "Burning", la heavy "Ritual" o las hard rock progresivas "Solitude" y "Woman Of The Devil". Dos años después llegaría el segundo y ultimo álbum de Warhorse "Red Sea", un disco menos equilibrado aunque con temas muy destacables como la soberbia heavy prog "Back in Time", la progresiva "Mouthpiece" o la hard rock "Red Sea". Algún tiempo después Warhorse desaparecerían por su escaso éxito y reconocimiento, un injusto final para un grupo que ciertamente tenia las habilidades y el talento para hacer grandes cosas, pero sus continuas comparaciones con una banda tan icónica como Deep Purple, les paso factura para terminar cayendo en el mayor de los olvidos.

Epitaph-Epitaph (1971)

Durante la primera parte de la década de los setenta muchas bandas alemanas se influenciaron del hard rock británico, así grupos como Led Zeppelín, Goundhogs, Black Sabbath, Uriah Heep, Nazareth o Deep Purple, tenían en sus coetáneas germanas Frumpy, Epsilon, Armaggedon o Anyone´s Daugther entre otras muchas, una seria competencia principalmente en Alemania.
Por regla general las bandas alemanas utilizaban el ingles y algunas de ellas incluso tenían sus propios vocalistas británicos, Epitaph era una de ellas, con el cantante y guitarrista Cliff Jackson. Epitaph se fundo en Dortmund a finales de los sesenta y además de Jackson estaba formada por el bajo Bern Kolbe y el batería Jim McGillivray. En 1971 este power trio empezaría a grabar material destinado a su primer álbum en Essex, Inglaterra, pero por razones desconocidas terminaron el álbum en los estudios Windrose de Hamburgo, en donde para la grabación final se uniría el guitarrista Klaus Walz.
Finalmente fue lanzado bajo el sello Polydor casi a finales de 1971, titulado homónimamente, este primer álbum contaba con cinco temas con un sonido heavy prog similar a las bandas británicas y en particular a Uriah Heep, sobresaliendo algunas piezas soberbias como las hard rock "Moving To The Country" y "London Town Girl", heavy rock progresivos "Hopelessy" o "Little Maggie" o ejercicios de rock psicodélico como la extensa "Early Morning".
En 1972 Epitaph grabaría su segundo LP "Stop, Look And Listen", en Berlín con un estilo estilísticamente muy parecido al primer álbum. Con estos dos prometedores trabajos la banda tenia por delante un futuro brillante por lo que la compañía norteamericana Billingsgate los contrata invirtiendo mucho tiempo y dinero en la grabación de un tercer álbum "Outside The Law" (1974). En este nuevo disco, el sonido era mucho mas pulcro, abandonando el estilo progresivo por un hard rock mas duro y directo. Después de una extensa y costosa gira por todos los Estados Unidos promocionando este ultimo álbum, el sello Billingsgate se declaro en bancarrota y la banda se vio obligada a disolverse en 1975 principalmente para no asumir las deudas de su compañía discográfica.
Ya en 1976 la banda reaparecería grabando una serie de álbumes enfocados al hard rock y el heavy metal y girando continuamente por Europa con mucha credibilidad y un moderado éxito que los mantiene como una de las mas respetadas bandas germanas del hard rock de principios de los 70.

Farm-Farm (1971)

Farm fueron una banda de blues rock sureño de finales de la década de los 60.

Originarios del estado norteamericano de Illinois, su bagaje discográfico fue de un solo álbum, el cual para colmo fue de tirada muy reducida limitada solo a 500 copias. Su formación estaba compuesta por el guitarrista Del Helbert, el batería Mike Young, el bajista Jim Elwyn, y el cantante y guitarrista Gary Gordon que con la ayuda del percusionista Steve Evanchik grabaron una maqueta en los estudios Golden Voice en la ciudad de South Perkin y que finalmente se convertiría en un álbum titulado homónimamente lanzado en 1971. En este disco Farm muestran sus deudas con el rock sureño, el acid rock, el blues y el boogie rock. Con un repertorio basado en temas propios y versiones como la instrumental blues con grandes partes de guitarras "Jungle Song", la blues rock "Cottonfield Woman", la boogie rock “Let The Boy Boogie", o la versión de The Allman Brothers "Stateboro Blues". En definitiva un gran álbum olvidado y oscuro, con grandes sonidos de guitarras afiladas, unos ritmos muy sólidos, hábiles intermedios y un predominante sonido de órgano que cubre con capas sonoras los desarrollos de las cinco piezas de este estupendo trabajo de blues de los estados sureños norteamericanos.

Player-Player (1977)

Player fue una exquisita banda de soft rock que mezclaba las armonías vocales de bandas como America con las excelencias musicales de los Steely Dan, con un estilo cercano al rock melódico.
Player fue fundada en Los Ángeles en 1976 por el bajista Ronn Moss quien ya tenia una amplia experiencia en la escena musical de la ciudad californiana, el resto estaba compuesto por el guitarrista británico Peter Beckett, el teclista y guitarra J.C. Crowley y el batería John Friesen. Durante algún tiempo se dedican a realizar conciertos como teloneros de Gino Vanelli, ganando una gran reputación en el circuito del rock californiano, ya por entonces interpretaban lo que algún tiempo después seria su gran éxito "Baby Come Back". Además de sus conciertos, la banda se dedico a componer temas enfocados hacia la grabación de un Lp, predominando un rock suave y elegante con gran importancia a las voces melódicas, unas guitarras con claro acento rock y pasajes de sintetizador y teclados. Para esto ultimo obtienen la ayuda del teclista Wayne Cook, que pasa a formar parte de la banda aunque no de manera oficial. Con el suficiente material compuesto, empiezan a buscar una discográfica quien les produzca un álbum. Finalmente seria la RSO quien les financia la publicación de su primer disco, que saldría al mercado el 1 de septiembre de 1977. Casi al mismo tiempo que su publicación y gracias al tema "Baby Come Back", la banda obtiene un éxito rotundo, llegando al numero uno de las listas del Billboard, permaneciendo en ese lugar la friolera de 32 semanas consecutivas. Pero este primer disco no solo se centraba en las excelencias de "Baby Come Back", el resto es una irresistible colección de melodías nada pretenciosas de elegantísimo rock con pinceladas pop de gran nivel como queda reflejado en las encantadoras "Come On Out", "Goodbye (That´s All I Ever Heard)", "Every Wich Way" o "Love Is Where You Find It", la atrayente rock "Cancellation", la funky "Movin´Up" o la sublime balada "Tryin To Write A Hit Song", conformando todas ellas uno de los mejores debut que se recuerdan. Un año después Player publicaría su segundo álbum "Danger Zone", con algunas de las mismas características de su debut, aunque imprimiendo un sonido mas agresivo que sin obtener el mismo éxito, alcanzarían el disco de oro por sus ventas y varios sencillos de impacto como "Prisoner Of Your Love" o "Silver Lining".

