Este fue el álbum que influiría de manera decisiva en Mark Knopfler y sus Dire Straits (al menos en sus dos primeros álbumes), pero también el que contiene una de las canciones míticas de J.J.Cale, “Cocaine”, que posteriormente Eric Clapton popularizara a nivel mundial.Al mismo tiempo este trabajo es el que consolidaría el estilo “Tulsa Sound”, un subgénero basado en el folk, el blues, el country, el jazz y el rockabilly y que convirtió a J.J.Cale en una de las leyendas de la música norteamericana del siglo 20.
Pero hasta llegar aquí J.J.Cale ya llevaba tras de si mas de una década de carrera musical, la cual había empezado a principios de los sesenta junto al ilustre Leon Russell.
En 1965 una canción suya “After Midnight”, se convierte en un pequeño éxito y al año siguiente llegaría su primera publicación con el grupo The Leathercoated, que sin embargo no obtiene el éxito deseado.
Esta decepción le lleva a mudarse a Tulsa en Oklahoma, en donde después de firmar con el sello local Shelter grabaría su primera obra en solitario “Naturally” aparecido en 1971.
En este primer álbum J.J.Cale mostraba su enorme sensibilidad con un trabajo repleto de aires blues, jazz, folk y country, con una serie de canciones intensas y contenidas, y que contiene dos de sus clásicos “Call Me The Breeze” y la mencionada “After Midnight”.
En los siguientes años Cale publicaría el mas dinámico “Really” (1972), y mas tarde “Okie” (1974), en donde de manera progresiva incluye otros géneros musicales como el gospel pero sin perder un ápice su personalidad, continuando con sus exploraciones en las raíces de la música norteamericana.
Dos años después con “Troubadour”, culmina su madurez compositiva mostrando su álbum mas versátil y al mismo tiempo mas consolidado en su propuesta musical.
Repleto de canciones inspiradas y brillantes como la mencionada “Cocaine”, la juguetona “I´m A Gypsy Man”, la rítmica "Let Me Do It To You”, la planeadora “Hey Baby”, la atmosférica bluesy “Super Blue” o la ágil “Ride Me High”.
Su formación estaba compuesta por Ian Duck (voz, armónica), Dave Glover (bajo), Roger Pope (batería), y Caleb Quaye (guitarra). Algún tiempo después se les uniría el guitarrista Bob Kulick y el bajista Mick Grabham.
Todos estos músicos habian participado en la mayoría de las grabaciones del mencionado sello, entre los que se encontraban los primeros álbumes de Elton John como “Empty Sky” de 1969.
Después de firmar con la A&M Records, publicaron cinco LP´s, que solo fueron comercializados en los Estados Unidos, empezando por "A Pie Of Pye" (1969), al que seguirán "Turn The Radio" (1970), "Hookfoot" (1971), "Good Times A´Comin" (1972), "Communication" (1972) y "Roarin´", con el cual daban por finalizado su periplo musical.
Posteriormente la A&M Records publicaría el doble recopilatorio "Headlines" y algunos años mas tarde el álbum en directo grabado en 1972 "Live In Memphis".
Este directo es una brillante muestra del estilo de Hookfoot, con ese sabor sureño impregnado de rock and roll, blues eléctrico y acústico, con elementos funky.
Temas como la funk rock “Bluebird”, la épica sureña “Mystic Lady”, la polvorienta “Movies”, la country rock “Natures Changes”, la rítmica jazz rock “Wim-Wom” o la melódica "Crazy Fool”, junto a la brillante y lograda interpretación del tema de Neil Young “Don´t let it Bring You Down”, o el blues acústico “Coombe Gallows”, demuestran el talento que esta olvidada banda tenían tras de si, combinando una excelente musicalidad con unas letras comprometidas y un estilo ecléctico cautivador y sugestivo.
Un álbum que en un principio estaba destinado a ser la segunda opera rock de The Who, ya que su guitarrista y líder Pete Townshend quiso continuar con ese formato después del éxito del mencionado "Tommy”. Sin embargo este complejo y ambicioso proyecto el cual llevaría de nombre “Lifehouse", fue desechado y gran parte de los temas compuestos para esa ocasión fueron a parar a este “Who´s Next”.
El estilo de la banda en este álbum es en parte diferente a lo hecho hasta esos momentos, con grandes dosis de experimentación, agregando los sonidos mas vanguardistas de la época como los sintetizadores, vigorosos sonidos de hard rock y sutiles arreglos progresivos, todo ello sumado a los grandes riffs de guitarra del propio Townshend, la tremenda voz de Roger Daltrey y la demoledora sección rítmica compuesta por Keith Moon y John Entwistle.
Un álbum que esta repleto de temas míticos como la inicial “Baba O´Riley” con esos ya conocidos sonidos de sintetizador, tema principal de la serie de TV “CSI Las Vegas”, a la que le siguen la poderosa y adictiva “Bargain”, la progresiva “My Wife”, la épica “The Song Is Over”, la sentida “Getting In Tune”, la preciosista “Going Mobile” o la excelsa rock con tintes progresivos “Won´t Get Fooled Again”.
“Who´s Next” tuvo una gran acogida por parte del publico, con unas ventas que les llevaron a obtener tres discos de platino y al mismo tiempo convertirse en la mejor obra de The Who y una de las obras maestras de la música rock.
Originarios de la ciudad de Chicago, esta banda solo publicaría un álbum en 1982, pero mucho antes de su lanzamiento, ofrecieron una serie de conciertos en el Aragon Ballromm de Chicago entre 1977 y 1978, que muchos años años después en el 2002, fueron rescatados y reeditados como "There and Back Again".
La formación de Winterhawk estaba compuesta por el guitarrista Jordan Macarus, el bajista Doug Brown, el guitarra Steve Brown y el batería Steve Tsokatos.
En esos años y gracias a sus incendiarios directos, son reclamados para telonear a bandas de primer nivel como Black Oak Arkansas, Steppenwolf o Budgie entre otras.
Parte de los temas interpretados en este directo fueron a parar al mencionado y único álbum publicado cuatro años después y que llevaría por titulo “Revival”.
En esta espectacular grabación en directo ya muestra el dominio del inconmensurable Jordan Macarus con las seis cuerdas, repartiendo toneladas de riffs y solos de guitarra por doquier, y con el resto de la banda mostrando una musculosa instrumentación de poderío y contundencia.
Potentes y enérgicos temas de hard rock como "Sanctuary", "In The Wake Of Things Yet to Come", "Hammer And The Axe", "Creatures Of The Sea" o "Off The Bat", conforman esta colosal grabación.
"There and Back Again", es en definitiva uno de los álbumes imprescindibles para todos los amantes del oscuro y olvidado hard rock clásico de los 70.
que sobresalieron por una excelente técnica instrumental y una gran imaginación y talento en sus logradas composiciones.
Con un estilo que estaba influenciado por una gran variedad de sonidos, entre los que estaban el folk, el pop y el jazz, en sus dos únicos álbumes se observan de manera bastante obvia la sombra de las grandes del genero británico como KC, Yes o Genesis, pero también la de sus compatriotas Kansas, con ese regusto por el rock norteamericano.
