Abandonando sus grandes desarrollos divididos en múltiples movimientos de sus obras anteriores, aquí el músico griego se enfoca en sonidos electrónicos mas terrenales y contemporáneos, que de alguna manera se adapta a los tiempos modernos con una obra mas atractiva para el gran publico.
Un álbum que contiene joyas como la animosa “The Motion Star”, en donde Vangelis deja su impronta y que nos recuerdan obras tan emblemáticas como su clásico “Spiral” de los setenta, o esa maravillosa composición llamada “Will Of The Wind” con esos sonidos de elocuentes sintetizadores, luego aparece otra monumental composición “Metallic Rain” la cual demuestra el gran talento del músico griego al combinar las poderosas percusiones con un clímax sonoro cercano al rock emulando los sonidos de guitarras distorsionadas.
La espacial “Elsewhere” es un remanso de paz entre tanto frenesí sónico, la cual da entrada a otro memorable tema como es la rítmica y enorme “Dial Out” con una desarrollo in crescendo que termina de manera apoteósica. Llegados a este punto aparece la operística “Glorianna (Hymn a la Femme), un tema que será antesala del sonido de algunos de sus álbumes posteriores, o la comercial “Rotations Logic" con esos aires orientales y una batería sincopada.
En la recta final aparecen la melancólica y encantadora “The Oracle Of Apollo” con esta característica composición de arpa de Vangelis, y la épica siniestra “Message”, uno de los momentos mas conmovedores. Mientras “Ave” es otro tema rítmico con que se nos antoja sin ser una mala composición, lo mas flojo del trabajo, para terminar con dos de las mejores piezas de este “Direct”, por un lado la sensible y delicada “First Approach” y por otro, la apoteósica “Intergalatic Radio Station”, que como su nombre deja entrever es un tema cósmico y épico, con el cual da por finalizada un LP admirable que se suma a las incontables obras extraordinarias del mítico músico griego.
Sin embargo a Bob Dylan le empezaría a quedar pequeño ese genero y decidió ampliar horizontes, por lo que se dispuso a electrificar su sonido, empezando así una nueva aventura musical, convirtiéndose en una de las máximas influencias de gran parte de la música posterior.
“Highway 61 Revisited” seria el punto de partida de ese nuevo sonido de Bob Dylan, para lo cual el musico de Minnesota forma una poderosa banda compuesta por Mike Bloomfield, Harvey Brooks, Al Kooper, Charlie McCoy, Paul Griffin, Bobby Gregg o Sam Lay. Con este plantel de lujo Bob Dylan realiza un álbum tan memorable como histórico, el cual sentaría cátedra en el mundo del rock.
Compuesto por una retahíla de canciones celebres como la inmortal “Like A Rolling Stone”, todo un clásico de la música rock con esa solida base rítmica y una concluyente y memorable melodía. Por su parte “Tombstone Blues” muestra genialmente ese blues típico del guitarrista Mike Bloomfield aderezado con un ritmo country. Mientras la espectacular folk rock “Desolation Row” o la sabor a blues “From a Buick 6” dan paso a la cadenciosa y sentimental “Ballad Of a Thin Man” con un Al Kooper extraordinario a los teclados o la atractiva folk blues “Just Like Tom Thumb´s Blues”, conformando entre todas ellas una de las obras maestras de la música rock y uno de los álbumes imprescindibles del siglo 20.
Pero haciendo un poco de historia nos situamos en el verano de 1975, justo cuando Led Zeppelin se disponen a iniciar su tour mundial promocionando su doble álbum “Physical Graffiti”, ocurre el infortunio, su cantante Robert Plant sufrió junto a su mujer un grave accidente automovilístico ocurrido en la isla griega de Rodas, en donde pasaban unos días de vacaciones y el cual esta a punto de costarles la vida.
Ese accidente y la posterior recuperación, supondría la cancelación de dicha gira y un largo retardo que duraría casi un año, hasta que incluso con un Plant aún convaleciente empezaron las sesiones de grabación del siguiente álbum “Presence”, que seria publicado a mediados de 1976.
Aprovechando esta interrupción, la Atlantic Records decidió publicar “The Songs Remains The Same”, un directo y una película grabada tres años atrás, durante los días del 27 al 29 de julio de 1973 en el Madison Square Garden de Nueva York, unos shows pertenecientes a la gira posterior al álbum “Houses Of The Holy”. Sin embargo, el laborioso proceso de mezclas y grabación en los estudios atrasaría la salida de este, hasta justo unos meses después de la publicación del mencionado “Presence”. Otra de las razones de ese retraso, fue la inconformidad del Jimmy Page sobre la calidad de las cintas grabadas esa noche, las cuales consideraba que no eran las mas idóneas para su publicación.
Dejando a un lado la película, la cual es básicamente imágenes del concierto mas una introducción de sus cuatro componentes en diferentes situaciones de su vida privada y cotidiana, el disco contiene momentos memorables como son los 27 minutos de “Dazed and Confused”, que por otro lado dada su larguísima duración se vuelve por momentos bastante tediosos, o las atronadoras “Rock and Roll” y “Whole Lotta Love”, igualmente destaca la clásica “No Quarter”, el blues “Since I´ve Been Loving You” o la extensa “The Rain Song” sin dejar de mencionar los casi diez minutos del solo de batería de John Bonham en “Moby Dick”.
Pero es sin duda una versión extendida de “Stairway To Heaven”, el momento cumbre de este álbum, en donde todos los miembros de la banda muestran una ejecución sobresaliente e impecable.
La recepción posterior por parte del publico, fue un numero uno en las listas británicas y un segundo lugar en las listas del Billboard, además de numerosos discos de platino por sus ventas a nivel mundial.
También con este album, la banda anglo-francesa daba por cerrada la trilogía comenzada un año antes con los discos “Flying Teapot” y “Angel´s Egg”, todos ellos junto a este que hoy nos ocupa, álbumes conceptuales sobre los Pothead Pixies del planeta Gong. En “You”, los Pothead Pixies se enfrentan a la trilogía Tolkien, aniquilándola por completo, burlándose de esta manera de la historia sombría de esa trilogía, prefiriendo la no menos absurda, historia del planeta Gong y su mitología.
Para esta ocasión la banda consigue repetir casi la misma formación que sus dos obras anteriores, un hecho insólito en una banda que destacaba por sus entradas y salidas continuas de integrantes.
Gracias a la perfecta sincronización de Steve Hillage, Pierre Moerlen, Tim Blake y los vientos de Didier Malherbe, el sonido se vuelve muchísimo mas atmosférico y cósmico, convirtiendo a este álbum en un verdadero trabajo de jazz y rock progresivo y no el bizarro, perturbante y disparatado estilo de sus predecesores.
“You” comienza con los temas cortos y triviales “Thoughts for Naught” y “A P.H.P.'s Advice”, piezas casi narrativas para la introducción a la siguiente y funesta “Magick Mother Invocation”, la cual es la intro de las cósmicas y espaciales “Master Builder” y “A Sprinkling Of Clouds”. Rara vez en la carrera de Gong, lograrían ser tan cautivadores con esos ritmos repetitivos y asombrosos como ocurre con estas dos impresionantes piezas de space rock.
