Moving Gelatine Plates-Moving Gelatine Plates (1971)

Moving Gelatine Plates fue una banda francesa de efímera duración formada por Gérard Bertram (guitarrista) y Didier Thibault (bajista) a finales de los años 60, los cuales tenían un gran interés por el jazz rock. Con la posterior incorporación del baterista Gérard Pons y el organista e instrumentos de viento Maurice Hemlinger, lograron que el sello CBS les financiara su primer álbum en 1971.

En este debut esta banda demostraría que no era necesario ser británico para tocar el estilo Canterbury, y ciertamente aquí mostraron sus fuertes influencias de los icónicos Soft Mahine y Caravan, unido al vanguardismo de The Mothers of Invention de Frank Zappa.

Sin embargo Moving Gelatine Plates evitaron las inclinaciones políticas que eran muy comunes en las bandas galas de principios de los 70, debido fundamentalmente al movimiento estudiantil anarquista que había comenzado en Mayo de 1968.

Musicalmente es un álbum que esta repleto de grandes composiciones melódicas muy sofisticadas de jazz rock y jazz fusión.

Su inventivo estilo es una fascinante interacción de rock con toques de jazz, interludios vocales, grandes instrumentaciones de flauta, saxo y trompetas y una sutil pero abrasiva guitarra eléctrica.

Las cinco pistas que contiene este álbum debut son todas ellas muy destacadas, pero son sin duda el improvisado jazz rock "Gelatine" y la vigorosa y enérgica epopeya "Last Song", los momentos culminantes de esta magnifica obra.

Chuck Berry-The Anthology (2000)

Chuck Berry es uno de los grandes pioneros del rock and roll, fue tan influyente como Elvis Presley o The Beatles, además de uno de los mejores compositores que ha conocido el estilo y pieza fundamental en la historia de la música rock.
Chuck Berry comenzó su larga carrera como compositor y guitarrista de rock and roll a mediados los años 50. Este legendario artista, compuso innumerables canciones que con el paso del tiempo se han convertido en clásicos del genero, como "Roll over Beethoven", "Johnny B. Goode", "Rock and roll music", "School day", "Carol", "Sweet little sixteen", "Memphis Tennessee", "Reelin' and rockin", "Around and around", "Little Queenie" o "Too much monkey business". Bandas como The Beatles y los Rolling Stones entre otros muchísimos, han hecho versiones de sus canciones hasta la saciedad. La canción "Roll Over Bethoven" llegó al puesto 29 de las listas, pero el disco de oro por esta canción se lo llevaron los Beatles en 1965. Chuck Berry influyó en músicos como Ritchie Valens, Bill Haley, Little Richard o Buddy Holly entre otros muchos. El creó el famoso "Duck walk" (paso del pato). Según cuenta la leyenda, un día llegó al concierto sin tiempo para cambiarse y para que nadie se diese cuenta de que tenía la ropa arrugada Berry empezó a moverse por el escenario como si fuera un pato. En 1972 su canción "My ding-a-ling", llegó a ser número uno en las listas de EEUU y Gran Bretaña. Entre los músicos que han pertenecido a las bandas que llegaron a telonearlo figuraban Bruce Springeteen o Steve Miller. Su música ha llegado hasta el espacio. En 1979 cuando la NASA mandó la sonda "Voyager" al espacio, dentro llevaba una cinta de música, como muestra de la civilización humana. Esa cinta contenía, además de la "Novena Sinfonia" de Bethoven y "La flauta mágica" de Mozart, la canción "Go, Johnny, Go, Go" de Chuck Berry. El músico ha ganado numerosos premios, entre ellos el Grammy que le dieron en 1984 por toda su trayectoria artística. Además, forma parte de dos Salones de la Fama: el de la música rock y el de los compositores. Sus riffs de guitarra han sido imitados hasta la saciedad por todos los guitarristas del rock. Su carrera artística fue de las mas longevas de la música rock, estando activo desde 1953 hasta el 2017, el año de su muerte.
En el año 2000 el sello Chess Records lanzaría el doble recopilatorio “Anthology” en donde se recoge 50 de sus mejores canciones, casi todas ellas clásicas del genero y piezas fundamentales de la historia del rock.

Steve Hillage-L (1976)

El segundo registro del ex-guitarrista de Gong, Steve Hillage, "L", tuvo como productor al prestigioso Todd Rundgren y como banda de apoyo a sus propios Utopia, por lo que no es de extrañar que detrás de todo ello este el estilo inconfundible del multiinstrumentista y productor originario de Pensilvania.

Los músicos que grabaron este fantástico álbum fueron la habitual Miquette Giraudy (voz y sintetizadores), Roger Powell (teclados), Don Cherry (trompeta, campanas tibetanas y voz), John Wilcos (batería), Kasim Sulton (bajo), Larry Karush (tabla hindú) y los guitarristas Steve Hillage y el propio Todd Rundgren.

Piezas progresivas como la impresionante "Lunar Musick Suite", doce esplendidos minutos de estimulantes sintetizadores, unas sombrías guitarras y una atmósfera de hostigamiento instrumental, se convierte en el punto culminante de esta obra.

En otros momentos memorables aparece la exótica oriental "Om Nama Shivaya", que cubierta de múltiples capas guitarrísticas pone la nota de color, sin dejar de mencionar las excelentes "Hurdy Gurdy Man" y "It´s All Too Much", ambas con un gran despliegue de solos de guitarras y una gran interacción entre todos los instrumentos, mientras la rock melódica "Electric Gypsies" y la espacial "Hurdy Gurdy Glissando", muestran el rico estilo ecléctico de Hillage en un trabajo realmente sublime y sorprendente.

Grand Funk Railroad-On Time (1969)

Grand Funk Railroad surgieron de las cenizas de una banda local de la ciudad de Flint en Michigan, llamada Terry Knight & The Pack, a la cual pertenecían el guitarrista Mark Farner, el baterista Donald Brewer y el cantante Terry Knight.

En 1968 Farner y Brewer reclutaron al bajista Mel Schacher, quedando así conformada la primera alineación de este power trío, mientras que Terry Knight pasaría a ocupar el puesto de manager.

El propio Knight lograría que la banda actuara en el prestigioso Festival Pop de Atlanta de mediados de 1969, cosechando un abrumador éxito que les valdría fichar por el sello Capitol Records.

Poco después debutan discográficamente con su primer álbum titulado "On Time", en el cual muestran soberbiamente sus cartas credenciales con un vigoroso y contundente estilo de hard rock con ramalazos de blues y soul.

Compuesto por diez canciones, algunas de ellas con extensos desarrollos instrumentales como "Into the Sun", "Heartbreaker" o "T.N.U.C", melódicos y dinámicos cortes de hard rock "Are You Ready?", intensos blues rock "Time Machine" o acercamientos a la psicodelia imperante en aquella época con las frenéticas "Anybody´s Answer" y "High on a Horse".

Un top ten en las listas de Billboard y más de un millón de copias en ventas, conformaron uno de los mejores debut de la música del rock de finales de los sesenta.

