Rory Gallagher-Jinx (1982)

Después de publicar durante los años 70 una serie de enormes álbumes, Rory Gallagher afrontaba los ochenta con una considerable disminución discográfica. En esos años 80, el irlandés errante solo publicaría dos trabajos muy separados entre si, "Jinx" (1982) y "Defender" (1987). Este escaso bagaje discográfico llevaría la duda entre los aficionados y los propios fans, el saber si el guitarrista aun seguía en activo. Sin embargo esa disminución fue en parte debido a diferentes problemas legales con su discográfica, una severa crisis creativa y sus continuos problemas con el alcohol, hechos que sin embargo no fueron obstáculo para que en 1982 lanzara "Jinx" su noveno álbum, considerado injustamente por muchos como una obra menor dentro de su dilatada carrera. Junto a su inseparable escudero, el bajista Gerry McAvoy, mas las colaboraciones de Brendan O´Neil (batería), Bob Andrews (teclados) y Dick Parry y Ray Beavis (saxo), el guitarrista originario de la ciudad irlandesa de Ballyshannon, muestra su poderoso hard rock infectado de riffs distorsionados en una serie de canciones de sonidos férreos y tenaces como "Big Guns", "Bourbon", "Loose Talk", "Easy Come Easy Go" o la versión del bluesman Louisiana Red, "Ride On Red, Ride On".

Nina Simone-Sings The Blues (1967)

Nina Simone es otra de las grandes divas del jazz & blues norteamericano, ella fue una fabulosa cantante, una gran compositora y una excelente pianista, además de una de las mas activas defensoras de los derechos civiles de los estadounidenses durante cinco décadas. Nacida en 1933 en Carolina del Norte, a la temprana edad de 10 años ya tocaba el piano y cantaba en la iglesia local. Un hecho trascendental en su vida fue el día que sus padres que habían acudido a verla tocar el piano en la iglesia, se vieron obligados a trasladarse al fondo para cederles sus puestos a otras personas de raza blanca. Con cerca de veinte años Nina Simone se mudaría a Filadelfia, donde empezaría a ganarse la vida dando clases de piano y como corista de algunos cantantes. Poco después comenzaría su carrera actuando en el mítico Midtown Bar de Pacific Avenue en Atlantic City. Gracias a su impresionante y desgarradora voz, Nina pronto empieza a destacar y en su primer registro "I Loves You Porgy" del compositor George Gershwin, consigue un notable éxito en las listas norteamericanas. A partir de aquí la carrera de Nina será meteórica con canciones como "My Baby Just Cares For Me", "To Be Young, Gifted and Black", "Mississippi Goddman", (canciones de claro carácter político), o multitud de versiones de otros artistas como "I Put A Spell On You", de Screamin´Jay Hawkins, "Here Comes The Sun" de The Beatles o "House Of The Rising Sun" de Dave Van Ronk. Tras otros grandes éxitos derivados de su participación en varios musicales de Broadway, su canción "For All We Know" se convertiría en otro de sus clásicos. Con un estilo que transitaba entre las influencias del gospel, el blues y el jazz, Nina Simone se ganaría el respeto y la admiración del pueblo norteamericano, denominándola la "Suma Sacerdotisa del Alma", y la cual se ha convertido en toda una leyenda y un mito de la música del siglo 20.

Axel Rudi Pell-The Ballads II (1999)

Axel Rudi Pell siempre ha tenido un lado romántico a pesar de su apariencia dura y su género musical y así lo ha demostrado durante muchos años con sus famosos recopilatorios titulados "The Ballads".
Con más de 30 álbumes publicados entre álbumes oficiales y recopilatorios, Axel Rudi Pell es considerado uno de los grandes héroes de la guitarra neoclásica de la historia, compartiendo el podio con Yngwie Malmsteen, Jason Becker, Marty Friedman, Vinnie Moore o Tony MacAlpine.
Fundador a principios de los ochenta de la banda alemana Steeler con la que publicaría cuatro discos, inició su carrera en solitario publicando su primer disco en 1989 titulado "Wild Obsession".
A partir de aquí, cada cuatro o cinco álbumes, publica un recopilatorio con las baladas contenidas en esos trabajos, así como versiones de clásicos de otras bandas.
Con una técnica envidiable y un talento fuera de lo común con las seis cuerdas, Axel Rudi Pell es un compositor fantástico, dando a sus canciones sentimiento, talento, emoción, romanticismo y un sonido espectacular fruto de sus exquisitas producciones.

Jonesy-No Alternative (1972)

Otra de las desconocidas bandas del rock sinfónico británico fue Jonesy, una admirable formación que bajo el embrujo de los sonidos del Mellotrón evocaron sus influencias de los primeros King Crimson. Sus protagonistas eran el trompetista Alan Bown, el guitarrista John Evan-Jones, el teclista Jamie Kaleth, el baterista Plug Thomas y bajista Gypsy Jones. Cualquiera de sus tres álbumes publicados son joyas del proto progresivo de principios de los años 70. En su álbum debut "No Alternative" (1972), sobresalían cortes como la heavy rock progresiva "Mind of the Century", la épica emotiva "Heaven" o complejas composiciones como "1958", todo ello bajo unas mordaces letras sobre recurrentes temas como la corrupción política o el medio ambiente. La fuerte personalidad del grupo y su fascinante estilo impregnado de celestiales interacciones entre las guitarras y el Mellotrón están presentes en sus siguientes dos entregas, por un lado el elaborado "Keeping Up" (1973), con sublimes momentos como la vanguardista "Critique (With Exceptions)" o la punzante "Children" y por otro lado "Growing" (1973), la ultima entrega de esta formación, en donde se derivan hacia los derroteros del jazz rock progresivo como queda patente en "Can You Get That Together", "Hard Road" o "Know Who Your Friends Are". A pesar de su visionaria propuesta y de la enorme calidad que atesoraban, no lograron el éxito deseado por lo que algún tiempo mas tarde daban por acabado su fascinante aventura musical.

Stray-Saturday Morning Pictures (1972)

Stray fueron una legendaria formación británica encuadrada en el hard rock de principios de los 70. Formada a mediados de los 60 en Londres por el cantante y guitarrista Steve Gadd, quien junto al bajista Gary Giles, al baterista Ritchie Cole y al guitarrista Del Bromham, se ganaron el respeto en el ámbito del blues rock de la capital londinense. Gracias a sus incendiarios shows lograron un contrato con Transatlantic Records con quienes publicaron el homónimo debut en 1970, un exultante disco orientado a las guitarras con aires progresivos. En "Suicide", lanzado un año mas tarde logran captar una mejor producción y pese a estar alejados de la contundencia de su primer trabajo, consiguen crear un formidable álbum de hard rock progresivo repleto de los sonidos del Mellotron y el órgano Hammond. En "Saturday Morning Pictures" (1972) el álbum que aquí nos ocupa, la banda le da mucha mas importancia a las composiciones y a los arreglos, con un mayor protagonismo de los sintetizadores, consiguiendo su crear su esfuerzo mas progresivo y melódico. Cortes como la ambiciosa "Move That Wigwam", las tintineante hard rock "Our Song" y "Leave It Out", la melódica "Queen Of the Sea" o la compleja "How Could I Forget You", cerraban su primera época con un álbum soberbio de gran hard rock británico.