Ya en la segunda cara, la inconsistente y extraña “Perfect Mustery”, da paso a un nuevo viaje alucinógeno de paraíso musical con la jazz rock cósmica “The Isle Of Everywhere” y la vanguardista “You Never Blow Trip Forever”, en donde la interacción de la guitarra de Hillage, queda profundamente subrayada por los teclados y las capas etéreas de los sonidos de los sintetizadores de Tim Blake.
“You” es sin duda alguna una obra tan admirable como asombrosa de una banda que baso gran parte de su carrera de un absurdo y bizarro estilo, que fue tan venerado como al mismo tiempo repudiado por la amplísima comunidad de fans del rock progresivo.
Compuesto prácticamente por temas que pertenecen a los álbumes posteriores a “Close To The Edge”, a excepción del tema “Time And A Word”, recoge material perteneciente a los álbumes “Tales From Topographics Oceans”, “Relayer”, Going For The One” y “Tormato”. Un doble directo que contiene un total de siete temas grabados en diferentes localizaciones de Estados Unidos y Europa, que van desde la gira de 1976 en apoyo al disco “Relayer”, hasta la correspondiente al "Tormato" en 1978.
Este directo tiene la particularidad de escuchar a los dos teclistas de Yes de los 70, por un lado Patrick Moraz que aparece en los temas “The Gates of Delirium” y “Ritual (Nous Sommes Du Soleil)", ambos de la gira posterior al álbum “Relayer” y a Rick Wackeman que interviene en los cinco temas restantes pertenecientes a las giras de los álbumes "Going For The One” y “Tormato”.
El resto de la formación era la clásica de la banda durante toda esa década, compuesta por Steve Howe, Jon Anderson, Chris Squire y Alan White.
Sin embargo este lanzamiento fue una jugada comercial de la discográfica Atlantic Records, a modo de epitafio, ya que cuando fue publicado a finales de 1980, ya prácticamente no existían como banda, un año antes habían sufrido la primera separación de su formación mas clásica, con el abandono de Jon Anderson y Rick Wakeman, quienes fueron sustituidos por Trevor Horn y Geoff Downes para la grabación del disco “Drama”, publicado en agosto de ese mismo año, una formación que apenas tendría recorrido y que terminarían disolviéndose en los primeros meses de 1981.
Con otra portada icónica de Roger Dean, “Yesshows” es muy destacable por una serie de versiones que a diferencia de los temas originales de estudio, suenan con un toque mas poderoso y dinámico, como ocurre con “The Gates Of Delirium”, “Parallels” o “Time and A Word”, esta ultima con una dimensión muy distinta a la versión orquestada original.
Otro de las piezas que gana muchos enteros es “Ritual (Nous Sommes Du Solelil)” que tiene una reinterpretación algo diferente a la versión de estudio, pese a la gran calidad de la original.
En definitiva un excelente documento en vivo, en donde se puede observar el desarrollo musical de la banda, desde sus primeros años y su época gloriosa hasta el final de su etapa dorada.
Así fue como Jon Hiseman (batería) y Dick Heckstall-Smith (saxo), deciden seguir por cuenta propia lejos de la escuela blues de Mayall, y formar una banda para lo que reclutan al guitarrista James Litherland, al teclista Dave Greenslade y al bajista Tony Reeves. Después de denominar esta nueva aventura como Colosseum, no tardan en llegarles ofertas de algunas discográficas, siendo definitivamente la británica Fontana quienes les contratan y les producen su primer álbum “Those Who Are About To Die Salute You” que fue lanzando a principios de 1969. En este primer álbum Colosseum muestran un estilo que fusiona a la perfección el jazz, el swing, el blues, la psicodélica y pasajes de la música clásica, todo ello envuelto en sonidos de potente rock, como queda demostrado en temas como “Mandarin” o la desatada “Debut”, mientras la parte progresiva esta en “Beware The Ides Of March” una readaptación del clásico “Toccata y Fuga en re menor” de Johan Sebastian Bach, interpretado de manera asombrosa por un Dick Heckstall-Smith apoteósico.
Después de este fastuoso debut, la banda abandona el sello Fontana y fichan por Vértigo, con quienes a finales de ese mismo año publican su segundo álbum “Valentyne Suite”, el cual comienza de manera tan espectacular como su predecesor, con la poderosa “The Kettle”, un tema infectado de sonidos rhythm and blues y la guitarra incendiaria de Litherland, por un camino similar sigue “Elegy”, pero esta vez con Dick Heckstall-Smith en el rol protagonista con su saxo y una sección de cuerdas soberbia. Llegados a este punto la banda retorna a sus orígenes blues con la parsimoniosa “Butty´s blues” en donde un órgano contagioso y la sección de metales conforman una sobresaliente pieza que produce incredulidad.
La segunda cara del vinilo original esta reservada casi exclusivamente a la suite progresiva del mismo nombre del álbum, un extraordinario ejercicio en donde se dan la mano todos los ingredientes de la banda, con una actuación soberbia de todos sus componentes, empezando por el inteligente e innovador estilo con el órgano de Dave Greenslade, el preciso y rítmico bajo de Tony Reeves, el sonido apasionado de Dick Heckstall-Smith, el potente e intrincado tamborileo del batería Jon Hiseman y la locuaz guitarra de James Litherland.
“Valentyne Suite” es sin duda una de las obras maestras de la música progresiva de finales de los sesenta, que sin embargo a pesar de los orgásmicos que fueron sus composiciones, sus múltiples y obvias influencias, aun estando muy bien estructuradas, fue una de las razones, por la falta de una originalidad única, por la que nunca pudieron competir en creatividad con sus coetáneas, como por ejemplo si los fueron, bandas como King Crimson o Yes, por solo citar dos de las mas icónicas del rock progresivo.
Este hecho levanto no pocas controversias entre los aficionados del hard rock, sobre todo entre sus fans mas acérrimos, al tener que adquirir ambas versiones por no ser el mismo disco en realidad. El proceso de grabación también fue como se supone algo caótico, para empezar en las sesiones de grabación de la versión europea, el productor elegido fue en un principio Eddie Kramer, quien después de varias semanas fue sustituido por Martin Birch, al considerar varios de los integrantes su poca conexión con el espíritu musical de la banda. También durante todo ese proceso se cambiaron algunos de los que intervinieron como Micky Moody y Colin Hodgkinson, que fueron sustituidos por el guitarrista John Sykes y el bajista Neil Murray para la edición americana.
El resto estaba formado por David Coverdale (voz), Jon Lord (teclados), Cozy Powell (batería) y Mel Galley (guitarra y voces), además de los productores Keith Olsen, John Kalonder y Greg Fulginiti. Tamaña cantidad de personal convirtió a este álbum, en uno de los mas elaborados y difíciles en toda la carrera de la banda británica.
Además de todo ello, y sin contar los diferentes estudios utilizados tanto de grabación como las remezclas, la distribución por parte de las discográfica fue igualmente diferente, mientras en USA fue la Geffen Records en el resto del mundo se encargaría la Liberty Records y para rematar el clavo las fechas de salida tampoco coincidieron, empezando por la edición británica lanzada a principios de febrero, la del resto del mundo en marzo y la norteamericana casi a finales de abril.
