Spyro Gyra-Morning Dance (1979)

Formada a mediados de los 70 por Jay Beckenstein y Richard Calandra en Buffalo, localidad cercana a Nueva York, Spyro Gyra es una de las formaciones de jazz más emblemáticas del genero y desde hace más de 40 años han publicado una serie de discos considerados de los mejores de dicho estilo.
En 1976 publican su primer trabajo llamado "Spyro Gyra", un disco grabado de forma rudimentaria del cual solo se lanzaron inicialmente 500 copias, que sin embargo gracias a difusión en las radios locales y al tema "Shaker Song", se convierte en un rotundo éxito, consiguiendo ampliar edición del álbum y vendiendo más de 70.000 copias.
Con un segundo y brillante álbum "Morning Dance" (1979), la banda se expande con el tecladista Tom Schumann y el vibrafonista David Samuels.
Con este segundo disco consiguen vender un millón de copias gracias a grandes composiciones como "Heliopolis", "Jubilee" o "Song For Lorraine".
Luego de otro gran disco como "Catching The Sun" (1980), logran un reconocimiento similar al anterior e incluso llegando al número uno en las listas de jazz, publican "Carnaval" (1980), "Freetime" (1981), "Incognito" (1982) y finalmente "City Kids" (1983), que cerrará un sexteto de grabaciones magistrales y elevando la categoría de la banda hasta el olimpo del mundo del jazz. En la actualidad la banda sigue publicando discos con bastante asiduidad, con mas de 25 álbumes editados y unas ventas que superan con creces los 14 millones de copias vendidas a nivel mundial.

John Lee Hooker-The Healer (1989)

 

John Lee Hooker fue nombrado como el mejor músico de blues de la historia, con una carrera de más de cien discos publicados y más de medio siglo de carrera, sin embargo no sería hasta los 70 años cuando alcanzaría su mayor popularidad.  
En 1948 publicaría su primera canción "Boogie Chillen", con la que se dio a conocer en los Estados Unidos.
A partir de aquí John Lee Hooker no dejaría de publicar grabaciones muy populares que incluso tuvieron mucho impacto en las listas de éxitos de la época.
Pero no sería hasta finales de los 70 cuando su popularidad alcanzaría cotas extraordinarias al aparecer en las películas "The Last Waltz" y "The Blues Brothers".
Años más tarde publicaría su disco más aclamado "The Healer" (1989), donde contó con la participación de Carlos Santana, George Thorogood, Charlie Musselwhite, Bonnie Raitt o Robert Cray.
Con este disco John Lee Hooker ganaría su primer y único premio Grammy, algo que se le había negado en los años sesenta y setenta.
"The Healer" es uno de los discos imprescindibles para todos los amantes del blues, con una serie de composiciones del más alto nivel como "Think Twice You Go", "Rockin´Chair" o "No Substitute".

Steppenwolf-Steppenwolf (1968)

La primera vez que se usaría el término heavy metal sería en la canción "Born to be Wild" del grupo Steppenwolf, una banda californiana formada en 1967 que ejercía un potente sonido de hard rock.
Junto a bandas contemporáneas como Vanilla Fudge y Iron Butterfly, fueron precursoras del género del metal, siendo sus influencias determinantes para las siguientes bandas del estilo.
"Born to Be Wild", incluido en el álbum debut del grupo "Steppenwolf" (1968), se convirtió en el himno de los "Hells Angels" y luego aparecería en la película de culto "Easy Rider", alcanzando las primeras posiciones de las listas de medio mundo.
Surgida de las cenizas de la banda de blues rock The Sparrows, fue fundada por John Kay (guitarrista y vocalista), Jerry Edmonton (batería) Michael Monarch (guitarra rítmica), Goldie McJohn (teclados) y Rushton Moreve (bajista).
En los próximos cinco años Steppenwolf será históricamente un grupo vital que llegará a vender unos 25 millones de discos con ocho de sus lanzamientos recibiendo el oro por sus ventas; "Steppenwolf" (68), "The Second" (68), "Monster" (69), "Steppenwolf 7" (70), "Steppenwolf Live" (70), "Gold" (71) y "16 Gresatest Hits" (73), y logrando colocar hasta doce de sus canciones en el Top 100 de Billboard, entre las que se encuentran "Magic Carpet Ride", que alcanzó el número tres, o la estupenda "Rock Me".

Aunque su trayectoria pronto se verá truncada y luego solo tendrá remontadas esporádicas, es indudable que la inmortalidad le fue otorgada por el hecho de que "Born to Be Wild", es considerada la primera canción de Heavy Metal de la historia.

Booker T. and the MG´s-The Best Of (1968)

Memphis es una de las cunas del sonido negro y precisamente de ahí surgió Booker T., uno de esos artistas que nacen con un instrumento bajo los brazos, en este caso el órgano.
Desde la adolescencia tocaba en una banda llamada Triumphs, en la que era pieza fundamental.
Una década después, en 1962, Booker formó un pequeño grupo al que llamó MG´S y para ello reclutó a Al Jackson en la batería, Donald Dunn en el bajo y uno de los grandes talentos del sello Stax, Steve Cropper como guitarrista.
El primer disco resultante de esta unión registra un éxito sin precedentes y alcanza el número 1 y logra el millón de copias vendidas, la canción se titula "Green Onions".
A partir de ese momento, Booker T. y la carrera de MG son prolíficas de forma colectiva e individual.
Los MG'S también serán la base de los Mar-Keys, el grupo de sesión de todas las grabaciones de los grandes del sello Stax, artistas como Isaac Hayes, Sam & Dave, Eddie Floyd o Wilson Pickett entre otros, creando un sonido característico y lleno de calidad.
Volviendo a los Booker T y los MG'S, en los años sucesivos irán publicando discos uno tras otro hasta principios de los setenta, cuando prácticamente dejan de grabar discos para actuar únicamente en directo hasta hoy en día con numerosos cambios en sus formaciones posteriores.
Canciones legendarias como "Soul limbo", "Hang ´Em High" o "Time is Tight", han pasado a los anales de la historia de la música negra instrumental.
En 2007 pasaron a formar parte del Rock Hall of Fame y ese mismo año recibieron el Grammy honorifico por su brillante carrera artística.

Brand X-Masques (1978)

"Masques" fue el primer disco en donde el grupo Brand X no contó con la participación de Phil Collins a la batería, el cual fue reemplazado por Chuck Bürgi.
En este tercera entrega el sonido se asemeja al estilo eléctrico de los Return to Forever, en parte debido al nuevo teclista, Peter Robinson, que ya había colaborado anteriormente con Stanley Clarke y Chick Corea.
El acople de todos los instrumentos y el mayor predominio de los teclados, hacen del disco un trabajo digno de mención, por otro lado la guitarra John Goodsall le da el toque progresivo al sonido final. Cortes como la exuberante "Earthdance", contrastan con la enérgica "Deadly Nightshade", mientras que la delicada "Black Moon" o la brillante "Access to Data", conducen al oyente por caminos tortuosos de dinámicos ritmos y complejos pasajes que se mueven entre el jazz fusión y los sonidos progresivos bastante accesibles.

