Ambrosia son sin duda una de las bandas mas exquisitas y refinadas que hayan existido jamás, sus fabulosas armonías vocales, sus melodías pegadizas, a la vez que complejas y arregladas y sus composiciones impactantes los colocaron en la cúspide de los sonidos del pop sinfónico de los setenta.
Ya en un anterior post se relata una pequeña biografía de esta sobria y exquisita banda, por lo que aquí solo vamos a centrarnos en su primer y antológico álbum debut.
Publicado en 1975 bajo el sello Warner Bros. y bajo la supervisión en las labores de producción de Alan Parsons, en esta primera entrega Ambrosía muestra un híbrido entre las complejidades instrumentales de bandas como Yes y las armonías vocales y melódicas de The Eagles.
Con un soberbio trabajo de guitarras y teclados, Ambrosia muestra en este debut una gran creatividad que navega entre el sincronismo mas arraigado y el pop mas adictivo.
La psicodélica y a la postre su tema mas emblemático "Nice, Nice, Very Nice", es la que inicia este álbum de manera extraordinaria, mientras la melódica "Time Waits For No One", pone el color folk con esos sonidos de las balalaikas y el sabor inconfundible de la década de los sesenta, la funk pop "Holdin´On To Yesterday" y la country acid rock "World Leave Me Alone", son el contrapunto a la bucólica "Make Us All Aware". De entre el resto de cortes destacan, la mas cercana a los sonidos blues "Mama Frog", con un ritmo bluesy y funk sobre unas estructuras jazzisticas y la deudora de los sonidos sureños "Drink Of Water", un himno pacifista y que se convierte en el mejor epilogo para cerrar este álbum.
Este seria el lanzamiento de Ambrosia mas creativo y progresivo, que poco a poco se iría derivando hacia sonidos mas comerciales e intensos pero de innegable calidad hasta 1982, año en el que lanzaron el quinto y ultimo álbum.
Y seria Stephen Stills quien primero moviera ficha creando una nueva banda llamada Manassas, para lo cual llamaría al ex Byrds y ex Flying Burrito Brothers, Chris Hillman, al también ex Flying Burrito Brothers, Al Perkins y algunos de los músicos que habían participado en las grabaciónes de “Deja Vu”, como el batería Dallas Taylor y el bajista Fuzzy Samuels.
Con la incorporación de varios integrantes mas, entre los que estaban Paul Harris, quien por entonces pertenecía a la banda de B.B.King como organista y al percusionista ex Pacific Gas and Electric, Joe Lala, además de las colaboraciones especiales de varios músicos invitados como el bajista de los Rolling Stones, Bill Wyman, el líder de Grateful Dead, Jerry Garcia a la pedal steel guitar y Malcolm Cecil en los teclados, entran en los estudios Criteria de Miami y graban el doble álbum “Manassas”, el primer trabajo de esta súper banda de country y rock.
Dividido en cuatro caras con diferentes subtítulos, este primer álbum titulado homónimamente fue uno de los grandes lanzamientos de la década y aún hoy en día sigue considerado un lanzamiento extraordinario.
En la cara A del primer disco, titulado “The Raven”, podemos disfrutar de una mezcla de rock con fusiones latinas y entre las que destacan “Song Of Love”, con el sonido inmenso de las guitarras de Stills y Perkins, la fascinante “Rock & Roll Crazies / Cuban Bluegrass”, la jam rock “Both of Us” o la meritoria “Anyway”. Los sonidos campestres y rurales aparecen en el segundo disco “The Wilderness”, en ella aparecen cortes que se mueven entre los sonidos del country y el bluegrass como “So Begins the Task”, “Fallen Eagle, “Colorado” o “Don´t Look at My Shadow”.
Para el tercer disco titulado “Consider” los sonidos son orientados al folk rock con destacados temas como “Johnny´s Garden”, “It´s Doesn´t Matter” o "The Love Gangster”.
Cerrando este doble álbum con el cuarto disco subtitulado “Rock & Roll Is Here”, que como su titulo deja entrever es un homenaje a los sonidos blues y rock que comienza con las deudoras a los sonidos de los mejores CSNY, “Waht to Do” y “Right Now”, la epopeya jam “The Treasure” y la blues acústica “Blue Man”, esta ultima dedicada a tres de los grandes rockeros que habían fallecido en los anteriores dos años, el guitarrista Jimi Hendrix, el cantante Al Wilson de los Canned Heat y el guitarrista de los Allman Brothers, Duane Allman, todo un soberbio colofón a un álbum tan grande y apoteósico como la carrera de todos los legendarios músicos que intervinieron en su elaboración.
Originarios de Columbus en Ohio, su orígenes se remontan a mediados de 1969 cuando el guitarrista Craig Fuller, el bajista Jim Lanham y el batería Tom McGrail fundan una banda a la cual denominan Pure Prairie League.
Después de conseguir un contrato con el sello RCA, reclutan al guitarrista John David Call y graban su álbum debut que fue lanzado a principios de 1972.
Ya en este primer lanzamiento aparece en la portada el icónico “Luke”, un personaje ficticio, obra del famoso ilustrador Norman Rockwell, el cual se convierte en el distintivo del grupo.
Pese al buen repertorio de country rock de este primer álbum, este pasa totalmente desapercibido, lo que anima a la banda a componer y grabar un segundo álbum “Bustin´Out”, que saldría publicado a finales del mismo año 1972.
Sin embargo para este segundo disco la banda había sufrido algunos cambios, quedando solo Fuller como miembro fundador, conformado el resto por el baterista William Frank Hinds y el guitarrista George Ed Powell, además de las colaboraciones del guitarrista de la banda de David Bowie, Mick Ronson, el teclista Michael Connor o el bajista James Rolleston entre otros músicos.
Este vez lograrían mejores resultados gracias a su single “Amie” que alcanzaría entrar en las listas y a un repertorio de grandes canciones.
En los sucesivos años la banda mantendría una privilegiada posición en el mundo del country rock norteamericano publicando una serie de álbumes interesantes como “Two Lane Highway” (1975), “If The Shoes Fits” (1976), “Just Fly” (1978) o “Firin ´Up” (1981), en este ultimo suavizaban su propuesta con un country rock mas comercial logrando su mejor posición en las listas de éxitos.
Un año después llegaría su ultimo trabajo “Something In The Night”, con el cual la banda se disolvería hasta el año 2005, cuando volverían a reunirse para publicar “All In Good Time...”, la ultima obra de esta banda norteamericana.
Durante todos estos años Pure Prairie League han dejado tras de si una serie de álbumes y canciones que son parte de la historia del country rock como “Amie”, “Two Lane Highway”, “That´ll Be Tha Day”, “I Can´t Stop The Feelin” o “Let Me Love You Tonight”, convirtiéndola en una de las indiscutibles bandas de culto norteamericanas.
Hasta la llegada de este disco, nadie había sonado como Led Zeppelin lo logran aquí, basado en unos simples riffs de guitarras, solos imborrables, unas voces frenéticas y gritonas y un ritmo de batería y bajo enérgico y explosivo.