Ultra-Ultra (1975)

Ultra es considerada una banda de culto y toda una institución en San Antonio, Texas. Su explosiva mezcla de rock sureño y hard rock, les auparon hasta el status de leyendas en esas tierras tejanas. Formada a mediados de los 70 su alineación estaba formada por los guitarristas Galen Niles y Larry McGuffin, el vocalista Don Evans, el baterista Tom Schleuning y el bajista Scott Stephens. Durante años esta formación se labro una gran reputación como banda telonera de muchas formaciones icónicas que actuaban en San Antonio y en el estado de Texas. En 1975 grabaron un mini Lp con cinco temas en donde muestran su contundente hard rock repleto de magníficos riffs a dobles guitarras con esos sonidos polvorientas y unos extendidos y sobresalientes solos, secundados por una sección rítmica demoledora, y una enérgica y poderosa voz. Lamentablemente apenas tuvieron oportunidad de grabar un larga duración de manera oficial, mas allá de este mini álbum promocional de escasa tirada y repercusión promocional, debido principalmente a la enorme cantidad de competencia que había en aquellos años dentro del genero del southern rock. Años mas tarde, el sello Monster & Rockadrome Recorsd hizo justicia reeditando este mini LP en CD, mas el añadido de otras canciones que la banda había dejado grabada para un posterior album que nunca fue publicado. En el original mini álbum sobresalían todas y cada una de las piezas incluidas; "Mustants", "Android", "Battery", "Ten Years Since" y "Lamp Black, White Flight", todas ellas unas excelentes muestras de su extraordinario hard rock tejano. 

Fleetwood Mac-Fleetwood Mac (1975)

Fleetwood Mac tiene dos épocas bien diferenciadas, una primera donde el blues fue su principal género competitivo y una segunda donde predominaron los sonidos más comerciales enfocados en el rock sofisticado, sin dejar de mirar hacia las raíces de la música norteamericana.
"Fleetwood Mac" es el primer álbum de la banda de este segundo  período cronológico, editado en 1975 y con dos nuevos integrantes, por un lado el guitarrista Lindsey Buckingham y por otro la cantante Stevie Nicks.
Con estas nuevas incorporaciones la banda sufriría un cambio sustancial en su estilo musical, abandonando la senda del blues para pasar al terreno del pop-rock con pinceladas folk, estilos que para el resto de integrantes del grupo, el baterista Mick Fleetwood, la teclista Christine McVie y el bajista John McVie eran totalmente desconocidos.
Estos nuevos miembros y el cambio posterior que trajeron consigo, hicieron que el esfuerzo del giro creativo les valiera la pena de manera asombrosa en el plano comercial.
Y aunque en cuanto a ventas lo mejor estaba por llegar, este disco le proporcionó al grupo su primer número uno en Estados Unidos además de altos puestos en Reino Unido.
Tanto Nicks como Buckingham dieron su toque personal a la música de la banda con canciones como "Rhiannon" que aportaron una gracia etérea, mientras que el talento de la guitarra de Buckingham creó un sonido más rock en la canción de apertura "Monday Morning" y en la épica "I´m So Afraid".
Todo este conjunto de canciones trajo un equilibrio con mucha habilidad a las habituales canciones de amor de la principal compositora del grupo Christine McVie, y de hecho son las canciones de esta, las que aportan la calidez necesaria como "Warm Ways" o "Over My Head".
Con el paso del tiempo el álbum se ha convertido en uno de los más vendidos del grupo, alcanzando cifras millonarias y cinco discos de platino solo en los Estados Unidos.

Andreas Vollenweider-Trilogy (1990)

"Behind The Gardens, Behind The Wall, Under The Tree" fue el disco que haría conocido mundialmente a Andreas Vollenweider, y aunque no es su mejor trabajo, fue el comienzo de una brillante carrera con una serie de álbumes que lo han catapultado como uno de los pioneros y máximos representantes de la nueva era.
Sin embargo, habría que aclarar varias cuestiones antes de centrarnos en este músico, y es que una de las peculiaridades de la nueva era es que es un género que se abrió a artistas de diferentes orígenes geográficos.
Esta particularidad difiere notablemente con respecto a otros géneros, que suelen estar vinculados a lugares concretos y desde allí se expandieron al resto del mundo.
En la nueva era podemos encontrar diversidades tan lejanas como músicos electrónicos, artistas de bandas de rock que comenzaron su carrera en solitario, folcloristas de diferentes países, compositores de musicoterapia, músicos de jazz que no hacían jazz, músicos que se agobiaban por no cantar o músicos clásicos que no hacían música clásica entre muchos otros ejemplos.
Todo esto acabó agrupando gaiteros irlandeses, músicos de sitar, guitarristas europeos, cantantes tibetanos, percusionistas latinos o sintetistas japoneses y casi cualquier combinación de instrumentos que exista en un mismo género.
Vollenweider podría clasificarse en la categoría de músico experimental con arpa (instrumento electro acústicamente modificado), donde los sonidos pueden ir desde jazz, al pop, pasando por la música atmosférica, la música étnica e incluso música latina, con una impresionante fusión de estilos que la convierten en música de vanguardia con ciertas dosis de experimentación.

De 1981 a 1984 Vollenweider realizó tres álbumes que hoy se consideran obras maestras de la nueva era, "Behind The Gardens, Behind The Wall, Under The Tree", "Caverna Magica" y "White Winds".
En 1990 se publicó el álbum doble "Trilogy", recopilación de estos tres álbumes, más una nueva composición titulada "Pace Verde" y una selección de "Eine Art Suite", el primer álbum de Vollenweider publicado en 1979 pero que sin embargo fue posteriormente descatalogado.

Mostly Autumn-For All We Shared (1998)

De las cenizas de una banda de covers de Pink Floyd, surgiría a mediados de los  90 Mostly Autumn, una ecléctica formación que bebía de las fuentes de múltiples influencias que van desde el folk irlandés hasta el rock melódico, pasando por el hard rock y el rock progresivo. Originarios de la ciudad británica de York, su principal impulsor es el guitarrista y cantante Bryan Josh, que junto a la cantante y guitarra acústica Heather Findlay, el guitarrista Liam Davison, el baterista Allan Scott, el bajista Stuart Carver, el teclista Lain Jennings, el violinista Bob Faulds y el instrumentista tradicional Kev Gibbons, publicaron su álbum debut en 1998. En esta primera entrega muestran una rica fusión de elementos vanguardistas influenciados por los mencionados Pink Floyd y Jethro Tull, enmarcados con las atmósferas celtas bajo la sensual voz de Heather Findlay. Repleto de canciones melancólicas y pastorales, creando desafiantes ambientes musicales con grandes dosis de folk, en donde los violines, las flautas, las gaitas y otros instrumentos tradicionales, son el perfecto contrapunto a las electrizantes guitarras y a las sutiles estructuras del rock sinfónico.

Supertramp-Some Things Never Change (1997)

Con "Some Things Never Change", el décimo álbum de Supertramp, Rick Davies abraza con descaro los sonidos del jazz y del blues alejándose casi por completo de las incursiones progresivas y de los temas de pop sofisticados de su dos lanzamientos anteriores "Brother Where You Bound" y "Free As A Bird". En esta nueva grabación Davies volvería a contar con dos de sus compañeros de la era dorada del grupo, el saxofonista John Helliwell y el baterista Bob Siebenberg, complementando la formación con el guitarrista Carl Verheyen, el bajista Cliff Hugo y el cantante y guitarrista además de teclados Mark Hart, entre otros músicos adicionales. "Some Things Never Change" esta compuesto por un repertorio de exquisita producción con grandes arreglos, la mayoría de ellos tomando como base el jazz y el blues, pero en donde aun conviven los sonidos progresivos de manera sutil como queda demostrado en "It´s a Hard World", un corte con ese típico sonido orgánico de Supertramp. Otros cortes como "Live To Love You" y "Get Your Act Together", mantiene ese viejo espíritu pero de manera muy sutil. Siguiendo el patrón estilístico del éxito "Cannonball" aparece "Some Things Never Change", un corte que aporta la comercialidad justa para darle el momento vivaz y fresco al álbum. La añejas "You Win, I Lose" y "C´est What?", la jazz fusion "Sooner Or Later", la bluesy "Help Me Down That Road" o la melódica "Give Me A Change", conforman entre todas ellas un dignísimo trabajo que sin llegar en absoluto a sus excelentes trabajos de los 70, dejaban intacta la enorme credibilidad de una de las mas grandes bandas de todos los tiempos.