Genesis-Trespass (1970)

Con “Trespass” comenzaría la era mas progresiva de Genesis que les llevaría a realizar algunas de las mas grandes obras del rock sinfónico y del rock en general.
Después de un primer y incoherente álbum en donde las melodías pop eran el denominador común, en esta nueva obra, Genesis ampliaron sus horizontes hacia unos sonidos mas dinámicos y progresivos, con desarrollos instrumentales y dramáticos. Para este álbum la banda estaba compuesta por Peter Gabriel a la voz y diferentes instrumentos como la flauta o el acordeón, Tony Banks, teclados, guitarras y voces, Anthony Phillips, guitarras, Mike Rutherford guitarras acústicas, bajo, violoncelo y voces y John Mayhew batería. Grabado en los estudios Trident de Londres entre los meses de junio y julio de 1970 fue publicado a finales de octubre de ese mismo año. Ya empezando por la idílica portada del álbum la cual nos adentran en unos surcos sinfónicos desde el primer tema hasta el ultimo. Con un comienzo tan delicioso como “Looking For Someone”, con ese desarrollo precioso de guitarras y órgano, a la que siguen una serie de extraordinarias composiciones como la bellísima “White Mountain”, la preciosista “Visions Of Angels”, la bucólica “Stagnation” o la delicada “Dusk”, para terminar con la poderosa rock “The Knife”, que completaban la primera gran obra maestra de Genesis, la antesala de obras extraordinarias y emblemáticas que aún estaban por llegar como “Nursery Crime”, “Foxtrot” o “Selling England By The Pound”.

Indian Summer-Indian Summer (1971)

Esta es una de las joyas ocultas del proto progresivo ingles, una obra tan espectacular como magnifica que fue el único legado de los británicos Indian Summer. Formados en la ciudad de Coventry en 1968 por Paul Hooper batería y el cantante y teclista Bob Jackson. Ambos músicos ya habían participado en diferentes bandas de la zona de Coventry como The Rochester Beaks o This That And The Other, la banda se cerraba con el guitarrista Roy Butterfield y el bajista Alan Hatton. Indian Summer optarían en sus inicios por ser una banda de versiones, pero poco duraría esa tendencia ya que gracias al talento de sus integrantes pronto empezaron a crear su propia música. En medio de una época de gran creatividad, el guitarrista Butterfield abandona siendo sustituido por Steve Cottrel justo cuando son descubiertos por el cazatalentos Jim Simpson, un promotor de fama reconocida y que por la época era el manager de diferentes bandas como Earth, que pronto se convertirían en Black Sabbath.
Después de varios cambios de formación, fichan por el sello Vertigo y entraron en los estudios Trident de Londres para grabar su primer álbum en 1971. En este debut homónimo la banda estaba formada además de Hooper y Jackson por los nuevos miembros Colin Williams como guitarrista y Malcolm Harker como bajista. Este debut esta cargado de muchos sonidos rítmicos y grandes pasajes musicales con un énfasis en los teclados y guitarras, con cierta atmósfera oscura sobresaliendo la inicial "God Is The Dog", una estupenda composición que resalta la profunda voz de Bon Jackson y los sonidos de órgano, mientras los pasajes progresivos como las soberbias "From The Film Of The Same Name", "Black Sunshine" o "Half Changed Again", no desmerecen a ninguna de las bandas punteras de la época. El resto del álbum es de una calidad excepcional logrando momentos sublimes de gran rock sinfónico. La escasa repercusión comercial posterior deriva en la disolución de la banda, dedicando la carrera posterior de cada miembro a diferentes proyectos por separado o concentrarse en otras cuestiones profesionales alejadas del mundo de la música.

Atlas-Blå Vardag (1979)

Otra interesante banda sueca fueron Atlas, que con solo un álbum publicado, alcanzaron el status de banda de culto dentro del panorama del rock progresivo europeo. Fundada en la ciudad de Malmoe en 1974, su formación estaba compuesta por los teclistas Björn Ekborn y Erik Björn Nielsen, Micke Pinotti en la batería, Uffe Hedlund en el bajo y Janne Persson en la guitarra. Su estilo estaba principalmente enfocado a un preciosista rock sinfónico con dosis de fusión, y grandes desarrollos instrumentales, sobresaliendo una gran cantidad de pasajes con mucha interacción entre las guitarras y los teclados. En cierta medida ellos tomaron las influencias mas progresivas de los británicos Genesis, el sonido Canterbury de Camel y la sobriedad de su compatriota Bo Hannson. Su único álbum “Blå Vardag”, publicado en 1979 por el sello sueco Bellatrix fue enormemente elogiado por la critica y una buena aceptación por parte de la comunidad progresiva. El álbum al completo es muy destacable, pero es sin duda la extensa “På Gata” es la pieza que mejor resume las excelencias de esta banda con un exquisito ejercicio del rock progresivo bizarro, con oleadas de capas de mellotrones, sintetizadores, órgano y piano, con densos pero a la vez sutiles sonidos que se entremezclan con unas enérgicas guitarras. El resto de temas mantiene una línea muy similar con ecos al jazz rock en diferentes momentos y algunos sonidos bucólicos y pastorales siempre bañados por torrenciales cortinas de teclados y guitarras.