Son sin duda las remezclas hechas por Keith Olsen las mas adictivas, con un sonido adecuado a los gustos del publico norteamericano, con un hard rock brillante y cristalino en comparación con el sonido mas crudo y primitivo de la versión europea, aunque es esta ultima la que mejor resalta las virtudes originales de Whitesnake.
Aun así el álbum esta rebosado de magnificas composiciones como la inicial y pegadiza “Slide It In”, la demoledora “Slow´n Easy” o la cautivadora “Love Ain´t no Stranger”. La hard rock “All Or Nothing” da paso a la añeja “Gambler”, que es la antesala a la vertiginosa “Guilty Of Love”, o la hard rock “Hungry For Love”, para acabar igual que al principio, con tres majestuosas canciones como son la directa y contundente “Give Me More Time”, la elaborada “Spit It Out” y “Standing In The Shadow” un solido hard rock que esta entre los mejores temas de Whitesnake.
El álbum como era de esperar tuvo diferentes acogidas en ambos mercados, mientras en los Estados Unidos obtuvo una gran acogida consiguiendo varios discos de platino y una ventas que superaron los dos millones de copias, en Inglaterra obtuvo un discreto recibimiento y numerosas criticas por las letras de doble sentido y por las remezclas del álbum. Aún así y pasado algún tiempo lograría alcanzar una novena posición en las listas británicas y unas aceptables ventas que sumado a las mundiales alcanzarían cerca de los cinco millones de discos vendidos en total.
Su primer álbum fue publicado por el sello Parlophone, una subsidiaria de Emi en 1970, y pese a fracasar comercialmente, obtuvo grandes elogios entre la critica y los fans. Este hecho les valdría para ser contratados como los teloneros de la banda de Eric Clapton, Dave Mason y Duanne Allman, Derek and The Dominos por los Estados Unidos durante algunos meses de 1970.
Una vez acabada dicha gira Hensley y Kerslake abandonan Toe Fat para fundar Uriah Heep y son reemplazados por el guitarrista Alan Kendall y el batería Brian Glascock, con quienes lanzaron el segundo y ultimo álbum de esta banda, “Toe Fat Two” a finales de ese mismo año de 1970.
Centrándonos en su primer álbum, con una sugestiva portada realizada por Hipgnosis, Toe Fat mostraban un enérgico hard rock con pinceladas bluesy y ciertas influencias progresivas, que de alguna manera nos recuerdan a los primeros Uriah Heep.
Enérgicos protos hard rock como la inicial “Tha´s My Love For You”, contrastan con la bluesy “Bad Side Of The Moon” o con la lisérgica y pesada “Nobody”, mientras “The Wherefors And The Why”, es una melódica composición psicodélica. Otros temas destacados son la hard rock “But I´m Wrong”, la boogie folky “Just Like All The Rest” o la rítmica y acida “I Can´t Believe”.
Después del segundo álbum la banda termina por desmembrarse y algunos de sus componentes deciden seguir caminos diferentes como el guitarrista Kendall quien pasaría a formar parte de la banda de los Bee Gees o el batería Glascock quien después de un corto periplo con la banda del ex Deep Purple, Rod Evans, Captain Beyond, ingresaría en The Motels para posteriormente colaborar con artistas como Iggy Pop o Joan Armatrading.
Durante seis años esta banda mantuvo la misma formación y con ella grabaron cuatro interesantísimos trabajos que se encuadran dentro de los mejor del panorama jazz rock instrumental de la década de los 70. Sin embargo a finales de la misma, se sucedieron algunos cambios significativos, por un lado dejaron el sello Capricorn por Arista Records, por otro, después del magnifico “Night Of The Living Dregs” de 1979, el teclista Mike Parrish abandona la banda y es sustituido por Terry Lavitz, el cual imprime con sus teclados ambientes mas sinfónicos que el anterior.
El resto de la formación estaba compuesta por el guitarrista Steve Morse, el batería Rod Morgenstein, el violinista Allen Solan y el bajista Andy West.
En 1980 llegaría el quinto álbum de Dixie Dregs, “Dregs Of The Heart”, el cual se convierte en su mejor obra hasta esos momentos. Un trabajo en el que destaca sobre todo la jam jazzistica y progresiva “I´m Freaking Out”, un majestuoso corte convertido en un tour de forcé sinfónico que se convierte fácilmente en una de las mejores composiciones de la banda.
No obstante el resto sigue la habitual tendencia musical del grupo, con la rockera “Road Expoense” la progresiva Bluegrass “Pride O´The Farm”, el jazz progresivo “Twiggs Approved”, el ejercicio sinfónico “Hereatfer”, la progresiva “The Great Spectacular” o la boogie jazz “Broad Street Strut”.
En definitiva otro imprescindible álbum de Dixie Dregs, en donde todos los músicos demuestran un gran virtuosismo, destacando sobremanera, la guitarra con sonidos hard rock de Steve Morse y un repertorio con grandes melodías de enorme y complejo pero al mismo tiempo accesible jazz rock.
A lo largo de todo ese tiempo fueron durante sus primeros años la banda de acompañamiento de Bob Dylan en su gira mundial de mediados de los sesenta, cuando aún se denominaban The Hawks, además de colaborar en la grabación del famoso “Blonde on Blonde”. Posteriormente y ya como The Band publicaron algunos de los mas grandes álbumes de la historia de la música norteamericana como son “Music From Big Pink” (1968), “The Band” (1969), “Stage Fright” (1970), “Before The Flood” (1974) o "The Basement Tapes" (1975), estos dos últimos junto al propio Bob Dylan.
Como colofón a su despedida, la banda junto al promotor Bill Graham, organizaron un concierto en el legendario Winterland de San Francisco, el día de Acción de Gracias de 1976. Ese día tan señalado para los norteamericanos, el mítico lugar estaba rebosante de publico, ansioso y consciente por ver algo memorable e histórico. Para la ocasión las cámaras del director Martin Scorcerse lo filmarían todo para una película posterior.
Esa noche además de la formación de The Band, compuesta por Rick Danko, bajo violín y voz, Garth Hudson, órgano, piano, sintetizadores y saxofón, Richard Manuel, piano, órgano, batería y voz, Robbie Robertson, guitarra piano y voces y Levon Helm, batería, mandolina y voz, participa una sección de vientos y otros músicos de apoyo entre los que destacan Allen Toussaint, Tom Malone, James Gordon o John Simon. También esa noche intervienen una serie de súper estrellas invitadas, entre los que se encuentran Ronnie Hawkins, Neil Young, Van Morrison, Muddy Waters, Paul Butterfield, Eric Clapton, Neil Diamond, Bob Dylan o Joni Mitchell.
El resultado final fue un triple álbum, además de la mencionada película, que fue publicado dos años mas tarde y que recoge fielmente una noche memorable con casi tres horas de duración y que aglutina un repertorio sublime con la interpretación de los clásicos de la banda como “The Night They Drove Old Dixie Down”, “The Weight”, “Up On Cripple Creek”, “Stage Fright” o “This Wheel´s On Fire” que se alternaron con canciones de los artistas invitados como “Helpless” de Neil Young, “Caravan” de Van Morrison, “Dry Your Eyes” de Neil Diamond, “Mystery Train” de Paul Butterfield o “Further On Up The Road” de Eric Clapton. Para el final se reservaron el clásico “I Shall Be Released” y varias jams interpretados por todos los que intervinieron en el concierto, incluidos el guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood y el ex Beatle, Ringo Starr.