Marillion-Marbles (2004)

Durante la segunda parte de la década de los 90, Marillion habían predicado en el desierto lanzando una serie de álbumes bastante previsibles que marcarían el punto creativo mas bajo de toda su extensa discografía. Álbumes como el poco entusiasta "Radiation" (1998), el previsible pop-rock "Marillion.com" (1999) y el continuista "Anoraknophobia" (2001), dejaron cierto malestar entre sus fans mas puristas y un bajo bagaje comercial, lo que les llevaría a replantearse seriamente su futuro mas inmediato, convencidos de que por ese camino no llegaban a ninguna parte. Así las cosas, tres años mas tarde lanzaron "Marbles", un extenso doble álbum en donde se alejaban de su zona de confort para realizar uno de sus álbumes más consistentes y progresivos, rebuscando meticulosamente en sus orígenes musicales con un neo progresivo intenso y memorable. Desde épicas epopeyas progresivas como "Ocean Cloud", hasta la intensa "Neverland", pasando por la melancólica "The Invisible Man" o las conmovedoras "You´re Gone" y "Fantastic Place", muestran que aun no habían perdido la esencial musical original que había comenzado dos décadas antes. Sin embargo también hay espacio para el soft rock melódico y comercial como ocurre con las pegadizas "Don´t Hurt Yourself" o "Angelina". Con este soberbio álbum (el decimotercero), Marillion entrarían en una fase de gran creatividad, confeccionado excelentes trabajos como son los siguientes "Happiness Is The Road" (2008), "Sounds That Can´t Be Made" (2012) y "Fear" (2016).

Eloy-Eloy (1971)

La carrera de los germanos Eloy siempre se caracterizo por su estilo de rock progresivo grandilocuente y espacial, repleto de alusiones a la ciencia ficción y el misticismo. Sin embargo su álbum debut poco o nada le distinguen de esa orientación musical, en esta primera entrega se enfocan en los sonidos mas enérgicos y pesados del hard rock convencional. De la formación que grabaría este primer álbum, solo tres integrantes seguirán adelante después de este disco, Frank Bonermann (guitarra), Manfred Wieczorke (guitarra y voz) y Wolfgang Stöcker (bajo), mientras que el resto estaba formado por el baterista Helmuth Draht y el organista y cantante Erich Schriever. Pese a que en un principio fueron encuadrados en el krautrock, lo cierto es que su estilo estaba más cercano al hard rock británico de bandas como Uriah Heep, Atomic Rooster o Warhorse, que al movimiento alemán repleto de improvisaciones, sonidos lisérgicos y experimentaciones. Plausibles piezas como la poderosa "Today", la psicodélica "Something Yellow", la oscura y pesada "Song Of A Paranoid Soldier", la relajante "Isle Of Sun" o la hard rock groove "Voice Of Revolution", fueron parte del digno debut de una de las formaciones mas emblemáticas y famosas que surgieron de Alemania durante la década de los 70.

The Lovin´ Spoonful-Hums Of The Loovin´ Spoonful (1966)

Formada a mediados de la década de 1960 por Zal Yanovsky y John Sebastian, The Lovin 'Spoonful fue una de las bandas de folk rock más exitosas con raíces de blues estadounidense y rivales directos de los Byrds.
En 1966 publicaron su tercer disco y su mejor trabajo "Hums Of The Lovin´Spoonful", el cual contenía excelentes canciones como "Summer In The City", "Rain On The Roof" o "Nashville Cats" que convirtieron este disco en una obra fascinante de estos grandes y atemporales de la música estadounidense, que a menudo injustamente se olvidan de mencionarlos cuando se recuerdan a los grandes de la historia del rock.

Grobschnitt-Rockpommel´s Land (1977)

En 1977 llegaría la quinta obra de los germanos Grobschnitt, para muchos una de las grabaciones progresivas mas brillantes que jamás se hayan realizado. Concebido como una obra conceptual, basada en torno a una ingenua historia de un joven inteligente a través de tierras mágicas y encontrando en ellas la sabiduría y la paz mental, en el fondo no es mas que una palpable muestra del irónico humor de esta formación alemana. En este entrega la formación compuesta por Stefan Danielak (guitarras y voz), Gerd-Otto Kühn (guitarras y coros), Volker Kahrs (teclados), Wolfgang Jäger (bajo) y Joachim Ehrig (batería y percusión), muestra su faceta mas sinfónica e intensa, con abundantes riffs y solos de guitarras, bajo unos atmosféricos sintetizadores con un concepto general que une todas sus canciones. Sin embargo también es cierto que en comparación a sus anteriores entregas, pierden algunas de sus características germinales como su extrovertida música y sus humorísticas letras, al mismo tiempo que sus efectivas guitarras hard rock aquí se tornan mas melódicas y espaciales. Pese a la ingenuidad de su historia, musicalmente presenta una fuente de creatividad inagotable, que desde la antesala que muestra el enfoque principal de la obra con la inicial "Ernie´s Reise", pasando por la entramada sonoridad sombría de "Severity Town", la aliviante y relajada "Anywhere" y la epopeya sinfónica progresiva "Rockpommel´s Land", convierten a esta obra en toda una suntuosa y esplendida muestra del rock progresivo realizado en los años 70.

The Moody Blues-The Other Side Of Life (1986)

A mediados de los ochenta The Moody Blues venían de hacer dos grandes discos como "Long Distance Voyager" (1981) y "The Present" (1983), por lo que cuando lanzaron "The Other Side of Life" habían estado inactivos por casi tres años.
Si ya en los dos álbumes anteriores el teclista Patrick Moraz había tenido una importancia vital en el sonido final de ambos, en este ya es fundamental su aporte con el uso intensivo de teclados, por contra Ray Thomas y su sonido de flauta pierde gradualmente protagonismo en la parte instrumental y también en las composiciones que aún están en manos del dúo Hayward y Lodge.
Este sería sin duda el último de los grandes discos de The Moody Blues, con un sencillo extraordinario como "Your Wildest Dreams", además de un repertorio que les seguían manteniendo como una de las grandes bandas de un altísimo nivel, digno de su pasado.
Magníficas canciones como la hermosa "It May Be a Fire", la melódica y espectacular "The Other Side Of Life" o la poderosa "Rock 'n' roll Over You", demostraron que estaban en plena forma haciendo una excelente música y manteniendo el nombre de la banda a un nivel muy alto después de tantos años.

Steve Hackett-The Tokyo Tapes (1998)

Los días 16 y 17 de diciembre de 1996 se vivió un evento histórico en el Koseinenkin Hall de Tokyo, cuando un banda formada por un súper grupo de músicos provenientes de las míticas bandas Genesis, King Crimson, Asia, Charlie y Weather Report, realizaron unos memorables conciertos que incluyeron un espectacular repertorio de algunos de los clásicos inmortales del genero progresivo. Aquella legendaria formación estaba compuesta por Steve Hackett (guitarras), John Wetton (bajo, guitarra y voz), Ian McDonald (flauta, saxo, guitarra, teclados), Chester Thompson (batería), Iron Friedman (teclados) y Julian Colbeck (teclados y voces). Esta rutilante formación acometerían una serie de miticas composiciones con una absoluta brillantez, desde clásicos de los Genesis de Peter Gabriel ("Watcher of the Skies", "Firth of Fifth" o "I Know What I Like"), hasta las tremendas "The Court of the Crimson King" y "I Talk to the Wind" de las huestes comandadas por Robert Fripp, pasando por piezas de algunos de los músicos en solitario como "Battlelines" de John Wetton, o "Riding the Colossus" y "The Steppes” de Hackett, pasando por las icónicas "Heat of the Moment" de Asia, "All Along the Watchtower" de Bob Dylan o varios temas de los Genesis post Gabriel, "Los Endos" y "...In That Quiet Earth".

