La salida de este álbum también coincidiría con la explosión del heavy metal y el hard rock, estilos que estaban siendo abanderados por una serie de bandas que se encontraban atravesando su época de mayor esplendor como Deep Purple, Grand Funk Railroad, Led Zeppelin o Black Sabbath entre otros muchos mas.
Este cuarto Lp venia precedido de los exitosos “In-A-Gadda-Da Vida” y “Ball”, además de ello, después de este ultimo se produciría la deserción de su guitarrista principal, Eric Brann, quien había abandonado la nave debido a las continuas discusiones con el resto de la banda, su puesto seria ocupado no solo por un guitarrista, si no por dos al mismo tiempo, Larry Rhino Reinhardt y Mike Pinera, los cuales serian parte fundamental en el cambio de sonido hacia esos derroteros mas enérgicos.
Temas como la contundente hard rock “Best Years Of Our Life”, o la poderosa “Easy Rider”, son una buena muestra de este cambio, sin embargo no abandonan su lado mas acido como queda demostrado en las lisérgicas “New Day”, “Shady Lady”, “Slower Than Guns”, o la psicodélica y extensa “Butterfly Bleu”, mientras la vena bluesy esta presente en la cautivadora “Soldier in Our Town”.
Pese al cambio de estilo, “Metamorphosis” no alcanzaría los registros del anterior “Ball”, aunque si entraría en las listas entre los 20 mejores álbumes y obtener un single de cierta relevancia como fue “Easy Rider”, pero muy alejados del primer puesto que ocuparía el mencionado “Ball”, y por supuesto a años luz de su multimillonario y soberbio “In-A-Gadda-Da Vida” de varios años atrás.
Para este primer lanzamiento el malhumorado guitarrista había conformado una banda en la cual además de su presencia estaban Ronnie James Dio, con el que ya había entablado una gran amistad desde principios de los 70, cuando el pequeño cantante pertenecía a la banda Elf, el bajista Craig Gruber, el baterista Gary Driscoll y el teclista Mickey Lee Soule, todos ellos a excepción de Dio, serian despedidos poco después de la grabación del álbum, demostrando con ello el mal carácter y las decisiones salomónicas del guitarrista.
Grabado durante los primeros meses de 1975 en Múnich, fue co-producido por Martin Birch, Ritchie Blackmore y Ronnie James Dio y lanzando por el sello Polydor a mediados del mismo año. En este debut con una clara temática medieval y de fantasía épica, manifestaba claramente los derroteros por donde se dirigía el sonido de Rainbow y aparecen tres de los temas mas emblemáticos de toda la carrera del grupo, como son la descomunal “Man On The Silver Mountain” con ese riff mítico secundado por la espléndida voz de Dio, la nostálgica y épica balada “Catch The Rainbow” y la antológica “Sixteenth Century Greenslaves”, sin embargo el resto sin llegar a consolidarse y tener una gran relevancia, son piezas rescatables como la épica “The Temple Of The King”, la hard rock “Snake Charmer” o la versión instrumental de The Yardbirds “Stills I´m Said”.
Este debut siempre ha estado lastrado por los siguientes y soberbios sucesores, por lo que constantemente se ha mantenido como un álbum transitorio y menor en la carrera del Blackmore y su banda, pero que sin embargo tiene los suficientes alicientes para considerarlo una obra fundamental en el hard rock de los setenta.
“Tarkus” se erige como una de las compasiones a la altura de cualquier pieza clásica, representando el progresivo en su máxima expresión, al mismo tiempo que la mas pura, convirtiéndola en una obra maestra.
El resto del álbum, esta conformado con varios cortes situados en la cara B del LP original, de las que destacan por un lado la poderosa hard rock “A Time And A Place” y por otro la rock´n´roll “Are You Ready Eddy?”, las cuales quedan injustamente ensombrecidas por la grandiosa magnitud de la suite “Tarkus”, pero que demostraba la enorme diversidad musical del grupo.
Grabado durante una época en donde Deep Purple estaban a punto de desmembrarse debido a las enormes tensiones y los egos de cada uno de sus miembros, consiguieron con esta obra, la cima absoluta musicalmente, gracias a la enorme creatividad y el cenit instrumental logrado aquí.
“Machine Head” es sin duda uno de los mejores álbumes de guitarra de todos los tiempos, y no solo por contener la madre de todos los riffs con el inmortal “Smoke On The Water”, sin duda el tema mas famoso del rock de todos los tiempos, si no también por los duelos antológicos entre el poderoso e inquietante órgano Hammond de Jon Lord y la afilada guitarra de Ritchie Blackmore durante todos y cada uno de los cortes del disco. Pero al mismo tiempo las estructuras de las canciones son mucho mas intrincadas de lo que parece, con una gran interacción entre todos los instrumentos y al mismo tiempo parecen espontáneas.
Todo ello se ve reflejado en la inicial e incendiaria “Highway Star”, todo un clásico del grupo con ese histérico ritmo, la cual para muchos fue el arquetipo del speed metal, o en la soberbia y progresiva “Space Truckin”, mientras que “Lazy” muestra la faceta experimental y jazzistica del grupo, entretanto “Mayble I´m A Leo y “Pictures Of Home”, son cortes que ponen el momento sobrio a un álbum tan frenético como admirable de principio a fin.
Si con el disco “In Rock” se habían ubicado en el mapa mundial del heavy rock y con el siguiente “Fireball” llegarían a la confirmación definitiva, con “Machine Head”, les encumbrarían como verdaderas estrellas a nivel mundial, y que con el siguiente “Made In Japan” les situaría en la cúspide absoluta de la música rock en la década de los 70.
En 1985 The Cure venían de hacer su famosa trilogía de rock gótico como fueron sus álbumes “Seventeen Seconds” (1980), “Faith" (1981) y “Pornography” (1982), todos ellos considerados parte esencial de estilo gótico y al mismo tiempo obras de culto entre los seguidores del genero.
Con esta nueva entrega The Cure además obtuvieron el éxito comercial con varios discos de oro en los mercados norteamericano y británico y fue elegido como uno de los mejores de la música pop rock del año 1985.
Un álbum en donde destacaban la singular “The Blood”, la épica “Night Like This”, las accesibles y melódicas “In Between Days” y “Close To Me” o las góticas “Push” y “Six Diffrent Ways”.
“The Head On The Door” seria el primero de la segunda trilogía de The Cure, también llamada la “transición pop”, y que resultaría la mas exitosa comercialmente y con la que empezaban a dejar atrás su rock oscuro y gótico característico, evolucionándolo hacia un estilo mas pop y asequible, con los álbumes “Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me” (1987) y “Desintegration” de varios años mas tarde.
Su legado musical fue alimentado por la constante inmigración producida en los años 20 del siglo pasado, en este gigante de hormigón de asfalto, y de grandes y viejas fabricas, había además de masivas producciones, muchas joyas musicales y una de ellas fue el álbum “Fun House” de The Stooges.
