Led Zeppelin-Presence (1976)

“Presence” es junto a “In Throught The Out Door”, los álbumes considerados “previsibles” dentro de la discografía de Led Zeppelin, ambos grabados en la época de menor esplendor musical del grupo, aunque sin embargo contienen momentos realmente memorables.
Para cuando fue grabado “Presence”, (finales de 1975), la banda se encontraba en medio de diferentes problemas personales, por un lado John Bonham se encontraba sumido con sus excesos con la bebida, Jimmy Page por su parte era un adicto a la heroína y Robert Plant se encontraba convaleciente de un grave accidente automovilístico en Grecia en el verano de ese año, hecho este ultimo que había sido el motivo por el cual habían cancelado la gira mundial en apoyo a su doble álbum “Physical Graffiti”.
Todo este tumulto de situaciones influyo para que las grabaciones de este nuevo álbum fueron extremadamente complicadas y en medio de tensiones internas y un enrarecido ambiente entre los componentes de la banda.
Centrándonos en el disco, y dejando a un lado todas sus antológicas obras anteriores, en este séptimo trabajo empiezan a aparecer los primeros signos del agotamiento creativo y el principio de su declive, no obstante termino resultando un álbum en cierta medida aceptable, con algunas canciones arrebatadoras como la épica “Achilles Last Stand”, la bluesy “Tea For One”, o el hard rock blues “Nobody´s Fault But Mine”, mientras el resto del repertorio roza la mediocridad, las cuales adolecen de la filosofía zeppeliana acostumbrada como la tolerable y contundente “For Your Life” o las aceptables pero previsibles “Royal Orleans” y “Hot On For Nowhere”.
Este el álbum también se resentiría comercialmente, aunque es cierto que en menor medida, ya es que el nombre de Led Zeppelin por aquellos años pesaba como una losa entre el publico, llegando al numero uno en el Reino Unido y en los Estados Unidos, consiguiendo cuatro discos de platino por sus ventas.

Grand Funk Railroad-Grand Funk (1969)

“Grand Funk” es el segundo álbum de los viscerales y potentes Grand Funk Railroad, publicado seis meses después de su debut "On Time". Este segundo lanzamiento contiene una selección antológica de temas de enérgico hard rock con un Mark Farner exuberante y sobrado a la guitarra, además de su excelente faceta como compositor. Pero también muestra la solida y vigorosa sección rítmica formada por el contundente baterista Don Brewer y el aplastante sonido del bajo de Mel Schacher, que sirven de perfecto complemento a la poderosa guitarra del menciono Farner y su poderosa voz. Temas como la rabiosa “Got This Thing On The Movie”, un hard rock con tintes psicodélicos, la heavy psicodélica “Paranoid”, la contundente instrumental “In Need”, la blues acida  “Winter And My Soul”, la adictiva “Looking Out” o la rítmica y pesada “High Falootin´Woman”, conforman un imprescindible álbum, que pronto obtendría el calificativo de obra clásica del hard rock, y que con esta o sus siguientes obras se situarían a la altura de sus coetáneas Led Zeppelin, Cream, Jimi Hendrix Experience o Black Sabbath.

Genesis-Nursery Cryme (1971)

Después de publicarse el segundo álbum de Genesis “Trespass“, tuvieron lugar los primeros hechos significativos en cuanto a la formación del grupo, por un lado el guitarrista Anthony Phillips abandona la banda siendo sustituido por Steve Hackett y por otro, el batería John Mayhew haría lo mismo y su lugar lo ocuparía Phil Collins. Estos dos nuevos miembros serian fundamentales en el devenir de la mejor época de la banda, además de ser parte de la formación mas clásica y mas exitosa musicalmente de Genesis. Con estos dos nuevos miembros, el resto estaba formado por Peter Gabriel, Mike Rutherford y Tony Banks, un quinteto que grabarían su tercer álbum “Nursery Cryme”, publicado en 1971, en el cual confirman definitivamente su propuesta progresiva comenzada en su anterior obra “Trespass”. “Nursery Cryme” resulto ser un álbum extraordinario, creativo, variado, repleto de momentos versátiles y con un asombroso virtuosismo instrumental por parte del combo británico. Complejas canciones como la apoteósica “The Musical Box”, la melancólica “For Absent Friends”, la épica y contundente “The Return Of The Giant Hogweed”, la melódica “Harold The Barrel” o la progresiva “The Fountain Of Salmacis”, confirmaron a Genesis como una de las mas grandes promesas del rock progresivo de principios de la década de los 70.

Teclados Fritos-Teclados Fritos (1978)

Originarios de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria, Teclados Fritos fueron una de las bandas icónicas del movimiento rock en Canarias en la década de los 70 e incluso en cierta medida con algo de notoriedad a nivel nacional español. Surgidos de las cenizas de varias formaciones como The Sensational Gray Band o Gran Bretaña, Teclados Fritos comenzaron su andadura en 1975 cuando Teddy Bautista organizo una representación para su musical "Jesuscristo Superstar" en el cual también participarían algunos de los posteriores miembros de otra de las históricas bandas del rock canario como fueron El Eructo del Bisonte.
La formación mas duradera y clásica de Teclados Fritos estaba compuesta por Jose Maria Suarez "Chema" como vocalista y bajo, el guitarrista Manolo Benitez, el batería Emilio Molina y el teclista Jaime Llorca. En sus inicios esta banda fusionaba la estética glam con la musicalidad del rock sinfónico, debido a las excentricidades de su puesta en escena con diferentes atuendos glamurosos y la voz atractiva de Chema, un híbrido entre la voz embrujada de David Bowie y la enérgica de Alex Harvey.
Sin embargo musicalmente la banda acometía diferentes estilos, con un sonido ecléctico entre el rock complejo derivado del progresivo y sonidos mas accesibles muy cercano a la new wave.
Algunos de sus temas obtuvieron bastante notoriedad y el atractivo suficiente para atraer el interés del publico y de la critica del momento. Temas adictivos como "Max Boy", "El Hombre del Tarro" o "Pierdete Puerca", contrastaban con otros de mayor desarrollo y complejidad lírica y musical como "Dragon", "La Mañana" o "Viejo Pub". Su notoriedad les llevaría al interés por el sello español Movieplay, el cual les firma un contrato y les proponen grabar un álbum junto a los mencionados El Eructo del Bisonte en Madrid, dividido en dos partes, una cara del LP para cada grupo. Finalmente se grabarían dos álbumes por separado, uno para cada banda, con el único cambio de grabar las letras en español, ya que Teclados Fritos por entonces solían cantar en ingles. Este debut homónimo seria publicado en 1978, y pese a una mediocre producción, obtuvo muy buenas criticas y un gran recibimiento sobre todo en Canarias, con una menor presencia a nivel nacional. En este primer álbum ya destacaban la inicial y glam progresiva "Max Box", la sinfónica y compleja "Momentos para descargar", la rock "Pierdete Puerca", la bucólica y progresiva "Viejo Pub" y la hipnótica "Producto Podrido".
Posteriormente y después de un segundo álbum "Decadencia" (1981), con un estilo mas orientado a los sonidos mas comerciales del pop rock, sin dejar completamente sus desarrollos complejos, la banda se establecería en Madrid en donde intentaron formar parte de la movida madrileña con giras por toda la península. Algún tiempo después incluso obtienen la colaboración de Teddy Bautista quien les produce el single "Crisis de personalidad", y actuaron juntos en diferentes conciertos como Teddy Bautista y Teclados Fritos. Finalmente grabarían para el sello español Columbia un álbum que nunca fue publicado a causa de la desaparición de esta discográfica. A partir de aquí la banda se disuelve y cada miembro seguirán caminos diferentes con dispares proyectos.
Ya casi a mediados de la década de los 90, la banda se volvería a reunir para un concierto en el histórico Estadio Insular de las Palmas de Gran Canaria, en lo que fue la ultima actuación de esta mítica e histórica banda canaria.

Dedicado a mis amigos Félix Morales Mendoza y Antonio Jaimez Feltrer.

