Pink Floyd-Atom Heart Mother (1970)

Para muchos este disco supuso el inicio del fin de la era psicodélica de Pink Floyd, para otros es un mero disco de transición que fue bastante despreciado por los fans, e incluso por la propia banda, y es que la ausencia de Syd Barrett todavía pesaba mucho como una losa y socavó en parte las ideas de los miembros del grupo.
Aún así, el grupo nos deja una suite enorme, la que le da título al disco y que se convierte en una de las piedras angulares del rock progresivo.
Mención especial es el trabajo a los controles de ingeniería de Alan Parsons, que logra un sonido glorioso, con todos los instrumentos sonando de manera sublime.
En "Fat Old Sun", ya se podía intuir hacia dónde iría la banda cuando componía David Gilmour, y en "Alan's Psychedelic Breakfast", encontramos a los Pink Floyd que sonaran unos años después con una pieza soberbia, donde Wright y Gilmour están increíbles, con un sonido excelso que dejaba claro el futuro de Pink Floyd.
El álbum fue un gran éxito en los Estados Unidos y en el Reino Unido, así como en muchos otros países, logrando ventas que superaron con creces el millón de copias.

Atlantic-Power (1995)

En 1995 una banda novel llamada Atlantic debutaba con un sorprendente y soberbio álbum titulado "Power", el cual pronto fue catalogado como uno de los grandes álbumes del rock melódico. La tristemente desaparecida compañía "Music For Nations" fue la encargada de publicar este imprescindible trabajo lleno de inmensas melodías que hicieron disfrutar a los fans del genero de medio mundo y que hoy en día siguen sorprendiendo a todo el que los descubre por primera vez.
Grandes canciones como "Power Over Me", "Nothing to Lose", o "Every Beat of My Heart" son más que suficientes para definir lo que Atlantic hizo en ese álbum. Si no fuera por la producción del disco, algo justa, sería una grabación considerada una obra maestra. Aún así, entra en el grupo de bandas que habiendo editado un solo disco alcanza la categoría de mitos dentro del estilo.
Un disco que mantiene la magia después de 25 años y que con toda seguridad perdurará en el tiempo.

John Waite-No Brakes (1984)

Cuando a principios de los 80 John Waite abandonaba la banda The Babys, con los que había grabado cinco álbumes de irregular éxito, comenzó una carrera en solitario publicando algunos de los mejores álbumes de AOR de esa década. Así el tema "Change", perteneciente a su debut Ignition (1982), se colocaría en los puestos altos de las listas y llamaría la atención de los fans del AOR (Album-Oriented Rock) y las emisoras de todo el país sobre este género.
Dos años después publica su segundo trabajo titulado "No Brakes" (84), este trabajo tuvo un gran interés a nivel mundial, especialmente en Europa y Estados Unidos, principalmente por el tema "Missing you", que llegó al número uno en el "Billboard Hot 100." Este corte, un medio tiempo magnífico interpretado con fuerza y sensibilidad a partes iguales, vendió casi dos millones de copias en todo el mundo y con el tiempo acabaría siendo versionado por destacados intérpretes entre los que destacan Tina Turner o Rod Stewart.
En 1988, Waite reunió a antiguos miembros de "The Babys" para formar el super grupo "Bad English". En 1989, la balada de Bad English "When I see you smile" (escrito por Diane Warren), también alcanzó un éxito importante, aunque poco tiempo después John Waite volvería a trabajar en solitario. Desde 1995, ha producido cinco álbumes como solista, algunos de ellos muy celebrados por los fans y la crítica especializada.
Algunos de esos álbumes como "Temple Bar" (1995), "When You Were Mine" (1997), "The Hard Way" (2004), o "Downtown Journey of a Heart" (2007) tuvieron muy buenas acogidas en el ámbito del AOR.

Absolute Elsewhere-In Search Of Ancient Gods (1976)

Absolute Elsewhere fue una efímera banda británica de rock progresivo que tenía entre sus filas al famoso baterista Bill Bruford, con quien grabaron en 1976 el disco "In Search of Ancient Gods", que estaba basado en un libro de Erik Von Daniken. Un álbum íntegramente instrumental, sin complejidades, bastante melódico y claramente progresivo.
Considerado un disco de culto hoy en día, con el podemos deleitarnos con temas como el planeador "Earthbound", el experimental "Moon City" o el gran "Miracles of the Gods", una suite compuesta por 5 partes con un comienzo clónico al estilo King Crimson, que da paso a una parte más romántica con un piano de cola y un par de momentos extraordinarios de Mellotrón como la experimental "The Gold Of the Gods" o "Toktela", donde encontramos magníficas instrumentaciones de teclados y sintetizadores barrocos.
Un gran álbum instrumental que combina pasajes sencillos y accesibles con muchos teclados con interludios experimentales y electrónicos, y que tiene el incentivo de escuchar y disfrutar del siempre presente baterista Bill Bruford.

Yes-Union (1991)

Después de limar las asperezas que existían principalmente entre Jon Anderson y Chris Squire en 1990, los dos grupos de trabajo ABWH (Jon Anderson, Bill Bruford, Steve Howe y Rick Wakeman ), por un lado y lo que quedaba de los Yes por el otro (aunque en realidad Yes estaba dividido entre Trevor Rabin por un lado y Chris Squire por el otro), todos ellos con diferentes grupos de músicos, grabarían y producirían el disco "Union" en seis estudios diferentes en Nueva York, Los Ángeles y París.
Este absurdo método de trabajo supondría mucho esfuerzo para un disco de tal magnitud, además de todo ello la portada volvería a ser obra de Roger Dean y regresaría Eddie Offord en el trabajo de producción.
El disco contenía, a pesar de una evidente poca cohesión entre ellos, un repertorio muy válido como el frenético "I Would Have Waited Forever", el excelente "Masquerade", el progresivo "Miracle of Life" o el interesante "Silent Talking", mientras que el resto del repertorio es más predecible, sin demasiado interés viniendo de esos talentosos músicos.
Un disco que sin ser un mal trabajo, era inferior al que había editado ABWH dos años antes, ya que adolecían de una consistencia musical entre las dos fracciones de la banda que grabó este curioso y digno álbum.

Eric Johnson-Ah Via Musicom (1990)

La prestigiosa revista Guitar Player eligió a Eric Johnson como "uno de los guitarristas más respetados del planeta", y lo cierto es que su elogio fue más que merecido porque la música de Johnson causa un impacto inmediato.
No podía ser de otra manera y es que las canciones de su tercer disco "Ah Via Musicom", son una mezcla compacta y elegante de rock, soul, blues, jazz, fusión, folk, new-age, clásica e incluso country y western que se puede escuchar todo en los once temas que completan el álbum.
No fue de extrañar, por tanto, que "Ah Via Musicom" llegara sin problemas al disco de platino en términos de ventas, y que el tremendo single "Cliffs Of Dover" ganara el premio Grammy 1992 en la categoría "Mejor Interpretación de Rock Instrumental", superando a Danny Gatton (88 Elmira Street), Rush (Where´s My Thing?), The Allman Brothers Band (Kind of Bird) y Yes (Masquerade).
40 minutos de enorme calidad, desde la intro "Ah Via Musicom" y su continuación con "Cliffs of Dover", muestran la tremenda demostración de su virtuosismo y elegancia, en una mezcla tan emocionante como antológica. El comienzo de "Cliffs of Dover", es con un solo de guitarra que impresiona al oyente más exigente, de un virtuosismo de alto nivel.
Incluso se atreve a cantar canciones como "Desert Rose", "High Landrons", "Nothing Can Keep Me from You" y "Forty Mile Town", donde muestra grandes dotes vocales. Las tres primeras son una demostración de rock directo y virtuoso, con alguna reminiscencia de Stevie Ray Vaughan y algunas guitarras eléctricas destacadas, mientras que "Forty Mile Town" es una balada que recuerda a Joe Satriani de la época de "Flying in a Blue Dream". El estilo de Eric Johnson aquí es tremendamente melódico, bien complementada por la soberbia instrumentación de cada nota.

