Si ya en los dos álbumes anteriores el teclista Patrick Moraz había tenido una importancia vital en el sonido final de ambos, en este ya es fundamental su aporte con el uso intensivo de teclados, por contra Ray Thomas y su sonido de flauta pierde gradualmente protagonismo en la parte instrumental y también en las composiciones que aún están en manos del dúo Hayward y Lodge.
Este sería sin duda el último de los grandes discos de The Moody Blues, con un sencillo extraordinario como "Your Wildest Dreams", además de un repertorio que les seguían manteniendo como una de las grandes bandas de un altísimo nivel, digno de su pasado.
Magníficas canciones como la hermosa "It May Be a Fire", la melódica y espectacular "The Other Side Of Life" o la poderosa "Rock 'n' roll Over You", demostraron que estaban en plena forma haciendo una excelente música y manteniendo el nombre de la banda a un nivel muy alto después de tantos años.
Compuesto por varios músicos de procedencia nativa de los navajos norteamericanos, grabarían algunas de las obras más memorables del género que tuvieron un gran impacto en América del Norte y en Europa.
En 1981 publicarían su trabajo definitivo que les lleva a participar en Donington en el legendario Monster Of Rock y en el Reading junto a bandas como Iron Maiden o Def Leppard.
"Marauder" era el quinto álbum de la banda, que había comenzado su carrera seis años antes con su álbum debut "No Reservations" (1975).
Sin embargo, sería su tercer álbum "Strikes" el que los catapultaría definitivamente, logrando un disco de platino por sus ventas durante 1979.
"Marauder" es considerado su trabajo de mayor calidad, reuniendo nueve temas todos ellos de gran atractivo como el poderoso "Good Morning", el sureño "Paying´For It", las melódicas "Diary Of A Workingman" y "Searchin´" y los potentes temas hard rock "Rattlesnake Rock´n´Roller" y "Dry County".
El tercer álbum de los británicos Arena es uno de los más aclamados y elogiados registros del neo progresivo, una admirable obra de inteligente fusión compuesta por exuberantes melodías y un vibrante rock bajo una intrincada y apasionada musicalidad. En esta nueva entrega la banda presentaba un nuevo guitarrista, John Mitchell el cual sustituía a Keith Moore, convirtiéndose en una de las piezas fundamentales con sus riffs pesados y sus tremendos solos melódicos. A ello hay que sumarle los espeluznantes teclados del líder del grupo, Clive Nolan quien crea unas sonoridades multi capas, orquestaciones grandilocuentes y unos sintetizadores espaciales y oníricos. Por su parte la apasionada y expresiva al mismo tiempo que delicada voz de Paul Wrightson, ayuda enormemente a que este álbum conceptual refleje el porque es uno de los grandes discos del neo progresivo de la historia.
Una banda que marcaría tendencias y que en 1980, con su álbum "Hi-Infidelity" vendería la friolera de casi 10 millones de copias en todo el mundo.
Un disco con un repertorio simplemente brillante, un claro ejemplo de cómo hacer música con la máxima elegancia, gran gusto y una gran cantidad de emociones intensas y gran belleza.
Con esta obra multi-platino, el grupo había cambiado drásticamente su sonido, sobre todo en lo que respecta a los teclados, que los actualizaban a los tiempos que corrían por entonces, con una producción deslumbrante, "Hi-Infidelity" logro una claridad asombrosa con un resultado espectacular, con unos grandes sonidos gracias a las enérgicas guitarras y los efectos de reverberación que les dan una base sonora sobre la que desarrollan sus canciones.
Sin embargo y sobre todo, destaca una de las mejores baladas de la historia; "Keep On Loving You", perfecto ejemplo de lo que se denominan "power-ballad", hermosa, intensa y poderosa, además también destacaba la preciosista "Take It On The Run", mientras que el resto mantiene un altísimo nivel, con el resultado final de un álbum tan prodigioso como efectivo del mejor AOR de enorme calidad.