Sin embargo, también levantaría cierta polémica al usar Jimmy Page, algunas partes de varias composiciones ajenas para armar pasajes de temas como el concepto básico utilizado en ”Danzed and Confused”, que tomaría prestado de Jake Holmes.
Las raíces blues son el denominador común de prácticamente todo el álbum, como la bluesy psicodélica “Danzed and Confused”, además de “You Shook Me” y “I Can´t Quit You Baby”, la folky blues “Babe i´m Gonna Leave You”, o las blues rock “How Many More Times” y “Good Times Bad Times”, mientras la cara poderosa de la banda esta presente en la hard rock “Communication Breakdown”, al mismo tiempo aparecen momentos mas idílicos como la reposada e hipnótica “Your Time Is Gonna Come”, o la folk instrumental “Black Mountain Side”. Considerado uno de los mejores 50 álbumes de la música rock, entre otras cuestiones por introducir nuevos conceptos, es al mismo tiempo uno de los discos mas vendidos de la historia, con unas ventas que superan con creces los 20 millones de copias a nivel mundial.
En esta nueva entrega la banda presentaba varias novedades con respeto a su anterior formación, para empezar su bajista fundador Glenn Cornick había sido sustituido por Jeffrey Hammond-Hammond, además se había ampliado con el teclista John Evan y por otro lado el arreglista David Palmer pasaba a pertenecer por derecho propio como miembro oficial de Jethro Tull después de varios trabajos como músico colaborador.
Estructurado a modo conceptual, “Aqualung" se divide en dos partes bien diferenciadas, una primera que trata la decadencia de la moralidad y el empobrecimiento de una parte de la población y una segunda en donde la religión y la hipocresía de la iglesia son dianas en el punto de mira de las sarcásticas letras de Ian Anderson.
Grabado en los reformados estudios de la Island en Londres, los cuales se habían dotado de la mas alta tecnología punta de la época, fue producido por el propio Ian Anderson junto a Terry Ellis.
Musicalmente se alternan los temas eléctricos con los acústicos, con un acercamiento en las primeras hacia los temas duros del hard rock progresivo como “Hymn 43”, “Cross-Eyed Mary”, “Locomotive Breath”, “My God”, “Wind Up” y el homónimo “Aqualung”, mientras la faceta folk esta presente en los cortes “Mother Goose”, “Cheap Day Return”, “Wond´ring Aloud” y “Slipstream”.
Con varios discos de platino por sus enormes ventas, alcanzando los primeros puestos en las listas a ambos lados del Atlántico, “Aqualung” se convirtió en su álbum mas aclamado para los fans del progresivo y recibiría las alabanzas de la critica musical de la época.
Por entones la banda liderada por el bajista y cantante Phil Lynott contaba en sus filas con el batería Brian Downey y los guitarristas Robbie Robertson y Scott Gorham, es decir la misma que había entrado en los estudios para los dos anteriores discos.
El repertorio de este doble fue extraído de diferentes conciertos ofrecidos durante finales de 1976 y los meses finales de 1977 durante las giras británicas y en Canadá y fue producido, no sin cierta polémica, (fue acusado de estar demasiado retocado en los estudios), por el productor Tony Visconti.
El repertorio que completa este doble Lp esta repleto de clásicos del grupo cargados de enérgico y explosivo hard rock, en donde las guitarras al unísono de Roberston y Gorham suenan poderosas y afiladas, mientras la sección rítmica contundente y precisa de Lynott y Downey, muestran el por que esta banda fue una de las mas grandes del genero. Cortes como “Emerald”, “Cowboy”, “Jailbreak”, “The Boys Are Back in Town”, “Dancing in the Moonlight” o “Still in Love With You”, conforman un directo espectacular y repleto de feeling, vigorosidad y poderío a raudales.
“Live And Dangerous” lograría colarse hasta la segunda posición en las listas británicas, consiguiendo varios discos de platino y unas ventas a nivel mundial que superaron el millón de copias, obteniendo con ello la obra mas exitosa de toda la carrera de Thin Lizzy y de paso convertirse en uno de los directos mas aclamados de la historia del hard rock.
Esta banda con una formación de tres guitarristas fueron una de las primeras que se movieron en el hard rock psicodélico con unas fuertes raíces en el R&B y en las sustancias como el LSD.
Parte de su formación venia precedida de otra banda bostoniana llamada The Barbarians, y estaba compuesta por el enérgico y visceral cantante B.B. Fieldings, el batería Oak O´Connor, los guitarristas Tom Mulcahy, Jeff Mackay y Bruce Benson y el bajista Geoffrey Morris.
Una vez instalados en San Francisco lograron grabar un álbum bajo el sello Atlantic que lograría colarse entre los 100 primeros en el Billboard, para posteriormente grabar su epitafio "Black Pearl Live", con el cual daban por finalizado su periplo musical regresando a Boston y desapareciendo en la inmensidad del tiempo.
Este primer álbum contenía nueve pistas entre las que destacaban las lisérgicas rock "Crazy Chicken" y "Thinkin´Bout The Good Times", la R&B "White Devil”, la psicodélica "Mr Soul Satisfaction" o la rítmica "Climbing Up The Walls", todas ellas con un claro denominador común; la interacción de los tres guitarristas con enérgicos y pesados riffs y solos de guitarras y la poderosa voz de Fieldings.
Posteriormente la revista Rolling Stone History of Rock and Roll, los catalogaría como una de las primeras bandas del temprano hard rock lisérgico norteamericano.
Este tercera dinastía estaba mas enfocada a los sonidos jazzisticos y progresivos, la cual solo lanzaron dos álbumes, este “Manfred Mann Chapter Three” (1969) y el siguiente “Volumen Two” (1970).
Fundada en 1969, su formación además del núcleo principal y líderes de la banda eran Manfred Mann y Mike Hugg (ambos teclados, voces y arreglos de cuerda), y el resto estaba compuesto por el baterista Craig Collinge, el bajista y arpa eléctrica Steve York y el saxo y flauta Bernie Living.
Igualmente en sus dos álbumes participarían diferentes músicos colaboradores como el guitarrista Brian Hugg, o una amplia sección de vientos.
Esta segunda encarnación es un claro ejemplo de como la banda fue progresando estilísticamente de los sonidos pop de principios de los 60 con éxitos como “Do Wah Diddy” o “Sha La la”, hacia un estilo progresivo y espacial con la versión posterior y definitiva denominada Manfred Mann´s Earth Band.
Por lo tanto podríamos definir estos dos álbumes como transitorios, pero con un fascinante sonido de jazz rock progresivo, con grandes metales y órganos fuzz distorsionados, que le otorgan una gran profundidad musical.
El estilo de su primer álbum esta basado fundamentalmente en temas de formato verso y coro antes de explotar en excursiones instrumentales, lo que las hace mas inteligentes que llamativas.