Brian Eno-Music For Airports (1978)

"Músic For Airports" se publicó en 1978, pero su autor Brian Eno, ya había ideado el concepto de esta obra unos años antes.
En 1975, mientras Brian Eno estaba convaleciente de un accidente automovilístico, le pidió a una amiga que había venido a visitarlo que pusiera un disco en su estéreo, (un disco de arpa del siglo XVII) antes de irse, algo que ella hizo sin ningún tipo de problema, sin embargo se olvidó de subir el volumen, por lo que Eno se encontró tratando de capturar las notas del arpa sobre el ruido ambiental, entre muchos otros como el que casualmente era un día lluvioso.
Lejos de frustrarse por tal desafortunado momento, el músico quedó cautivado por el sonido y de esta amarga experiencia surgió su concepto de "música ambiental".
"Music For Airports" fue el primer ejemplo de este concepto, y se reconfigura de formas inesperadas a partir de un impulso deliberado.
Con una estructura muy simple, con una serie de notas ordenadas en ciclos, una nota se repite cada 23 1/2 segundos, la otra cada 24 7/8 segundos, otra cada 29 15/16 segundos y así sucesivamente, sobre un fondo que repite constantemente.
Como los tiempos son totalmente irregulares, es imposible que los ciclos se sincronicen en un momento dado.
El resultado es una obra de duración infinita que simplemente nunca sonará igual en ningún momento.
En consecuencia, la obra en sí se vuelve menos importante que las reglas que determinan su evolución, y las notas y la duración de los ciclos.
A medida que se desarrolla la obra, se escuchan diferentes arreglos y configuraciones de los elementos irregulares, contrastando sobre los elementos básicos repetitivos, logrando un resultado fascinante.

Chris de Burgh-Spanish Train And Other Stories (1975)

Chris de Burgh es considerado uno de esos grandes cantautores de la historia del pop-rock que sin embargo tiene el aura de artista de culto, a pesar de que es conocido mundialmente por su famosa canción "Lady In Red".
Hijo y nieto de oficiales del ejército británico (su padre fue coronel y su abuelo fue el jefe del estado mayor británico en la India durante la Segunda Guerra Mundial), nació en Argentina, donde su padre estuvo destinado a finales de la década de 1940.
De regreso a Inglaterra en los años 60, se interesó por el incipiente movimiento musical que imperaba en esos años, y luego de terminar sus estudios se dedicó profesionalmente a la música y en 1974 obtuvo su primer contrato con A&M Records que editó su primer disco ”Far Beyond These Castle Walls" y lo promovió saliendo de gira como telonero de Supertramp en apoyo de su álbum "Crime of The Century".
Un año después Burgh editó su segundo disco "Spanish Train and Other Stories" con el que logró el reconocimiento internacional con un soberbio disco que hoy en día es considerado un disco de culto.
"Spanish Train and Other Stories" contiene una serie de grandes composiciones que se mueven entre el pop y el rock épico con ciertos paralelos al estilo de The Moody Blues, como la épica canción que da título al disco, la emotiva "Lonely Sky", el cabaret "Patricia The Stripper", la sinfónica "A Spaceman Came Travelling", el folk pop "The Tower" o la progresiva "Just Another Poor Boy".

Ted Nugent-Cat Scratch Fever (1977)

Tras dos primeros discos sensacionales, Ted Nugent lanzó la que sin duda seria su obra maestra y a la vez uno de los discos imprescindibles del hard rock.
"Cat Scratch Fever" fue lanzado en 1977 y fue la secuela de su álbum debut "Ted Nugent" (1975) y el posterior "Free-For-All" (1976), con estos dos álbumes Nugent había logrado estar en la cúspide rock como uno de sus máximos representantes.
Para "Cat Scratch Fever", Nugent recuperó a su vocalista Derek St. Holmes que había dejado su banda tras su primer disco, y junto a Rob Grange y Cliff Davies formaron una banda visceral, rotunda y explosiva como se demostraría poco después con su fantástico "Double Live Gonzo".
Un disco que contiene cortes de rock potentes, temas rítmicos muy adictivos y con ese sonido característico de la época, destacando el tema que da título al disco o "Workin´Hard Playin´Hard", "Wand Dang Sweet Poontang" o "Thousand Knives ".
"Cat Scratch Fever" logró un triple récord de platino y un alto lugar entre los diez primeros en América del Norte y unas ventas mundiales que superaron los cuatro millones de copias.

Alvin Lee-In Flight (1974)

Después del álbum de 1974 "Positive Vibrations", Alvin Lee puso fin a la carrera Ten Years After, con la que había publicado una docena de álbumes extraordinarios.
El abandono de Lee fue principalmente para seguir su propia carrera en solitario que se prolongaría hasta finales de los ochenta cuando volvería a reunir a la banda aprovechando la fiebre surgida a finales de esa década por los sonidos de los años 70.
Sin embargo Alvin Lee ya había publicado su primer álbum en solitario en 1973 cuando aún estaba en Ten Years After con el titulado "On The Road to Freedom", en el que contó con la colaboración de Steve Winwood, George Harrison, Ron Wood y Jim Capaldi entre otros.
En "In Flight" Lee aprovechó una de las grandes especialidades de su ex-banda, su fuerte sonido en vivo y sus excelentes creatividades guitarrísticas, grabado en el Rainbow Theatre de Londres en 1974, el repertorio incluía adaptaciones de clásicos del rock como "Don´t be Cruel" de Elvis Presley, "Keep a Knocking" o "Mystery Train", además del tremendos blues como "Freedom For the Stallion" y "Every Blues You´ve Ever Heard" o temas cercanos al boogie rock como “Ride My Train”, “I´Ve Got Eyes For You Baby” o “Slow Down”.

Buffalo Springfield-Buffalo Springfield (1966)

Buffalo Springfield es una de las bandas fundamentales del folk, country y rock estadounidense de todos los tiempos.
Y no es para menos si tenemos en cuenta que en una misma banda se encontraban tres de los mejores músicos de toda la historia como son Neil Young, Stephen Stills y Richie Furay.
Ellos crearon escuela y muchos grupos y artistas en las siguientes décadas fueron influenciados por estos tres grandes compositores.
Un disco que se recuerda sobre todo por el enorme "For What Is Worth", compuesto por Furay, una canción inmortal que nunca pasará de moda.
El eclecticismo de Stills y la constancia de Young también dieron sus frutos en forma de grandes temas como "Go And Say Goodbye" de Stills, un claro ejemplo del country-rock germinal, o los rockeros "Pay The Price" y "Everybody's Wrong", en donde se acercaban al rock duro en sus aclamados shows en vivo.

Bryan Ferry-Boys and Girls (1985)

Casi 12 años después de la publicación del primer álbum de Roxy Music titulado homónimamente como la banda, su fundador y líder Bryan Ferry se dedica exclusivamente a su carrera en solitario, la cual ya había empezado paralelamente a su banda madre en 1973 con la publicación de su disco debut “These Foolish Things”, al que seguirán una serie de álbumes como “Another Time, Another Place” (74), “Let's Stick Together” (76), “In Your Mind” (77), y “The Bride Stripped Bare” (78), todos ellos de desigual fortuna, aunque los dos primeros alcanzaron los primeros puestos de las listas británicas.
Roxy Music surgieron en el fervor de la moda glam, pero con personalidad mas que suficiente como banda de rock, y apoyados en la carisma de sus miembros, especialmente de Bryan Ferry, el disidente Brian Eno y el guitarrista Phil Manzanera, convirtiendolos en una de las de mayor peso en la música británica a lo largo de la década de los 70. El estilo Roxy Music primero basado en la fascinación glam, adornándose con plumas y lentejuelas y más tarde afianzándose en los márgenes del equilibrio entre la calidad de los álbumes y la comercialidad de los singles, fue saturado luego con la imagen retro y reverdecido a finales de los 70 con la vuelta del grupo, lo cual la convierte en una de las bandas más atractivas que el pop rock haya producido jamás con una amalgama de grandes trabajos como   “For Your Pleasure” (73), “Stranded” (73, “Country Life” (74), “Manifestó” (79) o “Flesh and Blood” (80)   
Ya en 1985 después de publicar con Roxy Music el aclamado “Avalon” (82), Ferry graba el trabajo “Boys and Girls”, álbum que lo consagró definitivamente llegando al primer puesto en los charts ingleses.
Temas como "Slave To Love", "Don't Stop The Dance", "Valentine" o “Windswept”, conformaban un trabajo que rebosa lujo, ensueño, sensualidad y romanticismo, demostrando la versatilidad y calidad del cantante, el cual es considerado unos de los dandys del pop rock por su elegancia y sofisticación.

