Algún tiempo después y tras unas intensas reuniones entre los restantes miembros de la banda, decidieron continuar y meses después completarían el tercer álbum de estudio “Eat a Peach”, que saldría a la venta a principios de 1972.
Después de unos meses de constantes conciertos, en noviembre de 1972, la banda volvería a enfrentarse a otra tragedia, (en medio de la grabación del álbum que aquí nos ocupa), esta vez seria el bajista Berry Oakley, que fallecía de manera parecida en otro accidente de motocicleta a escasos metros donde Duanne había perdido la vida.
Después de volver meditar la continuación de la banda, los miembros restantes, Gregg Allman, Dickey Betts, Jai Johanny Johanson, Butch Trucks y Chuck Leavell, deciden continuar y para ello reclutan al bajista Lamar Williams, para cerrar la formación, con la que terminan de grabar el álbum "Brothers And Sisters", que podemos considerar como su particular restablecimiento creativo y una de sus obras más relevantes.
Publicado en 1973, fue un momento en que la banda se enfrento a la difícil misión de dar forma al primer álbum sin la presencia de un genio y uno de los grandes iconos de la música rock como fue Duane Allman.
“Brothers and Sisters” se convirtió en una de sus mejores obras, en donde aparecen dos de sus clásicos, como son el himno de southern rock, "Ramblin´man", y el instrumental "Jessica", que cuenta con una jam improvisada extraordinaria, además de otros soberbios cortes como la diabólica "Southbound", la intensa bluesy "Jelly Jelly", las extraordinarias "Wasted Words" y "Come and Go Blues", o la country "Pony boy".
"Brothers And Sisters", se convertiría en uno de sus mayores éxitos de ventas, despejando todo tipo de dudas y demostrando la profesionalidad, la creatividad y el enorme talento de una de las mas grandes bandas del rock and roll.
En esos años la formación había sido inalterable con los guitarristas Eric Bloom y Donald Buck Dharma Roeser, el teclista Allen Lanier, el bajista Joe Bouchard y el batería Albert Bouchard, además de los letristas Richard Meltzer y Sandy Pearlman, autores de las letras profundas e inteligentes repletas de alusiones a temas religiosos, mitológicos, metafísicos o alquímicos que la banda siempre mostro en todos sus álbumes.
A principios de 1975 se publicaría el cuarto disco de la banda y el primero en directo, que fue grabado durante la gira del anterior “Secret Treaties” en diferentes localizaciones de Nueva York, Washington, Seattle y Long Beach en California.
En "On Your Feet Or On Your Knees", la banda derrocha una gran energía por todos los surcos del doble Lp con canciones incendiarias y poderosas con grandes riffs de hard rock y heavy metal psicodélico.
Desde el "Subhuman" inicial, hasta la versión de Steppenwolf, "Born to be Wild", que cierra el disco, pasando por los salvajes y viscerales "Hot Rails to Hell" y "The Red & The Black", el pletórico "Buck's Boogie", el magnífico "Then Came The Last Days Of May”, la atmosférica "7 Screaming Diz-Busters" o el contundente rock "Me 262".
En definitiva “On Your Feet Or On Your Knees” es otro de los dobles en directo esenciales e imprescindibles de la década de los 70, que sin embargo esta oculto injustamente tras otros de mayor impacto mediático, pero que para ser justos no esta por debajo de ninguno de ellos.
Como era norma habitual en Zappa, para esta nueva grabación contaría con un lujoso plantel de músicos colaboradores en donde destacaban el violinista Jean-Luc Ponty, el teclista George Duke, el bajista Tom Fowler o los habituales Ian Underwood (instrumentos de viento) y la percusionista Ruth Underwood, además de la participación de Tina Turner en los coros, aunque nunca aparecería en los créditos oficiales por motivos contractuales.
Producido por el propio Frank Zappa, aquí sigue mostrando su sátira de costumbre y su retorcido humor negro, en donde temas como el sexo, la critica social y otros polémicos asuntos son su típico denominador común con sus controvertidas letras.
Sin embargo pese a la accesibilidad, musicalmente hablando, esta siguen siendo bastante compleja, como queda demostrado en “Zomby Wolf”, donde los metales, las guitarras, las percusiones y la sección rítmica, junto al sobresaliente violín de Jean-Luc Ponty dejan un soberbio y sofisticado tema que navega entre el jazz rock y los sonidos mas vanguardistas.
Otros temas destacados son las explícitas “Fifity Fifty”, “Dinah-Moe Humm” o “I´m The Slim”, sin dejar de mencionar el característico sonido Zappa que aparece con la sublime “Montana”.
La dinámica pieza que da titulo al álbum tiene momentos cercanos a los sonidos espaciales, mientras la oscura y atmosférica “The Big Sleep In Searchof Hades”, es uno de los momentos mas sólidos del álbum. Sin embargo llegados a este punto aparece “3 am At the Border Of The Marsh From Okefenokee”, una inquietante pista de cerca de nueve minutos de escalofriantes sonidos que nos sumergen como su titulo indica, en los tenebrosos pantanos de Florida. “Invisible Limits” es la pieza mas larga en la cual nuevamente salen a relucir los sonidos espeluznantes que van en crescendo, para acabar en un final mas apacible y bello con sonidos de piano y un emulador de flauta.
“Stratosfear” se convertiría junto a los emblemáticos "Ricochet", "Phaedra" y "Rubycon", en el mayor apogeo creativo y comercial de TD, y una parte esencial del rock progresivo electrónico.
Para ello Fripp reorganizo la banda con una nueva formación compuesta por John Wetton, Bill Bruford, David Cross, Jamie Muir y Richard Palmer como letrista.
Pero al mismo tiempo “Lark´s Tongues In Aspic” se convirtió en el álbum mas complejo, intrincado y menos accesible de King Crimson, con sonidos desconocidos y extraños, sobre todo en las percusiones, un estilo mas tenebroso y agresivo y que en muchos momentos resultaba casi asfixiante.
La pesada y brillante “Lark´s Tongues In Aspic, Part One”, es uno de los mejores instrumentales del grupo, en donde la perfecta sección rítmica, los pesados riffs, el desarrollo del violín y el dramatismo de las voces ocultas y espeluznantes, la convierten en una pieza descomunal.
La efectiva y jazzistica “Book Of Saturday”, rebaja la tensión de demencia incontenida de la anterior, mientras la delicada “Exile” repleta de bellas melodías gracias a los solos de Fripp y Cross bajo el manto de un poderoso mellotrón, la convierten en otra de las piezas culminantes del álbum.
Sin llegar a las excelencias de las anteriores llega la contundente “Easy Money”, que es la antesala de las antológicas y soberbias instrumentales “The Talking Drum” y “Lark´s Tongues In Aspic, Part Two”, en donde la exploraciones de la percusiones por parte de Muir y la batería de Bruford, construyen junto a los solos de violín de Cross, unos desarrollos musicales in crescendo fabulosos, para concluir con el tosco sonido de la guitarra de Fripp, combinado con unas líneas de bajo inventivas excelentes, demostrando las grandes influencias que el free jazz tiene en esta obra maestra absoluta del rock progresivo.