El tono blues de la inicial “Travelling Lady”, ya nos deja de entrada entrever el sendero por el cual discurrirá el resto del álbum, en donde sobresalen la psicodélica “You´re A Better Man Than I”, la instrumental jazzistica y progresiva “Konekuff”, la siniestra free jazz “Devil Woman”, o la blues jazz “Time”, con esos segmentos vocales y una instrumentación de vientos y metales magníficos. El resto mantiene el tono psicodélico, aunque con menos complejidad instrumental, como “One Way Glass” o “Ain´t It Sad”, que le otorgan bastante variedad y equilibrio.
Un año después saldría el segundo y ultimo álbum, en donde seguían en una línea musical continuista, antes de reconvertirse en los mencionados Manfred Mann´s Earth Band.
Esa formación estaba compuesta por el guitarrista y cantante Norman Barrett, el teclista J.D. Hughes, el batería Barry Davenport y el bajista Lester Williams.
Publicado bajo el sello progresivo Vertigo y grabado en los famosos Olympic Sound Studios de Londres, fue producido por Jonathan Peel.
En este segundo álbum, Gravy Train lograría completar uno de los grandes trabajos del rock progresivo de principios de la década, que pese a la inicial y alejada de su proposición sinfónica como es la comercial “Alone In Gerogia”, pronto la banda se reactiva y lo constatan con la siguiente y homónima pieza, con unas sobresalientes melodías bajo la voz inconmensurable de Norman Barrett, con sonidos de flautas, mucho dinamismo entre momentos pausados y otros mas acelerados y unas grandes orquestaciones.
La acústica “Jules Delight”, muestra su faceta folk, mientras “Messenger” electrifican ese folk en una de los momentos cumbres del disco con una instrumentación sublime de flautas, mellotrones, guitarras y unas preciosas melodías vocales.
En la parte final del álbum aparecen las rock “Anybody Hear Me” y “Won´t Talk About It” que se convierten en los momentos mas enérgicos, acabando con la jazz rock “Old Tin Box” y la suave y exótica “Home Again”, con la cual perfeccionan un magnifico disco del genero progresivo de principios de los 70.
Sin embargo el estilo del grupo cada vez se va derivando hacia los sonidos mas pegadizos y comerciales, sin dejar de lado la complejidad característica de los temas que Paul Katner solía imprimir al estilo de Starship. Aún así, aquí encontramos piezas muy destacadas como la psicodélica “Cruisin´”, la oscura con aires gospel “Hot Water” con la voz sensible de Grace Slick, la compleja “St. Charles”, la progresiva “Song To The Sun / Ozymandies / Don´t Let It Rain”, o las melódicas “With Your Love” y “Switchblade”.
Para acabar con la country rock “Big City” y la vigorosa “Love Lovely Love”, consiguiendo con todas ellas un álbum ecléctico pero al mismo tiempo homogéneo y muy cohesionado.
“Spitfire” no lograría las ventas ni el mismo éxito que el anterior “Red Octopus”, pero si alcanzaría un disco de platino y un tercer puesto en las listas del Billboard norteamericano.
Este fue el álbum que influiría de manera decisiva en Mark Knopfler y sus Dire Straits (al menos en sus dos primeros álbumes), pero también el que contiene una de las canciones míticas de J.J.Cale, “Cocaine”, que posteriormente Eric Clapton popularizara a nivel mundial.Al mismo tiempo este trabajo es el que consolidaría el estilo “Tulsa Sound”, un subgénero basado en el folk, el blues, el country, el jazz y el rockabilly y que convirtió a J.J.Cale en una de las leyendas de la música norteamericana del siglo 20.
Pero hasta llegar aquí J.J.Cale ya llevaba tras de si mas de una década de carrera musical, la cual había empezado a principios de los sesenta junto al ilustre Leon Russell.
En 1965 una canción suya “After Midnight”, se convierte en un pequeño éxito y al año siguiente llegaría su primera publicación con el grupo The Leathercoated, que sin embargo no obtiene el éxito deseado.
Esta decepción le lleva a mudarse a Tulsa en Oklahoma, en donde después de firmar con el sello local Shelter grabaría su primera obra en solitario “Naturally” aparecido en 1971.
En este primer álbum J.J.Cale mostraba su enorme sensibilidad con un trabajo repleto de aires blues, jazz, folk y country, con una serie de canciones intensas y contenidas, y que contiene dos de sus clásicos “Call Me The Breeze” y la mencionada “After Midnight”.
En los siguientes años Cale publicaría el mas dinámico “Really” (1972), y mas tarde “Okie” (1974), en donde de manera progresiva incluye otros géneros musicales como el gospel pero sin perder un ápice su personalidad, continuando con sus exploraciones en las raíces de la música norteamericana.
Dos años después con “Troubadour”, culmina su madurez compositiva mostrando su álbum mas versátil y al mismo tiempo mas consolidado en su propuesta musical.
Repleto de canciones inspiradas y brillantes como la mencionada “Cocaine”, la juguetona “I´m A Gypsy Man”, la rítmica "Let Me Do It To You”, la planeadora “Hey Baby”, la atmosférica bluesy “Super Blue” o la ágil “Ride Me High”.
Su formación estaba compuesta por Ian Duck (voz, armónica), Dave Glover (bajo), Roger Pope (batería), y Caleb Quaye (guitarra). Algún tiempo después se les uniría el guitarrista Bob Kulick y el bajista Mick Grabham.
Todos estos músicos habian participado en la mayoría de las grabaciones del mencionado sello, entre los que se encontraban los primeros álbumes de Elton John como “Empty Sky” de 1969.
Después de firmar con la A&M Records, publicaron cinco LP´s, que solo fueron comercializados en los Estados Unidos, empezando por "A Pie Of Pye" (1969), al que seguirán "Turn The Radio" (1970), "Hookfoot" (1971), "Good Times A´Comin" (1972), "Communication" (1972) y "Roarin´", con el cual daban por finalizado su periplo musical.
Posteriormente la A&M Records publicaría el doble recopilatorio "Headlines" y algunos años mas tarde el álbum en directo grabado en 1972 "Live In Memphis".
Este directo es una brillante muestra del estilo de Hookfoot, con ese sabor sureño impregnado de rock and roll, blues eléctrico y acústico, con elementos funky.
Temas como la funk rock “Bluebird”, la épica sureña “Mystic Lady”, la polvorienta “Movies”, la country rock “Natures Changes”, la rítmica jazz rock “Wim-Wom” o la melódica "Crazy Fool”, junto a la brillante y lograda interpretación del tema de Neil Young “Don´t let it Bring You Down”, o el blues acústico “Coombe Gallows”, demuestran el talento que esta olvidada banda tenían tras de si, combinando una excelente musicalidad con unas letras comprometidas y un estilo ecléctico cautivador y sugestivo.
Un álbum que en un principio estaba destinado a ser la segunda opera rock de The Who, ya que su guitarrista y líder Pete Townshend quiso continuar con ese formato después del éxito del mencionado "Tommy”. Sin embargo este complejo y ambicioso proyecto el cual llevaría de nombre “Lifehouse", fue desechado y gran parte de los temas compuestos para esa ocasión fueron a parar a este “Who´s Next”.