Este triple álbum junto a la película se convirtió en una obra de culto para los norteamericanos y considerada una de las obras maestras de la música norteamericana de todos los tiempos.
En 1965 Ted Nugent había llegado a Detroit desde su Michigan natal, donde algún tiempo antes ya había fundado la primera encarnación de esta banda, que sin embargo apenas tuvo repercusión alguna. Una vez en la ciudad del motor, volvería a reformar los Amboy Dukes con una nueva formación, la cual estaba compuesta además del propio Ted Nugent, por el bajista Bill White, el baterista David Palmer, el vocalista John Drake, el guitarrista Steve Farmer y el teclista Rick Lober. Durante algunos años la banda se convierte en una de las sensaciones en los locales y clubs de la zona de Detroit y en 1967 publican su primer álbum “The Amboy Dukes”, el cual contiene un interesante repertorio de cortes psicodélicos, pinceladas del pop británico y un enérgico hard rock.
Sin embargo y debido al descontento con el resultado final la banda se reforma dando entrada al teclista Andy Solomon y al bajista Greg Arama con quienes graban el segundo Lp del grupo, “Journey To The Center Of The Mind”.
En este segundo álbum muestra una amplia variedad de sonidos que iban desde el blues rock hasta el hard rock, todo ello aderezado con pinceladas de sonidos ácidos y psicodélicos.
El gran trabajo de las dos guitarras a cargo de Nugent y Farmer son parte fundamental del sonido, que junto al acido órgano de Arama y una correcta sección rítmica dejaron temas como la homónima que da titulo al álbum, un estupendo corte de acid rock, a la que le siguen otras destacadas piezas como el blues rock “Mississippi Murder”, la proto psicodélica “Surrender To Your Kinks”, la poderosa folk rock “Scottish Tea” o la hard blues “Dr Slingshot”.
Luego de esto la banda publicaría varios discos mas; el experimental “Migration” (1968) y el mas previsible “Marriage On The Rocks/Rock Bottom” (1970) pero sin obtener el mismo reconocimiento de este “Journey To The Center Of The Mind”.
Ya a principios de los 70 y bajo el nombre de Ted Nugent and The Amboy Dukes, se publicarían varios álbumes mas, entre los que destacaba “Call Of The Wild” (1974), para finalmente ese mismo año terminar así la aventura de esta banda y comenzar así Nugent su propia carrera en solitario que desembocaría un año después con su espléndido debut.
Para cuando apareció este doble directo, Rare Earth ya habían publicado tres álbumes de estudio, entre ellos el monstruoso “Get Ready”, la obra que los encumbraba para siempre con el tema del mismo titulo que ha pasado a la historia como uno de los himnos de la música rock.
Rare Earth baso su explosiva música en el rhythm and blues fusionado con sonidos grooves, funk y soul, en una mezcla tan electrizante como musculosa y vibrante.
Los temas que componen este doble en directo fueron extraídos en diferentes conciertos celebrados durante gran parte del año 1971, en las ciudades de Miami, Jacksonville o New York.
Con la breve apertura de la funk psicodélica “I Just Want To Celebrate” se abre la primera cara de este álbum, para a reglón seguido y durante algunos segundos escuchar al batería Pete Rivera advertir al publico que tengan precaución sobre las posibles descargas eléctricas, debido a que gran parte de la audiencia se habían aglutinado muy cerca de las orillas del Atlántico, en una playa cercana al Florida Miami Stadium. Una vez dicho esa advertencia la banda comienza su rítmica maquinaria sonora interpretando gran parte de sus grandes hits como “Hey, Big Brother”, o “I´m Loosing You”, esta ultima un ejercicio soberbio de riffs funkys con un ritmo poderoso y vibrante con los que conforman la simbiosis perfecta entre la música blues y el soul.
Después de la jam musculosa “Get Ready” con sus casi 25 minutos de música enloquecida, llegan la rítmica “What´d I Say” y la psicodélica y progresiva funk “Thoughts”. Con este directo Rare Earth confirmaron que eran una de las bandas mas icónicas y solicitadas en los Estados Unidos de finales de los sesenta y principios de los setenta, con multitudinarias giras en donde llenaban grandes estadios por las ciudades norteamericanas donde pasaban y también con una gran presencia en las listas de éxitos con millones de discos vendidos.
Compuesto por ocho temas, “Sabbath Bloody Sabbath” se abre con el tema del mismo titulo, una densa demostración de los enormes riffs de Tony Iommi y la melódica voz de un enorme Ozzy Osbourne, que entre poderosos momentos de heavy metal hay interludios de sosiega exquisitez. La desenfadada y fluida “A National Acrobat” vuelve a poner de manifiesto todo lo anterior, con esos riffs dimensionales de Tony Iommi, la voz inconmensurable de Osbourne y la sincronizada sección rítmica compuesta por Geezer Butler y Bill Ward. El idílico paisaje del bosque de Dean fue sin duda la inspiración de tema instrumental “Fluff”, que rodeado de una aura mística y bucólica nos deja sonidos acústicos bañados en cascadas de teclados, este remanso de paz es la antelación de la frenética y al mismo tiempo compleja “Sabbra Cadabra”, que pone esa nota de color progresivo al álbum.
La oscura "Killing Yourself To Live” da paso a la parsimoniosa “Who Are You?” en donde los sintetizadores le roban el protagonismo a la contundente guitarra de Tony Iommi. En contrapartida a esta ultima aparece la vivaz y dinámica “Looking For Today” con otro trasfondo progresivo, para culminar con la orquestal y una reminiscencia lejana a los The Moody Blues, “Spiral Architect”.
Sin duda alguna la estancia en aquel mítico lugar medieval, le serviría a Black Sabbath para lograr inspirarse y componer una obra extraordinaria, repleta de momentos sublimes, que bajo el auspicio de su sonido heavy metal, lograron un álbum repleto de magia y efectividad.
Formada por dos ex integrantes de esta ultima, Dave Greenslade y Tony Reeves, teclados y bajo respectivamente a los que se sumaron el teclista y vocalista Dave Lawson y el ex baterista de King Crimson; Andy McCulloch. Su primera obra fue el álbum “Greenslade”, publicado en 1973, que con una estupenda portada de Roger Dean daba paso a uno de los mejores debuts dentro del rock progresivo, que con los inconmensurables sonidos de Mellotrón y órgano, respaldados por una solida sección rítmica, y un estilo en donde se intuían matices de jazz y blues que se fusionaban con el enfoque sinfónico de su propuesta, crearon cuatro grandes obras en el periodo comprendido entre 1973 y 1975.
Este primer álbum esta compuesto por siete pistas, tres de ellas instrumentales, destacando la ingeniosa con influencia blues “An English Western”, la eficaz y vertiginosa “Feathered Friends”, la jazz progresiva “Drowning Man”, la exótica “Temple Song”, la jazz rock “Melange” o la densa y oscura “What Are You Doing To Me”. Como colofón final nos encontramos con la épica “Sundance”, sin duda el tema mas impresionante del disco y que reúne todos los elementos recurrentes y peculiares de la banda en ocho espléndidos minutos de gran sensación progresiva.
