Toto-Seventh One (1988)

Después de dos álbumes que no tuvieron la acogida esperada como fueron "Isolation" (1984) y "Fahrenheit" (1986), Toto se empeñaron en volver a la senda del éxito con un nuevo trabajo que siguiera la línea de su aclamado "Toto IV", publicado seis años antes.
Y lo consiguieron con "Seventh One", obteniendo un gran recibimiento por parte de sus fans, gracias a un trabajo que contenía una serie de temas que los volverían a poner en el candelero entre los mejores del rock melódico de finales de los ochenta.
Para este nuevo trabajo, David Paich toma las riendas del grupo dándole un mayor  protagonismo a los teclados, y una mayor relevancia, aún mas si cabe, en los juegos de voces de Joseph Williams y Steve Lukather y del propio Paich, en detrimento de las guitarras.
"Seventh One" contiene un irresistible repertorio cargado de sobresalientes temas como la pegadiza "Pamela", la desenfadada "You Got Me", la rock "Stay Away", la épica con aires progresivos "Home of the Brave", la espectacular "Stop Loving You" o las extraordinarias baladas "Anna" y "Mushanga".

Bob Dylan-Slow Train Coming (1979)

En 1979 Bob Dylan estuvo cinco meses asistiendo a la escuela Bible y renació espiritualmente y se convierte al cristianismo, y posteriormente publicaría los álbumes "Slow Train Coming" (1979), "Saved" (1980) y "Shot of Love" (1981), en una época la cual fue denominada los años cristianos del músico.
Tras erigirse en los años 60 en uno de los  emblemas del folk y la canción protesta, para causar posteriormente una conmoción al electrificar su sonido y acercarlo al rock, en la década de los 70 Dylan osciló entre notables patinazos y algunos trabajos soberbios como "Blood on the Tracks" (1975), "Desire" (1976) o "Street Legal" (1978)
Sin embargo, Bob Dylan dejó prácticamente a todos sus fans atónitos al editar en 1979 "Slow Train Coming", un disco en el que el músico de origen judío manifestaba a corazón abierto a esa conversión al cristianismo y en el que la fe era el sorprendente motor narrativo de todas las canciones.
“Slow train coming” incluye la colaboración de Mark Knopfler y la producción del veterano productor de R&B Jerry Wexler.
El álbum consiguió llegar a lo mas alto de las listas en Estados Unidos logrando un disco de platino y consiguiendo el Grammy con el tema “Gotta Serve Somebody”.

Gilbert O´Sullivan-Back To Front (1972)

Gilbert O'Sullivan era un joven irlandés que pasó buena parte de la segunda mitad de los 60 intentando sobrevivir de la música, llegando incluso a grabar algunas canciones para pequeños sellos independientes ingleses sin apenas fortuna.
En un momento dado, una de sus demos fue escuchada por Gordon Mills,  manager de Tom Jones y dueño de la compañía MAM Records. A Mills le convence lo que escuchó, y concierta una cita con el joven O'Sullivan.
Sin embargo este encuentro estuvo a punto de dar al traste con su carrera, Gilbert se presentó con una especie de uniforme escolar: pantalón corto, pelo cortado a cepillo, una corbata ridícula, calcetines de colores y una gorra de "teddy boy".
Mills horrorizado, insistió en que aquella imagen no podía hacerle ningún bien, pero Gilbert no se bajó del burro, y así fue como empezó a actuar tanto en los locales que le proporcionaba Mills, como en sus primeras actuaciones televisivas (en las que también lució alguna vez un jersey de lana con una inmensa "G" bordada en colores chillones).
A partir de entonces Gilbert O'Sullivan empezó a ser conocido más por su ridícula indumentaria que por sus canciones, pero ese solo era el primer paso.
El segundo fue mostrar su talento en una serie de composiciones que iban a formar parte de su disco de debut, en 1971. Una de ellas fue la excelente "Nothing rhymed", que hizo que el público empezara a tomarse en serio a aquel chico raro que vestía de forma tan graciosa y tocaba el piano al estilo de Elton John.
Ganada la atención del público, Gilbert O'Sullivan adopta una imagen algo más seria, y se centra en crear unas composiciones que le llevaran a ser aceptado también por la crítica. Entonces llegó 1972, su año mágico. "Alone again (naturally)", primero, y posteriormente "Claire", dedicada a la hija de Gordon Mills, le llevaron al estrellato internacional absoluto.
Con un estilo pop con sofisticados arreglos orquestales y soft-rock de fácil escucha, conquistó las listas de ventas británicas y norteamericanas con su meloso y elegante proceder melódico y su aguda capacidad como letrista.
En 1980 su nombre volvió a estar en boca de todos gracias al melodioso y pegadizo tema "What's in a kiss", su último gran éxito.

America-Hearts (1975)

La primera mitad de la década de los setenta fue la mas fructífera para la banda anglo-americana America, sin embargo con 3 discos publicados y un nº1 con "A Horse With No Name" (1971) el sencillo de su primer álbum, decidieron dar un giro de 90 grados a su carrera en el año 1974. Escogieron como productor al mítico George Martin, famoso por sus trabajos con los Beatles, y el cual estuvo a cargo de la producción de sus 7 discos posteriores.
Por aquella época la banda se había colocado a la vanguardia del folk rock junto a coetáneos como CSN&Y, Bob Dylan, The Byrds o Simon and Garfunkel.
El segundo álbum producido por Martin fue "Hearts", (el primero había sido "Hat Trick" del año 1974 ), y fue grabado en Sausalito (California) y publicado en 1975. Eran tiempos en los que los grupos sacaban un disco cada año, algo impensable hoy en día. En él se incluyó el segundo nº1 de la banda, "Sister Golden Hair", que a lo largo del tiempo se ha convertido en una de sus canciones más míticas y famosas de todos los tiempos y que firmó Beckley.
Además de "Sister Golden Hair", los sencillos "Daisy Jane" y "Woman Tonight" relanzaron este álbum hasta el numero cuatro de Billboard y un disco de oro por sus ventas en los Estados Unidos.