El estilo de la banda en este álbum es en parte diferente a lo hecho hasta esos momentos, con grandes dosis de experimentación, agregando los sonidos mas vanguardistas de la época como los sintetizadores, vigorosos sonidos de hard rock y sutiles arreglos progresivos, todo ello sumado a los grandes riffs de guitarra del propio Townshend, la tremenda voz de Roger Daltrey y la demoledora sección rítmica compuesta por Keith Moon y John Entwistle.
Un álbum que esta repleto de temas míticos como la inicial “Baba O´Riley” con esos ya conocidos sonidos de sintetizador, tema principal de la serie de TV “CSI Las Vegas”, a la que le siguen la poderosa y adictiva “Bargain”, la progresiva “My Wife”, la épica “The Song Is Over”, la sentida “Getting In Tune”, la preciosista “Going Mobile” o la excelsa rock con tintes progresivos “Won´t Get Fooled Again”.
“Who´s Next” tuvo una gran acogida por parte del publico, con unas ventas que les llevaron a obtener tres discos de platino y al mismo tiempo convertirse en la mejor obra de The Who y una de las obras maestras de la música rock.
Originarios de la ciudad de Chicago, esta banda solo publicaría un álbum en 1982, pero mucho antes de su lanzamiento, ofrecieron una serie de conciertos en el Aragon Ballromm de Chicago entre 1977 y 1978, que muchos años años después en el 2002, fueron rescatados y reeditados como "There and Back Again".
La formación de Winterhawk estaba compuesta por el guitarrista Jordan Macarus, el bajista Doug Brown, el guitarra Steve Brown y el batería Steve Tsokatos.
En esos años y gracias a sus incendiarios directos, son reclamados para telonear a bandas de primer nivel como Black Oak Arkansas, Steppenwolf o Budgie entre otras.
Parte de los temas interpretados en este directo fueron a parar al mencionado y único álbum publicado cuatro años después y que llevaría por titulo “Revival”.
En esta espectacular grabación en directo ya muestra el dominio del inconmensurable Jordan Macarus con las seis cuerdas, repartiendo toneladas de riffs y solos de guitarra por doquier, y con el resto de la banda mostrando una musculosa instrumentación de poderío y contundencia.
Potentes y enérgicos temas de hard rock como "Sanctuary", "In The Wake Of Things Yet to Come", "Hammer And The Axe", "Creatures Of The Sea" o "Off The Bat", conforman esta colosal grabación.
"There and Back Again", es en definitiva uno de los álbumes imprescindibles para todos los amantes del oscuro y olvidado hard rock clásico de los 70.
que sobresalieron por una excelente técnica instrumental y una gran imaginación y talento en sus logradas composiciones.
Con un estilo que estaba influenciado por una gran variedad de sonidos, entre los que estaban el folk, el pop y el jazz, en sus dos únicos álbumes se observan de manera bastante obvia la sombra de las grandes del genero británico como KC, Yes o Genesis, pero también la de sus compatriotas Kansas, con ese regusto por el rock norteamericano.
Fundada en Fort Wayne en Indiana en 1973, su formación estaba compuesta por Duncan Hammond; órgano, moog, Mellotron y demás teclados, el también teclista Michael Ponczek, el guitarrista y voz, Wils Sharpe, el bajo Brad Stephenson y el batería Mark Richards, además de Gerg Riker en otros instrumentos.
En 1974 tuvieron la suerte de fichar por una de las grandes discográficas como la Capitol Records y se trasladan a Nueva York donde graban su primer álbum, el cual esta compuesto por ocho cortes escritos en su totalidad por Sharpe.
Este primer lanzamiento titulado “Ardour”, es un ejemplo de una perfección instrumental muy equilibrada, en donde también se observa el talento de todos sus miembros con sus interpretaciones instrumentales.
Aunque su sonido sinfónico es evidente, la variedad de instrumentos utilizados y la alternancia de sonidos es bastante elocuente, con grandes sonidos de mellotron, flautas, órgano y guitarras, creando atmósferas en algunos casos caóticas por la gran cantidad de sonoridades. Las armonías vocales se asemejan a Yes o Gentle Giant, mientras que las partes de teclados tiene ese sabor a los Genesis mas añejos, sin dejar de mencionar los arabescos riffs de guitarras en clara sintonía con Steve Howe de Yes.
La inicial “Intrepid Traveler” es una buena muestra al sonido complejo heredado de los mencionados Yes, mientras otros cortes como las progresivas “Atlantes”, “The Spirit Of Music”, “Sapce Brothers” o la melódica “E´Mocean” completan un álbum que pese a su enorme calidad paso desapercibido para la comunidad progresiva de la época.
Un año mas tarde llegaría su segundo y ultimo trabajo “Open Up” el cual sigue por una senda continuista ofreciendo temas de gran calibre como la crimsoniana “Pimp City”, la soberbia “Star Anew”, la espesa “Memories” o la compleja “The Players (Of The Game)”.
Del “The Dark Side Of The Moon” se ha hablado y comentado hasta la saciedad, quien no conoce o no ha oído hablar de esta obra maestra absoluta de la música contemporánea?.
Su legado ha traspasado las fronteras de estilos y modas, logrando con ello ser una de las diez mayores obras maestras musicales del siglo 20.
Para ello la banda se encomendaría a los astros galácticos y mas concretamente a la luna y su lado oscuro, un álbum que muestra una célula sideral fecundada de arte por los cuatro costados, donde hay cabida para la experimentación y la vanguardia, una obra maestra de la creación, capaz de transmitir un universo de sensaciones y vivencias, la cual logra manipular los estados de animo de los que descubren su música.
Musicalmente esta repleto de texturas, pasajes sorprendentes de pasmosa intensidad y una cristalina delicadez, que lograría al mismo tiempo, crear una nueva concepción del sonido.
Un álbum que batió todos los récords posibles, los cuales muchos aún no han sido superados, además de sus asombrosas ventas, lo cual lo coloca como uno de los mas vendidos de la historia (mas de 50 millones), numerosos números unos alrededor del mundo, con muchos años en las listas de éxitos, una gira posterior apoteósica, con mas de 14 meses consecutivos por medio centenar de países presentando el álbum, infinidad de premios entre los que están el que fuera premiado como el mejor disco del año, la mejor producción, la mejor portada o el mejor single ("Money"), y sus cuatro miembros los mejores en sus respectivos instrumentos.
Además fue el primer álbum en la historia en ser grabado totalmente en formato cuadrafónico.
Estructurado a modo conceptual, esta repleto de efectos de sonido, desde la inicial “Eclipse” hasta el epilogo “Speak To Me”, pasando por la apabullante y rítmica “Money”, la soberbia “Time”, la hermosa “Us and Them” o la sugerente “Breathe". En definitiva un fascinante recorrido por una trama de un hombre condenado a la locura. Detrás de los controles de grabación estuvieron algunos de los mas grandes ingenieros de la historia como Alan Parsons o Chris Thomas, además de los estudios Hipgnosis, quienes fueron los encargados del diseño futurista de su icónica portada.