Fundada en Fort Wayne en Indiana en 1973, su formación estaba compuesta por Duncan Hammond; órgano, moog, Mellotron y demás teclados, el también teclista Michael Ponczek, el guitarrista y voz, Wils Sharpe, el bajo Brad Stephenson y el batería Mark Richards, además de Gerg Riker en otros instrumentos.
En 1974 tuvieron la suerte de fichar por una de las grandes discográficas como la Capitol Records y se trasladan a Nueva York donde graban su primer álbum, el cual esta compuesto por ocho cortes escritos en su totalidad por Sharpe.
Este primer lanzamiento titulado “Ardour”, es un ejemplo de una perfección instrumental muy equilibrada, en donde también se observa el talento de todos sus miembros con sus interpretaciones instrumentales.
Aunque su sonido sinfónico es evidente, la variedad de instrumentos utilizados y la alternancia de sonidos es bastante elocuente, con grandes sonidos de mellotron, flautas, órgano y guitarras, creando atmósferas en algunos casos caóticas por la gran cantidad de sonoridades. Las armonías vocales se asemejan a Yes o Gentle Giant, mientras que las partes de teclados tiene ese sabor a los Genesis mas añejos, sin dejar de mencionar los arabescos riffs de guitarras en clara sintonía con Steve Howe de Yes.
La inicial “Intrepid Traveler” es una buena muestra al sonido complejo heredado de los mencionados Yes, mientras otros cortes como las progresivas “Atlantes”, “The Spirit Of Music”, “Sapce Brothers” o la melódica “E´Mocean” completan un álbum que pese a su enorme calidad paso desapercibido para la comunidad progresiva de la época.
Un año mas tarde llegaría su segundo y ultimo trabajo “Open Up” el cual sigue por una senda continuista ofreciendo temas de gran calibre como la crimsoniana “Pimp City”, la soberbia “Star Anew”, la espesa “Memories” o la compleja “The Players (Of The Game)”.
Del “The Dark Side Of The Moon” se ha hablado y comentado hasta la saciedad, quien no conoce o no ha oído hablar de esta obra maestra absoluta de la música contemporánea?.
Su legado ha traspasado las fronteras de estilos y modas, logrando con ello ser una de las diez mayores obras maestras musicales del siglo 20.
Para ello la banda se encomendaría a los astros galácticos y mas concretamente a la luna y su lado oscuro, un álbum que muestra una célula sideral fecundada de arte por los cuatro costados, donde hay cabida para la experimentación y la vanguardia, una obra maestra de la creación, capaz de transmitir un universo de sensaciones y vivencias, la cual logra manipular los estados de animo de los que descubren su música.
Musicalmente esta repleto de texturas, pasajes sorprendentes de pasmosa intensidad y una cristalina delicadez, que lograría al mismo tiempo, crear una nueva concepción del sonido.
Un álbum que batió todos los récords posibles, los cuales muchos aún no han sido superados, además de sus asombrosas ventas, lo cual lo coloca como uno de los mas vendidos de la historia (mas de 50 millones), numerosos números unos alrededor del mundo, con muchos años en las listas de éxitos, una gira posterior apoteósica, con mas de 14 meses consecutivos por medio centenar de países presentando el álbum, infinidad de premios entre los que están el que fuera premiado como el mejor disco del año, la mejor producción, la mejor portada o el mejor single ("Money"), y sus cuatro miembros los mejores en sus respectivos instrumentos.
Además fue el primer álbum en la historia en ser grabado totalmente en formato cuadrafónico.
Estructurado a modo conceptual, esta repleto de efectos de sonido, desde la inicial “Eclipse” hasta el epilogo “Speak To Me”, pasando por la apabullante y rítmica “Money”, la soberbia “Time”, la hermosa “Us and Them” o la sugerente “Breathe". En definitiva un fascinante recorrido por una trama de un hombre condenado a la locura. Detrás de los controles de grabación estuvieron algunos de los mas grandes ingenieros de la historia como Alan Parsons o Chris Thomas, además de los estudios Hipgnosis, quienes fueron los encargados del diseño futurista de su icónica portada.
Si “Blow by Blow” había supuesto una combinación de sus dos facetas en las que fusionaba el poderoso rock con el blues aderezado con elementos de jazz y funk, en este “Wired”, Beck sigue en esa tónica pero cediendo el protagonismo a la hora de componer el nuevo material a otros músicos, como en este caso al teclista Max Middleton y al baterista Narada Michael Walden, que junto a Jan Hammer en los sintetizadores y al bajista Wilbur Bascomb cerraban la formación con la que grabaría este álbum.
Un disco que cuenta con temas del calibre de “Led Boots”, intenso y poderoso, o la jazz rock “Blue Wind”, la lograda versión de Charles Mingus “Goodbye Pork Pie Hat”, la sentida “Love Is Green”, o las jazz funk “Come Dancing” y “Head For Backstage Pass”, todas ellas con prodigiosas intervenciones de Jan Hammer, Narada Walden y la técnica virtuosa con las seis cuerdas del propio Jeff Beck.
Como ocurriría con el anterior “Blow By Blow”, alcanzaría el disco de platino por sus ventas, aunque no lograría superarlo en las listas del Billboard.
Aquí los integrantes de la formación le dejaron a su lider Pye Hastings, el camino libre para volvieran a la senda del rock, con un sonido mas melódico y coherente en donde había cabida para los sonidos folk y ritmos mas dinámicos.
En esta ocasión la banda estaba formada por Pye Hastings, David Sinclair, John G. Perry, Richard Coughlan y Geoffrey Richardson, este ultimo un destacadísimo instrumentista de la Viola, el cual dio mucha mas profundidad al estilo musical del grupo.
Las magnificas guitarras y los grandes teclados, impregnan todo el álbum en donde sobresalen la melódica “Memory Lain, Hugh”, la simple pero efectiva “The Dog, The Dog, He´s at it Again”, la epopeya “L´Auberg Du Sanglier”, o la densa y antológica “C´Thlu Thlu”.
“Chicago Transit Authority” como así se titula este trabajo, para mas inri en doble álbum y que homónimamente se llamaba igual que la banda en sus comienzos, es una ecléctica mezcla de jazz y rock and roll poderoso y enérgico que ofrecía unos arreglos jazzisticos bajo el embrujo de las guitarras rock, enfatizando los dos estilos de manera tan profunda como singularmente notable.
Por un lado estaba el típico grupo de rock compuesto por el guitarrista y voces Terry Kath, el teclista y voz, Robert Lamm, el bajista y voz Peter Cetera y el baterista Danny Seraphine y por otro el contundente trío de metales compuesto por Lee Loughnane, James Pankow y Walter Parazaider. Esta fusión de rock y jazz también lograría memorables momentos con temas pegadizos muy cercanos al pop, que fueron las favoritas de los fans mas entusiastas.