Krokus-Metal Rendez-Vous (1980)

Pese a ser acusados en algunas ocasiones como un mera copia de los australianos AC/DC, Krokus supieron labrarse una carrera fructífera repleta de grandes momentos que han pasado a los anales del heavy metal mundial con sobresalientes trabajos como "Metal Rendez-Vous", "Hardware", "Headhunter" o "One Vice At A Time". Si bien es cierto que sus raíces parten del enérgico y visceral hard rock de las huestes lideradas por los hermanos Young, también es cierto que ellos lo adornaron con el sonido metálico de sus guitarras y unos intrincados arreglos, convirtiendo su estilo en un heavy rock demoledor y adictivo. En 1980 esta banda suiza se consagraban definitivamente publicando su cuarto registro, este "Metal Rendez-Vous", en el cual la formación compuesta por el vocalista Marc Storace, los guitarristas Fernando von Arb y Tommy Kiefer, el bajista Chris von Rohr, el teclista Jürg Naegeli  y el baterista Freddy Steady, reflejaban su plena madurez estilística con una serie de incendiarios cortes como "Heatstrokes", "Come On", "Lady Double Dealer", "Bedside Radio", o la frenética "Back Seat Rock´n´roll", las cuales contrastan con la sugestiva balada "Streamer" o la compleja "Fire". El álbum se convertiría en uno de sus mayores logros creativos y comerciales, logrando cuatro discos de platino y unas enormes ventas a nivel europeo.

David Gilmour-About Face (1984)

Una vez terminada la relación de Roger Waters con el resto de Pink Floyd, después del álbum "The Final Cut", el guitarrista David Gilmour centro sus esfuerzos en crear su segundo álbum en solitario. Lejos de las manifestaciones políticas, o de cualquier ámbito social de Waters, Gilmour se enfocaría simplemente en mostrar su faceta de músico sin entrar en los polémicos mensajes de su ex compañero. "About Face" revela la percepción musical de un excelente guitarrista en un trabajo accesible y totalmente disfrutable. Ambientes melancólicos marcan el tono general del álbum como muestran la emotiva "Out Of The Blue" o la radiante "Love On The Air", en donde obtiene la estimable ayuda de Steve Winwwod a los teclados, que  junto a otros destacados músicos como Jon Lord, Jeff Porcaro, Bob Ezrin, Roy Harper, Ray Cooper, Pino Palladino o Michael Kamen, componen la numerosa nomina de invitados en la grabación del álbum. Los guiños a su banda madre están presentes en las progresivas "Blue Light" y "Near the End", mientras que las mas previsibles a los sonidos de los ochenta "Until We Sleep" y "All Lovers Are Deranged", ponen el digno colofón a un esfuerzo mas apetecible y menos pretencioso para el oyente medio, que los entramados reivindicativos del genial pero irascible Roger Waters.

Blodwyn Pig-Getting To This (1970)

Las inclinaciones blues del guitarrista Mick Abrahams y las determinaciones jazzisticas de violinista y flautista Jack Lancaster, impulsaron el estilo de los británicos Blodwyn Pig. Formada en 1968, Blodwyn Pig fueron una de las precursoras de los movimientos vanguardistas británicos de finales de la década de los 60, fundada por el ex componente de Jethro Tull, Mick Abrahams, junto al mencionado Jack Lancaster, al bajista Andy Pyle y al baterista Ron Berg. Con su álbum debut "Ahead Rings Out" aparecido en 1969, este cuarteto mostraba su mezcla de blues, sonidos progresivos, rock pesado y jazz rock, este ultimo estilo gracias a los saxofones y flautas jazzisticas de Jack Lancaster. Este primer álbum se convertiría en todo un clásico del blues progresivo británico y a menudo es citado como una de las obras cumbres del genero. Un año mas tarde llegaba su segundo Lp, este "Getting To This", en el cual aparece como músico invitado el pianista Graham Waller. A diferencia del progresivo álbum anterior, en esta nueva entrega se orientan hacia el clásico blues rock con tonalidades experimentales y diversas, alejándose sutilmente del enfoque jazzistico, en un claro intento de expandir su paleta de sonoridades. Cortes como la rhythm and blues "Drive Me", la folk jazz progresiva "Variations on Nainos", las folk bluesy "Long Bomb Blues" y "Toys", la blues rock progresiva "San Francisco Sketches" o la jazzistica "Send Your Son To Die", supusieron ese intento fallido de expandir nuevos horizontes sonoros. 

Blackfoot-Marauder (1981)

Blackfoot fue una de las mejores bandas de rock sureño de las décadas de los 70 y los 80, aunque se diferenciaban de sus coetáneos por practicar lo que ellos mismos llamaban heavy metal sureño.
Compuesto por varios músicos de procedencia nativa de los navajos norteamericanos, grabarían algunas de las obras más memorables del género que tuvieron un gran impacto en América del Norte y en Europa.
En 1981 publicarían su trabajo definitivo que les lleva a participar en Donington en el legendario Monster Of Rock y en el Reading junto a bandas como Iron Maiden o Def Leppard.
"Marauder" era el quinto álbum de la banda, que había comenzado su carrera seis años antes con su álbum debut "No Reservations" (1975).
Sin embargo, sería su tercer álbum "Strikes" el que los catapultaría definitivamente, logrando un disco de platino por sus ventas durante 1979.
"Marauder" es considerado su trabajo de mayor calidad, reuniendo nueve temas todos ellos de gran atractivo como el poderoso "Good Morning", el sureño "Paying´For It", las melódicas "Diary Of A Workingman" y "Searchin´" y los potentes temas hard rock "Rattlesnake Rock´n´Roller" y "Dry County".

Gila-Night Works (1972)

Pese a su desacertada producción, el segundo álbum de los alemanes Gila, es todo un documento histórico de una de las formaciones de culto del krautrock. Grabado en directo en los estudios de una radio afincada en la ciudad de Colonia en 1972, "Night Works", fue el sucesor cronológico (aunque no oficial), del monumental debut de estos germanos "Free Electric Sound", un álbum en donde mostraron un ambicioso y experimental trabajo enfocados en los sonidos psicodélicos e hipnóticos de la denominada Kosmiche Music. En esta segunda entrega la formación seguía compuesta por el guitarrista y voz, Conny Veit, el bajista Walter Wiederkehr, el organista Fritz Scheyhing y el baterista Daniel Alluno. Con un estilo claramente emparentado con el debut, aquí la formación originaria de Stuttgart, siguen la estela de los sonidos ácidos y lisérgicos de los primeros Pink Floyd liderados por Syd Barrett, con extensas jams como "The Gila Symphony", un tour de force en donde se dan cabida desde pasajes atmosféricos y alucinantes, hasta grandes interacciones entre un pesado órgano Hammond y las guitarras mordaces bajo el embrujo de una poderosa y brutal sección rítmica. Además de esta impresionante pieza, aquí aparecen memorables pasajes instrumentales como la heavy rock psicodélica “Around Midnight”, la lisérgica “Braintwist”, la hipnótica “Trampelpfad” o la atmosférica “Communication II”

Arena-The Visitor (1998)

El tercer álbum de los británicos Arena es uno de los más aclamados y elogiados registros del neo progresivo, una admirable obra de inteligente fusión compuesta por exuberantes melodías y un vibrante rock bajo una intrincada y apasionada musicalidad. En esta nueva entrega la banda presentaba un nuevo guitarrista, John Mitchell el cual sustituía a Keith Moore, convirtiéndose en una de las piezas fundamentales con sus riffs pesados y sus tremendos solos melódicos. A ello hay que sumarle los espeluznantes teclados del líder del grupo, Clive Nolan quien crea unas sonoridades multi capas, orquestaciones grandilocuentes y unos sintetizadores espaciales y oníricos. Por su parte la apasionada y expresiva al mismo tiempo que delicada voz de Paul Wrightson, ayuda enormemente a que este álbum conceptual refleje el porque es uno de los grandes discos del neo progresivo de la historia.