Si “Blow by Blow” había supuesto una combinación de sus dos facetas en las que fusionaba el poderoso rock con el blues aderezado con elementos de jazz y funk, en este “Wired”, Beck sigue en esa tónica pero cediendo el protagonismo a la hora de componer el nuevo material a otros músicos, como en este caso al teclista Max Middleton y al baterista Narada Michael Walden, que junto a Jan Hammer en los sintetizadores y al bajista Wilbur Bascomb cerraban la formación con la que grabaría este álbum.
Un disco que cuenta con temas del calibre de “Led Boots”, intenso y poderoso, o la jazz rock “Blue Wind”, la lograda versión de Charles Mingus “Goodbye Pork Pie Hat”, la sentida “Love Is Green”, o las jazz funk “Come Dancing” y “Head For Backstage Pass”, todas ellas con prodigiosas intervenciones de Jan Hammer, Narada Walden y la técnica virtuosa con las seis cuerdas del propio Jeff Beck.
Como ocurriría con el anterior “Blow By Blow”, alcanzaría el disco de platino por sus ventas, aunque no lograría superarlo en las listas del Billboard.
Aquí los integrantes de la formación le dejaron a su lider Pye Hastings, el camino libre para volvieran a la senda del rock, con un sonido mas melódico y coherente en donde había cabida para los sonidos folk y ritmos mas dinámicos.
En esta ocasión la banda estaba formada por Pye Hastings, David Sinclair, John G. Perry, Richard Coughlan y Geoffrey Richardson, este ultimo un destacadísimo instrumentista de la Viola, el cual dio mucha mas profundidad al estilo musical del grupo.
Las magnificas guitarras y los grandes teclados, impregnan todo el álbum en donde sobresalen la melódica “Memory Lain, Hugh”, la simple pero efectiva “The Dog, The Dog, He´s at it Again”, la epopeya “L´Auberg Du Sanglier”, o la densa y antológica “C´Thlu Thlu”.
“Chicago Transit Authority” como así se titula este trabajo, para mas inri en doble álbum y que homónimamente se llamaba igual que la banda en sus comienzos, es una ecléctica mezcla de jazz y rock and roll poderoso y enérgico que ofrecía unos arreglos jazzisticos bajo el embrujo de las guitarras rock, enfatizando los dos estilos de manera tan profunda como singularmente notable.
Por un lado estaba el típico grupo de rock compuesto por el guitarrista y voces Terry Kath, el teclista y voz, Robert Lamm, el bajista y voz Peter Cetera y el baterista Danny Seraphine y por otro el contundente trío de metales compuesto por Lee Loughnane, James Pankow y Walter Parazaider. Esta fusión de rock y jazz también lograría memorables momentos con temas pegadizos muy cercanos al pop, que fueron las favoritas de los fans mas entusiastas.
Cortes como “Does Anybody Really Know What Time It Is?”, “Beginnings”, “Question 67 And 68”, o la clásica versión de Steve Winwood, “I´m A Man”, mostraban unos arreglos muy ajustados y contagiosos que contrastaban con las rock vertiginosas con un fondo de blues “Introduction” y “South California Purples”, así como la extendida jam improvisada “Liberation” de pura liberación instrumental por parte de todos los miembros de la banda.
Mientras la faceta vanguardista esta presente en las experimentales y complejas “Free From Guitar”, “Prologue, August 29, 1968” y “Someday” , todas ellas con un claro mensaje político muy emotivo.
Este primer álbum lograría encaramarse hasta el numero 17 en las listas norteamericanas y un noveno puesto en las británicas, consiguiendo varios discos de platino por sus abultadas ventas a nivel mundial.
Sin embargo aquí aparecen varios temas inéditos que fueron grabados en estudio, como la calypso pegadiza “Brown Street”.
En este doble Lp aparece la formación mas heterogénea de la banda, la cual crearía algunas de sus mejores obras y que estaba compuesta por Joe Zawinul (teclados), Wayne Shorter (saxo), Jaco Pastorius (bajo), Peter Erskine (batería), además de Erich Zawinul (percusión) como músico invitado.
Considerado uno de los mejores documentos históricos en vivo del jazz rock, su repertorio esta repleto de sublimes composiciones como sus clásicos “Birland”, “Black Market”, la soberbia versión de Miles Davis, “In A Silent Way”, la sutil “A Remake You Made”, la enorme “Scarlet Woman” o el antológico “Medley: Badia/Boogie Woogie Waltz”.
“8.30”, titulo tomado de su acostumbrada hora de comenzar sus shows, obtuvo el premio Grammy al mejor álbum de jazz y una sorprendente tercera posición en las listas del Billboard Jazz Álbum y varios discos de oro por sus ventas a nivel mundial
Hasta la llegada de este lanzamiento, Whitesnake se habían caracterizado por los sonidos influenciados del hard rock blues con elementos del boogie rock, con ciertas similitudes a bandas como Deep Purple o Led Zeppelin.
Sin embargo la banda que grabaría este nuevo álbum seria totalmente opuesta a la que firmara esa época de blues rock anterior. Aquí ya no estaban Jon Lord, Ian Paice, Micky Moody, Bernie Marsden o Mel Galley, es decir sus integrantes mas icónicos, los cuales encumbraron a Whitesnake como una de las mejores formaciones de la historia del hard rock.
En este nueva entrega la banda estaba formada por su líder, el carismático David Coverdale a las voces, que junto a Neil Murray eran los dos únicos supervivientes de esa época, cerrando la formación el guitarrista John Sykes y el baterista Aynsley Dunbar.
Además en el proceso de grabación también participarían Don Airey y Bill Cuomo a los teclados, los guitarristas Adrian Vanderberg, Vivian Campbell y Dan Huff y el batería Denny Carmassi, mientras los ingenieros de sonidos Mike Stone y Keith Olson fueron los productores del álbum.
“1987” contiene una sabia mezcla del hard rock setentero combinados con los sonidos mas modernos de la década de los ochenta, en donde los sintetizadores y teclados cobran un gran protagonismo, todo ello con poderosos y contundentes riffs de guitarras como queda demostrado en la zeppeliana “Still Of The Night”, las melódicas "Give Me All Your Love" y "Crying In The Rain", la soberbia “Is This Love” o la añeja “Here I Go Again”.
La recepción posterior del álbum lograría unas ventas superiores a los diez millones de copias a nivel mundial.
"Absolutely Live" es uno de los mas fascinantes dobles en directo de los años setenta, que entre lo mas llamativo esta el que no incluye ninguno de sus hits en las listas de éxitos, lo que demuestra su carácter original y demoledor.
Aquí sobresalen algunas versiones de Bob Diddley y Willie Dixon, demostrando con ello, dónde estaban sus raíces.