Ya esta orientación se empezaría a intuir en su sorprendente cuarto álbum, el épico ”Worlds Apart (1981) y ratificando esa inclinación en este “Heads Or Tales” publicado en 1983.
Sin embargo aquí incluso se acercan al sonido característico y comercial que otras bandas coetáneas hacían por entonces, con un pop sofisticado repleto de teclados, guitarras poderosas y cristalinas y unas voces adictivas.
“Heads Or Tales”, contiene una exquisita colección de elegantes y refinados temas como “Cat Walk”, “The Flyer” o “The Sound Of Stranger”, mientras la vena progresiva de sus trabajos anteriores esta presente en el corte “The Vendetta (Still Helpless)”.
La recepción posterior del álbum, lo auparía hasta los primeros puestos de muchos países europeos como Alemania, en donde consiguieran un disco de platino por sus enormes ventas o en su país natal donde lograrían un disco de oro.
Ese cambio tan radical les llevaría a recibir cierto rechazo por parte de sus fans y de la critica especializada, hecho este que seria crucial para que en su siguiente obra volvieran a los parámetros musicales característicos de su álbum debut.
"Last Autumn's Dream" es un disco que incluye muchos conceptos, mucha experimentación, un toque de fusión, sonidos inspirados en la tradición japonesa, folk, jazz y un rock progresivo al uso.
En esta tercera entrega la banda incorporaría un nuevo guitarrista a modo de músico invitado, David Duhig, mientras el resto lo conformaban el bajista Glyn Havard, el guitarrista Tony Duhig, el percusionista y flauta Jon Field y el batería Allan Price. Otro hecho relevante es que este tercer álbum seria el ultimo bajo el sello Vertigo, poco después de su publicación, la banda firmaría con la discográfica Islands Records, con quienes lanzarían sus cuatro siguientes obras.
Musicalmente en esta tercera entrega, Jade Warrior fusionan la música tradicional japonesa con sutiles inclinaciones hacia el rock progresivo, fusionando los sonidos ancestrales de las flautas y las percusiones de Jon Field, con los ecos de la guitarra exótica de Tony Duhig, obteniendo con todo ello una fusión de sonidos experimentales, jazz, folk y elementos atmosféricos muy cercanos al space rock.
Originalmente llamados Hunter, esta banda se había labrado una gran reputación en el circuito de pubs y locales de conciertos al norte de Londres a finales de los 60. Su formación estaba comprendida por Terry Clark (voz), Mick Clarke (guitarra), Sid Fairman (guitarra), Paul Roberts (bajo) y Jeff Seopardie (batería). Con un estilo que navegaba entre el acid rock y el heavy rock con pinceladas de la psicodélica imperante de la época siguiendo la estela de bandas punteras como The Jimi Hendrix Experience, Led Zeppelin o Cream, pronto llamarían la atención por su innegable talento y calidad. En 1970 lograrían grabar un álbum autofinanciado, el cual fue producido por Roy Thomas Baker, un avezado productor que mas tarde se haría famoso por ser el ingeniero de sonido de algunos de los álbumes de Queen, Journey o Hawkwind entre otros muchos mas. Una vez completado el álbum y a la espera de conseguir un contrato con una discográfica, los masters originales quedaron almacenados en los estudios de grabación, para su posterior lanzamiento de manera oficial.
Sin embargo poco después, las cintas originales fueron robadas de los estudios donde estaban guardadas y terminarían en manos de un personaje llamado Adrian Miller, quien reclamo el titulo de la producción del álbum y vendió los derechos del mismo, al sello discográfico Bell para su publicación, no antes incluso de cambiar el nombre del grupo por el de Orang-Utan y diseñar una portada, la cual por cierto parece obra de un crío de primaria.
Poco después la banda de manera accidental se entera de que su álbum fue publicado sin su consentimiento y para colmo de males, firmado con un nombre diferente al suyo.
Este extraño episodio precipitaría la disolución del grupo poco tiempo después al no recibir ningún tipo de regalías sobre el disco publicado y financieramente verse abocados a la quiebra al invertir todo su dinero en la grabación del mismo.
Este único y extraño álbum fue publicado solo para el mercado alemán y estadounidense, otra de las desgracias del grupo, al no poder verlo ni siquiera publicado en su país de origen, hecho el cual tampoco ayudo para poder intentar reclamar los derechos sobre el material publicado.
Musicalmente este oscuro y perdido álbum muestra las grandes capacidades de su vocalista Clarke, unos fabulosos riffs de guitarras y unas brillantes y efectivas composiciones como queda demostrado en la contundente “I Can See Inside Your Head”, con ese sabor psicodélico de finales de los 60, la hard blues rock “Slipping Away”, la zeppeliana "Chocolate Piano", las polvorientas con raíces sureñas "Fly Me Hight" y "Country Hike" o la experimental "Magic Playground”.
Sin embargo además de este importantísimo hecho, también fue su trabajo mas melódico y relajado, en contraste con sus poderosos y contundentes álbumes anteriores de rock and roll, rhythm and blues y los sonidos sureños tan característicos del músico originario de Michigan.
Aquí prevalecen los medios tiempos y las melodías como queda demostrado en los cortes “Against The Wind”, “You´ll Accomp´ny Me” o “Fire Lake", pero sin dejar de lado su enérgico estilo como muestran “The Horizonal Bop”, “Betty Lou´s Gettin´Out Tonight” o “Her Strut”.
Con cinco millones de copias vendidas y dos premios Grammy, Bob Seger seguía su senda triunfante, que continuaría con los siguientes “The Distance” (1982), “Like A Rock” (1986), “The Fire Inside” (1991), “It´s A Mystery” (1995) y “Face The Promise” (2006).
La principal diferencia entre estos dos músicos estaba en el fuerte énfasis espiritual que Livgren quería imprimir a las letras de las canciones, algo que no era de agrado del menos filosófico Walsh. En otras palabras, Walsh quería cantar sobre temas mas terrenales, y Livgren sobre temas religiosos y espirituales, debido principalmente a su condición de devoto a la fe cristiana.
Al mismo tiempo los ejecutivos de la discográfica presionaban a la banda para volver a tener un gran impacto comercial, y es que después de tres álbumes multiplatino consecutivos, el siguiente “Monolith” “solo” conseguiría un millón de copias en ventas.
Así las cosas, el resto de la banda estaba dividida entre las exigencias de la discográfica y las orientaciones musicales del rubio guitarrista y las del vocalista, lo que provocaría que a la finalización de la gira posterior a este álbum, este ultimo decidiría abandonar Kansas hasta veinte años después, cuando regresaría para participar en las grabaciones del “Somewhere To Elsewhere” (2000).