La carrera de los incombustibles Bad Company dejo tras de si una reguera de grandes clásicos en forma de himnos generacionales del rock como "Can´t Get Enough", "Ready For Rock", "Rock Steady", "Sweet Lil´Sister" o "Good Lovin´ Gone Bad", temas todos ellos que los encumbraron como uno de los máximos exponentes del hard rock mundial. En 1977 la huestes lideradas por Paul Rodgers y Mick Ralphs, secundados por la portentosa sección rítmica compuesta por Boz Burrell y Simon Kirk, lanzaron su cuarto registro, este "Burnin´Sky" en el que muestran la faceta blues rock habitual pero con un mayor predominio en la potencia y en la vigorosidad de su repertorio. Los esplendorosos riffs de la guitarra de Ralphs junto a la poderosa contundencia del bajo y la batería de Burrell y Kirke, adornados por la prodigiosa voz de Rodgers dan como resultado un magnifico álbum compuesto por pesados cortes como "Heartbeat", "Burnin´s Sky", "Everything I Need" o "Too Bad", mientras que las blues "Morning Sun", "Leaving You" o "Like Water", nos deja el añejo regusto por la anterior formación Free. Pese a no lograr el mismo éxito que sus anteriores obras, "Burnin´Sky" se encamararía hasta el décimoquinto puesto en las listas norteamericanas, con mas del millón de copias vendidas a nivel mundial.
Este es el álbum que todos asocian con una de las canciones más exitosas de Eric Clapton; "Cocaíne", pero que sin embargo contiene muchos más elementos que esa mítica canción.
Una obra que no solo destaca por su guitarra, sino también por sus grandes composiciones.
Es lógico que si lo sea porque "Cocaine" es uno de los temas más emblemáticos del rock y no solo por su música sino también por su temática.
Sin embargo, sería injusto ignorar grandes joyas como la maravillosa "Wonderful Tonight", llena de belleza y dulzura o el poderoso country "Lay Down Sally", ambas canciones compuestas por Clapton.
Este trío de canciones hizo de este álbum, un hecho memorable y esencial que trasciende más allá del tiempo.
The Storm era una súper banda formada a principios de los noventa por tres componentes de Journey; Gregg Rolie, Ross Valory y Steve Smith, a los que se unieron el ex cantante del grupo 707, Kevin Chalfant y el guitarrista Josh Ramos.
En 1991 lanzaron su primer álbum genéricamente titulado "The Storm" bajo el sello Interscope, un trabajo absolutamente soberbio, logrando con este debut los más altos niveles en las listas de música rock y AOR.
Un álbum lleno de furia, melodías de gran clase y elegancia, que con tan solo dos álbumes (este y el posterior "Eye of the Storm" publicado en 1995), se colocaron a la altura de los más grandes como Survivor, Boston, Foreigner o Journey.
Con un inicial "You Keep me Waiting" donde rezuma elegancia y una melodía irresistible, el espectacular y enérgico "You´re Gonna Miss Me", el soberbio medio tiempo melódico "Call Me", la maravillosa balada "Show Me The Way", el fantástico "Take Me Away" o el asombroso y perfecto "Can´t Live Without Love", hacen de este álbum una obra maestra sin paliativos del rock melódico.
En Skid Row conocería a Phil Lynott, con quien colaboraría más tarde con Thin Lizzy y grabaría el álbum "Black Rose" en 1979. Aunque Gary Moore tiene excelentes trabajos de hard rock que han marcado una época como su debut "Corridors of Power", o los siguientes "Victims Of The Future", "After The War" o el excelente "Wild Frontier", aquí nos ocuparemos de su etapa blues con el magnifico "Still Got The Blues".
Publicado por Virgin Records en 1990, supuso el acercamiento definitivo al amado blues del virtuoso guitarrista irlandés, y que ya no abandonaría hasta los últimos días de su vida. "Still Got The Blues" es un disco sostenido por el blues, pero rabiosamente rock y descarado, alejado de la tristeza y melancolía que se le atribuye al estilo afroamericano de América. La esencia de este trabajo se basa en cómo Gary Moore es capaz de hacer hablar a su Les Paul en cada uno de los cortes que la componen y cómo rinde homenaje a las grandes bandas y solistas que más le influyeron en su carrera profesional.
La mayoría de temas son versiones de autores reconocidos como A.C. Williams y su "Oh, Pretty Woman", interpretado por primera vez en 1966 de la mano de Albert King, quien también colabora con las seis cuerdas en "Still Got The Blues", una canción que respira sensualidad.