Un directo que se inicia con el clásico de Bob Diddley "Who Do You Love", que la banda llevan a su campo, y continúa con un “Medley” compuesto por las canciones “Alabama Song”, “Black Door Man”, “Love Hides y “Five To One”, que culmina en uno de los momentos épicos del álbum con "When The Music Over".
Luego llega el turno del fantástico "Break On Through" y sorprenden con la soberbia "The Celebration Of The Lizard", poema épico musical de 14 minutos de duración, que rematan soberbiamente con una extendida versión de "Soul Kitchen".
Con este doble en directo, The Doors demostraron que fueron únicos incluso para grabar álbumes en vivo, todo una obra maestra absoluta de la música rock.
Formados a principios de los setenta, su formación estaba comprendida por el guitarrista y voz, Rainer Geuecke, el guitarra rítmico Hilmar Szameitat y la sección rítmica compuesta por el bajista Werner Hofmann y el batería Wolfgang Barak.
Influenciados por el hard rock blues británico de finales de los 60 y principios de los 70, con ciertos elementos progresivos, Chicken Bones mostraron una gran creatividad y un gran talento instrumental con un claro enfoque al jam guitarrístico, demostrado en la gran variedad de solos y riffs que durante todo el álbum se deja notar de manera predominante
El debut y al mismo tiempo único trabajo de esta banda podría describirse como un ejemplo del heavy y hard rock temprano, que sin embargo no tuvieron la continuidad ni el reconocimiento que se merecieron en su momento.
Este álbum fue grabado en los estudios Blackfield de Ostring en Bochum, en el estado de Renania del Norte, muy cerca de la frontera con Holanda y no grabado en directo como su extraño titulo deja entrever y en el destacan la boogie rock acelerada “Feeling”, la psicodélica “I´m Falling”, la progresiva “Water”, la hard rock “Factory Girl” o la melódica “Drive”.
Después de este lanzamiento la banda se reconvertiría en otra llamada Revanche, mas orientados al heavy metal y que tuvieron una carrera que duraría hasta mediados de la década de los ochenta.
Para este nuevo LP, Gabriel contaría con la colaboración de los guitarristas Nile Rodgers, David Rhodes, Bill Laswell y Daniel Lanois, los bajistas Tony Levin, Jerry Marotta y Larry Klein, los baterías Stewart Copeland y Manu Katché y las vocalistas Laurie Anderson y Kate Bush, además del cantante senegalés Youssou N´Dour, entre otros muchos mas.
La contagiosas “Sledgehammer” y “Big Time”, auparon al álbum hasta las primeras posiciones de las listas, alcanzando un segundo lugar en el Billboard 200 y el primer puesto en las listas británicas. Sin embargo “So” no solo vivía de estas irresistibles canciones con ese sonido pop rock accesible y pegadizo, en el también aparecían la apacible e hipnótica “Don´t Give Up” cantado a dúo junto a Kate Bush, la añeja “Red Rain” o la atmosférica “Mercy Street”.
“So” lograría unas ventas superiores a los siete millones de copias a nivel mundial, y supuso el trabajo mas exitoso de toda la carrera del músico británico.
Fue justo durante esa gira cuando se gestaría su siguiente movimiento discográfico, este "Wheels Of Fire", el cual esta considerado uno de los mas grandes dobles álbumes de la historia y el canto del cisne de la banda.
En esta magna obra dividida en un disco en estudio y otro en directo, Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce logran alcanzar su mayor creatividad y al mismo tiempo se convirtieron en los máximos abanderados en sus respectivos instrumentos.
Producido por Felix Pappalardi y con los arreglos de Robert Stigwood, las sesiones de estudio fueron grabadas entre Londres y New York durante varios meses de 1967 y 1968.
Entre los nuevos temas que aparecen en el primer disco titulado "In The Studio" destacan las blues "Politician", "Sitting On Top The World", las psicodélicas "Those Were The Days" y "Pressed Rat And Warthog", las clasicas e inmortales "Born Under A Bad Sign" y "White Room" y la acústica "As You Said".
Mientras el segundo disco titulado secundariamente "Live At Fillmore West", fue grabado durante el mes de marzo de 1968 entre el Fillmore West y el Winterland de San Francisco y contiene cuatro soberbias piezas ejecutadas magistralmente por el trío como la mítica versión "Crossroads" de Robert Johnson, en donde Eric Clapton muestra su fantástico talento con las seis cuerdas.
Otra versión, esta vez de Willie Dixon, es "Spoonful", en la cual presenta la faceta jam de la banda, repleta de improvisación y gran feeling por parte de los tres músicos. Mientras los dos últimos cortes son la frenética blues rural "Traintime" y la experimental "Toad" con un espectacular solo de batería del gran Ginger Baker.
"Wheels Of Fire" es un álbum primordial y básico dentro de la historia del rock y una clara muestra del por que Cream es considerado el primer super-grupo y al mismo tiempo una de las mas grandes bandas de la historia.
Este formación surgida en una de las bases áreas norteamericanas ubicadas en el Reino Unidos, tomaron el relevo musical de Crosby, Stills and Nash por sus excelentes melodías de folk rock.
Compuesto por el británico Dewey Bunnell, y los norteamericanos Dan Peek y Gerry Beckley, tuvieron ya desde sus primeras obras, el beneplácito de los fans entusiastas a los sonidos melódicos del folk rock heredero de los mencionados CSN y el sonido guitarrístico del country rock de The Eagles.
Desde su enorme álbum debut “America” (1971) hasta “Hearts” (1974) el quinto publicado, irían apareciendo una irresistible colección de canciones que lograrían alcanzar los primeros puestos en las listas de éxitos de medio mundo y que gran parte de ellas aparecen en esta compilación, el cual contiene once de los hits mas importantes de la banda hasta ese año, como son "A Horse With No Name", "I Need You", "Ventura Highway", "Tim Man", "Lonely People", "Sister Golden Hair", “Daisy Jane”, “Muskrat Love”, “Sandman” o “Only In Your Heart”.
En este álbum la banda incorpora a su sonido el órgano y el saxo, instrumentos los cuales potencian el sonido característico de la Creedence, además de contener una serie de cortes mas complejos y con una producción mas refinada y compacta.
Temas como la brillante “Sailor´s Lament”, la angustiosa “Have You Ever Seen The Rain?”, la contundente “(Wish I Could) Hideway”, o la desenfadada “Born To Move”, contrastan con las mas previsibles del sonido característico de la Creedence, “Hey Tonight”, “Molina”, “It´s Just A Thought” y “Rude”.
En su recepción posterior “Pendulum”, lograría un quinto lugar en el US Billboard, consiguiendo un disco de platino por sus ventas, y a partir de aquí la banda seguirá como trío durante varios años mas, publicando el epilogo final en el año 1972 con el álbum “Mardi Gras”, el cual supuso su trabajo menos exitoso y el menos creativo de toda la obra de esta formidable agrupación, una de las mas grandes de la historia de la música rock.
