Fresh Blueberry Pancake-Heavy (1970)

Fresh Blueberry Pancake fueron un poderoso power trío originario de la ciudad de Pittsburgh, en Pensilvania. Fundado a finales de 1968, estaba compuesto por el bajista y cantante Tony Impavido, el guitarrista John Behrens y el baterista Geoff Rydell.
Este banda estarían fogueándose durante varios años en multitud de conciertos por el estado de Pensilvania, consiguiendo con ello, una amplia legión de seguidores, además de la suficiente cantidad de material original para grabar una maqueta de demostración.
En 1970 y con una edición limitada de medio centenar de copias, lanzaron el disco "Heavy", para su uso promocional y que fue auto producido por la propia banda. En este único álbum, este enérgico power trio, navega entre diferentes estilos que van desde el rock acido pesado; "Clown On A Rose" o "Hassles", hasta el blues rock psicodélico "Being In Town" o "Where´s The Sun", pasando por acercamientos al folk rock como queda demostrado en "Bad Boy Turns Good". Después del lanzamiento de esta demo, la banda acortaría su nombre a Pancake, y algún tiempo mas tarde terminarían disolviéndose definitivamente.
Este es otro de los discos muy codiciados por los coleccionistas, llegándose a pagar en diferentes subastas, sumas desorbitadas por una de las copias originales. Sin embargo muchos años después, mas concretamente en el 2003, el sello alemán Shadock Music, recuperaría las maquetas originales y los reeditaron en formato CD, con un nuevo diseño de portada a todo color, en detrimento de la austera y minimalista carpeta original.

Neu!-Neu! ´75 (1975)

Neu ! es una de las bandas fundamentales de la escena del krautrock alemán, percusor entre otras cosas del famoso sonido “motorik”, y que en apenas tres años de carrera se convirtieron en leyenda en su país natal y en gran parte de la Europa continental. Formada a partir de la deserción de dos miembros originales de los también germanos Kraftwerk, el guitarrista Michel Rother y el percusionista Klaus Dinger, este dúo consiguió crear un estilo único en donde los paisajes evocadores son mas estimulantes que tranquilizantes, con unas melodías hipnóticas, siendo fuente de inspiración para muchos artistas de los años posteriores como por ejemplo Brian Eno.
En su breve existencia Neu! publicaron tres álbumes, desde su fascinante debut, una de las obras cumbres del rock experimental “Neu!” (1972), hasta “Neu! 75” (1975), considerado su trabajo mas accesible y el mas hábil musicalmente hablando, además de lograr su producción mas exitosa.
Su primer álbum contiene una de las composiciones emblemáticas de la historia de la música rock como es el enorme tema “Hallogallo”.
Después del extraño y experimental “Neu! 2”, publicado en 1973, el dúo terminaría por disolverse debido a sus continuas diferencias musicales y los continuos problemas financieros, dedicándose cada uno de sus miembros a proyectos por separado, por un lado Dinger fundaría la banda La Düsseldorf y por otro Rother haría lo mismo con Harmonía junto a Dieter Moebius y Hans-Joachim Roedelius.
Ya en 1975 Dinger y Rother liman asperezas y se unen para la publicación de su tercer larga duración “Neu 75”, en donde continuaban con esa senda iniciada en su primer álbum con esos sonidos esquizofrénicos y originales, un trabajo repleto de pasajes suaves y dulces que son el contrapunto a unos climax mas enérgicos y agresivos muy cercanos a proto-punk.
Dividido en dos partes bien diferenciadas, la primera cara del Lp contiene los sonidos agradables y atmosféricos, apuntando directamente a la belleza primitiva de los primeros álbumes en solitario de Rother.
Las tres primeras piezas están confeccionadas a modo de una mini suite de cerca de los 20 minutos, comenzando con el sonido contagioso motorik de “Isi”, que continua con la evocadora “See Land”  y termina con la hipnótica y sonámbula “Leb´Wohl”. La segunda cara es totalmente opuesta con unas guitarras corrosivas y  amplificadas, una fuerte percusión y unas voces caóticas. Sin embargo en todas ellas el ritmo motorik esta siempre presente como queda demostrado en las frenéticas “Hero” y “After Eight” o en la mecánica “E-Musik”.
Esta fue la ultima de las tres grabaciones clásicas de estos legendarios músicos, hasta que una década después volverían a reflotar el proyecto Neu! publicando el previsible y falto de emoción “Neu! 4”, un trabajo mediocre que ni de lejos se acercaba a la enorme creatividad y originalidad de sus tres primeras y emblemáticas obras.

Gary Wright-The Dream Weaver (1975)

En 1970 el teclista Gary Wright abandonaba los Spooky Tooth, una de las mejores bandas británicas de finales de los 60 y principios de los 70. Sin embargo esta banda siempre fue perseguida por la mala suerte a la hora de conseguir un éxito masivo, pese a su enorme calidad, entre otros motivos por sus constantes cambios de formación, hecho este que les restaría consistencia y equilibrio a su estilo de hard y blues rock.
Una vez fuera de los mencionados Spooky Tooth, Wright comenzaría una carrera en solitario para lo cual se afincaría en los Estados Unidos, mas concretamente en la soleada costa californiana.
Tal vez influenciado por los sonidos suaves y melódicos de la costa oeste, Wright cambio el blues y el rock de su banda madre por un estilo mas ecléctico y melódico, donde tienen cabida sonidos funky, soul y jazz, impregnados con el pop rock californiano.
Aún así sus primeras obras pasan totalmente desapercibidas y ante tal fracaso Wright se aleja de sus propias grabaciones para centrarse en las colaboraciones de otros artistas como George Harrison, B.B.King o Ringo Starr.
Ya en 1975 Gary Wright lanzaría su tercer álbum “The Dream Weaver”, donde consigue aunar su gran talento como compositor con la de su enorme destreza con los teclados, facturando un disco memorable de rock melódico.
Para este tercer lanzamiento, Wright se rodeo de algunos músicos norteamericanos de renombre como el guitarrista Ronnie Montrose, el teclista David Foster y el batería Andy Newmark, entre otros conocidos artistas de la escena californiana.
“The Dream Weaver” esta confeccionado por una colección de grandes temas de escucha agradable sin demasiadas pretensiones, que sin embargo resultan adictivas y de gran clase instrumental, en donde los omnipresentes teclados de órganos Hammond, Fender Rhodes y los sintetizadores Moogs, son los protagonistas del álbum con atractivos pasajes instrumentales junto a la voz melodiosa de Wright.
Temas pegadizos e irresistibles como “Love Is Alive”, “Let Out”, “Made to Love You”, “Power Of Love”, “Dream Weaver” o “Blind Feeling”, certifican un sobresaliente Lp de rock melódico muy cercano a los sonidos AOR que llegarían algunos años mas tarde y que se convertiría en uno de los estilos predominantes en la década de los ochenta,
"The Dream Weaver” terminaría conquistando el mercado norteamericano con un sorprendente top ten en el Billboard y varios discos de platino por sus enormes ventas.

Steve Vai-Passion And Warfare (1990)

Considerado uno de los grandes guitarristas del siglo 20, Steve Vai siempre se ha caracterizado a lo largo de su carrera por su estilo complejo, extravagante y en cierta medida experimental, lo que le ha valido ser venerado por millones de adictos a la guitarra, pero al mismo tiempo ser repudiado por los mas ortodoxos seguidores de la guitarra eléctrica.
Sus comienzos junto a Frank Zappa le ayudaron a labrarse una gran reputación, colaborando con el genial músico de Baltimore en muchas grabaciones entre las que destacan los soberbios “Shut Up ´n Play Yer Guitar” (1981), “You Are What You Is” (1981) o “Guitar” (1988). Pero aquí no se quedan sus interminables colaboraciones, Vai ha actuado como músico invitado o como miembro de pleno derecho en bandas y artistas como Whitesnake, Alcatrazz, David Lee Roth, Alice Cooper, Ozzy Osbourne, Meat Loaf o Al Di Meola, entre casi un medio centenar de grabaciones a lo largo de sus mas de 40 años de carrera artística.
Ya en 1984 publicaría su primer álbum titulado “Flex-Able”, en donde como no podía ser de otra manera mostraba sus claras influencias del maestro Zappa, con una serie de composiciones basadas en sonidos experimentales e intrincados.
Después de este debut se embarcaría en diferentes proyectos que lo tendrían ocupado hasta finales de la década, entre otros muchos, los álbumes “Disturbing The Peace” de Alcatrazz, “Eat ´Em and Smile” y “Skyscraper” de David Lee Roth o “Slip Of The Tongue” de Whitesnake”. Ya en 1990 y liberado de sus múltiples compromisos, publicaría su segundo álbum y a la postre su mejor obra, “Passion And Warfare”. En esta nueva entrega y a diferencia de su álbum debut, Vai muestra una faceta mucho mas ecléctica y unas composiciones mas maduras, todas ellas de una gran complejidad y no exentas de cierta excentricidad, que sin embargo no le resta un ápice a la accesibilidad, convirtiéndose en uno de los álbumes instrumentales de guitarra mas exitosos y que marcaría un hito sin precedentes.
Un álbum que cuenta con una serie de temas tan diferentes entre si como la delicada y con mil detalles sonoros “Ballerina”, la heavy rock “The Animal”, la compleja “Erotic Nightmares”, la melódica y adictiva “Liberty”, la extravagante “Love Secrets” o la monumental “For The Love Of God”.