“Audio-Visiones” fue grabado en medio de una tensas sesiones, con un Livgren presentando al resto de la banda unos arreglos sólidos pero que a la vez se mostraba inflexible con las decisiones de Walsh y en menor medida con la del guitarrista Richard Williams y el batería Phil Ehart, que tampoco estaban muy convencidos en convertir al grupo en un espectáculo de avivamiento itinerante y espiritual. Sin embargo y como consecuencia de sus obligaciones contractuales, ellos se debían al sello discográfico y finalmente todos estuvieron de acuerdo que por encima de todo privaba la calidad del trabajo bien hecho, principalmente por parte de Livgren. Musicalmente “Audio-Visiones” presenta una musicalidad que difiere en cierta medida de sus obras anteriores, con un mayor énfasis en la cantidad de coros, una característica no muy habitual en Kansas hasta aquellos momentos.
La inicial “Relentless” muestra todo lo dicho anteriormente con un tema AOR tanto en su estructura musical como narrativa, que sin embargo conserva el sonido peculiar de Kansas. La melódica “Anything For You” de Walsh es la antesala del hit del álbum “Hold On”, un medio tiempo adictivo y conmovedor, mientras la siguiente y vibrante “Loner”, la segunda composición de Walsh, es uno de los temas mas cortos grabados por la banda jamás, una canción que se aleja totalmente de los parámetros progresivos. La solida “Curtain Of Iron”, una versión arreglada de un tema de Livgren llamado “Save The Children”, en la que describe la difícil situación de los niños en la Europa del Este, da paso a la tercera composición de Walsh, la rock orientada a las radio formulas “Got To Rock On”. Los dos siguientes cortes “Don´t Open Your Eyes” y “No One Together” son los momentos mas progresivos del álbum, volviendo al sonido característico del grupo, para acabar con las piezas mas sombrías de “Audio-Visions”, la intensa “No Room For A Stranger” y la introspectiva “Back Door”.
La recepción posterior del álbum tuvo un menor impacto comercial que todas sus anteriores obras, llegando no obstante al medio millón de copias y un disco de oro por sus ventas.
Si con el anterior y fuertemente country “Desperado”, The Eagles mostraron su lado mas acústico con temas como el propio que da nombre al álbum, o otros como “Twenty-One”, “Tequila Sunrise” o “Saturday Night”, también es cierto que ya empezaron a mostrar leves muestras de su lado mas rock con “Out of Control” o las melódicas “Certain Kind of Fool” y “Outlaw Man”. Para este tercer “On The Border” la banda opta por un nuevo productor, relevando al mas fino y melodioso Glyn Johns por el enérgico Bill Szymczyk, aunque el primero también estaría en las labores de producción de manera secundaria.
Todo ello se ve traducido desde el principio con las potentes country rock “Already Gone”, “On The Border”, “James Dean” y “Good Day in Hell”, que son el contrapunto y el equilibrio perfecto de las mas melódicas y acústicas “Midnight Flyer”, “My Man”, “Ol´55” y “The Best of My Love” o los medios tiempos “Is It True” y “You Never Cry Like a Lover”. Esta progresión hacia sonidos mas rock se vio fortalecido al superar en las listas al anterior "Desperado” e igualando sus ventas con mas de dos millones de copias vendidas solo en los Estados Unidos.
Paladin se formó a partir de varios músicos de respaldo que estuvieron de gira con los Rolling Stones a finales de los 60 como eran el batería Keith Webb y el teclista Pete Solley. En 1970 completaron la formación con Peter Beckett al bajo, el teclista Lou Stonebridge y el guitarrista Derek Foley.
Su estilo estaba orientado hacia una gran variedad de sonidos en donde tenían cabida el jazz rock, el heavy rock, guiños a la música norteamericana, sutiles toques latinos y unas voces melódicas y adictivas, todo ello bajo la tendencia musical progresiva y psicodélica.
En este segundo álbum destacaban la jazz rock “Give Me Your Hand”, una verdadera cruzada de guitarras, teclados y percusiones contundente, en “Well We Might”, la banda pone la quinta marcha con un acelerado blues rock progresivo, o la frenética y poderosa hard rock “Get One Togheter”, mientras “Mix Your Mind with Moonbeams", es una epopeya de heavy prog, bañada en un viaje de ácido psicodélico extraño y oscuro, para terminar con “Watching the World Pass By", con una apertura de teclados y una armónica engañosamente ligera y alegre, la cual se convierte en el preludio para otra explosión gigantesca de poderoso tema de hard rock progresivo, conformando de manera arrolladora un álbum soberbio, que es muy apreciado por los prog heads y los fans de los sonidos heavy prog de los 70.
En alguna ocasión hemos comentado que casi todo esta inventado y que de alguna manera en algún momento de la historia alguien ideo y creo (obviamente de manera mas rudimentaria y dependiendo de los avances del momento), algo que hoy en día parece novedoso y que es atribuido a gente muchos años después, y esto es lo que ocurre con Beckett, una formidable banda que con su espectacular música, un híbrido entre el pop progresivo de The Alan Parsons Project, con esos espectaculares arreglos orquestales y los riffs del heavy rock dinámico que Iron Maiden explotaron muchos años después, se convirtieron en unos adelantados a su tiempo y en uno de los grupos de culto por excelencia.
Haciendo un poco de historia, esta banda fue formada en la ciudad de Newcastle a mediados de los 70 por el ex guitarrista de Yellow, Ken Mountain, el también guitarrista Ian Murray (hermano de Dave Murray de los mencionados Iron Maiden), el bajista Frankie Gibbon, el fantástico vocalista Terry Wilson-Slesser, y el batería Keith Fisher.
Sin embargo justo antes de la grabación de este único álbum, Ian Murray abandona siendo sustituido por el guitarrista Arthur Ramm.
Para la producción de este disco contarían con nada mas y nada menos que el líder de Family, Roger Chapman y fue publicado por el sello británico especializado en los sonidos vanguardistas, Island Records.
Este único álbum titulado homónimamente es uno de los mas grandes y mas injustamente desconocidos discos en la actualidad en cualquier pagina oficial de la música rock y sin embargo es enormemente apreciado por los melómanos y coleccionistas de las rarezas de la música progresiva de los 70.
Esta obra maestra comienza con la intro épica "Once Upon A Time…The End" que da paso a la siguiente "Rolling Thunder" en donde los complejos arreglos nos recuerdan lo que algun tiempo mas tarde harían The Alan Parsons Project.
La hermosa "Rainclouds" es la antesala de "Life´s Shadow" un soberbio corte que muchos años después fue utilizado por Iron Maiden para sacar algunos de sus pasajes musicales en el tema "The Number Of The Beast", algo que también harían con "A Rainbow´s gold" en su tema "2 Minutes To Midnight" de su álbum "Powerslave" en 1984.
El resto sigue teniendo una irresistible mezcla de rock complejo y sofisticado, melodías irresistibles con grandes instrumentaciones de guitarras, mellotrones y la voz inconmensurable de Wilson-Slesser.
El álbum pese a su enorme calidad paso desapercibido, poco mas allá del centenar de copias vendidas y a la vista del fracaso comercial, la banda se disuelve poco tiempo después, con un diferente signo profesional posterior de sus miembros, siendo Terry Wilson-Slesser quien tuviera una carrera mas fructífera, junto a Paul Kossoff en la banda Back Street Crawler, o como cantante ocasional en Michael Schenker Group, e incluso fue candidato a sustituir al fallecido Bon Scott en AC/DC a finales de los setenta.