Cortes como “Does Anybody Really Know What Time It Is?”, “Beginnings”, “Question 67 And 68”, o la clásica versión de Steve Winwood, “I´m A Man”, mostraban unos arreglos muy ajustados y contagiosos que contrastaban con las rock vertiginosas con un fondo de blues “Introduction” y “South California Purples”, así como la extendida jam improvisada “Liberation” de pura liberación instrumental por parte de todos los miembros de la banda.
Mientras la faceta vanguardista esta presente en las experimentales y complejas “Free From Guitar”, “Prologue, August 29, 1968” y “Someday” , todas ellas con un claro mensaje político muy emotivo.
Este primer álbum lograría encaramarse hasta el numero 17 en las listas norteamericanas y un noveno puesto en las británicas, consiguiendo varios discos de platino por sus abultadas ventas a nivel mundial.
Sin embargo aquí aparecen varios temas inéditos que fueron grabados en estudio, como la calypso pegadiza “Brown Street”.
En este doble Lp aparece la formación mas heterogénea de la banda, la cual crearía algunas de sus mejores obras y que estaba compuesta por Joe Zawinul (teclados), Wayne Shorter (saxo), Jaco Pastorius (bajo), Peter Erskine (batería), además de Erich Zawinul (percusión) como músico invitado.
Considerado uno de los mejores documentos históricos en vivo del jazz rock, su repertorio esta repleto de sublimes composiciones como sus clásicos “Birland”, “Black Market”, la soberbia versión de Miles Davis, “In A Silent Way”, la sutil “A Remake You Made”, la enorme “Scarlet Woman” o el antológico “Medley: Badia/Boogie Woogie Waltz”.
“8.30”, titulo tomado de su acostumbrada hora de comenzar sus shows, obtuvo el premio Grammy al mejor álbum de jazz y una sorprendente tercera posición en las listas del Billboard Jazz Álbum y varios discos de oro por sus ventas a nivel mundial
Hasta la llegada de este lanzamiento, Whitesnake se habían caracterizado por los sonidos influenciados del hard rock blues con elementos del boogie rock, con ciertas similitudes a bandas como Deep Purple o Led Zeppelin.
Sin embargo la banda que grabaría este nuevo álbum seria totalmente opuesta a la que firmara esa época de blues rock anterior. Aquí ya no estaban Jon Lord, Ian Paice, Micky Moody, Bernie Marsden o Mel Galley, es decir sus integrantes mas icónicos, los cuales encumbraron a Whitesnake como una de las mejores formaciones de la historia del hard rock.
En este nueva entrega la banda estaba formada por su líder, el carismático David Coverdale a las voces, que junto a Neil Murray eran los dos únicos supervivientes de esa época, cerrando la formación el guitarrista John Sykes y el baterista Aynsley Dunbar.
Además en el proceso de grabación también participarían Don Airey y Bill Cuomo a los teclados, los guitarristas Adrian Vanderberg, Vivian Campbell y Dan Huff y el batería Denny Carmassi, mientras los ingenieros de sonidos Mike Stone y Keith Olson fueron los productores del álbum.
“1987” contiene una sabia mezcla del hard rock setentero combinados con los sonidos mas modernos de la década de los ochenta, en donde los sintetizadores y teclados cobran un gran protagonismo, todo ello con poderosos y contundentes riffs de guitarras como queda demostrado en la zeppeliana “Still Of The Night”, las melódicas "Give Me All Your Love" y "Crying In The Rain", la soberbia “Is This Love” o la añeja “Here I Go Again”.
La recepción posterior del álbum lograría unas ventas superiores a los diez millones de copias a nivel mundial.
"Absolutely Live" es uno de los mas fascinantes dobles en directo de los años setenta, que entre lo mas llamativo esta el que no incluye ninguno de sus hits en las listas de éxitos, lo que demuestra su carácter original y demoledor.
Aquí sobresalen algunas versiones de Bob Diddley y Willie Dixon, demostrando con ello, dónde estaban sus raíces.
Un directo que se inicia con el clásico de Bob Diddley "Who Do You Love", que la banda llevan a su campo, y continúa con un “Medley” compuesto por las canciones “Alabama Song”, “Black Door Man”, “Love Hides y “Five To One”, que culmina en uno de los momentos épicos del álbum con "When The Music Over".
Luego llega el turno del fantástico "Break On Through" y sorprenden con la soberbia "The Celebration Of The Lizard", poema épico musical de 14 minutos de duración, que rematan soberbiamente con una extendida versión de "Soul Kitchen".
Con este doble en directo, The Doors demostraron que fueron únicos incluso para grabar álbumes en vivo, todo una obra maestra absoluta de la música rock.
Formados a principios de los setenta, su formación estaba comprendida por el guitarrista y voz, Rainer Geuecke, el guitarra rítmico Hilmar Szameitat y la sección rítmica compuesta por el bajista Werner Hofmann y el batería Wolfgang Barak.
Influenciados por el hard rock blues británico de finales de los 60 y principios de los 70, con ciertos elementos progresivos, Chicken Bones mostraron una gran creatividad y un gran talento instrumental con un claro enfoque al jam guitarrístico, demostrado en la gran variedad de solos y riffs que durante todo el álbum se deja notar de manera predominante
El debut y al mismo tiempo único trabajo de esta banda podría describirse como un ejemplo del heavy y hard rock temprano, que sin embargo no tuvieron la continuidad ni el reconocimiento que se merecieron en su momento.
Este álbum fue grabado en los estudios Blackfield de Ostring en Bochum, en el estado de Renania del Norte, muy cerca de la frontera con Holanda y no grabado en directo como su extraño titulo deja entrever y en el destacan la boogie rock acelerada “Feeling”, la psicodélica “I´m Falling”, la progresiva “Water”, la hard rock “Factory Girl” o la melódica “Drive”.
Después de este lanzamiento la banda se reconvertiría en otra llamada Revanche, mas orientados al heavy metal y que tuvieron una carrera que duraría hasta mediados de la década de los ochenta.
Para este nuevo LP, Gabriel contaría con la colaboración de los guitarristas Nile Rodgers, David Rhodes, Bill Laswell y Daniel Lanois, los bajistas Tony Levin, Jerry Marotta y Larry Klein, los baterías Stewart Copeland y Manu Katché y las vocalistas Laurie Anderson y Kate Bush, además del cantante senegalés Youssou N´Dour, entre otros muchos mas.
La contagiosas “Sledgehammer” y “Big Time”, auparon al álbum hasta las primeras posiciones de las listas, alcanzando un segundo lugar en el Billboard 200 y el primer puesto en las listas británicas. Sin embargo “So” no solo vivía de estas irresistibles canciones con ese sonido pop rock accesible y pegadizo, en el también aparecían la apacible e hipnótica “Don´t Give Up” cantado a dúo junto a Kate Bush, la añeja “Red Rain” o la atmosférica “Mercy Street”.
“So” lograría unas ventas superiores a los siete millones de copias a nivel mundial, y supuso el trabajo mas exitoso de toda la carrera del músico británico.
Fue justo durante esa gira cuando se gestaría su siguiente movimiento discográfico, este "Wheels Of Fire", el cual esta considerado uno de los mas grandes dobles álbumes de la historia y el canto del cisne de la banda.