Glencoe-Glencoe (1972)

Glencoe fue una agrupación que surgió de las cenizas de Forever More, banda de rock progresivo escocesa que había publicado dos álbumes en 1971. Esos músicos eran el batería Stuart Francis y el guitarrista Mick Strode. En 1972 se les unen Graham Maitland (teclados) y Norman Watt-Roy (bajo), con la formación completada, salieron de gira por el Reino Unido y llamarían la atención del sello Grand Western Gramaphone, una subsidiaria de la Epic Records. Ese mismo año entran en el estudio y graban su primer álbum en el cual ya no aparece Mick Strode, sustituido por el guitarrista John Turnbull. Este primer álbum estaba compuesto por una serie de temas con un estilo muy variado que iban desde los sonidos progresivos con elementos de country rock y pop, destacando las melodías suaves como "Airport", "Look Me In The Eye" o "Lifeline", todas ellas con grandes desarrollos y elementos progresivos de órgano y guitarras. En "Sinking (Down A Well)" la banda muestra su faceta bluesy, "It´s" en cambio es el tema mas comercial cercano a las melodías pop de aquellos años y en "Hay Fever" demuestran las capacidades vocales y instrumental del grupo con un rock adictivo con dosis de progresivo. Increíblemente pese a la enorme calidad del álbum, este paso bastante desapercibido y es que como ya hemos comentado en otras ocasiones con tantas bandas de gran talento que dominaban el mercado en aquellos años, ellos tal vez eran demasiados convencionales y brillantes para los fans del hard rock, demasiados complejos para los fans del country y bastante comerciales para los seguidores del rock progresivo. Para la promoción de este lanzamiento la banda giraría junto a Deep Purple por el Reino Unido, y junto a Steve Miller y Roxy Music por los Estados Unidos.
Un año después lanzan al mercado su segundo trabajo "The Sprit Of Glencoe", en donde siguen una línea muy parecida al anterior pero con mas predominio de los sonidos orquestales y una estilo musical mas comercial como queda demostrado en “Strange Circunstance” o en la irresistible “Two On An Island”, pero también mostrando su faceta mas contundente con el poderoso rock “Roll On Bliss”.

John Mayall-Blues From Laurel Canyon (1968)

Una vez abandonado el proyecto de los Bluesbreakers, John Mayall viajaría a los Estados Unidos, concretamente a Laurel Canyon en California. En un principio Mayall se traslado invitado por Bob Hite, cantante de Canned Heat a su lugar de residencia, para poco después y debido a la fascinación que dicho lugar le había provocado, afincarse definitivamente por aquellas lejanas e inhóspitas tierras.
Tras un tiempo viviendo en solitario en aquel entorno, Mayall se inspira y compone una serie de temas que pasarían a engrosar su primer álbum sin los Bluesbrakers, el séptimo de su amplia discografía y que fue titulado “Blues From Laurel Canyon”. Para ello se traslado a Londres a los estudios Decca y junto al productor Mike Vernon y a un reducido grupo de músicos entre los que estaban un jovencísimo Mick Taylor a la guitarra, al batería Colin Allen, al guitarrista Peter Green y al bajista Steve Thompson, graban una colección de grandes canciones que pasarían a la historia como una de las obras fundamentales del blues rock.
Vibrantes blues rock como “Vacation”, “Ready To Ride” o “2401”, la cadenciosa balada “Laurel Canyon Home”, la experimental “Medicine Man” o la soberbia “The Bear” en recuerdo a su amigo Bob Hite, componen un extraordinario y pasional álbum del mejor blues, del considerado mas importante y fundamental músico de la escena británica del rhythm & blues.

Donald Byrd-Ethiopian Knights (1972)

Donald Byrd fue uno de los mas sólidos trompetistas del hard bop con una carrera prolífica entre los años 50 y bien entrado el siglo 21. Con una discográfica que supera la treintena de discos, además de haber colaborado en un centenar de proyectos y álbumes para otros artistas, Byrd suplió su creatividad a la hora de componer y su escasa innovación por trabajos en donde imperaba las grandes instrumentaciones y un jazz efectivo y dinámico.
En la cúspide de su carrera Byrd grabaría una serie de álbumes de jazz groove considerados hoy en día clásicos del genero. "Ethiopian Knights" fue uno de ellos, un álbum que por su continua demanda ha sido incesantemente reeditado desde su publicación.
Publicado bajo el prestigioso sello Blue Note, este álbum se divide en dos extensas jams bastante lejos de los estandartes del jazz estructurado, ambos de una duración que supera los dieciséis minutos en donde la banda compuesta por Donald Byrd; trompeta, Harold Land; saxofón tenor, Thurman Green; trombón, Bobby Hutcherson; vibráfono, William Henderson; Fender Rhodes, Joe Sample; órgano, Ed Greene; batería, Wilton Felder; bajo y los guitarras Don Peake, David T.Walker y Greg Poree, demuestran el prodigio de cada uno de ellos, la versatilidad, una gran cohesión y un irresistible ritmo jazzistico convirtiendo a este album en una imprescindible obra del genero de hard bop.

Steely Dan-Pretzel Logic (1974)

Steely Dan siempre busco las excelencias musicales por medio de las exigentes pretensiones instrumentales tan minuciosos y versátiles, que se convirtieron en los alumnos mas aventajados del rock norteamericano. Antes de publicar su tercera obra, ya habían saboreado las mieles del éxito con su “Can´t Buy a Thrill” gracias al impactante “Do It Again” y con el espléndido pero infravalorado “Countdown to Ecstasy”. “Pretzel Logic” significaría su primera gran obra en donde la música envolvente y los sonidos perfectos aparecían en todas y cada una de las canciones de este álbum. La pegadiza “Rikki Don´t Lose That Number” abría de manera inquietante este trabajo que seguía con el homenaje a Charlie Parker en la fabulosa y contundente “Parker´s Band”, mientras el blues y el jazz asomaban sutilmente en el tema homónimo “Pretzel Logic”.
El resto es un delicioso viaje por las exuberantes melodías creadas por Donald Fagen y Walter Becker como la corta “Through With Buzz” o la medio sureña “Monkey In Your Soul".
Como fue norma habitual en la carrera del grupo, Donald Fagen y Walter Becker reclutarían a una serie de músicos de sesión para sus grabaciones, en esta ocasión tuvieron el apoyo del batería Jeff Porcaro, el cantante Michael McDonald, el teclista David Paich o el saxofonista Ernie Watts entre otros, demostrando con ello la dependencia que siempre tuvo Steely Dan de los músicos de estudio.

May Blitz-May Blitz (1970)

May Blitz fueron durante un breve y conciso tiempo, una parte fundamental de la escena británica del hard rock psicodélico y underground. Formada en 1969 por los canadienses James Black, guitarra y voz y Reid Hudson, bajo y voz, los cuales se unieron al ex batería de Jeff Beck Group, Tony Newman. Por aquellos años proliferaban los power tríos al estilo de Cream, Jimi Hendrix Experience o Groundhogs, por lo que era muy común que muchísimas bandas tomaran esta configuración como ejemplo a seguir. Su primer y brillante álbum fue publicado por el sello Vertigo en 1970, con posiblemente una de las portadas mas horrendas que se recuerdan y que a pesar de contener una excelente música con un gran sonido y una buena producción, apenas tuvo repercusión comercial. En el encontramos temas como la inicial y pesada hard rock “Somking The Day Away”, la bluesy “I Don´t Know”, la pausada “Dreaming”, la boogie jam “Squeet”, la trepidante “Fire Queen” o la brillante “Virgin Waters”. Después de un segundo y meritorio álbum “The 2nd Of May” (1971), la banda se disolvería como tantas otras, retornando Hudson y Black a Canadá, mientras que Newman fue requerido por los hermanos Gurvitz para ingresar en la banda Three Man Army.

Dutch Treat-Tranquility (1977)

Esta banda de jazz rock y fusión nació como un proyecto inicial del bajista Wim Essed y el teclista Jan Huydts, quien junto al batería Steve Boston (todos ellos habían pertenecido a la banda Third Eye), al ex guitarrista de Ekseption Hans Hollestelle y al percusionista Louis de Lussanet grabaron un único y cotizado álbum para el sello Polydor en 1977 titulado “Tranquility”.
Este único álbum reboza de modernos sonidos jazzisticos con suaves cambios entre las líneas acústicas y los suaves toques eléctricos, todo ello con el omnipresente Jan Huydts y su amplia gama de teclados electrónicos. Huydts fue de los pocos teclistas del jazz rock que usaba frecuentemente el mellotrón y los sintetizadores de cuerda, como queda demostrado en varios cortes, por lo que el estilo de este trabajo se deriva en un jazz sinfónico en bastantes momentos a lo largo de sus cortes.
En definitiva un disco con grandes pasajes sonoros muy sutiles, emocionales y etéreos, desde piezas de claro corte relajante, hasta momentos mas rítmicos y frenéticos, con acercamientos de funk y jazz en el desarrollo final, lo que crea una interesante y variada paleta musical.