George Harrison-George Harrison (1979)

En 1979 George Harrison llevaba tres años de silencio discográfico después de su "Thirthy & Three" de 1976, y es justo en la gira después de ese álbum cuando empieza a componer temas los cuales pasarían a engrosar este nuevo disco, titulado homónimamente "George Harrison".
El álbum fue publicado justo después del single "Blow Away", que lo relanzaría exitosamente llegando al Top-20 en los Estados Unidos y convirtiéndose en uno de su mayores éxitos.
Para esta grabación conto con la colaboración de Eric Clapton, Stevie Winwood, Gary Wright, Ray Cooper o Andy Newmark entre otros y fue grabado en los estudios de su propiedad en Friar Park. Compuesto por una amalgama selección de piezas eclécticas, aquí aparecen cortes de pop brillante como "Love Comes to Everyone", añejos guiños al pasado Beatle con la jazzistica "Not Guilty" y la melódica "Here Comes the Moon", la ragtime "Hard Hearted Hannah", la mencionada y exquisita "Blow Away" o las optimistas y alegres "If You Believe" y "Faster".

AOR-The Colors Of L.A. (2012)

Frédéric Slama es un guitarrista, compositor, productor y periodista musical de nacionalidad francesa pero afincado en Los Ángeles desde los años 80, donde durante todo este tiempo hizo grandes amistades con los mejores músicos de la costa oeste norteamericana.
Ya en la década de los 80 publicó varios discos en solitario en los alrededores de la ciudad de Los Ángeles, además de coproducir algunos artistas también en la zona de California.
A principios de 2000, Slama decidió formar el proyecto AOR, que publicará regularmente álbumes con un solo miembro regular, el propio Frédéric Slama, y ​​en cada nuevo álbum una serie de músicos invitados.
Después de un primer álbum publicado solo como demostración promocional titulado "L.A. Consession", publica su segundo álbum "Next Stop L.A." donde colaborarían Michael Thompson, Jim Horn o Richard Page, entre otros.
Con este segundo disco, el proyecto y el propio Slama adquieren un gran respeto en el panorama musical de la costa oeste y eso lo refuerza para publicar una de sus obras más aclamadas "L.A. Reflection" en el 2002 en la que cuenta con grandes músicos de la escena del west coast y el AOR como los miembros de Toto; Steve Lukather, Mike Porcaro, Jeff Porcaro y David Paich, además de Tommy Denander, Michael Landau o Vinnie Colaiuta.
Este nuevo trabajo fue un éxito rotundo no solo en los Estados Unidos sino también a nivel internacional.
En 2003 el álbum "Dreaming Of L.A.", obtuvo un reconocimiento aún mayor, con colaboraciones estelares de Steve Overland, Bill Champlin o David Roberts.
A partir de aquí, álbum tras álbum, todos ellos con considerable éxito, como "L.A. Attraction" donde Slama endurece el sonido hacia el hard rock, "Journey L.A.", una obra soberbia donde destacaron Fergie Frederiksen, David Williams, Steve Overland o Steve Lukather, o "The Colors Of L.A." en donde el elenco de colaboradores es aún más impresionante.
Este último álbum significa la combinación perfecta de rock melódico y música de la costa oeste con una producción exquisita, excelentes composiciones y arreglos sublimes.

Jethro Tull-Crest of a Knave (1987)

Con este trabajo Jethro Tull volvió a encontrar el camino correcto que había dejado ligeramente a mediados de los 80 con discos tan dispares como "A" o "Under Wraps", los cuales mostraban una faceta demasiado electrónico y sin mucha inspiración. Sin embargo, y sin Peter-John Vetesse (a quien se  considera el principal culpable y una mala influencia musical para Ian Anderson), el grupo en parte se acerca al sonido clásico y tradicional de la banda y logrando crear un puñado de grandes canciones, como siempre magníficamente acompañado por Martín Barre, quien también realiza un trabajo muy notorio con las guitarras. Sorprendentemente se aprecia el parecido con Dire Straits en temas como "Budapest", "Said she was a dancer" o "The Waking Edge", especialmente en el aspecto vocal, ya que Anderson sufrió una operación de garganta y se asemeja mucho a la voz de Mark Knopfler. Este trabajo recibió un Grammy al mejor disco de Hard Rock-Metal en 1989, aunque ciertamente fue más en reconocimiento a su dilatada carrera, la cual fue relanzada y fortalecida que al genero del metal en si. En definitiva, es un disco muy atractivo con ese estilo exquisito mezclando elementos de Blues, Rock y Folk para crear una obra deliciosa.

King Crimson-Islands (1971)

Islands fue el cuarto álbum de King Crimson (1971), el cual presentaría una formación diferente a su anterior trabajo Lizard (1970).
En este nuevo disco destacan de forma abrumadora vocalista Boz Burrell (que luego pasó a formar parte de la mítica Bad Company), y al que Robert Fripp se vio obligado enseñarle a tocar el bajo, al no encontrar a ninguno que reuniera las características que requería el propio Fripp para este proyecto.
Así mismo el nuevo batería Ian Wallace reemplazaría a Andy McCulloch.
Islands es un álbum casi perfecto de principio a fin, que a diferencia de "Lizard", esta repleto de calma aunque hay dosis de sobresaltos en algunos momentos muy concretos a lo largo del disco.
La bella "Formentera Lady" y el gran "Sailor´s Tale", dan buena cuenta de ello y "The Letter´s" conjuga esa fuerza y tranquilidad con una naturalidad asombrosa con el estilo inconfundible del Rey Carmesi.
Incluso en ese momento la sombra de los Beatles era larguísima y ni siquiera a Robert Fripp se le escapa, así tenemos a "Ladies on the Road", con melodías evocadoras hacia los de Liverpool, con la formula característica de los Crimson de bajo y saxo.
En este disco Fripp hace un trabajo impresionante en las seis cuerdas, demostrándolo en el barroco preludio de "Song of The Galls", y en el destacado "Islands", en donde aparece las acostumbradas lecciones de guitarra a cargo del guitarrista y que cierran este soberbio disco.