En esta magna obra dividida en un disco en estudio y otro en directo, Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce logran alcanzar su mayor creatividad y al mismo tiempo se convirtieron en los máximos abanderados en sus respectivos instrumentos.
Producido por Felix Pappalardi y con los arreglos de Robert Stigwood, las sesiones de estudio fueron grabadas entre Londres y New York durante varios meses de 1967 y 1968.
Entre los nuevos temas que aparecen en el primer disco titulado "In The Studio" destacan las blues "Politician", "Sitting On Top The World", las psicodélicas "Those Were The Days" y "Pressed Rat And Warthog", las clasicas e inmortales "Born Under A Bad Sign" y "White Room" y la acústica "As You Said".
Mientras el segundo disco titulado secundariamente "Live At Fillmore West", fue grabado durante el mes de marzo de 1968 entre el Fillmore West y el Winterland de San Francisco y contiene cuatro soberbias piezas ejecutadas magistralmente por el trío como la mítica versión "Crossroads" de Robert Johnson, en donde Eric Clapton muestra su fantástico talento con las seis cuerdas.
Otra versión, esta vez de Willie Dixon, es "Spoonful", en la cual presenta la faceta jam de la banda, repleta de improvisación y gran feeling por parte de los tres músicos. Mientras los dos últimos cortes son la frenética blues rural "Traintime" y la experimental "Toad" con un espectacular solo de batería del gran Ginger Baker.
"Wheels Of Fire" es un álbum primordial y básico dentro de la historia del rock y una clara muestra del por que Cream es considerado el primer super-grupo y al mismo tiempo una de las mas grandes bandas de la historia.
Este formación surgida en una de las bases áreas norteamericanas ubicadas en el Reino Unidos, tomaron el relevo musical de Crosby, Stills and Nash por sus excelentes melodías de folk rock.
Compuesto por el británico Dewey Bunnell, y los norteamericanos Dan Peek y Gerry Beckley, tuvieron ya desde sus primeras obras, el beneplácito de los fans entusiastas a los sonidos melódicos del folk rock heredero de los mencionados CSN y el sonido guitarrístico del country rock de The Eagles.
Desde su enorme álbum debut “America” (1971) hasta “Hearts” (1974) el quinto publicado, irían apareciendo una irresistible colección de canciones que lograrían alcanzar los primeros puestos en las listas de éxitos de medio mundo y que gran parte de ellas aparecen en esta compilación, el cual contiene once de los hits mas importantes de la banda hasta ese año, como son "A Horse With No Name", "I Need You", "Ventura Highway", "Tim Man", "Lonely People", "Sister Golden Hair", “Daisy Jane”, “Muskrat Love”, “Sandman” o “Only In Your Heart”.
En este álbum la banda incorpora a su sonido el órgano y el saxo, instrumentos los cuales potencian el sonido característico de la Creedence, además de contener una serie de cortes mas complejos y con una producción mas refinada y compacta.
Temas como la brillante “Sailor´s Lament”, la angustiosa “Have You Ever Seen The Rain?”, la contundente “(Wish I Could) Hideway”, o la desenfadada “Born To Move”, contrastan con las mas previsibles del sonido característico de la Creedence, “Hey Tonight”, “Molina”, “It´s Just A Thought” y “Rude”.
En su recepción posterior “Pendulum”, lograría un quinto lugar en el US Billboard, consiguiendo un disco de platino por sus ventas, y a partir de aquí la banda seguirá como trío durante varios años mas, publicando el epilogo final en el año 1972 con el álbum “Mardi Gras”, el cual supuso su trabajo menos exitoso y el menos creativo de toda la obra de esta formidable agrupación, una de las mas grandes de la historia de la música rock.
Este único Lp titulado “Doing A Moonlight” (1976), esta repleto de preciosas melodías que combinan el soft rock con desarrollos instrumentales y los agradables sonidos del rock melódico.
Para la grabación de este único álbum, el grupo obtuvo la colaboración del saxofonista Jimmy Jewell, el teclista Clive John y el guitarra slide Ray Martinez.
Un disco que irradia un delicioso viaje por las soleadas costas de San Francisco y Los Ángeles, con una serie de temas irresistibles y ejecutados magistralmente como “Stay Out Of Town”, “Red Lights”, “Maybe Monday”, “Nito Bendito” o “Nobody Like You”, en donde la dualidad de las poderosas guitarras, el brillante sonido de los sintetizadores, la enérgica y sincronizada sección rítmica y las melodiosas voces, conforman un álbum que para muchos seguidores del genero, fue una de las mejores obras de aquella década, y que sin embargo pese a este enorme y prometedor debut, no tuvo la continuidad merecida.
Automatic Man, fueron una banda de corto recorrido originaria de San Francisco, la cual apenas publicaron dos interesantes álbumes en los años 1976 y 1977 y estaba formada por varios ex integrantes de la banda de Stomu Yamashta Go, ellos eran el ex batería de Santana, Michael Shrieve, el guitarrista Pat Thrall y el vocalista y bajo Doni Harvey, cerrando la formación el teclista Todd Cochrane.
Ellos no tuvieron ningún problema en conseguir que una discográfica se interesa inmediatamente por su proyecto, a tenor del pasado profesional de sus miembros, y fue así como la Island Records les contrato para la publicación de varios álbumes.
En su primer y homónimo álbum, la banda sigue una estela parecida a Go, con sonidos progresivos, funk, jazz, rock espacial y un estilo comercial cercano al pop rock
Un álbum que de alguna manera esta definido como obra conceptual con referencias mitológicas y en donde sobresalen cortes como la intro a base de sintetizadores "Atlantis Rising Fanfare", la cual es la antesala a la espectacular jazz rock "Comin´Through", otros cortes igualmente destacados son la psicodélica "My Pearl", la atmosférica "Newspapers", la space rock "One and One", la hard rock "Newspapers" o las monumentales y progresivas "Intersteller Tracking Devices" y "Atlantis Rising Theme".
Posteriormente con la misma e hipnótica portada, esta vez con un color rojizo en lugar del azulado del álbum debut, fue publicado un segundo en el cual ya no aparecen Shrieve ni Harvey sustituidos por el batería Glen Symmonds y el bajista Jerome Rimson, que con un resultado mas previsible de sonidos funk y pop rock, con menos espacio al vanguardismo y a los sonido progresivos y jazzisticos, termina por abocar el fin de la banda.
Después de disolverse definitivamente, Pat Thrall tendría una fructífera carrera participando en múltiples proyectos y bandas como Pat Travers Band, Meat Loaf, Asia, Glenn Hughes o Joe Satriani entre otros, mientras Todd Cochrane participara en cientos de grabaciones de otros tantos artistas como Peter Gabriel, Brand X, Jim Capaldi o PM y en una onda parecida ocurriría con el batería Shrieve quien ha colaborado en docenas de grabaciones de otros tantos artistas.