The Knack-Get The Knack (1979)

En junio de 1979 The Knack publicaban su primer álbum y a la postre su "One Hit Wonder", denominación esta para los artistas que han tenido un solo éxito arrollador en su carrera. Ese éxito seria su colosal hit "My Sharona", que al mismo tiempo seria su mayor lastre. Fundados en 1978 en Los Ángeles, por el guitarrista rítmico y cantante Doug Fieger, el guitarra solista y teclados Berton Averre, el bajista Preston Niles y el batería Bruce Gary. Durante algún tiempo dan conciertos por las mejores salas de la ciudad californiana y comienzan a ser reconocidos dentro de la escena musical de la costa oeste norteamericana. Allí se codean con consagrados músicos como Tom Petty o Bruce Springsteen y empiezan ser cotizados por varios sellos discográficos. Finalmente seria la Capitol quien se haría con los derechos del grupo y les edita su primer álbum, el cual es producido por Mike Chapman, quien ya por entonces era un afamado productor de artistas como Blondie, Suzi Quatro o Smokie. El álbum debut fue titulado "Get The Knack" y aún hoy en día esta entre los discos debut mas vendidos de la historia del rock. En apenas quince días se vendieron mas de un millón de copias, la mayor parte de ellos en los Estados Unidos. Lo mas asombroso es que a diferencia de los costosos y largos meses de grabación de la mayoría de bandas para grabar sus correspondientes discos, The Knack lo hicieron en varias semanas y con un coste realmente irrisorio de 18 mil dólares. Sin embargo gran parte de este éxito, además de las excelencias del álbum y su single "My Sharona", hay que atribuirlo a la inmensa campaña publicitaria que la Capitol Récords hizo del álbum, minuciosamente calculada, con un uso inteligente del propio diseño de la portada del LP, en un claro guiño al disco norteamericano de The Beatles "Meet The Beatles!". Musicalmente en este debut The Knack presentaban un soberbio ejercicio de power rock con melodías pegadizas, estribillos adictivos y ritmos acelerados empezando por la melodía irresistible de "My Sharona", la cual contiene uno de los riffs de guitarra y una sección rítmica bajo-batería mas recordada y memorables de la historia. El resto es absolutamente antológico, desde la punk rock "Let Me Out", la beatle "Your Number Or Your Name", la encantadora balada "Maybe", la rítmica "That´s What The Little Girls Do" o "Frustrated", un tema pegadizo que sigue una estela similar a "My Sharona".
Posteriormente la banda empieza a tener problemas con la prensa por no concederles entrevistas o intentar censurar las crónicas de sus shows, por lo que se granjean muchos problemas con incluso campañas en contra de la banda con el eslogan "Knuke The Knack" (derribad a The Knack"). Este hecho junto al tremendo impacto comercial de su primer álbum fragua el éxito su segundo trabajo "…But The Little Girls Understand" (1980), que pese a ser un digno sucesor de su predecesor, no cumplió sus mismas expectativas, mientras tanto la prensa arremetía contra ellos acusándoles de banda prefabricada, mediocre y de poca credibilidad.
Un ultimo álbum “Round Trip” (1981), seria la antesala de la disolución de The Knack, hasta que años después volverían a reanudar la carrera del grupo con una serie de discos que apenas tuvieron repercusión mediática mas allá de sus incondicionales fans.

Kenny Burrell-Midnight Blue (1963)

Kenny Burrel es una de las figuras mas relevantes del jazz, un músico enormemente versátil, considerado uno de los mas grandes guitarristas del genero y uno de los iconos del sello Blue Note, que ha dejado tras de si obras imprescindibles, tanto en su carrera en solitario, como en su faceta como músico para otros artistas del jazz.
Ya desde muy joven en los años 50, graba sus primeros discos en donde muestra sus influencias mas notorias que iban desde Charlie Haden hasta Django Reinhardt, pasando por uno de sus ídolos como era West Montgomery. A principios de los 60 grabaría uno de sus mas notables álbumes, esta vez enfocado hacia el blues, en donde se hace acompañar por el saxofonista Stanley Turrentine, el percusionista Ray Barretto, el contrabajista Major Holley y el batería Bill English. El álbum titulado "Midnight Blues", publicado bajo el sello Blue Note, es un exquisito paseo por los sonidos relajados del blues y jazz con una deslumbrante técnica por parte del propio Burrell con las seis cuerdas y del resto de los componentes de la banda en especial el saxofón de Turrentine. Temas lujuriosos como "Chitlins con Carne", el placentero "Mule", la melancólica "Soul Lament" o la entusiasta "Midnight Blue", demuestran el impecable dominio de Burrell con la guitarra, en un disco tan magistral como indispensable en la historia del jazz.

The Temptations-Masterpiece (1973)

The Temptations fueron uno de los grupos mas exitosos de la factoría Motown, durante mas de cincuenta años publicaron una treintena de discos, obteniendo tres premios Grammy y numerosos números uno en álbumes y sencillos, con unas ventas globales que superan con creces los 60 millones de copias.
En 1973 The Temptations publicaron su décimo sexto álbum "Masterpiece", uno de sus últimos grandes éxitos grabado para la Motown y en el que se incluía la musculosa canción del mismo título de 14 minutos de duración, que lograría un aplastante éxito en las listas de US Billboard Pop y US Billboard R&B.
Para este álbum la banda contaría con la producción de Norman Whitfiel, uno de los pilares del sello de Detroit y considerado el padre del sonido Motown. Fruto del trabajo entre este productor y The Temptations, este disco logra estar a la altura de las mejores obras del soul y el funk psicodélico, empezando por el petulante titulo y la pretenciosa portada del disco con los rostros de los integrantes perfectamente alineados y petrificados, todo ello ya intuía lo que el productor quería demostrar con esta magna obra. "Masterpiece" es sin duda una obra maestra del soul psicodélico progresivo, con arreglos casi obsesivos, en donde sobresalen la poderosa sección rítmica con un sinuoso bajo, baterías contundentes adornado con instrumentos de vientos, cuerda, y unas sugestivas voces. La épica “Masterpiece”, un ejercicio de funk y soul progresivo con sonidos psicodélicos de guitarras, la soul con desarrollos complejos “Ma”, la funky bailable “Law Of The Land”, la funk “Plastic Man” o la atmosférica “Hurry Tomorrow”, componen un álbum sensacional realizado por una de las mejores bandas de soul de todos los tiempos.