Con ello también Pat Metheny cumplía primero, con uno de los registros que le debía a la ECM, y por otro y de paso, se aseguraba un brillante epilogo a su etapa con la discográfica germana.
Para dicha gira Pat Metheny había ampliado su banda con el percusionista y cantante brasileño Naná Vasconcelos, con el cual los temas cobraban una mayor dimensión atmosférica, con sus atrayentes coros y su sutil toque latino en las percusiones.
El resto estaba formado por su banda habitual, empezando por el teclista y mano derecha de Pat Metheny, Lyle Mays, el batería Danny Gottlieb y el bajista Steve Rodby, mientras el propio Pat se encargaba de las guitarras acústicas, eléctricas y el sintetizador de guitarra.
Por aquella época Pat Metheny aun no había derivado su música hacia derroteros cercanos a las influencias del rock, si bien es cierto que en algunos de sus anteriores trabajos había composiciones progresivas, pero siempre desde la arquitectura jazzistica. Temas como “Phase Dance” y “San Lorenzo” están sin embargo impregnadas de una grandeza verdaderamente sinfónica y progresiva en donde como era norma habitual, Pat Metheny pone todo su feeling en sus memorables solos, todo ello con unas melodías de piano y sintetizador muy apasionados, ejecutados de manera sobresaliente por Mays.
“Travels” este repleto de momentos encantadores como queda demostrado en la dramática y épica “As Falls Wichitsa, So Falls Wichita Falls”.
Como contrapunto a todo los dicho, la mas cercana a la música rock, la encontramos en la inicial “Are You Going With Me?”, uno de los temas mas carismáticos de Pat Metheny, con ese celebre solo interpretado con el sintetizador de guitarra.
Con “Travels”, Pat Metheny no lograría alcanzar el numero uno de su anterior “Offramp” en las listas del Jazz Billboard, logrando “solo” un meritorio octavo puesto, sin embargo si repetiría el máximo galardón a la mejor interpretación del Jazz Fusión del año 1984 en los premios Grammy.
En “Fragile” la banda ya presentaba de manera sustancial lo que en el álbum anterior “The Yes Album” se empezaba a intuir de manera aún muy sutil con sus derroteros musicales, como quedaba demostrado en “Your Is No Disgrace” o “Perpetual Change”, pero es en este cuarto disco donde explota toda esa creatividad contenida con unas composiciones memorables como queda demostrado en la inicial y atronadora “Roundabout”, todo un clásico del rock progresivo, la angustiosa “South Side Of The Sky” o la poderosa y agresiva “Heart Of The Sunrise”, temas todos ellos que contrastan con piezas creadas a modo de interludios como “Cans And Brahms”, “Five Per Cent For Nothing”, “The Fish” o “Mood For A Day”, en las cuales destacan la contribución de las interesantes aportaciones individuales de cada uno de los miembros de la banda.
También fue el primer álbum en el que contarían con Roger Dean como diseñador de sus portadas, algo que se mantendría durante las siguientes décadas. “Fragile” fue un álbum que tuvo una gran recepción a ambos lados del Atlántico, obteniendo unos puestos bastante altos en las listas de Estados Unidos y Inglaterra y unas ventas que superaron con creces los dos millones de copias vendidas.
La mala recepción posterior de este lanzamiento por parte de la critica y de gran parte de sus fans, que para ser justos tampoco fue tan mala cosechando puestos muy altos en las listas de éxitos a ambos lados de Atlántico, les llevaría a replantearse el camino a seguir en lo sucesivo. Así su siguiente movimiento discográfico significaría la vuelta a sus orígenes, repletos de sonidos acústicos, influencias blues y un desenfadado rock.
Esta vuelta a sus principios empezaría con su séptimo álbum “Beggars Banquet”, que desde su famosa y polémica portada, The Rolling Stones quisieron demostrar que su esencia seguía intacta de sucio y primitivo rock and roll, sin añadidos ni complejos arreglos como queda demostrado en temas como la impetuosa “Sympathy For the Devil”, uno de los mas memorables temas que esta banda creo jamás. Pero no solo de esta magnifica canción vivía este álbum, en el aparecen admirables cortes como la pesimista “No Expectations”, la soberbia “Jig-Saw Puzzle” o la incisiva “Street Fightin Man”.
Esa esencia blues de la que hablamos antes, esta presente en “Parachute Woman”, mientras los escarceos con la música tradicional norteamericana la encontramos en la country rock “Dear Doctor”, la folk “Factory Girl” y en la gospel “Salt Of The Earth”, para acabar así con otra de las monumentales obras que el combo liderado por Mick Jagger y Keith Richards dejaron para la posteridad.
Sin embargo, desgraciadamente también son conocidos por uno de sus conciertos, mas concretamente el ofrecido el 20 de febrero del año 2003, en el club The Station de la localidad norteamericana de West Warwick en el estado de Rhode Island, cuando un centenar de personas perecieron a causa de un desafortunado incendio debido a uno de los efectos pirotécnicos del show y en el cual también fallecería el guitarrista de la banda Ty Longley.
Pero dejando atrás este lamentable hecho, Great White demostraron desde sus inicios a mediados de los ochenta, que su estilo estaba mas cercano al rock setentero deudor de bandas como Led Zeppelin, mezclado con influencias del rock and roll y el blues, que al sonido “Hair Metal” imperante en esa época.
Durante esos años ochenta, publicaron cuatro sobresalientes trabajos, empezando por un prometedor debut, el contundente “Great White (1984), el trabajo mas heavy de la banda, hasta “...Twice Shy” (1989), con un sonido mas sureño y grandes dosis de hard blues, sin olvidarnos del sensacional “Once Bitten” (1987), donde mostraban una faceta mas melódica con grandes composiciones enfocadas al hard rock de gran calidad.
La llegada de una nueva década dio como resultado un nuevo disco mas enfocado a los sonidos blues y unos evidentes guiños al rock and roll clásico con su obra “Hooked”, sin embargo pese al éxito comercial de este álbum, no superaría las cotas de sus millonarios predecesores, los cuales obtendrían varios discos de platino y unos puestos altos en el top ten norteamericano.
Uno año después del lanzamiento de “Hooked”, la banda regresaría con su sexto álbum, este “Psycho City”, un digno sucesor que mantenía el listón muy alto con grandes dosis de hard rock y rock americano, con un repertorio cargado de sobresalientes piezas como la poderosa canción que da titulo álbum, la tremenda “Step On You”, la irresistible hard blues “Old Rose Motel”, la blues melódica “Maybe Someday”, la heavy “Big Goodbye” o la sentida “Love Is A Lie”, mientras el guiño a sus mentores Led Zeppelin, la encontramos en las extraordinarias “I Want You” y en “Get On Home”.
Ya desde muy joven su pasión por esos géneros le llevaría a formar parte de algunas bandas locales o como parte del grupo de acompañamiento de músicos tan prestigiosos como Lloyd Price.