The Law-The Law (1991)

Paul Rodgers es uno de los cantantes más prolíficos que han existido, líder de los míticos Free a finales de los sesenta y principios de los setenta y posteriormente durante esta misma década de los incombustibles Bad Company, para más tarde ya en los ochenta unirse a Jimmy. Page y juntos formar The Firm.

Años después en el 2008 se uniría a los miembros de Queen para hacer un álbum y una gira alrededor del mundo.
Todo esto se ha combinado con su dilatada carrera en solitario con más de media docena de discos.
En 1991 uniría fuerzas con el ex baterista de Small Faces, Faces y The Who, Kenny Jones, para fundar el proyecto llamado The Law, con el que Rodgers desataría su faceta más melódica, publicando uno de los discos más admirados del panorama del rock melódico.
Un trabajo que conjuga fuerza, calidad y sentimiento, en un disco en el que intervienen un puñado de grandes músicos invitados como Chris Rea, David Gilmour, Pino Palladino o Bryan Adams, entre otros.
Canciones geniales como el blues "Stone", el sureño "Nature of the beat", la melodía de hard rock "For a Little Ride", el AOR "Come Save Me (Julianne)", el extraordinario y dinámico "Laying Down The Law" o la precioso balada "Miss You in A Heartbeat", nos muestra la genialidad de uno de los mas grandes vocalistas de la historia del rock, en uno de los mejores discos del género.

The Ozark Mountain Daredevils-Men From Earth (1976)

Con un sonido exquisito y una sabia mezcla de country, rock y pop perfectamente equilibrados de manera sutil armoniosa y delicada, y a la vez que sofisticada, llevarían a The Ozark Mountain Daredevils, a ser considerado los Steely Dan del country y un duro contrincante para los Eagles.
Con una serie de discos de una belleza fuera de lo común, y es que cuando esta banda se proponía componer una balada y temas íntimos, plácidos y evocadores (todos sus discos están llenos de ellos), dejan atrás lo mas granado de la época como The Eagles, America, Poco o Jackson Browne. Una afirmación de este calibre puede parecer gratuita, o una exageración, pero no lo es en absoluto. Su juego vocal causo asombro, por su perfección, su destreza y su finura instrumental que es pura antología y su talento como arreglistas simplemente portentoso.
En 1976 editarían su cuarto disco "Men From Earth", que tendría el éxito que había cosechado en sus tres primeros trabajos y donde destacaron el exquisito "You Know Like I Know" y el clásico "Homemade Wine".

Bread-The Best Of (1973)

A finales de los 60 un guitarrista llamado David Gates era muy conocido en los circuitos del pop californiano, músico de sesión, cantante y productor, pero sin embargo tanto trasiego le quedaba pequeño y decide ampliar fronteras por lo que junto a otro músico de sesión, el también guitarrista James Griffin, idean formar un grupo. Se llamaron Bread, y aunque tuvieron una corta carrera de 7 años, les daría tiempo a dejar tras de sí una larga lista de canciones inolvidables, de las cuales algunas de ellas han pasado a la historia del rock.
Tuvieron gran éxito entre 1970 y 1977, logrando situar durante ese tiempo 13 canciones en la lista de éxitos del Billboard Hot 100, convirtiéndose en unos de los pioneros de lo que más tarde se iba a llamar Soft Rock o Rock melódico (AOR), un estilo con fáciles melodías y letras poco o nada comprometidas, como se puede apreciar en uno de sus grandes éxitos: "Guitar man".
Su primer álbum "Bread" (1969), contenía un pop californiano elegante y soleado al estilo de lo que mucha gente hacía por entonces, “California dreaming”, que decía la canción. Gates, sin embargo, tendía más a la introspección y al sentimentalismo que a la euforia pop/folk de sus contemporáneos. Ello le llevó a crear un buen puñado de baladas sofisticadas que iría publicando en años posteriores, en los correspondientes álbumes que consiguieron unas buenas ventas y unos altos puestos en las listas de éxitos.
Un año después publicaron su quinto álbum "Guitar Man", con la canción homónima y la mas famosa mundialmente del grupo, logrando como todos sus discos anteriores la certificación de disco de oro.
Es sin embargo en sus recopilatorios, como "The Best Of” de 1973, (álbum que alcanzo cinco discos de platino), donde mejor se aprecia su poder de seducción, dando cabida a lo mejor de toda su carrera "If", "Make it with you", "Guitar man", "It don't matter to me", o "Everything I own", entre otras grandes canciones de esta mítica banda.