Tears For Fears-The Seeds Of Love (1989)

De banda de synth pop a convertirse en una de las mas grandes del soft pop-rock de las décadas de los 80 y 90, Tears For Fears han pasado a la historia por una serie de discos arrebatadores y refinados. Este dúo británico formado por el bajista y voz Curt Smith y el guitarrista y voz Roland Orzabal tuvieron un inicio fulgurante con su debut “The Hurting” en 1983, un álbum que contenía temas tan impactantes como “Change” o “Mad World” que los llevaría hasta los primeros puestos de las listas de éxitos de medio mundo. Con su siguiente “Songs From The Big Chair” (1985) obtendrían el reconocimiento definitivo con mas de 15 discos de platino y una serie de hits demoledores como “Shout”, “Everybody Wants To Rule The World” o “I Believe”. En ambos trabajos el dúo mostraba un estilo muy original basado en temas pop rock con una solida base de sintetizadores, y unas exquisitas composiciones de gran calidad.
En 1989 llegaría su mejor obra y a la postre el canto del cisne de Tears For Fears, “The Seeds Of Love”, para el cual el obtuvieron la colaboración de un gran elenco de músicos prestigiosos para el proceso de grabación; los baterías Phil Collins, Simon Phillips, Manu Katché, el bajista Pino Palladino, los guitarras Robbie McIntosh y Neil Taylor o la teclista y cantante Oleta Adams entre otros muchos mas.
“The Seeds Of Love” representaba la madurez definitiva del grupo, con un álbum fascinante de grandes melodías de clara influencia beatle, con dosis de jazz, blues y soul, todo ello fusionado con un rock-pop muy sofisticado y hasta cierto punto complejo y unos arreglos exquisitos y elegantes. Desde la inicial soul compleja “Woman In Chains”, con la espectacular voz de Oleta Adams, hasta la beatle “Sowing The Seeds of Love” pasando por la soñadora “Swords and Knieves” o la poderosa “Year Of The Knife”, componían un selecto recorrido del mejor soft pop, aupando al álbum hasta lo mas alto de las listas de éxitos y convirtiendo a Tears For Fears en una de las máximas expresiones musicales de las dos ultimas décadas del siglo 20.

The Jimi Hendrix Experience-Electric Ladyland (1968)

En apenas dos años Jimi Hendrix publicaría tres asombrosos álbumes de abrumadores sonidos de guitarra, los cuales asombraron al mundo con su estilo revolucionario y el uso de la guitarra eléctrica como instrumento principal, explorando todos los sonidos y estilos que con ella se podían realizar. Si ya con los antológicos "Are You Experienced" y "Axis: Bold As Love" ambos publicados en 1967, Hendrix había conseguido lo que nadie había desarrollado hasta ese momento con las seis cuerdas, demostrado en temas tan magistrales como "Purple Haze", "Highway Chile", "Stone Free", "Hey Joe", "Little Wing", o "Spanish Castle Magic", para su tercer lanzamiento, este "Electric Ladyland", el guitarrista fue mucho mas allá, tanto en su faceta creativa como en la instrumental. Sin embargo este tercer álbum fue lanzado con mal pie ya que su controvertida portada causaría bastante revuelo por su sugerente cubierta, (un supuesto harén de mujeres desnudas), carátula que generaría por razones evidentes unas feroces criticas por una gran parte de la sociedad conservadora norteamericana, hasta el punto de que muchos almacenes y tiendas de discos se negaron en rotundo ponerlo a la venta. Debido a esto finalmente su portada original fue sustituida en el mercado norteamericano por una del propio Hendrix con cierto aire psicodélico.
"Electric Ladyland" supuso la madurez de Hendrix como músico y compositor, evolucionando su estilo hacia terrenos mas experimentales con unas complejas composiciones innovadoras y sofisticadas. En esta nueva entrega Jimi Hendrix consigue crear líneas de guitarras casi inalcanzables, con sucesiones de acordes jazzisticos, fusionado con el blues y el funk como podemos apreciar en las soberbias "Burning Of The Midnight Lamp" o "...And The Gods Made Love", en las soul funk "Have Your Ever Been", la hipnótica "Voodoo Child", la compleja "1983…(A Mermain I Should Turn To Be)", o en la blues rock "Still Raining, Still Dreaming". El espectacular contenido de aquí expuesto se convirtió en todo un referente y un manual indispensable para cualquier guitarrista y a la vez en una obra maestra del rock.

Jon And Vangelis-Private Collection (1983)

La amistad de Jon Anderson y Vangelis se remonta a mediados de los años 70, cuando el primero colaboraría en el disco del músico griego “Heaven and Hell”, incluso algún tiempo antes de este hecho, el cantante de Yes había sugerido que fuera el sustituto de Rick Wakeman en la formación británica, puesto que fue rechazado por el teclista, mas interesado por su carrera en solitario que volver a pertenecer a otra banda como ya le había ocurrido años atrás con Aphrodite´s Child.
La unión de ambos músicos se vio reflejado en diferentes trabajos bajo el nombre de Jon and Vangelis, publicando cuatro álbumes en el periodo comprendido entre 1980 y 1991.
“Private Collection”, fue la tercera colaboración y significo la mejor obra musicalmente hablando, aunque comercialmente no alcanzaría el éxito de ventas que obtuvieron “Short Stories” (1980) y “The Friends Of Mr Cairo” (1981). Para muchos críticos y fans, “Private Collection” incluso roza el estatus de pequeña obra maestra, principalmente por la suite “Horizons”, una epopeya de 23 minutos al mas puro estilo de lo que Yes había hecho con la soberbia “Awaken” de su formidable álbum “Going For The One” de seis años antes, aunque en esta ocasión con un tono mas acorde a la suite de “Chariot Of Fire” si excluimos la voz de Anderson. En esta nueva entrega Vangelis utilizo una serie de teclados con un sonido mas moderno y cristalino, a diferencia de los álbumes anteriores con una sonoridad mas extravagante, aquí el piano eléctrico y los sintetizadores dotan la música de sonidos flotantes y sinfónicos.
Pero además de la mencionada y épica “Horizons”, destacan la majestuosa “Italian Song”, con esa combinación perfecta entre la voz celestial de Anderson y los teclados etéreos de Vangelis, las intensas y irresistibles “Deborah” y “Polonaise”, la atmosférica “And When The Night Comes” o la mas accesible “He Is Sailing”, tema este ultimo en el que ya se intuye el estilo que el músico griego definiría en sus álbumes posteriores como “Direct” de 1988.

Boston-Third Stage (1986)

Nada mas y nada menos que ocho años, tardaría Boston en publicar su tercer álbum “Third Stage”, lanzando en septiembre de 1986, y que a la postre significaría el final del ciclo mas exitoso de la banda.
Para cuando se publico el anterior “Don´t Look Back” (1978), su líder Tom Scholz denuncio abiertamente las presiones que había tenido por parte de su discográfica CBS para la publicación de dicho álbum sin estar totalmente listo para ello, lo que llevaría a un largo litigio entre Sholz y la discográfica que duraría casi una década.
Finalmente la justicia dio la razón a Scholz el cual aprovecharía la coyuntura para firmar un nuevo contrato con la compañía MCA y publicar el esperado tercer álbum de Boston.
“Third Stage” sigue la senda de sus dos primeras obras, con una producción exuberante, con ese predominio de las poderosas y cristalinas guitarras, ritmos melódicos, coros pegadizos y la inconmensurable voz de Brad Delp.
Temas como la melódica balada “Amanda”, que alcanzaría el numero uno en las listas de éxitos, las AOR “We´re Redy”, “The Launch”, “Can´tcha Say-Still In Love” o las notables “Hollyann” y Cool The Engines”, volvían a demostrar el enorme talento de Tom Scholz para crear atmósferas irresistibles con un álbum sobresaliente que sin embargo no alcanzaría el enorme éxito comercial de sus predecesores.