Anderson Bruford Wakeman Howe-Anderson Bruford Wakeman Howe (1989)

A finales de los 80 el grupo británico Yes estaba sumido en una especie de caos estructural y es que mientras algunos miembros originales como Chris Squire, Alan White y Tony Kaye trabajaban en Nueva York en un nuevo álbum bajo el nombre oficial de Yes, junto a otros ex integrantes como Billy Sherwood, los miembros restantes hacían lo mismo en Londres, ellos eran Jon Anderson, Bill Bruford, Rick Wakeman y Steve Howe.
Sin embargo ambas formaciones no estaban por la labor de unir sus fuerzas y de hecho, fue esta segunda quien lanzara con las iniciales de sus apellidos y de forma unilateral, el álbum homónimo “ABWH”. Aunque la historia de este álbum fue concebida inicialmente como un trabajo en solitario de Jon Anderson quien les pediría a los mencionados ex compañeros su colaboración en la grabación del mismo, y que terminaría siendo firmado por los cuatro componentes como el proyecto ABWH. Por aquellos años la expectación fue enorme por ver como sonarían estos “Yes” camuflados sin Chris Squire, que además contaría con la producción y el diseño de la portada de los habituales en los anteriores álbumes de Yes, Eddie Offord y Roger Dean respectivamente.
Un disco que a priori se intuía convertirse en uno de sus trabajos mas memorables y que sin embargo pese a sonar en ciertos momentos a los Yes mas clásicos adolecería de la creatividad, el equilibrio necesario y cierta inconsistencia en el resultado final.
Dicho resultado final es una especie de sonidos híbridos entre los Yes originales, el grupo Asia, elementos de la world music y acercamientos a los sonidos new age. Parte de ello es causado por los novedosos sonidos en los teclados de Rick Wakeman, la extraña batería electrónica de Bill Bruford, las orquestaciones del teclista invitado Matt Clifford y los exóticos toques de guitarra de Steve Howe y Milton McDonald, otro de los músicos colaboradores en el álbum. Mención aparte es la participación de Tony Levin al bajo, el cual es sin duda uno de los mas destacados instrumentistas en este disco, influyendo notoriamente con su peculiar estilo, en los mencionados sonidos new age y world music.
Aún así hay momentos destacables como la sinfónica “Fist Of fire”, la atmosférica “Brother Of Mine”, la ambiental “Birthright”, la espacial “The Meeting” o la progresiva “Order Of The Universe”, tema este con un sonido cercano al de los Yes de su mejor época. Poco después del lanzamiento del álbum, las dos fracciones  llegarían a un acuerdo y todos juntos y de manera extravagante, grabarían el inferior “Union”, el cual contaría con un proceso de grabación tan surrealista como poco menos que absurda, con dos grupos de trabajo por separado (en realidad fueron tres), mientras por un lado estaban ABWH, por el otro se encontraban Chris Squire y sus colaboradores y por ultimo también aparecía Trevor Rabin con diferentes músicos en un disparatado y caótico trabajo en seis estudios de grabaciones diferentes, repartidos entre Nueva York, Los Ángeles y Paris.

Phil Collins-Face Value (1981)

A finales de los setenta, Genesis se habían reducido a trío, con una formación compuesta por Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford, ellos habían facturado el meritorio y barroco “...And Then There We Three...”, con el cual alcanzaron puestos altos en las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico y varios años después incluso superarían esos registros con el siguiente “Duke”, un álbum que se alejaba sutilmente de los sonidos progresivos de los años 70, y contenía un sonido mas comercial que seria la antesala del camino que la banda tomaría en el resto de la década de los ochenta.
Por aquellos años los tres miembros también tuvieron tiempo para publicar sus respectivos álbumes en solitario, y así tanto Tony Banks con el ambiental y progresivo “A Curious Feeling”, como Mike Rutherford con el pop progresivo “Smallcreep´s Day” (1980), quisieron plasmar sus propias ideas musicales que en parte no se alejaban demasiado del espíritu genesiano de los 70. Mientras que Phil Collins espero hasta después de la gira mundial del mencionado “Duke”, para lanzar su debut en solitario “Face Value”, que a diferencia de sus compañeros, optaría por un estilo mas comercial, pero de gran clase y sofisticación.
Para la grabación del álbum, Collins se rodearía de un plantel impresionante de músicos y artistas, empezando por los guitarristas Eric Clapton, Daryl Stuermer y Joe Partridge, los bajistas Alphonso Johnson y John Giblin, además del violinista L. Shankar o el cantante Stephen Bishop entre otros muchos mas.
En “Face Value”, Phil Collins muestra un sonido potente y contundente en muchos momentos del álbum, y una buena muestra de ello es la inicial y todo un clásico del pop rock “In The Air Tonight”, alternado con pasajes mas calmados como la delicada balada pop “This Must Be Love”, o la enérgica instrumental “Hand In Hand”, la adaptación pop del tema progresivo “Behind The Lines” o la versión experimental y progresiva de la canción de The Beatles “Tomorrow Never Knows”. El recibimiento posterior fue un éxito arrollador en medio mundo, con numerosos números uno y unas ventas que superaron con creces los 12 millones de copias.

Gryphon-Red Queen To Gryphon Three (1974)

Gryphon son otra de esas grandes bandas desconocidas para el gran publico, su estilo fusionaba diferentes géneros como el folk, la música barroca y renacentista, elementos de vanguardia y medievales y el rock progresivo. Su carrera se forjaría a lo largo de gran parte de la década de los setenta con cinco interesantes álbumes, siendo “Red Queen To Gryphon Three” su obra mas celebre.
Formados en Londres a principios de los setenta por Richard Harvey (teclados y flauta) y Brian Gulland (fagot), ambos estudiantes en la Royal Academy of Music, compartían la misma afición por los sonidos barrocos, el folk tradicional ingles y una visión moderna de la música renacentista. Ya en 1973 se unieron a la banda el guitarrista Graeme Taylor y el cantante y batería David Oberle, con los cuales se grabaría el acústico primer álbum titulado homónimamente como la banda.
Un año después se incorporaría el bajista Philip Nestor, participando en la grabación de “Midnight Mushrumps”, un álbum que contaba con un mayor numero de composiciones originales y una clara inclinación a los sonidos mas puramente rock. 1974 seria el año del lanzamiento del álbum que nos ocupa “Red Queen To Gryphon Three”, un disco conceptual sobre el juego del ajedrez, inspirado en la típicas suites de la música clásica. Un trabajo muy complejo, con un gran nivel en su estructura de canción, con constantes cambios de ritmo y que consta de cuatro extensas piezas interpretadas de manera impecable. Aires medievales, folclóricos y renacentistas, todo ello interpretado por flautas, fagot, piano, órgano, sintetizadores, guitarras eléctricas y acústicas y diferentes percusiones.
Este es definitivamente un clásico álbum de rock progresivo, en donde todo el contenido es soberbio de principio a fin, sin que ninguna de las composiciones sobresalga por encima del resto.

King Crimson-Red (1974)

Hacia muchísimo tiempo que no aparecía por este blog los inconmensurables King Crimson, una de las mas fascinantes bandas de todos los tiempos y una de las cinco mas grandes de la historia del rock progresivo. Esta vez nos centraremos en el ultimo trabajo que la banda liderada por el genial Robert Fripp hicieran en la década de los 70 y que llevo por titulo “Red”. Este álbum supuso el abandono de la indulgencia de los anteriores discos, al mismo tiempo es la obra mas cruda y poderosa de KC, en el escuchamos ecos de “Larks Tongues In Aspic” y “Starless And Bible Black”, pero en un tono mas avanzado, con una identidad musical mucho mas oscura, moviendo los hilos entre las distorsiones y los compases hipnóticos. Aquí aparece una de las mejores y mas impresionantes composiciones de la historia de la música popular como es la antológica “Starless”, que se inicia con unas bellas capas de mellotrones acompañada por una guitarra melancólica e hipnótica, que culmina en un final épico de manera brillante y apoteósico.
Pero volvamos al principio y hagamos un poco de historia, estamos en 1974, Robert Fripp seguía manteniendo la base principal de la banda de los dos álbumes anteriores a excepción del violinista y teclista David Cross, que sin embargo participa aquí como músico invitado, por lo tanto el grupo estaba formado por John Wetton al bajo y voz y Bill Bruford a la batería y percusiones, mientras el propio Fripp se encargaba de la guitarra y el mellotrón. Además en las grabaciones del álbum aparecen Ian McDonald al saxo, Robin Miller (oboe), Marc Charig (trompeta) y Mel Collins (saxo). Musicalmente “Red” esta construido con intensas capas distorsionadas en donde el bajo de Wetton suena junto a la guitarra de Fripp de manera amenazante y cruda, la música esta tensamente concebida con una sincronización potente pero con su propia textura musical. Casi todos los temas están rodeados de melancolía y oscuridad, con sutiles toques de instrumentos de viento que impulsan esa sensación amenazante, pero que al mismo tiempo están muy elaboradas y son muy complejas .
Un álbum que comienza con la contundente canción del mismo titulo del disco, mientras “Fallen Angel”, se inicia con una delicada introducción acústica para terminar en una exuberante distorsión progresiva con una melódica voz y un saxo antológico, la mas accesible pero de cierta complejidad “One More Red Nightmare”, da paso a la progresiva y experimental “Providence”, para llegar a la mencionada anteriormente “Starless”, la pieza mas oscura y e inmensa del álbum y al mismo tiempo, la pieza mas cautivadora de KC.
“Red” es sin duda una obra que tiene detrás de si un elaboradísimo trabajo musical, tanto en las partes vocales, como en sus oscuras letras, en su intrincada producción y en los sublimes arreglos instrumentales, un álbum que suena tan apoteósico como su enorme debut, pero con mas profundidad y una esencia mas siniestra.