Dare-Belief (2001)

La banda liderada por Warren Wharton; Dare, publicó en 2001 su cuarto disco titulado "Belief", donde ampliaron sus horizontes de gran hard rock y AOR, fusionándolo sabiamente con sonidos celtas de una manera elegante y eficaz.
Ya en su anterior "Calm Before The Storm", habían introducido elementos celtas, pero sin embargo no eran tan intensos y emocionales como en este nuevo disco, que fue su trabajo más exitoso y un clásico del rock melódico.
Repleto de grandes canciones melódicas y emocionales como "Silent Thunder", "White Horses" o "We Were Friends".

38 Special-Special Forces (1982)

La historia del 38 Special es cuanto menos curiosa ya que pasaron de ser una mera banda de rock sureño de mediana relevancia de finales de los setenta a convertirse paulatinamente en una de las mejores bandas del AOR mundial con una presencia masiva en las radios FM a partir de la década de los ochenta con enorme éxito.
Con sus dos primeros discos, 38 Special mostraron una gran calidad, sin embargo estaban a la sombra de los grandes del género como Lynyrd Skynyrd, The Allman Brothers Band o The Marshall Tucker Band, por lo que a falta de un mayor éxito, decidieron hacer un cambio de estilo derivando su sonido hacia el hard rock con tintes melódicos y mas comerciales, logrando con ello estar en la cúspide del rock norteamericano de los ochenta.
Ya con su disco de 1979 "Rockin Into The Night", iniciaron ese cambio decisivo, además de lograr la colaboración primordial en las composiciones del vocalista de Survivor, Jim Peterik.
Con su siguiente disco "Wild Eye Southern Boys", la banda consigue un disco de platino por sus ventas en un álbum con un claro corte AOR orientado a las emisoras FM.
En este trabajo Peterik incluso toma mucho más protagonismo al componer las cuatro mejores canciones del álbum.
Pero sería su quinto trabajo "Special Forces", el que se convertiría en la obra maestra de 38 Special con un sonido totalmente AOR, con varios éxitos en las radios FM norteamericanas, firmados todos ellos por el mencionado Peterik como "Caught Up In You", "You Keep Me Runnin" y "Chain Lightning".
El resto del disco es un compendio de temas de hard rock sureño bastante comercial y pegadizo que mantenían el elevado tono general de un álbum soberbio, que lograría un décimo lugar en las listas del Billboard y un disco de platino por sus numerosas ventas.

Frank Marino &, Mahogany Rush-Live (1978)

Frank Marino es uno de los mejores guitarristas de la historia, pero que al mismo tiempo uno de los más subestimado del rock.

A muy temprana edad daría sus primeros pasos en la música tocando la batería, que cambiaría por la guitarra en su adolescencia.
Su influencia del estilo de Jimi Hendrix siempre lo ha perseguido, incluso la prensa sensacionalista llegó a publicar que a los 17 años fue inducido por el espíritu del propio Hendrix luego de un viaje con LDS y fue quien le enseñó los conocimientos técnicos de la guitarra (esta teoría absurda siempre ha sido una broma de mal gusto para el propio Frank Marino).
Sin embargo, es cierto que su estilo muy personal está cargado de grandes dosis de adrenalina psicodélica y mucho blues, algo que era característico de Jimi Hendrix.
En 1970 funda su banda Mahogany Rush con la que publicaría una decena de discos, todos ellos trabajos intensos donde su rápido y fluido toque pentatónico y una gran cantidad de efectos pirotécnicos a gran escala eran la característica de su inconfundible estilo.
En 1978 publicó este "Live", grabado durante su gira mundial del año anterior presentando el disco "World Anthem", y en donde hizo un excelente repaso a lo más selecto de su repertorio con los Mahogany Rush.
En este directo, Frank Marino se muestra como un destacado guitarrista, mostrando una excesiva fluidez instrumental y hasta cierto punto agresiva, así como una sección rítmica demoledora compuesta por el baterista Jimmy Ayoub y el bajista Paul Harwood, quienes hacen de esta grabación algo deslumbrante y de enorme calidad y una de las mejores grabaciones en vivo de los 70.

The Groundhogs-Black Diamond (1976)

El noveno disco de The Groundhogs, "Black Diamond", tuvo como novedad el cambio de integrantes, algo muy común en la carrera de esta mítica formación.
Este nuevo álbum salió poco después del anterior "Crosscut Saw", aquí la guitarra de su líder Tony McPhee vuelve a ser inconmensurable, sacando de sus seis cuerdas todas las posibilidades que dicho instrumento puede dar, además de utilizar numerosos efectos, que sin embargo y a pesar de la destreza, pierde en la calidad de las composiciones que se orientan cada vez más al hard rock en detrimento del blues rock.
Aún así nos dejan temas destacados como el melódico "Live Right", el hard rock "You Love Keeps Me Alive" o el instrumental "Pastoral Future".

Alice Cooper-Billion Dollar Babies (1973)

Alice Cooper es uno de los mayores talentos del hard rock y el glam rock, además de uno de los artistas más fundamentales en la evolución de los diferentes géneros que supo combinar sabiamente con una personalidad poderosa y hechizante.
"Billion Dollar Babies" es sin duda alguna su disco más exitoso y al mismo tiempo el de mayor calidad.
Es una sabia mezcla de lo contenido anteriormente en sus álbumes  "Love It To Death" (1971) y "School's Out" (1972).
Un trabajo muy homogéneo, fluido y con un sonido pulido y brillante para una serie de canciones llenas de energía, sentimiento y creatividad.
"No More Mr Nice Guy" fue el exitoso sencillo de este álbum, pero no quitó mérito al resto de las canciones, todas ellas con un gran recorrido, como el sórdido "I Love The Dead", el poderoso "Billion Dollar Babies" o el enérgico "Elected", esta última una auténtica sátira de la política y como en otros grandes temas de Cooper, un claro exponente de la influencia de The Who en su música y su vital importancia en el punk rock posterior.
Sin duda un disco de rock imprescindible, con una producción exquisita de Bob Ezrin y una calidad musical al alcance de pocos artistas.

Aerosmith-Live Bootleg! (1978)

Live Bootleg! es un álbum doble en directo, que recopila grabaciones en vivo de Aerosmith desde 1973 hasta 1978.
El titulo de este doble álbum fue diseñado así para darle cierto carácter pirata, sin apenas retoques en el estudio e incluso con errores intencionados en el set list de canciones de la contraportada.
En el momento de su publicación, la banda ya estaba establecida comercialmente en Estados Unidos gracias principalmente a obras capitales como "Get Your Wings", "Toys In The Attic" o "Rocks", pero también porque la popularidad de Aerosmith iba en aumento por los problemas internos, principalmente derivados de las drogas, especialmente por sus dos lideres principales; Steven Tyler y Joe Perry.
Aún así el hard rock de esta mítica banda aquí no sufre para nada, donde sobresalen temas como "Sweet Emotion", "Last Child", "Black In The Saddle", "Mama Kin" o Walk This Way ", sin olvidar el eterno "Dream On", que se combinan con versiones como "Come Together" de los Beatles, "Mother Popcorn" de James Brown o "Train Kept A-Rollin" de los Yardbirds.
"Live Bootleg" es posiblemente la mejor grabación en vivo de Aerosmith, muy por encima del "Classic Live" publicado en la década de los 80 o "A Little South of Sanity" de finales de la década de 1990.