Otras versiones son "Walking By Myself", del bluesman Jimmy Rogers, con la colaboración de Frank Mead a la armónica; "Too Tired", interpretado por Johnny Watson en 1955; "As the years go", atribuido a Dan Malone; "That Kind Of Woman", del ex-Beatle George Harrison, quien canta y toca la guitarra junto a Moore; “All Your Love” de Otis Rush y “Stop Messin’ Around ”, grabada originalmente por Fleetwood Mac en 1968 y compuesta por Peter Green.Todos estas soberbias versiones son interpretados a la perfección por un Gary Moore que desborda un brillante talento y un feeling a raudales.
Casi siete años después de abandonar Genesis, Anthony Phillips lanzó su primer álbum en solitario, “The Geese and The Ghost”, el cual fue muy bien recibido por el público y la critica de la época.
Para la grabación del mismo, varios de sus ex compañeros de grupo como eran Mike Rutherford y Phil Collins, entre otros músicos de renombre, colaboraron en este álbum.
Una obra dominada por aires medievales e isabelinos, guitarras clásicas, acústicas y eléctricas de 6 y 12 cuerdas, pianos y otros instrumentos de cuerda como el bouzouki.
Piezas instrumentales como la magistral “Henry: Portraits From Tudor Times” con sus seis partes y “The Geese and the ghosts parts 1 y 2”, esta última compuesta a dúo con Rutherford, dan una clara esencia y magnitud del potencial de este formidable trabajo de rock sinfónico progresivo.
Extraídos de los álbumes “ZZ Top´s First Album”, “Deguello”, “Eliminator”, “Tres Hombres”, “Recycler”, “Rio Grande Mud” y el “Loco”, todos ellos publicados entre los años 1971 y 1983.
Aquí encontramos una extraordinaria selección de blues rock en donde los potentes riffs de la guitarra de Billy Gibbons, acompañada de la contundente sección rítmica compuesta por Dusty Hill y Frank Beard, componen un atractivo y magnifico álbum que lograría un décimo puesto en las listas del Billboard Blues norteamericano.
El power trío demuestra aquí su polvoriento estilo bluesy con cortes como el blues tejano “Brown Sugar”, el hipnótico “A Fool Your Stockings”, la funky “Hi Fi Mama”, el instrumental “Apologies To Pearly”, el adictivo “Just Got Back From My Baby´s” o la comercial “I Need You Tonight”.
Con esta compilación se muestra el estilo blues de una banda que siempre se caracterizo por su peculiar sonido arenoso de boogie rock impregnado de hard rock, que durante mas de cuatro décadas fueron una de las grandes bandas norteamericanas.
Entre la amplísima y diversa escena del Krautrock alemán, surgieron Dschinn, una efímera formación de hard rock & blues que venia precedida de otra llamada The Hurricanes y que basaba su estilo en el beat británico de los 60. Gracias a la gran popularidad que tenían por toda Alemania llamarían la atención de un empresario cazatalentos que les propuso financiarles la grabación de varios singles, con la única condición de que cambiarían de nombre. Hecho esto, uno de esos sencillos llegaría entrar en las listas de éxitos, sin embargo la época de los sonidos del pop británico estaban tocando a su fin y la banda se replantearía un cambio de estrategia musical, sustituyendo su estilo mod y pop, por el rock pesado y vanguardista que mejor se ajustaba a los gustos del publico de la época. En ese contexto llegaría su único álbum, en el cual esta banda formada inéditamente por dos bateristas; Uli Mund y Athamasios Paltoglou, mas los guitarristas y cantantes Bern Capito y Peter Lorenzo y el bajista Silvio Verfürth, confeccionaron un trabajo de hard rock con influencias blues y progresivas, en donde galopantes piezas psicodélicas como "Freedom", "Fortune", "Train", "Let´s Go Together", "I Wanna Know" y "For You Love", son lo mas destacado de un excelente álbum con mucha intensidad instrumental y de enorme personalidad vocal.