Jeff Wayne-The War Of The Worlds (1978)

La inmortal obra de H.G. Wells La Guerra de los Mundos es un hito en la literatura de ciencia ficción, ya que fue el primer libro en abordar el tema de una invasión extraterrestre a la Tierra, temática que sería explotada hasta la saciedad en otras novelas y cuentos del género así como en el cine con sus múltiples variaciones. En general La Guerra de los Mundos ha servido de espejo para mostrar el temor de diferentes generaciones; desde su adaptación fílmica de 1953 (la guerra fría) hasta la versión 2005 de Steven Spielberg (el terrorismo). Incluso la sensacional versión de radio de 1938 orquestada por Orson Welles sirvió para explotar el miedo de los americanos en la época previa a la Segunda Guerra Mundial (y la paranoia sobre una posible invasión nazi). Es una obra que está marcada por un nivel de excelencia infrecuente en todas sus adaptaciones: siempre hechas por artistas geniales, siempre haciendo historia. Y hoy es el turno de hablar de una adaptación muy popular en su tiempo (1978), pero que con el paso de los años ha quedado en el olvido al menos en el mundo de habla hispana, ( que no en el mundo anglosajón, donde sigue siendo un clásico, cosechando mucho éxito tanto en literatura como en la version musical ). Me refiero a la versión musical de Jeff Wayne. He aquí la historia del album: Jeffrey "Jeff" Wayne nació en Norteamérica pero se crio en Inglaterra. Su padre Jerry era actor, compositor y productor teatral, actividades que terminaron por influir en el joven Jeff. Ya en 1966 colaboraría con su padre en la versión musical de Historia de Dos Ciudades, la obra clásica de Charles Dickens. Y pronto se volcaría como productor musical, participando en el album Rock On de David Essex. En esos años comenzaría a experimentar con el rock sinfónico. Alternando entre la producción musical, y la composición de jingles publicitarios, a mediados de los 70 Jeff y su padre se dedicaron a la tarea de montar una dramatización musical de una obra literaria conocida. Las alternativas iban desde dramas griegos hasta novelas como la de Aldous Huxley Brave New World, o incluso la base literaria del film de ciencia ficción The Day of The Triffids de John Wyndham. Fue Doreen Wayne (la madre de Jerry) quien, husmeando en una librería, se le ocurrió pensar en la más grande historia de ciencia ficción jamás contada. Y era, por supuesto, La Guerra de los Mundos de Wells. Los Wayne llegaron a un arreglo con los familiares del hermano de H.G Wells (que era los únicos herederos y poseedores de los derechos de autor), quienes le dieron el visto bueno. Doreen Wayne sería quien se encargaría de los primeros pasos de la adaptación de la obra, y Jerry Wayne haría de editor del libreto, trabajando sobre los puntos que había destacado Jeff. Mientras éste se dedicaba a contactar a ejecutivos de la CBS en Inglaterra, en especial Dick Asher, quien sería el que les brindara el apoyo total durante los tres años que duró el proceso de elaboración de la obra. Inicialmente presupuestada en un costo de 34.000 libras esterlinas, con el paso del tiempo el proyecto crecería ... y los costos también, hasta llegar a la cifra de 240.000 libras. Incluso hubo cambios en el formato; debido a las dimensiones de la obra, pasó a ser un album doble. Pero los resultados sobrepasaron las expectativas, y cuando el album fue lanzado en 1978, superó el millón de ejemplares en sólo 6 semanas. Permaneció en los charts por más de 6 años y se convirtió en la banda de sonido más vendida en el Reino Unido, llegándose a vender mas de diez millones de copias en total, a pesar de que no fuera el soundtrack de un film ni se tratara de una opera rock puesta en escena en ese momento. Recientemente en el 2004 firmaría un acuerdo con la Paramount, quien le proveería numerosas escenas animadas en CGI y montaría un espectáculo musical itinerante, obra que continúa en cartel hasta el presente año. La versión original de Jeff Wayne contaba con un elenco de artistas y músicos consagrados dentro del mundo del rock como Richard Burton como narrador y protagonista de la obra; como músicos la participación de Justin Hayward vocales y guitarra (de The Moody Blues), Phil Lynott en vocales y bajo ( Thin Lizzy ), David Essex en las voces, Ray Cooper en las percusiones, Barry Morgan en la batería, Chris Spedding y Jo Partridge a las guitarras, Herbie Flowers al bajo, y Chris Thompson (Manfred Mann) a los teclados, entre otros músicos. A su vez el album contaba con numerosas ilustraciones de Peter Goodfellow, Geoff Taylor y Michael Trim que servían para seguir el avance de la historia. El álbum sigue con absoluta fidelidad a la obra de Wells; ambientada en la Inglaterra Victoriana del Siglo XIX, tanto el narrador como los protagonistas recrean las escenas más importantes de la novela. Desde el aterrizaje marciano hasta los primeros encuentros entre la artillería y los invasores; la desesperación y locura de los pobladores, entre los que se encuentra un artillero que planea atacar a los alienígenas emergiendo desde debajo de la tierra; el éxodo de la población y el ataque al carguero Thunder Child que transporta a los exiliados... Wayne incluso incorpora cierta personalidad musical a los invasores, ya que los mismos aúllan un grito de guerra (el famoso Ulla !) que les da protagonismo en la obra. Y, jugando con los hechos de la época, aporta un epílogo en donde la misión Viking a Marte (que data de aquellos años) se posa en el planeta rojo... y la comunicación es interrumpida. Musicalmente el sonido se orientaba claramente hacia el rock sinfónico épico, Varios de los temas escalaron posiciones individualmente en los charts, en especial "Thunder Child","The Spirit of Man" y "Forever Autumn", siendo esta última el single más exitoso del álbum. A su vez la repercusión a nivel internacional no se hizo esperar, y surgieron versiones en alemán (con Curt Jurgens) y en español (con Teófilo Martinez) como los narradores centrales. Jeff Wayne´s War of the Worlds es una obra excepcional; tiene cierto sabor a serial radial, donde la música y la narración dejan volar la imaginación; y se trata además, de la producción más fiel a la obra de H. G. Wells hasta el momento. Hay una gran cantidad de momentos musicales "pegadizos", y tiene una construcción épica privilegiada. Pero de algún modo el éxito descomunal de la obra terminarían por opacar al mismo Wayne. Su producción musical continuó pero con mayores intervalos, y sólo hubo un intento de generar una nueva obra a gran escala con la versión musical de Spartacus pero sin alcanzar el impacto de este album. Y actualmente se encuentra dedicado a la puesta en escena itinerantemente durante todo el pasado año y parte de este. 

Alejandro Franco

The Ramones

Marc Bell, nombre verdadero de Marky Ramone, es, junto a Thomas Erdélyi (Tommy Ramone), el único de la ficticia familia Ramone de su formación original que aún vive. Para ser justos, sólo Tommy es el único miembro fundador con vida, tras el fallecimiento del cantante Joey Ramone en 2001, del bajista Dee Dee Ramone en 2002 y del guitarra Johnny Ramone en 2004. Marky entró a formar parte de este proyecto, germen del punk rock antes de que Malcom Mclaren se inventase a los Sex Pistols, tras abandonar a Richard Helle y sus Voidoids, para sustituir a Tommy, primer batería y productor del grupo, que participó de la percusión en los tres primeros discos registrados por el grupo de Queens, y en la práctica los tres más completos y compactos de su historia: "Ramones" (1976), "Leave home" (1977) y "Rocket to Russia" (1977). Su primera aportación al universo Ramone sería en la grabación del cuarto disco, "Road to ruin" (1978), un trabajo de menor octanaje que los anteriores y en el que se intuía el fin de una etapa. En él aparecían temas como "I just want to have swomething to do", "Needles & Pins" o "I wanna be sedated o She's the one". Marky dejaría su sello en posteriores como "End of century" (1980), "Pleasant dreams" (1982) y "Subterranean jungle" (1983). Saldría del grupo a finales de 1982 para regresar de nuevo cinco años más tarde y hasta el fin definitivo de la historia en 1996. Su batería sonó otra vez con fuerza en "Brain drain" (1989). En la práctica, ha sido quien ha asumido el rol de defender el legado de la banda en los últimos años al tiempo que se ha multiplicado en proyectos como Marky Ramone & The Intruders, Speedy Kings y The Misfits, entre otros. 