Con en este debut, Greenslade mostraron su propuesta con un excelente repertorio de material progresivo, con grandes dosis de jazz y blues, convirtiendo esta muestra, en una de las obras mas respetadas del rock progresivo de la década de los setenta.
Así pues “Straight Shooter” continuaba la senda empezada con su antecesor, con ese rock añejo, unos arreglos perfectamente alienados y efectivos, riffs potentes con grandes influencias blues y un rock solido y adictivo. Con este álbum la banda liderada por Paul Rodgers dejaba claro que su debut no había sido flor de un día y se sacaron de la manga esta antológica continuación que mantuvieron unas altas expectativas con los fans y una excelente recepción tanto de critica como comercialmente.
Un lanzamiento que contiene un irresistible repertorio de grandes temas, empezando por las magistrales “Shooting Star” y “Feel Like Makin´Love” las cuales muestran el lado melódico de Bad Company, mientras las poderosas hard rock “Good Lovin´Gone Bad”, "Wild Fire Woman” y “Deal With The Preacher” muestran su faceta mas dura, mientras la vena melancólica esta reflejada en la tierna balada “Call On Me”.
Con este nuevo trabajo, Bad Company volverían a conquistar las listas a ambos lados del Atlántico, obteniendo por ello tres discos de platino por las enormes ventas a nivel mundial.
Con este nuevo disco no solo regresaban a su fiero rock, si no también a su ecléctico sonido, donde manejaban impecablemente una pluralidad de estilos diferentes, saliendo en la mayoría de las ocasiones airosos, como era norma habitual en esta banda escocesa. Y es que Nazareth, pese a estar siempre a la sombra de las icónicas bandas del hard rock, durante mucho tiempo llegaron a codearse de tu a tu con cualquiera de ellas, con una discográfica descomunal y soberbia, como queda comprobado en la gran mayoría de sus fantásticos álbumes.
“Bundles” pese a su escaso sonido innovador o experimental, suena muy diferente a todos sus lanzamientos anteriores, algo que en cierta medida decepcionaría a muchos de sus seguidores mas ortodoxos, y sin embargo es una espléndida obra enfocada al jazz rock y al jazz fusión. La incorporación de Holdsworth además proporciona ese toque rock que la banda siempre adoleció, dominado generalmente por los teclados y las experimentaciones.
El álbum se inicia con la suite “Hazard Profile”, la cual consta de cinco partes, una excelente pieza con un Holdsworth increíble con las seis cuerdas y una perfecta interacción con los teclados. El resultado es simplemente una gran fusión de jazz y rock que se mantiene vibrante gracias al poderoso trabajo de la batería de John Marshall. No obstante la dinámica de la suite se desarrolla con diferentes variaciones que van desde la siguiente y mas atmosférica parte 2, mientras las intros de las partes 3 y 4 sirven de antesala al ultimo de los capítulos con un ritmo vertiginoso en donde destaca un gran juego de guitarra, teclados y batería.
En este punto del álbum, estos nuevos Soft Machine muestran su lado mas rock, pero al mismo tiempo exhiben su faceta mas introspectiva y delicada como queda demostrado en la inquietante y ambiental “The Floating World” que junto a la jazz atmosférica “Bundles”, la jazz rock “The Land Who Waved At Trains” y la free jazz “Peff”, conforman una obra que esta considerada un icono del jazz rock y parte fundamental en el genero progresivo.
Emerson, Lake and Palmer por su parte no se quedarían atrás y lanzarían su espectacular “Brain Salad Surgery”, el primer trabajo que publicaron bajo su propio sello Manticore Records y que inicialmente iba a ser titulado “Whip Some Skull On Ya”, y que definitivamente fue cambiado en ultima instancia por el célebremente conocido por todo el mundo.
“Brain Salad Surgery” es quizás el trabajo mas poderoso de la banda, en donde el trío consigue la dominación total a su coherencia musical y al mismo tiempo el punto culminante en su creatividad con un Emerson mostrando que es el maestro del órgano Hammond y que domina de manera sobresaliente el piano y los sintetizadores polifónicos, Carl Palmer por su parte, ofrece una interpretación solida, rápida y muy compleja, demostrando que en esos momentos estaba en su mejor momento y un Greg Lake realzando con su excelente voz el sonido general gracias a su eco sutil y fresco, además de su interpretación con el bajo, que con su complejidad soporta perfectamente las abatidas de unos teclados y una batería muy exigentes.
“Brain Salad Surgery” tiene una obvia tendencia al jazz como revelan las partes mas frenéticas y complejas de piano y batería, aunque lo interesante es que a pesar de la destacadísima actuación técnica de los tres virtuosos músicos, todos los temas son realmente accesibles, melódicos y están perfectamente estructurados que a diferencia del anterior “Tarkus”, no es tan experimental e inaccesible. Un álbum que por otra parte tiene una espléndida portada, obra del famoso artista H.R. Giger, diseñada en ese estilo surrealista y celebre por sus dibujos futuristas y entornos tenebrosos, y que algún tiempo después fue reconocido mundialmente por su obra en la película Alien, aquel funesto octavo pasajero de la celebre y famosa nave Nostromo.
La suite progresiva “Karn Evil” es el tema estrella de este álbum, con sus constantes cambios de ritmo y su complejidad instrumental, la grandilocuente “Toccatta” es un asombroso ejercicio de experimentación tecnológica a cargo de los teclados de Keith Emerson, y la épica “Jerusalem” es una soberbia re-adaptación arreglada de manera tan notable como antológica, mientras en la jazzistica “Benny The Bouncer”, Carl Palmer muestra sus enormes habilidades en la batería. En el lado melancólico y pausado se encuentra la accesible y acústica “Still...You Turn Me On”, uno de los pocos remansos de paz y sosiego de este álbum agresivo y contundente.
Con esta obra ELP subieron definitivamente al Olimpo de los Dioses del progresivo, una obra catalogada como una de las mayores aportaciones al genero, que se auparía entre los mejores y mas vendidos discos en las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico y que ha sido constantemente reeditado desde entonces con una gran aceptación por la comunidad progresiva y los seguidores al rock en general.
Sin embargo en donde realmente destacaba esta banda eran en sus explosivos directos, con una fuerza imparable entre la armónica de Magic Dick, la ardiente guitarra de J.Geils y la tremenda voz de Peter Wolf.
Todo ello quedo reflejado en su directo “Full House” publicado en 1972 y grabado en el Cinderella Ballroom de Detroit, el cual se convirtió en el punto culminante de J.Geils Band. Un directo que esta considerado uno de los grandes registros en vivo de los setenta y que contiene un repertorio fulminante e incendiario como las trepidantes “Firts I Look At The Purse” o “Looking For A Love”, la jam “Whammer Jammer”, la R&B “Hard Drivin´Man” o la blues “Server You Right To Surffer”.