Justin Hayward & John Lodge-Blue Jays (1975)

En 1975 The Moody Blues no habían publicado ningún álbum desde hacia tres años, de hecho el último había sido "Seventh Sojourn" (1972) y no editarían nada nuevo hasta tres años después con "Octave" (1978).
El motivo principal había sido el agotamiento de los integrantes, luego de tantos años publicando álbumes y las constantes giras mundiales que la banda había realizado durante mas de un lustro consecutivo.
Sin embargo eso no quiso decir que sus integrantes por separados también estuvieran alejados del mundo de la música, y por ello su guitarrista y el máximo compositor de la banda, Justin Hayward junto al bajista John Lodge, publicaron ese mismo año de 1975 el disco "Blue Jays".
Ambos dejaron con este trabajo una de las obras más bellas que se recuerdan, con grandes armonías vocales, un acompañamiento instrumental sencillo pero muy efectivo, ricas melodías y emocionantes composiciones que en parte nos recuerdan, como no podía ser de otra manera a su banda madre.
Un álbum memorable que contiene temas extraordinarios como la melódica "Remember Me, My Friend", la melancólica "Night Winters Years", o la extraordinaria "Blue Guitar", considerada una de las canciones más bellas jamás compuestas por Justin Hayward.
Este último lanzado como sencillo promocional que no aparecería en el disco final hasta su reedición años después, fue grabado junto a la formación completa de los míticos 10CC.

Creedence Clearwater Revival-Green River (1969)

En 1969 el Creedence Clearwater Revival tomó aún más riesgos y profundizó en sus textos de manera muy brillante con su álbum "Green River", superando incluso a su anterior "Bayou Country" en calidad musical.
Con un sonido más rotundo y potente es también el disco más oscuro y lúgubre, aquí aparecen las composiciones de John Fogerty sin complejos, que se pueden percibir en sus letras pero también en las melodías de su música.
Fogerty intentaba no encasillarse como una banda bucólica con su propio lado oscuro, que al final resultaría tan atractivo como adictivo.
"Bad Moon Rising" y "Green River" son dos ejemplos muy claros, pero incluso el medio tiempo "Lodi" tiene esa connotación de desesperación.
El álbum escalaría a las primeras posiciones en las listas de éxitos norteamericanos y británicas y obtuvo un triple disco de platino.

The Hollies-Greatest Hits (1973)

Aunque la edad de oro de The Hollies se concretó en tan solo cinco años, esta banda es una de las más grandes de la historia, y si no hubieran existido, el pop no sería como tal y como lo conocemos hoy en día.
Eclipsados a lo largo de los años por los grandes del sonido de la invasión británica (Beatles, Rollings, Kinks o The Who), The Hollies ocupan un lugar privilegiado en la historia del pop y el rock.
Sin embargo esta mítica banda tuvo el hándicap de que nunca lograron álbumes a su altura, todo lo contrario pasaría con sus singles, haciendo que su sentido del lirismo pop alcanzara niveles difíciles de igualar.
A lo largo de su carrera esta banda logró colocar más de 30 canciones en el UK Singles Chart y 22 en el Billboard Hot 100 USA, todas ellas magníficas canciones que llevaron a una especie de "Hollesmania" en los años 60 y 70.
Guiados por el genio Graham Gouldman, luego fundador de 10CC, Allan Clarke y Graham Nash, hasta que este último se largo para formar CSN&Y, la banda lanzó una impresionante serie de singles como "Bus Stop", "Carrie Anne", "Stop, Stop, Stop","Look Through Any Window”,"Long Cool Woman in Black Dress”, "He Ain´t Heavy, He´s My Brother”, "Just One Look”, "King Midas In Reverse”, "The Air That I Breathe” o "On a Carousel"
Todos ellos aparecen en numerosos álbumes recopilatorios que se han lanzado en las últimas cuatro décadas.

Talk Talk-The Colour Of Spring (1985)

"The Colour Of Spring" es el tercer álbum de la banda británica Talk Talk, considerado por muchos como su mejor producción, así como uno de los trabajos de mayor calidad de los años ochenta.
Lejos del sonido inicial donde el synth-pop y new wave eran la base de su estilo, aquí el grupo opta por sonidos más vanguardistas y experimentales, con cierta melancolía, pero conservando ese pop potente y solemne.
Especialmente notable es la participación de Steve Winwood con el órgano Hammond, proporcionándoles un ambiente sonoro que se mueve entre el rock progresivo y el space rock.
En este disco la banda está rodeada por más de quince músicos invitados, entre los que se encuentran entre otros David Rhodes, David Roach, Robbie McIntosh o el propio Steve Winwood, todo lo cual contribuye de forma significativa al enriquecimiento sonoro de una producción tan solemne como rica en matices musicales.
Ese enorme pasaje sonoro fruto de la gran cantidad de instrumentos utilizados, lo tenemos en el denso y maravilloso "I Don´t Believe In You", que se convierte en un clásico de Talk Talk.
También es memorable el ritmo "Living In Another World", donde nos recuerdan su etapa anterior, el íntimo "Chamaleon Day", con ese aura pesimista, la emocionante y tremendamente cautivadora "Give it up", donde se acercan bastante al estilo de Winwood en sus discos de la 80, y el hipnótico "Time it´s Time", como colofón de este impresionante disco que se encuentra entre los mejores de la década de los ochenta.

Iron Butterfly-In-A-Gadda-Da-Vida (1968)

Iron Butterfly son considerados para muchos como uno de los pioneros del Heavy Metal, para otros unos precursores del Rock Progresivo por sus largos desarrollos, fuera como fuera ambas fracciones tienen su parte de razón, su estilo esta repleto de atmósferas que discurren entre lo sofisticado y lo visceral, con connotaciones progresivas en muchos de sus temas y la pura exquisitez sonora, pero al mismo tiempo eran experimentales y vanguardistas, desarrollando un estilo único que mezcla las composiciones lisérgicas con el rock y el pop de los sesenta.
Formados en San Diego en plena costa oeste del ácido en boga en 1966, se trasladaron a Los Ángeles, el territorio de los reyes del blues blanco por aquel entonces, Canned Heat y su acid boggie que enloquecían a la comunidad hippie, allí empezaron a componer y en 1967 fichan por el sello Atlantic y graban su primer álbum con el título irónico de “Heavy”, un disco donde predomina un blues rock bastante potente con poderosos riffs fuzzeados y convirtiéndose en uno de los pilares en lo que será después llamado heavy blues junto con los Blue Cheer y su disco debut.
Un año después la banda publica su segundo trabajo “In-A-gadda-da-vida”, la obra cumbre de la banda, y versionada y reproducida en películas y series de televisión hasta la saciedad.
El álbum en sí se ve aupado por el tema que le da título, enorme ejercicio de rock psicodélico de diecisiete minutos que ocupaba toda la cara B del vinilo original. Una letra sencilla y un desarrollo instrumental complejo en el que destaca un increíble riff de guitarra y un solo de batería tremendo, ambos de los más recordados del rock, que se mantienen a lo largo de casi todo junto al riff de un bajo antológico, sobre el que los diferentes músicos hacen sus desarrollos y solos instrumentales.
El álbum vendió en sus dos primeros años más de 3 millones de copias, hasta llegar a los 20 millones en la actualidad, declarándose entonces como la primera banda de la historia en obtener un disco de oro/platino oficial, llegando al puesto número uno en numerosos países durante 1968.
Ya 1969 se publicaría el tercer Lp "Ball", una maniobra de la Atlantic Records que se apresuro rápidamente a publicarlo, debido al éxito de los anteriores álbumes con apenas varios meses de diferencia.
Este nuevo álbum volvía a ser disco de oro, e incluso superó en las lista a "In-a-gadda-da-vida", llegando al puesto número 3 de lo álbumes más vendidos del 1969, y al número 75 en las lista de  Billboard.
La banda mostraba en este nuevo trabajo un sonido más experimental que el anterior, basándose en mejoras de armonías vocales, acercándose poco a poco a tintes del acid-soul con ciertos toques gospel, sin dejar de lado la progresión también presente en bases de jazz-blusero.
Ya en 1971 publicaron su último álbum, el interesante, "Metamorphosis", que lejos de sus influencias hippies y lisérgicas de sus primeras obras, conforman un disco de hard blues rock con ligeros desarrollos progresivos.
Un año después la banda se disolvería definitivamente, aunque en 1975 harían un tímido intento de reflotar el legado con dos mediocres trabajos que pasarían totalmente desapercibidos.