Chris Spheeris & Paul Voudouris-Enchantment (1990)

A finales de los ochenta y principios de los noventa la música new age vivía su mejor época, cientos de artistas competían y rivalizaban al mismo nivel que las rutilantes estrellas del pop y el rock y muchos de ellos incluso les desafiaban en las listas de éxitos.
Uno de los álbumes que lograron un éxito arrollador fue “Enchantment”, el quinto de los músicos norteamericanos de ascendencia griega, Chris Spheeris y Paul Voudouris.
“Enchantment” supuso un hito sin precedentes en las llamadas nuevas músicas, logrando vender cientos de miles de discos, algo poco usual en este genero musical
Este dúo ya había firmado una serie de álbumes orientados al folk pop como “Spheeris and Voudouris” o “Points Of View”, ambos de finales de lo setenta, o trabajos mas orientados a la musical ambiental como “Primal Trech Music” de 1982.
A partir de este ultimo cada músico siguió su propia carrera en solitario, hasta que a finales de los ochenta se reunirían para la grabación de este trabajo, el cual se convertiría en una de las obras maestras del genero.
Musicalmente “Enchantment” esta repleto de contagiosas melodías con una gran misticismo, unos sonidos cálidos y mediterráneos, en donde diferentes culturas musicales de distintos países se fusionan para crear una obra elegante y al mismo tiempo sorprendente.

Grand Funk-Phoenix (1972)

En 1972 Grand Funk Railroad se encontraba en la encrucijada de seguir mostrando su potente y directo hard rock o desviarse hacia los sonidos más versátiles y accesibles incorporando los teclados para obtener unos matices comerciales, sin dejar de lado su musculoso rock.

Con la inclusión del teclista Craig Frost, publicaron el álbum "Phoenix", un trabajo en donde incluso aparecen sutiles toques progresivos como queda patente en la inicial "Fight Of The Phoenix".

Además de ello, en esta nueva entrega acortaron su nombre por el de Grand Funk, aunque de manera provisional, prescindiendo igualmente de su manager y productor Terry Knight.

Sin embargo este nuevo álbum también denota cierta falta de frescura creativa por parte de su guitarrista y líder Mark Farner, pese a que sigue mostrando su cara más electrizante y enérgica.

Cortes como la semi progresiva "Trying To Get Away", la psicodélica "Rain Keeps Fallin´", la boogie blues "I Just Gotta Know", la hipnótica "Freedom Is For Children" o la pegadiza "Rock and Roll Soul", demostraron que la banda aun tenia el suficiente crédito para seguir avanzando musicalmente.

Pese a que comercialmente “Phoenix” no superaría a sus predecesores, si lograron un séptimo puesto en el Billboard y un disco de oro en los mercados norteamericanos y canadienses.

Giles, Giles & Fripp-The Cheerful Insanity Of Giles, Giles & Fripp Music (1968)

Estamos ante un álbum histórico, y no precisamente por sus excelencias musicales, si no mas bien por que en medio de la época mas esplendorosa de la psicodelia aparecen tres de los futuros miembros de una de las mas grandes bandas de la historia como fueron King Crimson, creando un álbum muy alejado de lo que un año mas tarde se consideraría el inicio del rock progresivo con el primer y antológico registro de la Corte de Carmesi.

Sin embargo y observando desde la distancia que dan mas de 50 años, aquí se aprecia algo mas profundo que la simplicidad de las canciones incluidas, unas canciones orientadas hacia las psicodélica pastoral, de estructura simple y extraña con un concepto ciertamente absurdo y pueril.

En el podemos encontrar atisbos de los elementos que serian fundamentales en los futuros King Crimson, como las ejecuciones del baterista Michael Giles, y la fenomenal guitarra y mellotrón de Robert Fripp. 

Esas características están presentes en varios cortes como "Suite No. 1" y "Erudite Eyes", la primera una instrumental sosegada con una gran intro de Robert Fripp y la segunda una enérgica experimentación intrigante de jazz psicodélico.

Con ambas, pese a que no aclaran fehacientemente el camino que pronto seguirían con su siguiente formación, si muestran de alguna manera su etapa temprana y como tal podemos considerarlo como un claro preestreno de la legendaria formación británica.

Led Zeppelin-Live O2 Arena (2007)

Y por fin llego la hora y el día mas esperado, Led Zeppelin se reunirían de nuevo en los escenarios 19 años después de su última aparición en publico, ante un auditorio repleto de miles de fans en el 02 Arena de Londres. y no defraudaron. Los 18.000 afortunados en conseguir una entrada escucharon con devoción la voz desgarradora de Robert Plant, los riff´s únicos de la guitarra de Jimmy Page, a un John Paul Jones en plena forma con el bajo y los teclados, y en el lugar de John Bonham a la batería, su hijo Jason, que estuvo sencillamente genial. Con muchos más años encima y lejos del look de los años 70, pero con la misma calidad y contundencia, Led Zeppelin rubricó con sobresaliente una noche magistral y apoteósica. Un concierto que duro alrededor de los 90 minutos, con una espectacular "Good Times Bad Times", elegida para abrir la velada. Led Zeppelin demostraron por que es la mejor banda de hard rock de todos los tiempos, el misticismo de las letras de sus canciones y sus influencias de rock blues y folk, hicieron que los miles de fans corearan todos los temas, muchos de ellos ya clásicos de rock´n´roll. El Auditorio entero vibró con temas como "Since I've Been Loving You", "Black Dog", la aclamada "Stairway To Heaven" (la cual supuso el momento más memorable de la noche), la progresiva y épica "Kashmir" y un largo recorrido con algunos de sus grandes temas, que no hacían mas que entusiasmar a los fans según transcurría la noche. Aclamados por las exigencias del público, la banda tuvo que volver a salir al escenario dos veces más después de haber terminado, en dos bises, interpretando entre otras "Whole Lotta Love", dando por finalizado de esta manera, una de las noches mas memorables que haya dado el mundo del rock en los últimos años.

Blonde On Blonde-Contrasts (1969)

Tomando prestado el titulo del álbum de Bob Dylan de 1966, Blonde on Blonde fueron una banda psicodélica formada en 1967 en Newport por el guitarrista Gareth Johnson, el bajista Richard Hopkins y el baterista Les Hicks.

Algún tiempo más tarde se les unirían los guitarristas y voces Ralph Denyer y Simón Lawrence.

En 1968 se trasladan a Inglaterra y logran grabar varios singles de merito bajo el sello británico Pye Records.

Ese mismo año grabarían su primer larga duración, este "Contrasts" en donde muestran sus influencias psicodélicas fusionadas con otros estilos como el blues, el folk y el hard rock.

En este debut nos encontramos canciones que van desde el pop rock psicodélico británico "Ride With Captain Max", hasta acercamientos a los sonidos orientales "Spinning Wheel", el folk "Regency" y "Island on a Island", pasando por el blues rock "I Need My Friend" o acercamientos al blues progresivo con la elaborada "Mother Earth".