Sin embargo durante todos esos años, su líder Jeff Lynne no estaría en absoluto alejado de la música, sus múltiples proyectos y colaboraciones le llevaron a participar en la banda Traveling Wilburys junto a Bob Dylan, George Harrison, Tom Petty y Roy Orbison, con quienes lanzaran dos extraordinarios discos “Traveling Wilburys Vol.1” (1988) y Traveling Wilburys Vol.3” en 1990. Pero además de ello Lynne participo como co- productor en infinidad de trabajos, destacando entre otros “Mystery Girl” de Roy Orbison (1989), “Full Moon Fever” (1989) y “Into The Great Wide Open” (1991) de Tom Petty, “Cloud Nine” (1987) de George Harrison, o “Flaming Pie” (1997), de Paul McCartney.
En medio de todo ello, Lynne publico su primer álbum en solitario “Armchair Theatre” (1990) en donde recreaba de manera menos barroca los sonidos ampulosos de su banda madre.
Para la grabación de su duodécimo álbum; “Zoom”, Lynne recurriría a su antiguo compañero de banda, Richard Tandy en los teclados, los ex Beatle, George Harrison y Ringo Starr y a una serie de músicos de sesión, además de la producción del propio Lynne que al mismo tiempo canta, arregla y toca prácticamente todos los instrumentos por lo que muchos consideraron esta entrega como un álbum en solitario y no uno propiamente dicho de la ELO.
“Zoom" se caracteriza por el destacado protagonismo que tienen la guitarras y los teclados, con un sonido que se asemeja a su álbum debut o los que escuchamos en los álbumes de Tom Petty o George Harrison. Temas puramente rock como “Melting In The Sun”, “All She Wanted”, “Alright” o “Easy Money” contrastan con las elegantes “Ordinary Dream” o “Moment in Paradise” , mientras las mesuradas “A Long Time Gone” y “Stranger On A Quiet Street” nos acercan con sus arreglos orquestales a la mejor época de la Electric Light Orchestra.
A mediados de los 70 existían una larga lista de estas bandas afincadas en Londres, y una de ellas era UNO, que estaba formada por los hermanos Corrado y Danilo Rustici, ambos guitarristas que junto al saxofonista Elio D´Anna decidieron rebautizar la banda como Nova, reclutando para ello al bajista Luciano Milanese y al baterista Franco Lo Previte.
Ya en 1976 y bajo el sello Arista publicaron su primer álbum "Blink", un meritorio trabajo que sin estar totalmente definido mostraba un estilo jazz rock con largas improvisaciones y grandes interacciones de guitarra y un saxo suntuoso.
Casi a finales de ese mismo año "Vimana" se convertía en su segundo larga duración, un trabajo mas maduro, en donde la banda se enfocaba mas en las composiciones que en el trabajo instrumental de sus miembros.
A partir de aquí la banda sufre diferentes cambios de integrantes, entrando el teclista Renato Rosset, el batería Ric Parnell y el bajista Barry Johnson, en sustitución de Danilo Rustici, Lo Previte y Milanese respectivamente.
Con esta formación la banda graba y publica su trabajo mas exitoso y su obra cumbre "Wings Of Love", el cual se caracteriza por un cambio de dirección musical mas enfocado al jazz funk, debido en parte al estilo funky del bajista Johnson.
Un álbum que contiene una musicalidad exquisita cortesía de las impecables habilidades técnicas de todos los miembros del grupo, ofreciendo un repertorio cargado de jazz rock ágil y dinámico, al mismo tiempo que refinado.
Temas como la dinámica funk rock "You Are Light", se convierte en uno de sus momentos mas creativos, con unas armonías sedosas y un ritmo contagioso y pegadizo. La jazz fusión "Marshall Dillion" muestra la faceta enérgica de Nova, mientras que la soñadora "Blue Lake" es el momento mas intenso del álbum.
"Beauty Dream / Beauty Flame" contiene una suave melodía en donde se fusionan delicados toques acústicos y reflexivos sonidos exóticos.
El resto sigue una línea continuista con la funk vertiginosa "Golden Sky Boat", la trepidante jazz con ecos latinos "Inner Star" o la elegante "Last Silence".
"Sun City" su cuarta obra, publicada al año siguiente, volvería a presentar un estilo jazz funk pero derivado al jazz mas convencional y previsible.
Poco después de este ultimo lanzamiento la banda se disolvía definitivamente dejando tras de si cuatro álbumes repletos de tensión, energía y brillantez técnica, los cuales están considerados obras capitales dentro del genero del jazz rock europeo.
Seyffer era un cantante y batería alemán que había formado parte de diferentes bandas a lo largo de la década de los 60, y no seria hasta principios de 1970, cuando por fin lograría establecer una formación estable y definitiva, formando Nine Days´ Wonder. Ya a mediados de ese año completaría la formación del grupo, compuesta por músicos de distintas nacionalidades. A Seyffer lo acompañarían, el alemán Rolf Henning en piano y guitarra, el irlandés John Earle en saxo, flauta, guitarra y voz, el austriaco Karl Mutschlechner en el bajo, y el británico Martin Roscoe a la batería.
Todos estos músicos empezaron a trabajar creando un estilo experimental, con una base de fusión de diferentes elementos y distintas influencias convergentes esencialmente en el krautrock, con una marcada influencia de Frank Zappa y del rock progresivo británico de la época.
En 1971 entraron en los estudios Dierks y grabaron su álbum debut, un gran ejemplo del más extravagante y extraño rock progresivo alemán que se haya grabado jamás claramente inspirado en bandas como King Crimson, Frank Zappa, Soft Machine, Tráffic, Family o Deep Purple, entre otras muchas.
Semejante fusión de estilos esta reflejado en un disco que presenta unas largas y complejas composiciones de música progresiva, de jazz rock, sonidos frenéticos, música extravagante, riffs pesados de heavy blues rock y sonidos vanguardistas.
Todo ello fundamentado en una libertad creativa asombrosa, con voces alteradas, toques psicodélicos, efectos sonoros, ruidos y muchos momentos de total frenesí musical.
Este primer álbum se compone de cuatro extensos cortes que oscilan entre los 12 y 15 minutos de duración, empezando por "Fermillion", que a modo de los Monty Python muestra la locura, el dinamismo, la experimentación y la soberbia instrumentación progresiva de la banda.
A esta le sigue la intensa "Moss Had Come", la humorística "Apple Tree" y la vanguardista y espacial "Drag Dilemma", sin duda el corte mas destacado de un álbum sobresaliente y al mismo tiempo esquizofrénico.
Hay que reseñar que a diferencia del progresivo convencional, aquí no hay órganos ni mellotrones, ni siquiera sintetizadores, es decir tres de los instrumentos esenciales del progresivo, que son sustituidos por la formidable interacción entre los instrumentos de vientos y las guitarras.
En definitiva un álbum con una de las músicas mas perturbadoras de principios de los 70, que conjunta los sonidos trastornados de Frank Zappa y Captain Beefheart, la música medieval y de cámara y las sensaciones contundentes del hard rock.
Raw Material se fundaría en Londres en 1969 y su formación estaba comprendida por el guitarrista Dave Green, el batería Paul Young, el vocalista además de instrumentos de viento Michael Fletcher, el bajista Phil Gunn y el teclista Colin Catt.