21 Guns-Salute (1991)

El ex-guitarrista de Thin Lizzy, Scott Gorham fundó en 1991 una banda llamada 21 Guns con la que publicaría tres discos siendo "Salute", publicado en 1992, uno de los mejores y más subestimados discos de rock melódico de los noventa.
Junto al fantástico vocalista Thomas La Verdi, crearon temas electrizantes y potentes como "Walking", "Little Sister" o la pegadiza "Knee Deep", que fue todo un éxito entre los amantes del AOR más exquisito.
Grandes medios tiempos como "These Eyes", "Marching in Time" o "Just A Wish", conforman un elegante y sublime álbum de guitarras y grandes melodías vocales, que sin embargo paso desapercibido para el gran publico, aunque no así para los fanáticos del genero del AOR y el rock melódico.

10cc-The Original Soundtrack (1975)

En 1975, 10 CC publicó su tercer álbum titulado “The Original Soundtrack”, el cual es sin duda la gran obra maestra de esta mítica banda.
Con un inicio abrumador, este sorprendente álbum ya nos ofrece desde el primer minuto la mini ópera “Une Nuit A Paris”, que pronto fue comparada con el tema de Queen, Bohemian Rhapsody, lanzada muchos meses después.
Esta composición demostró la enorme creatividad de esos dos genios llamados Godley y Creme.
Sin embargo sería la canción “I´m Not In Love”, la que se convierte en el estandarte de este disco, que al final se convertiría en la obra de coronación de la banda y su compositor Gouldman, tema que define a la perfección el estilo de 10 CC.
Otra canción muy destacada es “Blackmail”, con su espectacular solo de guitarra final, la cual cierra la primera cara del disco cargada de música sublime.
La segunda cara del disco, sin estar a la altura de la primera, completa un trabajo donde la creatividad y la originalidad son el máximo exponente del mismo.
Este disco es un verdadero placer para los oídos escucharlo por su exquisito sabor en todas sus composiciones y la elegancia de su desarrollo instrumental.

Camel-Breathless (1978)

"Breathless" es un álbum controvertido para los fans de Camel. Hay que tener en cuenta que el disco sigue a los grandes "The Snow Goose", "Moonmadness" y "Rain Dances", por lo que a muchos de sus fans les pareció un álbum que no cumplía con las expectativas, con ciertos toques comerciales, pero con todo sin embargo es un digno trabajo que tiene piezas muy rescatables y de gran calidad.
Para este nuevo trabajo se repite la formación de su anterior álbum, aunque seria el ultimo disco de Peter Bardens con Camel. De hecho, la última pista, Rainbow's end, es David Sinclair quien toca los teclados. Durante la gira para presentar el disco, por primera vez encontramos seis componentes en lugar de los cinco originales: fuera ya Bardens del grupo, tenemos a Andy Latimer, Andy Ward, Mel Collins, Richard Sinclair, David Sinclair y Jan Schelhaas, que fue incorporado como apoyo a la banda.
El álbum contiene momentos memorables como la intensa y compleja "Echoes", el jazz progresivo "Wing and Prayer", el pastoral y delicioso "Starlight Ride", el rítmico y emocionante "Summer lightning" (con uno de los mejores solos de guitarra de Andy Latimer y uno de los más espectaculares que se hayan escuchado jamás), y el dinámico y progresivo "The Sleeper".
En definitiva, un disco elegante y de gran calidad con fragmentos progresivos de gran valor siempre llenos de sensibilidad y el toque especial que Latimer sabe poner en todo lo que crea y hace.

Atlanta Rhythm Section-A Rock´N´Roll Alternative (1976)

 

"A Rock´N´Roll Alternative", fue el primer gran disco de la Atlanta Rhythm Section, luego de haber publicado cinco meritorios y atractivos trabajos, el primero en 1972, con poca cobertura mediática que pasaron sin pena ni gloria, sin embargo todos ellos eran de gran factura y de notable calidad.
Enmarcados dentro del género del rock sureño, sería este sexto disco el que catapultaría su carrera convirtiéndose definitivamente en uno de los mejores exponentes del género.
Este trabajo incluyó uno de sus grandes éxitos, como es "So Into You", así como una serie de grandes canciones como la poderosa "Sky High", la melódica "Hitchhiker's Hero", la maravillosa balada retrospectiva "Georgia Rhythm" y la country "Neon Nites".
El álbum escalaría las listas de éxitos en los Estados Unidos con grandes ventas y muy buenas críticas.
El tremendo éxito de este disco supuso el inicio de la época dorada del grupo, que posteriormente se tradujo en varios discos de altísima calidad y de enorme éxito como "Champagne Jam" y "Underdog".

Johnny Rivers-John Lee Hooker At Whiskey a Go Go (1969)

Johnny Rivers es uno de los músicos legendarios del rock and roll por su estilo incomparable e inconfundible, pionero en el auge de los álbumes en vivo y dando la verdadera importancia a los músicos que lo acompañaban en vivo, haciéndolos notar en las portadas de sus álbumes.
Este guitarrista, compositor y productor estadounidense, nacido en 1942, comenzó actuar a los 14 años y pocos años después fue un habitual en el mítico local "Whisky a Go Go" de Los Ángeles, donde grabó varios discos en directo.
Uno de ellos fue este "John Lee Hooker At Whiskey a Go Go", grabado en 1967, y publicado en 1969, donde Johnny Rivers interpreta versiones de temas míticos de la época como "Sunny", "I Can´t Get No Satisfaction", "Got My Mojo Workin´", "CC Ryder", o la fantástica "Oda a John Lee Hooker / Satisfaction", un jam atípico del mejor blues.
Johnny Rivers ganó 16 discos de oro y ganó dos premios Grammy a lo largo de su carrera y aunque hoy es un músico olvidado por las nuevas generaciones, su legado es incuestionable como uno de los más grandes del rock de todos los tiempos.

Can-Tago Mago (1971)

Can es un caso extraño en la música rock, porque a pesar de ser una de las bandas de referencia del estilo progresivo, nunca han gozado de la popularidad que se merecen. Los alemanes son unos de los máximos exponentes del movimiento Krautrock y ávidos músicos a la hora de utilizar diversos trucos experimentales y empaparnos de su hipnótica música psicodélica.
Este álbum compite seriamente en popularidad con su trabajo "Future Days" publicado dos años después, pero "Tago Mago" es el responsable de descubrir el frasco de las esencias. No ha envejecido como lo hacen las grandes obras y sigue sonando maravillosamente bien, y lo demuestra directamente con grandes temas como  "Paperhouse", "Mushroom" o el extremadamente experimental "Aumgn".