Kravetz-Kravetz (1972)

Paradojas del destino convirtieron al francés Jean-Jacques Kravetz en uno de los pioneros del rock alemán o como comúnmente se denomina, "krautrock". Afincado en Hamburgo desde finales de los sesenta con apenas 20 años, este multiinstrumentista parisino se labraría una gran reputación en el circuito musical del incipiente movimiento psicodélico de la época, convirtiéndose en uno de sus grandes impulsores. Algunos años mas tarde publicaría de manera moderada y sin prácticamente promoción, su único álbum en solitario junto al mítico batería Udo Linderberg, y a los músicos Thomas Kretzschmer como guitarra, el bajista Carl Stepehan y la cantante Inga Rumpf. En este único álbum, Kravetz combina magistralmente los pesados y difusos sonidos de órgano y los sintetizadores con unas puntuales y afiladas guitarras eléctricas. Esto dicho queda demostrado en la primera pieza “I?d Like To Be A Child Again” o en la espacial “Ann Toomuch”, mientras la experimental “Routes” pone la nota psicodélica y oscura de esta obra, que desemboca en la jazz progresiva “Master Of Time”, que ponen el punto y final a un disco que marcaría uno de los sonidos tempranos del krautrock
En los siguientes años Kravetz pasaría a engrosar como miembro por pleno derecho de tres de las mas grandes bandas del rock alemán como fueron Frumpy, Kin Ping Meh y Atlantis, facturando con todos ellos excelentes álbumes, entre los que se encuentran algunos de los clásicos del rock alemán y el prog rock.

Ambrosia-Road Island (1982)

Ambrosia son una de las bandas mas exquisitas del panorama de la música rock, sus irresistibles voces y sus pegadizas melodías le otorgaron durante una década el estar entre las mejores formaciones norteamericanas.
Formado a principios de los setenta en California, esta banda nacería en la mejor era del rock progresivo y obtuvieron una grandísima legión de seguidores gracias a su creatividad y sus fantásticos arreglos. Ya con su primer álbum “Ambrosia”, saltarían a la fama con un trabajo que fue producido por nada mas y nada menos que Alan Parsons y que contaba con éxitos del calibre de “Holdin´On The Yesterday” y “Nice Nice, Very Nice” ambos unos clásicos de las emisoras FM norteamericanas. Los siguientes movimientos de la banda también obtuvieron notables éxitos como “Somewhere I´ve Never Traveled”, el cual fue incluso nominado al Grammy o el hit “Life Beyond L.A.” todo un numero uno en las listas de Billboard.
Después de tantos éxitos, en 1982 Ambrosia publicaba su quinto y a la postre ultimo trabajo titulado “Road Island”, en donde vuelven a mostrar algunos elementos progresivos al mismo tiempo que comerciales, todo ello fusionado con unas melodías memorables y unas irresistibles voces.
Los sonidos AOR están presentes en las adictivas “Still Not Satisfed” y “How Can You Love Me”, los potentes temas rock también tienen cabida en “For Openers-Welcome Home” y “Kid No More”, mientras mantienen intacta la vena melódica con hermosas composiciones como “Feelin´Alive Again”, “Fool Like Me” y “Endings”, para acabar con la mas progresiva y compleja “Ice Age”. En el año 2000 y celebrando los 30 años desde su fundación, volverían a reunirse para realizar una extensa gira por todos los Estados Unidos con un gran éxito de taquillas, demostrando con ello la enorme popularidad de esta magnifica banda californiana.

Citizen Cain-Somewhere But Yesterday (1994)

Esta banda británica de rock progresivo fue fundada en 1982, pero no seria hasta diez años después cuando vieron publicado su primer álbum. Formados en torno al bajista y vocalista George Scott y al multiintrumentista Gordon Feenie, estuvieron durante largos años actuando junto al guitarrista Tim Taylor e incluso llegaron a grabar algún material que fue publicado en un álbum recopilatorio titulado “Fire In Harmony”. Sus actuaciones en el mítico Marquee de Londres les labraron una gran reputación y el sello EMI se intereso por ellos, pero cuando todo iba a formalizarse un accidente deja incapacitado de un brazo a Scott, por lo que la banda desaparece en el año 1988. Varios años después el propio Scott recluta al guitarrista Frank Kennedy, al cantante Stewart Bell, al bajista Dave Elam y al batería Chris Colin y reflotan a Citizen Cain. Ya en 1991 una maqueta del grupo recibe unas excelentes criticas y grandes elogios, lo que les ayuda a que el subsello discográfico Cyclops les financie su primer álbum “Serpents In Camouflage”. Si bien en un primer momento no obtiene el resultado apetecido, gracias a uno de los promotores del sello A&R les consigue que abran los conciertos de bandas como Pendragon, The Enid o Final Conflict. Sin embargo pronto comienzan las desavenencias entre los miembros del grupo que termina por el abandono de algunos de ellos, que son reemplazados por el batería Nick Arkless, el bajista Andy Gilmour y el guitarra Alistar MacGregor. Con esta nueva formación publican el soberbio “Somewhere But Yesterday” en el año 1994. Para este segundo trabajo la banda muestra un estilo mucho mas complejo y su mejor obra, con unas influencias mas que notorias a los primeros Genesis de “Nursery Crime” o “Foxtrot”, pero con un estilo propio y personal. La elaborada y épica “Junk and Donuts”, la asombrosa suite progresiva “Somewhere But Yesterday”, la dinámica “Jonny Had Another Face/ Parallel Lines” y la oscura “To Dance The Enamel-Faced Queen” rememorarían la esencia de la mejor época de los Genesis de la era Gabriel, pero sin cometer el error de ser unos meros imitadores y una burda banda clon.

Steamhammer-Mountains (1970)

Steamhammer fueron una importante banda británica de finales de los sesenta que publicaron cuatro espectaculares discos enfocados en el blues rock progresivo británico.
Formados en 1968 por el guitarra Martin Quittenton, el vocalista, guitarra y harmónica Kieran White, el también guitarrista Martin Pugh y un sección rítmica compuesta por el bajista Steve Davy y el batería Michael Rushton.
En 1969 publicaron su álbum debut que estaba claramente arraigado en la segunda ola del British Blues, compitiendo en primera fila con las coetáneas Savoy Brown, Ten Years After y Fleetwood Mac. Sin embargo este primer lanzamiento tenia los suficientes matices progresivos para ser del agrado de los prog heads de la época.
Ese mismo año llegaría "MK II" el segundo trabajo en donde la propuesta de blues rock se amplia con elementos progresivos, con una serie de temas que tenían la fuerza y garra del poderoso hard rock y unos arreglos muy pulidos y vanguardistas. En este segundo álbum Steamhammer había sufrido varios cambios de integrantes, entrando el batería Mick Bradley y el saxofonista y vientos Steve Joliffe, quienes reemplazaron a Rushton y Quittenton.
En "MKII" destaca poderosamente la epopeya de casi veinte minutos "Another Travelling Tune", con una gran interacción de riffs pesados, un ritmo blues y un complejo desarrollo instrumental.
"Mountains" publicado en 1970, fue el tercer lanzamiento y su trabajo mas completo, en donde seguían con su propuesta inicial de blues rock, aderezados con pinceladas psicodélicas y elementos progresivos.
Aquí aparecen soberbias piezas como la jam blues "Riding On The L&N", la funk psicodélica "I Wouldn´t Have Tonight", la delicada "Levinia", la oscura "Mountains" o la boogie rock "Hold That Train".
"Speech" el cuarto y ultimo trabajo de Steamhammer llegaría un año después, y cuenta con las colaboraciones del ex The Yardbirds y Renaissance Keith Ralf y su hermana la cantante y también miembro de Renaissance, Jane Relf.
En "Speech" la banda toma un rumbo definitivamente mas progresivo introduciendo elementos del jazz rock pero con su esencia blues original. La siniestra y aterradora "Penumbra" con sus 23 minutos da comienzo a este cuarto trabajo, con una intro fascinante y en donde se dan cabida desde pasajes frenéticos hasta momentos mas pausados en un desarrollo totalmente progresivo, ya en la segunda cara del LP aparece la hard rock blues "Telegram", diez minutos de sonidos lisérgicos y progresivos con unas afiladas guitarras y un ritmo enloquecedor, terminando con "For Against", una tema vanguardista y extravagante de riffs de guitarras y solos de batería.
Poco después de la publicación de este cuarto álbum, Mick Bradley fallece a causa de una leucemia no detectada, este funesto hecho precipita la disolución de Steamhammer de manera definitiva.
En apenas cuatro años Steamhammer fueron una de las mas interesantes bandas del circuito del blues progresivo británico, pero que debido a ese trágico acontecimiento, sus constantes cambios de formación y a una competencia brutal con otras bandas coetáneas de mayor peso especifico, les relegaron al status de grupo de culto.