Unos años en donde la guitarra era su instrumento principal, pero debido a un infortunio durante una pelea perdió parte de uno de sus dedos, por lo que en adelante se dedicaría a tocar el piano y así comenzaría una extensa y fructífera carrera como músico de sesión, además de comenzar su carrera en solitario a mediados de los 60, justo en medio del creciente genero psicodélico. No seria hasta finales de esa década, cuando llegaría su primer álbum “Gris-Gris”, al que le siguieron otros interesantes discos como “Babylon” o “The Sun”, entre otros trabajos repletos de los sonidos criollos, R&B, y sonidos jazzisticos, todos ellos bañados en el rock and roll.
En 1973 llegaría una de sus mejores obras “In The Right Place”, su sexto álbum, con el cual conseguiría su mayor éxito comercial, permaneciendo en las listas del Billboard durante casi ocho meses consecutivos.
Grabado en Florida bajo la producción de otro de los grandes de la escena de Nueva Orleans como fue Allen Toussaint y con la colaboración de algunos de los músicos mas respetados de la escena musical americana como Art Neville, Joseph Modeliste, David Spinozza, Leo Nocentelli, Ralph McDonald o George Porter.
Basado en el estilo inconfundible de su sonido, “In The Right Place” es un viaje hacia los rincones del R&B, los sonidos mestizos y el jazz, con irresistibles cortes como “Same Old Same Old”, con ese ambiente carnavalero, el ritmo penetrante de “Right Place, Wrong Time”, la pausada “Just The Same”, la pantanosa “Traveling Mood”, la funky “Peace Brother Peace” o la jazzistica “Such A Night”. Sin embargo John también tiene acercamientos a otros sonidos reconocibles dentro la música tradicional norteamericana como el soul en “Shoo Fly Marches On” o la gospel “I Been Hoodood”.
“In The Right Place” fue uno de sus mayores éxitos, aunque el único en llegar al top 10, sin embargo a lo largo de su carrera y en sus incontables colaboraciones ganó la friolera de seis premios Grammy.
Entre otras muchas, entre esa lista de colaboraciones se encuentran The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Eric Clapton, Van Morrison, The Band, Bob Seger o B.B. King.
En otro orden de cosas, este serie el ultimo álbum con el cantante Ian Gillan y el bajista Roger Glover, los cuales abandonarían la banda en medio de unas tensas relaciones con el guitarrista Ritchie Blackmore, quien los acusaba de desidia y poco interés por los asuntos de la banda.
Ambos ya no regresarían hasta once años después cuando Deep Purple reuniría su formación mas clásica para la grabación del álbum “Perfect Stranger” de 1984.
Grabado en varios estudios situados entre las ciudades de Roma y Frankfurt, durante los meses centrales de 1972, fue publicado en enero de 1973 bajo el sello Purple Records y distribuido a nivel mundial por la Emi Odeon.
Pese que al principio decíamos que es un álbum que adolece de temas clásicos, realmente no es así del todo, aquí aparece la mítica “Woman From Tokyo”, la cual para muchos justifican por si solo la grandeza de este álbum.
Pero el resto no le va a la zaga y ni siquiera roza la mediocridad, con un sonido mas orientado hacia las raíces del clásico rock and roll, como queda demostrado en “Smooth Dancer” y “Mary Long”, consta además de soberbios cortes como la rhythm and blues “Place In Line”, o la psicodélica y vanguardista “Super Trouper”, mientras la heavy rock “Rat Bat Blue” recupera la esencia habitual de los Purple mas clásicos.
Así pues y junto a Don Henley y Glenn Frey seleccionaron una serie de tomas pertenecientes a diferentes giras que iban desde las posteriores al álbum “Hotel California" en 1976, hasta otras realizadas en el ultimo tour presentando el disco “The Long Run" en 1980.
Con todo ello, The Eagles cumplían por una parte, con las estipulaciones de su contrato y por otra dejaban un histórico testimonio de sus memorables y aclamados directos por todos los Estados Unidos, durante la segunda mitad de la década de los 70.
“Eagles Live” esta compuesto por una antológica colección de sus mejores canciones empezando por la icónica “Hotel California”, a la que le siguen una retahíla de soberbias piezas como “Take It Easy”, “Life In The Fast Lane”, “All Night Long”, “Take It To The Limit”, “Seven Bridges Road”, “Doolin-Dalton”, “Heartache Tonight”, “New Kind In Town”, “Life´s Been Good” o “I Can´t Tell You Why”.
Después de la salida de este doble álbum en directo, parte de la prensa especializada acusaría a la banda de sobrecargar en exceso las grabaciones en el estudio, algo que no lastraría el éxito del álbum, logrando unos asombrosos siete discos de platino en los Estados Unidos y unas ventas que superaron ampliamente los seis millones de copias a nivel mundial.
Sin embargo mas allá de estos hechos, lo que nos ha quedado es su música, sin duda un gran argumento sobre el que esta formidable banda, consolido su poder mediático.
En 1975, Queen llevaban tras de si, tres álbumes en donde combinaban el hard rock con guiños al glam rock de su álbum debut, el mas complejo y experimental “Queen II”, o el mas barroco y refinado “Sheer Heart Attack”, por lo que cuando fue lanzado su cuarto álbum “A Night At The Opera”, mostraron su total madurez y fusionaron todos los elementos que marcaron los sonidos de todos sus predecesores, desde los sonidos barrocos, hasta el contundente hard rock, pasando por los sonidos pomposos y espectaculares.
Este sensacional álbum contiene una serie de composiciones grandiosas empezando por la irascible y vigorosa “Death On Two Legs”, la poderosa rock “I´m In Love With My Car”, la irresistible melodía pop “You´re My Best Friend”, la brillante country folk “´39”, la hard rock “Sweet Lady”, la progresiva “The Prophet´s Song”, o la monumental y operística “Bohemian Rhapsody”.
“A Night At The Opera”, se convirtió en el álbum mas emblemático de Queen y una de las obras maestras de la música rock. Su recepción posterior le llevaría a alcanzar una docena de discos de platino y unas ventas que superan con creces los siete millones de copias a nivel mundial.
Uno de esos álbumes es “5” de J.J. Cale, publicado en una época en donde Mark Knopfler, uno de sus alumnos mas aventajados, triunfaban mundialmente con su banda Dire Straits, con un sonido que era calcado al estilo elegante y puro de country, blues, rock and roll y rhythm and blues del músico originario de Oklahoma.
Desde su álbum debut aparecido en 1972, hasta este “5”, su quinto trabajo como indica su nombre, apenas aparecía en las crónicas musicales, a ello también contribuía su hermetismo personal y su alejamiento de las grandes masas y de la popularidad.
A finales de los setenta lograría un nuevo contrato discográfico con la MCA y lo estrenaría con este nuevo álbum, que fue grabado en Nashville rodeado de afamados músicos de la escena country y blues de la capital de Tennessee, y en el cual J.J.Cale seguía mostrando un estilo reposado de los sonidos americanos, con pocos arreglos y florituras, un tono relajado y su voz hipnótica.
Un álbum que sin mostrar nada nuevo en comparación a sus anteriores obras, contiene una insuperable colección de temas mágicos de gran pureza creativa e instrumental.