Hawkwind-X In Search Of Space (1971)

Con "X In Search Of Space", los británicos Hawkwind empezaron a aclarar su rumbo estilístico hacia el space rock psicodélico, después de un primer y difuso primer álbum. En esta ocasión las huestes lideradas por el guitarrista y cantante Dave Brock, se orientan hacia un estilo repleto de ritmos consistentes, unos poderosos riffs y sobre todo una gran cantidad de pasajes de sintetizadores atmosféricos y espaciales. Esa evolución se ve reflejada en la inicial tour de force de jazz rock psicodélico y pesado "You Shouldn´t Do That", una epopeya impulsada por un oscuro bajo, múltiples efectos electrónicos, con disonantes guitarras y unas extrañas voces, lo que la convierte en una pieza inquietante e hipnótica. Por un sendero parecido discurren las pinkfloydianas "You Know You´re Only Dreaming" y "We Took The Wrong Step Years Ago", ambas en un tono mas suave y acústico que la anterior, mientras que la gratificante "Master Of The Universe" es el momento mas accesible y pegadizo de todo el álbum. A partir de aquí y durante varios años, Hawkwind se convertirían en los amos y señores del genero del space rock, publicando una serie de obras maestras como "Doremi Fasol Latido" (1972), "Hall of the Mountain Grill" (1974) o "Warrior On The Edge" (1975).

Gurnemanz-No Rays Of Noise (1977)

Gurnemanz fueron una increíble formación alemana que influenciados por los sonidos del folk progresivo de sus coetáneos británicos Fairport Convention, Steeleye Span o The Pentangle, tuvieron una encomiable carrera artística lanzando tres sorprendentes álbumes en los años 70, muy apreciados por los eruditos a los sonidos semi acústicos del folk rock. Su creación data de principios de los 70 en la ciudad alemana de Bergheim, cuando se reunieron Lukas Wolfgang Scheel (guitarra, voz, mandolina, banjo, laúd); Manuela Schmitz (voz, percusión y flauta), Siegfried Bushuven (contrabajo) y Wolfgang Riedel (guitarra, voz y armónica), además de las asiduas colaboraciones del teclista Georg "Köbi" Köberlein y del percusionista Bernie Schacht. Sus dos primeras obras de carácter meramente acústico, fueron lanzadas por el sello subsidiario alemán de la Emi Electrola, esos álbumes son "Fair Margaret and sweet William" (1972) y "Spielmannskinder" (1975). En 1977 llegaría el epitafio de la banda este "No Rays Of Noise". En este tercer trabajo la bella voz de Manuela Schmitz, con su sosegada línea vocal encaja perfectamente en las atmósferas pastorales y acústicas de reminiscencias psicodélicas, letras poéticas y ambientes hippies hermosamente oníricos, todo ello bajo una gran musicalidad variada y rica en instrumentos acústicos como mandolinas, laúdes, kazoo, armónicas o flautas.

Reo Speedwagon-Hi-Infidelity (1980)

Reo Speedwagon son una de las fundamentales bandas del AOR y el rock melódico, que supieron proporcionar la conexión perfecta de esos estilos con la música norteamericana de raíces en álbumes como "You Can Tune A Piano, But You Can't Tuna Fish" lanzado en 1978.
Una banda que marcaría tendencias y que en 1980, con su álbum "Hi-Infidelity" vendería la friolera de casi 10 millones de copias en todo el mundo.
Un disco con un repertorio simplemente brillante, un claro ejemplo de cómo hacer música con la máxima elegancia, gran gusto y una gran cantidad de emociones intensas y gran belleza.
Con esta obra multi-platino, el grupo había cambiado drásticamente su sonido, sobre todo en lo que respecta a los teclados, que los actualizaban a los tiempos que corrían por entonces, con una producción deslumbrante, "Hi-Infidelity" logro una claridad asombrosa con un resultado espectacular, con unos grandes sonidos gracias a las enérgicas guitarras y los efectos de reverberación que les dan una base sonora sobre la que desarrollan sus canciones.
Sin embargo y sobre todo, destaca una de las mejores baladas de la historia; "Keep On Loving You", perfecto ejemplo de lo que se denominan "power-ballad", hermosa, intensa y poderosa, además también destacaba la preciosista "Take It On The Run", mientras que el resto mantiene un altísimo nivel, con el resultado final de un álbum tan prodigioso como efectivo del mejor AOR de enorme calidad.

Bad Company-Burnin´Sky (1977)

La carrera de los incombustibles Bad Company dejo tras de si una reguera de grandes clásicos en forma de himnos generacionales del rock como "Can´t Get Enough", "Ready For Rock", "Rock Steady", "Sweet Lil´Sister" o "Good Lovin´ Gone Bad", temas todos ellos que los encumbraron como uno de los máximos exponentes del hard rock mundial. En 1977 la huestes lideradas por Paul Rodgers y Mick Ralphs, secundados por la portentosa sección rítmica compuesta por Boz Burrell y Simon Kirk, lanzaron su cuarto registro, este "Burnin´Sky" en el que muestran la faceta blues rock habitual pero con un mayor predominio en la potencia y en la vigorosidad de su repertorio. Los esplendorosos riffs de la guitarra de Ralphs junto a la poderosa contundencia del bajo y la batería de Burrell y Kirke, adornados por la prodigiosa voz de Rodgers dan como resultado un magnifico álbum compuesto por pesados cortes como "Heartbeat", "Burnin´s Sky", "Everything I Need" o "Too Bad", mientras que las blues "Morning Sun", "Leaving You" o "Like Water", nos deja el añejo regusto por la anterior formación Free. Pese a no lograr el mismo éxito que sus anteriores obras, "Burnin´Sky" se encamararía hasta el décimoquinto puesto en las listas norteamericanas, con mas del millón de copias vendidas a nivel mundial.

Iron Maiden-Powerslave (1984)

Con su quinto álbum, Iron Maiden alcanzaban la gloria de manera definitiva con un trabajo tan apoteósico como antológico. Basado en la cultura egipcia, la huestes liderada por el bajista Steve Harris, secundada por el dúo galopante de sus guitarristas Dave Murray y Adrian Smith, la portentosa batería de Nicko McBrain y la estratosferica voz de Bruce Dickinson,  lograron crear una de las obras definitivas del heavy metal épico y progresivo. Repleto de velocísimos ritmos con asombrosas instrumentaciones de intricadas guitarras, grandes estribillos y una sección rítmica brutal, se van sucediendo canciones como las vertiginosas "Aces High", "2 Minutes to Mignight", "Flash of the Blade", "Back in The Village" o "The Duellists", todas ellas bajo una intensidad sobrecogedora e infernal. En la instrumental "Losfer Words (Big´Orra)", comienzan esos sonidos arabescos de gran potencia y de considerable vigor. Llegados a este punto la icónica formación británica muestra su faceta mas compleja y progresiva presentando las descomunales "Powerslave" y "Rime of the Ancient Mariner", la primera de ellas una de las mas pesadas y oscuras que la banda haya hecho jamás, una inquietante y malvada mini epopeya dinámica alucinante y la segunda una épica composición con múltiples dinamismos rítmicos, que van desde melodías reposadas, hasta oscuras progresiones aterradoras de fulgurantes ritmos escalofriantes. "Powersalve" es sin duda uno de los picos creativos del heavy metal y de la música rock del siglo 20.