Van Halen-Van Halen II (1979)

Pese a superar a su álbum debut en las listas del Billboard, el segundo de Van Halen “solo” lograría vender cerca de los seis millones de copias, una cifra bastante alejada de los once millones que consiguiera su predecesor. En parte fue debido al sistemático sonido que atrevidamente lo copiaba, con un hard rock alegre e irresistible, en donde un inconmensurable Eddie Van Halen muestra su enorme virtuosismo con las seis cuerdas como queda demostrado en “Spanish Fly”. Las poderosas “Beautiful Girls”, “Dance The Night Away”, “Somebody Get Me a Doctor”, “Outta Love Again”, “Light Up The Sky”, “D.O.A.” o “You´re No Good”, son claros exponentes del mejor hard rock de la década de los ochenta. Llegados a este punto Van Halen consolidaba con apenas dos álbumes su atractivo estilo fundamentado en la excitante voz de David Lee Roth, la sólida disciplina instrumental, la revolucionaria guitarra de Eddie Van Halen y la demoledora sección rítmica compuesta por el baterista Michael Anthony y el bajista Alex Van Halen.

Ambrosia-Somewhere I've Never Travelled (1976)

Este grupo norteamericano ha pasado a la historia del rock como una de las bandas que han combinado la perfección instrumental con excelentes conjunciones vocales, a la par que eran grandes autores y talentosos músicos, quienes consiguieron colocar algunos de sus discos en los primeros lugares de las listas de éxitos.
Formada en Los Ángeles a principios de los 70, tardarían bastante en fichar por unas discográfica, aunque se ganaron una gran reputación entre el público de Los Ángeles gracias a su estilo con cierto aire progresista.
En esos primeros tiempos, la banda era fan de formaciones como la británica King Crimson, pero también de grupos de folk y country rock como CSNY y estaban empeñados en fusionar todas sus influencias musicales para crear su propio repertorio.
Ya en su primer disco "Ambrosia" (1975), los catapultaría a la fama por el éxito de los singles "Nice, Nice, Very Nice" y "Holdin´On the Yesterday".
Su enorme calidad instrumental y vocal llamaría la atención de Alan Parsons, quien  les produjo su segundo disco "Somewhere I've Never Travelled", que definitivamente los catapultó al estrellato con este soberbio trabajo.
En este disco la banda decide incrementar su apuesta por un sonido aún más complejo y pretencioso, para ello y como recomendación de Alan Parsons, contratan a Andrew Powell, quien estaría a cargo de los arreglos orquestales, propuesta de la que se puede escuchar desde la inicial y pomposa "And" o el lujoso "Somewhere I've Never Travelled", hasta la impresionante "Cowboy Song", pasando por "Dense With Me George" una especie de homenaje a Chopin, o la antológica "We Need You Too", que componen un álbum antológico del más alto nivel.

The Eagles-Hotel California (1976)

Este álbum es sin duda un hito en la historia del rock y considerado todo un clásico, y la contribución definitiva del rock norteamericano a los años 70. Si justo antes de este disco The Eagles habían entrado en el Olimpo de las grandes bandas de rock, con una serie de álbumes memorables, con este "Hotel California" lograron lo mas difícil aún, ser números uno en prácticamente el mundo entero y conseguir realizar un trabajo soberbio, pero también refinado, alejándose sutilmente de sus primeras raíces country y dotando su música de la perfección y la madurez, y así mismo dotando al country-rock el cenit estilístico que años después culminaron otros artistas como Garth Brooks o Randy Travis entre otros. Fue sin duda la entrada de Joe Walsh, guitarrista muy experimentado proveniente de los míticos The James Gang, sustituyendo a Bernie Leadon, quien le dio esa contundencia necesaria, que junto a las voces y melodías country del resto llevaron a editar un álbum excepcional. Un trabajo que gira en torno a los excesos de la sociedad californiana de los años 70, de ambientes opresivos y el resultado incierto de esa opulencia. Tanto la canción que da titulo al disco como “New Kid in Town”, fueron directos al numero uno, aparte de llevar en volandas al propio álbum vender mas de 19 millones de copias alrededor del mundo. Pero además contiene otros grandes momentos como "Life in the Fast Lane", "Wasted Time" o "Victim of Love", dejando con todas ellas sentada la calidad compositiva de todos los miembros de la banda, que no solo sobresalían en la faceta instrumental, sino también en el de la composición de las canciones. The Eagles posteriormente editarían otro gran álbum “The Long Run”, que aunque de una innegable calidad, nunca llego a superar esta magna obra maestra.

The Spencer Davis Group-The Best Of Spencer David group Featuring Stevie Winwood (1967)

Fundada en 1963, no sería hasta mediados de esa década cuando The Spencer Davis Group saltaran a la palestra con varios hits importantes dentro del beat británico.
Formados por Spencer Davis, Steve Winwood, Pete York y Muff Winwood, sus comienzos fueron dentro de los circuitos del jazz británico de Londres.
En 1965 después de fichar para el sello Fontana graban su primer álbum "Their First", en donde su estilo se deriva hacia sonidos mas pop con fuertes influencias R&B y de donde salen algunos de los hits mas importantes de la banda como "Keep on Running" que los coloca en el primer puesto de las listas británicas.
A partir de aquí una serie de singles siguen una suerte parecida; "Somebody Help me", "Gimme Some Lovin´" o "I´m a Man", lo que les garantiza enormes ventas, mientras que su primer álbum les concede una gran prestigio entre los críticos especializados y el mundo del pop británico.
Pero la suerte les durara bien poco, en 1967 Steve Winwood les abandona para formar Traffic, el resto de componentes hacen lo mismo para seguir diferentes proyectos y solo Spencer Davis sigue al frente de una banda que ya no volvería a recalar las mieles del éxito, pese a publicar una serie de buenos discos durante la siguiente década de los 70.

Andy Summers-The Golden Wire (1989)

Después de la disolución de The Police en 1983, Andy Summers seguiría una fructífera e interesante carrera en solitario, debutando en 1987 con su primer álbum "XYZ".
Poco después de este primer trabajo, el guitarrista consiguió un contrato con el sello de música new age y fusión "Private Music" con el que publicaría los siguientes cuatro discos.
"The Golden Wire" fue el segundo publicado bajo esta etiqueta (el primero había sido "Mysterious Barricades"), y el tercero cronológicamente de su carrera.
En "The Golden Wire" Andy Summers consigue su mayor creatividad compositiva e instrumental, con un disco cerebral, lento, atmosférico y ambiental, que cuenta con un conjunto de grandes composiciones temperamentales ejecutadas de forma magistral.
Solos sinuosos como los que podemos escuchar en "A Place Of Time" y "Earthly Pleasures", canciones enérgicas "A Thousand Stones", espectrales y misteriosas como en "Imagine You" o exóticas como "Piya Tose", muestran el talento único de uno de los guitarristas más peculiares del pop y rock de las últimas décadas del siglo XX.