Bajo el sello progresivo de la RCA, Neon Records, publicaron su primer y homónimo álbum en 1970, en donde la banda británica mostraba un conjunto fascinante de diversidad sonora con elementos de jazz, blues y música psicodélica, todo ello bañado con un trasfondo oscuro y atmosférico, que le otorgan un sonido vanguardista.
Un año después llegaría su segundo y ultimo álbum "Time Is", en donde refuerzan su propuesta progresiva, con un estilo cercano a lo que por entonces hacían bandas como Van Der Graaf Generator o los primeros King Crimson, fusionado con elementos de poderoso rock emparentado con sus coetáneos Uriah Heep o los germinales Deep Purple.
Este "Time Is" destaca por su enorme diversidad sonora que iban desde pasajes pesados con poderosas guitarras, sonidos de órganos y sintetizadores e instrumentos de viento como el saxo y la flauta, hasta desarrollos mas atmosféricos y sinfónicos.
Temas como "Insolent Day", "Empty House", "Ice Queen" o “Awakening", completaron un álbum que sin llegar a ser un clásico contemporáneo, contiene una solida colección de temas enfocados al progresivo temprano, pero que desgraciadamente no tuvieron mucha mas continuidad por su escasa repercusión comercial, por lo que Raw Material desaparecerían poco después de la publicación de este interesante álbum.
Uno de esas bandas eran la Barclay James Harvest, quienes en 1977 lanzarían uno de los álbumes mas bellos de la ultima parte de esa década.
Sin embargo en este “Gone To Earth”, el que hacia su séptimo álbum en estudio, se intuía ya, aunque de manera sutil, un cambio estilístico hacia derroteros mas comerciales, pero sin perder un ápice de su esencia progresiva, añadiéndoles incluso sonidos cercanos al folk.
Desde su icónica portada, una de las mas hermosas de esa década, la banda reflejaba perfectamente la música atmosférica que con progresiones rutilantes, se intuía en su interior.
Un álbum que contiene uno de los temas mas emblemáticos de BJH como es “Hymn”, una bellísima canción contra los peligros del consumo de drogas, interpretado sublimemente por toda la banda, pero sobresaliendo la guitarra de doce cuerdas de John Lees y unas voces irresistibles. En un tono melódico parecido esta la atmosférica "Taking Me Higher", mientras "Friend Of Mine" nos deja un regusto de country rock con un sonido cercano a The Eagles. La hermosa melodía etérea de "Love Is Like A Violin" da paso la serena y cósmica "Sea Of Tranquility", la solida y melódica rock "Hard Hearted Woman", la encantadora melodía de "Spirit On The Water" o la rock progresiva "Leper´s Song".
Mientras "Poor´s Moody Blues", inspirada en la famosa canción "Nights in White Satín" de los Moody Blues, fue la respuesta contundente a los continuos comentarios por parte de la critica británica comparándolos como una versión pobre de los Moody, en ella John Lees desnudaría la canción original hasta sus acordes básicos, y manteniendo la estructura, reconstruiría una versión diferente, la cual se convirtió en uno de sus mayores éxitos.
"Gone To Earth" lograría unas ventas superiores al millón de copias a nivel mundial y al mismo tiempo ocupa uno de los primeros puestos en la listas de álbumes que mas tiempo han estado en las listas de éxitos de Alemania, 197 semanas consecutivas, además de estar considerado una de las pequeñas joyas del pop rock-progresivo y venerado por los prog heads europeos.
Sin embargo este onceavo álbum fue producto de un hecho casual y oportuno debido al fracaso comercial que supuso el anterior “Indian Summer”, publicado en 1977.
Por aquel entonces la banda estaba formada por Paul Cotton, Rusty Young, Timothy B. Schmit y George Grantham, sin embargo poco después del lanzamiento del mencionado “Indian Summer”, Schmit recibe la llamada de The Eagles, para sustituir a Randy Meisner y con ello se sumaba así a la larga lista de músicos que abandonaron la banda, quedando esta, como trío y además en medio de una gran crisis creativa y de malos resultados comerciales.
Con este panorama Paul Cotton y Rusty Young deciden seguir por su cuenta, formando el grupo Cotton-Young Band, contratando para ello al batería Steve Chapman y al bajista Charlie Harrison. Una vez tuvieron el material suficiente para grabar un álbum, la discográfica ABC, propietaria de los derechos de autor de Cotton y Young, accede de buen grado a su grabación y posterior lanzamiento, siempre y cuando fuera firmado bajo el nombre de Poco. Esto provoca que el tercer miembro oficial de la banda, George Grantham quedara fuera de la nueva formación de manera unilateral.
Un álbum en donde destacan sobresalientes cortes envueltos en un estilo cercano al pop rock como las enérgicas “Boomerang” y “Legend”, la fascinante “Crazy Love”, la preciosa “Heart Of The Night”, la melódica “Spellbound”, la pop rock “Little Darlin” o las arrebatadoras “Love Comes Loves Goes” y “The Last Goodbye”, todas ellas evocando el sonido de bandas coetáneas como The Eagles, America o Crosby, Stills & Nash, por su irresistible juego de voces y sus melodías cristalinas y cautivadoras.
Comercialmente “Legend” se convirtió en su álbum mas exitoso, entrando en el top 20 del Billboard, logrando varios discos de oro por sus ventas y al mismo tiempo se convirtió en el que daba comienzo a su época mas comercial, con un previsible country pop enfocado a las listas de éxitos.
Con “Demons and Wizard” y “The Magician´s Birthday”, Uriah Heep se aseguro su posición dentro del mundo del rock, como maestros de heavy metal con influencias góticas, con unos álbumes que contienen una serie de temas afilados de hard rock combinado con otras de carácter progresivo, con desarrollos épicos y densos, cortes melancólicos y oscuros, y baladas sublimes repletas de belleza, todo ello envuelto de manera conceptual en viajes fantásticos y mitológicos como demuestran las dos portadas de carácter medieval e imaginario diseñadas por Roger Dean.
El comienzo de “Demons and Wizard” no puede ser mas espectacular con la melódica y grandilocuente “The Wizard”, a la que le siguen las hard rock “Traveller In Time” y “Easy Living”, o la compleja y sobresaliente “Circle of Hands”, para retomar el hard rock con dos nuevos trallazos como son “Rainbow Demon” y “All My Life”. Como colofón nos encontramos con la suite apoteósica “Paradise/ The Spell”, que dividida en varias partes, comienza de manera atmosférica y melancólica, para convertirse en un contundente tema de hard rock progresivo liderado por un órgano omnipresente y una guitarra al mas puro estilo floydiano.
Siete meses después la banda lanzaba “The Magician´s Birthday”, para muchos la continuación natural al anterior, e incluso muchos consideraron que los temas aquí incluidos, fueron desechados para el anterior “Demons and Wizard".