1967 fue el año del nacimiento de esta banda formada por los hermanos Asheton, Ron (guitarra) y Scott (batería), el bajista Dave Alexander y el vocalista James Newell Osterborg, el cual era mas conocido como Iggy Pop.
En un principio llamados Iggy Pop and The Stooges, se labraron una gran reputación por sus violentos y salvajes directos en los locales de Detroit, hechos que pronto llamarían la atención del sello Elektra, la cual les firma un contrato para la grabación de varios álbumes.
Su álbum debut “The Stooges” fue publicado en 1969, un disco de incontenible y salvaje rock psicodélico y descarnado rock de garaje. Por entonces The Stooges competían con bandas coetáneas de similar movimiento musical como eran los MC5 y The Velvet Undeground, sin embargo los primeros estaban mas ocupados por sus enfrascadas revueltas sociales y los segundos en descubrir sonidos mas vanguardistas, mientras The Stooges eran la esencia pura de la provocación y la distorsión musical.
En su siguiente álbum “Fun House”, publicado un año después, la banda muestra un temprano estilo punk rock, con temas que fundamentaron los cimientos de un genero que aun tardaría varios años en explosionar de manera oficial.
Temas como la hipnótica y magnética “Down On The Street” se convierte en una de sus piezas mas celebres y memorables con su frenético ritmo alucinógeno, las punk rock vertiginosas “Loose” y “T.V. Eye”, contrastan con la blues psicodélica “Dirt”, que pone el momento tranquilizante a un álbum arrollador y visceral. La trepidante lisérgica “1970”, la jazzistica y psicodélica “Fun House” y la excéntrica y desquiciada “L.A.Blues”, dan por finalizado un disco que esta entre lo mejor y mas influyente de la música popular, y aunque considerado de culto, es sin duda una de las obras maestras de la historia del rock.
El álbum resultante seria “Physical Griffiti”, un doble LP que seria publicado casi a mediados de 1975. En este nuevo trabajo, casi la mitad son canciones inéditas que nunca fueron incluidas en sus trabajos anteriores y el resto son nuevas composiciones que terminan por completar los quince incluidos en el doble disco.
A diferencia de todos sus lanzamientos anteriores, este es el primero donde la banda muestra su lado mas versátil y ecléctico, con una gran variedad de estilos que van desde el hard rock hasta el rock progresivo, pasando por el folk o el rock´n´roll.
Con una de las portadas mas icónicas de la música rock, venia a demostrar que después de cinco antológicos y soberbios discos, la banda seguía manteniendo una altísima creatividad musical acallando con ello a algunos sectores de la prensa que daban por acabada la carrera del grupo.
Entre las nuevas composiciones destacan la monumental progresiva “Kashmir”, con esos arabescos arreglos, los portentosos riffs de Jimmy Page y los teclados omnipresentes de John Paul Jones, la blues rock extensa “In My Time Of Dying”, la progresiva y exótica “In The Light”, la compleja balada “Ten Years Gone” o la funky rock “Trampled Under Foot”. Mientras de los temas rescatados destacan la poderosa hard rock “The Rover”, la contagiosa “Houses Of The Holy”, la rock´n´roll “Black Country Woman”, todas ellas desechadas del álbum “Houses of The Holy”, la acustica “Bron-Yr-Aur” descartada del “Led Zeppelin III” o la versátil “Down By The Seaside” que fue descartada del “Led Zeppelin IV”.
“Physical Graffiti” se convertiría en la enésima obra maestra de Led Zeppelin, con unas criticas muy favorables y un gran recibimiento por parte del publico, logrando el numero uno a ambos lados del Atlántico, con unas ventas que superaron los quince millones de copias.
“School´s Out” fue creado a modo de obra conceptual y contiene ciertos elementos progresivos, al menos en el concepto y en donde sobresalen la irresistible canción que da titulo al álbum, un clásico del rock juvenil, la cabaret “Gutter Cat vs. The Jets”, la barriobajera y punk “Luney Tune”, la deudora de los sonidos jazzisticos “Blue Turk”, con un sonido muy cercano a The Doors, la stoniana “Public Animal #9” o la opulenta “Grande Finale”, temas todos ellos que componen un trabajo soberbio, pero que en cierto modo desequilibra el resultado final, de manera injusta, debido al tremendo hit que supuso el single "School´s Out" y que sepulto en cierta medida un repertorio de grandes canciones.
Hasta la publicación de este monumental doble álbum, Genesis eran los máximos exponentes del art rock británico mas sofisticado, dramático y culto, todo ello bajo la influencia del mencionado Peter Gabriel, el líder indiscutible y la principal mente creativa de la banda. Pero el resto estaba casi a su misma altura, con una instrumentación barroca no exenta de una grandísima calidad debido al virtuosismo de todos sus integrantes. “Trespass”, Nursery Crime”, “Foxtrot” y sobre todo “Selling England By The Pound”, ponían de manifiesto todo lo anterior, con unos álbumes progresivos, bucólicos, épicos y magistrales.
The Lamb ... " significaría su trabajo mas americano y el menos ingles, aquí el rock contundente y poderoso desplaza en muchos momentos al rock sinfónico y progresivo, donde explotan toda su enorme creatividad y calidad, tanto instrumental como lírica, relatando la historia de un personaje de ficción creado por Peter Gabriel llamado "Rael" que recorre las calles de Nueva York buscando su propia identidad entre la locura y los sueños, y que se dedica a pintar graffittis sobre los muros del metro de la ciudad, y que es extrañamente transportado por un laberíntico mundo subterráneo en donde encuentra las almas perdidas conocidas como "The Carpet Crawlers”, la ciega, “Lilywhite Lilith”, la codiciosa mujer-serpiente, “The Lamia” y el leproso “Slipperman”. Tony Banks, Phil Collins, Mike Rutherford y Steve Hackett son los autores de la mayor parte de la música, con aportaciones de Brian Eno, mientras Gabriel es el encargado del argumento y las letras del álbum. El resultado final es un complemento perfecto entre el desarrollo de la historia, las letras y la música, en una atmósfera tan real como hipnótica, como queda demostrado desde la épica “The Carpet Crawlers” hasta la magistral “Back In N.Y.C.”, pasando por el erotismo irónico de “Counting Out Time”, el entramado sonoro de “The Waiting Room”, la contundente “In The Cage”, la dinámica “The Lamb Lies...” o las seductoras “The Lamia” y The Silent Sorrow”.
Instrumentalmente todos los componentes rozan la perfección, pero son sin duda Steve Hackett y Tony Banks quienes están sublimes con sus aportaciones, el primero gracias a los imposibles sonidos que logra sustraer de su guitarra y el segundo con esas cascadas de sonidos de Mellotron y Moogs que enriquecen atmosféricamente la historia aquí descrita. Por su parte Collins y Rutherford muestran su virtuosismo con la poderosa y perfecta base rítmica.