Petra-Back To The Street (1986)

Petra es una de las más grandes y exitosas bandas norteamericanas de todos los tiempos, y que sin embargo son una de las mas desconocidas fuera de las fronteras de su país. Formada a principios de los 70, con su pegadizo estilo de hard rock melódico y con unas letras cristianas, publicaron una veintena de álbumes, la mayoría de ellos de gran éxito mediático y comercial, logrando vender millones de discos alrededor de todos los Estados Unidos y un éxito arrollador sin precedentes entre sus coetáneos del mismo genero, obteniendo entre otros galardones, cuatro premios Grammy, además de una docena de nominaciones mas y ser la primera banda de rock cristiano en ser incluida en el prestigioso Salón de Fama de la Música Gospel. Pioneras en su genero, durante las cuatro décadas de carrera, la constante de esta ha sido la entrada y salida de numerosos componentes, manteniéndose el guitarra y vocalista Bob Hartman el como único miembro de la formación original durante todos esos años. Con un estilo inicial del rock de raíces norteamericano, fueron evolucionando hacia el hard rock melódico que practicaron durante los años 80, una década en donde consiguieron su máxima popularidad colgando el cartel "sold out" en todos los grandes estadios de Estados Unidos. Memorables álbumes como ”Never Say Die”, “More Power To Ya”, “Not Of This World”, “Beat The System”, “Captured In Time and Space”, “On Fire” o “Back to the Rock”, avalan la impresionante carrera de esta legendaria formación estadounidense. En el 2005 y tras 30 años la banda daba por acabada su carrera, pese a que durante los siguientes años han seguido actuando de manera esporádica. Uno de sus mayores logros creativos llegaría con su octavo registro, este "Back to the Street" con el cual alcanzaron un cuarto puesto en las listas de éxitos en el apartado del Billboard Top Christian Albums. Producido por el ex-vocalista de Kansas, John Elefante, lograron capturar la esencia del A.O.R. de otras bandas del genero y la mezclaron con sus letras inspiradas en los Salmos de la Biblia, adornando con unos encantadores estribillos gospel, las afiladas guitarras rock y unas fabulosas e irresistibles líneas melódicas como queda demostrado en "Back to The Street", "You Are I Am", "King´s Ranson", "Fool´s God", "Thankful Heart" o "Run For Cover".

Fish-Field Of Crows (2004)

Octavo trabajo de Fish, en el que por primera vez no utiliza el álbum conceptual, sin embargo las imágenes y referencias a cuervos aparecen en varias ocasiones.
"Field of Crows" parece más una brillante colección de canciones que una obra en su totalidad y donde Fish reafirma su enorme experiencia como poeta y compositor de canciones emotivas.
Sin que sea un disco de rock progresivo habitual, si es cierto que aquí se dan los elementos necesarios para dicho estilo, con arreglos complejos e inteligentes y una producción exquisita.
Fish siempre ha sabido dar a sus obras temas autobiográficos, letras con significados profundos, historias misteriosas y un enorme sentido literario.
Incluso hay momentos para volver atrás y añorar su tiempo como líder de Marillion como lo demuestran las enormes "The Field" o "Lost Plot", o canciones íntimas con las hermosas "Scattering Crows", "Shot The Craw" o "Exit Wound", sin dejar de lado el vigoroso rock como "Innocent Party" o "Old Crow", e incluso acomete un ejercicio de rock psicodélico en la estupenda "Numbers".

Dave Meniketti-On The Blue Side (1999)

Dave Meniketti es un formidable guitarrista que inició su carrera en la banda de hard rock Y&T a mediados de la década de 1970, con la que grabaría una decena de discos, algunos de ellos de notable éxito, culminado con éxitos mundiales como "Don´t Wanna Lose","Mean Streak" o "Summertime Girls", pertenecientes a discos de enorme calidad como "Earthshaker","Black tiger"o "In Rock we Trust", forjando así una extensa y exitosa carrera con esta banda.
En 1999 lanzó su primer álbum en solitario titulado "On the Blue Side", donde demostró su pasión por el blues.
En ese disco hay tres versiones, muy distintas entre sí pero con un denominador común: el blues.
Comenzando con una de las mejores canciones compuestas por James Brown en toda su carrera, "Man's World", seguida del clásico de Mose Allison, "Parchman Farm", y el extenso paseo de guitarra de "Loan Me a Dime" de Boz Scaggs.
En "Man´s World" Meniketti no solo lograría superar la versión original, sino también demostrar el talento sobrenatural de este músico con las seis cuerdas.

The Stone Roses-The Stone Roses (1989)

A finales de los ochenta, The Stone Roses presentaban su álbum debut en el cual mostraban la cara alegre y desenfadada del llamado britpop, con una serie de canciones que heredaban los sonidos del pop-rock de The Beatles y el folk psicodélico de The Byrds de los años 60. Fundados en la ciudad de Manchester unos años antes por el vocalista Ian Brown junto al bajista Gary "Mani" Mounfield, al baterista Alan John "Reni" Wren y al guitarrista John Squire,  crearon una colección de piezas melódicas y muy sencillas con sabor contemporáneo. Este debut es considerado una de obras fundamentales en el desarrollo y la evolución del denominado movimiento Manchester de finales de los 80 y principios de los 90. Desde marcos psicodélicos "Don't Stop", hasta los acordes y las atractivas voces de "Waterfall", pasando por las destacadas pop rock "I Wanna Be Adored", "Made of Stone" y "Bye Bye Badman", la hermosa "Lizabeth My Dear" o la compleja "I Am the Resurrection", conforman entre todas un trabajo que fue muy apreciado por la critica y un rotundo éxito en las listas de medio mundo.

The Hooters-Nervous Night (1985)

"Nervous Night", el segundo lanzamiento de los norteamericanos The Hooters, no solo es uno de los mas aclamados álbumes de los años 80, también es el que determinaría el status definitivo de esta excelente banda. Si con su debut "Amore" lanzado varios años antes bajo un sello independiente, no lograrían el despegue mediático ni comercial, con "Nervous Night", bajo la discográfica Columbia, esta banda originaria de Philadelphia, alcanzaron confeccionar uno de los trabajos mas distendidos y desenfadados del año 1985, gracias a un repertorio compuesto por canciones que se movían entre la new wave, el folk, el rock melódico y el reggae. Su alineación estaba formada por Eric Bazilian (guitarra, teclados, mandolina, saxo y voz), Rob Hyman (teclados y voz), Andy King (bajo), John Lilley (guitarra) y David Uosikkinen (batería). Las entusiastas voces de Bazilian y Hyman y el esporádico uso de instrumentos como las mandolinas, les otorgan ese distintivo sonido como muestran las pop rock "And We Danced" y "Day By Day", la contundente rock "All You Zombies", la dramática "Where Do The Children Go", la melódica "Don´t Take My Car Out Tonight" o la desenfadada "Hanging On A Heartbeat". La enorme calidad del álbum, mas los dos millones de copias vendidas en el mercado norteamericano, la convirtieron en una de las clásicas bandas del pop rock estadounidense de la década de los ochenta.

Dream Theater-Distance Over Time (2019)

Con su decimocuarto álbum "Distance Over Time", la banda neoyorquina Dream Theater volvieron a recuperar su filosofía inicial de heavy metal progresivo y directo, tras el arrebatador pero incomprendido "The Atonishing" (2016), un trabajo demasiado sofisticado y retorcido para muchos de sus fans más incondicionales. En esta nueva entrega la formación liderada por Jordan Rudess y John Petrucci vuelven a contar con la habitual estructura metálica repleta de melodías adornadas con pasajes progresivos y orquestales. Desde dinamicos lienzos gratificantes "Untethered Angel", hasta himnos accesibles "Barstool Warrior", pasando por refinadas piezas como "Out Of Reach", potentes e intensas canciones de metal progresivo "Paralyzed" y "Fall into the Light", hasta el metal mas obsesivo de "Room 137" o los rítmicos acordes del bajo de John Miyung con el funk metal de "S2N", conforman con todas ellas una vuelta sus origenes con un resultado tan brillante como sugestivo.