Barclay James Harvest-Berlin A Concert For The People (1982)

El 30 de agosto de 1980 la Barclay James Harvest ofreció un concierto gratuito en la ciudad de Berlín, frente al Reichstag y muy cerca del famoso muro de Berlín.
En ese momento la banda estaba presentando su trabajo "Turn Of The Tide" y hay que recordar que en Alemania eran igual de populares que otras grandes bandas como Yes, Genesis o ELP.
Para muchos, este concierto tuvo algunas connotaciones políticas, como la recepción por parte de las autoridades de la ciudad y el inicio con el emblemático tema "Berlín".
Como anécdota, en este concierto, que sería prácticamente diez años antes de la caída del Muro, parte de los altavoces se situaron concienzudamente para que la gente detrás del muro también pudieran escuchar el concierto. Esa parte de la ciudad era el Berlin Oriental o lo que es lo mismo la Alemania del Este, que estaba detrás del muro, pero su confinamiento era eterno, o eso se pretendía.
Para entonces, la banda ya se había reducido a un trío (Holroyd-Lees-Pritchard), y fueron apoyados por Kevin McLea y Colin Browne tanto en teclados como en otros instrumentos.
El concierto fue todo un espectáculo con una banda que sonaba perfectamente compenetrada y con un sonido abrumador y con un magnífico repertorio de canciones protagonizadas por el precioso "Living Is Easy", el nostálgico "Mockingbird", el épico "Hymn" o el emocionante "Children of the Universe". Dos años después fue publicado un álbum en directo donde recogía gran parte de ese concierto y el cual obtuvo un gran éxito, principalmente en Alemania y en toda Europa. Esa tarde memorable ante más de 250 mil personas, la Barclay James Harvest, entró en la historia de Berlín por la puerta grande para siempre.

Pink Floyd-Atom Heart Mother (1970)

Para muchos este disco supuso el inicio del fin de la era psicodélica de Pink Floyd, para otros es un mero disco de transición que fue bastante despreciado por los fans, e incluso por la propia banda, y es que la ausencia de Syd Barrett todavía pesaba mucho como una losa y socavó en parte las ideas de los miembros del grupo.
Aún así, el grupo nos deja una suite enorme, la que le da título al disco y que se convierte en una de las piedras angulares del rock progresivo.
Mención especial es el trabajo a los controles de ingeniería de Alan Parsons, que logra un sonido glorioso, con todos los instrumentos sonando de manera sublime.
En "Fat Old Sun", ya se podía intuir hacia dónde iría la banda cuando componía David Gilmour, y en "Alan's Psychedelic Breakfast", encontramos a los Pink Floyd que sonaran unos años después con una pieza soberbia, donde Wright y Gilmour están increíbles, con un sonido excelso que dejaba claro el futuro de Pink Floyd.
El álbum fue un gran éxito en los Estados Unidos y en el Reino Unido, así como en muchos otros países, logrando ventas que superaron con creces el millón de copias.

Atlantic-Power (1995)

En 1995 una banda novel llamada Atlantic debutaba con un sorprendente y soberbio álbum titulado "Power", el cual pronto fue catalogado como uno de los grandes álbumes del rock melódico. La tristemente desaparecida compañía "Music For Nations" fue la encargada de publicar este imprescindible trabajo lleno de inmensas melodías que hicieron disfrutar a los fans del genero de medio mundo y que hoy en día siguen sorprendiendo a todo el que los descubre por primera vez.
Grandes canciones como "Power Over Me", "Nothing to Lose", o "Every Beat of My Heart" son más que suficientes para definir lo que Atlantic hizo en ese álbum. Si no fuera por la producción del disco, algo justa, sería una grabación considerada una obra maestra. Aún así, entra en el grupo de bandas que habiendo editado un solo disco alcanza la categoría de mitos dentro del estilo.
Un disco que mantiene la magia después de 25 años y que con toda seguridad perdurará en el tiempo.

John Waite-No Brakes (1984)

Cuando a principios de los 80 John Waite abandonaba la banda The Babys, con los que había grabado cinco álbumes de irregular éxito, comenzó una carrera en solitario publicando algunos de los mejores álbumes de AOR de esa década. Así el tema "Change", perteneciente a su debut Ignition (1982), se colocaría en los puestos altos de las listas y llamaría la atención de los fans del AOR (Album-Oriented Rock) y las emisoras de todo el país sobre este género.
Dos años después publica su segundo trabajo titulado "No Brakes" (84), este trabajo tuvo un gran interés a nivel mundial, especialmente en Europa y Estados Unidos, principalmente por el tema "Missing you", que llegó al número uno en el "Billboard Hot 100." Este corte, un medio tiempo magnífico interpretado con fuerza y sensibilidad a partes iguales, vendió casi dos millones de copias en todo el mundo y con el tiempo acabaría siendo versionado por destacados intérpretes entre los que destacan Tina Turner o Rod Stewart.
En 1988, Waite reunió a antiguos miembros de "The Babys" para formar el super grupo "Bad English". En 1989, la balada de Bad English "When I see you smile" (escrito por Diane Warren), también alcanzó un éxito importante, aunque poco tiempo después John Waite volvería a trabajar en solitario. Desde 1995, ha producido cinco álbumes como solista, algunos de ellos muy celebrados por los fans y la crítica especializada.
Algunos de esos álbumes como "Temple Bar" (1995), "When You Were Mine" (1997), "The Hard Way" (2004), o "Downtown Journey of a Heart" (2007) tuvieron muy buenas acogidas en el ámbito del AOR.

Absolute Elsewhere-In Search Of Ancient Gods (1976)

Absolute Elsewhere fue una efímera banda británica de rock progresivo que tenía entre sus filas al famoso baterista Bill Bruford, con quien grabaron en 1976 el disco "In Search of Ancient Gods", que estaba basado en un libro de Erik Von Daniken. Un álbum íntegramente instrumental, sin complejidades, bastante melódico y claramente progresivo.
Considerado un disco de culto hoy en día, con el podemos deleitarnos con temas como el planeador "Earthbound", el experimental "Moon City" o el gran "Miracles of the Gods", una suite compuesta por 5 partes con un comienzo clónico al estilo King Crimson, que da paso a una parte más romántica con un piano de cola y un par de momentos extraordinarios de Mellotrón como la experimental "The Gold Of the Gods" o "Toktela", donde encontramos magníficas instrumentaciones de teclados y sintetizadores barrocos.
Un gran álbum instrumental que combina pasajes sencillos y accesibles con muchos teclados con interludios experimentales y electrónicos, y que tiene el incentivo de escuchar y disfrutar del siempre presente baterista Bill Bruford.

Yes-Union (1991)

Después de limar las asperezas que existían principalmente entre Jon Anderson y Chris Squire en 1990, los dos grupos de trabajo ABWH (Jon Anderson, Bill Bruford, Steve Howe y Rick Wakeman ), por un lado y lo que quedaba de los Yes por el otro (aunque en realidad Yes estaba dividido entre Trevor Rabin por un lado y Chris Squire por el otro), todos ellos con diferentes grupos de músicos, grabarían y producirían el disco "Union" en seis estudios diferentes en Nueva York, Los Ángeles y París.
Este absurdo método de trabajo supondría mucho esfuerzo para un disco de tal magnitud, además de todo ello la portada volvería a ser obra de Roger Dean y regresaría Eddie Offord en el trabajo de producción.
El disco contenía, a pesar de una evidente poca cohesión entre ellos, un repertorio muy válido como el frenético "I Would Have Waited Forever", el excelente "Masquerade", el progresivo "Miracle of Life" o el interesante "Silent Talking", mientras que el resto del repertorio es más predecible, sin demasiado interés viniendo de esos talentosos músicos.
Un disco que sin ser un mal trabajo, era inferior al que había editado ABWH dos años antes, ya que adolecían de una consistencia musical entre las dos fracciones de la banda que grabó este curioso y digno álbum.