“The Lamb Lies...”, resulto el proyecto mas ambicioso y el mas rico musicalmente de Genesis. La gira posterior promocionado el álbum fue apoteósica, con una representación visual impresionante, con un amplio uso de diapositivas, un juego de luces alucinante y una puesta en escena espectacular, con Peter Gabriel personalizando a “Rael” con tejanos y chaqueta de cuero, utilizando un numero increíble de elementos para personificar los diferentes personajes de la representación.
Pero a partir de aquí el resentimiento del resto de la banda hacia el papel predominante que Gabriel había adquirido dentro de Genesis, amenazaba con terminar en ruptura; pero el cantante ya había decidido abandonar el grupo al finalizar la gira mundial. A partir de ahora comenzaba la segunda etapa de Genesis, esta vez con Phil Collins en el rol de vocalista...pero esa es otra historia.
Ese mismo año de 1969 la banda publica “2 Ozs Of Plastic With A Hole In The Middle”, en donde hay una mayor ambición compositiva y con ello entran de lleno en el rock progresivo, sin dejar de lado su estilo psicodélico tan imperante, como queda demostrado en la inicial suite “A Prelude/ The Storm”, mientras que la vena experimental la encontramos en el blues progresivo “It´ Is As It Must Be”, por otro lado “Brother Arnold´s Red and White Striped Tent” es un acercamiento al jazz progresivo británico de finales de los sesenta y la rítmica “Spunk Box” esta a medio camino entre el heavy prog y los sonidos psicodélicos, por ultimo “My Name Is Jesus Smith” es una composición pop rock de la etapa de The Bystanders, que representa el momento mas comercial del álbum y un claro guiño al pasado de la banda.
Su primer álbum y al igual que su nombre de reminiscencias paranormales, estaba repleto de alegorías relacionadas con la numerología o las ciencias misteriosas. Musicalmente este proyecto creo un álbum rebosante de grandes temas muy elaborados con estilos dispares como el heavy sinfónico, el power metal, la opera rock o elementos del folk rock.
Esta atractiva fusión de estilos estaba bañada de sonidos de sintetizadores atmosféricos y épicos, con una base del mas genuino AOR propio de la década de los ochenta y todo ello envuelto en la excelente voz de Hughes.
Desde la inicial, la adictiva y épica “Kiss Of Fire” hasta el final con la oscura y operística “Phenomena”, el álbum va transcurriendo por magníficos cortes como la vigorosa “Still The Night”, la intensa “Dance With The Devil”, la hard progresiva “Believe” o la irresistible melódica de “Twilight Zone”.
Este sorprendente primer álbum tuvo algunos años mas tarde una segunda continuación con el mas previsible pero igualmente interesante y soberbio “Dream Runner” en donde se habían integrado nuevos componentes como John Wetton, Ray Gillan o Max Bacon, y en donde sobresalían la arrebatadora y melódica “Did It All For Love”, la contundente “Double 6, 55, Double 4”, la AOR “No Retreat, No Surrender” o la pomposa hard rock “Emotion Mama”.
Años mas tarde Mel Galley reflotaría el proyecto publicando una tercera entrega titulada “Inner Vision” con unos parámetros muy parecidos a sus dos primeras obras, pero ya sin su impacto mediático.
Con su segunda obra “Squawk”, la banda confirma su status musical aunque ya empezaban a orientar su sonido hacia derroteros mas progresivos, consiguiendo además unas grandes ventas que le proporcionan su primer disco de oro en el Reino Unido.
Su siguiente movimiento discográfico seria este “Turn Your Back On A Friend”, el cual comienza con uno de los himnos por excelencia del hard rock mundial, “Breadfan” y que caracteriza el sonido clásico de Budgie con esos riffs agudos de la guitarra de Tony Bourge, la galopante versión del clásico “Baby Please Don´t Go” resulta cuanto menos devastadora, mientras “You Know I´ll Always Love You” supone un remanso de paz antes de las atronadoras “You´re The Biggest Thing Since” y “In The Grip Of A Tyrefitter´s Hand”, que desembocan en la tranquila y bucólica “Riding My Nightmare”, antesala del tema mas largo y épico del álbum, la progresiva y monumental “Parents”, con la cual da finalizado uno de los discos imprescindibles de la década de los 70 y uno de los mayores hitos de la música rock.
Pero en 1992 la banda había sufrido diferentes cambios de formación, primero fue John Wetton quien se iría por un tiempo siendo reemplazado por Greg Lake, con quien no llegaron a grabar ningún material de manera oficial. Una vez regreso Wetton para la grabación del álbum “Astra”, seria Steve Howe quien abandonara la nave, siendo sustituido por el guitarrista Mandy Meyer, sin embargo esta alineación tampoco iba a durar mucho, algún tiempo después el propio Mayer seria sustituido por Pat Thrall. Una vez mas, esta formación tampoco se alargaría demasiado en el tiempo, y para este “Aqua”, Wetton volvería a abandonar, siendo sustituido esta vez por John Payne y lo mismo sucedería con Pat Thrall siendo reemplazado por el guitarrista Al Pitrelli.
Con todo este desbarajuste de idas y venidas aparece la figura de Steve Howe, quien aquí entra como músico invitado, lo que haría que tres de los cuatro miembros originales estuvieran involucrados en este nuevo disco.
Otro cambio significativo seria el diseño de la portada del álbum, esta vez seria obra del diseñador Rodney Matthews, en detrimento del habitual Roger Dean.
Musicalmente también habían cambiado mucho las cosas, si ya desde el anterior álbum, el grupo se había desviado sutilmente hacia los sonidos mas comerciales y melódicos, con este “Aqua” reafirmaron esa tendencia, con un punto mas hard rock, pero sin olvidar por completo sus orígenes progresivos.
La incorporación de Payne y Pitrelli dotan de mas versatilidad musical el resultado final, mientras el primero muestra unas grandes dotes como cantante y un experimentado bajista, el segundo es el responsable de las partes mas poderosas con sus riffs enérgicos y su estilo hard rock.
Desde la inicial “Who Will Stop The Rain”, la banda demuestra que sus derroteros están claramente orientados al rock melódico, así también queda demostrado con “Little Rich Boy”, “Back In Town”, “Someday” o “Lay Down Your Arms”, mientras la vena progresiva esta presentes en cortes como “Lay Down Your Arms” o “Heaven On Earth”, sin dejar de mencionar los adictivos medios tiempos como “Don´t Call Me” o “Crime Of The Heart”.
Para muchos este álbum supuso el paso transitorio entre los Asia mas clásicos de los 80 y los liderados por Geoff Downes en los 90 y como tal ofrece lo mejor de las dos etapas.
Si bien con sus primeros ocho álbumes ya había conseguido la mieles del éxito con numerosos numerosos uno y millones de discos vendidos, con el mencionado “Captain Fantastic...”, Elton John consigue la coherencia y consistencia necesaria para un trabajo tan versátil como este, en donde se dan la mano sonidos que van desde el rock hasta el soul pasando por otros estilos como el country.