Si bien la banda encontraría más tarde un gran éxito en las listas a principios de los 80, el fanfarrón y blues rock de su propuesta inicial los convirtió en uno de los grupos mas solicitados en las giras estadounidense, una época en donde llenaban estadios durante el periodo comprendido entre 1971 y 1974.
Después de este enorme directo llegaría su siguiente álbum de estudio “Bloodshot” (1973), el cual se convirtió en el lanzamiento mas exitoso de la banda hasta esos momentos, alcanzando el décimo puesto en las listas del Billboard, mientras el siguiente “Ladies Invited” (1973), aún conteniendo grandes momentos, fue el principio de su época mas previsible, alejados de su contundente propuesta inicial, pero que sin embargo reforzaría el estatus de la J.Geils Band como una de las mejores bandas del rock americano de principios de la década de los setenta.
Sin embargo el éxito mundial les llegaría por fin en 1981 gracias a su álbum “Freeze Frame”, todo un numero uno en las listas Billboard, el cual contenía las adictivas y comerciales “Centerfold” y “Freeze Frame”, temas con un claro acento pop sin alejarse totalmente de su planteamiento original con acercamientos al funk, convirtiendo este en su trabajo mas ecléctico y experimental.
La primera canción que surge de este álbum es nada mas y nada menos que “Tunnel Of Love”, un espectacular tema de ocho minutos y tal vez la mejor composición de toda la carrera de Knopfler, y que al mismo tiempo, es una de las canciones mas faraónicas de la música rock, ocho minutos repletos de pasajes instrumentales evocadores, cambios de ritmo, y una melodía pegadiza y ágil, todo ello bañado por la voz de Knopfler que envuelve y cubre cada frase. Un tema que sin embargo detrás de todo ello esconde mucha ironía sobre las relaciones y la pasión.
La frágil y inocente “Romeo and Juliet”, es al mismo tiempo un tema cautivador y dulce.
La siguiente “Skateaway” parece reducir la carga emocional de las dos anteriores con su sonido directo y algo desenfadado. Llegados a mitad del álbum aparece otro de los momentos álgidos con la pegajosa y pegadiza “Expresso Love” toda una declaración de intenciones por parte de Mark Knopfler, sobre lo que vendría algunos años mas tarde con su aclamado “Brothers In Arms”. Después de la folk con ecos a Dylan “Hand in Hand”, llega “Solid Rock” en donde la banda deja su flema y parsimonia británica atrás para descargar un poderoso tema muy en la línea de los arena-rock. Para acabar con la melancólica y tranquila “Les Boys”, la cual culmina un álbum que supero en ventas a su anterior “Communiqué”, logrando por ello media docena de discos de platino, aunque bastante alejado del impacto comercial de su enorme y soberbio debut de 1978.
Todo comenzó incluso antes de las sesiones de grabación del mencionado álbum, en esos momentos su cantante David Lee Roth empezaba a cuestionar el desvío estilístico de la banda hacia sonidos mas comerciales y electrónicos, algo que por otra parte era decisión unilateral del guitarrista Eddie Van Halen para darle a su estilo hard rock una visión mas moderna y actualizada.
Sin embargo el detonante para que el cantante decidiera abandonar la banda seria la colaboración del guitarrista en el álbum de Michael Jackson “Thriller” y mas concretamente en el tema “Beat It”. Este hecho se tradujo en la contratación de un nuevo cantante que después de sondear a varios candidatos, el puesto fue a recaer en el famoso cantante y guitarrista Sammy Hagar, reconocido a nivel mundial por haber pertenecido a bandas como Montrose, con quien grabaría los enormes “Montrose” (1973) y “Paper Money” (1974), además de una carrera bastante prolífica con álbumes muy meritorios dentro del genero hard rock americano como “Sammy Hagar” (1977), “Street Machine” (1979), “Danger Zone” (1980) o el espectacular directo “All Night Long” (1978).
Así pues con un nuevo frontman, Van Halen publicarían un nuevo trabajo dos años después del mencionado “1984” y titulado “5150” y que supuso un cambio radical al estilo del grupo, con unas composiciones mas maduras, unas letras menos joviales y que comercialmente volvió a triunfar cosechando una ventas que superaron los ocho millones de copias a nivel mundial.
Compuesto por nueve cortes, destacan la enérgica “Good Enough”, la comercial y pegadiza “Why Can´t This Be Love”, las dinámicas “Best Of Both Worlds” y “Get Up”, la AOR “Dreams”, la melódica “Love Walks In” o las contundentes “5150”, “Summer Nights” y “Inside”, estas tres ultimas, claros vestigios de la época anterior de la banda.
Su formación inicial estaba formada por el guitarrista Roye Albrighton, el bajista Derek Moore, el baterista Ron Howden y el teclista Alan Freeman. Su estilo estaba a medio camino entre el space rock psicodélico de los primeros Pink Floyd, el vanguardismo alemán de principios de los 70 y unas grandes dosis de hard rock.
Sin embargo su estilo siempre fue bastante original, en constante busca de un sonido propio y diferente a sus coetáneos. No obstante en sus primeros álbumes la tendencia musical del grupo estuvo mas cerca del rock progresivo y el rock psicodélico. En 1971 publicaron su primer álbum “Journey To The Center Of The Eye”, una antológica obra conceptual de rock psicodélico y underground, con sonidos espaciales y tremendos riffs de heavy rock. Con el siguiente y continuista “Tab In The Ocean” (1972), la banda consigue crear un disco repleto de rock progresivo épico con una excelentes armonías vocales e instrumentales. Después de un tercer lanzamiento “...Sounds Like This” (1972), mas enfocado hacia el hard rock mas convencional, llegaría otro de sus álbumes memorables “Remember The Future” (1973), que junto a los siguientes “Down To Earth” (1974) y “Recycled” (1975), conforman la trilogía mas progresiva de Nektar.
Pero centrándonos en “Remember The Future”, podemos apreciar que ya en esos momentos la banda había logrado alcanzar su madurez creativa y una progresión muy definida. Constituido por una suite dividida en dos partes, debido a la necesidades de los LP´s de vinilo, esta suite esta constituida por siete temas distintos combinados por varios interludios instrumentales. Todas ellas son composiciones autónomas que van fluyendo juntas de manera mas o menos natural, pero manteniendo una consistencia estilística lógica, mientras se va desarrollando el concepto del álbum. Esta estructura musical es muy parecida a la que años atrás ya habían utilizado The Moody Blues en sus discos conceptuales.
Pese a que musicalmente esta a un gran nivel, el factor meramente instrumental esta algo por debajo de sus publicaciones predecesores, aún así destacan las continuas interacciones de las guitarras, el órgano y el bajo, que junto a unas exuberantes armonías vocales, juegan un papel decisivo en el resultado final.
El dinamismo de “Remember The Future Part I”, contrasta con la mas progresiva y contundente segunda parte, logrando con todo ello una obra realmente completa desde el principio hasta el final.
A partir de la mencionada trilogía, los siguientes trabajos de Nektar se fueron diluyendo en obras de diferente signo musical, con sonidos mas orientados al rock melódico y mas comercial, como "Magic Is A Child" (1977) o "Man on The Moon" (1980), álbumes de gran clase y con buenas composiciones que sin embargo no lograrían el efecto que tuvieron con sus primeros lanzamientos.