En los siguientes dos años la banda lanzaría dos nuevos trabajos "Rebirth" y "Reflections On A Life", que pese a una incuestionable calidad, pasarían totalmente desapercibidos abocando con ello, la desaparición de esta excelente formación norteamericana.

Great White-...Twice Shy (1989)

Great White son una de las grandes bandas norteamericanas de la década de los ochenta del hard rock, que son tan recordados por una serie de soberbios álbumes que saborearon las miles del éxito, como igualmente por uno de los hechos más lamentables en la historia del rock.

Surgidos en California a finales de los setenta, en sus inicios fueron enmarcados en el movimiento del hair metal tan de moda en los años ochenta.

Sin embargo su primer álbum no llegaría hasta 1984, con su homónimo debut en donde se orientaban hacia derroteros del heavy metal clásico.

Un cambio de compañía y de integrantes, traería consigo un segundo álbum "Shot In The Dark" (1986), en el cual mostraban sus raíces blues y sus evidentes influencias zeppelianas.

El siguiente y exitoso "Once Bitten" (1987), fue la confirmación de su irresistible estilo de hard blues rock, logrando confeccionar un memorable disco que alcanzo vender el millón de copias en los Estados Unidos.

Pero seria con su cuarto lanzamiento "...Twice Shy" (1989), cuando explotan definitivamente confeccionado un magistral ejercicio de soberbio hard rock con influencias sureñas y blues.

Con un repertorio tan brillante como apoteósico, aquí aparecen canciones como la vigorosa "Move It", la sureña "Heart The Hunter", la acelerada heavy rock "Baby´s On Fire", la bluesy "House Of Broken Love", la pegadiza versión de Ian Hunter "Once Bitten, Twice Shy", o la bellísima balada "The Angel Song".

Un noveno puesto en el Billboard y más de dos millones de copias vendidas avalaron esta obra maestra.

Algunos años después, concretamente en el 2003, durante uno de sus conciertos ofrecidos en Rhode Island, un desafortunado incidente dio lugar a un pavoroso incendio que se cobraría la vida de cien personas, incluido el guitarrista de la banda Try Longley, además de otras tantas heridas de gravedad, constituyendo este lamentable hecho, en una de las paginas oscuras de la música contemporánea.

Kansas-In The Spirit Of Things (1988)

En 1988 Kansas volvían a publicar un nuevo álbum, el que seria su undécimo trabajo y por primera vez en toda su carrera creado como disco conceptual.
Repitiendo la misma formación del anterior “Power”, con los nuevos integrantes Steve Morse y Billy Greer, el resto lo cerraban los fundadores Steve Walsh, Rich Williams y Phil Ehart, que junto a los fugados Kerry Livgren, Dave Hope y Robby Steinhardt, habían conformado la alineación mas exitosa de la banda durante la década de los 70.
Para la producción de este “In The Spirit Of Things”, la banda había recurrido al celebre productor Bob Ezrin, quien se había labrado una gran reputación al frente de innumerables trabajos de artistas como Alice Cooper, David Gilmour o Deep Purple.
Líricamente centrado en un hecho real acontecido en la ciudad de Neosho Falls en el estado de Kansas, en la década de los cincuenta, cuando esta desaparecería bajo las aguas debido a unas terribles inundaciones.
Musicalmente aquí Kansas, volvieron a entonar la épica progresiva fusionada con el hard rock en un tono de rock melódico y accesible, con destacados cortes como las rock “House On Fire” y “One Big Sky” o las progresivas “Ghosts”, “Rainmaker” y “Bells Of Saint James”, las cuales son el contrapunto brillante de las mas accesibles y comerciales “Once In A Lifetime y “One Man, One Heart”.

Atlanta Rhythm Section-Red Tape (1976)

Originarios de Doraville en Georgia, la Atlanta Rhythm Section pertenece a esa generación de bandas de rock sureño que pese a crear un estilo propio y labrarse una gran reputación en los estados del sur, nunca pudieron competir con las grandes del genero como The Allman Brothers o Lynyrd Skynyrd.

En 1972 llegaría su primer larga duración, "The Atlanta Rhythm Section", que pese a ser un prometedor álbum, pasaría inadvertido para el gran publico. Un segundo lanzamiento "Back Up Against The Wall", publicado al año siguiente, tampoco obtendría el reconocimiento deseado, pero sin embargo les valdría para ser los elegidos a acompañar a los Lynyrd Skynyrd, en varias giras por diferentes estados del sur norteamericano.

El cambio de sello discográfico de Decca por Polydor, trajo consigo un nuevo disco "Third Annual Pipe Dream" (1974), con el cual tienen bastante notoriedad gracias al hit "Doraville" y a la epopeya sureña "Angel (What In The World´s Come over Us)". "Dog Days" publicado en 1975, seguía el ascendente interés por parte del publico, gracias a cortes como el blues rock "Boogie Smoogie", la vigorosa "Crazy", o las melódicas "All Night Rain" y "Dog Days".

A mediados de 1976 publicaban su quinto y mejor álbum hasta la fecha "Red Tape", un disco más orientado hacia los sonidos duros como demuestran "Free Spirit", "Another Man´s Woman", "Jukin", "Mixed Emotions", "Shanghied" o "Oh What A Feeling". Pese a la incuestionable calidad del álbum, este no obtiene el éxito esperado, logrando un discreto puesto en las listas americanas.

Atlanta Rhythm Section-Dog Days (1975)

En 1975 la banda de rock sureño Atlanta Rhythm Section publicaba su cuarto álbum, el segundo bajo el sello Polydor después de su relación con la subsidiaria americana de la Decca.

Grabado en los Studios One de Georgia, en esta entrega la formación estaba comprendida por Ronnie Hammond (voz), J.R.Cobb (guitarra), Barry Bailey (guitarra), Dean Daughtry (teclados), Paul Goddard (bajo), Robert Nix (batería) y Buddy Buie (voz y producción).

Un álbum que contiene varios cortes de enérgico southern rock como son "Crazy" y "It Just Ain´t Your Moon", mientras que la boogie blues "Boogie Smoogie" o las melódicas "Dog Days" y "All Night Rain" reflejan la enorme calidad de este disco.

Sin embargo pese a que su estilo era cada vez mas consistente y efectivo, con un sonido agradable y melódico, y unas canciones de gran nivel de sofisticación y refinamiento, no logran captar mucha popularidad, por lo que en el siguiente lanzamiento optarían por endurecer su sonido con un mayor protagonismo en las guitarras mas contundentes y cercanas al hard rock.

Eagles-Long Road Out Of Eden (2007)

En el 2007 y casi treinta años después de su ultimo disco “The Long Run” (1979), The Eagles regresarían con un doble  álbum titulado “Long Road Out Of Eden”, en el que a costa de unas nuevas y brillantes canciones intentaron de manera exitosa, rememorar los viejos laureles de su época gloriosa de mediados de los setenta.
Con prácticamente la misma formación que publicara aquel álbum tres décadas antes, con la excepción del fugado Don Felder, aquí aparecían los incombustibles Joe Walsh, Don Henley, Glenn Frey y Timothy B. Schmit, los cuales obtuvieron para la grabación de este séptimo trabajo la colaboración de un amplio plantel de músicos de sesión como el guitarrista Stuar Smith, los percusionistas Lenny Castro y Luis Conti, los teclistas Richard Davis y Michael Thompson o el baterista Scott Crago, además de una amplia sección de vientos.
“Long Road Out Of Eden” presenta una brillante colección de country rock fusionado con el soft rock, en donde sobresalen la country rock “How Long”, la cual evoca el estilo inconfundible de la banda, las relucientes “Busy Being Fabulous” y “Guilty Of The Crime”, la lucida y rítmica “Somebody”, la fronteriza “Center Of The Universe”, la añeja “Last Good Time In Town” o la funky rock “Frail Grasp On The Big Picture”.
La recepción posterior fue tan apoteósica como asombrosa, publicado en una época en donde las descargas ilegales por internet era el denominador común en el mundo de la música, sin embargo eso no fue óbice para que el álbum obtuviera unas ventas superiores a los diez millones de copias a nivel mundial y una veintena discos de platino. 