Bonnie Raitt-Nick Of Time (1989)

Bonnie Raitt comenzaría su carrera como cantante y guitarrista de blues rock a principios de los setenta con su álbum debut "Bonnie Raitt", que pasaría desapercibido como también ocurriría con sus trabajos posteriores hasta que en 1977 logró un éxito moderado con su disco "Sweet Forgiveness".
Sin embargo sus siguientes trabajos siguieron la tendencia de sus primeros álbumes y como consecuencia su contrato con Warner Bros fue rescindido debido a las bajas ventas a principios de los ochenta.
El resto de la década Raitt se dedica a la política, atravesando un período doloroso entregada a las drogas y el alcohol.
Casi a finales de la década recibió una oferta de la Capitol Records y con este sello grabó su décimo disco "Nick of time" (1989), con el que finalmente llegó a las portadas de la revistas especializadas de música y a las listas de éxitos casi 18 años después de su debut.
Un disco Influenciado por el blues tradicional, al que Raitt añade una dosis de country, que combina con su buena voz y su gran habilidad con la guitarra eléctrica y la guitarra slider, logrando un disco desbordado de folk blues con baladas cálidas y medios tiempos acogedores.
Aunque en realidad aquí no había cambiado nada de lo que había hecho anteriormente, sin embargo la diferencia residía en que los temas eran más rotundos y contundentes.
Un disco monumental que obtendría tres premios Grammy y unos seis millones de copias vendidas.
A partir de aquí la carrera de Bonnie Raitt emergería de manera definitiva, colaborando con los mejores músicos y consiguiendo dos discos de gran impacto como "Luck of The Draw" (1991) o "Longing in Their Hearts" (1994).

Ten Years After-A Space In Time (1971)

Tras unas memorables actuaciones en los Festivales de Woodstock y la Isla de Wight, Ten Years After habían publicado los esplendidos discos "Cricklewood Green" y "Watt", en los cuales aparecían emblematicas canciones como "Sugar The Road", "Love Like A Man", "I´m Comin´Home" o "My Baby Left Me". Meses después de "Watt", llegaría "Space in Time", un álbum que reflejaba una menor intensidad rockera y un uso mas amplio de los sonidos acústicos, en una clara orientación comercial y accesible. Un álbum que esta casi repleto de piezas basadas en las guitarras acústicas como queda demostrado en las melódicas "Here They Come", "I´d Love to Change the World", "I´ve Been There Too", "Once There Was a Time" y "Let the Sky", sin dejar de lado la contundencia habitual con el blues rock "One of These Days", el rock and roll "Baby Won´t You Let me Me Rock´n´roll You", canciones psicodélicas con la orquestada "Over The Hill" e incluso jazzisticas “Uncle Jam”. En definitiva con este sexto álbum, Alvin Lee y su banda mostraron su eclecticismo y su enorme variedad estilística facturando uno de sus trabajos más versátiles.

Dexter Gordon Quartet-Manhattan Symphonie (1978)

Dexter Gordon es uno de los legendarios saxofonistas del jazz, el comparte el olimpo con otros grandes como John Coltrane, Charlie Parker, Sonny Rollins, Stan Getz o Joe Henderson. Sin llegar a las excelencias técnicas de otros, ni tampoco ser un mago de la composición, su peculiar estilo repleto de feeling y pasión le llevo a dejar para la posteridad álbumes de gran reconocimiento y prestigio en el mundo del jazz. En 1976 cuando llevaba tras de si mas de tres décadas en el primer plano artístico, grabaría "Manhattan Symphonie" (1978) para la Columbia Records, un álbum que cronológicamente se pierde entre la maraña de sus cientos de grabaciones y el cual esta considerado una de sus mejores aportaciones al subgénero jazzistico del hard bop. Acompañado por su cuarteto compuesto por Rufus Reid al contrabajo, Eddie Gladen a la batería y George Cables al piano, Gordon nos deja aquí una serie de exquisitas melodías empezando por la magnifica balada "As Time Goes By", mientras que la influencia de Coltrane se ve reflejada en "Moment´s Notice", con un soberbio trabajo por parte del piano de Cables. La versión de la épica composición de Donald Byrd, "Tanya", muestra una relectura magnifica por parte de Gordon, unas habilidades que también están presentes de manera brillante en "Body and Soul" y en "LTD".

Egg-Egg (1970)

Egg son una de las más influyentes formaciones vanguardistas del sonido Canterbury, que con tres esplendidos álbumes publicados entre 1970 y 1974, esta considerada una banda de culto en los anales de la música rock. Su estilo orientado a la llamada música sinsentido esta representada en la emblemática "Symphony No 2" de su álbum homónimo, en la sobrecogedora jazz rock "Long Piece No 3" de su segundo álbum "The Polite Force", o en la irónica galopante "Germ Patrol" y en la emocionante "Enneagram" de su tercer y ultimo esfuerzo discográfico "The Civil Surface". Para muchos Egg compuesta por Dave Stewart (órgano y teclados), Mont Campbell (bajo y voz) y Clive Book (batería), representan la madurez y la sofisticación que en muchos momentos adolecían otras bandas contemporáneas menos talentosas, aunque mucho mas exitosas mediáticamente. En todas ellas están presentes los elementos de la música clásica impulsados por los arreglos del órgano y una sobria estructura jazzisticas, lo que les llevaron a crear tres obras maestras del germinal rock progresivo.

Rory Gallagher-Jinx (1982)

Después de publicar durante los años 70 una serie de enormes álbumes, Rory Gallagher afrontaba los ochenta con una considerable disminución discográfica. En esos años 80, el irlandés errante solo publicaría dos trabajos muy separados entre si, "Jinx" (1982) y "Defender" (1987). Este escaso bagaje discográfico llevaría la duda entre los aficionados y los propios fans, el saber si el guitarrista aun seguía en activo. Sin embargo esa disminución fue en parte debido a diferentes problemas legales con su discográfica, una severa crisis creativa y sus continuos problemas con el alcohol, hechos que sin embargo no fueron obstáculo para que en 1982 lanzara "Jinx" su noveno álbum, considerado injustamente por muchos como una obra menor dentro de su dilatada carrera. Junto a su inseparable escudero, el bajista Gerry McAvoy, mas las colaboraciones de Brendan O´Neil (batería), Bob Andrews (teclados) y Dick Parry y Ray Beavis (saxo), el guitarrista originario de la ciudad irlandesa de Ballyshannon, muestra su poderoso hard rock infectado de riffs distorsionados en una serie de canciones de sonidos férreos y tenaces como "Big Guns", "Bourbon", "Loose Talk", "Easy Come Easy Go" o la versión del bluesman Louisiana Red, "Ride On Red, Ride On".