Dire Straits-Love Over Gold (1982)

En 1982 Dire Straits se encontraban en un momento de gloria, sus tres primeras obras los habían puesto en la órbita de la música rock, sin embargo a cada álbum que lanzaban se intuía el claro liderazgo de Mark Knopfler y eso llevaría a que Dire Striats fuera “simplemente” la banda de acompañamiento del genial guitarrista escocés.
Justo cuando la banda se encontraba en los preparativos de su cuarto álbum, el propio Knopfler recibía el encargo de componer la banda sonora de la película “Local Hero”, este hecho contribuiría a ampliar su ya de por si enorme popularidad en aquellos años.
Por aquel entonces el resto de la banda observaba que su peso especifico a la hora de componer nuevo material se veía disminuido de manera gradual, siendo el guitarrista el principal compositor, arreglista y productor de las nuevas composiciones que constituirían esta nueva entrega.
“Love Over Gold” supuso el trabajo mas atmosférico y progresivo de Dire Straits, desde la maratoniana y compleja “Telegrapgh Road” un enorme ejercicio para el lucimiento personal del talento del guitarrista, hasta el rock mas armonioso ”Industrial Disease”, pasando por la melancólica “Private Investigations”, el soft rock “Love Over Gold”, o la sedosa “It Never Rains”, con todo ello, Knopfler conseguía un delicioso e irresistible álbum que sin embargo se alejaba de la original propuesta de las sus tres primeras obras. A partir de aquí Mark Knopfler empezaría a cambiar a su antojo los integrantes de las futuras grabaciones, dependiendo de las necesidades de cada álbum, utilizando esos recursos en la medida justa de sus intereses musicales.

Three Man Army- A Third Of A Lifetime (1971)

Three Man Army fue un poderoso trío británico de hard rock, que publicaron tres álbumes a principios de los 70, formado por los hermanos Adrian Gurvitz (guitarras, teclados y voz) y Paul Gurvitz, (bajo y voz), ambos ex miembros de la banda GUN. Su primer álbum fue publicado bajo el sello Pegasus Records, de titulo "A Third Of A Lifetime", este inicial debut fue un potente ejercicio de hard rock vigoroso al mas puro estilo Cream, con exuberantes guitarras y melodiosas voces.
Para este debut además de contarían con la colaboración de los baterías Buddy Miles y Tom Kellie. En “A Third Of A Lifetime”, sobresalían los instrumentales "Nice One", "Three Man Army", "Agent Man" y "See What I Took", además de la épica “Together” o las poderosas “Another Day” o "Buttler Queen”, en algunas de estas canciones incluso se acercaban a los sonidos progresivos, demostrando con ello, la versatilidad musical de estos dos hermanos. El siguiente año llegaría "Mahesha", para el cual contratan al baterista Tony Newman. Un disco que muestra una propuesta mas melódica que el anterior. Con "Two" publicado dos años después, la banda termina su periplo debido al escaso éxito de este nuevo trabajo, pese a contener destacados momentos como las melódicas "Today" y "Space Is The Place" o las poderosas rock "In My Eyes", "Polecat Woman" y "Flying". A partir de aquí ambos hermanos forman junto al ex batería de Cream, Ginger Baker, la banda Baker Gurvitz Army, publicando tres trabajos de gran reconocimiento como “Baker Gurvitz Army” (1974), “Elysian Encounter” (1975) y “Hearts Of Fire” (1976).

Dies Irae-First (1971)

Dies Irae fueron una banda alemana fundada en 1968, la cual se labraría una gran reputación gracias a sus alocados conciertos por todo el sur de Alemania, o países como Suiza y Francia a finales de los 60 y principios de los 70, hasta que el prestigioso sello alemán PILZ les ofreció un contrato y les publicaron su primer y único álbum en 1971.
Su formación estaba compuesta por Rainer Wahlman, voz principal y armónica, Harald Thoma, guitarra y voz, Joachim Shiff, bajo y Andreas Cornelius en la batería. El estilo de Dies Irae era una extraña mezcla de heavy progresivo y psicodélico con mucha influencias de blues pesado y oscuro. Su único álbum "First", representa un viaje de música alucinógena con gran énfasis de guitarras acidas y trances debido al consumo de LSD por parte de sus integrantes. Este debut contenía momentos realmente interesantes como la inicial heavy rock "Lucifer", la jam psicodélica "Witches Meeting" el intenso rock pesado "Another Room" o el acid rock "Trip". Después de su lanzamiento el grupo tuvo bastante notoriedad pese a que la mayoría de las emisoras alemanas de radio se negaron a reproducir el disco debido a sus connotaciones induciendo el consumo de drogas y los vínculos relacionados con los rituales religiosos. Sin embargo un video clip de la banda fue transmitido por una cadena de televisión alemana y esto les supondría la publicidad suficiente para obtener el estatus de banda clandestina y de culto, una connotación que incluso se mantiene hasta el día de hoy.

Status Quo-Dog Of Two Head (1971)

Status Quo son los máximos exponentes del boogie rock y al mismo tiempo una de las bandas británicas mas importantes de los años 70, su legado permanece aún hoy en día pese a que su mayor lastre fue el no ser tan reconocidos en el mercado americano.
1971 seria un año transcendental para Status Quo, ese año el teclista Ray Lynes abandonaba la banda, por lo que esta se vería reducida a cuarteto y de esta manera “casual” a la postre se convertiría en la mas clásica y mas reconocida formación de esta mítica banda. Francis Rossi (guitarra y voz), Rock Parfitt (guitarra y voz), Alan Lancaster (bajo) y John Coghlan (batería) grabarían una serie de soberbios álbumes considerados indispensables y parte de las mejores obras de la música rock de la década de los 70. Discos como “Hello" (1973), "On The Level" (1975), "Rockin´All Over The World" (1977) o "Whatever You Want" (1979) entre otros, fueron fruto de una época de gran creatividad y de enorme éxito para Status Quo. Ese mismo año de 1971 Status Quo publicaron su cuarto álbum, un disco esencial para entender la evolución del grupo, en donde ya se intuye su reconocible estilo, ese tan original y único que desarrollarían en los años venideros, sin embargo aquí no se olvidan de sus largos pasajes guitarreros, las improvisaciones y la experimentación, lo cual convierte a este lanzamiento en un hecho transcendental al mismo tempo que el punto transitorio de su pasado psicodélico a su estilo maduro y consolidado que enfocarían en adelante. Un álbum en donde el blues, el boogie y el rock and roll se dan la mano en una serie de temas antológicos como la maravillosa acústica "Gerdundula", mientras temas como "Umleitung", "Something´s Going On My Head" o "Mean Girl" son boogie rock con una gran dosis de adrenalina. En contrapunto a estas aparecen "Someone´s Learning", una canción experimental y psicodélica, una especie de jam con grandes pasajes de guitarras. “Dog Of Two Head” es una de los mejores obras de los años 70, que con el paso de los años ha ido ganando mas notoriedad, hasta considerarla una de las creaciones de culto de la banda londinense.

McChurch Soundroom-Delusion (1971)

McChurch Soundroom fueron una extraña banda suiza de folk blues progresivo, los cuales solo publicaron un álbum en 1971 (con una siniestra y poco acertada portada por cierto), para posteriormente desaparecer de la faz de tierra sin que nadie sepa nada mas de ellos. La única información sobre esta banda esta en la contraportada del álbum, en donde por lo menos y aparte del listado de canciones, viene por quien estaba compuesta; la vocalista y flauta Sandy McChurch, el teclista Alain Veltin, el bajista Kurt Hafen, el guitarra Heiner Althaus y el batería Norbert Jud. En cuanto a su contenido, muestran un sonido heterogéneo que se acercaba al krautrock alemán con elementos del jazz y el hard rock progresivo, fusionado con los sonidos del folk y el blues británico. Este álbum titulado "Delusion", fue publicado por el sello underground Pilz y muestra el eclecticismo musical de McChurch Soundroom, desde sonidos muy cercanos a los primeros Jethro Tull con el tema inicial que da nombre al álbum, pasando por complejas composiciones como "Time Is Flying", magníficos acercamientos a los sonidos jazz progresivos como "Trouble" o típicos hard rock de los 70 como "Dream of Drummer". Sin ser un trabajo excepcional ni demasiado original, su música es cuanto menos cautivadora y de gran ejecución instrumental por parte de todos sus integrantes, en especial los sonidos de flauta, guitarra y el órgano hammond.