Caravan históricamente fue una de las mas influyentes bandas que definieron el sonido Canterbury con grandes secuencias de jazz rock, envueltas en su espectacular instrumentación y este “Waterloo Lily” es sin duda uno de sus mayores aportaciones al estilo progresivo, con una pura redefinición de sus aspectos creativos que aportan al oyente una clara sensación de estar escuchando una gran aventura musical.
Sin embargo este álbum esta repleto de dinamismo debido a la fusión del progresivo con el jazz, derivado de la inclusión de un nuevo teclista como fue Steve Miller, un musico que fue parte fundamental de ese sonido jazz con sus armonías y solos con el piano eléctrico y que había reemplazado al mas melódico y progresivo David Sinclair.
Un álbum que muestra unas guitarras fluidas, unas grandes líneas de bajo complejas y efectivas al mismo tiempo que con un punto de improvisación y como habíamos mencionado antes, un vivaz piano de jazz que por momentos toma el liderazgo de la música aquí contenida.
Un Lp que comienza con la divertida jazz rock “Waterloo Lily” , uno de los temas mas emblemáticos de toda la carrera del grupo, continuando con la suite “Nothing At All”, un extenso tema de fusión prominente en donde sobresale el piano de Miller, la solida y potente “Aristocracy”, o la fenomenal y progresiva “The Love In Your Eye”, son sin duda una de las mayores contribuciones de Pye Hastings al repertorio de Caravan, en donde cada miembro de la banda tiene el espacio adecuado para brillar de manera notable, destacando de manera memorable, la guitarra del mencionado Hastings y el piano eléctrico de Miller.
Para finalizar este extraordinario disco aparece la pop pegadiza “The World Is Your”, que sorprendentemente no fue publicada en single.
No obstante y pese a la enorme calidad de este álbum, fue defenestrado por los fans mas puristas de la banda al considerarlo demasiado jazzistico y muy alejado de las raíces germinales del grupo.
En adelante la banda acometería sus siguientes trabajos con el abandono de Richard Sinclair y Steve Miller, dos piezas fundamentales que tuvieron repercusión en el siguiente "For Girls Who Grow Plump In The Night ", que bajo la dirección de Pye Hastings volverían a recobrar su sonido enfocado a la melodía de sus obras anteriores y a un estilo mas progresivo, aunque tenuemente alejados del espíritu inicial del sonido Canterbury.
Formados alrededor de la figura de Ashley Kozak, manager por entonces del cantautor británico Donovan, quien tuvo la sugerente idea de constituir un grupo que hicieran una especie de folk rock británico aderezado con los sonidos pop de la década de los 60. Para ello reuniría a una serie de músicos con bastante experiencia que venían precedidos de bandas de claro corte progresivo y psicodélico de finales de los 60.
Empezando por el cantante y compositor Terry Shaddick, el cual se consolidara como líder del grupo y el único miembro estable en una banda que pasaría por diferentes cambios de formación a lo largo de los tres años que duraría la carrera de Tranquility.
Gracias a Kozak consiguen un contrato con la discográfica Epic Records, quienes les financian su primer larga duración en 1972 titulado genéricamente "Tranquility". En esta primera entrega, la banda muestra un suave y híbrido estilo entre los sonidos del flower power de la costa oeste norteamericana y el folk británico, con atractivas melodías vocales e influencias mas que evidentes de The Beatles.
En este primer álbum destacaban la folk rock "Try Again", la pop "Look at the Time, It´s Late", la agradable melodía de "Lady Of The Lake, o las herederas del sonido Beatle "Oyster Catcher" y "Black Current Oyster"
Después de este disco la banda se embarca en un largo tour por los Estados Unidos teloneando a The Byrds, en donde cosechan cierto éxito entre los norteamericanos por ese suave folk rock que podían emparentarse de manera lejana con bandas como America o Crosby, Stills and Nash.
Después de esta gira, la banda regresaría a Inglaterra y grabarían su segundo álbum "Silver", con el cual confirman su tendencia folk rock y pop, pero con un mayor protagonismo en los arreglos, agregando instrumentos como los sintetizadores o el mellotrón, obteniendo así mayor profundidad y complejidad a su sonido característico.
Temas como la psicodélica "Can I See You", contrastan con otros de clara influencia Beatle como "Dear Oh Dear" o "Nice And Easy", que junto a la melódica pop rock "Eagle Eye", son los cortes mas destacados, secundadas con otras de menor calado como la mas compleja "Whip Wheel", la country rock "The Driver´s Engine", la puramente rock "Couldn´t Possibly Be" o la vodevil "Nice and Easy", que cerraban un trabajo que pese a no lograr el éxito esperado, les llevarían a abrir conciertos para artistas de gran prestigio como Yes, Humble Pie, David Bowie o The Eagles, en una nueva y extensa gira por tierras americanas. Posteriormente la banda intentaría seguir abriéndose camino en los Estados Unidos con relativo éxito, hasta que en 1974 la Epic Records y debido a su poco bagaje comercial, decide rescindirles el contrato. Este hecho fue aprovechado por la discográfica británica Island Records para ofrecerles un nuevo contrato y con quienes publicaron el single promocional "One Day Lady", anticipo de un nuevo Lp, que sin embargo nunca fue grabado.
Este seria el detonante de la desintegración definitiva de la banda, a partir de aquí todos sus integrantes seguirán caminos diferentes, destacando por encima de todos la labor compositora de Shaddick, quien gracias a su talento crearía algunos éxitos posteriores para la cantante pop Olivia Newton-John.
“Rubycon” esta configurado como un viaje surrealista de ensueño, pero a la vez relajante y opresivo, con momentos espaciales y una gran carga emocional.
Sin embargo en comparación con el anterior álbum de la banda “Phaedra”, este es mas pausado, aunque durante su desarrollo haya momentos bastantes rítmicos, pero es el tono oscuro y disonante el denominador común de toda la obra.
“Rubycon” supuso un paso mas en la metamorfosis de la música sombría de TD que tendría su cenit creativo con los posteriores “Ricochet”, “Stratosfer”, “Clycone”, “Force Majeure” y “Tangram”.
Para muchos aquí estaba la mejor formación de toda la historia de la banda, algo en lo que personalmente discrepo, sin dudar de la capacidad instrumental y creativa de Chris Franke y Peter Baumann, siempre dejando fuera de cualquier duda a Edgar Froese, la mente creativa por excelencia de TD, pero por esta banda han pasado músicos de grandísimo prestigio como Klaus Schulze, Conrad Schnitzler o Johaness Schmoelling entre otros.
Lo que si es cierto es que esta formación seria la mas conocida y comercialmente la mas mediática a nivel mundial, publicando lo que se denomina la época progresiva de TD.
“Rubycon”, titulo sacado de un histórico río italiano de la época romana que tenia especial importancia en el derecho romano, al estar prohibido cruzarlo con su ejercito a cualquier general de Roma, es un álbum que nos transporta a otra dimensión, el disco perfecto para un experiencia audiófona, un viaje completo con grandes paisajes electrónicos vertiginosos, unos ritmos pulsantes, zumbidos analógicos profundos y estructura pinkfloydiana, convirtiendo a esta obra en una de las grabaciones esenciales de la década de los setenta.