Nina Simone-Sings The Blues (1967)

Nina Simone es otra de las grandes divas del jazz & blues norteamericano, ella fue una fabulosa cantante, una gran compositora y una excelente pianista, además de una de las mas activas defensoras de los derechos civiles de los estadounidenses durante cinco décadas. Nacida en 1933 en Carolina del Norte, a la temprana edad de 10 años ya tocaba el piano y cantaba en la iglesia local. Un hecho trascendental en su vida fue el día que sus padres que habían acudido a verla tocar el piano en la iglesia, se vieron obligados a trasladarse al fondo para cederles sus puestos a otras personas de raza blanca. Con cerca de veinte años Nina Simone se mudaría a Filadelfia, donde empezaría a ganarse la vida dando clases de piano y como corista de algunos cantantes. Poco después comenzaría su carrera actuando en el mítico Midtown Bar de Pacific Avenue en Atlantic City. Gracias a su impresionante y desgarradora voz, Nina pronto empieza a destacar y en su primer registro "I Loves You Porgy" del compositor George Gershwin, consigue un notable éxito en las listas norteamericanas. A partir de aquí la carrera de Nina será meteórica con canciones como "My Baby Just Cares For Me", "To Be Young, Gifted and Black", "Mississippi Goddman", (canciones de claro carácter político), o multitud de versiones de otros artistas como "I Put A Spell On You", de Screamin´Jay Hawkins, "Here Comes The Sun" de The Beatles o "House Of The Rising Sun" de Dave Van Ronk. Tras otros grandes éxitos derivados de su participación en varios musicales de Broadway, su canción "For All We Know" se convertiría en otro de sus clásicos. Con un estilo que transitaba entre las influencias del gospel, el blues y el jazz, Nina Simone se ganaría el respeto y la admiración del pueblo norteamericano, denominándola la "Suma Sacerdotisa del Alma", y la cual se ha convertido en toda una leyenda y un mito de la música del siglo 20.

Axel Rudi Pell-The Ballads II (1999)

Axel Rudi Pell siempre ha tenido un lado romántico a pesar de su apariencia dura y su género musical y así lo ha demostrado durante muchos años con sus famosos recopilatorios titulados "The Ballads".
Con más de 30 álbumes publicados entre álbumes oficiales y recopilatorios, Axel Rudi Pell es considerado uno de los grandes héroes de la guitarra neoclásica de la historia, compartiendo el podio con Yngwie Malmsteen, Jason Becker, Marty Friedman, Vinnie Moore o Tony MacAlpine.
Fundador a principios de los ochenta de la banda alemana Steeler con la que publicaría cuatro discos, inició su carrera en solitario publicando su primer disco en 1989 titulado "Wild Obsession".
A partir de aquí, cada cuatro o cinco álbumes, publica un recopilatorio con las baladas contenidas en esos trabajos, así como versiones de clásicos de otras bandas.
Con una técnica envidiable y un talento fuera de lo común con las seis cuerdas, Axel Rudi Pell es un compositor fantástico, dando a sus canciones sentimiento, talento, emoción, romanticismo y un sonido espectacular fruto de sus exquisitas producciones.

Jonesy-No Alternative (1972)

Otra de las desconocidas bandas del rock sinfónico británico fue Jonesy, una admirable formación que bajo el embrujo de los sonidos del Mellotrón evocaron sus influencias de los primeros King Crimson. Sus protagonistas eran el trompetista Alan Bown, el guitarrista John Evan-Jones, el teclista Jamie Kaleth, el baterista Plug Thomas y bajista Gypsy Jones. Cualquiera de sus tres álbumes publicados son joyas del proto progresivo de principios de los años 70. En su álbum debut "No Alternative" (1972), sobresalían cortes como la heavy rock progresiva "Mind of the Century", la épica emotiva "Heaven" o complejas composiciones como "1958", todo ello bajo unas mordaces letras sobre recurrentes temas como la corrupción política o el medio ambiente. La fuerte personalidad del grupo y su fascinante estilo impregnado de celestiales interacciones entre las guitarras y el Mellotrón están presentes en sus siguientes dos entregas, por un lado el elaborado "Keeping Up" (1973), con sublimes momentos como la vanguardista "Critique (With Exceptions)" o la punzante "Children" y por otro lado "Growing" (1973), la ultima entrega de esta formación, en donde se derivan hacia los derroteros del jazz rock progresivo como queda patente en "Can You Get That Together", "Hard Road" o "Know Who Your Friends Are". A pesar de su visionaria propuesta y de la enorme calidad que atesoraban, no lograron el éxito deseado por lo que algún tiempo mas tarde daban por acabado su fascinante aventura musical.

Stray-Saturday Morning Pictures (1972)

Stray fueron una legendaria formación británica encuadrada en el hard rock de principios de los 70. Formada a mediados de los 60 en Londres por el cantante y guitarrista Steve Gadd, quien junto al bajista Gary Giles, al baterista Ritchie Cole y al guitarrista Del Bromham, se ganaron el respeto en el ámbito del blues rock de la capital londinense. Gracias a sus incendiarios shows lograron un contrato con Transatlantic Records con quienes publicaron el homónimo debut en 1970, un exultante disco orientado a las guitarras con aires progresivos. En "Suicide", lanzado un año mas tarde logran captar una mejor producción y pese a estar alejados de la contundencia de su primer trabajo, consiguen crear un formidable álbum de hard rock progresivo repleto de los sonidos del Mellotron y el órgano Hammond. En "Saturday Morning Pictures" (1972) el álbum que aquí nos ocupa, la banda le da mucha mas importancia a las composiciones y a los arreglos, con un mayor protagonismo de los sintetizadores, consiguiendo su crear su esfuerzo mas progresivo y melódico. Cortes como la ambiciosa "Move That Wigwam", las tintineante hard rock "Our Song" y "Leave It Out", la melódica "Queen Of the Sea" o la compleja "How Could I Forget You", cerraban su primera época con un álbum soberbio de gran hard rock británico.

Ultra-Ultra (1975)

Ultra es considerada una banda de culto y toda una institución en San Antonio, Texas. Su explosiva mezcla de rock sureño y hard rock, les auparon hasta el status de leyendas en esas tierras tejanas. Formada a mediados de los 70 su alineación estaba formada por los guitarristas Galen Niles y Larry McGuffin, el vocalista Don Evans, el baterista Tom Schleuning y el bajista Scott Stephens. Durante años esta formación se labro una gran reputación como banda telonera de muchas formaciones icónicas que actuaban en San Antonio y en el estado de Texas. En 1975 grabaron un mini Lp con cinco temas en donde muestran su contundente hard rock repleto de magníficos riffs a dobles guitarras con esos sonidos polvorientas y unos extendidos y sobresalientes solos, secundados por una sección rítmica demoledora, y una enérgica y poderosa voz. Lamentablemente apenas tuvieron oportunidad de grabar un larga duración de manera oficial, mas allá de este mini álbum promocional de escasa tirada y repercusión promocional, debido principalmente a la enorme cantidad de competencia que había en aquellos años dentro del genero del southern rock. Años mas tarde, el sello Monster & Rockadrome Recorsd hizo justicia reeditando este mini LP en CD, mas el añadido de otras canciones que la banda había dejado grabada para un posterior album que nunca fue publicado. En el original mini álbum sobresalían todas y cada una de las piezas incluidas; "Mustants", "Android", "Battery", "Ten Years Since" y "Lamp Black, White Flight", todas ellas unas excelentes muestras de su extraordinario hard rock tejano. 

Fleetwood Mac-Fleetwood Mac (1975)

Fleetwood Mac tiene dos épocas bien diferenciadas, una primera donde el blues fue su principal género competitivo y una segunda donde predominaron los sonidos más comerciales enfocados en el rock sofisticado, sin dejar de mirar hacia las raíces de la música norteamericana.
"Fleetwood Mac" es el primer álbum de la banda de este segundo  período cronológico, editado en 1975 y con dos nuevos integrantes, por un lado el guitarrista Lindsey Buckingham y por otro la cantante Stevie Nicks.
Con estas nuevas incorporaciones la banda sufriría un cambio sustancial en su estilo musical, abandonando la senda del blues para pasar al terreno del pop-rock con pinceladas folk, estilos que para el resto de integrantes del grupo, el baterista Mick Fleetwood, la teclista Christine McVie y el bajista John McVie eran totalmente desconocidos.
Estos nuevos miembros y el cambio posterior que trajeron consigo, hicieron que el esfuerzo del giro creativo les valiera la pena de manera asombrosa en el plano comercial.
Y aunque en cuanto a ventas lo mejor estaba por llegar, este disco le proporcionó al grupo su primer número uno en Estados Unidos además de altos puestos en Reino Unido.
Tanto Nicks como Buckingham dieron su toque personal a la música de la banda con canciones como "Rhiannon" que aportaron una gracia etérea, mientras que el talento de la guitarra de Buckingham creó un sonido más rock en la canción de apertura "Monday Morning" y en la épica "I´m So Afraid".
Todo este conjunto de canciones trajo un equilibrio con mucha habilidad a las habituales canciones de amor de la principal compositora del grupo Christine McVie, y de hecho son las canciones de esta, las que aportan la calidez necesaria como "Warm Ways" o "Over My Head".
Con el paso del tiempo el álbum se ha convertido en uno de los más vendidos del grupo, alcanzando cifras millonarias y cinco discos de platino solo en los Estados Unidos.