Donald Fagen-The Nightfly (1982)

A finales de la década de 1970, Steely Dan se vio inmerso en la grabación del disco "Gaucho", con en el perfeccionismo obsesivo de su líder Donald Fagen y su compañero de banda Walter Brecker. Cerca de 50 músicos participarían en esta grabación y duraría nada menos que dos años, durante los cuales surgieron múltiples diferencias creativas, personales y profesionales, que acabarían por finiquitar definitivamente la banda y el final de la primera etapa de Steely Dan.
Pero Donald Fagen lejos de abandonar el negocio de la música, seguiría solo y varios años más tarde publicaría la que sin duda es su obra maestra "The Nightfly", en la que mostró el espíritu de Steely Dan pero con sonidos renovados y actualizados.
Este álbum fue uno de los primeros discos de la historia en ser grabado en sistema digital, a pesar de que causó numerosos problemas técnicos a Donald y su ejército de expertos durante el proceso de registro extremadamente meticuloso, y es que una de las demandas de Fagen en su nueva compañía (Warner Bros), iba a convocar a casi toda una disciplinada legión de músicos que ya habían trabajado con él en su ex-banda (productores, ingenieros, músicos de estudio, etc.), además de otras colaboraciones de lujo adicionales. Como siempre, los más de treinta colaboradores vivieron los lentos martirios chinos a los que Fagen los sometió en los ensayos. Nadie escapó a la obsesión del "Millimetric Man" , solo la difícil grabación duró 8 meses, comandada por ese obsesivo amante de las vanguardias tecnológico-musicales que es el mismísimo Donald Fagen, y que a nadie de su equipo de lujo se le ocurriera cometer el error más insignificante de cualquier acorde.
El álbum contiene un repertorio antológico con canciones como "I.G.Y (What a Beautiful Day)", "New Frontier", "The Goodbye Look" o "Walk between the Raindrops".
Este ya mítico álbum logró el disco de platino, entró en el Top 20 de Estados Unidos e Inglaterra, además de obtener varios reconocimientos internacionales, entre los que destacan las 7 nominaciones a los Grammy en 1983.

Kitaro-Ten Years (1988)

Kitaro es uno de los músicos más admirados y respetados a nivel mundial, su carrera ha estado marcada por grandes discos que han sido una referencia obligada en las llamadas nuevas músicas o la new age.
Su breve estancia en el grupo de rock progresivo Far East Family Band y su asociación algún tiempo después con Klaus Schulze y su escuela de electrónica, le valieron la experiencia suficiente para luego demostrar su inagotable talento con los sintetizadores y la composición.
Sin embargo, sería la banda sonora de "Silk Road", de principios de los ochenta, la que lo haría mundialmente famoso y como consecuencia el sello Geffen Records le firma un contrato para distribuir toda su discografía a nivel mundial.
"The Best of Ten Years", es un doble álbum recopilatorio que recorre sus creaciones desde sus primeros discos en 1976 hasta 1986, aquí Kitaro nos muestra una gran colección de melodías hipnóticas y elegantes, interpretadas con sintetizadores y sonidos sinfónicos muy profundos y con mucho dramatismo.

Frank Zappa-Guitar (1988)

Frank Zappa nunca fue políticamente correcto, tanto en sus afirmaciones sociales, políticas o musicales, así como en el concepto y la forma de publicar sus obras.
En 1988 publica el doble álbum "Guitar", que incluye exclusivamente solos de guitarra del propio Frank Zappa extraídos de algunos de sus trabajos anteriores.
Si se publicó para demostrar sus habilidades guitarrísticas para aquellos que siempre decían que se rodeaba de grandes guitarristas o no, nunca lo sabremos, pero este es un claro ejemplo para aquellos que pensaron en lo primero, para que de alguna manera cambiaran de opinión.
Aparte de todo esto, Frank Zappa fue uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos y en este disco tanto el musico como su banda, destilan virtuosismo, técnica y sentimientos.
Rodeado de grandes instrumentistas entre los que se encuentran Steve Vai, Vinnie Colaiuta, Ike Willis o Bobby Martin, entre otros, hace que sea mucho más interesante este trabajo, donde podemos escuchar los diferentes géneros que interpretó a lo largo de su carrera.
"Guitar" este repleto de ecléticos sonidos que van desde temas de rock puro "Hot Rats", hasta blues psicodélicos "Sexual Harassment in the Workplace", pasando por el rock and roll "Sunrise Redeemer", el reggae "That´s Not Really Reggae", las baladas "Do Not Pass Go", los delirios musicales "That Ol´G" Minor Thing Again" o los magníficos solos de guitarra de "Watermelon in Easter Hay".

Al Di Meola-Elegant Gypsy (1977)

Inmediatamente después del lanzamiento del álbum de Return to Forever "Romantic Warrior" (1976), Al Di Meola dejó la banda para comenzar su propia carrera en solitario y ese mismo año grabaría su primera obra "Land of the Midnight Sun".
Un año después, el virtuoso guitarrista publicó su segundo disco de larga duración titulado "Elegant Gypsy", donde continuó mostrando su gran potencia con las seis cuerdas rodeandose de un elenco de grandes músicos.
Entre esos músicos invitados se encontraban Jan Hammer, Lenny White, Steve Gadd o Paco de Lucía, es precisamente este último quien pone su guitarra española para tocar el tema “Sundance Mediterráneo” a dúo con Meola, con un toque flamenco maravilloso.
La influencia del Return to Forever se escucha en el primer corte "Flight Over Rio", con un soberbio trabajo de Jan Hammer en los teclados y de Anthony Jackson al bajo.
Destaca también la enérgica "Race With Devil on Spanish Highway", sin duda una de las mejores composiciones en toda la carrera de Al Di Meola.
"Elegant Gypsy" es uno de los mejores álbumes del jazz rock clásico, que terminaría con el ascenso de Al Di Meola como uno de los grandes del género.