Desde la inicial “Thirteen Days” hasta la ultima del disco “Mona”, se van sucediendo temas de gran exquisitez como”I´ll Make Love To You Anytime”, “Don´t Cry Sister”, “Sensitive Kind”, “Friday”, “Lou-Easy-Ann” o “Fate Of A Fool”, convirtiendo a este trabajo en otra de sus sobresalientes obras, que como todas las anteriores, solo estaban a la altura de la genialidad de un musico como J.J. Cale.
Desde su primer álbum “Dreamboat Annie” (1976), esta banda originaria de Seattle, mostraría sus cartas con su rock arrollador y elemental que bebía de las influencias de Led Zeppelin.
Sin embargo el que fueran liderados por dos mujeres, (las hermanas Nancy y Ann Wilson), los hacían diferentes y únicos en aquellos momentos.
El resto de la banda estuvo siempre marcado por una constante entrada y salida de músicos entre los que destacan los guitarristas Howard Leese, Roger Fisher o Gilby Clarke entre otros muchos mas.
Después de “Dreamboat Annie”, llegarían el mas orientado hacia los sonidos folk rock “Little Queen” (1977), el intenso “Dog & Butterfly” (1978), en donde combinaban la rabia de su poderoso rock con la sensibilidad acústica, o el experimental “Bebe Le Strange” (1980), en donde intentaron conjugar los sonidos de las nuevas tendencias musicales de la década de los ochenta, pero con un resultado mediocre y bastante previsible.
Casi a finales de 1980 el grupo lanzaría “Greatest Hits/ Live”, un álbum doble compuesto por una combinación de los grandes éxitos de sus primeros cinco álbumes, con canciones en directo y nuevas composiciones.
Confeccionado por cortes de enérgico rock como “Bebe Le Strange”, “Barracuda” o “Mistral Wind”, a la que se suma la versión de Led Zeppelin, “Rock and Roll”, compartidas con otras mas melódicas como “Straight On”, “Even It Up”, “Crazy On You” o “Magic Man”, o baladas y temas acústicos como “Sweet Darlin”, “Dreamboat Annie” y “Dog and Butterfly” e incluso están incluidas canciones mas vanguardistas y experimentales como “Hit Single” y “Strange Euphoria”.
La banda que grabaría este álbum estaba estaba compuesta por las mencionadas Ann Wilson y Nancy Wilson, voces, el batería Michael DeRosier, los guitarristas Howard Leese y Roger Fisher y el bajista Steve Fossen.
Este doble álbum fue el tercer mayor éxito de Heart hasta aquellos momentos en el mercado norteamericano, alcanzando el décimo tercer puesto en las listas del Billboard y varios discos de platino por sus enormes ventas.
Formados en 1967 en la ciudad de Bolton al noroeste del Reino Unido, su alineación original estaba compuesta por el guitarrista, compositor y cantante Martin Cockerham, la cantante Barbara Gaskin, el bajista Steve Borill y el violinista Julian Cusak, además del bateria Dave Mattacks quien aparecería en todos sus álbumes como músico invitado.
En 1971 llegaría su primer álbum “St. Radiguns”, el cual obtuvo bastante éxito en los circuitos del folk británico, compuesto por un repertorio de canciones políticamente conscientes y temperamentales, además de mucha interacción instrumental y unas adictivas voces.
Un año después “Old Bott Wine”, seria un álbum continuista y bastante previsible, que pese a las grandes armonías folk, los complejos arreglos y el buen equilibrio entre los elementos del folk y el rock, fue un pequeño retroceso, por su sonido predecible sin aportar nada nuevo comparado con su predecesor.
Después de este ultimo álbum, la banda se reduciría a solo dos miembros fijos, con Cockerham y Gaskin, mientras aparecen como colaboradores y músicos invitados el flautista Stan Sulzman, el bajista Steve Borrill, el batería Dave Mattacks, además de otros músicos como Steve Ashley, Henry Lowther, Julian Cusack y Dolly Collins.
Con esta formación se grabaría el tercer y ultimo álbum de Spirogyra titulado “Bells, Boots and Shambles”, publicado en 1973.
En este tercer álbum es donde Spirogyra conjugan perfectamente los elementos del folk tradicional con el rock y los sonidos progresivos, con temas como la solemne y atmosférica “The Furthest Point”, la acid rock “The Sergent Says”, la atmosférica suite “Western World”, con esos grandiosos ambientes melancólicos, la bucólica “Old Boot Wine”, o las melódicas “Parallel Lines Never Separate” y “Everyday Consumption”.
Sin embargo la carrera de Lomax había comenzado mucho antes con diferentes proyectos como miembro de algunas de las bandas punteras del circuito británico del pop rock de los sesenta como Dee and The Dynamites. Con posterioridad se traslado a los Estados Unidos y se uniría al grupo The Undertakers, pero sin lograr la fama ni fortuna deseada. Una vez de vuelta al Reino Unido y gracias al manager de The Beatles, Brian Epstein, firmaría con la CBS con quienes grabaría varios sencillos y un álbum de escasa repercusión.
Su amistad con Epstein le abriría muchas puertas y grandes posibilidades, como colaborar con artistas de la talla de George Harrison o Eric Clapton, entre otros muchos.
Una vez abandono el sello de The Beatles, Lomax se unió a los ex miembros de la banda Aynsley Dunbar; John Morshead y Alex Dmochowski y al ex-batería de The Animals; Barry Jenkins y fundan Heavy Jelly.
En 1970 la banda graba su primer y único álbum, en el cual además están presentes Tom Evans y Pete Ham, ambos integrantes de Badfinger, otra de las bandas pertenecientes a la Apple y la sección de vientos de The Rolling Stones, Bobby Keys y Jim Price.
Este álbum debut básicamente esta compuesto por un interesante repertorio de contundentes temas rock con sonidos psicodélicos como queda demostrado en “Take Me Down To The Water”, mientras la faceta melódica del grupo queda plasmada en “You Better Let Me Know” y “Too Complicated”. Por su parte el sonido heredero a The Beatles lo encontramos en “Born For Something”, además de sonidos oscuros de hard blues rock en “Just Don´t Feel So Good” y “F-F-F-Females” o clásicos temas de blues rock como “Bio-Blues”, para terminar con otro corte con cierto sabor Beatle como es “If You´d Like To”.
Sin embargo y debido a que en el álbum intervienen artistas que pertenecían a la Apple Records, esta boicotea el lanzamiento e impide su publicación oficial, mas allá de unas cuantas copias promocionales. Algunas de esas copias servirían como masters para la publicación del álbum a modo de bootleg y que fueron durante décadas muy cotizados por los coleccionistas.
Mas de cuarenta años después y una vez fallecido Jackie Lomax, su familia pudo solucionar los problemas contractuales con la propia Apple y el álbum fue lanzado de manera oficial en el año 2013, recuperando con ello, uno de los famosos discos perdidos de la historia de la música rock.
En este segundo álbum la banda contrataría a un nuevo batería; Keith Baker, quien reemplazaba al anterior Ollie Olsson, mientras el resto de la banda seguía estando formada por David Byron, Mick Box, Ken Hensley y Paul Newton.