Bon Jovi-Slippery When Wet (1986)

A mediados de los ochenta surgiría un estilo derivado del hard rock y el heavy metal que se caracterizaba por su melodía pegadiza, el tono pop y comercial y una imagen mas cuidada y en cierto modo visualmente mas moderna. Así surgió el denominado heavy light, del cual la banda norteamericana Bon Jovi fueron uno de sus abanderados, una banda que supo combinar los temas adictivos y pegadizos, con estribillos contagiosos, todo ello bajo el prisma del contundente hard rock.
Sus dos primeros álbumes “Bon Jovi” y “7800 Farenheit” obtuvieron una gran acogida en el circuito del heavy metal, pero seria el tercero, este “Slippery When Wet”, el que popularizaría al grupo hasta extremos insospechados, cosechando un éxito tan arrollador como asombroso, con mas ocho millones de copias vendidas solo en los Estados Unidos, cifra que en la actualidad supera los treinta millones de copias.
Un álbum en donde destacan por encima de todas, las soberbias “Livin´On A Prayer” y “You Give A Bad Name”, dos de los temas de mayor y mejor creatividad de esta formidable formación.
El resto del álbum mantiene un nivel casi a su misma altura en donde cortes como la épica “Wanted Dead Or Alive”, o las rock “Wild In The Streets” y “Raise Your Hands” catalogaron un trabajo que esta considerado una de las obras cumbres de la década de los ochenta en la música rock.

Led Zeppelin-Coda (1982)

Una vez disuelto Led Zeppelin de manera oficial tras la muerte de John Bonham, la Atlantic Records exigiría a los restantes miembros que entregaran un nuevo álbum para así cumplimentar su contrato con dicho sello. Así las cosas Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones optarían por rescatar diferentes cortes que habían sido rechazados y no incluido en sus álbumes oficiales.
Para ello Page elegiría para empezar, tres temas que fueron descartes del ultimo álbum “In Throught The out Door”, curiosamente el trabajo mas flojo de toda su discográfica. Estos temas eran la contundente “Ozone Baby”, la dinámica “Darlene” y la frenética “Wearing And Tearing”, que sin duda no desmerecen en absoluto a las incluidas en el álbum original, de hecho, muchos fans se preguntaron como es que ninguna de estas soberbias canciones terminara perteneciendo a dicho álbum, que en algunos de los casos son bastante superiores a las incluidas oficialmente.
También hay cabida para algun descarte de su primer y antológico disco como es la intensa versión de Otis Rush “I Can´t Quit You Baby”, mientras “Bonzo´s Montreux”, es un guiño al desaparecido baterista, un ejercicio de la demoledora ejecución instrumental de John con las baquetas. La folky “Poor Tom”, fue grabada durante las sesiones del “Led Zeppelin III”, la cual se nos antoja el corte mas flojo y previsible de todo el álbum. La enérgica “Walter´s Walk”, desechada originalmente del “Houses Of The Holy”, es junto a otra versión, esta vez del mítico Ben E.King, “We´re Gonna Groove”, dos de los mejores momentos de un disco que para muchos, fue simplemente un tramite a modo de epitafio para contentar las ansias de la discográfica, mas interesada en nuevo material que en un álbum repleto de retales, aunque unos retales que en manos de cualquier otra banda, hubieran supuesto una pequeña obra maestra.

Journey-Arrival (2001)

Tras el lanzamiento que supuso la reunión de Journey en 1996 con el álbum "Trial By Fire", el cantante Steve Perry se negó a participar en la gira promocional posterior, alegando una supuesta lesión en la cadera.

Los miembros restantes no soportaron esta nueva incertidumbre por parte del cantante y decidieron sustituirlo, asegurándose de que su sustituto sonara lo mas similar posible a Perry. Por fin dos años después y tras muchas audiciones, contrataron a Steve Augeri como nuevo cantante.

Otro miembro que dejaría la banda seria el baterista Steve Smith, el cual no quería seguir sin Perry, por lo que fue sustituido por Deen Castronovo, quien ya había trabajado con Nel Schon y Jonathan Cain en Bad English.

Junto al quinto miembro (Ross Valory), en el 2001 grabaron y publicaron el álbum "Arrival", en el cual contaron además con la colaboración de Jack Blades, coescribiendo algunas de las canciones.

En esta nueva entrega sobresale especialmente la voz de Augeri, la cual es asombrosamente similar a la de Perry, aunque sin llegar a transmitir su carismática emotividad.

"Arrival", como todos los álbumes de Journey, sigue el patrón musical clásico de grandes melodías de soft rock, AOR y hard rock melódico, en donde destaca el enorme trabajo de la guitarra de Neal Schon, los brillantes pasajes de los teclados de Cain y las irresistible voces agudas profundamente emotivas de quien quiera que este detrás del micrófono.

Con un repertorio equilibrado, el álbum contiene desde los clásicos temas hard rock "Higher Place", "Sings Of Life" o "To Be Alive Again", hasta los irresistibles medios tiempos melódicos "Live and Breathe", "Loved By You" o "Kiss Me Softly", pasando por ejercicios mas complejos como la bluesy rock "Livin´ To Do" o la épica "World Gone Wild".

Bob Dylan-Dylan (2007)

“Dylan”, es el titulo de un triple album recopilatorio del legendario Bob Dylan, que contiene 51 de sus temas que resumen su música desde 1962 hasta 2006. Este Box Set incluye 3 CD´s donde se hace un repaso a la historia de uno de los mas grandes músicos de la historia, desde su primer álbum titulado genéricamente "Bob Dylan" y publicado en 1962 hasta el último "Modern Times" publicado en el 2006, pasando por discos tan emblemáticos como fueron "Freewheelin...", "Highway 61 Revisited", "Blonde on Blonde", "Blood on the tracks", "Desire", "Street Legal", o "Basement Tapes"...y así hasta 45 álbumes en 45 años de carrera, (incluyendo directos, rarezas, recopilatorios y bootlegs), con mas de de 500 canciones, todo ello resumido en esta antología editada con muy buen criterio y por orden cronológico y en la que los fans del musico han participado activamente, contribuyendo a la selección de este impresionante grandes éxitos. Una selección de temas que comprenden todas sus etapas, desde la acústica del principio de su carrera, pasando por su electrificación con el folk rock, su etapa junto a The Band, sus escarceos en el country, los relativos a su religión y la espiritualidad, su época bluesy...etc. Clásicos como "Blowin´in the wind", "Like a Rolling Stone", "Hurricane", "Changing of the guards", "Konckin´on heaven´s door", "Subterranean homesick blues", entre otras muchas que componen este majestuoso recopilatorio, que sin duda es pura antología.