Ray Owen´s Moon-Moon (1971)

En 1970 el guitarrista Ray Owen abandonaba la banda Juicy Lucy con quienes había grabado su álbum debut un año antes para comenzar su carrera en solitario. Para ello funda el grupo Ray Owen´s Moon junto a los guitarristas Dick Stubbs y Les Nicol, al bajista Sid Gardner y al batería In McLean. Ese mismo año son invitados a participar en el festival de la Isla de Wight y poco después en el Midnight Sun de Suecia junto a Elton John, Blue Mink, Chuck Berry, Canned Heat y Hawkwind. En 1971 publicaron su único LP titulado "Moon", el cual se perdería en el abismo musical, así como la posterior carrera en solitario de Owen. Sin embargo Owen en los sucesivos años colaboraría activamente con la banda Killing Floor, con Vicent Crane y a mediados de los 90 resucitaría a los Juicy Lucy con quienes grabaría varios álbumes durante esa década.
En "Moon" Ray Owen presentaba un rock psicodélico con influencias de blues y funk, repleto de grandes riffs en algunos momentos muy saturados producto del sonido de los tres guitarristas (Owen, Gardner y McLean). En la funk rock "Talk To Me", aúna todo lo mencionado con un ritmo de bajo funk, en contrapunto la hipnótica y atmosférica "Don´t Matter" pone la nota pausada al frenético ritmo del álbum que retoma con la poderosa funk “Ouiji", o la hard rock con tintes psicodélicos "Hey Sweety", para acabar con la acida versión del tema de Jimi Hendrix "Voodoo Chile", uno de los momentos cumbres de un trabajo que fue considerado por la prestigiosa revista Classic Rock, una joya perdida del rock.

Russ Ballard-The Fire Still Burns (1985)

Russ Ballard es mucho mas conocido por ser el autor de grandes composiciones para otros artistas, que por su propia y dilatada carrera. Este británico nacido el año que termino la segunda guerra mundial (1945), comenzaría su carrera a principios de los 60 como guitarrista principal en diferentes bandas como Buster Meikle & The Day Breakers o The Roulettes donde coincidiría con Adam Faith. Su primer gran éxito fue “God Gave Rock and Roll to You” (1973), compuesta cuando pertenecía a la banda Argent.
Con esta ultima Russ Ballard estaría desde 1969 hasta 1974, año el cual decide continuar por su cuenta, además de colaborar con otros artistas. Así ya en 1975 llegaría su primer disco en solitario “Russ Ballard”, al que seguirán otros con relativa frecuencia como “Winning” (1976) o “Russ Ballard  & The Barnet Dogs” (1980). Sin embargo en donde realmente destaca es en una serie de temas que compone para artistas de la talla de Santana con el tema “Winning”, Rainbow con los hits “Since You´ve Been Good” y “I Surrender”, America con “You Can Do Magic” o el tremendo himno del heavy metal de los 80 “On The Rebound” de Uriah Heep. Ya en 1984 con su álbum "Russ Ballard-1984" (1984), logra un éxito significativo con su tema “Voices”, un trabajo repleto de rock adictivo y melódico. Su siguiente obra “The Fire Still Burns”, consolida finalmente su carrera con un repertorio de AOR adictivo con grandes estribillos, melodías pegadizas, ritmos contagiosos y unas composiciones soberbias con destacadas piezas como “Once A Rebel”, “Hey Bernadette”, “Your Time Is Gonna Come” o la irresistible y melódica “The Fire Still Burns”.

Bad English-Bad English (1989)

La década de los ochenta fue muy dada a las superbandas, de hecho en esos diez años se fundaron innumerables formaciones, la mayoría de corto recorrido que dejaron a un lado el ego de sus integrantes para plasmar algunos de los mas recordados discos de la historia del rock. Una de ellas fueron Bad English, formada por el guitarrista Neal Schon, el vocalista John Waite, el teclista Jonathan Cain, el batería Deen Castronovo  y el bajista Ricky Philips, es decir miembros o ex-miembros de míticas bandas como Journey, Reo Speedwagon, Cacophony y The Babys juntos. Ni que decir tiene que viendo el historial de semejante plantel su música estaba enfocada hacia terrenos del mejor rock melódico, con unas composiciones impecables e incuestionables, además como es obvio de un gran nivel técnico por parte de sus componentes.
Este proyecto solo publico dos álbumes en los apenas tres años que estuvieron juntos, ambos de gran calidad, pero fue sin duda el álbum debut “Bad English” (1989), su mejor obra con un inicio deslumbrante gracias a la espectacular “Best Of What I Got”, a la que siguen las irresistibles “Heaven is a 4 Letter Word”, “Price Of Love”, “Ready When You Are”, “When I See You Smile” o “The Ghost In Your Heart”. Con este álbum Bad English dejaron claro el talento de estos cinco músicos y si bien es cierto que a esas alturas de la película no iban a sorprender al mundo con algo que ya no estuviera inventado, si fue un soplo de aire fresco al de por si, algo manido y en parte saturado genero del AOR que no pasaba por su mejor momento, por culpa entre otros motivos del auge de grunge o el resurgimiento del hard progresivo de finales de los ochenta y principios de los noventa.

Al Stewart-Time Passages (1978)