“Salisbury” fue grabado durante los meses finales de 1970 en los estudios Lansdowne de Londres y fue producido por Gerry Bron.
Compuesto por seis cortes, “Salisbury” es la progresión natural y definida del anterior “Very´Eavy, Very Umble” hacia un mayor énfasis en las melodías y el refinamiento a su hard rock progresivo. Esto fue debido en parte a que su teclista Ken Hensley, un músico de conservatorio de clara orientación clásica, tiene aquí un mayor protagonismo en las tareas de composición, un factor que seria dominante en los futuros álbumes de la banda. Con ello el grupo modera su pesado y oscuro sonido de hard rock y trabajan en perfeccionar la complejidad del rock progresivo con el heavy rock.
Pese a que el tema mas destacado es la suite de 16 minutos “Salisbury”, está al mismo tiempo, eclipsa injustamente los restante cinco cortes. La mencionada “Salisbury” cuenta además con el añadido de una orquesta de 26 miembros que revela las tendencias progresivas tan latentes del grupo en este álbum. Por otro lado las restantes canciones muestran el ecléctico sonido germinal de la banda, empezando por la vertiginosa “High Priestess”, la etérea balada “The Park”, la pegadiza “Lady In Black”, el pesado hard rock "Time To Live” o la bluesy “Simon The Bullet Freak”.
“Salisbury” seria el mayor esfuerzo progresivo de Uriah Heep junto a los posteriores “Look At Yourself”, “Demons and Wizards” y “The Magician´s Birthday”, completando con todos ellos una antológica cuatrilogía del mejor rock progresivo.
Un trabajo que hoy en día esta aclamado como una impresionante obra indispensable dentro del neo progresivo, el space rock y los sonidos psicodélicos tardíos.
Originarios de Liverpool, esta banda estaba compuesta por los hermanos Gary y Tony Allison (batería y guitarras respectivamente, además de las voces), el bajista Ronny Nelson y el teclista John Bleasdale.
A principios de los 80 el grupo viajaría a Londres para probar fortuna en busca de un buen contrato discográfico, pero después de unos frustrantes resultados, decidieron auto financiarse su álbum debut.
En este único álbum las referencias a los sonidos de los Pink Floyd mas psicodélicos y a los largos desarrollos espaciales herederos de Hawkwind, son mas que evidentes, pero enmarcados en un sonido synth pop muy definido, lo que los convierte en una de las germinales bandas del llamado Neo Progresivo junto a Twelfth Night.
Los 15 minutos de la suite progresiva y espacial "Andromeda" es la pista mas destacada, mientras las cortas "Cheater", "Lights Out" o "Brave New World” están mas enfocadas al plano comercial, con una estructura musical entre el sonido Neo y Symphonic Rock y los elementos electrónicos cercanos al synth pop de la época.
Ya desde su inicio con la increíble “King Of Sunset Town”, demuestra el apogeo que Marillion irrumpe y se levanta triunfante, listos para comenzar otro capitulo, y así despejan las dudas para quienes le vaticinaron el descalabro y su epílogo final.
La hermosa “Easter”, es la primera gran aportación del cantante al repertorio del grupo, un tema con uno de los mejores solos de Steve Rothery de toda su carrera y un ritmo tan cautivador como brillante. La pausada y misteriosa “Seasons End”, concluye con una final épico y hipnótico que engrandece la faceta instrumental de todo la banda. En “The Uninvited Guest”, ya podemos intuir por donde irán los tiros de su nueva aventura, un tema que se acerca a sonidos rock y comerciales con unas potentes líneas de guitarra y bajo. La melódica y sentida “Holloway Girl”, es uno de los momentos menores del álbum y la nostálgica “Berlin”, es la demostración palpable de las excelencias vocales de Hogarth, una canción tan melancólica como oscura, que a medida que avanza se torna en un poderoso tema con un final apabullante. Después de la corta y acústica “After Me”, llega la potente rock, con una clara orientación comercial, “Hooks In You”, para acabar con la exquisita y progresiva “The Space”, uno de los momentos mas memorables del disco y colofón final a la primera gran aportación de Steve Hogarth al universo Marillion.
Después de esta ultima aventura Greenwood formaría una banda y grabaría el álbum "Cold Cuts", el cual esta considerado como una de las joyas ocultas de la música progresiva de la década de los setenta.
Dicha banda estaba formada por el baterista Eric Peachy, el cual también provenía de Khan, el teclista Dick Henningham, los guitarristas Bryn Howarth y Chris Pritchard y por el ex-Mother of invention de Frank Zappa, Bunk Gardner a los instrumentos de viento, además del propio Greenwood quien se encarga del bajo y la voz principal.
El resto estaba formada por las violinistas Janet Lakatos, Margaret Immerman y Margaret Shipman, Nils Oliver, Cello y el grupo vocal The Teardrops.
"Cold Cuts" esta compuesto por una amalgama variedad de sonidos, que sin llegar al rock progresivo estricto, tiene elementos del rock psicodélico con pasajes de jazz progresivo y blues rock.
Un álbum que comienza de manera brillante con "A Sea Of Holy Pleasure Parts I, II, III" que dividida en tres partes, es una lograda composición con grandes arreglos que muestra las excelencias de sus talentosos músicos; un órgano Hammond pesado, unas deliciosa flauta, efectivas líneas de bajo y un primoroso batería, todo ello bañado por unas voces adictivas.
A todo ello el sonido general se ve reforzado por sutiles arreglos de cuerdas y metales, lo que potencia el dinamismo y la diversidad final y añaden una profundidad progresiva a los tres segmentos del tema.
Otros momentos destacados son las bluesy "Big Machine” y “Melancholy", o la psicodélica "Hope / Ambitions" que conviven con piezas mas accesibles y pegadizas como "Lead Me On", y "Close The Doors", o la oscura "Promised Land", las cuales contrastan totalmente con la profunda e introspectiva "Corruption", la jazz rock ambiental "Images" y la dramática "Realisation And Death".
Formada por el guitarra Kenny Giles, el baterista Steve Jackson, el bajo Kenny Giles y la espectacular voz de Dave Richardson. Gracias al éxito que gozaban y la popularidad de estos conciertos, llamaron la atención de diferentes sellos discográficos, firmando finalmente un contrato con el sello independiente Morgan Bluetown, con quienes grabarían su único álbum con la distribución a nivel nacional por parte de la discográfica Fontana, aunque de manera bastante limitada y una escasa promoción publicitaria.
Este único disco fue grabado en los estudios que el sello Morgan poseía en la ciudad de Londres, en donde estuvieron durante doce horas interrumpidas para terminar de completar la grabación y las mezclas del álbum.
Compuesto por una serie de canciones enfocadas hacia el blues rock con acercamientos al estilo de The Doors y The Magic Band como podemos comprobar en "Death Letter", “In The Morning" o "Problems", mientras los sonidos mas rurales del blues de Delta del Mississippi están presentes en "Song For Pauline". Por otra parte "Ten Seconds To Go" y "Death Of A Dream" muestran la faceta de un pesado blues rock, para acabar este oscuro álbum con la deudora del sonido Hendrix "Maybe I´m Right" y la boogie rock "I´ve Been Down So Long".