Eric Clapton-Slowhand (1977)

Este es el álbum que todos asocian con una de las canciones más exitosas de Eric Clapton; "Cocaíne", pero que sin embargo contiene muchos más elementos que esa mítica canción.
Una obra que no solo destaca por su guitarra, sino también por sus grandes composiciones.
Es lógico que si lo sea porque "Cocaine" es uno de los temas más emblemáticos del rock y no solo por su música sino también por su temática.
Sin embargo, sería injusto ignorar grandes joyas como la maravillosa "Wonderful Tonight", llena de belleza y dulzura o el poderoso country "Lay Down Sally", ambas canciones compuestas por Clapton.
Este trío de canciones hizo de este álbum, un hecho memorable y esencial que trasciende más allá del tiempo.

The Storm-The Storm (1991)

Uno de los álbumes antológicos por excelencia del género del rock melódico y al mismo tiempo uno de los pocos de una banda debutante que se convirtió en un hito sin precedentes.
The Storm era una súper banda formada a principios de los noventa por tres componentes de Journey; Gregg Rolie, Ross Valory y Steve Smith, a los que se unieron el ex cantante del grupo 707, Kevin Chalfant y el guitarrista Josh Ramos.
En 1991 lanzaron su primer álbum genéricamente titulado "The Storm" bajo el sello Interscope, un trabajo absolutamente soberbio, logrando con este debut los más altos niveles en las listas de música rock y AOR.
Un álbum lleno de furia, melodías de gran clase y elegancia, que con tan solo dos álbumes (este y el posterior "Eye of the Storm" publicado en 1995), se colocaron a la altura de los más grandes como Survivor, Boston, Foreigner o Journey.
Con un inicial "You Keep me Waiting" donde rezuma elegancia y una melodía irresistible, el espectacular y enérgico "You´re Gonna Miss Me", el soberbio medio tiempo melódico "Call Me", la maravillosa balada "Show Me The Way", el fantástico "Take Me Away" o el asombroso y perfecto "Can´t Live Without Love", hacen de este álbum una obra maestra sin paliativos del rock melódico.

Gary Moore-Still Got The Blues (1991)

Gary Moore debutó profesionalmente a finales de la década de 1960, tocando en bandas como Colosseum II o Skid Row (no confundir esta ultima con la banda del mismo nombre de la década de los años 80).
En Skid Row conocería a Phil Lynott, con quien colaboraría más tarde con Thin Lizzy y grabaría el álbum "Black Rose" en 1979. Aunque Gary Moore tiene excelentes trabajos de hard rock que han marcado una época como su debut "Corridors of Power", o los siguientes "Victims Of The Future", "After The War" o el excelente "Wild Frontier", aquí nos ocuparemos de su etapa blues con el magnifico "Still Got The Blues".
Publicado por Virgin Records en 1990, supuso el acercamiento definitivo al amado blues del virtuoso guitarrista irlandés, y que ya no abandonaría hasta los últimos días de su vida. "Still Got The Blues" es un disco sostenido por el blues, pero rabiosamente rock y descarado, alejado de la tristeza y melancolía que se le atribuye al estilo afroamericano de América.  La esencia de este trabajo se basa en cómo Gary Moore es capaz de hacer hablar a su Les Paul en cada uno de los cortes que la componen y cómo rinde homenaje a las grandes bandas y solistas que más le influyeron en su carrera profesional.
La mayoría de temas son versiones de autores reconocidos como A.C. Williams y su "Oh, Pretty Woman", interpretado por primera vez en 1966 de la mano de Albert King, quien también colabora con las seis cuerdas en "Still Got The Blues", una canción que respira sensualidad.
Otras  versiones son "Walking By Myself", del bluesman Jimmy Rogers, con la colaboración de Frank Mead a la armónica; "Too Tired", interpretado por Johnny Watson en 1955;  "As the years go", atribuido a Dan Malone; "That Kind Of Woman", del ex-Beatle George Harrison, quien canta y toca la guitarra junto a Moore; “All Your Love” de Otis Rush y “Stop Messin’ Around ”, grabada originalmente por Fleetwood Mac en 1968 y compuesta por Peter Green.

Todos estas soberbias versiones son interpretados a la perfección por un Gary Moore que desborda un brillante talento y un feeling a raudales.

Billy Cobham-Total Eclipse (1974)

"Total Eclipse" el tercer álbum del prestigioso baterista Billy Cobham, es un digno sucesor de sus dos obras predecesoras, los antológicos "Spectrum" (1973) y "Crosswind" (1974). Producido por el ingeniero de sonido Ken Scott, el cual venia de producir el aclamado "Crime Of The Century" de Supertramp, esta grabado por los mismos músicos que el mencionado "Crosswind", a excepción de George Duke, sustituido por Milcho Leviev. El resto son Michael y Randy Brecker, David Earle, John Abercrombie, Cornell Dupree, Glenn Ferris, Alex Blake y Sue Evans. Compuesto por dos extensos cortes como son la elaborada epopeya "Solarization", que dividida en cuatro partes presenta una enérgica y progresiva pieza de jazz rock y la excelente jazz ambiental "Sea Of Tranquility", son sin duda los momentos cumbre del álbum, a ellas hay que sumarles las entretenidas jazz fusión "Moon Germs", "Lunarputians" y "Total Eclipse", unos temas que mantienen dignamente el alto nivel general del trabajo con una gran labor por parte de la sección de metales compuesta por los hermanos Brecker y Glenn Ferris y la siempre distintiva batería de Billy Cobham.

Anthony Phillips-The Geese and The Ghost (1977)

Casi siete años después de abandonar Genesis, Anthony Phillips lanzó su primer álbum en solitario, “The Geese and The Ghost”, el cual fue muy bien recibido por el público y la critica de la época.
Para la grabación del mismo, varios de sus ex compañeros de grupo como eran Mike Rutherford y Phil Collins, entre otros músicos de renombre, colaboraron en este álbum.
Una obra dominada por aires medievales e isabelinos, guitarras clásicas, acústicas y eléctricas de 6 y 12 cuerdas, pianos y otros instrumentos de cuerda como el bouzouki.
Piezas instrumentales como la magistral “Henry: Portraits From Tudor Times” con sus seis partes y “The Geese and the ghosts parts 1 y 2”, esta última compuesta a dúo con Rutherford, dan una clara esencia y magnitud del potencial de este formidable trabajo de rock sinfónico progresivo.

Tamam Shud-Goolutionites and the Real People (1970)

Bajo una preciosista portada, se esconde un album conceptual simple pero muy efectivo titulado “Goolutionites and the Real People“, y en su interior sus creadores, la banda australiana Tamam Shud, muestran un deleite artístico donde se dan cabida desde las experimentaciones progresivas, hasta las improvisaciones instrumentales, pasando por el jazz, la psicodélica y el hard rock. Formada en 1967 en Sydney, su núcleo principal estaba compuesto por Dannie Davidson (batería), Zac Zytnic (guitarra), Lindsay Bjerre (voz y guitarras) y Peter Barron (bajo). En medio de la vorágine producida por emergente estilo psicodélico de la época, lanzaron “Evolution”, su álbum debut en 1969, un disco de sonidos básicos, de crudeza instrumentación que lograría cierta notoriedad al ser incluidos varios de sus temas en una conocida película australiana de surf. La incorporación de un nuevo guitarrista llamado Tim Gaze, les daría nuevos bríos, grabando un segundo larga duración al año siguiente, este "Goolutionites and the Real People". Considerado por la crítica del país de los canguros como uno de los mejores álbumes conceptuales y progresivos de Australia. En esta entrega muestran un estilo mas cohesionado y al mismo tiempo de impetuoso dinamismo, con atractivas piezas como "I Love You All" o "They´ll Take Down on The Lot", dos estupendos interludios para las composiciones de mayor envergadura "Heaven Is Closed" y "A Plague", secundadas por la mini epopeya canción que da titulo al álbum. En lo sucesivo, diferentes contratiempos llevarían a la disolución definitiva de esta efímera e interesante formación en 1972, hasta años después, cuando algunos de sus miembros reflotarían Tamam Shud, grabando los meritorios "Permanent Culture" (1994), "Eight Years Of Moonlight" (2016) y "Resonate" (2018).