En 1976 Al Stewart dejo su gran aportación al siglo XX con su obra magna “Year Of The Cat”, un álbum en donde el londinense dejaba una exhibición de su talento creando atractivas canciones con un suntuoso envoltorio sonoro fruto de la producción de Alan Parsons. Pero este exitoso y multimillonario álbum dejaba por un lado la incógnita de saber si Al Stewart volvería a repetir tal hazaña o entraría en otra dinámica alejada del misticismo y la temática de esa epopeya musical. La respuesta vino dos años después con el álbum “Time Passages”, en donde incidiendo en relatos históricos y políticos, Al Stewart lograría igualar en términos comerciales, aunque no en las excelencias musicales a su predecesor. “Time Passages” mostraba una diferente visión musical con respecto a “Year Of The Cat”, con un predominio casi total de un sofisticado folk rock con acercamientos al pop sinfónico en algunos momentos, sin duda influenciado por la mano de nuevamente Alan Parsons que volvería a tomar las riendas de la producción.
Para este nuevo álbum Al Stewart junto a Alan Parsons contaría con una de sus piezas fundamentales en los arreglos pomposos de The Alan Parsons Project como es Andrew Powell, además de algunos de los colaboradores habituales de dicho proyecto; Stuart Elliott, Tim Renwick o Phil Kenzie, por otro lado estaban también los “escoltas” frecuentes de Stewart, Peter White y Peter Wood entre otros músicos que conformaban un impresionante elenco de reconocidos instrumentistas.
Todo ello se vería reflejado en un disco repleto de riqueza instrumental, con un rock melódico impregnado de folk, en los cuales tenían cabida elementos del pop y sonidos jazzisticos, mezclados con retazos de sinfonismo. “Time Passages” es un álbum que ya desde la hipnótica portada creada por Hipgnosis nos deja un sabor misterioso a la vez que relajante y que comienza con la canción del mismo titulo del álbum, adictiva y irresistible de cierto carácter melancólico, a la que siguen la alegre “Valentine Way”, la espacial “Life In Dark Water”, la country folk “Almost Lucy”, la sinfónica y épica “The Palace of Versailles”, la melódica “Song On The Radio” o la encantadora “End Of The Day”.

Sebastian Hardie-Four Moments (1975)

Esta banda australiana fue pionera del genero progresivo en su país, y que originalmente se llamaban Sebastian Hardie Blues Band. Fundados en 1967, durante algunos años la banda sufriría diversos cambios de formación hasta bien entrado los setenta cuando se originaria la formación mas clásica formada por el vocalista y guitarrista Mario Millo, el teclista Toivo Pilt, el batería Alex Plavsic y su hermano el bajista Peter Plavsic. En 1975 y bajo el sello Mercury publicaron su álbum debut "Four Moments", ya con el nombre definitivo de Sebastian Hardie. En este álbum debut la banda no oculta sus tremendas influencias de los británicos Yes, con mas predominio de los teclados mellotrón de los que solía utilizar Rick Wakeman. La voces también tiene una gran notoriedad con tonos profundos y potentes. La primera cara del álbum esta enfocada en sonidos muy coloridos con ciertos matices funky y grandes desarrollos instrumentales "Glories Shall Be Released" y "Dawn Of Our Sun", mientras "Journey Throught Our Dreams", es mucho mas atmosférica con unas guitarras sobresalientes y unos frenéticos cambios rítmicos, la bonita instrumental “Rosanna”, es la antesala de "Opening", que cierra el álbum con una excelente interacción entre los cuatro miembros del grupo en una mini suite soberbia de rock progresivo al mas puro estilo de las obras clásicas de los ingleses Camel.
"Four Moments" obtuvo un gran éxito, y el tema "Rosanna", ganó un premio al mejor sencillo instrumental. "Windchase" su siguiente disco fue lanzado en 1976, y ambos álbumes son considerados por los críticos como clásicos del rock progresivo, destacando principalmente el ámbito del genero sinfónico australiano.
Poco después del lanzamiento del segundo álbum, la banda se separó. Millo y Pilt adoptaron el nombre de Windchase y lanzaron un álbum. "Symphinity" en 1977, el cual se mantuvo cerca del sonido de Sebastian Hardie, pero que no encontró el mismo éxito y ni el reconocimiento que el de su banda madre.

Billy Cobham, Steve Khan, Alphonso Johnson, Tom Scott-Alivemutherforya (1978)

En 1975 Billy Cobham había dejado la Atlantic Records para fichar con la Columbia, con esta nueva discográfica, el batería debutaba con el álbum “A Funky Thide Of Sings", en donde colaboraban entre otros músicos John Scofield, Randy Brecker, Michael Brecker o Alex Blake. Este disco obtuvo buenas criticas en los circuitos del jazz rock, sin embargo sus siguientes movimientos fueron intentos continuistas sin demasiada repercusión, y no seria hasta el álbum "Magic" publicado en 1977 cuando lograría su mejor obra para el sello originario de Washington. Poco después la Columbia insto a Cobham a grabar un disco en vivo en los estudios que la discográfica tenia en 30Th Street de Nueva York, el cual se titularía "Alivemutherforya". Este era uno de los mas prestigiosos estudios de la ciudad, pero sin embargo era un lugar extraño para grabar un álbum en vivo. Para la grabación se unieron algunos de los pesos pesados que la Columbia tenia en nomina entre sus artistas de jazz en la época como eran el guitarrista Steve Khan, el bajista y teclados Alphonso Johnson o el saxofonista Tom Scott, curiosamente ninguno de ellos había participado en el álbum "Magic". Después de la grabación de "Alivemutherforya", los ingenieros del sonido se percataron de que había una falta de aplausos significativa, lo que no fue ninguna sorpresa dado que solo una pequeña audición cabía en los citados estudios. Pero a grandes males grandes remedios, y pronto encontraron una solución efectiva, les incluyeron aplausos y el ambiente de algunos directos de la banda Chicago y Laura Nyro. Con un poco de mezcla creativa sonaba como si Cobham, Khan, Johnson y Scott estuvieran tocando delante de una audiencia enorme y agradecida, esto resolvió el problema y el álbum se lanzaría a mediados de 1978.
El resultado de este "improvisado" directo es básicamente un repertorio de temas jazz-funk con bastante electrónica, con destellos del talento de los cuatro músicos y que debido a la variedad y espontaneidad resulto un proyecto muy superior a los trabajos individuales de cada músico en aquella época. Entre lo mas destacado esta la inicial "Anteres", con un trabajo soberbio de Scott al saxofón, la melódica jazz fusión "Shadows", la vigorosa jazz funk rock "Some Punk Funk" o "On A Magic Carpet Ride", un ejercicio de jazz rock abierto a las excelencias de cada miembro del grupo. "Alivemutherforya" fue muy bien recibido por los críticos e incluso se vendería razonablemente bien, pero por debajo de las expectativas de la CBS Columbia, que nunca atribuyo este álbum a la discográfica oficial de Billy Cobham, lo que originaria después de la publicación de un álbum mas, la rescisión del contrato por ambas partes. 