Eyes Of Blue-Crossroads Of Time (1969)

“Crossroads of Time” fue el álbum debut de Eyes Of Blue, una oscura banda británica de rock psicodélico y progresivo. Esta legendaria banda galesa estaba formada por el guitarrista y voz Gary Pickford-Hopkins, el baterista John Weathers, el cantante Wyndham Reese, el teclista Phil Ryan, el guitarrista Ray Williams y el bajista Ritchie Francis.
En sus comienzos esta banda practicaba un estilo basado en el soul y la psicodelia para que gradualmente se fueran orientando hacia los sonidos de la costa oeste estadounidense.
Con la colaboración con Quincy Jones, contribuyeron a la banda sonora de la película 'Toy Grabbers' y luego aparecieron en la película 'Connecting Rooms'. En 1966 ganaron el famoso premio 'Beat Contest', organizado por la revista musical británica Melody Maker. Eso les llevó a firmar un contrato con el sub-sello progresivo Deram de la discográfica Decca. Después de varios sencillos de escaso impacto comercial, obtuvieron la colaboración del productor Lou Reizner, con el cual grabaron su álbum debut, “Crossroads Of Time” en 1968 en Londres y lanzado a principios de 1969 por el sello Mercury Records.
Este primer álbum es una colección de canciones impregnadas de psicodélica y sonidos típicos de los 60 con un buen órgano y elementos del rock progresivo temprano, rhythm & blues, pop, elementos jazzisticos, y influencias orientales, destacando las bluesy “Croosroads Of Time” y "Love is the Law", (ambas escritas por Graham Bond), las psicodélicas “Inspiration For A New Day” y “Prodigal Son”, o las brillantes "I Wonder Why" y "World of Emotion", además de varias versiones muy bien logradas como “7+7 Is” del grupo Love, y la emblemática “Yesterday” de The Beatles, todas ellas impregnadas con el característico sonido beat de los sesenta.
Posteriormente la banda publicaría su segundo álbum titulado “In Fields Of Ardath”, lanzado en la primavera de 1969 en el cual ya no aparecía Wyndham Reese, y que estaba mas orientado a los sonidos progresivos, pero sin dejar su amplia variedad de influencias del rock psicodélico, el blues, el jazz, sonidos exóticos y la música clásica.
Posteriormente Gary Pickford-Hopkins se convertiría en uno de los dos cantantes principales de la banda de acompañamiento de Rick Wakeman en sus álbumes “Journey To The Center Of The Earth” (1974) y “The Myths And Legends Of King Arthur And The Knights Of The Round Table” (1975). Además haber pertenecido durante algún tiempo a la banda de hard blues rock Wild Turkey, mientras John Weathers pasaría a engrosar durante muchos años el puesto de batería principal de los míticos Gentle Giant y posteriormente de la banda psicodélica y progresiva Man.

David Bowie-Aladdin Sane (1973)

En 1973 David Bowie publicaba su sexto álbum, “Aladdin Sane”, la ultima obra puramente rock y uno de sus mejores trabajos en el plano creativo. Grabado en una etapa en donde su arrolladora personalidad jugaba con la ambigüedad, su esencia rockera sigue permaneciendo aquí, conservando la brillantez de los predecesores “The Man Who Sold The World” y “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust”.
Manteniendo el núcleo principal de la banda que grabaría sus últimos trabajos, en donde destacan el guitarrista Mick Ronson, la sección rítmica compuesta por Trevor Bolder y Mick Woodmansey y la exquisita producción de Ken Scott, Bowie vuelve a encargarse de los sintetizadores, el mellotron, el saxo, las guitarras rítmicas y las voces que son secundadas por las vocalistas Linda Lewis y G.A. MacCormack.
Pese a perder un ápice de fuerza en favor de la melodía, “Aladdin Sane” sigue conservando grandes destellos como lo demuestran la poderosa “Watch That Man”, la compacta “The Jean Genie”, la enérgica “Aladdin Sane”, la melódica “Drive-In Saturday”, la contundente “Cracked Actor”, la épica “Time” o la espesa “Panic In Detroit”, para acabar como colofón con la hermosa "Lady Grinning Soul", que hacen de este álbum otra de las obras maestras del camaleónico Duque Blanco. Mientras en el plano comercial “Aladdin Sane” conseguiría un numero uno en la listas británicas y lograría acceder entre los veinte primeros del Billboard estadounidense, obteniendo con ello, un disco de platino y varios discos de oro por sus ventas.

George Harrison-All Things Must Pass (1970)

“All Things Must Pass” es el primer álbum de George Harrison tras dejar a The Beatles y al mismo tiempo su obra cumbre y una de las obras maestras de la música rock.
Este faraónico triple álbum, fue el tercer trabajo del ex Beatle, después de sus experimentales “Wonderwall Music” y “Electronic Sound”, ambos lanzados cuando aún pertenecía al grupo de Liverpool.
Compuesto por algunos temas suyos que fueron desechados en su época Beatle, el resto son nuevas composiciones que ocupan los dos primeros discos mas un tercero compuesto por temas improvisados durante las sesiones de grabación tituladas “Apple Jam” y fue producido por Phil Spector durante gran parte del año 1970 entre los estudios propiedad de The Beatles, Apple Studios, los Trident Studios y en los Abbey Road de la Emi en Londres. Para la grabación de este mastodóntico álbum, George Harrison contó con la colaboración de una amplísima legión de reputados músicos como Alan White (Yes), Jim Gordon (Traffic), Gary Wright (Spooky Tooth), Pete Ham (Badfinger), Peter Frampton (Humble Pie), Ginger Baker (Cream), Eric Clapton (Cream), Gary Brooker (Procol Harum), Bobby Keys (The Rolling Stones),  además de Ray Cooper, Billy Preston o sus ex compañeros de The Beatles, John Lennon y Ringo Starr, entre otros muchos mas.
Este triple álbum sorprendió a gran parte del publico y los críticos debido en gran medida por su modesto rol relegado a eterno segundón (en este caso el tercero), a la hora de componer canciones para los Fab Four. La cantidad de temas de gran calidad que en el atesora es asombroso, destacando el particular “Wall Of Sound” característico de Phil Spector, incluyen la adictiva “My Sweet Lord”, las resplandecientes “Wah Wah” y “What Is Life”, la agresiva “Let It Down”, la enorme “All Things Must Pass”, la acústica “If Not For You” o las maravillosas “Ballad Of Sir Frankie Crisp (Let It Roll)”, “Run Of The Mill” o “Isn´t It A Pity”
“All Things Must Pass” fue numero uno en numerosos países alrededor del mundo, alcanzando unas ventas superiores a los siete millones de copias y varias nominaciones a los premios Grammy.

Automatic Fine-A.F.T. (1976)

Automatic Fine fue un proyecto de un único lanzamiento absolutamente brillante, un álbum en su mayoría instrumental lanzado por Charisma en 1976, en el cual este cuarteto formado por las líneas duales de los guitarristas Paul A. MacDonnell y Robert Cross, secundado por una poderosa sección rítmica compuesta por el bajista Trevor Darks y el batería Dave Ball, entrelazaron un sonido de metales neoclásicos de manera que nadie aún lo habían intentado en aquella época, mucho antes que llegaran las influencias clásicas de las fugas de Bach de Michael Schenker, las de Paganini de Uli Roth o los armónicos comprimidos de Yngwie Malmsteen en la siguiente década de los ochenta.
A.F.T. es un álbum que sin llegar al heavy rock pleno ni estar encuadrado totalmente en el jazz rock es una brillantísima demostración de como la técnica y la disciplina clásica pueden utilizarse en una banda de rock.
El álbum esta esta compuesto mayormente por la suite “The Great Panjandrum Wheel” la cual abarca casi media hora y constituye la mayor parte del álbum, una composición enormemente ambiciosa para un cuarteto de sólidos instrumentistas repleto de armonías complejas y un potente ritmo.
Las bravuconearías de los solos y arpegios de guitarra y los compases embriagadores de todo el disco son constantes mostrando un hard rock barroco con acercamientos al prog y unas dificultosas estructuras jazzisticas.