Eric Johnson-Ah Via Musicom (1990)

La prestigiosa revista Guitar Player eligió a Eric Johnson como "uno de los guitarristas más respetados del planeta", y lo cierto es que su elogio fue más que merecido porque la música de Johnson causa un impacto inmediato.
No podía ser de otra manera y es que las canciones de su tercer disco "Ah Via Musicom", son una mezcla compacta y elegante de rock, soul, blues, jazz, fusión, folk, new-age, clásica e incluso country y western que se puede escuchar todo en los once temas que completan el álbum.
No fue de extrañar, por tanto, que "Ah Via Musicom" llegara sin problemas al disco de platino en términos de ventas, y que el tremendo single "Cliffs Of Dover" ganara el premio Grammy 1992 en la categoría "Mejor Interpretación de Rock Instrumental", superando a Danny Gatton (88 Elmira Street), Rush (Where´s My Thing?), The Allman Brothers Band (Kind of Bird) y Yes (Masquerade).
40 minutos de enorme calidad, desde la intro "Ah Via Musicom" y su continuación con "Cliffs of Dover", muestran la tremenda demostración de su virtuosismo y elegancia, en una mezcla tan emocionante como antológica. El comienzo de "Cliffs of Dover", es con un solo de guitarra que impresiona al oyente más exigente, de un virtuosismo de alto nivel.
Incluso se atreve a cantar canciones como "Desert Rose", "High Landrons", "Nothing Can Keep Me from You" y "Forty Mile Town", donde muestra grandes dotes vocales. Las tres primeras son una demostración de rock directo y virtuoso, con alguna reminiscencia de Stevie Ray Vaughan y algunas guitarras eléctricas destacadas, mientras que "Forty Mile Town" es una balada que recuerda a Joe Satriani de la época de "Flying in a Blue Dream". El estilo de Eric Johnson aquí es tremendamente melódico, bien complementada por la soberbia instrumentación de cada nota.

Dare-Belief (2001)

La banda liderada por Warren Wharton; Dare, publicó en 2001 su cuarto disco titulado "Belief", donde ampliaron sus horizontes de gran hard rock y AOR, fusionándolo sabiamente con sonidos celtas de una manera elegante y eficaz.
Ya en su anterior "Calm Before The Storm", habían introducido elementos celtas, pero sin embargo no eran tan intensos y emocionales como en este nuevo disco, que fue su trabajo más exitoso y un clásico del rock melódico.
Repleto de grandes canciones melódicas y emocionales como "Silent Thunder", "White Horses" o "We Were Friends".

38 Special-Special Forces (1982)

La historia del 38 Special es cuanto menos curiosa ya que pasaron de ser una mera banda de rock sureño de mediana relevancia de finales de los setenta a convertirse paulatinamente en una de las mejores bandas del AOR mundial con una presencia masiva en las radios FM a partir de la década de los ochenta con enorme éxito.
Con sus dos primeros discos, 38 Special mostraron una gran calidad, sin embargo estaban a la sombra de los grandes del género como Lynyrd Skynyrd, The Allman Brothers Band o The Marshall Tucker Band, por lo que a falta de un mayor éxito, decidieron hacer un cambio de estilo derivando su sonido hacia el hard rock con tintes melódicos y mas comerciales, logrando con ello estar en la cúspide del rock norteamericano de los ochenta.
Ya con su disco de 1979 "Rockin Into The Night", iniciaron ese cambio decisivo, además de lograr la colaboración primordial en las composiciones del vocalista de Survivor, Jim Peterik.
Con su siguiente disco "Wild Eye Southern Boys", la banda consigue un disco de platino por sus ventas en un álbum con un claro corte AOR orientado a las emisoras FM.
En este trabajo Peterik incluso toma mucho más protagonismo al componer las cuatro mejores canciones del álbum.
Pero sería su quinto trabajo "Special Forces", el que se convertiría en la obra maestra de 38 Special con un sonido totalmente AOR, con varios éxitos en las radios FM norteamericanas, firmados todos ellos por el mencionado Peterik como "Caught Up In You", "You Keep Me Runnin" y "Chain Lightning".
El resto del disco es un compendio de temas de hard rock sureño bastante comercial y pegadizo que mantenían el elevado tono general de un álbum soberbio, que lograría un décimo lugar en las listas del Billboard y un disco de platino por sus numerosas ventas.

Frank Marino &, Mahogany Rush-Live (1978)

Frank Marino es uno de los mejores guitarristas de la historia, pero que al mismo tiempo uno de los más subestimado del rock.

A muy temprana edad daría sus primeros pasos en la música tocando la batería, que cambiaría por la guitarra en su adolescencia.
Su influencia del estilo de Jimi Hendrix siempre lo ha perseguido, incluso la prensa sensacionalista llegó a publicar que a los 17 años fue inducido por el espíritu del propio Hendrix luego de un viaje con LDS y fue quien le enseñó los conocimientos técnicos de la guitarra (esta teoría absurda siempre ha sido una broma de mal gusto para el propio Frank Marino).
Sin embargo, es cierto que su estilo muy personal está cargado de grandes dosis de adrenalina psicodélica y mucho blues, algo que era característico de Jimi Hendrix.
En 1970 funda su banda Mahogany Rush con la que publicaría una decena de discos, todos ellos trabajos intensos donde su rápido y fluido toque pentatónico y una gran cantidad de efectos pirotécnicos a gran escala eran la característica de su inconfundible estilo.
En 1978 publicó este "Live", grabado durante su gira mundial del año anterior presentando el disco "World Anthem", y en donde hizo un excelente repaso a lo más selecto de su repertorio con los Mahogany Rush.
En este directo, Frank Marino se muestra como un destacado guitarrista, mostrando una excesiva fluidez instrumental y hasta cierto punto agresiva, así como una sección rítmica demoledora compuesta por el baterista Jimmy Ayoub y el bajista Paul Harwood, quienes hacen de esta grabación algo deslumbrante y de enorme calidad y una de las mejores grabaciones en vivo de los 70.

The Groundhogs-Black Diamond (1976)

El noveno disco de The Groundhogs, "Black Diamond", tuvo como novedad el cambio de integrantes, algo muy común en la carrera de esta mítica formación.
Este nuevo álbum salió poco después del anterior "Crosscut Saw", aquí la guitarra de su líder Tony McPhee vuelve a ser inconmensurable, sacando de sus seis cuerdas todas las posibilidades que dicho instrumento puede dar, además de utilizar numerosos efectos, que sin embargo y a pesar de la destreza, pierde en la calidad de las composiciones que se orientan cada vez más al hard rock en detrimento del blues rock.
Aún así nos dejan temas destacados como el melódico "Live Right", el hard rock "You Love Keeps Me Alive" o el instrumental "Pastoral Future".

Alice Cooper-Billion Dollar Babies (1973)

Alice Cooper es uno de los mayores talentos del hard rock y el glam rock, además de uno de los artistas más fundamentales en la evolución de los diferentes géneros que supo combinar sabiamente con una personalidad poderosa y hechizante.
"Billion Dollar Babies" es sin duda alguna su disco más exitoso y al mismo tiempo el de mayor calidad.
Es una sabia mezcla de lo contenido anteriormente en sus álbumes  "Love It To Death" (1971) y "School's Out" (1972).
Un trabajo muy homogéneo, fluido y con un sonido pulido y brillante para una serie de canciones llenas de energía, sentimiento y creatividad.
"No More Mr Nice Guy" fue el exitoso sencillo de este álbum, pero no quitó mérito al resto de las canciones, todas ellas con un gran recorrido, como el sórdido "I Love The Dead", el poderoso "Billion Dollar Babies" o el enérgico "Elected", esta última una auténtica sátira de la política y como en otros grandes temas de Cooper, un claro exponente de la influencia de The Who en su música y su vital importancia en el punk rock posterior.
Sin duda un disco de rock imprescindible, con una producción exquisita de Bob Ezrin y una calidad musical al alcance de pocos artistas.