Fuera como fuera, este “Magician´s Birthday” sigue la estela conceptual de la mitología fantástica del anterior, y comienza al igual que aquel, de manera sublime con la poderosa hard rock “Sunrise”. El resto de temas son generalmente mas cortos y de estructuras musical menos complejas, a excepción del tema que da titulo al álbum, el cual retoma las historias de magias y fantasías históricas del anterior y muestra esa faceta de hard rock progresivo. Entre el resto destacan “Spider Woman” con ese tono boogie rock, la efectiva “Sweet Lorraine” o la nostálgica “Tales”, que junto a melancólica “Rain” y la oscura “Echos In The Dark” otorgan un tono mas sombrío y melancólico a este álbum, aunque bastante alejado musicalmente del mas vigoroso y animado predecesor.
Su primer álbum contaría con una formación que ya nunca se volvería a repetir en ninguno de los posteriores lanzamientos de la banda, compuesto por tres teclistas, Mark Klingman, Ralph Schuckett y Jean-Ives Labat, el bajista John Siegler y el batería Kevin Ellman, además de la guitarra y la producción del propio Todd Rundgren.
“Todd Rundgren´s Utopia” consta de cuatro temas, dos de ellos exceden de los diez minutos, mientras en el lado dos del Lp aparece una suite de media hora de duración. Un álbum repleto de sonidos de sintetizadores psicodélicos burbujeantes, baterías hiperactivas y unas guitarras abrasadoras, con sonidos que van desde el jazz rock mas enérgico, los sonidos contundente del heavy rock y unas estructuras progresivas y vanguardistas.
Rundgren conseguiría lo imposible con este álbum, superando a casi todas las demás bandas progresivas en términos de destreza instrumental y el tono épico, empezando por la monumental “The Ikon”, 30 minutos de rock progresivo de exceso total, la cósmica “Utopia Theme”, la dinámica “Freedom Fighters” y el funk aterrador y progresivo “Freak Parade”.
Un disco que funciona asombrosamente como lo hace, es solo producto de la mente de un genio como Rundgren, que junto a otros cinco talentosos músicos consiguieron realizar una de las obras maestras del rock progresivo de todos los tiempos.
Después de su exitoso álbum debut, Dire Straits tenían la posibilidad de consolidar de modo convincente que eran una de las bandas mas solidas y prometedoras de finales de los setenta y principios de los ochenta.
Con un Lp compuesto por nueve temas, Mark Knopfler intentaba dejar claro su propuesta y su estilo, aunque a posteriori recibiría unas malas criticas por parte de la prensa por considerarlo una mera copia continuista de su primer disco.
Con una portada mágica y ensoñadora, la cual obtendría el premio a la mejor portada del año concedida por la revista británica New Musical Express, este álbum se inicia con una magistral intro de guitarra de Knopfler en la sensacional “Once Upon A Time In The West”, con ese sonido heredado de J.J.Cale, a la que le siguen las intimistas “News” y “Where Do You Think You´re Going” o “Communique”, un guiño lejano al sonido del gran Bob Dylan. Mientras “Lady Writer” sigue una estela parecida al monumental “Sultans Of Swing”, pero sin llegar a su excelencia instrumental, mientras el álbum acaba con tres de las mejores composiciones del disco como son la folky “Portobello Belle”, la encantadora y oscura “Single Handed Sailor" y la irresistible con sonidos bluesy “Follow Me Home”.
Pese al varapalo de gran parte de la critica especializada, el álbum conseguiría alcanzar unas cifras cercanas al millón de copias vendidas a nivel mundial.
Su formación original estaba comprendida por el vocalista Peter Filleul, quien además se encargaba de los teclados y las guitarras acústicas, el batería Jerry Robins, el bajista y voces Mark Ashley, el guitarrista Craig Anders y el cantante y segundo guitarrista Pix.
Su estilo estaba impregnado de coloridos arreglos y una gran variedad de sonidos, todo ello envuelto en un pop-rock suave y melódico, con unas destacadas voces armónicas.
Su único álbum titulado "Is A Friend?" comenzaba con la enérgica "Forgotten Dreams" en donde destacan un tintineante órgano hammond y los poderosos riffs de guitarras, la siguiente "Pretty Haired Girl, es una memorable y brillante pieza pop, mientras la somnolienta bluesy "Springs Sweet Comfort" muestra el lado psicodélico de The Parlour Band. En el resto del álbum destacan la alegre "Follow Me", la celestial y bucólica "Evening", la folk pop "Don´t Be Sad" y la mini suite con tonos progresivos "Home", con la cual dan por finalizado un magnifico y olvidado trabajo de una banda que después de este lanzamiento cambiarían su nombre por The O Band, con un estilo mas enfocado hacia los sonidos del rock melódico, publicando una serie de interesante discos hasta que en 1977 se disolvieron definitivamente.
Ejemplos hay muchos, desde los que fueron exitosos como el “Out Of Hell II” de Meat Loaf, o el “Tubular Bells II” de Mike Oldfield o hasta los rotundos fracasos o que fueron duramente criticados como “The Final Cut” de Pink Floyd, una clara secuela de The Wall, entre otras muchas.
En 1997 después de 20 años y siete álbumes de estudios, Jean Michel Jarre decidió continuar su antológico debut “Oxigene” de 1976, con una secuela a la que titulo “Oxigene 7-13”, en referencia a los naturales movimientos cronológicos que siguen al álbum original, el cual consta de seis piezas.
En esta continuación, Jarre muestra muchas similitudes entre ambos álbumes, con una producción dominada por los patrones melódicos habituales en el músico francés, sin que por ello suenen los típicos clichés, ni intente repetir los mismos esquemas sonoros, dándole un enfoque mas moderno debido a los sonidos tecnológicamente mas avanzados. Sin embargo Jarre renuncia en gran parte del elemento pasional original, sustituyéndolo por una considerable emotividad y un mayor dinamismo, logrando un álbum refinado y muy atractivo, aunque sin lograr superar su asombroso debut.
Tras tres discos legendarios como son su debut “On Time” de 1968 y los posteriores “Grand Funk” (1969) y “Closer To Home” (1970), la banda de Michigan se encontraba en su máximo apogeo con esa combinación de blues, psicodelia, boogie rock y hard rock primitivo con acercamientos al funk y al soul mas visceral, enalteciéndolos con todo ello a la cúspide de la música rock de principios de los 70.
En esta cuarta entrega la banda formada por Mark Farmer, Mel Schacher y Don Brewer, tuvo al habitual Terry Knight en las labores de producción y fue grabado durante el mes de marzo de 1971 y publicado un mes mas tarde por la Capitol Records. En el la banda muestra un elaborado y pulido sonido que si bien les resta la vigorosidad y la furia que habían mostrado hasta esos momentos, también es cierto que es mucho mas accesible y comercial.
La refinada “Country Road”, abre este álbum mostrando todo lo anteriormente dicho, mientras la psicodélica “All You´ve Got Is Money”, muestra las virtudes de Mark Farmer con su lisérgica guitarra y su desgarradora voz. En la seductora “Comfort Me”, se observa la multifacética creatividad del grupo con una sus mejores composiciones. Cerrando la primera cara, esta el tema de Traffic “Feelin´Alright”, aquí versionado de manera brillante con ese toque hipnótico y adictivo.