Freedom-Is More Than A Word (1972)

Durante gran parte de la segunda mitad de los 60 y los primeros años de los 70, nacieron infinidad de grandes bandas que apenas tuvieron tiempo para publicar uno o dos álbumes a lo sumo. Estas bandas anónimas suelen ser consideradas de culto, las cuales tienen tras de si legiones de coleccionistas y seguidores hoy en día, y que daban lo mejor de si en esas pocas obras que pudieron lanzar al mercado, para posteriormente desaparecer sin dejar rastro alguno en la mayoría de los casos, pero dejando tras de si unos registros que son parte fundamental de la historia de la música rock. Freedom son una de esas bandas, formada por los ex miembros de Procol Harum, Bobby Harrison (batería y voz) y Ray Royer (guitarra) que junto a Peter Dennis (bajo, teclados y voz), Steve Jolly (guitarra) y Roger Saunders (voz, guitarra y teclados), publicaron tres soberbios álbumes, siendo "Is More Than A Word", el ultimo de ellos y su mejor obra, que seria publicado en 1972 bajo el sello Vertigo. Un álbum que posee memorables momentos como la blues rock con acento funk "Sweaty Feet", la extensa funky rock "Brainbox Jam", la versión poderosa del tema de Don Nix, "Going Down", la pastoral "Direction" o la compleja "Ladybird". Freedom no llegaron a triunfar masivamente en su momento, pero ofrecieron un hard rock psicodélico, que en sus dos primeros álbumes tuvieron criticas favorables y comparaciones con bandas punteras como Jimi Hendrix, Led Zeppelin o Cream. Sin embargo su estilo para este tercer álbum se derivo hacia sonidos mas funk y blues rock, ganando en profundidad con ricos matices y una mas amplia versatilidad musical, en detrimento de su valida propuesta original, pero con demasiada competencia a su alrededor en aquellos mágicos años musicales.

Jackal-Awake (1973)

Jackal fue una efímera banda canadiense de rock progresivo que lanzaron un solo álbum en 1973, en donde tenían reminiscencias de bandas como Kansas, Warhorse o incluso a sus compatriotas Rush.
Formados a finales de los 60 en Toronto por los hermanos Chris y James Kellesis (teclados y batería ), junto al cantante Charlie Shannon y al guitarrista Dave Bernard. Su única propuesta discográfica fue "Awake", publicado por el sello Periwinkle en 1973, aunque al parecer fue grabado dos años antes en 1971. En este álbum se pueden escuchar una gran multitud de influencias que van desde el rock progresivo americano hasta el rock sinfónico británico de principios de los setenta, pasando por elementos del rock sureño y pinceladas del hard rock americano.
Estas influencias se ven perfectamente reflejadas en el tema que abre este disco "At The Station", un memorable ejercicio de rock progresivo fusionado con el hard rock sureño, mientras "New Day Has Arisen" es un hard rock progresivo muy en la onda de lo que hacían sus coetáneas británicas Uriah Heep o Deep Purple o en "Awake", la pieza mas progresiva con grandes interacciones del órgano Hammond y las poderosas guitarras de Bernard, secundadas por la excelente voz de Shannon.

Headstone-Still Looking (1974)

Headstone fue una banda norteamericana oriunda de Indiana, que publicaron un solo álbum en 1974, "Still Looking", además de varios singles al año siguiente.
Formada por los hermanos Flynn, Bruce a la guitarra, Barry al bajo y voz principal y David a la batería, además del teclista Tom Applegate. Su único lanzamiento tuvo una tirada tan limitada que pronto se convertiría en una pieza de coleccionismo por parte de los seguidores del heavy prog oscuro de los años setenta. Este único disco destaca por sus enormes riffs de guitarras potentes y pesadas, un órgano humeante y unas voces pegadizas, practicando un hard rock con elementos progresivos y psicodélicos, un estilo mas cercano al habitual de finales de los 60 que al de mediados de los 70 cuando fue grabado.
Entre lo mas destacado de este álbum esta el tema homónimo, un visceral y potente tema de hard rock psicodélico, la melódica y oscura "Those Days" la blues progresiva "I Like It" o la psicodélica "Misery".
Años después se encontraron las cintas originales y fue reeditado en CD con temas añadidos y publicado por el sello Starr Records.

Faces-A Nod Is As Good As a Wink... to a Blind Horse (1971)

The Faces surgió de las cenizas de uno de los grupos británicos por excelencia de la década de los sesenta como fueron Small Faces, del cual provenían el bajista Ronnie Lane, el batería Kenney Jones y el teclista Ian McLagan.
Los Small Faces publicaron cinco álbumes en el periodo comprendido entre 1966 y 1969, entre los que destacan “Ogden´s Nut Gone Flake” (1968) un prodigioso álbum en donde sobresalía también Steve Marriott, el cuarto componente de esta icónica banda. A mediados de 1969 Lane, Jones y McLagan se unieron al cantante Rod Stewart y al guitarrista Ronnie Wood, los cuales habían pertenecido a la Jeff Beck Group, banda con la que grabarían los excelentes “Truth” (1968) y “Beck-Ola” (1969) y forman Faces, publicando su primer larga duración un año después con el titulo “First Step”, al que le seguirá “Long Player” un año mas tarde. “A Nod Is As Good as A Wink… To A Blind Horse” fue el tercer trabajo publicado ese mismo año de 1971, el cual esta considerado su mejor aportación y una auténtica obra maestra del rock. Un álbum repleto de ritmo y riffs contagiosos, con la insuperable voz de Rod Stewart y una banda en un estado de forma prodigiosa.
Temas como el imprescindible rock “Stay With Me”, la rock and roll “Miss Judy's Farm”, la melódica “You're So Rude”, o la poderosa "Too Bad" son parte esencial de un lanzamiento antológico y divertido de gran rock con un sonido muy en la onda de los Stones. Sin embargo el resto estaba casi en la misma consonancia que estas, con la tremenda “That's All You Need”, la añeja “Memphis”, la acústica “Debris”, o la soul “Love Lives Here”.
Dos años después llegaría su ultima obra, otro ejercicio de tremendos temas de rock and roll, titulado “Oh La La” y posteriormente el directo “Coast To Coast: Overture and Beginners”, que supuso la antesala de la separación definitiva de la banda.
A partir de aquí Ron Wood pasaría a engrosar en los míticos The Rolling Stones, Rod Stewart iniciaría una exitosa carrera en solitario, Kenny Jones sustituiría al fallecido Keith Moon en The Who, mientras Ronnie Lane y Ian McLagan participarían en diferentes proyectos hasta la muerte de ambos músicos, el primero en 1977 y el segundo en el 2014.

Eloy-The Power And The Passion (1975)

“Power And The Passion” fue el cuarto álbum de la banda germana Eloy y el primero en donde ya se intuye el sonido característico que irán mostrando en los años posteriores. Para este nuevo trabajo el grupo se amplia a cinco componentes, con la entrada del guitarrista Detlef Schwaar, que junto a los habituales Frank Bornemann (guitarra y voz), Fritz Randow (batería), Luitjen Janssen (bajo) y Manfred Wieczorke (teclados), constituían el resto. Publicado a mediados de 1975 “Power And The Passion” también fue su primera obra a modo conceptual, en donde los sonidos psicodélicos y hard rock dejan sitio a un estilo con elementos espaciales y progresivos, esto fue debido en parte al uso mas extendido de una gran variedad de teclados electrónicos, a diferencia de los anteriores discos en donde solo se empleaba el órgano hammond. Las extensas “Love Over Six Centuries” y “Mutiny” son los temas mas destacados de esta obra, con grandes desarrollos sinfónicos, repletos de cambios rítmicos, pasajes dramáticos y densos sonidos progresivos. El resto sigue mas en la línea de sus álbumes anteriores, pero con las atmósferas progresivas muy presentes en cada tema.
A partir de aquí la banda se reformaría casi al completo, con Bornemann como único miembro fundador y las incorporaciones de Klaus Peter Matziol, Jurgen Rosenthal y Detlev Schmidtchen, con los cuales se grabarían dos de las mejores obras del grupo alemán “Dawn” (1976) y “Ocean” (1977).

Marillion-Script For A Jester´s Tear (1983)

Constituidos a finales de los setenta, esta banda en un principio se denominaban Silmarillion, nombre tomado de la obra clásica de J.R.R. Tolkien, para finalmente acortar el nombre por Marillion. Luego de varios cambios de formación, la banda queda definitivamente compuesta por el cantante "Fish", el nombre artístico de Derek William Dick, el bajista Pete Trewavas, el batería Mick Pointer, el teclista Mark Kelly y el guitarrista Steve Rothery. Con esta formación la banda grabaría su primer álbum, el espectacular “Script For A Jester´s Tear” en 1983. Con este lanzamiento la banda pronto se convierte en uno de los estandartes del neo progresivo, uniendo el sonido de bandas como Genesis de la era Gabriel con un estilo mas melódico y accesible al gran publico. Sin embargo también se convierte en un polémico álbum entre los fans del progresivo mas ortodoxo, al acusarlos en un primer momento de imitar a los mencionados Genesis con su rock complejo, dinámico y armonioso, no exento de cierta pomposidad. Dejando las polémicas aparte, este debut contiene momentos magistrales como las progresivas “Chelsea Monday”, “Forgotten Sons”, “Garden Party”, o la que da titulo álbum, además de la mas comercial y accesible “He Knows You Know”. Con los años "Script For A Jester´s Tear" se ha convertido en una de las creaciones cumbres del rock progresivo de los ochenta y en una obra de culto del neo progresivo.