Andreas Vollenweider-Trilogy (1990)

"Behind The Gardens, Behind The Wall, Under The Tree" fue el disco que haría conocido mundialmente a Andreas Vollenweider, y aunque no es su mejor trabajo, fue el comienzo de una brillante carrera con una serie de álbumes que lo han catapultado como uno de los pioneros y máximos representantes de la nueva era.
Sin embargo, habría que aclarar varias cuestiones antes de centrarnos en este músico, y es que una de las peculiaridades de la nueva era es que es un género que se abrió a artistas de diferentes orígenes geográficos.
Esta particularidad difiere notablemente con respecto a otros géneros, que suelen estar vinculados a lugares concretos y desde allí se expandieron al resto del mundo.
En la nueva era podemos encontrar diversidades tan lejanas como músicos electrónicos, artistas de bandas de rock que comenzaron su carrera en solitario, folcloristas de diferentes países, compositores de musicoterapia, músicos de jazz que no hacían jazz, músicos que se agobiaban por no cantar o músicos clásicos que no hacían música clásica entre muchos otros ejemplos.
Todo esto acabó agrupando gaiteros irlandeses, músicos de sitar, guitarristas europeos, cantantes tibetanos, percusionistas latinos o sintetistas japoneses y casi cualquier combinación de instrumentos que exista en un mismo género.
Vollenweider podría clasificarse en la categoría de músico experimental con arpa (instrumento electro acústicamente modificado), donde los sonidos pueden ir desde jazz, al pop, pasando por la música atmosférica, la música étnica e incluso música latina, con una impresionante fusión de estilos que la convierten en música de vanguardia con ciertas dosis de experimentación.

De 1981 a 1984 Vollenweider realizó tres álbumes que hoy se consideran obras maestras de la nueva era, "Behind The Gardens, Behind The Wall, Under The Tree", "Caverna Magica" y "White Winds".
En 1990 se publicó el álbum doble "Trilogy", recopilación de estos tres álbumes, más una nueva composición titulada "Pace Verde" y una selección de "Eine Art Suite", el primer álbum de Vollenweider publicado en 1979 pero que sin embargo fue posteriormente descatalogado.

Mostly Autumn-For All We Shared (1998)

De las cenizas de una banda de covers de Pink Floyd, surgiría a mediados de los  90 Mostly Autumn, una ecléctica formación que bebía de las fuentes de múltiples influencias que van desde el folk irlandés hasta el rock melódico, pasando por el hard rock y el rock progresivo. Originarios de la ciudad británica de York, su principal impulsor es el guitarrista y cantante Bryan Josh, que junto a la cantante y guitarra acústica Heather Findlay, el guitarrista Liam Davison, el baterista Allan Scott, el bajista Stuart Carver, el teclista Lain Jennings, el violinista Bob Faulds y el instrumentista tradicional Kev Gibbons, publicaron su álbum debut en 1998. En esta primera entrega muestran una rica fusión de elementos vanguardistas influenciados por los mencionados Pink Floyd y Jethro Tull, enmarcados con las atmósferas celtas bajo la sensual voz de Heather Findlay. Repleto de canciones melancólicas y pastorales, creando desafiantes ambientes musicales con grandes dosis de folk, en donde los violines, las flautas, las gaitas y otros instrumentos tradicionales, son el perfecto contrapunto a las electrizantes guitarras y a las sutiles estructuras del rock sinfónico.

Supertramp-Some Things Never Change (1997)

Con "Some Things Never Change", el décimo álbum de Supertramp, Rick Davies abraza con descaro los sonidos del jazz y del blues alejándose casi por completo de las incursiones progresivas y de los temas de pop sofisticados de su dos lanzamientos anteriores "Brother Where You Bound" y "Free As A Bird". En esta nueva grabación Davies volvería a contar con dos de sus compañeros de la era dorada del grupo, el saxofonista John Helliwell y el baterista Bob Siebenberg, complementando la formación con el guitarrista Carl Verheyen, el bajista Cliff Hugo y el cantante y guitarrista además de teclados Mark Hart, entre otros músicos adicionales. "Some Things Never Change" esta compuesto por un repertorio de exquisita producción con grandes arreglos, la mayoría de ellos tomando como base el jazz y el blues, pero en donde aun conviven los sonidos progresivos de manera sutil como queda demostrado en "It´s a Hard World", un corte con ese típico sonido orgánico de Supertramp. Otros cortes como "Live To Love You" y "Get Your Act Together", mantiene ese viejo espíritu pero de manera muy sutil. Siguiendo el patrón estilístico del éxito "Cannonball" aparece "Some Things Never Change", un corte que aporta la comercialidad justa para darle el momento vivaz y fresco al álbum. La añejas "You Win, I Lose" y "C´est What?", la jazz fusion "Sooner Or Later", la bluesy "Help Me Down That Road" o la melódica "Give Me A Change", conforman entre todas ellas un dignísimo trabajo que sin llegar en absoluto a sus excelentes trabajos de los 70, dejaban intacta la enorme credibilidad de una de las mas grandes bandas de todos los tiempos.

Marillion-Marbles (2004)

Durante la segunda parte de la década de los 90, Marillion habían predicado en el desierto lanzando una serie de álbumes bastante previsibles que marcarían el punto creativo mas bajo de toda su extensa discografía. Álbumes como el poco entusiasta "Radiation" (1998), el previsible pop-rock "Marillion.com" (1999) y el continuista "Anoraknophobia" (2001), dejaron cierto malestar entre sus fans mas puristas y un bajo bagaje comercial, lo que les llevaría a replantearse seriamente su futuro mas inmediato, convencidos de que por ese camino no llegaban a ninguna parte. Así las cosas, tres años mas tarde lanzaron "Marbles", un extenso doble álbum en donde se alejaban de su zona de confort para realizar uno de sus álbumes más consistentes y progresivos, rebuscando meticulosamente en sus orígenes musicales con un neo progresivo intenso y memorable. Desde épicas epopeyas progresivas como "Ocean Cloud", hasta la intensa "Neverland", pasando por la melancólica "The Invisible Man" o las conmovedoras "You´re Gone" y "Fantastic Place", muestran que aun no habían perdido la esencial musical original que había comenzado dos décadas antes. Sin embargo también hay espacio para el soft rock melódico y comercial como ocurre con las pegadizas "Don´t Hurt Yourself" o "Angelina". Con este soberbio álbum (el decimotercero), Marillion entrarían en una fase de gran creatividad, confeccionado excelentes trabajos como son los siguientes "Happiness Is The Road" (2008), "Sounds That Can´t Be Made" (2012) y "Fear" (2016).