Isaac Hayes-Shaft (1971)

Como compositor, productor, arreglista, cantante y teclista, Isaac Hayes fue el arquitecto primordial del sonido característico del sello ubicado en Memphis, Stax Records.
Sin embargo pocos previeron su ascenso y su estrellato mundial que comenzaría en 1969 con su álbum “Hot Buttered Soul”, un trabajo en donde Hayes combinaba los entornos del jazz con sonidos hipnóticos y los largos desarrollos, con fusiones de funk, soul y psicodelia, todo ello bajo unas guitarras fuzz y oscuras y su voz profunda y cortante.
Después de este álbum llegaron dos trabajos en una línea continuista con extensos temas, arreglos meticulosos y una gran complejidad orquestada.
En 1971 Isaac Hayes lanzaría dos álbumes dobles, por un lado la banda sonora de la película “Shaft” y por otro “Black Moses”.
Con el primero, Isaac Hayes conseguiría su álbum mas exitoso, obteniendo un Oscar a la mejor banda sonora y un premio Grammy, y con ello catapultaría al artista al estrellato mundial, gracias en parte a la canción principal del disco.
En “Shaft”, Hayes combino sabiamente el funk exuberante y contundente con temas instrumentales suaves y delicados, todo ello bañado en lacónicos y sutiles sabores de jazz.
Ese infalible sentido melódico de Hayes brillaría en temas evocadores y atmosféricos como “Bympy´s Lament”, la suave y repleta de vibraciones “Elliés Love Theme”, la alegre “Cafe Regios”, con la cual evocaba ese sonido heredero de West Montgomery, la atrevida y contundente “No Namen Bar” o la deudora del compositor Burt Bacharach “Early Sunday Morning”, todas ellas con unos sofisticados arreglos de cuerda y vientos que se complementaban con los contornos melódicos de Hayes y el estilo requerido por Hollywood.
Meses mas tarde Hayes llegaría a su pico creativo, lanzando otra obra descomunal, “Black Moses”, en donde basaría su sonido en el estilo de “Hot Buttered Soul”, pero agregando fusiones mas eclécticas y expandiendo así su enorme lienzo musical.

Fairport Convention-Unhalfbricking (1969)

Si en una entrada anterior hablábamos de una de las grandes bandas del folk y jazz blues del Reino Unido, como fueron The Pentangle, los también británicos Fairport Convention nunca le fueron a la zaga. Fundados prácticamente en la misma época, ellos combinaron el folk y el rock con la música clásica, estableciendo un estilo original de folk rock.
Formados en Londres en el año 1967 por el guitarrista Richard Thompson, su primera alineación la completaban el vocalista Ian Matthews, el bajista Ashley Hutchings, la vocalista Judy Dyble, el batería Martin Lamble y el vocalista y guitarra Simon Nicol, todos ellos con una notable formación académica, algo que se vería reflejado en la exquisita y variada técnica instrumental y en la composición de sus canciones.
Su propuesta inicial abarcaba diferentes estilos que iban desde el tradicional folk británico, hasta elementos del folk y el country norteamericano deudor de artistas como Bob Dylan o Tim Buckely, con ramalazos de música cajun.
Esta amalgama de estilos se vio refrendado en el primer álbum el cual contenía diferentes versiones como “Jack O´Diamonds” de Bob Dylan o “I Don´t Know Where I Stand” de Joni Mitchell, además de un claro sabor al folk americano.
Después de unas decepcionantes ventas, la banda cambia de sello por su descontento con la promoción de este primer lanzamiento por parte del sello Polydor y firman con la británica Islands Records. Además la vocalista Judy Dyble es sustituida por la cantante Sandy Denny, una experimentada cantante de folk que ya había tenido cierto éxito con su carrera en solitario, o colaborando con el grupo británico de folk progresivo Strawbs.
Este cambio seria fundamental para el devenir de Fairport Convention, la voz distintiva de Denny fue una de las características de los posteriores álbumes de la banda.
“What We Did On Our Holidays“ su siguiente larga duración, seguía por la senda folk del anterior pero con unas melodías vocales mas ricas gracias a las voces de Denny y Mathews y un estilo mas ecléctico.
Casi a finales de ese mismo año llegaba la tercera entrega “Unhalfbricking”, una clara muestra del sutil desvío de Fairport Convention hacia los terrenos del folk progresivo gracias a los brillantes pasajes de los sonidos rock de la guitarra eléctrica de Richard Thompson y unas estructuras mas vanguardistas.
Sin embargo durante las sesiones de grabación de este álbum Ian Matthews abandonaría debido a sus discrepancias musicales con el líder Richard Thompson, producto de esa orientación hacia terrenos mas experimentales, alejado del folk tradicional.
Un trabajo que contiene brillantes composiciones como la progresiva “A Sailor´s Life”, las dramáticas “Who Knows Where The Time Goes”, “Autopsy” y “Genesis Hall” o alegres melodías folk como las versiones de los temas de Bob Dylan “Million Dollar Bash” y “Percy´s Song”.
En los sucesivos años Fairport Convention seguirán facturando exquisitos discos como “Liege & Lief”,(1969) “Full House” (1970) “Angel Delight” (1971), "Babbacombe´Lee” (1971), o “Rising For The Moon” (1975), pero los continuos cambios de formación les restarían la cohesión y la creatividad musical de sus sublimes primeras obras.

Jean-Luc Ponty-Mystical Adventures (1982)

Jean-Luc Ponty ha sido uno de los músicos más innovadores del jazz rock, su versatilidad e inagotable creatividad le llevaron a formar parte de legendarias bandas como la Mahavishnu Orchestra o a la banda de Frank Zappa, entre otras muchas colaboraciones con artistas del jazz y el rock.
“Mystical Adventures” fue su octavo álbum en solitario, publicado en un momento en el que el auge de los sonidos progresivos, entre ellos el jazz rock, no se encontraban en su mejor momento.
Igualmente “Mystical Adventures” significaría el epilogo de su mejor etapa con una serie de trabajos de gran jazz rock versátil, con influencias progresivas como son “Upon The Wings Of Music” (1975), “Aurora” (1976), “Imaginary Voyage (1976), Enigmatic Ocean (1977), “Cosmic Messenger” (1978) o “A Taste For Passion” (1979).
"Mystical Adventures” es igualmente uno de sus álbumes más accesibles para el gran público, otorgando mas protagonismo a su banda y sus desarrollos instrumentales, pasando a un segundo plano su liderazgo instrumental, aunque sin embargo siguen apareciendo sus solos de violín tan característicos
Para esta grabación Ponty contaría con un plantel donde aparecían el percusionista Paulinho Da Costa, el guitarra Jamie Glaser, el bajista Randy Jackson, el teclista Chris Rhyne y el batería Ray Griffin.
Un álbum que tiene en los sintetizadores, el piano eléctrico, el vocoder de Rhyne y las percusiones de Paulinho Da Costa lo mas novedoso de su sonido.
La primera cara esta enfocada a la suite del mismo titulo del álbum, que dividida en cinco partes es un perfecto ejercicio de jazz progresivo muy en la onda de los trabajos de la Mahavishnu Orchestra. Un extenso tema en donde todos y cada uno de los músicos tiene un gran protagonismo, desde el órgano de Rhyne, hasta la poderosa guitarra de Glaser, pasando por una sección rítmica eficiente y el violín de Ponty que de manera intermitente deja claro su impronta con su enorme talento
La segunda cara comienza con la progresiva “Rhythms Of Hope”, mientras la extraña e inusitada “As” da paso a “Final Truth”, dividida en dos partes, con una primera con el estilo clásico de Ponty y una segunda mucho mas atmosférica y oscura, para cerrar con la jazz sinfónica “Jig”, la cual culmina este trabajo considerado uno de los mejores discos del jazz rock de los ochenta.

Vangelis-Direct (1988)

A finales de los ochenta, el legendario teclista y compositor griego Vangelis, decide dejar atrás su lugar de residencia en Londres y se ubica en su Grecia natal en donde crea un nuevo estudio y da vida a su decimoquinto álbum “Direct”, donde en un alarde de genialidad se desvía hacia sonidos mas convencionales y accesibles con un resultado tan sorprendente como asombroso.
Abandonando sus grandes desarrollos divididos en múltiples movimientos de sus obras anteriores, aquí el músico griego se enfoca en sonidos electrónicos mas terrenales y contemporáneos, que de alguna manera se adapta a los tiempos modernos con una obra mas atractiva para el gran publico.
Un álbum que contiene joyas como la animosa “The Motion Star”, en donde Vangelis deja su impronta y que nos recuerdan obras tan emblemáticas como su clásico “Spiral” de los setenta, o esa maravillosa composición llamada “Will Of The Wind” con esos sonidos de elocuentes sintetizadores, luego aparece otra monumental composición “Metallic Rain” la cual demuestra el gran talento del músico griego al combinar las poderosas percusiones con un clímax sonoro cercano al rock emulando los sonidos de guitarras distorsionadas.
La espacial “Elsewhere” es un remanso de paz entre tanto frenesí sónico, la cual da entrada a otro memorable tema como es la rítmica y enorme “Dial Out” con una desarrollo in crescendo que termina de manera apoteósica. Llegados a este punto aparece la operística “Glorianna (Hymn a la Femme), un tema que será antesala del sonido de algunos de sus álbumes posteriores, o la comercial “Rotations Logic" con esos aires orientales y una batería sincopada.
En la recta final aparecen la melancólica y encantadora “The Oracle Of Apollo” con esta característica composición de arpa de Vangelis, y la épica siniestra “Message”, uno de los momentos mas conmovedores. Mientras “Ave” es otro tema rítmico con que se nos antoja sin ser una mala composición, lo mas flojo del trabajo, para terminar con dos de las mejores piezas de este “Direct”, por un lado la sensible y delicada “First Approach” y por otro, la apoteósica “Intergalatic Radio Station”, que como su nombre deja entrever es un tema cósmico y épico, con el cual da por finalizada un LP admirable que se suma a las incontables obras extraordinarias del mítico músico griego.