Ya en la parte final se encuentran la soul rock “I Want Freedom” y la atractiva medio tiempo “I Can Feel Him In The Morning”, que son la antesala de la demoledora versión del tema de The Rolling Stones “Gimme Shelter”, concluyendo un álbum que fue pasto de las criticas por su alejamiento de la visceral propuesta original de sus primeras obras, pero con una gran acogida por parte de sus fans y del publico en general, logrando con ello un extraordinario sexto puesto en las listas del Billboard norteamericano.
No obstante tres de los temas de este álbum serian utilizados posteriormente en una película de serie B norteamericana, titulada "Black Angels", una biografía no oficial de los míticos “Hell Angels”.
La formación de Mad Dog estaba compuesta por el guitarrista y voz, Howard Leese, el bajista Terry Gottlieb, el batería Steve Goldstein, el guitarra rítmico Vincent Murphy y el vocalista Gary Witkosky.
Durante sus primeros años, esta banda fue telonera entre otros de Captain Beefheart and The Magic Bus, y sus actuaciones no pasaron inadvertidas para algunos productores como Toomy Coe, un aventajado alumno de Phil Spector quien les produjo este álbum utilizando una novedosa tecnología llamada “Phasing Sound”, un sistema muy parecido al “Wall Of Sound” que el propio Phil Spector había creado por esa misma época.
Mad Dog estuvieron durante varias semanas en los estudios Mark IV de Los Ángeles y completarían este "Down Of The Seventh Sun", en el cual destaca la intervención del teclista de Ray Charles, Bags Costello, además de las coristas Clyde King, Venetta Field y Maxione Waters. Una vez grabado, los derechos de este álbum fueron comprados por diferentes compañías discográficas, pero por alguna razón, ninguna de ellas se decidió a publicarlo de manera oficial, pese a la calidad del mismo.
Posteriormente y sin un contrato discográfico, la banda desanimada decidió separase definitivamente. "Down Of The Seventh Sun" esta compuesto por una serie de cortes deudores del sonido californiano del acid rock y dejaron su impronta en temas de gran calibre como la sudorosa "Military Disgust", las folk rock "Suite For Two Guitars" y "For Huachuca Blues", la psicodélica "Ala Ala" o las hard rock "Everything´s Alright" o "The Fast Song".
Menospreciado y olvidado en los almacenes de las discográficas, "Dawn Of The Seventh Sun" fue postergado durante décadas hasta que muchos años después el sello RD Records hizo justicia y reedito este interesante álbum perdido en diferentes formatos como el CD y el vinilo.
Algunos años después Howard Leese seria uno de los fundadores de la mítica banda norteamericana Heart, con quienes publicaría algunos de los mejores discos del hard rock melódico de las décadas de los setenta y ochenta.
Su formación estaba compuesta por el teclista Jacques Roman, el batería Victor Bosch, el bajista Philippe Roman, el guitarrista Gibert Gandil y el flautista y instrumentos de cuerda Rooland Richard.
Su debut discográfico llegaría en 1974 con el álbum “Polen”, el cual obtuvo unas favorables criticas pero al mismo tiempo sería un fracaso comercial. Dos años después regresaron con un segundo álbum “The Strands Of The Future”, uno de los hitos de la música progresiva gala en los años 70, el cual enriqueció el genero vanguardista en el mercado francés y europeo.
Influenciados claramente por el sonido de Pink Floyd, Pulsar rebosan de una personalidad propia y única, con esas obvias reminiscencias hacia la banda británica con su sonido atmosférico, etéreo y espacial.
En este segundo lanzamiento los movimientos de flauta tiene un uso mas marcado, que junto a los arreglos acústicos, las capas de sintetizadores y los mellotrones, dan un sonido ensoñador en donde se mezclan sonidos especiales, melodías psicodélicas y ambientes melancólicos.
Con la llegada de un nuevo bajista, la banda publica su tercer álbum “Halloween” tres años mas tarde, el cual esta considerado su mejor obra. “Halloween” consta de dos suites de múltiples movimientos, en las que la fascinación por los sonidos sinfónicos seguía creciendo, pero con el añadido de unos tonos mas densos y lúgubres.
Si con "The Strands Of The Future” el grupo lograba su madurez en busca de un estilo y un sonido propio, con “Halloween” fueron mucho mas allá, evolucionado hasta llegar a la conclusión de que esta es una de las joyas indiscutibles del progresivo francés, cuya especial belleza e inquietud es asombrosamente perfecta.
Considerado uno de los mejores álbumes del jazz fusión abstracto, con sonidos electrónicos, poli ritmos africanos y una soberbia producción psicodélica, que presta mucha atención a cada detalle, para crear un estilo de jazz futurista. Un álbum que después de cuatro décadas sigue sonando increíblemente adelantado a su tiempo.
Compuesto por solo tres cortes, la primera cara esta enfocada en la extensa "Sleeping Giant", una enorme suite africana futurista que alterna intensas improvisaciones de avant-funk con partes mas oscuras. La interpretación de Herbie Hancock durante las improvisaciones abstractas son increíblemente intensas y muestra cómo es el maestro en la construcción de unos sonidos unidos y originales, demostrando que también es un genio de la composición y las orquestaciones modernas, utilizando su sección de trompetas y la electrónica para construir texturas mini-orquestales que recuerdan a clásicos como Stravinsky y Ravel. La capacidad de componer a un nivel tan sofisticado, es una de las cosas que hace que Hancock y los miembros de su banda “The Sextant”, estén a un nivel por encima de otros conjuntos psicodélicos de su época.
La segunda cara esta exclusivamente dedicada al virtuoso de los instrumentos de viento Bennie Maupin, quien también demuestra que sabe escribir y orquestar, al convertir dos increíbles y soberbias piezas en unas deliciosas melodías para los oídos.
La que primero aparece es la tensa y misteriosa "Quasar", la cual presenta una melodía de soprano futurista que es similar a la melodía clásica de Star Trek. Gran parte de la interpretación de esta canción es abstracta e improvisada, pero los músicos se mantienen tranquilos y concentrados y evitan los clichés indulgentes de improvisación. La música resultante es delicada y sensible, muy lejos del cliché del avant-jazz 'freak out', con unas melodías que a menudo nos recuerdan a Moussourgsky, Stravinsky y otros tantos del sonido de la música de cámara rusa o francesa de principios del siglo XX.
La segunda cara se cierra con "Water Torture", en la que una línea de bajo profunda y lenta doblada en el clarinete bajo suena como un cruce entre un ritmo funk lento y una composición rusa oscura, destacando la electrónica del Mellotron a cargo de Hancock y una sección de trompetas cuidadosamente orquestada logrando con ello un sonido orquestal futurista.
Sin embargo y a pesar de las soberbias interpretaciones instrumentales y la enorme composición, es el productor David Rubinson, el verdadero protagonista de este álbum, uno de los mas meticulosamente producidos con todas y en cada una de las notas, las reverberaciones, los ecos, el volumen…un trabajo titánico de minuciosidad al milímetro, consiguiendo con todo ello una obra maestra sonora absoluta