Pero en una poco acertada maniobra comercial por parte de su discográfica, lanzando este “Rock Of The Westies” pocos meses después del “Captain Fantastic”, lastraría enormemente su reconocimiento musical y un mayor éxito comercial. Pese a todo y sin conseguir las abrumadoras cifras de ventas que su predecesor, lograría encaramarse en el numero uno en los Estados Unidos y un quinto puesto en Inglaterra.
“Rock Of The Westies” esta considerado uno de los trabajos mas puramente rock del cantante británico, en donde las melodías potentes y contundentes son el denominador común como demuestran temas como la inicial “Medley: Yell Help/ Wenesday Night/ Ugly“, o las poderosas “Grow Some Funk Of Your Own”, “Streets Kids” y “Billy Bones And The White Bird”, que son el contrapunto de memorables baladas y medios tiempos “Don´t Go Breaking My Heart”, “Feed Me” y “I Feel I Like A Bullet ( In The Gun Of Robert Ford)” o irresistibles melodías pegadizas como “Dan Dare (Pilot Of The Future”, “Hard Lucky Story” y “Island Girl”.
Sin embargo este “Nightingales And Bombers” es el mas melódico de los tres, con un excelente equilibrio entre los teclados y las guitarras, con grandes temas pegadizos a la par de grandes arreglos progresivos.
La enérgica “Spirits In The Night”, un cover de Bruce Springsteen, da comienzo a un disco que por momentos se vuelve vibrante y muy emocionante, la acelerada rock “Countdown”, da paso a las mas virtuosas “Time Is Right” y “Visionary Mountains”, mientras “Crossfade” es un space rock magistralmente logrado, por su parte “Fat Nelly” es junto al tema que da titulo al álbum, los momentos mas melódicos de este magnifico trabajo confeccionado por una de las mejores bandas del rock británico de la década de los setenta.
A diferencia del anterior "Thick As A Brick", este ultimo pese a esa gran complejidad instrumental y literaria, es así mismo mucho mas rico musicalmente, con una mayor elaboración y una producción casi obsesiva.
Con un esquema basado en el mundo teatral, Ian Anderson representa aquí al ser humano moderno, que a lo largo del álbum muere, es juzgado, recalando el cielo y mas tarde en el infierno, para en un final incierto y no muy claro, se deja todo a la imaginación del oyente, donde se reencarna o resucita.
Para todo ello Anderson incluye citas directas o indirectas de diferentes textos bíblicos, como la “Divina Comedia de Dante” o “El Apocalipsis”.
Musicalmente es uno de sus álbumes mejor logrados, con una banda totalmente compacta, repleta de gran virtuosismo, incluso hoy en día se sigue asombrando como podían ejecutar en vivo este complejo álbum tan enmarañado de forma tan exacta a la original.
Uno de esos grupos fue la Electric Light Orchestra de Jeff Lynne que con su octavo álbum decidió apostar por un sonido mucho mas comercial pero no por ello exento de gran calidad. Para este nuevo disco Jeff Lynne prescindió de la habitual sección de cuerdas que había sido una de las características del sonido rutilante de la banda, conformando una formación con solo cuatro miembros y un mayor peso especifico al sonidos de los teclados sin abandonar por completo los esplendorosos arreglos orquestales. “Discovery” presenta una repertorio de temas pegadizos a la vez que contundentes como la inicial “Shine A Little Love”, la poderosa “Don´t Bring Me Down” o la dinámica y soberbia “Last Train To London”, mientras los medios tiempos y las baladas con arreglos suntuosos están presentes en las encantadoras “I Need Her Love”, “The Diary Of Horace Wimp”, “Confusion”, “Midnight Blue” o “On The Run”.
La recepción de este álbum, les llevaría a posicionarse entre los primeros puestos de las listas de éxito de numerosos países alcanzando unas ventas que superaron todos sus registros anteriores, alcanzando con ello media docena de discos de platino.
Jon Anderson llevaba algunos años con la idea de hacer un álbum místico y conceptual, algo que de alguna manera ya había hecho con Yes en “Tales From Topographic Oceans”, pero sin profundizar tan brillantemente como lo hace en este debut.
Basado en una historia de ciencia ficción extraña y compleja sobre una nave espacial llamada Moorglade y el lejano planeta Sunhillow, una historia que se nos antoja tan complicada que difícilmente se puede describir por escrito.
Musicalmente que es lo que nos importa, tiene como resultado un álbum atmosférico y místico, en el cual solo aparece Jon Anderson como el único instrumentista, tocando una infinidad de instrumentos, cerca de la treintena, además de los arreglos y la producción.
Ya desde la inicial “Ocean Song”, escuchamos ecos a la música oriental, la cual va describiendo con parsimonia los vastos océanos de Sunhillow. Un tema que esta claramente influenciado por la música de Vangelis, y una de las creencias que hacen pensar que el músico griego participo en este álbum, sin embargo no entraremos en polémicas, y mas allá de todas esas controversias sobre este tema, lo cierto es que musicalmente este inicio esta muy logrado con una gran combinación de sintetizadores, arpa, guitarras y percusión.
La mas animada “Meeting (Garden of Gada)/ Sound Out The Galleon”, dividida en dos partes bien diferenciadas, muestra uno de los aspectos mas destacados con la hermosa voz de Anderson, secundado por acordes de guitarras acústicas, arpa y un sugerente sintetizador. Las siguientes “Dance Of Ranyart/ Olias (Build The Moorglade)”, son mas místicas, con fondos de sintetizadores y arpa y las armonías vocales de Anderson, en otro de los momentos notables.
La atmosférica “Qoquaq En Transic/ Naon/ Taransic Co”, nos recuerdan a algunos pasajes del mencionado “Tales From Topographic...”, con esa melodía suave que se va tornando mas rítmica según se va desarrollando, por su parte “Flight Of the Moorglade”, sigue la tónica orientada a los sonidos de arpas y sintetizadores, pero con una melodía vocal algo diferente. Llegados a este punto aparece la composición mas progresiva “Solid Space”, con unos repliques de sintetizador, grandes acordes arabescos de guitarra, que nos recuerdan a Steve Howe y algunas voces escalofriantes de Jon Anderson.
“Moon Ra/Chords”Song Of Search”, conformada a modo de mini suite representa de manera muy mística, la confusa trama de esta historia con acordes de guitarras, voces armoniosas y sutiles sintetizadores, para acabar con la épica “To The Runner”, sin duda el tema mas pegadizo y el menos complejo de todo el álbum.
Pero este radical cambio no fue un camino de rosas para Bob Dylan, quien seria criticado y vapuleado por los puristas del folk, quienes lo acusaban de venderse en beneficio de la comercialidad y los intereses personales del músico.