Este único Lp titulado “Doing A Moonlight” (1976), esta repleto de preciosas melodías que combinan el soft rock con desarrollos instrumentales y los agradables sonidos del rock melódico.
Para la grabación de este único álbum, el grupo obtuvo la colaboración del saxofonista Jimmy Jewell, el teclista Clive John y el guitarra slide Ray Martinez.
Un disco que irradia un delicioso viaje por las soleadas costas de San Francisco y Los Ángeles, con una serie de temas irresistibles y ejecutados magistralmente como “Stay Out Of Town”, “Red Lights”, “Maybe Monday”, “Nito Bendito” o “Nobody Like You”, en donde la dualidad de las poderosas guitarras, el brillante sonido de los sintetizadores, la enérgica y sincronizada sección rítmica y las melodiosas voces, conforman un álbum que para muchos seguidores del genero, fue una de las mejores obras de aquella década, y que sin embargo pese a este enorme y prometedor debut, no tuvo la continuidad merecida.
Automatic Man, fueron una banda de corto recorrido originaria de San Francisco, la cual apenas publicaron dos interesantes álbumes en los años 1976 y 1977 y estaba formada por varios ex integrantes de la banda de Stomu Yamashta Go, ellos eran el ex batería de Santana, Michael Shrieve, el guitarrista Pat Thrall y el vocalista y bajo Doni Harvey, cerrando la formación el teclista Todd Cochrane.
Ellos no tuvieron ningún problema en conseguir que una discográfica se interesa inmediatamente por su proyecto, a tenor del pasado profesional de sus miembros, y fue así como la Island Records les contrato para la publicación de varios álbumes.
En su primer y homónimo álbum, la banda sigue una estela parecida a Go, con sonidos progresivos, funk, jazz, rock espacial y un estilo comercial cercano al pop rock
Un álbum que de alguna manera esta definido como obra conceptual con referencias mitológicas y en donde sobresalen cortes como la intro a base de sintetizadores "Atlantis Rising Fanfare", la cual es la antesala a la espectacular jazz rock "Comin´Through", otros cortes igualmente destacados son la psicodélica "My Pearl", la atmosférica "Newspapers", la space rock "One and One", la hard rock "Newspapers" o las monumentales y progresivas "Intersteller Tracking Devices" y "Atlantis Rising Theme".
Posteriormente con la misma e hipnótica portada, esta vez con un color rojizo en lugar del azulado del álbum debut, fue publicado un segundo en el cual ya no aparecen Shrieve ni Harvey sustituidos por el batería Glen Symmonds y el bajista Jerome Rimson, que con un resultado mas previsible de sonidos funk y pop rock, con menos espacio al vanguardismo y a los sonido progresivos y jazzisticos, termina por abocar el fin de la banda.
Después de disolverse definitivamente, Pat Thrall tendría una fructífera carrera participando en múltiples proyectos y bandas como Pat Travers Band, Meat Loaf, Asia, Glenn Hughes o Joe Satriani entre otros, mientras Todd Cochrane participara en cientos de grabaciones de otros tantos artistas como Peter Gabriel, Brand X, Jim Capaldi o PM y en una onda parecida ocurriría con el batería Shrieve quien ha colaborado en docenas de grabaciones de otros tantos artistas.
Sin embargo durante todos esos años, su líder Jeff Lynne no estaría en absoluto alejado de la música, sus múltiples proyectos y colaboraciones le llevaron a participar en la banda Traveling Wilburys junto a Bob Dylan, George Harrison, Tom Petty y Roy Orbison, con quienes lanzaran dos extraordinarios discos “Traveling Wilburys Vol.1” (1988) y Traveling Wilburys Vol.3” en 1990. Pero además de ello Lynne participo como co- productor en infinidad de trabajos, destacando entre otros “Mystery Girl” de Roy Orbison (1989), “Full Moon Fever” (1989) y “Into The Great Wide Open” (1991) de Tom Petty, “Cloud Nine” (1987) de George Harrison, o “Flaming Pie” (1997), de Paul McCartney.
En medio de todo ello, Lynne publico su primer álbum en solitario “Armchair Theatre” (1990) en donde recreaba de manera menos barroca los sonidos ampulosos de su banda madre.
Para la grabación de su duodécimo álbum; “Zoom”, Lynne recurriría a su antiguo compañero de banda, Richard Tandy en los teclados, los ex Beatle, George Harrison y Ringo Starr y a una serie de músicos de sesión, además de la producción del propio Lynne que al mismo tiempo canta, arregla y toca prácticamente todos los instrumentos por lo que muchos consideraron esta entrega como un álbum en solitario y no uno propiamente dicho de la ELO.
“Zoom" se caracteriza por el destacado protagonismo que tienen la guitarras y los teclados, con un sonido que se asemeja a su álbum debut o los que escuchamos en los álbumes de Tom Petty o George Harrison. Temas puramente rock como “Melting In The Sun”, “All She Wanted”, “Alright” o “Easy Money” contrastan con las elegantes “Ordinary Dream” o “Moment in Paradise” , mientras las mesuradas “A Long Time Gone” y “Stranger On A Quiet Street” nos acercan con sus arreglos orquestales a la mejor época de la Electric Light Orchestra.
A mediados de los 70 existían una larga lista de estas bandas afincadas en Londres, y una de ellas era UNO, que estaba formada por los hermanos Corrado y Danilo Rustici, ambos guitarristas que junto al saxofonista Elio D´Anna decidieron rebautizar la banda como Nova, reclutando para ello al bajista Luciano Milanese y al baterista Franco Lo Previte.
Ya en 1976 y bajo el sello Arista publicaron su primer álbum "Blink", un meritorio trabajo que sin estar totalmente definido mostraba un estilo jazz rock con largas improvisaciones y grandes interacciones de guitarra y un saxo suntuoso.
Casi a finales de ese mismo año "Vimana" se convertía en su segundo larga duración, un trabajo mas maduro, en donde la banda se enfocaba mas en las composiciones que en el trabajo instrumental de sus miembros.
A partir de aquí la banda sufre diferentes cambios de integrantes, entrando el teclista Renato Rosset, el batería Ric Parnell y el bajista Barry Johnson, en sustitución de Danilo Rustici, Lo Previte y Milanese respectivamente.
Con esta formación la banda graba y publica su trabajo mas exitoso y su obra cumbre "Wings Of Love", el cual se caracteriza por un cambio de dirección musical mas enfocado al jazz funk, debido en parte al estilo funky del bajista Johnson.
Un álbum que contiene una musicalidad exquisita cortesía de las impecables habilidades técnicas de todos los miembros del grupo, ofreciendo un repertorio cargado de jazz rock ágil y dinámico, al mismo tiempo que refinado.
Temas como la dinámica funk rock "You Are Light", se convierte en uno de sus momentos mas creativos, con unas armonías sedosas y un ritmo contagioso y pegadizo. La jazz fusión "Marshall Dillion" muestra la faceta enérgica de Nova, mientras que la soñadora "Blue Lake" es el momento mas intenso del álbum.