Eloy-Eloy (1971)

La carrera de los germanos Eloy siempre se caracterizo por su estilo de rock progresivo grandilocuente y espacial, repleto de alusiones a la ciencia ficción y el misticismo. Sin embargo su álbum debut poco o nada le distinguen de esa orientación musical, en esta primera entrega se enfocan en los sonidos mas enérgicos y pesados del hard rock convencional. De la formación que grabaría este primer álbum, solo tres integrantes seguirán adelante después de este disco, Frank Bonermann (guitarra), Manfred Wieczorke (guitarra y voz) y Wolfgang Stöcker (bajo), mientras que el resto estaba formado por el baterista Helmuth Draht y el organista y cantante Erich Schriever. Pese a que en un principio fueron encuadrados en el krautrock, lo cierto es que su estilo estaba más cercano al hard rock británico de bandas como Uriah Heep, Atomic Rooster o Warhorse, que al movimiento alemán repleto de improvisaciones, sonidos lisérgicos y experimentaciones. Plausibles piezas como la poderosa "Today", la psicodélica "Something Yellow", la oscura y pesada "Song Of A Paranoid Soldier", la relajante "Isle Of Sun" o la hard rock groove "Voice Of Revolution", fueron parte del digno debut de una de las formaciones mas emblemáticas y famosas que surgieron de Alemania durante la década de los 70.

The Lovin´ Spoonful-Hums Of The Loovin´ Spoonful (1966)

Formada a mediados de la década de 1960 por Zal Yanovsky y John Sebastian, The Lovin 'Spoonful fue una de las bandas de folk rock más exitosas con raíces de blues estadounidense y rivales directos de los Byrds.
En 1966 publicaron su tercer disco y su mejor trabajo "Hums Of The Lovin´Spoonful", el cual contenía excelentes canciones como "Summer In The City", "Rain On The Roof" o "Nashville Cats" que convirtieron este disco en una obra fascinante de estos grandes y atemporales de la música estadounidense, que a menudo injustamente se olvidan de mencionarlos cuando se recuerdan a los grandes de la historia del rock.

Grobschnitt-Rockpommel´s Land (1977)

En 1977 llegaría la quinta obra de los germanos Grobschnitt, para muchos una de las grabaciones progresivas mas brillantes que jamás se hayan realizado. Concebido como una obra conceptual, basada en torno a una ingenua historia de un joven inteligente a través de tierras mágicas y encontrando en ellas la sabiduría y la paz mental, en el fondo no es mas que una palpable muestra del irónico humor de esta formación alemana. En este entrega la formación compuesta por Stefan Danielak (guitarras y voz), Gerd-Otto Kühn (guitarras y coros), Volker Kahrs (teclados), Wolfgang Jäger (bajo) y Joachim Ehrig (batería y percusión), muestra su faceta mas sinfónica e intensa, con abundantes riffs y solos de guitarras, bajo unos atmosféricos sintetizadores con un concepto general que une todas sus canciones. Sin embargo también es cierto que en comparación a sus anteriores entregas, pierden algunas de sus características germinales como su extrovertida música y sus humorísticas letras, al mismo tiempo que sus efectivas guitarras hard rock aquí se tornan mas melódicas y espaciales. Pese a la ingenuidad de su historia, musicalmente presenta una fuente de creatividad inagotable, que desde la antesala que muestra el enfoque principal de la obra con la inicial "Ernie´s Reise", pasando por la entramada sonoridad sombría de "Severity Town", la aliviante y relajada "Anywhere" y la epopeya sinfónica progresiva "Rockpommel´s Land", convierten a esta obra en toda una suntuosa y esplendida muestra del rock progresivo realizado en los años 70.

The Moody Blues-The Other Side Of Life (1986)

A mediados de los ochenta The Moody Blues venían de hacer dos grandes discos como "Long Distance Voyager" (1981) y "The Present" (1983), por lo que cuando lanzaron "The Other Side of Life" habían estado inactivos por casi tres años.
Si ya en los dos álbumes anteriores el teclista Patrick Moraz había tenido una importancia vital en el sonido final de ambos, en este ya es fundamental su aporte con el uso intensivo de teclados, por contra Ray Thomas y su sonido de flauta pierde gradualmente protagonismo en la parte instrumental y también en las composiciones que aún están en manos del dúo Hayward y Lodge.
Este sería sin duda el último de los grandes discos de The Moody Blues, con un sencillo extraordinario como "Your Wildest Dreams", además de un repertorio que les seguían manteniendo como una de las grandes bandas de un altísimo nivel, digno de su pasado.
Magníficas canciones como la hermosa "It May Be a Fire", la melódica y espectacular "The Other Side Of Life" o la poderosa "Rock 'n' roll Over You", demostraron que estaban en plena forma haciendo una excelente música y manteniendo el nombre de la banda a un nivel muy alto después de tantos años.

Steve Hackett-The Tokyo Tapes (1998)

Los días 16 y 17 de diciembre de 1996 se vivió un evento histórico en el Koseinenkin Hall de Tokyo, cuando un banda formada por un súper grupo de músicos provenientes de las míticas bandas Genesis, King Crimson, Asia, Charlie y Weather Report, realizaron unos memorables conciertos que incluyeron un espectacular repertorio de algunos de los clásicos inmortales del genero progresivo. Aquella legendaria formación estaba compuesta por Steve Hackett (guitarras), John Wetton (bajo, guitarra y voz), Ian McDonald (flauta, saxo, guitarra, teclados), Chester Thompson (batería), Iron Friedman (teclados) y Julian Colbeck (teclados y voces). Esta rutilante formación acometerían una serie de miticas composiciones con una absoluta brillantez, desde clásicos de los Genesis de Peter Gabriel ("Watcher of the Skies", "Firth of Fifth" o "I Know What I Like"), hasta las tremendas "The Court of the Crimson King" y "I Talk to the Wind" de las huestes comandadas por Robert Fripp, pasando por piezas de algunos de los músicos en solitario como "Battlelines" de John Wetton, o "Riding the Colossus" y "The Steppes” de Hackett, pasando por las icónicas "Heat of the Moment" de Asia, "All Along the Watchtower" de Bob Dylan o varios temas de los Genesis post Gabriel, "Los Endos" y "...In That Quiet Earth".

Krokus-Metal Rendez-Vous (1980)

Pese a ser acusados en algunas ocasiones como un mera copia de los australianos AC/DC, Krokus supieron labrarse una carrera fructífera repleta de grandes momentos que han pasado a los anales del heavy metal mundial con sobresalientes trabajos como "Metal Rendez-Vous", "Hardware", "Headhunter" o "One Vice At A Time". Si bien es cierto que sus raíces parten del enérgico y visceral hard rock de las huestes lideradas por los hermanos Young, también es cierto que ellos lo adornaron con el sonido metálico de sus guitarras y unos intrincados arreglos, convirtiendo su estilo en un heavy rock demoledor y adictivo. En 1980 esta banda suiza se consagraban definitivamente publicando su cuarto registro, este "Metal Rendez-Vous", en el cual la formación compuesta por el vocalista Marc Storace, los guitarristas Fernando von Arb y Tommy Kiefer, el bajista Chris von Rohr, el teclista Jürg Naegeli  y el baterista Freddy Steady, reflejaban su plena madurez estilística con una serie de incendiarios cortes como "Heatstrokes", "Come On", "Lady Double Dealer", "Bedside Radio", o la frenética "Back Seat Rock´n´roll", las cuales contrastan con la sugestiva balada "Streamer" o la compleja "Fire". El álbum se convertiría en uno de sus mayores logros creativos y comerciales, logrando cuatro discos de platino y unas enormes ventas a nivel europeo.