The Rolling Stones-Exile On Main St. (1972)

A principios de los setenta The Rolling Stones se habían mudado a Francia huyendo del agobiante fisco británico y seria allí mismo en las tierras galas, cuando comenzarían a preparar su nuevo álbum, el que haría cronológicamente el décimo de su carrera. Sin embargo la estancia en Francia no seria un camino de rosas para el grupo. Para empezar las adicciones a las drogas de algunos de sus miembros, principalmente Jagger y Richards, el nefasto lugar escogido para la grabación del álbum, una mansión en donde residía habitualmente Keith Richards y su familia, cerca de Cannes, la cual tenia tras de si un turbio pasado, al ser un cuartel de la Gestapo durante la Segunda Guerra Mundial, además de las caóticas sesiones de grabación llevaría todo ello a unas polémicas y maratonianas semanas de total descontrol y desmadre sin precedentes. Durante esas sesiones todo se volvía frenético, desde la deficiente instalación eléctrica para los potentes y sofisticados equipos de estudio, hasta el ir y venir de infinidad de amigos y conocidos de la banda, (incluidos traficantes de drogas), sin contar el nutrido personal de grabación, encima a todo ello habría que sumarle los continuos parones en las grabaciones debido a las habituales ausencias de algunos de los músicos del grupo que se largaban para asuntos particulares, tanto desbarajuste significaba un tremendo caos que de alguna manera se termino integrando en el sonido final del álbum, con una infinidad de criticas por parte de la prensa especializada tras su publicación. Este hostil recibimiento se terminaría convirtiendo con el tiempo en la obra maestra del grupo, considerada como una de las mejores aportaciones del rock.
En este álbum la banda exploraba como nunca diferentes terrenos como el jazz, el soul, el gospel, el country, el blues o el rockabilly, con muchos momentos instrumentales a modo de jams, donde sobresalían una serie de brillantes canciones como la comercial “Tumbling Dice”, la rock “Rip This Joint”, la country “Torn And Frayed”, la barriobajera “Ventilator Blues”, la rock and roll “Shake Your Hips” o las tremendamente adictivas y muy stonianas “All Down The Line” y “Rocks Off”. Para muchos esta fue la ultima gran obra de The Rolling Stones, pese a que su docena de lanzamientos posteriores hayan sido muchos de ellos grandísimos álbumes, pero ninguno con la variedad, el frenetismo, y la genialidad algo desmadrada producto de su azarosa grabación de este mítico “Exile On Main St.”

Journey-Raised On Radio (1986)

Después de los enormes “Escape” (1981) y “Frontiers” (1983), los cuales fueron unos impactos descomunales de criticas y ventas, Journey se tomarían tres años lejos de los estudios y los escenarios, tiempo este que aprovecharía su vocalista Steve Perry para publicar su primer álbum en solitario “Street Talk” (1984), con el cual también obtendría dos discos de platino por sus millonarias ventas. Dos años mas tarde Journey vuelven a entrar en los estudios para su siguiente lanzamiento, pero esta vez la banda se había reducido a un trío, al no estar interesados ni Ross Valory ni Steve Smith en seguir adelante. Para las sesiones de grabación de este álbum el resto tiraría de músicos de sesión como los bajistas Randy Jackson y Bob Glaub y de los bateristas Mike Baird y Larrie Londin y fue grabado durante los meses finales de 1985 en California, mientras la producción corrió a cargo del propio Steve Perry. “Raised On Radio” fue publicado oficialmente en abril de 1986 y si bien cosecho buenas criticas y unas “razonables” ventas de mas de dos millones de copias quedaría muy lejos de los multimillonarios “Escape” y "Frontiers”. Para cuando fue publicado parte de la prensa achacaría este álbum mas como una obra de Steve Perry en solitario que de Journey como banda, en parte debido a los sonidos continuistas del álbum en solitario del cantante, con un estilo mucho mas heterogéneo en donde se dan cabida elementos cercanos al funk y jazz producto de la inclusión de instrumentos de vientos y armónicas, algo que ya había introducido en “Street Talk”. Aún así y todo, este “Raised on Radio” contenía un repertorio irresistible de grandes melodías AOR como la impresionante “Girl Can´t Help It” donde Perry pone de relieve su magistral voz, la elegante “Suzanne”, la intensa “Why Can´t This Night” o el arrebatador “Be Good To Yourself”, temas en los cuales sobresalen las selectas melodías guitarrísticas de Neal Schon y los arrolladores teclados de Jonathan Cain.

Wishbone Ash-Live Dates (1973)

Si en un post anterior hablábamos del inconmensurable “Made in Japan” de Deep Purple, este "Live Dates" que nos ocupa hoy, esta casi prácticamente a su mismo nivel. En 1973 Wishbone Ash ya habían publicado cuatro álbumes, tres de ellos obras imprescindibles en su discográfica y en el rock en general; "Pilgrimage" (1971), "Argus" (1972) y "Wishbone Four" (1973), en todos ellos, esta banda fomentaría el uso de las dobles guitarras con una espectacular coordinación, un método que posteriormente seria imitado por bandas como Thin Lizzy, Iron Maiden o Judas Priest entre otras muchas. Grabado entre los días 17 y 24 de junio de 1973 en diferentes ciudades británicas y norteamericanas, Wishbone Ash nos deleita con las guitarras épicas de Andy Powell y Ted Turner, las voces melodiosas de todos sus componentes  y una sección rítmica poderosa conformada por el baterista Steve Upton y el bajista Martin Turner, tocando un rock atractivo de enorme clase. Clásicos imperecederos como "Throw Down The Sword", "Rock´n´Roll Widow", "Lady Whiskey", "Phoenix", "The King Will Come", "Warrior" o "Blowin´Free", se van sucediendo a lo largo de la hora y media de duración de este soberbio directo, todas ellas ejecutadas de manera soberbia, con muchísimo feeling y un gran talento instrumental. “Live Dates” es un documento histórico espectacular, una obra maestra y como dijo alguien en una ocasión "Existen directos igual de buenos a este, pero nunca mejores" .

Deep Purple-Made In Japan (1972)

Considerado la quintaesencia de los álbumes en directo, “Made In Japan” fue el segundo álbum grabado en vivo de Deep Purple después de “Concerto For Group And Orchestra” de 1969. Catalogado como su obra mas legendaria y a la vez uno de los hitos de la historia del rock, fue grabado durante la gira del álbum “Machine Head” en tierras niponas en agosto de 1972 en las ciudades de Osaka y Tokio. Un doble álbum que representa la mejor demostración del poderío y la grandeza de Deep Purple, quienes por entonces estaban en la cúspide del hard rock mundial. Sin embargo en un principio las grabaciones extraídas de estos conciertos eran destinadas a un álbum en vivo para el mercado japonés, finalmente fueron publicadas a nivel mundial, cosechando un éxito abrumador en multitud de países. Desde el inicio con “Highway Star” la banda muestra un clarividencia y elocuencia rotunda y abrumadora, con unos riffs de guitarras a cargo de Ritchie Blackmore antológicos, una sección rítmica demoledora, unos teclados fantásticamente ejecutados por Jon Lord y un Ian Gillan pletórico con su voz. A este tremendo inicio le siguen una alucinante versión de “Child In Time”, en donde Gillan hace alarde de su voz estructurada y chillona, la icónica “Smoke on The Water” con ese riff ya histórico por parte de Blackmore, la instrumental “The Mule” la cual contiene uno de los solos mas memorables del batería Ian Paice, la blues rock jazzistica “Lazy”, la espontanea y alegre “Strange Kind Of Woman”, o la progresiva y extensa jam “Space Truckin”, en la cual encontramos grandes momentos de lucidez individual para cada miembro del grupo, conformando todas ellas un álbum de obligada escucha para todo amante de la música rock.