"Beauty Dream / Beauty Flame" contiene una suave melodía en donde se fusionan delicados toques acústicos y reflexivos sonidos exóticos.
El resto sigue una línea continuista con la funk vertiginosa "Golden Sky Boat", la trepidante jazz con ecos latinos "Inner Star" o la elegante "Last Silence".
"Sun City" su cuarta obra, publicada al año siguiente, volvería a presentar un estilo jazz funk pero derivado al jazz mas convencional y previsible.
Poco después de este ultimo lanzamiento la banda se disolvía definitivamente dejando tras de si cuatro álbumes repletos de tensión, energía y brillantez técnica, los cuales están considerados obras capitales dentro del genero del jazz rock europeo.
Seyffer era un cantante y batería alemán que había formado parte de diferentes bandas a lo largo de la década de los 60, y no seria hasta principios de 1970, cuando por fin lograría establecer una formación estable y definitiva, formando Nine Days´ Wonder. Ya a mediados de ese año completaría la formación del grupo, compuesta por músicos de distintas nacionalidades. A Seyffer lo acompañarían, el alemán Rolf Henning en piano y guitarra, el irlandés John Earle en saxo, flauta, guitarra y voz, el austriaco Karl Mutschlechner en el bajo, y el británico Martin Roscoe a la batería.
Todos estos músicos empezaron a trabajar creando un estilo experimental, con una base de fusión de diferentes elementos y distintas influencias convergentes esencialmente en el krautrock, con una marcada influencia de Frank Zappa y del rock progresivo británico de la época.
En 1971 entraron en los estudios Dierks y grabaron su álbum debut, un gran ejemplo del más extravagante y extraño rock progresivo alemán que se haya grabado jamás claramente inspirado en bandas como King Crimson, Frank Zappa, Soft Machine, Tráffic, Family o Deep Purple, entre otras muchas.
Semejante fusión de estilos esta reflejado en un disco que presenta unas largas y complejas composiciones de música progresiva, de jazz rock, sonidos frenéticos, música extravagante, riffs pesados de heavy blues rock y sonidos vanguardistas.
Todo ello fundamentado en una libertad creativa asombrosa, con voces alteradas, toques psicodélicos, efectos sonoros, ruidos y muchos momentos de total frenesí musical.
Este primer álbum se compone de cuatro extensos cortes que oscilan entre los 12 y 15 minutos de duración, empezando por "Fermillion", que a modo de los Monty Python muestra la locura, el dinamismo, la experimentación y la soberbia instrumentación progresiva de la banda.
A esta le sigue la intensa "Moss Had Come", la humorística "Apple Tree" y la vanguardista y espacial "Drag Dilemma", sin duda el corte mas destacado de un álbum sobresaliente y al mismo tiempo esquizofrénico.
Hay que reseñar que a diferencia del progresivo convencional, aquí no hay órganos ni mellotrones, ni siquiera sintetizadores, es decir tres de los instrumentos esenciales del progresivo, que son sustituidos por la formidable interacción entre los instrumentos de vientos y las guitarras.
En definitiva un álbum con una de las músicas mas perturbadoras de principios de los 70, que conjunta los sonidos trastornados de Frank Zappa y Captain Beefheart, la música medieval y de cámara y las sensaciones contundentes del hard rock.
Raw Material se fundaría en Londres en 1969 y su formación estaba comprendida por el guitarrista Dave Green, el batería Paul Young, el vocalista además de instrumentos de viento Michael Fletcher, el bajista Phil Gunn y el teclista Colin Catt.
Bajo el sello progresivo de la RCA, Neon Records, publicaron su primer y homónimo álbum en 1970, en donde la banda británica mostraba un conjunto fascinante de diversidad sonora con elementos de jazz, blues y música psicodélica, todo ello bañado con un trasfondo oscuro y atmosférico, que le otorgan un sonido vanguardista.
Un año después llegaría su segundo y ultimo álbum "Time Is", en donde refuerzan su propuesta progresiva, con un estilo cercano a lo que por entonces hacían bandas como Van Der Graaf Generator o los primeros King Crimson, fusionado con elementos de poderoso rock emparentado con sus coetáneos Uriah Heep o los germinales Deep Purple.
Este "Time Is" destaca por su enorme diversidad sonora que iban desde pasajes pesados con poderosas guitarras, sonidos de órganos y sintetizadores e instrumentos de viento como el saxo y la flauta, hasta desarrollos mas atmosféricos y sinfónicos.
Temas como "Insolent Day", "Empty House", "Ice Queen" o “Awakening", completaron un álbum que sin llegar a ser un clásico contemporáneo, contiene una solida colección de temas enfocados al progresivo temprano, pero que desgraciadamente no tuvieron mucha mas continuidad por su escasa repercusión comercial, por lo que Raw Material desaparecerían poco después de la publicación de este interesante álbum.
Uno de esas bandas eran la Barclay James Harvest, quienes en 1977 lanzarían uno de los álbumes mas bellos de la ultima parte de esa década.
Sin embargo en este “Gone To Earth”, el que hacia su séptimo álbum en estudio, se intuía ya, aunque de manera sutil, un cambio estilístico hacia derroteros mas comerciales, pero sin perder un ápice de su esencia progresiva, añadiéndoles incluso sonidos cercanos al folk.
Desde su icónica portada, una de las mas hermosas de esa década, la banda reflejaba perfectamente la música atmosférica que con progresiones rutilantes, se intuía en su interior.
Un álbum que contiene uno de los temas mas emblemáticos de BJH como es “Hymn”, una bellísima canción contra los peligros del consumo de drogas, interpretado sublimemente por toda la banda, pero sobresaliendo la guitarra de doce cuerdas de John Lees y unas voces irresistibles. En un tono melódico parecido esta la atmosférica "Taking Me Higher", mientras "Friend Of Mine" nos deja un regusto de country rock con un sonido cercano a The Eagles. La hermosa melodía etérea de "Love Is Like A Violin" da paso la serena y cósmica "Sea Of Tranquility", la solida y melódica rock "Hard Hearted Woman", la encantadora melodía de "Spirit On The Water" o la rock progresiva "Leper´s Song".
Mientras "Poor´s Moody Blues", inspirada en la famosa canción "Nights in White Satín" de los Moody Blues, fue la respuesta contundente a los continuos comentarios por parte de la critica británica comparándolos como una versión pobre de los Moody, en ella John Lees desnudaría la canción original hasta sus acordes básicos, y manteniendo la estructura, reconstruiría una versión diferente, la cual se convirtió en uno de sus mayores éxitos.
"Gone To Earth" lograría unas ventas superiores al millón de copias a nivel mundial y al mismo tiempo ocupa uno de los primeros puestos en la listas de álbumes que mas tiempo han estado en las listas de éxitos de Alemania, 197 semanas consecutivas, además de estar considerado una de las pequeñas joyas del pop rock-progresivo y venerado por los prog heads europeos.