En 1974 el joven Oldfield, nada dado al estrellato ni a las masas, se vio abrumado por fama sin precedentes del mencionado “Tubular Bells”, ello le llevaría a aislarse durante muchos meses en su casa de las afueras de Londres, en un lugar llamado “las colinas de Hergest Ridge”. Allí Oldfield crearía un estudio de grabación y empezaría a componer y grabar su siguiente movimiento discográfico, al cual titularía como el lugar donde residía.
Sin embargo el carácter musical de esta nueva entrega tiene un componente mas sinfónico y bucólico que su antecesor. Para ello Oldfield volvería a utilizar un arsenal de instrumentos que iban desde los órganos Farfisa, hasta las guitarras eléctricas y acústicas, pasando por mandolinas, gongs, oboes, campanas tubulares y un sin fin de artefactos musicales con los que se sirvió para crear otra obra monumental.
Compuesto por dos extensas partes, "Hergest Ridge Parts I y II", Oldfield logra entrelazar una etérea y asombrosa música que llega a su clímax total en la parte central de la segunda cara del álbum, en donde utiliza la asombrosa cifra de cerca de 100 guitarras superpuestas, logrando con ello uno de los momentos mas prodigiosos de toda su carrera y al mismo tiempo, de la historia de música popular.
Con este segundo lanzamiento, Oldfield consolidaba su desarrollo y su madurez como instrumentistas y como compositor, convirtiéndose en uno de los grandes genios de la música del siglo 20.
El álbum lograría colocarse en el primer puesto de las listas británicas, obteniendo varios discos de platino por sus ventas a nivel mundial, que sin embargo se quedaban a años luz del éxito de su predecesor.
Con un repertorio deslumbrante en donde sobresalían temas como su enorme hit en clave rock comercial “Carry On Wayward Son”, un tema enérgico y adictivo que aúpa al álbum hasta cotas antes no conseguidas por el grupo, entrando hasta el quinto puesto en el Billboard, logrando cinco discos de platino y unas ventas que superaron los siete millones de copias a nivel mundial.
Pero como es obvio este álbum no solo vivía de la magnificencia de este single, el resto era un compendio excelente entre las poderosas guitarras, el sugerente violín, grandes cascadas de teclados y la poderosa sección rítmica conformando con todo ello una pared sonora que resonaban de manera unánime.
Aquí están incluidos temas tan sorprendentes como la melódica progresiva “The Wall”, el rock dinámico “What´s On My Mind”, la compleja “Miracles Out Of Nowhere” y la mini-suite progresiva “Magnum Opus”, un pieza que nada tiene que envidiar a las míticas suites de los grandes grupos progresivos británicos. El resto sin llegar a tener las excelencias de las anteriores siguen conservando un sonido espectacular como la rock “Opus Insert”, la armónica “Questions Of My Chilhood” o la acústica y progresiva “Cheyenne Anthem”.
Ya después de este ultimo mencionado, Anderson incluso anunciaría públicamente que suspendería por tiempo indeterminado la actividad del grupo en vivo, en señal de protesta por las continuas criticas de la prensa, algo que empañarían aún mas su relación con los medios de comunicación. Sin embargo los siguientes movimientos de Ian Anderson con su banda fueron mas ecuánimes y previsibles, facturando varios álbumes que tuvieron mejores criticas y unas destacadas ventas. Así tanto “War Child” como “Minstrell In The Gallery”, se alejaban de los enredos musicales pasados para enfocarse en sonidos mas campestres y folk, fusionados con ramalazos de rock y una arquitectura musical mas simple.
Pero en 1976 Ian Anderson reanudaba los retorcidos argumentos literarios y musicales con otra obra conceptual enmarañada y que a la postre volvería a sembrar la polémica y titulada irónicamente “Too Old To Rock´n´Roll: Too Young To Die!”. A estas alturas de la película estaba claro que Ian Anderson hacia lo que le venia en gana y al mismo tiempo con ello les dejaba en claro a todos, que que no se vendería a lo políticamente correcto, hablando en términos musicales. Esta vez y tomando como argumento una respuesta clara a todos sus detractores, todo ello bajo una especie de comic, narra las aventuras de un ficticio cantante de rock ido a menos llamado Ray Lomas, a quien tachaban de hacer una música obsoleta, a lo que el cantante respondía manifestando su amor por sus viejos y gloriosos tiempos. Este argumento dio pie a ser considerado como una autobiografía del propio Anderson. El propio Anderson se termino por aburrir de la prensa por intentar obligarle a admitir que era una historia autobiográfica, basándose en el hecho de que en la portada del álbum aparecía una caricatura del propio Ian.
Polémicas aparte, el resultado de este nuevo álbum fue un híbrido entre el blues rock de los inicios y el rock melódico y sinfónico de sus álbumes mas progresivos, destacando los arreglos orquestales de David Palmer. Sin embargo en este disco la guitarra eléctrica de Martin Barre esta menos presente, quedando relegada a momentos puntuales en favor de un mayor predominio de las guitarras acústicas.
Los momentos mas progresivos están presentes en “Pled Piper” y “Big Dipper” en donde los teclados de John Evan cobran un gran protagonismo junto a los sonidos de flauta y los arreglos de cuerda. Otros momentos destacados están en el tema que da titulo álbum, sin duda el mas contundente, la blues rock “Taxi Driver”, la experimental y exótica “Salamander”, la emocionante “From A Deadbeat To An a Old Greaser” o las interesantes “Quizz Kid”, “Bad Eyed and Loveless” o “The Chequered Flag”.
Dirigidos por el teclista y cantante Burton Cummings y el guitarrista Randy Bachman, Guess Who alcanzarían su mayor éxito con el álbum y el tema homónimo “American Woman” en 1970.
Pero antes de que llegara ese rotundo éxito publicaron los álbumes “Wheatfield Soul” (1969) en donde aparecía el sugerente single “These Eyes”, un top ten en las listas, o cortes como las psicodélicas “Friends Of Mine”, “When You Touch Me” y “Love And A Yellow Rose” o el siguiente “Canned Wheat”, publicado también en 1969, en donde la banda endurece su sonido sin alejarse de su propuesta psicodélica y blues con temas como “No Time”, “Of A Dropping Pin” o la extensa jam “Key”.
Con “American Woman” el grupo consigue ser el primer grupo canadiense en obtener un numero uno en las listas norteamericanas gracias al tema del mismo titulo, una locuaz revisión a la decadente tradición americana desde el punto de vista canadiense.
Sin embargo el resto del álbum no estaba tan acorde ni tenia el nivel de sus dos anteriores obras, algo que en su momento pareció importar muy poco dada la notoriedad del single.
“American Woman” se convirtió en uno de los temas mas emblemáticos de la música rock con uno de los riffs mas famosos y versionados hasta la saciedad.
Después de este álbum, Randy Bachman abandona Guess Who para fundar una de las bandas abanderadas de rock americano de los 70 como fueron Bachman-Turner Overdrive, quedando Cummings como líder de Guess Who y seguir publicando álbumes de buena factura pero alejados del éxito y el reconocimiento de sus primeras obras.