Uriah Heep-Very´Eavy...Very´Umble (1970)

El debut discográfico de Uriah Heep supuso el álbum mas primitivo y bizarro de toda su discográfica, que pese a cierta inmadurez estilística, ya mostraban de manera germinal, el poderío instrumental y creativo de esta formidable banda británica.
Con tres de los pilares fundamentales de la banda como eran David Byron (voz), Ken Hensley (teclados)y Mick Box (guitarra), con la participación del baterista Ollie Olsson y el bajista Paul Newton, la banda mostró su faceta de hard rock crudo y enérgico.
Aún bastante alejados de los sonidos progresivos que vendrían poco después con obras como "Look At Yourself" o "Salisbury", aquí dejan su impronta calidad en algunos de sus temas mas emblemáticos como la soberbia y enérgica "Gypsy" todo un verdadero "opus magnum" y un clásico de la música rock. Por un camino similar de hard rock poderoso aparecen "Walking In Your Shadow", "Dreammare", "Real Turn On" o "Born In A Trunk", mientras "Wake Up (set Your Sights)" se convierte  junto a "Gipsy" en el momento progresivo del álbum.
"Very´Eavy…Very´ Umble" esta muy lejos de las espectaculares obras de Uriah Heep, pero sin embargo ya muestra una banda solida, que sin exhibir la épica progresiva que fue su santo y seña con su inconfundible estilo, si dejaban entrever el poderío que atesoraban y que no tardarían en explotar creativamente.

Michael Jackson-Thriller (1982)

Doce nominaciones a los premios Grammy y cerca de los 40 millones de álbumes vendidos avalan el sexto álbum de Michael Jackson, “Thriller”, al mismo tiempo que fue el espaldarazo definitivo para encumbrarle a nivel mundial
Uno de los artífices del éxito de este álbum fue el productor Quincy Jones,  junto a la impresionante nomina de músicos de jazz y rock que participaron en su grabación, desde Eddie Van Halen, hasta Jeff Porcaro, pasando por Steve Lukather, Paul McCartney. Steve Porcaro, Paulinho Da Costa o Larry Williams entre otros muchísimos mas.
Otro de los alicientes que movieron al éxito de "Thriller", fueron los videoclips para el apoyo promocional de las canciones, como el impresionante “Billie Jean”.
“Thriller” esta compuesto por una retahíla de brillantes canciones atractivas y tremendamente pegadizas como “The Girls Is Mine”, la frenética “Beat”, la mencionada funky “Billie Jean”, o el hipnótico funk rap que da titulo al álbum.

Journey-Infinity (1978)

En 1978 Journey daban un salto cualitativo musicalmente, orientando su estilo de rock y jazz progresivo, hacia los terrenos mas comerciales y accesibles.

La primera decisión fue ampliar la banda con el excelente vocalista Steve Perry, el cual se unió al guitarrista Neal Schon, al teclista y voces Gregg Rolie, al bajista Ross Valory y al baterista Aynsley Dunbar.

El primer álbum bajo esta nueva formación fue "Infinity", en donde el cambio musical es dramáticamente opuesto a todo lo que habían hecho hasta esos momentos.

Un álbum que esta compuesto por una fusión pegadiza de canciones orientadas al rock en donde brillan los ganchos vocales, las complejas composiciones y un gran trabajo instrumental de guitarras y teclados, un sonido no muy alejado de lo que Foreigner, Toto, Styx o Boston hacían en esos mismos años.

En este trabajo la instrumentación de Schon es sencillamente magistral, con toques guitarrísticos suaves al mismo tiempo que enérgicos y dinámicos, mientras que la voz de Perry es contagiosa y conmovedora.

Clásicos inmediatos de la música rock como las irresistibles "Lights", "Anytime", “Wheel In The Sky", "Feeling That Way" o "Opened The Door", auparon el álbum hasta los primeros puestos de las listas norteamericanas, con mas de tres millones de copias vendidas, una cifra que superaba con creces las ventas de todos sus álbumes anteriores juntos.

Blood, Sweat and Tears-Blood, Sweat & Tears 3 (1970)

Casi dos años después de su histórico y aclamado segundo álbum, la banda norteamericana Blood, Sweat and Tears, grabarían su siguiente esfuerzo discográfico titulado genéricamente "Blood, Sweat & Tears 3", el cual pese a estar considerado uno de sus mejores discos, no alcanzaría las alturas comerciales de su predecesor, a pesar de colocarse en el numero uno absoluto de las listas norteamericanas y canadienses.

Si anteriormente la banda había mostrado un solidó jazz rock con elementos de soul, blues y música clásica, en esta tercera entrega el estilo esta ligeramente mas influenciado por el rhythm and blues, siempre bajo el manto del jazz y el rock.

Como en el caso anterior, aquí también vuelven a inundar su repertorio con versiones readaptadas a su estilo de brass rock, en donde sobresalen la original y poderosa voz de Clayton-Thomas, la efectiva guitarra de Steve Katz y la contundente sección de metales compuesta por Dick Halligan, Fred Lipsius, Lew Soloff, Jerry Hyman y Chuck Winfield, cerrándola la vigorosa sección rítmica compuesta por Bobby Colomby y Jim Fielder.

Un álbum que contiene himnos como "Hi De Ho", una versión de Carole King, con un Clayton-Thomas ofreciendo una de sus grandes interpretaciones, la jam improvisada "Sympathy For The Devil" de The Rolling Stones o la dinámica "40.000 Headmen" de Traffic, que son junto a las composiciones propias, "The Battle" y "Lucretia MacEvil" o la magnifica "He´s a Runner" (otra versión, esta vez de Laura Nyro), lo mas sobresaliente de este magnifico trabajo.

The Cult-Sonic Temple (1989)

A finales de los ochenta The Cult estaban en la cima de su popularidad gracias a su enérgico y visceral estilo hard rock, un género que dejaba atrás sus orígenes repletos de los sonidos punk y góticos de sus primeros álbumes "Dreamtime" (1984) y "Love" (1985). 

Antes de la grabación de este cuarto álbum, la entrada del baterista Mickey Currie sustituyendo a Les Warner, supuso el primer cambio de los originales The Cult, una formación que seguía compuesta por Ian Astbury (voz), Billy Duffy (guitarra) y Jamie Stewart (bajo).

Con "Sonic Temple" reafirman el hard rock que ya reflejaban en el anterior "Electric" (1987).

Bajo la batuta del productor Bob Rock, "Sonic Temple" es su trabajo mas ambicioso con magistrales canciones como "Sun King", "Sweet Soul Sister", "Fire Woman", "Soul Asylum" o "Edie (Ciao Baby)", y supuso la consagración definitiva de The Cult como una de las bandas icónicas del hard rock de aquellos años.

The Ramones-It´s Alive (1979)

Grabado en el mítico Rainbow Theatre de Londres el ultimo dia del año 1977, “It´s Alive”, fue el primer directo de la banda neoyorkina The Ramones.
Un doble álbum que capta de manera perfecta uno de los típicos shows de esta banda y lo que representaban encima de un escenario.
Con casi una treintena de canciones la banda hace un extenso y minucioso repaso a todos sus clásicos en donde las claras influencias del rock and roll mezclado con el potente sonido del punk rock, dejaron un documentos histórico de abundante energía, feeling y pura diversión que ha pasado a los anales de la música rock, como uno de los directos mas divertidos y desenfadados.