Bob Dylan-Highway 61 Revisited (1965)

Los primeros años de Bob Dylan fueron su época mas reivindicativa con sus letras y su estilo de folk acústico, plasmando de manera genial la pasión y la filosofía de un estilo que siempre estuvo muy comprometido con las protestas y el sentimiento social.
Sin embargo a Bob Dylan le empezaría a quedar pequeño ese genero y decidió ampliar horizontes, por lo que se dispuso a electrificar su sonido, empezando así una nueva aventura musical, convirtiéndose en una de las máximas influencias de gran parte de la música posterior.
“Highway 61 Revisited” seria el punto de partida de ese nuevo sonido de Bob Dylan, para lo cual el musico de Minnesota forma una poderosa banda compuesta por Mike Bloomfield, Harvey Brooks, Al Kooper, Charlie McCoy, Paul Griffin, Bobby Gregg o Sam Lay. Con este plantel de lujo Bob Dylan realiza un álbum tan memorable como histórico, el cual  sentaría cátedra en el mundo del rock.
Compuesto por una retahíla de canciones celebres como la inmortal “Like A Rolling Stone”, todo un clásico de la música rock con esa solida base rítmica y una concluyente y memorable melodía. Por su parte “Tombstone Blues” muestra genialmente ese blues típico del guitarrista Mike Bloomfield aderezado con un ritmo country. Mientras la espectacular folk rock “Desolation Row” o la sabor a blues “From a Buick 6” dan paso a la cadenciosa y sentimental “Ballad Of a Thin Man” con un Al Kooper extraordinario a los teclados o la atractiva folk blues “Just Like Tom Thumb´s Blues”, conformando entre todas ellas una de las obras maestras de la música rock y uno de los álbumes imprescindibles del siglo 20.

Led Zeppelin-The Song Remains The Same (1976)

“The Song Remains The Same” fue durante muchos años la única grabación oficial en directo de Led Zeppelin, hasta la publicación muchos años después del directo “BBC Sessions” (1997) y los posteriores “How The West Was Won” (2003) y “Celebration Day” (2012).
Pero haciendo un poco de historia nos situamos en el verano de 1975, justo cuando Led Zeppelin se disponen a iniciar su tour mundial promocionando su doble álbum “Physical Graffiti”, ocurre el infortunio, su cantante Robert Plant sufrió junto a su mujer un grave accidente automovilístico ocurrido en la isla griega de Rodas, en donde pasaban unos días de vacaciones y el cual esta a punto de costarles la vida.
Ese accidente y la posterior recuperación, supondría la cancelación de dicha gira y un largo retardo que duraría casi un año, hasta que incluso con un Plant aún convaleciente empezaron las sesiones de grabación del siguiente álbum “Presence”, que seria publicado a mediados de 1976.
Aprovechando esta interrupción, la Atlantic Records decidió publicar “The Songs Remains The Same”, un directo y una película grabada tres años atrás, durante los días del 27 al 29 de julio de 1973 en el Madison Square Garden de Nueva York, unos shows pertenecientes a la gira posterior al álbum “Houses Of The Holy”. Sin embargo, el laborioso proceso de mezclas y grabación en los estudios atrasaría la salida de este, hasta justo unos meses después de la publicación del mencionado “Presence”. Otra de las razones de ese retraso, fue la inconformidad del Jimmy Page sobre la calidad de las cintas grabadas esa noche, las cuales consideraba que no eran las mas idóneas para su publicación.
Dejando a un lado la película, la cual es básicamente imágenes del concierto mas una introducción de sus cuatro componentes en diferentes situaciones de su vida privada y cotidiana, el disco contiene momentos memorables como son los 27 minutos de “Dazed and Confused”, que por otro lado dada su larguísima duración se vuelve por momentos bastante tediosos, o las atronadoras “Rock and Roll” y “Whole Lotta Love”, igualmente destaca la clásica “No Quarter”, el blues “Since I´ve Been Loving You” o la extensa “The Rain Song” sin dejar de mencionar los casi diez minutos del solo de batería de John Bonham en “Moby Dick”.
Pero es sin duda una versión extendida de “Stairway To Heaven”, el momento cumbre de este álbum, en donde todos los miembros de la banda muestran una ejecución sobresaliente e impecable.
La recepción posterior por parte del publico, fue un numero uno en las listas británicas y un segundo lugar en las listas del Billboard, además de numerosos discos de platino por sus ventas a nivel mundial.

Gong-You (1974)

Con su quinto álbum, Gong conseguiría su trabajo mas coherente y mas enfocado al rock, que todos los trabajos publicados anteriormente.
También con este album, la banda anglo-francesa daba por cerrada la trilogía comenzada un año antes con los discos “Flying Teapot” y “Angel´s Egg”, todos ellos junto a este que hoy nos ocupa, álbumes conceptuales sobre los Pothead Pixies del planeta Gong. En “You”, los Pothead Pixies se enfrentan a la trilogía Tolkien, aniquilándola por completo, burlándose de esta manera de la historia sombría de esa trilogía, prefiriendo la no menos absurda, historia del planeta Gong y su mitología.
Para esta ocasión la banda consigue repetir casi la misma formación que sus dos obras anteriores, un hecho insólito en una banda que destacaba por sus entradas y salidas continuas de integrantes.
Gracias a la perfecta sincronización de Steve Hillage, Pierre Moerlen, Tim Blake y los vientos de Didier Malherbe, el sonido se vuelve muchísimo mas atmosférico y cósmico, convirtiendo a este álbum en un verdadero trabajo de jazz y rock progresivo y no el bizarro, perturbante y disparatado estilo de sus predecesores.
“You” comienza con los temas cortos y triviales “Thoughts for Naught” y “A P.H.P.'s Advice”, piezas casi narrativas para la introducción a la siguiente y funesta “Magick Mother Invocation”, la cual es la intro de las cósmicas y espaciales “Master Builder” y “A Sprinkling Of Clouds”. Rara vez en la carrera de Gong, lograrían ser tan cautivadores con esos ritmos repetitivos y asombrosos como ocurre con estas dos impresionantes piezas de space rock.
Ya en la segunda cara, la inconsistente y extraña “Perfect Mustery”, da paso a un nuevo viaje alucinógeno de paraíso musical con la jazz rock cósmica “The Isle Of Everywhere” y la vanguardista “You Never Blow Trip Forever”, en donde la interacción de la guitarra de Hillage, queda profundamente subrayada por los teclados y las capas etéreas de los sonidos de los sintetizadores de Tim Blake.
“You” es sin duda alguna una obra tan admirable como asombrosa de una banda que baso gran parte de su carrera de un absurdo y bizarro estilo, que fue tan venerado como al mismo tiempo repudiado por la amplísima comunidad de fans del rock progresivo.

Yes-Yesshows (1980)

"Yesshows" fue el segundo álbum en directo de Yes, el cual sirve como un excelente complemento al mítico triple “Yessongs” publicado siete años antes en 1973.
Compuesto prácticamente por temas que pertenecen a los álbumes posteriores a “Close To The Edge”, a excepción del tema “Time And A Word”, recoge material perteneciente a los álbumes “Tales From Topographics Oceans”, “Relayer”, Going For The One” y “Tormato”. Un doble directo que contiene un total de siete temas grabados en diferentes localizaciones de Estados Unidos y Europa, que van desde la gira de 1976 en apoyo al disco “Relayer”, hasta la correspondiente al "Tormato" en 1978.
Este directo tiene la particularidad de escuchar a los dos teclistas de Yes de los 70, por un lado Patrick Moraz que aparece en los temas “The Gates of Delirium” y “Ritual (Nous Sommes Du Soleil)", ambos de la gira posterior al álbum “Relayer” y a Rick Wackeman que interviene en los cinco temas restantes pertenecientes a las giras de los álbumes "Going For The One” y  “Tormato”.
El resto de la formación era la clásica de la banda durante toda esa década, compuesta por Steve Howe, Jon Anderson, Chris Squire y Alan White.
Sin embargo este lanzamiento fue una jugada comercial de la discográfica Atlantic Records, a modo de epitafio, ya que cuando fue publicado a finales de 1980,  ya prácticamente no existían como banda, un año antes habían sufrido la primera separación de su formación mas clásica, con el abandono de Jon Anderson y Rick Wakeman, quienes fueron sustituidos por Trevor Horn y Geoff Downes para la grabación del disco “Drama”, publicado en agosto de ese mismo año, una formación que apenas tendría recorrido y que terminarían disolviéndose en los primeros meses de 1981.
Con otra portada icónica de Roger Dean, “Yesshows” es muy destacable por una serie de versiones que a diferencia de los temas originales de estudio, suenan con un toque mas poderoso y dinámico, como ocurre con “The Gates Of Delirium”, “Parallels” o “Time and A Word”, esta ultima con una dimensión muy distinta a la versión orquestada original.
Otro de las piezas que gana muchos enteros es “Ritual (Nous Sommes Du Solelil)” que tiene una reinterpretación algo diferente a la versión de estudio, pese a la gran calidad de la original.
En definitiva un excelente documento en vivo, en donde se puede observar el desarrollo musical de la banda, desde sus primeros años y su época gloriosa hasta el final de su etapa dorada.