Pero mas allá de las controversias que este cambio supuso, Dylan afronto sus nuevos trabajos repletos de gran imaginación y eclecticismo, con canciones repletas de surrealismo como queda demostrado en cortes como “Subterranean Homesick Blues”, “Gates of Eden”, “Like A Rolling Stone” “Ballad Of A Thin Man”, “Highway 61 Revisited” o “Maggie Farm” entre otras, todas ellas canciones grabadas en la memoria de los aficionados a la música rock.
Fue precisamente este repertorio el que Bob Dylan se llevaría para interpretarlo en el Festival Folk de Newport, en una aciaga noche en la que fue acompañado por la banda de Paul Butterfield y en donde fue abucheado por lo miles de fans puristas al folk, indignados por el tratamiento rock que Dylan daba a sus nuevas canciones.
Pero lejos de redimirse, Bob Dylan siguió adelante con su propuesta y un año después publica su sexto álbum junto a una banda llamada The Hawks, que a partir de aquí se convertiría en The Band, una de las bandas por antonomasia de la historia de la música rock. Con el titulo de “Blonde On Blonde” y en formato de doble Lp, Dylan logra encajar un trabajo compuesto por una serie de antológicos temas profundizando en lo ya publicado en el anterior “Highway 61 Revisited”, pero con temas mas complejos, sofisticados y consistentes, a la vez que enérgicos y contundentes. Sin embargo sigue mostrando su lado poético en sus letras, repletas de imaginación, resultando un álbum cautivador y irresistiblemente atrayente, en donde ningún tema destaca sobre otros, aún así entre todos ellos podríamos destacar las soberbias “I Want You”, “Just Like A Woman”, “Memphis Blues Again”, “Visions Of Johanna” y “Sad Eyed Lady of The Lowlands”.
Poco después de la publicación del álbum, Bob Dylan se vio envuelto en un gravísimo accidente de moto cerca de Woodstock, el cual casi le cuesta la vida. Su posterior convalecencia le tendría alejado del mundo de la música durante cerca de un año, hasta que a finales de 1967 publicaría su siguiente obra, “John Wesley Harding”, en el cual Dylan daba otro cambio de tuerca, orientando esta vez su música hacia los sonidos de raíces y del country mas rural.
“Elephant” fue el titulo de su cuarto álbum publicado en los primeros meses del 2003, significando uno de sus mayores éxitos tanto comerciales como de critica.
Como era habitual en las grabaciones de sus anteriores álbumes, la banda apostaría por los sonidos analógicos muy propios de la década de los años 60, utilizando equipos de grabación de esa época.
Musicalmente White Stripes consiguieron con este nuevo álbum re-descrubrir para las nuevas generaciones los germinales sonidos y con raíces, del blues y del rock, con una serie de temas adictivos como el himno generacional “Seven Nation Army”, el cual se convertiría en un clásico de los eventos deportivos en todo el mundo, además de este tema ya universal, están la psicodélica “There´s No Home For You Here”, la poderosa blues rock “Ball and Biscuit”, la hard rock oscura “The Hardest Button” o las garage “Girl, You Have No Faith In Medicine” y “Black Math”, mientras la vena folky, country y el rock americano están presentes en cortes como “In The Cold, Cold Night”, “I Want To Be The Boy To Warm Your Mother´s Heart” o en “You´ve Got Her In Your Pocket”.
Si durante gran parte de los noventa, la banda se fue labrando una gran reputación entre la comunidad progresiva con álbumes tan enormes como “The Sky Moves Sideways”, “Signify” o “ Stupid Dreams”, en los cuales mantienen esos sonidos progresivos que los caracteriza, pero fusionados con diferentes matices y sonidos mas comerciales, en “In Absentia” consiguen de manera racional, fusionar los elementos psicodélicos y el prog con la potencia del heavy metal como queda demostrado en la inicial “Blackest Eyes”. El resto del álbum se mueve eclécticamente en distintas variaciones estilísticas, con composiciones complejas a la par que otras mas sencillas pero tremendamente adictivas, demostrado en piezas como “Trains”, “Prodigal” o “Strip The Soul”, mientras la vena hard progresiva están muy presentes en cortes como “Gravity Eyelids” o “Weeding Nails”, en ejercicios oscuros y poderosos como “ The Creator Has A Mastertape” o exquisiteces como “Heartattack In A Layby” o “Collapse The Light Into Earth”.
“In Absentia” se ha convertido en una de las obras fundamentales del nuevo siglo, no solo por contener unas memorables composiciones, si no también por la soberbia ejecución instrumental por parte de cada miembro de la banda, además de una producción impecable por parte del propio Steven Wilson.
Si hasta ese momento el músico neyorkino era uno de los percusores en poner en relieve los aspectos negativos e inquietantes de la subcultura juvenil, con la aparición de Bowie, se fue gradualmente convirtiendo en un andrógino personaje, apareciendo en el escenario con los ojos y labios pintados de negro y vistiendo trajes de terciopelo negro, adornados con falsos brillantes. Ya en su álbum “Transformer” (1972), introduce deliberadamente los temas de la homosexualidad y el travestismo, con los que Reed había mantenido hasta esos momentos las distancias a base de ironía y teatralidad, pero que de la noche a la mañana parecía identificarse. La colaboración de Bowie y Mick Ronson en las labores de producción, además de participar en la grabación del álbum, dio un gran impulso, coherencia y equilibrio a un trabajo que contenía arrebatadoras canciones como “Walk On The Wild Side”, “Vicious”, “Make Up” o “Satellite Of Love”.
Gracias a este Lp Lou Reed se convertía por fin en una estrella del rock, sin embargo su afianzamiento en la cúspide se vio truncada por su siguiente trabajo “Berlin” (1973), el cual fue producido por Bob Ezrin y contaría con un plantel antológico de músicos, entre los que estaban Steve Winwood, Michael Brecker, Aynsley Dunbar, Steve Hunter, Dick Wagner o Jack Bruce entre otros. Sin embargo este álbum fue despreciado por la prensa y perdió el interés del publico, motivado sin duda por una extraña música que alterna episodios orquestales muy intensos, con otros fragmentos de guitarra acústica y sonidos rock de manera desigual, suscitando las comparaciones con el primero de Velvet Underground.
Disgustado por esa mala recepción, Lou Reed conformo una banda de rock poderoso y contundente, en donde estaban los guitarristas Wagner y Hunter, mas el bajista Prakash John, el batería Pentti Glan, y el teclista Ray Colcord y publicaría los vigorosos y envolventes directos “Rock´n´Roll Animal” (1974) y “Lou Reed Live” (1975) en donde hacia un repaso en clave de casi hard rock de sus clásicos temas; “Sweet Jane”, “Heroin”, “Lady Day”, “Vicious” o “Walk On The Wild Side”, ambos discos, memorables documentos sonoros de la mejor época, al mismo tiempo que la mas convulsa del músico norteamericano.
En 1983 llegaba este “Metal Fatigue”, considerada una de las mejores obras del jazz rock de la década de los ochenta, en donde demostraba su excepcional dominio con la guitarra, logrando con este disco ir un poco mas lejos de los géneros y estilos, mezclando un album orientado hacia lo instrumental pero con voz en sus canciones.