Average White Band-AWB (1974)

Corría el año 1973 cuando un antiguo componente de Oblivion Express, la banda de Brian Auger decidió unirse a otros músicos, todos apasionados por el soul y el funk, para formar un sexteto que llamarían Average White Band, un nombre un tanto humorístico por ser todos blancos y hacer una música eminentemente negra.
Este músico fue el baterista Robbie Mcintosh, quien junto al guitarrista Hamish Stuart, el bajista Onnie McIntyre y los saxofonistas Roger Ball y Malcolm Molly Duncan, iniciaron una carrera que pronto les traería grandes éxitos a ambos lados del Atlántico.
Este grupo escocés elegiría para su presentación el regreso a los escenarios de Eric Clapton después de sus tumultuosos episodios con las drogas, actuando como telonero del mítico guitarrista.
Poco después se publicaría su primer disco "Show Your Hand" (1973), bajo el sello MCA, que a pesar de no entrar en las listas de éxitos confirmó el ascenso del grupo con un estilo que fusionaba el rhythm & blues británico con el soul.
Un año después el grupo consigue un contrato con Atlantic Records, en parte gracias a la mediación de Bruce McCaskill, manager de Eric Clapton quien también los dirige a partir de ese momento.
"Average White Band" (1974), producido por Arif Mardin (responsable del éxito de los grandes artistas del soul del sello Atlantic), sería el elogio definitivo y un gran boom comercial, logrando escalar a los primeros puestos en EE.UU y a un sexto en el Reino Unido.
En este disco el grupo mostraba una sólida base de rock fusionada con elementos soul, blues e incluso pop, un estilo que comenzaba a tener miles de seguidores en todo el mundo gracias a grupos de moda como Sly Family Stone, Temptations o Kool and the Gang entre otros contemporáneos.
El álbum contenía grandes éxitos como "Pick up the pieces", "Nothing You can do" o "You got it".
Pero la desgracia se cebaría con el grupo poco tiempo después, ya que ese mismo año McIntosh fallecería por una sobredosis de heroína.
A pesar de esta desgracia el grupo seguirá adelante y reclutará a otro ex-Oblivion Express, Steve Ferrone con quien publican "Cut the Cake" (1974), que sin alcanzar el éxito del álbum anterior logran mantenerlos en lo más alto del ranking con varios éxitos como "School boy Crush" o "If I Ever Lose This Heaven".
"Soul Searchin" (1976), sería el último gran álbum de la banda, que contenía el hit "Queen of my Soul" y que iniciaría el declive del grupo, publicando trabajos de menor impacto comercial, algunos de ellos de buena factura pero muy alejados de los logros conseguidos con sus primeros discos.

Canned Heat-Boogie With Canned Heat (1968)

Canned Heat fue una de las mejores bandas de Boogie and Blues de todos los tiempos, liderada por la gran voz Bob Hite-The Bear ("El Oso", debido a su apariencia física y su grasa corporal) y el virtuoso minimalista Alan Wilson-Blind Owl, ("búho ciego", debido a su gran falta de vista y sus grandes anteojos).
Canned Heat fue una banda que verdaderamente marcó un antes y un después en la evolución de un género que habría que recordar que se hallaba estancado a mediados de los años sesenta, y gracias a músicos como Bob y Alan lograron regenerarlo de nuevo con fuerza otorgándoles la autoría del género.
Fueron grandes no solo por su capacidad de interpretación, sino por su superioridad sobre los demás a la hora de adaptar el género y fusionarlo con lo más eléctrico y lisérgico de la época y en ocasiones con el virtuosismo acústico-minimalista de sus autores.
Canned Heat se formaron en 1965, cuando Alan y Bob se conocieron en Los Ángeles en 1965 en una tienda de discos, específicamente en la sección de jazz-blues, ambos eran fanáticos del género, (se sabe que el Bob Hite poseía una enorme colección de vinilos, Eps y singles de 45 rpm de boogie y blues, que fue adquiriendo poco a poco hasta su muerte en 1981).
En 1967, grabaron su tercer álbum en el sello "Liberty" y en 1968 fue lanzado bajo el título "Boogie with Canned Heat" producido por "Skip Taylor", lanzando el sencillo "On the Road Again" de Floyd Jones, que a los pocos meses ya era número uno en ventas en muchos países, siendo un éxito mundial y un verdadero clásico del boogie blues y del blues rock.

Spyro Gyra-Morning Dance (1979)

Formada a mediados de los 70 por Jay Beckenstein y Richard Calandra en Buffalo, localidad cercana a Nueva York, Spyro Gyra es una de las formaciones de jazz más emblemáticas del genero y desde hace más de 40 años han publicado una serie de discos considerados de los mejores de dicho estilo.
En 1976 publican su primer trabajo llamado "Spyro Gyra", un disco grabado de forma rudimentaria del cual solo se lanzaron inicialmente 500 copias, que sin embargo gracias a difusión en las radios locales y al tema "Shaker Song", se convierte en un rotundo éxito, consiguiendo ampliar edición del álbum y vendiendo más de 70.000 copias.
Con un segundo y brillante álbum "Morning Dance" (1979), la banda se expande con el tecladista Tom Schumann y el vibrafonista David Samuels.
Con este segundo disco consiguen vender un millón de copias gracias a grandes composiciones como "Heliopolis", "Jubilee" o "Song For Lorraine".
Luego de otro gran disco como "Catching The Sun" (1980), logran un reconocimiento similar al anterior e incluso llegando al número uno en las listas de jazz, publican "Carnaval" (1980), "Freetime" (1981), "Incognito" (1982) y finalmente "City Kids" (1983), que cerrará un sexteto de grabaciones magistrales y elevando la categoría de la banda hasta el olimpo del mundo del jazz. En la actualidad la banda sigue publicando discos con bastante asiduidad, con mas de 25 álbumes editados y unas ventas que superan con creces los 14 millones de copias vendidas a nivel mundial.