Colosseum-Valentyne Suite (1969)

Colosseum fueron de las primeras bandas en agrupar el jazz y el rock y surgió como consecuencia de la unión de diferentes músicos de rhythm and blues que habían sido parte de varias bandas prestigiosas como los Bluesbrakers de John Mayall y Graham Bond Organisation.
Así fue como Jon Hiseman (batería) y Dick Heckstall-Smith (saxo), deciden seguir por cuenta propia lejos de la escuela blues de Mayall, y formar una banda para lo que reclutan al guitarrista James Litherland, al teclista Dave Greenslade y al bajista Tony Reeves. Después de denominar esta nueva aventura como Colosseum, no tardan en llegarles ofertas de algunas discográficas, siendo definitivamente la británica Fontana quienes les contratan y les producen su primer álbum “Those Who Are About To Die Salute You” que fue lanzando a principios de 1969. En este primer álbum Colosseum muestran un estilo que fusiona a la perfección el jazz, el swing, el blues, la psicodélica y pasajes de la música clásica, todo ello envuelto en sonidos de potente rock, como queda demostrado en temas como “Mandarin” o la desatada “Debut”, mientras la parte progresiva esta en “Beware The Ides Of March” una readaptación del clásico “Toccata y Fuga en re menor” de Johan Sebastian Bach, interpretado de manera asombrosa por un Dick Heckstall-Smith apoteósico.
Después de este fastuoso debut, la banda abandona el sello Fontana y fichan por Vértigo, con quienes a finales de ese mismo año publican su segundo álbum “Valentyne Suite”, el cual comienza de manera tan espectacular como su predecesor, con la poderosa “The Kettle”, un tema infectado de sonidos rhythm and blues y la guitarra incendiaria de Litherland, por un camino similar sigue “Elegy”, pero esta vez con Dick Heckstall-Smith en el rol protagonista con su saxo y una sección de cuerdas soberbia. Llegados a este punto la banda retorna a sus orígenes blues con la parsimoniosa “Butty´s blues” en donde un órgano contagioso y la sección de metales conforman una sobresaliente pieza que produce incredulidad.
La segunda cara del vinilo original esta reservada casi exclusivamente a la suite progresiva del mismo nombre del álbum, un extraordinario ejercicio en donde se dan la mano todos los ingredientes de la banda, con una actuación soberbia de todos sus componentes, empezando por el inteligente e innovador estilo con el órgano de Dave Greenslade, el preciso y rítmico bajo de Tony Reeves, el sonido apasionado de Dick Heckstall-Smith, el potente e intrincado tamborileo del batería Jon Hiseman y la locuaz guitarra de James Litherland.
“Valentyne Suite” es sin duda una de las obras maestras de la música progresiva de finales de los sesenta, que sin embargo a pesar de los orgásmicos que fueron sus composiciones, sus múltiples y obvias influencias, aun estando muy bien estructuradas, fue una de las razones, por la falta de una originalidad única, por la que nunca pudieron competir en creatividad con sus coetáneas, como por ejemplo si los fueron, bandas como King Crimson o Yes, por solo citar dos de las mas icónicas del rock progresivo.

Whitesnake-Slide It In (1984)

El sexto álbum de Whitesnake, supuso el mayor éxito de la banda hasta la llegada del posterior “1987” publicado tres años mas tarde, pero también fue uno de sus trabajos mas polémicos. Para empezar su líder, el cantante David Coverdale, quería tener mas presencia en el mercado norteamericano, por lo que ideo la posibilidad de publicar dos versiones diferentes del mismo álbum, una para el mercado europeo y otra para el mercado estadounidense.
Este hecho levanto no pocas controversias entre los aficionados del hard rock, sobre todo entre sus fans mas acérrimos, al tener que adquirir ambas versiones por no ser el mismo disco en realidad. El proceso de grabación también fue como se supone algo caótico, para empezar en las sesiones de grabación de la versión europea, el productor elegido fue en un principio Eddie Kramer, quien después de varias semanas fue sustituido por Martin Birch, al considerar varios de los integrantes su poca conexión con el espíritu musical de la banda. También durante todo ese proceso se cambiaron algunos de los que intervinieron como Micky Moody y Colin Hodgkinson, que fueron sustituidos por el guitarrista John Sykes y el bajista Neil Murray para la edición americana.
El resto estaba formado por David Coverdale (voz), Jon Lord (teclados), Cozy Powell (batería) y Mel Galley (guitarra y voces), además de los productores Keith Olsen, John Kalonder y Greg Fulginiti. Tamaña cantidad de personal convirtió a este álbum, en uno de los mas elaborados y difíciles en toda la carrera de la banda británica.
Además de todo ello, y sin contar los diferentes estudios utilizados tanto de grabación como las remezclas, la distribución por parte de las discográfica fue igualmente diferente, mientras en USA fue la Geffen Records en el resto del mundo se encargaría la Liberty Records y para rematar el clavo las fechas de salida tampoco coincidieron, empezando por la edición británica lanzada a principios de febrero, la del resto del mundo en marzo y la norteamericana casi a finales de abril.
Son sin duda las remezclas hechas por Keith Olsen las mas adictivas, con un sonido adecuado a los gustos del publico norteamericano, con un hard rock brillante y cristalino en comparación con el sonido mas crudo y primitivo de la versión europea, aunque es esta ultima la que mejor resalta las virtudes originales de Whitesnake.
Aun así el álbum esta rebosado de magnificas composiciones como la inicial y pegadiza “Slide It In”, la demoledora “Slow´n Easy” o la cautivadora “Love Ain´t no Stranger”. La hard rock “All Or Nothing” da paso a la añeja “Gambler”, que es la antesala a la vertiginosa “Guilty Of Love”, o la hard rock “Hungry For Love”, para acabar igual que al principio, con tres majestuosas canciones como son la directa y contundente “Give Me More Time”, la elaborada “Spit It Out” y “Standing In The Shadow” un solido hard rock que esta entre los mejores temas de Whitesnake.
El álbum como era de esperar tuvo diferentes acogidas en ambos mercados, mientras en los Estados Unidos obtuvo una gran acogida consiguiendo varios discos de platino y una ventas que superaron los dos millones de copias, en Inglaterra obtuvo un discreto recibimiento y numerosas criticas por las letras de doble sentido y por las remezclas del álbum. Aún así y pasado algún tiempo lograría alcanzar una novena posición en las listas británicas y unas aceptables ventas que sumado a las mundiales alcanzarían cerca de los cinco millones de discos vendidos en total.

Toe Fat-Toe Fat (1970)

Volvamos a hablar de las bandas oscuras de finales de los sesenta y esta vez le toca el turno a Toe Fat, una efímera agrupación que contó entre sus filas con los miembros posteriores de Uriah Heep, Ken Hensley y Lee Kerslake. Otro ilustre miembro de esta banda era John Glascock, quien algún tiempo mas tarde entraría a formar parte de los Jethro Tull de Ian Anderson, y completando la banda el vocalista Cliff Bennett.
Su primer álbum fue publicado por el sello Parlophone, una subsidiaria de Emi en 1970, y pese a fracasar comercialmente, obtuvo grandes elogios entre la critica y los fans. Este hecho les valdría para ser contratados como los teloneros de la banda de Eric Clapton, Dave Mason y Duanne Allman, Derek and The Dominos por los Estados Unidos durante algunos meses de 1970.
Una vez acabada dicha gira Hensley y Kerslake abandonan Toe Fat para fundar Uriah Heep y son reemplazados por el guitarrista Alan Kendall y el batería Brian Glascock, con quienes lanzaron el segundo y ultimo álbum de esta banda, “Toe Fat Two” a finales de ese mismo año de 1970.
Centrándonos en su primer álbum, con una sugestiva portada realizada por Hipgnosis, Toe Fat mostraban un enérgico hard rock con pinceladas bluesy y ciertas influencias progresivas, que de alguna manera nos recuerdan a los primeros Uriah Heep.
Enérgicos protos hard rock como la inicial “Tha´s My Love For You”, contrastan con la bluesy “Bad Side Of The Moon” o con la lisérgica y pesada “Nobody”, mientras “The Wherefors And The Why”, es una melódica composición psicodélica. Otros temas destacados son la hard rock “But I´m Wrong”, la boogie folky “Just Like All The Rest” o la rítmica y acida “I Can´t Believe”.
Después del segundo álbum la banda termina por desmembrarse y algunos de sus componentes deciden seguir caminos diferentes como el guitarrista Kendall quien pasaría a formar parte de la banda de los Bee Gees o el batería Glascock quien después de un corto periplo con la banda del ex Deep Purple, Rod Evans, Captain Beyond, ingresaría en The Motels para posteriormente colaborar con artistas como Iggy Pop o Joan Armatrading.