“Metal Fatigue” contiene seis excelentes composiciones que están entre el limite del rock y del jazz, interpretadas de manera brillante no solo por el genial guitarrista, si no también por los músicos que le acompañan en esta grabación, empezando por el baterista Chad Wackerman, los bajistas Jimmy Johnson y Gary Willis, los vocalistas Paul Williams y Paul Korda y el teclista Alan Pasqua.
Temas impecablemente interpretados como las soberbias jazz rock “Devil Take The Hindmost”, “Home” y “Metal Fatigue” o ejercicios de virtuosismo como “The Un-Merry Go Round” o las mas accesibles “Panic Station” y “In The Mystery”, conforman un álbum ciertamente excelente de jazz rock, de una musicalidad absolutamente fantástica y una ejecución instrumental impecable.
Para cuando grabaron este álbum, la banda llevaba tres años sin publicar ningún material nuevo, años en los que los habían ocupado en diferentes tours mundiales de enorme éxito en donde ya interpretaban complejas canciones de sus álbumes “Somewhere Far Beyond” o “Imaginations From The Other Side”, discos que sin ser claramente conceptuales, si siguen un patrón parecido con acercamientos al progresivo, si no tanto musicalmente hablando, si de manera estilística.
“Nightfall In Meddle-Earth” es un álbum de principio a fin emocionante, con grandes intros, unas sobresalientes composiciones épicas y con un claro regusto hacia la opera rock, con partes narradas, infinidad de coros y una instrumentación sublime compuesto por 22 temas, de las que la mitad son canciones y el resto interludios narrados o instrumentales.
Si hasta ese momento Led Zeppelin habían revestido su poderoso rock con el blues y el folk, en esta ocasión la banda se rodea de cierto misticismo, que ya desde su icónica y enigmática portada, en donde ni aparece el nombre de la banda ni su titulo, presagia lo que sus surcos contienen en el interior.
Pese al enorme y monumental éxito de este álbum, no deja de ser paradójico que para muchos sea solo el conocido por albergar la mítica “Stairway To Heaven”, olvidándose que además de ello esta conformado de una colección de temas sobresalientes y apoteósicos, empezando por la contagiosa y enérgica “Black Dog”, a la que sigue la icónica “Rock and Roll”, y la épica y acústica “The Battle Of Evermore”. Para finalizar la primera cara del álbum nos encontramos la pieza mas emblemática de la historia del hard rock, “Stairway To Heaven”, que mas allá de su supuesto mensaje oculto y satánico, es sin duda la obra cumbre de Led Zeppelin, con ese comienzo suave y acústico que a medida que va avanzando se convierte en un verdadero clímax eléctrico y enloquecido de hard rock.
La segunda cara comienza con la vigorosa “Misty Mountain Hop”, para continuar con la mística “Four Sticks”, la preciosista balada “Going To California” y la oscura y cruda blues rock “When The Levee Breaks”, con la cual dan por finalizada la obra mas monumental de Led Zeppelin, la que hasta el día de hoy nadie ha superado dentro del genero del hard rock y el heavy metal, tanto en el plano comercial (mas de 40 millones de copias vendidas ), como musicalmente y que esta considerada una de las mejores obras maestras de la música contemporánea.
Lito Vitale es un compositor y músico argentino de jazz, que ha compaginado su carrera solista con la de productor y arreglista participando en muchas colaboraciones para otros artistas.
En 1988 publicaba el álbum titulado "Ese amigo del alma", un disco tremendamente popular en países como Argentina o España
Algunas de las composiciones como "Recuerdo en MÍ Bemol" o "Estar entre Nosotros" que ya habían aparecido en su primer disco “Lito Vitale Cuarteto” (1987), aparecen aquí, pero grabadas con una formación diferente, lo que le da al disco la catalogación de recopilatorio.
Sin embargo este álbum presenta algunos temas nuevos como "La vida es un tango", una bella melodía interpretada por la extraordinaria calidad de la banda o "Estar vivo Hoy", un corte ambiental ejecutado de manera sensacional.
Pero es sin duda la pieza "Ese Amigo del Alma", la joya de este álbum, una canción extraordinaria de sublime belleza, profunda, delicada y muy emotiva, mas de diez minutos memorables de épica ambiental de jazz fusión.
Vitale compuso esta sublime pieza en memoria de Lyle Mays, el teclista de Pat Metheny, quien sin duda es la principal influencia en su música.
Una de esas composiciones que después de haberla escuchado, nos cautiva y cuya melodía permanece en nuestra mente durante mucho tiempo o durante toda una vida.
Además de sus discos en solitario, ha sido uno prolífico músico de sesión colaborando en cientos de grabaciones para otros artistas entre los que se encuentran Steely Dan, Al Jarreau, Michael Franks, Spyro Gyra o Randy Crawford entre otros muchos mas.
Incluso ha compuesto diferentes bandas sonoras para series de TV y del cine como la famosa serie “Hill Street Blues”, lo que que le valdría ganar el premio Grammy en 1981.
Su primer trabajo fue el álbum “With A Little Help From My Friends” lanzado en 1968, el cual tuvo una gran aceptación por parte del publico y la critica a nivel mundial. Ya a principios de los 70 pasa a formar parte de la banda de jazz rock The Crusaders, con quienes graba once álbumes empezando por “Crusaders 1” (1972), hasta “Those Southern Knights” (1976), sin embargo este ultimo ya como músico invitado, y participando en posteriores trabajos del grupo, aportando en todos ellos sus propias composiciones y su estilo melódico con su famosa guitarra Gibson ES-335.
Una guitarra que el propio Carlton le daría el apodo de “Mr.335”, creando incluso su propio estudio de grabación el cual llamaría “Room 335”.
Una vez abandono The Crusaders, Larry Carlton firmaría con la Warner Bros y lanzaría una retahíla de grandes álbumes enfocados al jazz fusión.
Entre esos álbumes destacan trabajos como el debut “Larry Carlton” (1978), el directo "Mr. 335: Live in Japan"(1979), o los brillantes "Sleepwalk" (1981), "Strikes Twice" (1981), "Eight Times Up” (1983) o "Friends"(1983).
Todos ellos con unas exquisitas producciones, repletas de ricos matices y una gran variedad de estilos en donde se dan cabida bajo el estilo jazzistico, el rock, el funk, el soul y el blues.
En 1985 con su noveno disco "Alone But Never Alone", logra alcanzar el número uno en el Billboard Jazz, e incluso consiguió otro premio Grammy por el tema "Minute by Minute" y recibió una nominación en la categoría "Mejor Interpretación de Jazz Fusión" por su álbum en directo "Last Nite" (1986).
A finales de la década de los ochenta publica su álbum mas rock hasta entonces “On Solid Ground”, pero antes de la salida de ese álbum tiene lugar un hecho que marcara la vida de Larry Carlton. Una noche a la salida del estudio de grabación, un individuo desconocido le propina varios disparos que esta a punto de acabar con su vida.