Una vez abandonaría las filas de Poco, el guitarrista Richie Furay meditaba empezar de inmediato su propia carrera en solitario, pero en vez de eso acudió a la llamada del ejecutivo de Asylum Records, David Geffen y se uniría al proyecto que este último fundaría junto vocalista y bajo Chris Hillman y al guitarrista y voz J.D. Souther. El primero provenía de emblemáticas formaciones como The Byrds, Manassas (junto a Stephen Stills), y The Flying Burrito Brothers y el segundo era un cantautor de folk que en adelante se convertiría en uno de los grandes compositores del genero trabajando para The Eagles, Dan Fogelberg, Bob Seger o Christopher Cross entre otros más. Pero ahí no quedaba todo, además Geffen también reclutaría a otros legendarios músicos de la escena del folk y el country como Jim Gordon (batería), ex Derek and the Dominos, el prestigioso teclista Paul Harris, el percusionista Joe Lala, ex Manassas, y al guitarrista Al Perkins, toda una leyenda del country y folk norteamericano. Pese al enorme ego de todos ellos, su álbum debut es una de las obras emblemáticas del country y folk rock estadounidenses, creando en un solo trabajo un repertorio de ensueño empezando por "Fallin´Love" y "Border Town", canciones que nos retraen a los trabajos de atractivas melodías country y irresistibles estribillos a sus coetáneos Poco y The Eagles. En esa misma dirección aparecen las adictivas "Trouble in Paradise", "Believe Me", "Prisoner In Disguise" o "Heavenly Fire". Como era de esperar tal cantidad de exquisitas canciones llevaría en volandas al álbum ha conseguir un onceavo puesto en las listas del Billboard y una ventas considerables en el mercado norteamericano.
Nacido a principios de la década de 1950 en Middlesbrough, Inglaterra, Rea ha sido un músico profesional desde principios de la década de 1970 lanzando algunos de los álbumes de soft rock más memorables.
Aunque no sería hasta 1978 cuando publica su primer disco "Whatever happened to Benny Santini", con el que lograría un disco de oro.
A partir de aquí, álbumes como "Deltics" (1979), "Tennis" (1980) o "Chris Rea" (1982), establecen una carrera en la que comienza a ser muy respetado y tomado en consideración por la crítica y el público.
Sus discos abarcan estilos tan dispares que van desde el jazz hasta el blues con grandes toques gospel, pasando por el rock y el pop que son los sonidos que destacan en sus trabajos.
En 1983 se autoprodujo el disco "Water Sign" en el que su estilo tomó un aire más electrónico y los siguientes trabajos "Wired the Moon" (1984) o "Shamrock diaries" ( 1985), mantendrán la misma tónica, siendo muy bien recibidos comercialmente.Pero la popularidad internacional llegaría con el álbum "On the Beach" (1986), con el que logra ser número uno en diferentes países con ventas millonarias.
Los años siguientes estarán marcados por una serie de grandes discos entre los que destaca el fantástico "The Road to Hell" (1989), con el que volvería a subir a la primera posición de las listas con más de 7 millones de copias vendidas.
Un disco que contiene momentos memorables como la frenética canción que da título al álbum, la sentida "You Must Be Evil", la evocadora "Looking For a Rainbow", o la rítmica "Texas".
"Auberge" (1991), su siguiente trabajo y siguiendo la tendencia del anterior, también se convertiría en un éxito internacional, aunque en menor medida que este "The Road To Hell".
Tomando como nombre un clásico personaje italiano creado por Tibor Fiorillo, Scaramouche fueron una banda alemana de corto recorrido que lanzaron un interesante álbum de art rock/progresivo en 1981. Influenciados por los sonidos post sinfónicos muy cercanos al neo progresivo, ellos los mezclaron diferentes estilos como el pop y el convencional rock mainstream. Scaramouche estaba compuesta por Johannes Hofmann (teclados), Martin Hofmann (bajo), Tommy Weber (guitarras), Robby Stein (batería), Holger Funk (voz) y Julia Wollny (coros). Su única propuesta discográfica esta enmarcada en sonoridades que nos dejan cierto regusto a las clásicas formaciones británicas de principios de los 70, con una música eminentemente sinfónica a la que les añaden sutiles toques jazz, bluesy, rock y pop, como muestran la melódica "A Cloud In The Sky" o las semi progresivas "Only Tail The Bait", "Crentcantoe" y "Isn´t it Real".
Todo ello suponía una bomba de relojería en sus manos, viendo como avanzaba la cuenta atrás, Black Sabbath no pudo hacer nada durante mucho tiempo, presionados no solo por su sello discográfico, sino también por ellos mismos, aprisionados por su propia conciencia y por una incapacidad que se apoderó de la creatividad de la banda.