The Rolling Stones-Some Girls (1978)

El final de la década de los setenta se caracterizo por la explosión de nuevos movimientos musicales que movieron a una parte del publico hacia ellos, como la música disco o la new wave. En ese marco The Rolling Stones publicaron uno de los álbumes mas variados de toda su carrera. "Some Girls" venia precedido por una serie de escándalos en los que se vio involucrado su guitarrista Keith Richards un año antes en tierras canadienses al ser acusado por posesión de drogas y para rematar la faena con un posterior affaire con Margaret Trudeau, la esposa del primer ministro canadiense Piere Trudeau. En medio de todos estos escándalos seria Mick Jagger el principal compositor del nuevo disco, en el cual denotan los gustos musicales del cantante en aquellos momentos. Publicado a mediados de 1978, el álbum gira alrededor del súper hit "Miss You", una canción que a ritmo de funky  y blues abre del disco de manera espectacular, sin que por ello deje de sonar típicamente a los Stones. El resto lo componen un repertorio vibrante y excepcional de temas sobresalientes como la rock´n´roll "When The Whip Comes Down", a la que siguen las incendiarias "Lies" y "Respectables", dos de los temas mas duros de toda su discográfica. Pero además también incursionan por los terrenos del soul con "Just My Imagination (Running Away With Me)”, la música country con "Far Away Eyes", o el punk tan de moda en aquellos años con "Shattered", acabando con la balada puramente stoniana "Beast Of Burden", demostrando todo ello que la inteligencia y la creatividad seguían siendo una de las características de la mejor banda de Rock & Roll del planeta. "Some Girls" obtuvo seis discos de platino solo en los Estados Unidos y unas ventas globales que superaron los 8 millones de copias.

Trace-Birds (1975)

Trace fue una banda holandesa oriunda de la ciudad de Haarlem, fundada por el teclista Rick van der Linden en 1974, que durante varios años desarrollarían una interesantísima carrera, publicando varios álbumes de gran rock progresivo. Desde muy joven Rick van der Linden había tomado clases de piano, sin duda influenciado por su padre que también fue pianista. Mas tarde aprendería a tocar el órgano y finalmente ingresaría en el conservatorio de su ciudad. A partir de aquí el joven Rick se enrolaría en diferentes bandas locales tocando en clubs nocturnos. Ya por entonces su estilo se fundamentaba en influencias de teclistas de la talla de Brian Auger o Keith Emerson. En 1974 fundaría Trace junto al bajista Jaap van Eik y al batería Pierre van der Linden, ambos con una amplia experiencia tocando en bandas como Solution, Focus o Living Blues. Con Trace, Rick pudo desarrollar sus propias ideas, con un rock sinfónico dominado por los teclados. Ese mismo año y gracias al sello holandés Philips, publican su primer álbum "Trace", mostrando ya las similitudes de los primeros Emerson, Lake & Palmer.
Tanto en este debut como el siguiente "Birds" (1975), ofrecen un rock sinfónico emocionante muy suntuoso, impulsado por la amplia gama de teclados de Rick (Hammond B3, sintetizadores ARP o Mellotrón), con un estilo principalmente instrumental, en donde los mencionados sonidos de Mellotrón y Hammond suenan majestuosos, apoyado por una sección rítmica poderosa. Una muestra del potencial de esta banda esta en la épica "King-Bird", tema perteneciente a su segundo álbum, un ejercicio progresivo de deslumbrantes ejecuciones de teclados, cambios de ritmos, guitarras eléctricas y una interacción dinámica. "The White Ladies", el tercer y ultimo disco aparecido un año después, evidencio la falta de ideas, pese a concebirse como un álbum conceptual, fue un discreto trabajo continuista sin las excelencias de sus predecesores, que terminaría prematuramente con la aventura de esta formidable banda holandesa.

Mike Bloomfield & Al Kooper-The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper (1969)

Este es un álbum histórico, una de las mágicas veladas de maravillosas jams sessions protagonizada por dos de los mas grandes iconos de la música norteamericana; Al Kooper y Mike Bloomfield. Durante tres noches consecutivas, los dias 26, 27 y 28 de septiembre de 1968, estos dos legendarios músicos recrearon una vez mas la magia que había nacido en el aclamado álbum "Supersession" de unos meses antes.
El lugar elegido para estos conciertos fue el ya por entonces legendario núcleo del movimiento musical californiano, el Fillmore West de San Francisco. Con solo varios días de ensayo, ambos músicos junto con la colaboración del batería Skip Prokop y el bajista John Khan ofrecieron unos conciertos plagados de soberbias interpretaciones de clásicos del blues y del rock, que alternaron con composiciones propias. Durante estos conciertos ocurrió uno de los momentos mas curiosos, a Bloomfield le daría por coger el micrófono y debutar como cantante, nunca antes el mítico guitarrista había tomado ese rol en su ya por entonces dilatada carrera. Sin embargo para la tercera noche Bloomfield faltaría a la cita por estar varias noches de fiesta sin dormir, por lo que Al Kooper tuvo que improvisar reemplazando al guitarrista por unos jovencitos músicos que ya por aquellos días estaban empezando a destacar en el mundo de la música. Esos dos jóvenes eran Carlos Santana y Elvis Bishop (este ultimo, compañero de Bloomfield en la Paul Butterfield Blues Band). El resultado de todo ello fue el poderoso testimonio de la formidable química entre estas leyendas del rock, comenzando por el clásico de Bob Dylan “Highway 61 Revisited”, siguiendo con una gran variedad de melodías incluyendo el tema de Kooper y Bloomfield “Her Holy Modal Highness”, y un repertorio de versiones como “The 59th Street Bridge Song (Feelin´Groovy)” de Paul Simon, el clásico de Elvis Presley “That´s All Right”, “The Weight” de The Band, “Green Onions” de Booker T. y los MG´s o “Don´t Throw Love on Me So Strong” de Albert King.
Estos conciertos fueron tan aclamados e importantes que tuvieron que repetir las actuaciones en un intenso tour por diferentes ciudades de Norteamérica, concluyendo la gira en el otro recinto emblemático de la época, el Fillmore East de Nueva York los días 12 y 13 de diciembre del mismo año. Para estos últimos dos conciertos contaron además con la participación de Johnny Winter en el tema de B.B.King “It´s My Own Fault”, que lo interpreto a dúo con Mike Bloomfield y que muchos años después se recuperarían cuando se encontraron las cintas originales publicándolas como “The Lost Concert Tapes”. A partir de aquí la carrera de ambos es bien conocida por todos, Al Kooper seguirá como productor y músico colaborador para grandes como The Who, The Rolling Stones, Jimi Hendrix, Blood, Sweat and Tears, Bob Diddley, The Tubes, Roger McGuinn o Neil Diamond entre otros muchos, además de ser el responsable de descubrir a los legendarios Lynyrd Skynyrd. Por su parte Mike Bloomfield seguirá con una carrera fructífera, hasta su fallecimiento en 1981 aportando su magia con las seis cuerdas en álbumes propios y ajenos, colaborando en discos de Janis Joplin o Muddy Waters, o publicando los meritorios “If You Love These Blues, Play ´Em As You Please” (1976) o “Between A Hard Place and the Ground” (1979), dejando su legado a la leyenda que lo ha convertido en uno de los grandes guitarristas de la historia del rock.