Aerosmith-Live Bootleg! (1978)

Live Bootleg! es un álbum doble en directo, que recopila grabaciones en vivo de Aerosmith desde 1973 hasta 1978.
El titulo de este doble álbum fue diseñado así para darle cierto carácter pirata, sin apenas retoques en el estudio e incluso con errores intencionados en el set list de canciones de la contraportada.
En el momento de su publicación, la banda ya estaba establecida comercialmente en Estados Unidos gracias principalmente a obras capitales como "Get Your Wings", "Toys In The Attic" o "Rocks", pero también porque la popularidad de Aerosmith iba en aumento por los problemas internos, principalmente derivados de las drogas, especialmente por sus dos lideres principales; Steven Tyler y Joe Perry.
Aún así el hard rock de esta mítica banda aquí no sufre para nada, donde sobresalen temas como "Sweet Emotion", "Last Child", "Black In The Saddle", "Mama Kin" o Walk This Way ", sin olvidar el eterno "Dream On", que se combinan con versiones como "Come Together" de los Beatles, "Mother Popcorn" de James Brown o "Train Kept A-Rollin" de los Yardbirds.
"Live Bootleg" es posiblemente la mejor grabación en vivo de Aerosmith, muy por encima del "Classic Live" publicado en la década de los 80 o "A Little South of Sanity" de finales de la década de 1990.

Van Halen-Van Halen II (1979)

Pese a superar a su álbum debut en las listas del Billboard, el segundo de Van Halen “solo” lograría vender cerca de los seis millones de copias, una cifra bastante alejada de los once millones que consiguiera su predecesor. En parte fue debido al sistemático sonido que atrevidamente lo copiaba, con un hard rock alegre e irresistible, en donde un inconmensurable Eddie Van Halen muestra su enorme virtuosismo con las seis cuerdas como queda demostrado en “Spanish Fly”. Las poderosas “Beautiful Girls”, “Dance The Night Away”, “Somebody Get Me a Doctor”, “Outta Love Again”, “Light Up The Sky”, “D.O.A.” o “You´re No Good”, son claros exponentes del mejor hard rock de la década de los ochenta. Llegados a este punto Van Halen consolidaba con apenas dos álbumes su atractivo estilo fundamentado en la excitante voz de David Lee Roth, la sólida disciplina instrumental, la revolucionaria guitarra de Eddie Van Halen y la demoledora sección rítmica compuesta por el baterista Michael Anthony y el bajista Alex Van Halen.

Ambrosia-Somewhere I've Never Travelled (1976)

Este grupo norteamericano ha pasado a la historia del rock como una de las bandas que han combinado la perfección instrumental con excelentes conjunciones vocales, a la par que eran grandes autores y talentosos músicos, quienes consiguieron colocar algunos de sus discos en los primeros lugares de las listas de éxitos.
Formada en Los Ángeles a principios de los 70, tardarían bastante en fichar por unas discográfica, aunque se ganaron una gran reputación entre el público de Los Ángeles gracias a su estilo con cierto aire progresista.
En esos primeros tiempos, la banda era fan de formaciones como la británica King Crimson, pero también de grupos de folk y country rock como CSNY y estaban empeñados en fusionar todas sus influencias musicales para crear su propio repertorio.
Ya en su primer disco "Ambrosia" (1975), los catapultaría a la fama por el éxito de los singles "Nice, Nice, Very Nice" y "Holdin´On the Yesterday".
Su enorme calidad instrumental y vocal llamaría la atención de Alan Parsons, quien  les produjo su segundo disco "Somewhere I've Never Travelled", que definitivamente los catapultó al estrellato con este soberbio trabajo.
En este disco la banda decide incrementar su apuesta por un sonido aún más complejo y pretencioso, para ello y como recomendación de Alan Parsons, contratan a Andrew Powell, quien estaría a cargo de los arreglos orquestales, propuesta de la que se puede escuchar desde la inicial y pomposa "And" o el lujoso "Somewhere I've Never Travelled", hasta la impresionante "Cowboy Song", pasando por "Dense With Me George" una especie de homenaje a Chopin, o la antológica "We Need You Too", que componen un álbum antológico del más alto nivel.

The Eagles-Hotel California (1976)

Este álbum es sin duda un hito en la historia del rock y considerado todo un clásico, y la contribución definitiva del rock norteamericano a los años 70. Si justo antes de este disco The Eagles habían entrado en el Olimpo de las grandes bandas de rock, con una serie de álbumes memorables, con este "Hotel California" lograron lo mas difícil aún, ser números uno en prácticamente el mundo entero y conseguir realizar un trabajo soberbio, pero también refinado, alejándose sutilmente de sus primeras raíces country y dotando su música de la perfección y la madurez, y así mismo dotando al country-rock el cenit estilístico que años después culminaron otros artistas como Garth Brooks o Randy Travis entre otros. Fue sin duda la entrada de Joe Walsh, guitarrista muy experimentado proveniente de los míticos The James Gang, sustituyendo a Bernie Leadon, quien le dio esa contundencia necesaria, que junto a las voces y melodías country del resto llevaron a editar un álbum excepcional. Un trabajo que gira en torno a los excesos de la sociedad californiana de los años 70, de ambientes opresivos y el resultado incierto de esa opulencia. Tanto la canción que da titulo al disco como “New Kid in Town”, fueron directos al numero uno, aparte de llevar en volandas al propio álbum vender mas de 19 millones de copias alrededor del mundo. Pero además contiene otros grandes momentos como "Life in the Fast Lane", "Wasted Time" o "Victim of Love", dejando con todas ellas sentada la calidad compositiva de todos los miembros de la banda, que no solo sobresalían en la faceta instrumental, sino también en el de la composición de las canciones. The Eagles posteriormente editarían otro gran álbum “The Long Run”, que aunque de una innegable calidad, nunca llego a superar esta magna obra maestra.

The Spencer Davis Group-The Best Of Spencer David group Featuring Stevie Winwood (1967)

Fundada en 1963, no sería hasta mediados de esa década cuando The Spencer Davis Group saltaran a la palestra con varios hits importantes dentro del beat británico.
Formados por Spencer Davis, Steve Winwood, Pete York y Muff Winwood, sus comienzos fueron dentro de los circuitos del jazz británico de Londres.
En 1965 después de fichar para el sello Fontana graban su primer álbum "Their First", en donde su estilo se deriva hacia sonidos mas pop con fuertes influencias R&B y de donde salen algunos de los hits mas importantes de la banda como "Keep on Running" que los coloca en el primer puesto de las listas británicas.
A partir de aquí una serie de singles siguen una suerte parecida; "Somebody Help me", "Gimme Some Lovin´" o "I´m a Man", lo que les garantiza enormes ventas, mientras que su primer álbum les concede una gran prestigio entre los críticos especializados y el mundo del pop británico.
Pero la suerte les durara bien poco, en 1967 Steve Winwood les abandona para formar Traffic, el resto de componentes hacen lo mismo para seguir diferentes proyectos y solo Spencer Davis sigue al frente de una banda que ya no volvería a recalar las mieles del éxito, pese a publicar una serie de buenos discos durante la siguiente década de los 70.

Andy Summers-The Golden Wire (1989)

Después de la disolución de The Police en 1983, Andy Summers seguiría una fructífera e interesante carrera en solitario, debutando en 1987 con su primer álbum "XYZ".
Poco después de este primer trabajo, el guitarrista consiguió un contrato con el sello de música new age y fusión "Private Music" con el que publicaría los siguientes cuatro discos.
"The Golden Wire" fue el segundo publicado bajo esta etiqueta (el primero había sido "Mysterious Barricades"), y el tercero cronológicamente de su carrera.
En "The Golden Wire" Andy Summers consigue su mayor creatividad compositiva e instrumental, con un disco cerebral, lento, atmosférico y ambiental, que cuenta con un conjunto de grandes composiciones temperamentales ejecutadas de forma magistral.
Solos sinuosos como los que podemos escuchar en "A Place Of Time" y "Earthly Pleasures", canciones enérgicas "A Thousand Stones", espectrales y misteriosas como en "Imagine You" o exóticas como "Piya Tose", muestran el talento único de uno de los guitarristas más peculiares del pop y rock de las últimas décadas del siglo XX.