La solución sería la fulminante expulsión de Ozzy, y la contratación de un nuevo cantante, Ronnie James Dio. Con este hecho se lograría la estabilidad y fluidez creativa necesaria.Finalmente había llegado a Black Sabbath un cantante que tenia la suficiente madurez y personalidad para darle esa tranquilidad y abrir unos nuevos horizontes. Componiendo primero 'Heaven and Hell' y luego ayudando a componer el resto de canciones que forman parte del álbum del mismo titulo y evocando a la banda inglesa que el componer no era un calvario y reconociendo que, a pesar de haber dejado un amigo en el camino, el cambio era necesario para la supervivencia de la mítica formación.
Así sería como el primer disco de Black Sabbath sin Ozzy Osbourne los alejaba del Doom Stoner practicado por los de Birmingham en sus primeros 6 discos, para centrarse definitivamente en el Hard Rock y Heavy Metal mas contundente. Este noveno disco iba a ser un disco de Heavy Metal puro y una obra que responde a todas las constantes del género que ellos mismo habían creado, pero que las jóvenes bandas inglesas de la llamada "New Wave of British of Heavy Metal", ayudarían a definir un estilo que dominaría gran parte de los años ochenta y noventa.
Un álbum este, que esta repleto de momentos sublimes como la mencionada “Heaven And Hell”, o las siguientes “Children Of The Sea”, “Neon Knights”, “Lady Evil”, “Die Young”, “Walk Away” o “Lonely Is The Word”, todas ellas una retahíla de grandes clásicos del heavy metal, que lo convierten en una obra maestra del genero sin paliativos.
En este trabajo, la banda deja atrás las líneas que habían trazado en los dos mencionados discos, derivando su estilo con más contundencia, un sonido mas vigoroso y mucha mas profundidad en sus composiciones. Sin embargo, no es una obra de gran pureza progresiva.
El ego de sus dos líderes Rod Argent y Russ Ballard están presentes en este disco de manera obvia, mientras que Argent quiere protagonismo para sus teclados como se demuestra en "Hold your head up", que es el hit de este disco o en "Pure love", donde realiza una introducción de más de 3 minutos solo de teclados, Ballard da rienda suelta a la creatividad que lleva y que no había sabido expresar en todas sus dimensiones hasta entonces, destilando blues, funky y rock and roll a través de un estilo fresco de guitarra, inquieto y muy dinámico que hace que las canciones adquieran tintes comerciales, algunos de ellos incluso bailables.
En honor a la verdad, debemos aclarar que este disco fue grabado por exigencias de la discográfica y no por iniciativa propia de ELP.
Casi diez años después, tanto Greg Lake como Keith Emerson querían revivir la banda y publicar un nuevo disco, pero el tercer componente Carl Palmer ya estaba inmerso en su propia banda Asia, por lo que este tan esperado encuentro pronto se iría al traste para desencanto de sus fans.
Sin embargo, el esfuerzo de Emerson dio sus frutos cuando reclutaron al gran baterista Cozy Powell en lugar de Palmer.
Con esta formación, que coincidía con las iniciales de sus apellidos, con el original (ELP) ingresaron al estudio y grabaron el honorable álbum "Emerson, Lake and Powell" publicado en 1986.
Un disco donde Emerson y Lake recurren en parte a sus raíces, con largos temas progresivos, adaptaciones de música clásica y baladas instrumentales, pero muy alejado de las pomposas composiciones de antaño, recurriendo a un sonido más fresco y moderno, acorde a los tiempos que los corrían sin entrar de lleno en los sonidos comerciales de la época que otras bandas punteras de los 70 si hacían en los 80.
Para ello se pusieron a trabajar y decidieron que sus próximos trabajos llamarían a Martin Birch, quien se encargaría de asumir las riendas de la producción y empujarlos a volver al nivel que se merecían.
"Cultosaurus Erectus", publicado en 1980, recupera parte de esa esencia con un sonido impecable donde los desarrollos instrumentales vuelven a ser el principal atractivo de la banda.
Pero sería con el siguiente "Fire Of Unknown Origin" cuando resurgirían definitivamente de las cenizas con un disco magistral, donde los teclados toman el máximo protagonismo para lograr una atmósfera oscura pero muy efectiva.