The Blues Project-Reunion In Central Park (1973)

En 1973 The Blues Project volverían a reunirse después de seis años sin haber tocado juntos. Ocurrió en el marco del Schaffer Festival celebrado en el Central Park de Nueva York. The Blues Project se habían formado nueve años antes en la ciudad de los rascacielos por los guitarristas Steve Katz y Danny Kalb, junto al batería Roy Blumenfeld, el bajista Andy Kulberg y el cantante Tommy Flanders. Ya en el año 1965 se les uniría Al Kooper que llegaría a tiempo para la grabación del primer álbum “Live At The Cafe Au Go Go" (1966). A partir de aquí la banda recorre gran parte de los Estados Unidos en un tour exitoso, para posteriormente lanzar su segundo álbum “Projections”. Después de este disco empiezan las deserciones, el primero de ellos Al Kooper al que seguirán otros miembros, pese a ello el resto publicaron dos nuevos trabajos, “Live At Town Hall” (1967) y “Planned Obsolescence” (1968). Después de este ultimo disco hay una desbandada general, hasta que en 1970 algunos de sus antiguos componentes como el bajista Don Kretmar, junto al guitarrista Kalb y el batería Blumenfeld se unen al guitarrista Bill Lussenden y al teclista Gabriel Mekler y reactivan The Blues Project publicando los discos “Lazarus” (1971) y “Blues Project” (1972).
Ya en 1973, en el citado Festival de Schaffler se logra reunir a los miembros originales de la banda menos el cantante Flanders. En una actuación memorable e histórica, la banda interpreto un excelente repertorio de blues, rock y country,  como la versiones de los clásicos del blues “Louisiana Blues” de Muddy Waters y  “Caress Me Baby” de Jimmy Reed, las country “Steves Song” y “Fly Away”, la folk melódica “Catch The Wind”, la jam blues “Wake Me, Shake Me” o el soberbio e hipnótico blues “Two Trains Running”.

Aum-Bluesvibes (1969)

Aum fueron una banda de blues rock psicodélico que surgieron en la efervescente época del sonido del flower power en San Francisco y que apenas tuvieron recorrido publicando dos interesantes álbumes de gran blues rock. Corría el año 1968 y el guitarrista y voz principal Wayne Ceballos fundaría Aum junto a Kenneth Newell al bajo y al batería Larry Martin. Ellos consiguieron que el productor y dueño del mítico Fillmore West, Bill Graham les contratara para actuar de teloneros en su local para bandas como los Creedence Clearwater Revival entre otras. Su estilo empapado de los sonidos tradicionales del incipiente movimiento hippie de San Francisco, estaba influenciado por el blues con mezclas de gospel y la psicodelia imperante. Pronto destacarían gracias a sus interesantes directos donde incluían las típicas jams con sus poderosos blues rock, lo que llamaría la atención del sello Sire Records, una subdivisión de la Polydor que les propone grabar un álbum. En este primer disco titulado "Bluesvibes", la banda muestra su perfecta sintonía con el blues de influencias de la costa oeste y de entrada enseñan sus credenciales; una gran guitarra, secundada por una sección rítmica solida y una buena armónica con un repertorio cargado de sentimiento y de gran instrumentación. Este debut empezaba con una fantástica versión del clásico "Tobbaco Road", sin embargo son con los temas de su propia cosecha en donde realmente destacan, como el  blues acelerado "You Can´t Hide", el soul blues "Chilli Woman" o los cadenciosos "A Little Help From You" y "Movin Man". Ese mismo año de 1969 publicarían un segundo álbum "Resurrection", con sonidos mas duros pero siempre enfocados hacia el blues para posteriormente y con apenas dos años de carrera, desaparecer de la escena musical para siempre.

Zomby Woof-Rinding On A Tear (1977)

Zomby Woof fue una banda alemana de rock sinfónico que tomo el nombre de una canción de Frank Zappa and The Mothers de su álbum “Overnite Sensation”. Esta banda se fundo en 1971 en torno a los guitarristas Henrich Winter y Udo Kreuss junto al bajista Frank Keinath y al batería Thomas Moritz. Después de una serie de cambios de formación entrarían los teclistas Matthias Seelman y Matthias Zumboich, lo que les supondría un cambio de sonido sustancial muy influenciados por el estilo sinfónico de Procol Harum. En 1974 la banda actuaría junto a las ya consagradas Kraan, Birth Control y Embryo durante el festival Hayinger. Después de cierto tiempo intentando conseguir un sello discográfico que les publicara su primer álbum, la discográfica alemana Jupiter acepto a la banda y entraron en los estudios Olympia Music de Múnich. Allí encontraron un Mellotrón que luego utilizarían en la grabación de su primer disco de manera intensa.
Finalmente en el otoño de 1977 el LP  “Rinding On A Tear” fue lanzado por Jupiter y distribuido por BMG Ariola a nivel nacional. Se estima que eventualmente las ventas subieron a 5000 copias, una asombrosa cifra para un grupo desconocido y con apenas promoción por parte de la discográfica. Este primer y único álbum contiene un sonido sinfónico absolutamente impresionante, un trabajo soberbio por parte de una banda consumada plenamente. Desde las melodías bien desarrolladas, hasta las ricas interacciones de órgano, bajo y solidas voces con un ingles correcto. El excelente desarrollo instrumental que Zomby Woof ofrece en este álbum los asemeja entre los sonidos sinfónicos de Nektar y el hard rock progresivo de Eloy. “Rinding On A Tear” esta considerado por muchos críticos como uno de los mejores trabajos del rock sinfónico alemán.