John Lee Hooker-The Healer (1989)

 

John Lee Hooker fue nombrado como el mejor músico de blues de la historia, con una carrera de más de cien discos publicados y más de medio siglo de carrera, sin embargo no sería hasta los 70 años cuando alcanzaría su mayor popularidad.  
En 1948 publicaría su primera canción "Boogie Chillen", con la que se dio a conocer en los Estados Unidos.
A partir de aquí John Lee Hooker no dejaría de publicar grabaciones muy populares que incluso tuvieron mucho impacto en las listas de éxitos de la época.
Pero no sería hasta finales de los 70 cuando su popularidad alcanzaría cotas extraordinarias al aparecer en las películas "The Last Waltz" y "The Blues Brothers".
Años más tarde publicaría su disco más aclamado "The Healer" (1989), donde contó con la participación de Carlos Santana, George Thorogood, Charlie Musselwhite, Bonnie Raitt o Robert Cray.
Con este disco John Lee Hooker ganaría su primer y único premio Grammy, algo que se le había negado en los años sesenta y setenta.
"The Healer" es uno de los discos imprescindibles para todos los amantes del blues, con una serie de composiciones del más alto nivel como "Think Twice You Go", "Rockin´Chair" o "No Substitute".

Steppenwolf-Steppenwolf (1968)

La primera vez que se usaría el término heavy metal sería en la canción "Born to be Wild" del grupo Steppenwolf, una banda californiana formada en 1967 que ejercía un potente sonido de hard rock.
Junto a bandas contemporáneas como Vanilla Fudge y Iron Butterfly, fueron precursoras del género del metal, siendo sus influencias determinantes para las siguientes bandas del estilo.
"Born to Be Wild", incluido en el álbum debut del grupo "Steppenwolf" (1968), se convirtió en el himno de los "Hells Angels" y luego aparecería en la película de culto "Easy Rider", alcanzando las primeras posiciones de las listas de medio mundo.
Surgida de las cenizas de la banda de blues rock The Sparrows, fue fundada por John Kay (guitarrista y vocalista), Jerry Edmonton (batería) Michael Monarch (guitarra rítmica), Goldie McJohn (teclados) y Rushton Moreve (bajista).
En los próximos cinco años Steppenwolf será históricamente un grupo vital que llegará a vender unos 25 millones de discos con ocho de sus lanzamientos recibiendo el oro por sus ventas; "Steppenwolf" (68), "The Second" (68), "Monster" (69), "Steppenwolf 7" (70), "Steppenwolf Live" (70), "Gold" (71) y "16 Gresatest Hits" (73), y logrando colocar hasta doce de sus canciones en el Top 100 de Billboard, entre las que se encuentran "Magic Carpet Ride", que alcanzó el número tres, o la estupenda "Rock Me".

Aunque su trayectoria pronto se verá truncada y luego solo tendrá remontadas esporádicas, es indudable que la inmortalidad le fue otorgada por el hecho de que "Born to Be Wild", es considerada la primera canción de Heavy Metal de la historia.

Booker T. and the MG´s-The Best Of (1968)

Memphis es una de las cunas del sonido negro y precisamente de ahí surgió Booker T., uno de esos artistas que nacen con un instrumento bajo los brazos, en este caso el órgano.
Desde la adolescencia tocaba en una banda llamada Triumphs, en la que era pieza fundamental.
Una década después, en 1962, Booker formó un pequeño grupo al que llamó MG´S y para ello reclutó a Al Jackson en la batería, Donald Dunn en el bajo y uno de los grandes talentos del sello Stax, Steve Cropper como guitarrista.
El primer disco resultante de esta unión registra un éxito sin precedentes y alcanza el número 1 y logra el millón de copias vendidas, la canción se titula "Green Onions".
A partir de ese momento, Booker T. y la carrera de MG son prolíficas de forma colectiva e individual.
Los MG'S también serán la base de los Mar-Keys, el grupo de sesión de todas las grabaciones de los grandes del sello Stax, artistas como Isaac Hayes, Sam & Dave, Eddie Floyd o Wilson Pickett entre otros, creando un sonido característico y lleno de calidad.
Volviendo a los Booker T y los MG'S, en los años sucesivos irán publicando discos uno tras otro hasta principios de los setenta, cuando prácticamente dejan de grabar discos para actuar únicamente en directo hasta hoy en día con numerosos cambios en sus formaciones posteriores.
Canciones legendarias como "Soul limbo", "Hang ´Em High" o "Time is Tight", han pasado a los anales de la historia de la música negra instrumental.
En 2007 pasaron a formar parte del Rock Hall of Fame y ese mismo año recibieron el Grammy honorifico por su brillante carrera artística.

Brand X-Masques (1978)

"Masques" fue el primer disco en donde el grupo Brand X no contó con la participación de Phil Collins a la batería, el cual fue reemplazado por Chuck Bürgi.
En este tercera entrega el sonido se asemeja al estilo eléctrico de los Return to Forever, en parte debido al nuevo teclista, Peter Robinson, que ya había colaborado anteriormente con Stanley Clarke y Chick Corea.
El acople de todos los instrumentos y el mayor predominio de los teclados, hacen del disco un trabajo digno de mención, por otro lado la guitarra John Goodsall le da el toque progresivo al sonido final. Cortes como la exuberante "Earthdance", contrastan con la enérgica "Deadly Nightshade", mientras que la delicada "Black Moon" o la brillante "Access to Data", conducen al oyente por caminos tortuosos de dinámicos ritmos y complejos pasajes que se mueven entre el jazz fusión y los sonidos progresivos bastante accesibles.