Los fans recibieron este disco con gran entusiasmo gracias a temas como los melódicos "Burnin 'For You", o "Joan Crawford", el rítmico "Veteran of Psychic Wars", el frenético "After Dark", el hard rock "Heavy Metal: The Black and Silver" o con la añeja "Sole Survivor", canciones con las cuales regresaban a los sonidos que dejaron atrás con el álbum "Spectre" y expresaban sus intenciones sobre el camino a seguir.
The Sensational Alex Harvey Band fue una de las grandes bandas del glam rock, y sin embargo está bastante olvidada y subestimada en las listas habituales del genero sepultada tras iconos como David Bowie, Sweet o T.Rex entre otras grandes del estilo.
Formada en Escocia en 1972 por el vocalista Alex Harvey, el guitarrista Zal Cleminson, quien junto a Chris Glen y Ted McKenna (bajista y batería respectivamente), grabaron en 1972 su primer y espectacular disco bajo el sello Vertigo titulado "Framed".
Un álbum que destila humor, espectacularidad, funk metal y blues rock de alto octanaje, y que contiene temas como el blues "Framed", el hard rock "Midnight Moses", la humorística "Isabel Goudie" o el funk metal "St Antonio".
La Alex Harvey Band debería ocupar un lugar bastante destacado y no solo en el glam rock si no también en la historia del rock en general.
Bob James y David Sanborn unieron sus fuerzas en 1986 para publicar "Double Vision", considerado uno de los mejores trabajos del jazz fusión de la década de los ochenta.
Grabado en Nueva York cuenta con la participación de un gran elenco de músicos de jazz como Marcus Miller, Al Jarreau, Steve Gadd, Paul Jackson Jr., Eric Gale o Paulinho da Costa.
Además de entrar en el Top Ten del pop y del R&B, "Double Vision" ganó el Grammy al mejor álbum de jazz y una nominación para Al Jarreau por la canción "Since I Feel For You".
Un disco donde es difícil destacar un tema sobre otro, pero desde la inicial y portentosa "Maputo", todas las canciones se van se sucediendo llevándonos a un viaje fascinante por la doble alegoría del jazz de sus autores.
En 1978 consiguió un contrato con Warner Bros y publicó su primer disco, y para reforzar sus composiciones la propio Warner lo rodeó de algunas de las estrellas más rutilantes del momento como Michael McDonald, Larry Carlton, Eric Johnson o Don Henley entre otros.
Este debut contó con temas como el emotivo "Say I'll be mine", la balada "Sailing" o su canción más recordada, la maravillosa "Ride like the wind".
Este álbum subió a la cima de las listas y obtendría 6 premios Grammy y sorprendentemente, superó al álbum más aclamado de ese año como fue "The Wall" de Pink Floyd, con más de 7 millones de copias vendidas y tuvo una secuela que proporcionó los mismos argumentos musicales con el siguiente "Another Page" (1983), que sin embargo no alcanzaría las cantidades astronómicas en ventas de su espléndido disco debut.
Formados alrededor de los hermanos Ray y Dave Davies, se ganaron una gran reputación en los 60 con algunos de los álbumes de rock más importantes y con uno de los himnos generacionales que aún hoy es un clásico del rock como "You Really Got Me".
Sin embargo, a pesar de su gran potencial, siempre estuvieron a la sombra de The Beatles y The Rolling Stones, haciendo de este hecho una de las mayores injusticias en la historia.
Con casi treinta álbumes publicados, algunos de los cuales se consideran obras maestras, The Kinks permanecieron en activo hasta 1993 cuando publicaron su último trabajo titulado "Phobia".
En 1980 la banda publico "One For The Road", un doble álbum en vivo que hizo justicia al enorme poder de esta magnífica banda, y donde se puede escuchar al dúo de los hermanos Davies con las guitarras demostrando una extraordinaria compenetración.
Con un repertorio de grandes creaciones compuestas en su gran mayoría por Ray Davis, entre las que se encuentran "Lola", "Where Have all The Good Times Gone", "All Day And All of the Night", la mencionada "You Really Got Me" o "Stop Your Sollozos ”, canciones todas ellas que marcaron varias generaciones y que en directo adquieren otra dimensión con un plus de energía y vitalidad que las hace irresistibles.
Sin duda este es uno de los discos en directo por excelencia, donde queda perfectamente demostrada la grandeza de una de las mejores bandas de la música rock.