Petra-Back To The Street (1986)

Petra es una de las más grandes y exitosas bandas norteamericanas de todos los tiempos, y que sin embargo son una de las mas desconocidas fuera de las fronteras de su país. Formada a principios de los 70, con su pegadizo estilo de hard rock melódico y con unas letras cristianas, publicaron una veintena de álbumes, la mayoría de ellos de gran éxito mediático y comercial, logrando vender millones de discos alrededor de todos los Estados Unidos y un éxito arrollador sin precedentes entre sus coetáneos del mismo genero, obteniendo entre otros galardones, cuatro premios Grammy, además de una docena de nominaciones mas y ser la primera banda de rock cristiano en ser incluida en el prestigioso Salón de Fama de la Música Gospel. Pioneras en su genero, durante las cuatro décadas de carrera, la constante de esta ha sido la entrada y salida de numerosos componentes, manteniéndose el guitarra y vocalista Bob Hartman el como único miembro de la formación original durante todos esos años. Con un estilo inicial del rock de raíces norteamericano, fueron evolucionando hacia el hard rock melódico que practicaron durante los años 80, una década en donde consiguieron su máxima popularidad colgando el cartel "sold out" en todos los grandes estadios de Estados Unidos. Memorables álbumes como ”Never Say Die”, “More Power To Ya”, “Not Of This World”, “Beat The System”, “Captured In Time and Space”, “On Fire” o “Back to the Rock”, avalan la impresionante carrera de esta legendaria formación estadounidense. En el 2005 y tras 30 años la banda daba por acabada su carrera, pese a que durante los siguientes años han seguido actuando de manera esporádica. Uno de sus mayores logros creativos llegaría con su octavo registro, este "Back to the Street" con el cual alcanzaron un cuarto puesto en las listas de éxitos en el apartado del Billboard Top Christian Albums. Producido por el ex-vocalista de Kansas, John Elefante, lograron capturar la esencia del A.O.R. de otras bandas del genero y la mezclaron con sus letras inspiradas en los Salmos de la Biblia, adornando con unos encantadores estribillos gospel, las afiladas guitarras rock y unas fabulosas e irresistibles líneas melódicas como queda demostrado en "Back to The Street", "You Are I Am", "King´s Ranson", "Fool´s God", "Thankful Heart" o "Run For Cover".

Fish-Field Of Crows (2004)

Octavo trabajo de Fish, en el que por primera vez no utiliza el álbum conceptual, sin embargo las imágenes y referencias a cuervos aparecen en varias ocasiones.
"Field of Crows" parece más una brillante colección de canciones que una obra en su totalidad y donde Fish reafirma su enorme experiencia como poeta y compositor de canciones emotivas.
Sin que sea un disco de rock progresivo habitual, si es cierto que aquí se dan los elementos necesarios para dicho estilo, con arreglos complejos e inteligentes y una producción exquisita.
Fish siempre ha sabido dar a sus obras temas autobiográficos, letras con significados profundos, historias misteriosas y un enorme sentido literario.
Incluso hay momentos para volver atrás y añorar su tiempo como líder de Marillion como lo demuestran las enormes "The Field" o "Lost Plot", o canciones íntimas con las hermosas "Scattering Crows", "Shot The Craw" o "Exit Wound", sin dejar de lado el vigoroso rock como "Innocent Party" o "Old Crow", e incluso acomete un ejercicio de rock psicodélico en la estupenda "Numbers".

Dave Meniketti-On The Blue Side (1999)

Dave Meniketti es un formidable guitarrista que inició su carrera en la banda de hard rock Y&T a mediados de la década de 1970, con la que grabaría una decena de discos, algunos de ellos de notable éxito, culminado con éxitos mundiales como "Don´t Wanna Lose","Mean Streak" o "Summertime Girls", pertenecientes a discos de enorme calidad como "Earthshaker","Black tiger"o "In Rock we Trust", forjando así una extensa y exitosa carrera con esta banda.
En 1999 lanzó su primer álbum en solitario titulado "On the Blue Side", donde demostró su pasión por el blues.
En ese disco hay tres versiones, muy distintas entre sí pero con un denominador común: el blues.
Comenzando con una de las mejores canciones compuestas por James Brown en toda su carrera, "Man's World", seguida del clásico de Mose Allison, "Parchman Farm", y el extenso paseo de guitarra de "Loan Me a Dime" de Boz Scaggs.
En "Man´s World" Meniketti no solo lograría superar la versión original, sino también demostrar el talento sobrenatural de este músico con las seis cuerdas.

The Stone Roses-The Stone Roses (1989)

A finales de los ochenta, The Stone Roses presentaban su álbum debut en el cual mostraban la cara alegre y desenfadada del llamado britpop, con una serie de canciones que heredaban los sonidos del pop-rock de The Beatles y el folk psicodélico de The Byrds de los años 60. Fundados en la ciudad de Manchester unos años antes por el vocalista Ian Brown junto al bajista Gary "Mani" Mounfield, al baterista Alan John "Reni" Wren y al guitarrista John Squire,  crearon una colección de piezas melódicas y muy sencillas con sabor contemporáneo. Este debut es considerado una de obras fundamentales en el desarrollo y la evolución del denominado movimiento Manchester de finales de los 80 y principios de los 90. Desde marcos psicodélicos "Don't Stop", hasta los acordes y las atractivas voces de "Waterfall", pasando por las destacadas pop rock "I Wanna Be Adored", "Made of Stone" y "Bye Bye Badman", la hermosa "Lizabeth My Dear" o la compleja "I Am the Resurrection", conforman entre todas un trabajo que fue muy apreciado por la critica y un rotundo éxito en las listas de medio mundo.

The Hooters-Nervous Night (1985)

"Nervous Night", el segundo lanzamiento de los norteamericanos The Hooters, no solo es uno de los mas aclamados álbumes de los años 80, también es el que determinaría el status definitivo de esta excelente banda. Si con su debut "Amore" lanzado varios años antes bajo un sello independiente, no lograrían el despegue mediático ni comercial, con "Nervous Night", bajo la discográfica Columbia, esta banda originaria de Philadelphia, alcanzaron confeccionar uno de los trabajos mas distendidos y desenfadados del año 1985, gracias a un repertorio compuesto por canciones que se movían entre la new wave, el folk, el rock melódico y el reggae. Su alineación estaba formada por Eric Bazilian (guitarra, teclados, mandolina, saxo y voz), Rob Hyman (teclados y voz), Andy King (bajo), John Lilley (guitarra) y David Uosikkinen (batería). Las entusiastas voces de Bazilian y Hyman y el esporádico uso de instrumentos como las mandolinas, les otorgan ese distintivo sonido como muestran las pop rock "And We Danced" y "Day By Day", la contundente rock "All You Zombies", la dramática "Where Do The Children Go", la melódica "Don´t Take My Car Out Tonight" o la desenfadada "Hanging On A Heartbeat". La enorme calidad del álbum, mas los dos millones de copias vendidas en el mercado norteamericano, la convirtieron en una de las clásicas bandas del pop rock estadounidense de la década de los ochenta.

Dream Theater-Distance Over Time (2019)

Con su decimocuarto álbum "Distance Over Time", la banda neoyorquina Dream Theater volvieron a recuperar su filosofía inicial de heavy metal progresivo y directo, tras el arrebatador pero incomprendido "The Atonishing" (2016), un trabajo demasiado sofisticado y retorcido para muchos de sus fans más incondicionales. En esta nueva entrega la formación liderada por Jordan Rudess y John Petrucci vuelven a contar con la habitual estructura metálica repleta de melodías adornadas con pasajes progresivos y orquestales. Desde dinamicos lienzos gratificantes "Untethered Angel", hasta himnos accesibles "Barstool Warrior", pasando por refinadas piezas como "Out Of Reach", potentes e intensas canciones de metal progresivo "Paralyzed" y "Fall into the Light", hasta el metal mas obsesivo de "Room 137" o los rítmicos acordes del bajo de John Miyung con el funk metal de "S2N", conforman con todas ellas una vuelta sus origenes con un resultado tan brillante como sugestivo.