Dixie Dregs-Dregs Of The Heart (1980)

Aunque formados a principios de los setenta, no seria hasta mediados esa década cuando la banda norteamericana Dixie Dregs publicaran su primer y homónimo álbum, en donde destilaban esa genuina mezcla de estilos que iban desde el jazz, el country, el bluegrass, los sonidos progresivos y el rock americano.
Durante seis años esta banda mantuvo la misma formación y con ella grabaron cuatro interesantísimos trabajos que se encuadran dentro de los mejor del panorama jazz rock instrumental de la década de los 70. Sin embargo a finales de la misma, se sucedieron algunos cambios significativos, por un lado dejaron el sello Capricorn por Arista Records, por otro, después del magnifico “Night Of The Living Dregs” de 1979, el teclista Mike Parrish abandona la banda y es sustituido por Terry Lavitz, el cual imprime con sus teclados ambientes mas sinfónicos que el anterior.
El resto de la formación estaba compuesta por el guitarrista Steve Morse, el batería Rod Morgenstein, el violinista Allen Solan y el bajista Andy West.
En 1980 llegaría el quinto álbum de Dixie Dregs, “Dregs Of The Heart”, el cual se convierte en su mejor obra hasta esos momentos. Un trabajo en el que destaca sobre todo la jam jazzistica y progresiva “I´m Freaking Out”, un majestuoso corte convertido en un tour de forcé sinfónico que se convierte fácilmente en una de las mejores composiciones de la banda.
No obstante el resto sigue la habitual tendencia musical del grupo, con la rockera “Road Expoense” la progresiva Bluegrass “Pride O´The Farm”, el jazz progresivo “Twiggs Approved”, el ejercicio sinfónico “Hereatfer”, la progresiva “The Great Spectacular” o la boogie jazz “Broad Street Strut”.
En definitiva otro imprescindible álbum de Dixie Dregs, en donde todos los músicos demuestran un gran virtuosismo, destacando sobremanera, la guitarra con sonidos hard rock de Steve Morse y un repertorio con grandes melodías de enorme y complejo pero al mismo tiempo accesible jazz rock.

The Band-The Last Waltz (1978)

A mediados de los setenta y tras dieciséis años de carrera, The Band decidieron acabar su fabulosa aventura, la cual los llevaría a dejar en la memoria de millones de fans y en los anales de la música rock, una historia tan apasionante como antológica.
A lo largo de todo ese tiempo fueron durante sus primeros años la banda de acompañamiento de Bob Dylan en su gira mundial de mediados de los sesenta, cuando aún se denominaban The Hawks, además de colaborar en la grabación del famoso “Blonde on Blonde”. Posteriormente y ya como The Band publicaron algunos de los mas grandes álbumes de la historia de la música norteamericana como son “Music From Big Pink” (1968), “The Band” (1969), “Stage Fright” (1970), “Before The Flood” (1974) o "The Basement Tapes" (1975), estos dos últimos junto al propio Bob Dylan.
Como colofón a su despedida, la banda junto al promotor Bill Graham, organizaron un concierto en el legendario Winterland de San Francisco, el día de Acción de Gracias de 1976. Ese día tan señalado para los norteamericanos, el mítico lugar estaba rebosante de publico, ansioso y consciente por ver algo memorable e histórico. Para la ocasión las cámaras del director Martin Scorcerse lo filmarían todo para una película posterior.
Esa noche además de la formación de The Band, compuesta por Rick Danko, bajo violín y voz, Garth Hudson, órgano, piano, sintetizadores y saxofón, Richard Manuel, piano, órgano, batería y voz, Robbie Robertson, guitarra piano y voces y Levon Helm, batería, mandolina y voz, participa una sección de vientos y otros músicos de apoyo entre los que destacan Allen Toussaint, Tom Malone, James Gordon o John Simon. También esa noche intervienen una serie de súper estrellas invitadas, entre los que se encuentran Ronnie Hawkins, Neil Young, Van Morrison, Muddy Waters, Paul Butterfield, Eric Clapton, Neil Diamond, Bob Dylan o Joni Mitchell.
El resultado final fue un triple álbum, además de la mencionada película, que fue publicado dos años mas tarde y que recoge fielmente una noche memorable con casi tres horas de duración y que aglutina un repertorio sublime con la interpretación de los clásicos de la banda como “The Night They Drove Old Dixie Down”, “The Weight”, “Up On Cripple Creek”, “Stage Fright” o “This Wheel´s On Fire” que se alternaron con canciones de los artistas invitados como “Helpless” de Neil Young, “Caravan” de Van Morrison, “Dry  Your Eyes” de Neil Diamond, “Mystery Train” de Paul Butterfield o “Further On Up The Road” de Eric Clapton. Para el final se reservaron el clásico “I Shall Be Released” y varias jams interpretados por todos los que intervinieron en el concierto, incluidos el guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood y el ex Beatle, Ringo Starr.
Este triple álbum junto a la película se convirtió en una obra de culto para los norteamericanos y considerada una de las obras maestras de la música norteamericana de todos los tiempos.

The Amboy Dukes-Journey To The Center Of The Mind (1968)

Formados en la ciudad de Detroit, The Amboy Dukes fue la primera piedra angular de Ted Nugent, mucho antes de que este comenzara su fulgurante carrera en solitario en la década de los 70.
En 1965 Ted Nugent había llegado a Detroit desde su Michigan natal, donde algún tiempo antes ya había fundado la primera encarnación de esta banda, que sin embargo apenas tuvo repercusión alguna. Una vez en la ciudad del motor, volvería a reformar los Amboy Dukes con una nueva formación, la cual estaba compuesta además del propio Ted Nugent, por el bajista Bill White, el baterista David Palmer, el vocalista John Drake, el guitarrista Steve Farmer y el teclista Rick Lober. Durante algunos años la banda se convierte en una de las sensaciones en los locales y clubs de la zona de Detroit y en 1967 publican su primer álbum “The Amboy Dukes”, el cual contiene un interesante repertorio de cortes psicodélicos, pinceladas del pop británico y un enérgico hard rock.
Sin embargo y debido al descontento con el resultado final la banda se reforma dando entrada al teclista Andy Solomon y al bajista Greg Arama con quienes graban el segundo Lp del grupo, “Journey To The Center Of The Mind”.
En este segundo álbum muestra una amplia variedad de sonidos que iban desde el blues rock hasta el hard rock, todo ello aderezado con pinceladas de sonidos ácidos y psicodélicos.
El gran trabajo de las dos guitarras a cargo de Nugent y Farmer son parte fundamental del sonido, que junto al acido órgano de Arama y una correcta sección rítmica dejaron temas como la homónima que da titulo al álbum, un estupendo corte de acid rock, a la que le siguen otras destacadas piezas como el blues rock “Mississippi Murder”, la proto psicodélica “Surrender To Your Kinks”, la poderosa folk rock “Scottish Tea” o la hard blues “Dr Slingshot”.
Luego de esto la banda publicaría varios discos mas; el experimental “Migration” (1968) y el mas previsible “Marriage On The Rocks/Rock Bottom” (1970) pero sin obtener el mismo reconocimiento de este “Journey To The Center Of The Mind”.
Ya a principios de los 70 y bajo el nombre de Ted Nugent and The Amboy Dukes, se publicarían varios álbumes mas, entre los que destacaba “Call Of The Wild” (1974), para  finalmente ese mismo año terminar así la aventura de esta banda y comenzar así Nugent su propia carrera en solitario que desembocaría un año después con su espléndido debut.

Rare Earth-In Concert (1971)

Otro de esos álbumes en vivo que han pasado a las posteridad fue este “In Concert” de los Rare Earth, aquella banda que pese a estar formada por músicos blancos, pertenecían al sello Motown, famoso por su contratar exclusivamente a artistas de color.
Para cuando apareció este doble directo, Rare Earth ya habían publicado tres álbumes de estudio, entre ellos el monstruoso “Get Ready”, la obra que los encumbraba para siempre con el tema del mismo titulo que ha pasado a la historia como uno de los himnos de la música rock.
Rare Earth baso su explosiva música en el rhythm and blues fusionado con sonidos grooves, funk y soul, en una mezcla tan electrizante como musculosa y vibrante.
Los temas que componen este doble en directo fueron extraídos en diferentes conciertos celebrados durante gran parte del año 1971, en las ciudades de Miami, Jacksonville o New York.
Con la breve apertura de la funk psicodélica “I Just Want To Celebrate” se abre la primera cara de este álbum, para a reglón seguido y durante algunos segundos escuchar al batería Pete Rivera advertir al publico que tengan precaución sobre las posibles descargas eléctricas, debido a que gran parte de la audiencia se habían aglutinado muy cerca de las orillas del Atlántico, en una playa cercana al Florida Miami Stadium. Una vez dicho esa advertencia la banda comienza su rítmica maquinaria sonora interpretando gran parte de sus grandes hits como “Hey, Big Brother”, o “I´m Loosing You”, esta ultima un ejercicio soberbio de riffs funkys con un ritmo poderoso y vibrante con los que conforman la simbiosis perfecta entre la música blues y el soul.
Después de la jam musculosa “Get Ready” con sus casi 25 minutos de música enloquecida, llegan la rítmica “What´d I Say” y la psicodélica y progresiva funk “Thoughts”. Con este directo Rare Earth confirmaron que eran una de las bandas mas icónicas y solicitadas en los Estados Unidos de finales de los sesenta y principios de los setenta, con multitudinarias giras en donde llenaban grandes estadios por las ciudades norteamericanas donde pasaban y también con una gran presencia en las listas de éxitos con millones de discos vendidos.