Premiata Forneria Marconi-Chocolate Kings (1975)

Con su cuarto álbum, la banda transalpina Premiata Forneria Marconi, perdería el lirismo musical y barroco de su estilo progresivo para orientar su sonido hacia tonalidades mas anglosajonas y los ecos sonoros americanos. Y es que la banda en un intento de conquistar esos mercados, incorporo al vocalista Bernardo Lanzetti, el cual hablaban un ingles perfecto y su vocalización era parecida a la de Peter Gabriel. Pero además de ser el primer álbum del grupo en ser cantando íntegramente en ingles, también musicalmente habría un cambio significativo en sus composiciones, dejando atrás esos aromas mediterráneos y encantadores de sus primeras obras por un rock progresivo anglosajón, bien demostrado en cortes como la genesiana “From Under”, la poderosa “Out Of The Roundabout” con claro acento a la banda Yes, o los sonidos mas comerciales de “Harlequin” y “Chocolate Kings”, en donde las guitarras se torna con sonidos poderosos acercándose con ello al típico rock americano.
“Chocolate Kings” tuvo su merecida recompensa al ser su obra mas exitosa comercialmente, con una gira mundial que le proporciona mucha popularidad en países como Japón y los Estados Unidos.

Emerson, Lake & Palmer-Welcome Back My Friends To The Show That Never Ends...Ladies and Gentleman (1974)

Para el año 1974 Emerson, Lake & Palmer ya habían publicado sus mejores álbumes, cuatro obras imprescindibles en la historia del rock y al mismo tiempo cuatro obras maestras del rock progresivo. En medio de la gira mundial del álbum “Brian Salad Surgery”, en febrero de 1974 se grabo uno de sus conciertos al completo, que meses mas tarde seria publicado en formato de triple LP. “Welcome Back My Friends To The Show That Never Ends...Ladies and  Gentleman” fue la mejor muestra de la grandilocuencia, la ostentación y el enorme talento de una súper banda como Emerson, Lake & Palmer, con un triple álbum de autentico lujo de presentación y contenido.
A pesar de que las tomas en directo adolecen de la fuerza de los temas originales en estudio, producto de una grabación que no estuvo a la altura, fue suplido por el grandísimo rendimiento en proporción al virtuosismo y la enorme capacidad instrumental de los tres músicos, de los mas talentosos que el rock haya conocido jamás.
Este monumental directo contiene situaciones memorables e impactantes como la interpretación al completo del mencionado “Brian Salad Surgery” con sublimes composiciones como “Jerusalem”, “Karn Evil 9” o “Tocatta” o el soberbio y alucinante medley “Tarkus; Eruption/Stones O Years/Iconoclast/Mass/Manticore/Battefield”, en esta ultima parte incluso aparece un emocionante fragmento de “Epitaph” de King Crimson, que lo convierte en uno de los momentos cumbres del directo. Por otra lado las improvisaciones de Keith Emerson desviando la música hacia compositores clásicos como Friedrich Gulda, Joe Sullivan o Ottorino Respighi, consigue una asombroso parentesco entre la delgada línea entre la música culta y el rock progresivo. “Welcome Back...” es uno de los mas grandes y extraordinarios documentos en vivo que se recuerdan y una obra maestra de la música contemporánea.

Yes-Relayer (1974)

“Relayer” es junto a “Tales From Topographic Oceans”, uno de los álbumes mas difíciles, inaccesibles y enrevesados de Yes, pero no por ello una obra menor, todo lo contrario, ambas son obras maestras del rock progresivo, que sin embargo a pesar de que comercialmente tuvieron un menor impacto, fue producto por la complejidad y al mismo tiempo su faceta menos armoniosa y accesible. En cierto modo “Relayer” sigue la tendencia del mencionado “Tales From Topographic Oceans” publicado un año antes.
Pero la epopeya musical de casi proporciones bíblicas que significo “Tales From...”, tuvo su primera víctima en Rick Wakeman, quien llego a aborrecer las complejas composiciones basadas en las filosofías orientales que el cantante Jon Anderson junto a Steve Howe compusieron durante muchísimas horas entre concierto y concierto durante la gira del “Close To The Edge Tour”. Finalmente al terminar la gira posterior al mencionado “Tales From...”, Rick Wakeman abandonaba la banda para dedicarse a su carrera en solitario, la cual ya había comenzado en 1973 con su álbum “The Six Wives Of Henry VIII”, por lo que tuvieron que buscar un sustituto que tuviera las cualidades idóneas para el puesto. Si bien en un principio el escogido fue Vangelis, finalmente seria el teclista suizo Patrick Moraz el elegido. Patrick Moraz ya tenia tras de si una interesante carrera con las bandas Mainhorse y Refugee, este ultima del genero del rock progresivo al mas puro estilo ELP, por lo que su  integración fue rápida y perfecta, sin que nadie echara en falta al rubio teclista de largas melenas y coloridas capas. “Relayer” estructuralmente consta de tres extensos temas, empezando por la jazzistica y progresiva “The Gates Of Delirium”, un prodigioso ejercicio de 23 minutos inspirado en la obra de Tolstoi “Guerra y Paz”, la cual es uno de los cenit compositivos e instrumentales de Yes. Ya en la segunda cara aparecen la brutal “Sound Chaser” en donde hay elementos de free jazz y de un visceral rock con toneladas de sonidos progresivos, sobresaliendo un inconmensurable Steve Howe sublime a las seis cuerdas y para finalizar “To Be Over”, un tema repleto de remansos de paz y solemnidad en donde Jon Anderson simplemente lo borda de manera apoteósica.
“Relayer” fue la confirmación del alejamiento de la banda de los sonidos accesibles y melódicos, para enfocarse en propuestas mas arriesgadas y experimentales, algo que los mantendría alejados durante casi tres años de nuevos lanzamientos discográficos.

The Alan Parsons Project-I Robot (1977)

Si ya a mediados de los 70, Alan Parsons se había convertido en uno de los mas famosos ingenieros de sonido con algunos de los mejores y mas aclamados álbumes en los que pondría su talento en las labores de producción, como “The Dark Side Of The Moon” de Pink Floyd o “Year Of the Cat” de Al Stewart, entre otros muchos, con su proyecto The Alan Parsons Project su popularidad se dispararía definitivamente.
“Tales Of Mystery And Imagination” su primera obra, había impresionado al mundo con un pop pomposo, grandes arreglos y con una dosis de rock progresivo no exento de cierta comercialidad. El éxito de este álbum llevaría a dúo Parsons y Woolfson a crear otro álbum conceptual siguiendo la estela del anterior trabajo. Si en “Tales Of Mystery...” el concepto giraba alrededor del escritor Edgar Allan Poe, esta vez seria sobre Isaac Asimov y su libro futurista y aclamado “I, Robot”. Para esta obra Alan Parsons volvía a contar con parte de los músicos que habían intervenido en la grabación del álbum anterior como David Paton (bajo y guitarras acústicas), Stuart Tosh (batería), y Ian Bairnson (guitarras), además de nuevas incorporaciones como el teclista Duncan Mackay, el guitarrista B.J.Cole o los cantantes Lenny Zakatek, Allan Clarke, Steve Harley y Dave Townsend. También repetiría Andrew Powell en los arreglos orquestales y por supuesto Eric Woolfson y el propio Alan Parsons, ambos encargados de diferentes instrumentos como los teclados, guitarras y voces.
Grabado en los estudios Abbey Road de Londres a finales de 1976 y principios de 1977, “I Robot” fue publicado en junio de 1977 por el sello Arista, su recepción fue mejor que su predecesor, llegando a entrar entre los diez primeros puestos de las listas de varios países, con varios discos de oro y platino además de unas ventas que superaron con creces el millón de copias. Musicalmente el álbum cuenta con complejos arreglos instrumentales, que sin embargo son tremendamente adictivos y aunque adolece de la solemnidad de su debut con un tono mucho menos épico, también es cierto que resulta un trabajo mucho mas melódico.
Casi 45 años después, obras como esta, se mantienen como un hito y han superado el tiempo transcurrido, hasta el punto de que perfectamente podría haber sido grabada en la actualidad, gracias a la producción tan adelantada a su tiempo que tuvo este imprescindible álbum.

Ten Years After-Cricklewood Green (1970)

“Cricklewood Green” es uno de los momentos cumbres del blues rock británico, un álbum tan grande como lo es la banda que creo esta maravillosa obra descomunal; Ten Years After. Publicado a mediados de 1970, este fue su quinto álbum, en donde lograban la madurez compositiva y en parte se alejaban de la onda psicodélica de sus obras anteriores, combinando dinamismo y versatilidad a la par que cierta dosis de comercialidad. Sin embargo su inconfundible esencia blues se muestra en gran parte del disco, el cual contiene enormes cortes como la potente “Sugar The Road”, la dinámica “Working on The Road”, las espléndidas “50.000 Miles Beneath My Brian” y “Love Like A Man”, la jazzistica “Me And My Baby” o la sureña “Year 3000 Blues”. "Cricklewood Green” es la mejor muestra de una de las esenciales bandas de blues rock de la historia y la de su líder el carismático y fabuloso guitarrista Alvin Lee.