Este dramático hecho le llevaría a un largo proceso de hospitalización seguido de interminables y dolorosas sesiones de recuperación. Algún tiempo después el guitarrista empieza a reconstruir su vida personal y profesional disminuyendo drásticamente sus apariciones en vivo, aunque poco a poco retomaría su carrera como músico de sesión, llegando a la asombrosa cantidad de cerca de las tres mil colaboraciones a mediados de los noventa
A finales del siglo 20, participaría en el proyecto Fourplay, una súper banda de jazz formada por Bob James, Nathan East y Harvey Mason y con quienes ha grabado un total de diez álbumes.
Ya un año antes Ritchie Blackmore había fundado su propia banda Rainbow, y Ian Gillan había hecho lo mismo con su Ian Gillan Band, ambos habían abandonado Deep Purple algunos años antes.
Mientras Jon Lord y Ian Paice se unirían a David Coverdale y fundarían Whitesnake, y por ultimo Glenn Hughes y Tommy Bolin se dedicarían a diferentes proyectos en solitario.
Ocho años después la formación mas clásica de Deep Purple, la denominada Mark II, la que creara obras tan monumentales como “In Rock”, “Machine Head”, “Made In Japan” o “Fireball"” se volvían a reunir para grabar un nuevo y esperado álbum que fue motivo de una gran expectación a nivel mundial dentro del panorama rock.
Esa formación compuesta por los legendarios Ritchie Blakmore, Ian Gillan, Ian Paice, Jon Lord y Roger Glover se dirigieron a los estudios norteamericanos de Horizons en Vermont y grabarían el undécimo álbum de Deep Purple titulado “Perfect Strangers”.
Sin embargo el sonido dista de alguna manera del estilo tan característico de los 70 para derivarse a los sonidos mas modernos de la década de los ochenta, creando una obra elegante y sobria mas cercana al rock clásico que al hard rock.
La inicial “Knocking At You Back door” es la mejor muestra de todo lo dicho anteriormente, lo mismo ocurre con la concisa “Under The Gun”, mientras la fiestera “Nobody´s home” muestra el sonido ochentero de la banda. La zeppeliana y épica “Perfect Strangers” es el momento cumbre que contrasta con las neoclásicas herederas de los sonidos de Rainbow “A Gypsy Kiss” y “Hungry Daze”, apara acabar con la arrebatadora balada “Wasted Sunsets”.
Como era de esperar el álbum cosecharía un enorme éxito a nivel mundial logrando varios discos de platino y unas ventas que superan los tres millones de copias vendidas.
Repitiendo la misma formación que su predecesor; Gerry McAvoy al bajo y Ted McKenna a la batería junto a Rory que se encarga de las voces, la guitarra eléctrica y el sitar eléctrico que suena en el tema “Philby”.
Igualmente fue grabado en los mismos estudios Dierks situados en Colonia, Alemania, durante los meses de marzo y abril de 1979 y lanzado casi a finales del mismo año.
“Top Priority” es sin duda el trabajo mas crudo y vigoroso del irlandés, repleto de energía, potencia y fuerza. La contundente sección rítmica compuesta por McAvoy y McKenna, junto a la visceral guitarra de Gallagher, conforman un poderoso trío de hard rock.
La contundente “Follow Me”, es la encargada de abrir este soberbio trabajo, a esta le sigue la solida y gratificante “Philby”, mientras las incendiarias “Wayward Child”, “At The Depot” y “Just Hit Down”, aceleran el ritmo del álbum de manera frenética.
Con “Keychain”, el ritmo baja de intensión con ese toque de blues rock tan característico en el guitarrista irlandés, por una senda parecida nos encontramos con “Off The Handle”, en donde Rory muestra su faceta vocal al margen de su maestría con la guitarra.
Para acabar con la funky rock “Public Enemy no.1”, repleta de riffs guitarreros inconmensurables y la enorme "Bad Penny”, un mágico corte que se torna como el momento cumbre de este desbocado e incendiario álbum.
Influenciado por la música norteamericana pronto formaría una nueva banda compuesta en su totalidad por músicos estadounidenses. Entre ellos estaban los ex miembros de la banda de blues rock Canned Heat, Harvey Mandel (guitarra) y Larry Taylor al bajo, este ultimo ya había aparecido fugazmente como músico invitado en su álbum “Empty Rooms”, además del violinista Don “Sugarcane” Harris, quien venia de participar en la banda de Frank Zappa.
Antes en su directo “Turning Point” (1969), grabado en el mítico Fillmore East de Nueva York, Mayall había prescindido de la batería, un hecho que marcaría un punto de inflexión en su carrera.
Ese cambio hacia un estilo de blues de bajo volumen y sin guitarras pesadas y batería que triunfaban en esa época, parecía cuanto menos un suicidio comercial, creando con este y el anterior “Empty Rooms” (1970), una inteligente fusión de ritmos latinos, blues, jazz y boogie, junto a músicos como el guitarrista John Mark, el saxo Johnny Almond y el bajista Stephen Thompson, que complementaban la voz y la harmonía de Mayall.
“USA Union”, grabado con el cuarteto Mayall-Mandel-Taylor-Harris, recuperaba el solido sonido del jazz rock con composiciones mas libres y basadas en el conjunto en donde Taylor y Mandel hacen una gran aportación instrumental.
Este ultimo añade un gran color a la música con sus solos con la guitarra eléctrica, con un sonido mas sutil que los interpretados en las encarnaciones anteriores de la banda, (Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor). Sin embargo aquí no se repiten los esquemas de “Empty Rooms”, ya que aunque la idea original es bastante similar, los instrumentos son ligeramente diferentes (el violín y el papel fundamental de la guitarra eléctrica por el saxo y la flauta), cambian significativamente el carácter de la música. Otro dato importante es que todas las composiciones en si mismas son muy expresivas, están entremezcladas entre si. El típico blues cadencioso “Crying” es uno de los temas memorables del álbum, con el violín en primer plano que no se parece a ninguna otra canción que Mayall haya compuesto. Por su parte la jazzistica “The Jazz Off The Road” es pese a su corta duración un agradable paseo musical relajado y distendido. En “Nature´s Disappering” Mayall muestra su talento con la harmónica y la interpretación no menos talentosa del resto de instrumentistas. El resto de temas siguen manteniendo un nivel aceptable dentro de este experimento que supuso, debido a la instrumentación atípica por la falta de batería y los instrumentos de vientos, creando con ello una versión única y excitante del mejor blues que John Mayall haya hecho jamás, algo por otra parte muy complicado de afirmar después de tantos y geniales trabajos del llamado padre del blues blanco.
Sin embargo llegados a este punto la formación había sufrido varios cambios de integrantes, si ya en el tercer álbum no aparecía David Knopfler que había abandonada para seguir su carrera en solitario, en el siguiente álbum seria el batería Pick Whiters quien abandonaría cansado de las giras y del rumbo musical que el grupo estaba tomando.