Brian Eno-Music For Airports (1978)

"Músic For Airports" se publicó en 1978, pero su autor Brian Eno, ya había ideado el concepto de esta obra unos años antes.
En 1975, mientras Brian Eno estaba convaleciente de un accidente automovilístico, le pidió a una amiga que había venido a visitarlo que pusiera un disco en su estéreo, (un disco de arpa del siglo XVII) antes de irse, algo que ella hizo sin ningún tipo de problema, sin embargo se olvidó de subir el volumen, por lo que Eno se encontró tratando de capturar las notas del arpa sobre el ruido ambiental, entre muchos otros como el que casualmente era un día lluvioso.
Lejos de frustrarse por tal desafortunado momento, el músico quedó cautivado por el sonido y de esta amarga experiencia surgió su concepto de "música ambiental".
"Music For Airports" fue el primer ejemplo de este concepto, y se reconfigura de formas inesperadas a partir de un impulso deliberado.
Con una estructura muy simple, con una serie de notas ordenadas en ciclos, una nota se repite cada 23 1/2 segundos, la otra cada 24 7/8 segundos, otra cada 29 15/16 segundos y así sucesivamente, sobre un fondo que repite constantemente.
Como los tiempos son totalmente irregulares, es imposible que los ciclos se sincronicen en un momento dado.
El resultado es una obra de duración infinita que simplemente nunca sonará igual en ningún momento.
En consecuencia, la obra en sí se vuelve menos importante que las reglas que determinan su evolución, y las notas y la duración de los ciclos.
A medida que se desarrolla la obra, se escuchan diferentes arreglos y configuraciones de los elementos irregulares, contrastando sobre los elementos básicos repetitivos, logrando un resultado fascinante.

Chris de Burgh-Spanish Train And Other Stories (1975)

Chris de Burgh es considerado uno de esos grandes cantautores de la historia del pop-rock que sin embargo tiene el aura de artista de culto, a pesar de que es conocido mundialmente por su famosa canción "Lady In Red".
Hijo y nieto de oficiales del ejército británico (su padre fue coronel y su abuelo fue el jefe del estado mayor británico en la India durante la Segunda Guerra Mundial), nació en Argentina, donde su padre estuvo destinado a finales de la década de 1940.
De regreso a Inglaterra en los años 60, se interesó por el incipiente movimiento musical que imperaba en esos años, y luego de terminar sus estudios se dedicó profesionalmente a la música y en 1974 obtuvo su primer contrato con A&M Records que editó su primer disco ”Far Beyond These Castle Walls" y lo promovió saliendo de gira como telonero de Supertramp en apoyo de su álbum "Crime of The Century".
Un año después Burgh editó su segundo disco "Spanish Train and Other Stories" con el que logró el reconocimiento internacional con un soberbio disco que hoy en día es considerado un disco de culto.
"Spanish Train and Other Stories" contiene una serie de grandes composiciones que se mueven entre el pop y el rock épico con ciertos paralelos al estilo de The Moody Blues, como la épica canción que da título al disco, la emotiva "Lonely Sky", el cabaret "Patricia The Stripper", la sinfónica "A Spaceman Came Travelling", el folk pop "The Tower" o la progresiva "Just Another Poor Boy".

Ted Nugent-Cat Scratch Fever (1977)

Tras dos primeros discos sensacionales, Ted Nugent lanzó la que sin duda seria su obra maestra y a la vez uno de los discos imprescindibles del hard rock.
"Cat Scratch Fever" fue lanzado en 1977 y fue la secuela de su álbum debut "Ted Nugent" (1975) y el posterior "Free-For-All" (1976), con estos dos álbumes Nugent había logrado estar en la cúspide rock como uno de sus máximos representantes.
Para "Cat Scratch Fever", Nugent recuperó a su vocalista Derek St. Holmes que había dejado su banda tras su primer disco, y junto a Rob Grange y Cliff Davies formaron una banda visceral, rotunda y explosiva como se demostraría poco después con su fantástico "Double Live Gonzo".
Un disco que contiene cortes de rock potentes, temas rítmicos muy adictivos y con ese sonido característico de la época, destacando el tema que da título al disco o "Workin´Hard Playin´Hard", "Wand Dang Sweet Poontang" o "Thousand Knives ".
"Cat Scratch Fever" logró un triple récord de platino y un alto lugar entre los diez primeros en América del Norte y unas ventas mundiales que superaron los cuatro millones de copias.

Alvin Lee-In Flight (1974)

Después del álbum de 1974 "Positive Vibrations", Alvin Lee puso fin a la carrera Ten Years After, con la que había publicado una docena de álbumes extraordinarios.
El abandono de Lee fue principalmente para seguir su propia carrera en solitario que se prolongaría hasta finales de los ochenta cuando volvería a reunir a la banda aprovechando la fiebre surgida a finales de esa década por los sonidos de los años 70.
Sin embargo Alvin Lee ya había publicado su primer álbum en solitario en 1973 cuando aún estaba en Ten Years After con el titulado "On The Road to Freedom", en el que contó con la colaboración de Steve Winwood, George Harrison, Ron Wood y Jim Capaldi entre otros.
En "In Flight" Lee aprovechó una de las grandes especialidades de su ex-banda, su fuerte sonido en vivo y sus excelentes creatividades guitarrísticas, grabado en el Rainbow Theatre de Londres en 1974, el repertorio incluía adaptaciones de clásicos del rock como "Don´t be Cruel" de Elvis Presley, "Keep a Knocking" o "Mystery Train", además del tremendos blues como "Freedom For the Stallion" y "Every Blues You´ve Ever Heard" o temas cercanos al boogie rock como “Ride My Train”, “I´Ve Got Eyes For You Baby” o “Slow Down”.