Led Zeppelin-Houses Of The Holy (1973)

Cuando una banda crea una serie de joyas insuperables, poco o nada le queda por demostrar, y eso mas o menos fue lo que ocurriría con Led Zeppelin después de sus cuatro primeros discos, considerados todos ellos obras maestras absolutas del hard rock.
En 1973 Led Zeppelin estaban en la cima de su popularidad a nivel mundial, ellos habían dejado tras de si unas obras que hoy en día son estudiadas por los eruditos en la materia, plenos de energía, creatividad, magia, fuerza y sobre todo originales. Llegados a este punto la banda se relajaría y publicaría su álbum mas variado y experimental, en donde se dan cabida sonidos tan dispares como el funk, el soul o el reggae. Como ya había sucedido en sus anteriores discos, “Houses Of The Holy” lograría encaramarse hasta el numero uno en las listas de medio mundo con unas ventas que superan al día de hoy los 13 millones de copias. Publicado a finales del mes de marzo de 1973, de entre sus surcos habría que destacar primero los temas mas experimentales como la funky “The Crunge”, la reggae “D´Yer Mak´er´”, la folk “Over The Hills And Far Away”, y la comercial y rítmica “Dancing Days”. Mientras en el resto, salía a relucir el sonido característico y peculiar de la banda al encontrarnos con las clásicas “The Song Remains The Same”, “No Quarter” y “The Ocean”, tres temas de hard rock que se convirtieron en piezas imprescindibles de sus directos. Con “House Of The Holy” la banda volvía a dejar el listón muy alto, y si bien esta a un nivel inferior con respecto a sus primeras cuatro obras, esta podíamos considerarla una pequeña obra maestra y un digno sucesor de un álbum tan mítico e insuperable como es “Led Zeppelin IV”.

Electric Light Orchestra-A New World Record (1976)

El titulo de este álbum parecía presagiar el éxito que le esperaba, y es que “A New World Record” fue un trabajo solemne y grandioso de la Electric Light Orchestra, en donde su líder indiscutible, Jeff Lynne conseguía la consonancia inmejorable entre la comercialidad y la calidad. Repleto de hits tremendamente exitosos, mostraba un sincronismo total con elegantes arreglos, temas con la fuerza y la mesura perfecta y unas melodías tan irresistibles como adictivas. Empezando por la soberbia fusión de opera y rock en “Rockaria” con un resultado sencillamente magistral, a la que le siguen un retahíla de fantásticas canciones como la contundente “Livin Thing”, la sinfónica “Tightrope”, la exótica “Shangri-La” o la eterna y maravillosa melodía de “Telephone Line”, demostrando con todas ellas el talento y la originalidad de un genio de la composición, los arreglos y la producción como es Jeff Lynne, además de que tantísima calidad no pasaría desapercibida para el gran publico, catapultándolo hasta la enorme cifra de mas de un millón de copias vendidos solo en los Estados Unidos, en el primer año de su publicación, dando muestras con ello, el enorme impacto musical y comercial que supuso este soberbio “A New World Record”.

Colosseum II-Wardance (1977)

Tras acabar la primera aventura con los germinales Colosseum, John Hiseman fundaría junto a Allan Holdsworth y Mark Clarke el grupo progresivo Tempest, sin embargo pese a dos muy buenos esfuerzos con esta banda, el baterista no quedo muy satisfecho con el resultado, por lo que en 1975 reflotaría Colosseum, con la que había grabado cinco discos en el período de 1969 a 1971, rebautizando esta segunda parte como Colosseum II, pero desviando el sonido hacia un estilo más jazzisticos en detrimento del rock progresivo de la primera etapa del grupo.
Para este nuevo proyecto Hiseman recluta a Gary Moore, Don Airey, Neil Murray, Mike Sarrs y John Mole, con quienes grabó y publicó "Strange New Flesh" a mediados de 1976, un álbum muy intenso, enérgico y algo complejo que aún se encontraba dentro de los parámetros del rock progresivo.
A éste le seguirá un año después "Electric Savage" con una línea similar al anterior y a finales de ese mismo año "Wardance", último trabajo del grupo y el considerado el mejor de esta segunda etapa, donde la banda muestra un jazz progresivo plenamente ejercitado, con una evolución siguiendo en la línea del trabajo anterior pero con los desarrollos y la una elaboración más acentuada.
La épica "Wardance" inicia este disco de una manera enérgica, mientras que "The Inquisition" es un ejemplo del poder del jazz rock de Colosseum, el ambicioso "Star Maiden / Mysterioso / Quasar", se convierte en el tema más interesante musical y compositivamente hablando, "Major Keys" en cambio es una canción funk muy adictiva por su melodía y el toque de guitarra de Gary Moore y la blues "Fighting Talk", con ese ritmo cadencioso, define el enorme eclecticismo de esta formidable banda.

Supertramp-Crisis? What Crisis? (1975)

Después del monumental “Crime Of The Century”, Supertramp lanzaba el siguiente año “Crisis? What Crisis?, el cual supuso un paso atrás en el plano comercial, pero un digno sucesor musicalmente a su mencionada obra maestra. Compuesto en parte de material exento para el anterior álbum, Crisis? What Crisis? fue en cierto modo producto de la ansiedad por superar al “Crime Of The Century”, esto sin contar con la presión que la propia compañía ejerció sobre la banda en esos momentos en busca de un nuevo éxito comercial inmediato. A diferencia de todos sus anteriores álbumes, este seria el primero en ser grabado íntegramente en los Estados Unidos, concretamente en los estudios de la A&M Records en Los Ángeles. También es el álbum en donde las composiciones de Rick Davies superan a las de Roger Hodgson, o por lo menos las que con el tiempo mejor han sabido envejecer. Con una producción magnifica, el sonido cobra mucha mas madurez que su predecesor, además de ese toque comercial gracias a las pegadizas melodías vocales e irresistibles. Un disco que contiene un repleto torrente de temas emblemáticos como la melódica “Easy Does It”, la blusera “Aint Nobody But Me”, las progresivas “A Soapbox Opera” y “Another Man´s Woman”, las comerciales “Lady” y “Sister Moonshine”, la pop sinfónica “Poor Boy”, la soberbia balada “Just A Norman Day”, o las excelentes “The Meaning” y “Two Of Us”. Crisis? What Crisis? es a menudo considerado un álbum menor, lastrado injustamente por obras como el mencionado “Crime Of The Century”, “Even In The Quistest Moments” y “Breakfast In America”, sin embargo es sin duda uno de los mejores trabajos de la década de los setenta, con unas grandiosas melodías, unos sublimes arreglos y con una de las mas famosas portadas de los años 70.

Blue Goose-Blue Goose (1974)

Blue Goose fue una banda británica que surgió de las cenizas de una formación llamada Zeus, en la cual militaban el teclista Nicky Hogarth y el baterista Chris Perry que junto a los guitarrista Allan Callan y Eddie Clark, (este ultimo mas tarde pasaría a formar parte de Motorhead), constituiría el primer núcleo del grupo. Posteriormente y antes de grabar su primer y único álbum el guitarrista Mike Todman sustituye a Clarke, que junto al vocalista Joey Molland graban el debut homónimo "Blue Goose", bajo el sello Anchor Records en 1974.
Aún sin pertenecer a la banda, Clarke participaría brevemente en la grabación del disco tocando en la instrumental "Over The Top", tema compuesto por el propio guitarrista, también en la elaboración de este trabajo contribuyeron los músicos Alexis Corner y Steve Marriott. Con una fuerte influencia de boogie rock y el hard rock blues británico, con mucho hincapié en los potentes riffs de dobles guitarras, las slider guitars, y los sonidos de órgano hammond, este debut constituyo un interesante disco, muy apreciado por la critica del momento. Ya desde el inicio se pone patente el estilo de Blue Goose con la jam rock blues "Stuffin´Stuff" con una interacción de toda la banda, mientras en "The Chorus" la banda deja evidencia de sus grandes dotes vocales y melódicos, de igual manera ocurre con la acústica "Call On Me", por otro lado "Loretta" y "Snowman" muestran la faceta mas potente con dos excelentes temas de hard blues. El resto es igualmente muy meritorio con la reposada "Inside Yourself", la mencionada instrumental "Over The Top" o la poderosa "Let Me Know".
A pesar de que la posterior presentación del álbum en vivo tuvo bastante aceptación, el disco en estudio no lograría el éxito esperado, por lo que todos sus integrantes decidieron seguir carreras independientes, terminando así la corta trayectoria de esta interesante banda.