Elvis Presley-Elvis Presley (1956)

Este fue el primer álbum de Elvis, y al mismo tiempo el primer trabajo para el sello RCA, ya que nunca antes había publicado ningún Lp con su discográfica anterior la Sun Records. Sin embargo cinco de las canciones incluidas en este primer álbum, pertenecen al sello originario de Memphis.
Grabado durante los primeros meses de 1956 entre los estudios de Sun Records en la ciudad de Memphis y los estudios que la RCA tenia en Nashville y Nueva York.
Para dicha grabación, el plantel de músicos que acompañaron a Elvis, estaba compuesto por el guitarrista Scotty Moore, el batería D.J. Fontana, el bajista Bill Black, los pianistas Floyd Cramer, Marvin Hughes y Shorty Long, los coristas Ben Speer, Brock Speer y Gordon Stoker, el guitarrista Chet Atkins y la producción correría a cargo de Sam Phillips.
Este álbum es fundamental para situar al rock'n'roll como una base futura de la llamada música del siglo XX, además de que él mismo se confirmaría como una leyenda con el famoso eslogan; aquel blanco que cantaba como un negro.
El disco es un equilibrio perfecto de música entre los dos estilos, la técnica de los blancos y el espíritu de los negros, amasando una ecléctica mezcla de estilos como el rock and roll, el rockabilly, el rhythm and blues, el gospel o el country, dejando una colección de canciones todas ellas ya legendarias; “Blue Suede Shoes”, “Tutti Frutti”, “Blue Moon”, “Money Honey”, “Just Because”, “I Got a Woman” o “Tryin´To Get In You”.
A partir de aquí la carrera, ya de por si meteórica, del joven Elvis Presley le convertiría en el rey absoluto del rock en las siguientes dos décadas.

Fantasy-Beyond The Beyond (1974)

Fantasy fueron una efímera banda británica fundada a principios de los setenta en Chapel Farm, un localidad cercana a Gravesen, en el condado de Kent. Su formación sufrió numerosas cambios durante los años tres años de su carrera. Su debut en vivo fue en el mítico Marquee londinense teloneando a Robin Trower, algo sorprendente para una formación desconocida.
Después de su primer álbum, la banda inicio una extensa gira por todo el país apoyando a una serie de bandas punteras como Uriah Heep, Argent, Free, Supertramp, Genesis o Greenslade.
Ese primer álbum titulado "Paint A Picture" fue publicados finales de 1973 y un segundo, lanzado un año después en 1974, nunca vería la luz de manera oficial, solo como copia promocional y unas pocas que fueron distribuidas en algunos de sus conciertos, hasta muchos años después cuando fue reeditado por el sello Audio Archives.
"Beyond The Beyond", es este segundo álbum, el cual contiene unas composiciones brillantes y elaboradas del temprano rock progresivo británico, con una serie de cortes melódicos y muy armónicos. La formación que grabaría este segundo disco estaba compuesta por Paul Lawrence, vocalista y guitarra de 12 cuerdas, Peter James, guitarra solista y voces, David Metcalfe, teclados, David Read, bajista y el batería Jon Webster, además del guitarrista Geoff Whitehorn, el baterista Brian Chattam y el vocalista Paul Petley, que fueron los músicos de sesión que también colaborarían en la grabación.
En todos los nueve cortes de los que se compone este trabajo, los teclados Hammond, el poderosos trabajo de las guitarras y las voces cálidas, ofrecen un sonido en muchos momentos grandilocuentes como queda demostrado en su tema mas representativo "Alanderie", nueve esplendorosos minutos de mellotrones majestuosos y cascadas de sonidos de un órgano omnipresente o las meritorias y progresivas "Afterthought" y "Beyond The Beyond".
El resto del álbum sigue por una línea parecida conformando un disco interesante y perdido del típico rock progresivo británico de los setenta.

Barclay James Harvest-Octoberon (1976)

En 1976 la Barclay James Harvest lanzaban su séptimo album, “Octoberon”, que con una sugerente portada se convirtió en otro de sus mejores discos de gran pop sinfónico.
Siguiendo la estela del anterior “Time Honoured Ghosts”, el grupo muestra su lado mas amable con una serie de temas que oscilan entre el rock progresivo de “May Day”, “The World Goes On” o “Ra”, hasta excursiones a sonidos mas mainstream como las rock “Rock´n´Star” y “Polk Street Rag” o incursiones folky “Believe In Me” para acabar con la emotiva y vibrante “Suicide?”, complementando uno de los trabajos mas coherentes y diversos de toda su discográfica al mismo tiempo que una de sus obras mas elegantes.
 

Bob Dylan-The Basement Tapes (1975)

"The Basement Tapes" es uno de los históricos discos de la música de raíces americana, grabado en unas sesiones informales en una granja reconvertida en estudio llamada Big Pink por Bob Dylan y The Band en el año 1967.

La colaboración entre Dylan y The Band se remonta al año anterior cuando aun se llamaban The Hawks y juntos colaboraron en el séptimo disco del músico originario de Minnesota, "Blonde On Blonde” (1966).

El resultado fue una amalgama colección de temas que navegan entre el folk, el blues y el country rock, mostrando la faceta mas versátil de Dylan al mismo tiempo que The Band demostraban el por que son una de las formaciones mas fundamentales de la historia del rock. 

Compuesto por una exquisita colección de canciones entre las que destacan "Tears Of Rage", "This Wheel´s On Fire", "Long Distance Operator", "Ain´t No More Cane", "Ruben Remus", "Don´t Ya Tell Henry", “Bessie Smith”, “Tiny Montgomery”, ”Nothing Was Delivered” o “Open The Door, Homer”.

En definitiva un documento histórico que mas allá de lo estrictamente musical, mostraba el impresionante talento de todos los músicos que intervinieron en esta magnifica y fundamental obra maestra de la música rock.

Elton John-Madman Across the Water (1971)

El cuarto álbum de Elton John supuso su primera incursión en los terrenos del rock vanguardista y progresivo, que a diferencia de sus tres primeras obras, mostraba un repertorio de canciones más extensas y al mismo tiempo oscuras y complejas.

Grabado entre febrero y agosto de 1971 en los Trident Studios de Londres, Elton John reclutaría una amplísima legión de músicos colaboradores para la elaboración del álbum, entre los que destacaban Rick Wakeman, Chris Spedding, Herbie Flowers, Ray Cooper, Terry Cox, B.J. Cole, o Caleb Quaye.

Bajo la producción del ingeniero Gus Dudgeon, Elton John y Bernie Taupin compusieron un repertorio reflexivo y mucho más sofisticado que la mayoría de las composiciones alegres y desenfadadas de los álbumes anteriores.

La melancólica "Tiny Dancer" es la encargada de abrir este álbum, mientras que la orquestal "Levon", la arreglada "Razor Face" o la barroca "Madman Across the Water", ponen la nota progresiva antes mencionada.

Por otro lado la melódica country "Holiday Inn", la exquisita medio tiempo "All The Nasties" y la épica "Goodbye", completan un trabajo atractivo que volvería a cosechar un gran éxito alrededor del mundo, logrando varios discos de platino y unas ventas que superaron con creces los dos millones de copias.

Faces-Long Player (1971)

Casi a finales de 1968, Steve Marriott decidió emprender su propia carrera en solitario, para luego formar junto a Peter Frampton los incombustibles Humble Pie. De esta manera Small Faces se quedaban sin su guitarrista principal y uno de sus máximos compositores.

Sin embargo el resto de componentes, Ronnie Lane (bajo y voz), Kenny Jones (batería) y Ian McLagan (teclados), decidieron reformar la banda con la inclusión de un nuevo guitarrista; Ron Wood y ampliarla con el vocalista Rod Stewart.