Toto-Isolation (1984)

En 1984 Toto regresaban con su quinto álbum "Isolation", un trabajo en donde ya empiezan a dar muestras de cierta falta de creatividad en comparación con sus anteriores y multimillonarios registros. Para empezar la banda estrenaría nuevo cantante, Fergie Frederiksen quien sustituía a Bobby Kimball y un nuevo bajista David Hungate por Mike Porcaro, que a partir de ahora ampliaba la familiaridad del grupo con tres hermanos (cuatro si contamos a Joe Porcaro, que aparece aquí como invitado), como miembros permanentes de Toto. El resto seguía formado por Steve Lukather (guitarras y voz), David Paich (teclados), Steve Porcaro (teclados) y Jeff Porcaro (batería). Estos cambios redundarían de alguna manera en un cambio sustancial en el estilo característico de la banda, derivando su sonido hacia derroteros mucho más duros y enérgicos. Ese cambio esta claramente refrendado en piezas como la inicial "Carmen" o las siguientes "Lion", "Angel Don´t Cry", "Change of Heart" o "Isolation", las cuales sin embargo siguen teniendo esas dosis melódicas tan usuales en la banda californiana. Por otro lado las adictivas y pegadizas "Stranger in Town" (la cual se convertiría en el hit del álbum), y "Holyanna" son junto a "Endless" y "How Does It Feel", los cortes que mas se acercan al habitual e irresistible estilo de Toto.

Jan Garbarek with Stenson, Rypdal, Andersen, Christensen-Sart (1971)

Sart" supuso el tercer álbum del saxofonista noruego Jan Garbarek y su segundo bajo la batuta del sello ECM. Grabado con los mismos músicos que los anteriores trabajos (Terje Rypdal, Arild Anderson, John Christensen y Bobo Stenson), muestra la combinación entre el jazz fusión eléctrico y el jazz acústico vanguardista, con un Garbarek influenciado cada vez más en el jazz rock de Miles Davis e inspirado en el espíritu de John Coltrane y con un Rypdal reforzando ese sentimiento. Era la época mas vanguardista y progresiva de Jan Garbarek, presentando una serie de álbumes que se movían entre el free jazz, el jazz rock y el jazz progresivo. Álbumes como "Afric Peperbird" (1970), “Esoteric Circle” (1971) o este "Sart" (1971), se componían de extensos cortes vanguardistas como "Beast of Kommodo", "Blow Away Zone", Rabalder", "Karin´s Mode", Song of Space” o "Irr". A partir de aquí la dirección musical de Garbarek cambiara radicalmente proponiendo en adelante trabajos en donde incluía elementos de la world music, la música de cámara o la música ambiental, pero sin abandonar por completo la experimentación. Considerado toda una institución, Jan Garberek es un genial músico que desde que pasaría a formar parte de la elite del jazz, en gran medida gracias a sus colaboraciones con Keith Jarrett en los años 60, no ha dejado de lanzar álbumes fundamentales dentro del jazz, en los que siempre ha estado un pasito por delante de sus coetáneos, algunos de esos registros considerados obras maestras absolutas del jazz mas vanguardista.

ZZ Top-One Foot In The Blues (1994)

En 1994 la banda tejana ZZ Top lanzaba su cuarto recopilatorio “One Foot In The Blues”, el cual tenia la particularidad de contener solo temas orientados al blues rock.
Extraídos de los álbumes “ZZ Top´s First Album”, “Deguello”, “Eliminator”, “Tres Hombres”,  “Recycler”, “Rio Grande Mud” y el “Loco”, todos ellos publicados entre los años 1971 y 1983.
Aquí encontramos una extraordinaria selección de blues rock en donde los potentes riffs de la guitarra de Billy Gibbons, acompañada de la contundente sección rítmica compuesta por Dusty Hill y Frank Beard, componen un atractivo y magnifico álbum que lograría un décimo puesto en las listas del Billboard Blues norteamericano.
El power trío demuestra aquí su polvoriento estilo bluesy con cortes como el blues tejano “Brown Sugar”, el hipnótico “A Fool Your Stockings”, la funky “Hi Fi Mama”, el instrumental “Apologies To Pearly”, el adictivo “Just Got Back From My Baby´s” o la comercial “I Need You Tonight”.
Con esta compilación se muestra el estilo blues de una banda que siempre se caracterizo por su peculiar sonido arenoso de boogie rock impregnado de hard rock, que durante mas de cuatro décadas fueron una de las grandes bandas norteamericanas.

Dschinn-Dschinn (1972)

Entre la amplísima y diversa escena del Krautrock alemán, surgieron Dschinn, una efímera formación de hard rock & blues que venia precedida de otra llamada The Hurricanes y que basaba su estilo en el beat británico de los 60. Gracias a la gran popularidad que tenían por toda Alemania llamarían la atención de un empresario cazatalentos que les propuso financiarles la grabación de varios singles, con la única condición de que cambiarían de nombre. Hecho esto, uno de esos sencillos llegaría entrar en las listas de éxitos, sin embargo la época de los sonidos del pop británico estaban tocando a su fin y la banda se replantearía un cambio de estrategia musical, sustituyendo su estilo mod y pop, por el rock pesado y vanguardista que mejor se ajustaba a los gustos del publico de la época. En ese contexto llegaría su único álbum, en el cual esta banda formada inéditamente por dos bateristas; Uli Mund y Athamasios Paltoglou, mas los guitarristas y cantantes Bern Capito y Peter Lorenzo y el bajista Silvio Verfürth, confeccionaron un trabajo de hard rock con influencias blues y progresivas, en donde galopantes piezas psicodélicas como "Freedom", "Fortune", "Train", "Let´s Go Together", "I Wanna Know" y "For You Love", son lo mas destacado de un excelente álbum con mucha intensidad instrumental y de enorme personalidad vocal.

The Souther Hillman Furay Band-The Souther Hillman Furay Band (1974)

Una vez abandonaría las filas de Poco, el guitarrista Richie Furay meditaba empezar de inmediato su propia carrera en solitario, pero en vez de eso acudió a la llamada del ejecutivo de Asylum Records, David Geffen y se uniría al proyecto que este último fundaría junto vocalista y bajo Chris Hillman y al guitarrista y voz J.D. Souther. El primero provenía de emblemáticas formaciones como The Byrds, Manassas (junto a Stephen Stills), y The Flying Burrito Brothers y el segundo era un cantautor de folk que en adelante se convertiría en uno de los grandes compositores del genero trabajando para The Eagles, Dan Fogelberg, Bob Seger o Christopher Cross entre otros más. Pero ahí no quedaba todo, además Geffen también reclutaría a otros legendarios músicos de la escena del folk y el country como Jim Gordon (batería), ex Derek and the Dominos, el prestigioso teclista Paul Harris, el percusionista Joe Lala, ex Manassas, y al guitarrista Al Perkins, toda una leyenda del country y folk norteamericano. Pese al enorme ego de todos ellos, su álbum debut es una de las obras emblemáticas del country y folk rock estadounidenses, creando en un solo trabajo un repertorio de ensueño empezando por "Fallin´Love" y "Border Town", canciones que nos retraen a los trabajos de atractivas melodías country y irresistibles estribillos a sus coetáneos Poco y The Eagles. En esa misma dirección aparecen las adictivas "Trouble in Paradise", "Believe Me", "Prisoner In Disguise" o "Heavenly Fire". Como era de esperar tal cantidad de exquisitas canciones llevaría en volandas al álbum ha conseguir un onceavo puesto en las listas del Billboard y una ventas considerables en el mercado norteamericano.