Su sustituto seria Terry Williams que junto a los habituales músicos colaboradores de Mark Knopfler en sus discos en solitario, los teclistas Alan Clark y Guy Fletcher son junto a su inseparable amigo y fundador de la banda John Illsley, el plantel que conformaba los nuevos Dire Straits.
Knopfler también contaría con diferentes músicos invitados para esta nueva grabación como el saxofonistas Michael Brecker, el trompetista Randy Brecker, los bajistas Tony Levin y Neil Jason, el vibrafonista Mike Mainieri o la participación de Sting poniendo las voces en el tema “Money For Nothing”.
“Brothers in Arms” es el álbum mas variado y elaborado de toda la carrera de Dire Straits, en donde la guitarra de Mark Knopfler ya no es el hilo conductor como lo era en los anteriores trabajos. Aquí el uniforme sonido, la intachable producción y las rotundas melodías comerciales y adictivas son el denominador común como demuestran las irresistibles “Money For Nothing”, “So Far Away”, “Your Latest Trick”, “Why Whorry” o la eterna canción que da titulo al álbum.
Su recepción posterior le llevaría a alcanzar numerosos números uno alrededor del mundo, medio centenar de discos de platino y unas ventas que superan con creces los 30 millones de copias vendidas a nivel mundial.
Sin embargo en esta nueva entrega la banda da un cambio de tuerca radical a su estilo, dejando de lado el visceral hard rock por un mayor refinamiento en sus composiciones a la par que potenciaron el sinfonismo utilizando una amplia variedad de instrumentos como los sintetizadores, la dualidad de las guitarras acústicas y eléctricas y unas texturas y desarrollos mas ambientales y atmosféricos
Este quinto lanzamiento muestra al trío en su plenitud creativa, con sobrias composiciones como la virtuosa “Xanadu” o la espectacular y progresiva “Cygnus X-1”, sin dejar de lado su característico sonido como demuestra la hard rock “Cinderella Man” o su faceta emotiva en “Madrigal”. Por otro lado la vena comercial y accesible esta presente en “Closer To The Heart”, el cual fue elegido como single promocional del álbum y que alcanzaría unos puestos altos en las listas de éxitos y popularizaría la banda entre el gran publico.
Para remediar ese pequeño traspiés la banda contrata al productor Martin Birch, intentando con ello revalidar viejos laureles.
El resultado fue "Cultösaurus Erectus", un álbum que volvía a ponerles al frente del hard rock psicodélico, con un trabajo potente y una producción brillante e impecable.
Aquí la Blue Oyster Cult vuelven con esos desarrollos instrumentales, sin duda el principal recurso de este magnífico combo, y que se ve reflejado en la inicial hard rock “Black Blade” una de las canciones mas significativas del grupo, la dinámica “Monster” potencia ese camino de contundencia y sofisticación instrumental. También aparecen momentos mas progresivos como las excitantes “Divine Wind” y “Deadlines”, mientras la vena mas primitiva la encontramos en la rock´n´roll “The Marshall Plan”.
Pero es en las heavy rock “Hungry Eyes”, “Lips In The Hills” y “Fallen Angels” donde se observa la exquisita producción de Birch con poderosos hard rock adictivos no exentos de cierta comercialidad, para finalizar con la elaborada y psicodélica “Unknown Tongue”, el colofón perfecto a este sobresaliente trabajo.
Fue lanzado en un momento crucial para la banda, pocos meses antes habían perdido a su carismático cantante Bon Scott, fallecido en trágicas circunstancias.
Tras su muerte los restantes miembros dudaron en seguir adelante o abandonar, pero sus ganas de continuar y como homenaje al propio Scott, decidieron continuar.
Sin embargo la banda tenia un problema muy serio por delante, quien seria el sustituto de alguien tan grande como Bon Scott?, quien seria el que podría cubrir medianamente su hueco sin entrar en burdas comparaciones ni en un mero imitador de tres al cuarto.
Durante semanas el grupo audiocionarian a muchísimos candidatos, entre los que estaban Allan Fryer, de la banda australiana Heaven, Gary Pickford-Hopkins, quien venia de trabajar con Rick Wakeman y que había formado parte de Wild Turkey, Stevie Wright cantante de los EasyBeats, Terry Slesser quien había pertenecido a la banda de Paul Kossof, Back Street Crawler, o el mítico miembro de Slade, el cantante y guitarrista Noody Holder entre otros muchos mas.
Sin embargo y gracias al productor Robert “Mutt” Lange, la banda conoce y termina aceptando a Brian Johnson, ex cantante de Geordie, un grupo británico que había publicado varios discos con cierto éxito durante los años 70 en las Islas Británicas.
El carisma campechano, su sentido del humor, su faceta de gran frontman con esa voz ronca y desenfadada y sobre todo su respeto hacia Bon Scott, son fundamentales para que fuera contratado como el nuevo vocalista de AC/DC.
Casi de inmediatamente la banda se dirige a las Bahamas en donde empezarían a grabar su próximo álbum, el lugar elegido tiene dos razones de peso, la primera la falta de disponibilidad en los estudios elegidos en Inglaterra, y en segundo lugar huyendo de los siempre altísimos impuestos británicos.
Finalmente y durante los meses de abril y mayo de 1980, completan el nuevo álbum en los Compass Point Studios de Nassau, bajo la producción de Robert “Mutt” Lange.
Lanzado oficialmente dos meses después “Back In Black” es un sentido homenaje a Bon Scott, empezando por portada negra de total luto, y con un contenido que sigue ofreciendo lo que AC/DC saben hacer mejor que nadie, puro y duro rock and roll.
Desde la monumental “Hells Bells” que inicia el álbum, la banda muestra con esos poderosos riffs y esa contundencia una rabia contenida, que están heridos y que la tragedia aun les afecta, pero esa misma rabia los catapultan y salen fortalecidos creando una de las mas grandes canciones de la música rock, la cruda y potente “Shoot To Thrill” muestra el clásico sonido de AC/DC, en “Given The Dog A Bone”, Johnson muestra su poderosa voz y deja claro que su elección fue la acertada, mientras la seductora hard rock “Let Me Put My Love Into You”, muestra el nivel optimo de todo el grupo con una pieza descomunal.
Con “Back In Black” alcanzan el universo, una canción que es patrimonio de la humanidad y de la cual no se necesitan ninguna presentación, simplemente es perfecta. La pesada y contundente “You Shook Me All Night Long”, la blues rock “Have A Drink On Me”, la frenética “Shake A Leg”, o la rock callejera con aires bluesy “Rock And Roll Ain´t Noise Pollution” terminan por completar un álbum grandioso y único, el cual conseguiría un éxito sin precedentes con casi 50 millones de copias vendidas en la actualidad, numerosos números unos alrededor del mundo y considerado uno de los 100 mejores álbumes de la historia de la música rock.