Poco-Crazy Eyes (1973)

Poco fueron una banda esencial dentro del country rock, sin embargo su legado a quedado algo oscurecido por el enorme éxito comercial de sus coetáneos The Eagles, que si bien es cierto que nunca tuvieron el impacto mediático de los álbumes de estos últimos, su altísimo nivel la ha convertido en una de las indispensables en la historia del rock.
Poco surgió de las cenizas de otra de las legendarias bandas norteamericanas como fueron Buffalo Springfield, ya que dos de sus componentes; Richie Furay y Jim Messina con el añadido del batería George Grantham, el bajista Randy Meisner y el guitarrista Rusty Young fundaron esta banda en 1968. Una constante de Poco seria los continuos cambios de formación, Meisner abandonaría la banda antes de lanzar el primer álbum, “Pickin´Up The Pieces" en 1969 mientras Messina haría lo mismo después de grabar el disco en vivo “Deliverin” en 1970. Posteriormente Meisner ingresaría en The Eagles y Messina haría lo propio en el dúo Loggins and Messina. Sus puestos serian ocupados por el bajista Timothy B.Schmit (curiosamente B.Schmit sustituiría a Meisner en The Eagles años después) y el guitarrista Paul Cotton.
En 1972 Poco publicarían su quinto álbum “Crazy Eyes” y aunque ya el disco “Deliverin” fue el que había consagrado definitivamente a Poco, este “Crazy Eyes” seria su espaldarazo definitivo con un maravilloso trabajo que contiene todos los elementos imprescindibles para permanecer en el tiempo. Una obra repleta de canciones memorables y gloriosas, ocho cortes que se convirtieron en clásicos absolutos del grupo en donde la banda coquetea con diferentes matices musicales.
Desde el country “Blue Water”, hasta la instrumental “Fool´s Good”, pasando por “A Right Along”, un esplendido rock directo, mientras la country rock “Let´s Dance Tonight”, es la antesala de lo que The Eagles harían algún tiempo después, que junto a las restantes “Brass Buttons” y “Magnolia”, conforman un disco perfecto y tremendamente adictivo y toda una obra maestra del country rock.

Patrick O´Hearn-Rivers Gonna Rise (1988)

Tras haber pertenecido a algunas de las mas importantes bandas del jazz rock y fusión, además de otros proyectos entre las que se encuentran la banda de Frank Zappa, Group 87 con Mark Isham o Missing Persons con Terry Bozzio, Patrick O'Hearn, combinó esa faceta, como músico de sesión, especialmente en el mundo del jazz antes de comenzar una brillante carrera en solitario. Sus colaboraciones en el mundo del jazz le llevaría a tocar el bajo con algunos de los grandes del genero como Joe Pass, Eddie Henderson, Dexter Gordon, Charles Lloyd o Joe Henderson.
A mediados de los ochenta firma por el sello Private, con el cual comenzaría a publicar diferentes trabajos en donde demostró ser un músico que creaba grandes atmósferas y ritmos precisos en contrapartida a la improvisación jazzística que que ya tenia tras de si con su dilatada experiencia y con la que había crecido profesionalmente.
Tras publicar su primer disco "Ancient Dreams", de ambientes oscuros y ritmos alegres, lanzo "Between Two Worlds", una obra que era más completa que su antecesor, hasta que en 1988 publicó su mejor álbum, el inmenso "Rivers Gonna Rise".
En “Rivers Gonna Rise”, O´Hearn fusiona las percusiones electrónicas y acústicas con los teclados y un énfasis en el bajo eléctrico, que junto a la ayuda de miembros de sus ex bandas como Terry Bozzio, Mark Isham, Peter Maunu y Warren Cucurullo, crea una experiencia inolvidable de ricos matices sonoros gracias a su frescura y homogeneidad con un disco clásico en el género de la nueva era.
Una obra que contiene memorables melodías como la contagiosa “Homeward Bound”, la soberbia “April Fool”, utilizada hasta la saciedad en las sintonías televisivas o las emisoras de radio, y que junto con las destacadísimas “The Stroll”, “Acadia” o “Forgivness”, completaban uno de los mas fantásticos y exitosos discos de la new age de los ochenta.

Windchase-Symphinity (1977)

Windchase fue una banda creada a mediados de los setenta por ex integrantes de la una formación llamada Sebastian Hardie, una de las pioneras del prog sinfónico de Australia. Estos miembros fueron Mario Millo (guitarra y voz) y Toivo Pilt (teclados).  
Mientras Sebastian Hardie practicaban un estilo mas enfocado hacia los sonidos mas melódicos del rock progresivo con muchos pasajes orquestados y clásicos, Windchase por su parte tomo prestados  sonidos mas preciosistas con melodías líricas, un gran énfasis musical, guitarras y teclados bucólicos, mezcla de secuencias cantadas e instrumentales y unas letras mas alegres y despreocupadas.
El único álbum de Windchase fue publicado en 1977, en donde las influencias del guitarrista Mario Millo son mucho mas diversas, con ecos del jazz rock de Steve Morse, el sonido arabesco de Carlos Santana y el clasicismo de Steve Howe, mientras el teclista amplia igualmente sus horizontes con mucho mas protagonismo con el órgano Hammond. “Horseman to Symphinity”, es un ejercicio progresivo de cerca de nueve minutos con una gran interacción entre los solos de guitarras y el respaldo de los sonidos de órgano y una voces que recuerdan por momentos los timbres de John Wetton.
En “No Scruples”, el ritmo frenético se adueña con solos de sintetizador y riffs contundentes, la funk y contagiosa “Lamb´s Fry”, se acerca al jazz progresivo, mientras “Flight Call”, es un ejercicio de pop sinfónico exuberante muy refinado.