Chris Rea-The Road To Hell (1989)

Chris Rea, es uno de los grandes guitarristas del rock británico que con un estilo basado en su peculiar voz rota, su original forma de tocar la guitarra y sus grandes composiciones, se ha labrado una carrera llena de discos exquisitos y de un elegante estilo.
Nacido a principios de la década de 1950 en Middlesbrough, Inglaterra, Rea ha sido un músico profesional desde principios de la década de 1970 lanzando algunos de los álbumes de soft rock más memorables.
Aunque no sería hasta 1978 cuando publica su primer disco "Whatever happened to Benny Santini", con el que lograría un disco de oro.
A partir de aquí, álbumes como "Deltics" (1979), "Tennis" (1980) o "Chris Rea" (1982), establecen una carrera en la que comienza a ser muy respetado y tomado en consideración por la crítica y el público.
Sus discos abarcan estilos tan dispares que van desde el jazz hasta el blues con grandes toques gospel, pasando por el rock y el pop que son los sonidos que destacan en sus trabajos.
En 1983 se autoprodujo el disco "Water Sign" en el que su estilo tomó un aire más electrónico y los siguientes trabajos "Wired the Moon" (1984) o "Shamrock diaries" ( 1985), mantendrán la misma tónica, siendo muy bien recibidos comercialmente.

Pero la popularidad internacional llegaría con el álbum "On the Beach" (1986), con el que logra ser número uno en diferentes países con ventas millonarias.
Los años siguientes estarán marcados por una serie de grandes discos entre los que destaca el fantástico "The Road to Hell" (1989), con el que volvería a subir a la primera posición de las listas con más de 7 millones de copias vendidas.
Un disco que contiene momentos memorables como la frenética canción que da título al álbum, la sentida "You Must Be Evil", la evocadora "Looking For a Rainbow", o la rítmica "Texas".
"Auberge" (1991), su siguiente trabajo y siguiendo la tendencia del anterior, también se convertiría en un éxito internacional, aunque en menor medida que este "The Road To Hell".

Frank Zappa and The Mothers Of Invention-Burnt Weeny Sandwich (1970)

Estamos ante uno de los álbumes más accesibles de Frank Zappa, o al menos para los estándares habituales del propio Zappa. En este entrega tenemos porciones de jazz, vanguardismo, música clásica, doo-wop y rock, en lo que podríamos definir como un collage repleto de sonidos instrumentales de “fácil asimilación” (siempre dentro del peculiar y original estilo de Zappa). El extenso "The Little House I Used To Live In" es sin embargo el momento más hipnótico y cautivador de todo este álbum, debido a sus continuos ritmos y melodías dispares que pese a su enorme complejidad, se convierte en una pieza tan atrayente como sugestiva. Otra pieza destacada es la exhibición de saxo, piano y guitarra de "Holiday In Berlin, Full Blown", mientras que "Igor´s Boogie, Phase One" es un tributo a uno de los músicos mas aclamados por el propio Zappa, Igor Stravinsky. Con "Theme From Bunrt Weeny Sandwich", Zappa intenta enfatizar el rock de guitarras sobre una trastornada percusión, la cual contrasta radicalmente con "WPLJ" y "Valarie", dos cortas piezas de puros sonidos doo woop y rhythm and blues muy pegadizos. En definitiva con este álbum Frank Zappa lograría crear una colección heterogénea de canciones que funcionan agradablemente tanto para los ortodoxos de su habitual estilo, como para los escépticos a su extravagante música.

George Benson & Earl Klugh-Collaboration (1987)

En 1987 dos de los grandes guitarristas de la historia del jazz, por un lado George Benson y por otro Earl Klugh, unirían sus talentos para grabar "Collaboration", un exquisito trabajo de smooth jazz, en donde ambos muestran sus característicos y diferentes estilos. Un álbum que pasa del jazz suave a la música de ambiente, con sutiles arreglos de sintetizador y programación de batería electrónica. La sólida y cálida ejecución de la guitarra acústica de Earl Klugh contrasta con la técnica fluida con base blues de George Benson. Ambos muestran sus asombrosas habilidades con las seis cuerdas fusionando lo acústico y lo eléctrico de manera brillante y efectiva. Para la ocasión el dúo obtuvo las colaboraciones de diferentes músicos de la escena del jazz fusión como el guitarrista Paul Jackson Jr., el teclista Greg Phillinganes, los bateristas Harvey Mason y Vinnie Colaiuta, el bajista Marcus Miller, el percusionista Paulinho Da Costa o los programadores y teclistas James Newton Howard, Jason Miles y Larry Williams. Atractivas piezas como "Mt. Airy Road", "Mimosa", "Brazilian Stomp", "Jamaica" o "Since You´re Gone", auparían al álbum hasta el primer puesto en las listas del Billboard en la categoría del mejor disco de jazz contemporáneo.

Asia-XXX (2012)

Con una portada que rinde homenaje al álbum debut lanzado en 1982, el tercer lanzamiento de la reformada formación original lleva como titulo "XXX", en clara alusión a la conmemoración del trigésimo aniversario del grupo. En este onceavo álbum bajo la marca Asia, el grupo sigue mostrando el rock clásico con influencias del rock melódico de casi todo lo publicado anteriormente, todo ello bajo una excelente producción, unas exquisitas composiciones melódicas y una refinada instrumentación. Pese al renombre progresivo del pasado de sus cuatro componentes, (Wetton, Howe, Palmer y Downes), queda claro que las tendencias sinfónicas del pasado han pasado a mejor vida en favor de un sonido mas ajustado, solidó y sobrio, moviéndose entre el rock pegadizo y atractivo, y los sonidos refinados con una instrumentación compleja y virtuosa. Ese gancho irresistible de sonidos pegadizos entremezclados con una poderosa contundencia está reflejado en "No Religion" y en "Al Gatto Nero", las cuales son compensadas por las mas pesadas e inquietantes "Ghost Of A Change" o "Bury Me In Willow" y con las melódicas y brillantísimas "I Know How You Feel", "Tomorrow The World" y "Face On The Bridge".

Scaramouche-Scaramouche (1981)

Tomando como nombre un clásico personaje italiano creado por Tibor Fiorillo, Scaramouche fueron una banda alemana de corto recorrido que lanzaron un interesante álbum de art rock/progresivo en 1981. Influenciados por los sonidos post sinfónicos muy cercanos al neo progresivo, ellos los mezclaron diferentes estilos como el pop y el convencional rock mainstream. Scaramouche estaba compuesta por Johannes Hofmann (teclados), Martin Hofmann (bajo), Tommy Weber (guitarras), Robby Stein (batería), Holger Funk (voz) y Julia Wollny (coros). Su única propuesta discográfica esta enmarcada en sonoridades que nos dejan cierto regusto a las clásicas formaciones británicas de principios de los 70, con una música eminentemente sinfónica a la que les añaden sutiles toques jazz, bluesy, rock y pop, como muestran la melódica "A Cloud In The Sky" o las semi progresivas "Only Tail The Bait", "Crentcantoe" y "Isn´t it Real".