Esta nueva reencarnación acortaría el nombre por el de simplemente Faces, los cuales tuvieron una corta pero triunfal carrera publicando cuatro magníficos álbumes enfocados al desenfadado y básico rock and roll.

Después de un primer álbum homónimo lanzado en 1970, en el cual ya dejaban entrever su estilo de rock contundente con ciertas pinceladas de psicodelia, publicaron el que seria su confirmación definitiva con el esplendido disco "Long Player", publicado un año mas tarde.

Siguiendo la estela del enérgico rock and roll de su predecesor, Faces lograron confeccionar uno de los mas atractivos discos de principios de los 70, como demuestran las descarnadas rock and roll "Bad´n´Ruin", "Maybe I´m Amazed" o "Had Me a Real Good Time".

Por otro lado la bluesy "Tell Everyone", la country sureña "Sweet Lady Mary" o la extensa versión del blues clásico de Big Bill Broonzy, "I Feel so Good", mostraban la amplia faceta versátil de un grupo que a finales de ese mismo año, lanzarían una de las obras maestras de la música rock, con el antológico álbum “A Nod Is As Good As A Wink…To A Blind Horse”.

Rory Gallagher-Fresh Evidence (1990)

A mediados de 1990, el irlandés Rory Gallagher publicaba el que seria su ultimo álbum de estudio titulado "Fresh Evidence", el cual seria su trabajo mas ecléctico, mostrando aquí todas las facetas que le acompañaron durante toda su larga carrera.

En "Fresh Evidence", Rory interpreta una serie de temas que navegan entre el blues y el jazz, pasando por el rock clásico, el rhythm and blues o el folk americano de raíces.

En esta entrega además de Gallagher (voces, guitarras eléctricas y acústicas, mandolina y sitar eléctrico), colaboran el asiduo bajista Gerry McAvoy, el teclista John Cooke y el baterista Brendan O´Neill.

En el apartado de blues clásicos, Gallagher versionea a grandes bluesman como Eddie “Son” House con "Empire State Express", o muestra las ricas influencias de Robert Johnson con "Heaven´s Gate" y de Slim Harpo con "Middle Name", mientras que el jazz esta presente en la instrumental "The Loop".

Por otro lado las enérgicas rock "Kid Gloves" y “Bowed Not Broken”, las folk "The King of Zydeco", (una versión del mítico músico de Zydeco, Clifton Chernier ) y "Never Asked You For Nothin´”, las folk blues "Middle Name" y "Ghost Blues" o la blues rock "Walking Wounded", dejaban patente la enorme capacidad de Rory Gallagher para interpretar diferentes estilos con una gran brillantez y flexibilidad.

Chris Squire & Billy Sherwood In Conspiracy Project -The Unknown (2003)

El mundo de Yes esta repleto de proyectos paralelos, continuas reuniones, multitud de deserciones, idas y venidas continuas, inauditas formaciones y mil historias mas, lo que convierten al mítico grupo, en el mas polifacético de la historia de la música rock.
Uno de esos tantos proyectos fue el creado por el bajista Chris Squire con el teclista Billy Sherwood al que denominaron Conspiracy.
Todo empezó a mediados de los noventa cuando el propio Squire estaba trabajando en su segundo álbum en solitario, el primero había sido el rutilante “Fish Out Of Water” de casi 25 años antes en 1975,  justo en la época gloriosa de la banda británica.
Algún tiempo mas tarde el teclista Billy Sherwood entra a formar parte de Yes para la grabación del álbum “Open Your Eyes” (1997) y entre ambos entablan una gran amistad y la colaboración conjunta en un proyecto paralelo llamado The Chris Squire Experiment, el cual termina derivando definitivamente algún tiempo mas tarde en Conspiracy.
Un año después del segundo álbum de Yes con ambos músicos en la misma formación “The Ladder”, retomarían el proyecto que terminaría con la publicación del disco “The Unknown” en el año 2003.
Un trabajo en donde destacaba el inconfundible estilo de Squire con el bajo y la voz y el uso de los sintetizadores y las guitarras de gran virtuosismo de Sherwood.
Musicalmente este álbum esta claramente emparentado con los sonidos de los Yes de la década de los ochenta y noventa, en donde el rock progresivo esta repleto de sonidos accesibles y melódicos cercanos al pop sofisticado de discos como “90125” o “Big Generator”, trabajos estos publicados en la época mas comercial de la mítica y grandilocuente banda madre.

Eric Clapton-Backless (1978)

En 1978 Eric Clapton venia de cosechar un inmenso éxito con su quinto disco "Slowhand", el cual se coloco en el segundo puesto en las listas del Billboard, logrando media docena de discos de oro y platino.

Repitiendo los mismos músicos de dicha grabación, los mismos estudios y el mismo productor (Glyn Johns), Eric Clapton grabaría su sexto álbum titulado "Backless".

Publicado a finales de 1978, en esta nueva entrega el guitarrista repite los mismos esquemas musicales que su predecesor, pese a que no contiene un repertorio tan excitante como aquel.

Un álbum que fue ideado sin demasiadas pretensiones, y es que a esas alturas de la película, Clapton ya no tenia que demostrar ni sorprender nada a nadie, dada su fabulosa trayectoria llegados hasta este punto.

Aun así el álbum esta algo lastrado por el mencionado "Slowhand", debido a la sustancial diferencia entre ambos.

Sin embargo Clapton vuelve a dejarnos una serie de relevantes temas como la sobresaliente versión country de Feldman y Linn, "Promises", en la cual se aprecia la sobresaliente técnica del guitarrista.

Tambien aparecen dos canciones compuestas por Bob Dylan "Walk Out In The Rain" y "If I Don't Be There By Morning", ambas de mediocre factura pese al buen hacer con las seis cuerdas del músico británico.

La rítmica versión de J.J. Cale, "I'll Make Love To You Anytime" y "Tulsa Time", otra versión, esta vez de Danny Flowers, son lo mas notorio de las composiciones ajenas.

Pero son sus propias canciones lo más destacado de este álbum, empezando por la atractiva "Watch Out For Lucky", y el sobresaliente blues "Early In The Morning", mientras que las baladas "Golden Ring" y "Tell Me That You Love Me", son composiciones relativamente discretas.

Comercialmente “Backless” funcionaria bastante bien, logrando un disco de platino y mas de un millón de copias en ventas en el mercado norteamericano.

Motörhead-No Sleep ´til Hammersmith (1981)

A principios de los ochenta, Motorhead llevaban tras de si cinco espectaculares discos de poderoso y visceral heavy metal aderezado con sonidos punk, que los confirmaban como una de las bandas mas contundentes y crudas del panorama del heavy metal mundial.
Álbumes como el debut “Motorhead”, o los siguientes “Overkill”, “Bomber” o “Ace Of Spades”, habían copado las listas de éxitos y eran la punta de lanza del genero.
“No Sleep ´til Hammersmith”, fue grabado en la gira posterior al “Ace Of Spades” y en contra de lo que su titulo deja entrever, no fue grabado en el mítico Hammersmith de Londres, si no en el Queen´s Hall de la ciudad de Leeds.
En este corrosivo e incendiario directo, la banda muestra todo su poderoso arsenal con temas tan emblemáticos como “Bomber”, “No Class”, “Overkill”, “Stay Clean”, The Hammer” o “Ace of Spades”, todos ellos con ese denso y frenético ritmo con alusiones a las guerras o al salvaje oeste.
El álbum lograría alcanzar sorprendentemente la primera posición en las listas británicas y un disco de oro por sus enormes ventas.