Algún tiempo mas tarde y tras terminar una gira por toda Gran Bretaña teloneando a Mott The Hoople, la banda regresaría a los estudios de grabación para un segundo disco que nunca fue lanzado oficialmente y que fue rescatado como bonus tracks en el 2010 en una reedición del su único álbum en CD y en vinilo.
Este único lanzamiento es otro de esos codiciados LPs por lo coleccionistas, llegando a pagar algunos de ellos, pequeñas fortunas por una copia original de este oscuro y perdido disco de Red Dirt.
Seria justo después del segundo álbum “UFO 2: Flying” y mientras realizaban una gira por Alemania, cuando el vocalista Phil Moog, el batería Andy Parker y el bajista Pete Way quedaron sorprendidos por las excelencias de un joven guitarrista llamado Michael Schenker, el cual por entonces actuaba en la novel banda Scorpions, quienes por aquella época ya habían lanzado su primer álbum “Lonesome Crow” con el cual fueron considerados una de las promesas del nuevo hard rock europeo.
En una rocambolesca sucesión de acontecimientos, Michael Schenker terminaría entrando a formar parte del grupo británico en sustitución del guitarrista Bernie Marsden, que de manera temporal estaba actuando junto a UFO como relevo de Mick Bolton, quien había abandonada la banda poco antes de la mencionada gira.
Así pues con esta nueva formación, UFO grabaron su tercer álbum durante los meses finales de 1973 y principios de 1974, en los estudios londinenses Morgan y bajo la producción del bajista de los Ten Years After, Leo Lyons, que seria publicado en marzo del mismo año por la Chrysalis Records.
En este tercera entrega, la banda muestra un alejamiento del pesado blues y space rock de sus dos anteriores obras, enfocando su sonido en el talento de la guitarra de Schenker y en unas canciones brillantes de hard rock.
Un álbum que contiene algunos de los temas que se convirtieron en himnos posteriores de UFO, como la contagiosa “Doctor Doctor” o la potente “Rock Bottom”, pero además de estas dos formidables piezas, se encontraban la enérgica y psicodélica “Space Child”, la contundente rock “Oh My”, la compleja “Built For Comfort” o la rítmica “Too Young To Know”.
Con “Phenomenon”, UFO daba paso a una nueva etapa con un estilo mas desenfadado e intenso a la par que mas eficaz y dinámico que les daría muchos años de éxito con álbumes que pasarían a engrosar algunas de la paginas doradas del hard rock y el heavy metal.
Esta sin embargo es aun mas extraña por su particular e insólita historia, creados a partir de una anuncio del Melody Marker, grabaron su único álbum en una sola sesión de una noche, por una desconocida productora independiente y lanzado bajo el sello Decca Records en una edición limitada.
Este efímero grupo estaba formado por el vocalista y percusionista Cecil James, el baterista Woody Martin, los guitarristas John Coxen y Melvin Buckley y el bajista Terry Powney.
Su único álbum rezuma una magnifica colección de temas de blues progresivo, con acercamientos a sonidos country y psicodélicos.
Temas como la inicial “Country Ride”, un latigazo psicodélico con un solo de batería incluido, la blues progresiva “How It Began” la hipnótica “Blues For Brother E “, la psyche blues “Fourth I Wanna Go Where I Belong”, la country “Manhunt” o la jazzistica “Give It To You”, demuestran que pese a no mostrar nada extraordinario ni excepcional, una norma habitual por otra parte en muchos álbumes y grupos de aquella época, es la suma de todo su repertorio lo que les hace únicos y perdurables.
Esta magnifica colección de blues rock progresivo de estos londinenses, se ha convertido en otro de esos LPs raros y codiciados por los melómanos y los fans de las bandas oscuras de los 60 y 70.
Creadores de dos de los mas memorables trabajos de los década como fueron “Appetite For Destruction” y “G N´R Lies”, en 1991 llegaron a la insólita decisión de lanzar al unísono dos álbumes dobles que bajo los títulos de “User Your Illusion I & II” asombraron al mundo por su hard rock ecléctico y visceral.
Con la misma formación de sus anteriores obras a excepción de su batería original Steve Adler, sustituido aquí por Matt Sorum, el resto estaba compuesto por el vocalista Axel Rose, el guitarra Slash, el guitarrista ritmico Izzy Stradlin, el bajista Duff McKagan y el teclista Dizzy Reed.
A diferencia del segundo volumen, el primero se caracteriza por fusionar el poderoso hard rock con elementos que van desde el blues hasta sonidos como el clásico rock and roll e incluso guiños al punk rock, mientras el segundo volumen muestra una faceta mas sombría, melancólica y oscura.
Así en este primer volumen, nos encontramos con temas viscerales y contundentes como "Right Next Doorto Hell” o “Don´t Damn Me”, que contrastan con las excelentes “Don´t Cry” o “November Rain”, la stoniana “Bad Obsessions”, la soberbia “Coma”, la southern rock “Dust´n ´Bones”, la compleja versión de The Wings “Live And Let Die” o la hard rock contundente “Back Off Bitch”.
La recepción comercial posterior de ambos trabajos tuvo como consecuencias unas ventas muy superiores del “Use Your Illusion I”, cifras que actualmente rozan los treinta millones, por contra de los cerca de los veinte del “Use Your Illusion II”, pero que sin embargo seria este ultimo quien alcanzara el primer puesto a ambos lados del Atlántico en las listas de éxitos, mientras el volumen uno no pasaría del segundo lugar.
Grabado durante la gira posterior al álbum “Powerslave” de 1984 y que fue denominada “World Slavery Tour”, simboliza el gran estado de forma de una formación que ya por entonces estaba considerada la banda de heavy metal mas apoteósica del mundo, mostrando el fiel reflejo de la fuerza y contundencia que ejercían sobre los escenarios.
Los temas extraídos para este doble álbum fueron grabados durante varios conciertos en los Estados Unidos y Inglaterra y presentaba a la que se considera la formación mas estable, longeva y exitosa de la banda.
En ella además del bajista Steve Harris, se encontraban el vocalista Bruce Dickinson, los guitarristas Adrian Smith y Dave Murray y el batería Nicko McBrain.
“Live After Death” ya muestra desde su icónica portada, creada por el famoso ilustrador Derek Riggs, que su repertorio esta cargado de pura adrenalina con un explosivo arsenal de temas poderosos como “Aces Hight”, “2 Minutes To Midnight”, “The Trooper”, “Revelations”, “Flight Of Icarus”, “Rime Of Ancient Mariner”, “The Number Of The Beast”, “Hallowed Be Thy Name”, “Sanctuary” o “Phantom Of The Opera”, todos ellos verdaderos himnos de Iron Maiden y del heavy metal en general.
La recepción posterior de este doble álbum en directo fue tan apoteósica como su contenido, logrando innumerables números uno alrededor del mundo y varios discos de platino por sus millonarias ventas.