Buffalo Springfield-Buffalo Springfield (1966)

Buffalo Springfield es una de las bandas fundamentales del folk, country y rock estadounidense de todos los tiempos.
Y no es para menos si tenemos en cuenta que en una misma banda se encontraban tres de los mejores músicos de toda la historia como son Neil Young, Stephen Stills y Richie Furay.
Ellos crearon escuela y muchos grupos y artistas en las siguientes décadas fueron influenciados por estos tres grandes compositores.
Un disco que se recuerda sobre todo por el enorme "For What Is Worth", compuesto por Furay, una canción inmortal que nunca pasará de moda.
El eclecticismo de Stills y la constancia de Young también dieron sus frutos en forma de grandes temas como "Go And Say Goodbye" de Stills, un claro ejemplo del country-rock germinal, o los rockeros "Pay The Price" y "Everybody's Wrong", en donde se acercaban al rock duro en sus aclamados shows en vivo.

Bryan Ferry-Boys and Girls (1985)

Casi 12 años después de la publicación del primer álbum de Roxy Music titulado homónimamente como la banda, su fundador y líder Bryan Ferry se dedica exclusivamente a su carrera en solitario, la cual ya había empezado paralelamente a su banda madre en 1973 con la publicación de su disco debut “These Foolish Things”, al que seguirán una serie de álbumes como “Another Time, Another Place” (74), “Let's Stick Together” (76), “In Your Mind” (77), y “The Bride Stripped Bare” (78), todos ellos de desigual fortuna, aunque los dos primeros alcanzaron los primeros puestos de las listas británicas.
Roxy Music surgieron en el fervor de la moda glam, pero con personalidad mas que suficiente como banda de rock, y apoyados en la carisma de sus miembros, especialmente de Bryan Ferry, el disidente Brian Eno y el guitarrista Phil Manzanera, convirtiendolos en una de las de mayor peso en la música británica a lo largo de la década de los 70. El estilo Roxy Music primero basado en la fascinación glam, adornándose con plumas y lentejuelas y más tarde afianzándose en los márgenes del equilibrio entre la calidad de los álbumes y la comercialidad de los singles, fue saturado luego con la imagen retro y reverdecido a finales de los 70 con la vuelta del grupo, lo cual la convierte en una de las bandas más atractivas que el pop rock haya producido jamás con una amalgama de grandes trabajos como   “For Your Pleasure” (73), “Stranded” (73, “Country Life” (74), “Manifestó” (79) o “Flesh and Blood” (80)   
Ya en 1985 después de publicar con Roxy Music el aclamado “Avalon” (82), Ferry graba el trabajo “Boys and Girls”, álbum que lo consagró definitivamente llegando al primer puesto en los charts ingleses.
Temas como "Slave To Love", "Don't Stop The Dance", "Valentine" o “Windswept”, conformaban un trabajo que rebosa lujo, ensueño, sensualidad y romanticismo, demostrando la versatilidad y calidad del cantante, el cual es considerado unos de los dandys del pop rock por su elegancia y sofisticación.

Justin Hayward & John Lodge-Blue Jays (1975)

En 1975 The Moody Blues no habían publicado ningún álbum desde hacia tres años, de hecho el último había sido "Seventh Sojourn" (1972) y no editarían nada nuevo hasta tres años después con "Octave" (1978).
El motivo principal había sido el agotamiento de los integrantes, luego de tantos años publicando álbumes y las constantes giras mundiales que la banda había realizado durante mas de un lustro consecutivo.
Sin embargo eso no quiso decir que sus integrantes por separados también estuvieran alejados del mundo de la música, y por ello su guitarrista y el máximo compositor de la banda, Justin Hayward junto al bajista John Lodge, publicaron ese mismo año de 1975 el disco "Blue Jays".
Ambos dejaron con este trabajo una de las obras más bellas que se recuerdan, con grandes armonías vocales, un acompañamiento instrumental sencillo pero muy efectivo, ricas melodías y emocionantes composiciones que en parte nos recuerdan, como no podía ser de otra manera a su banda madre.
Un álbum memorable que contiene temas extraordinarios como la melódica "Remember Me, My Friend", la melancólica "Night Winters Years", o la extraordinaria "Blue Guitar", considerada una de las canciones más bellas jamás compuestas por Justin Hayward.
Este último lanzado como sencillo promocional que no aparecería en el disco final hasta su reedición años después, fue grabado junto a la formación completa de los míticos 10CC.

Creedence Clearwater Revival-Green River (1969)

En 1969 el Creedence Clearwater Revival tomó aún más riesgos y profundizó en sus textos de manera muy brillante con su álbum "Green River", superando incluso a su anterior "Bayou Country" en calidad musical.
Con un sonido más rotundo y potente es también el disco más oscuro y lúgubre, aquí aparecen las composiciones de John Fogerty sin complejos, que se pueden percibir en sus letras pero también en las melodías de su música.
Fogerty intentaba no encasillarse como una banda bucólica con su propio lado oscuro, que al final resultaría tan atractivo como adictivo.
"Bad Moon Rising" y "Green River" son dos ejemplos muy claros, pero incluso el medio tiempo "Lodi" tiene esa connotación de desesperación.
El álbum escalaría a las primeras posiciones en las listas de éxitos norteamericanos y británicas y obtuvo un triple disco de platino.

The Hollies-Greatest Hits (1973)

Aunque la edad de oro de The Hollies se concretó en tan solo cinco años, esta banda es una de las más grandes de la historia, y si no hubieran existido, el pop no sería como tal y como lo conocemos hoy en día.
Eclipsados a lo largo de los años por los grandes del sonido de la invasión británica (Beatles, Rollings, Kinks o The Who), The Hollies ocupan un lugar privilegiado en la historia del pop y el rock.
Sin embargo esta mítica banda tuvo el hándicap de que nunca lograron álbumes a su altura, todo lo contrario pasaría con sus singles, haciendo que su sentido del lirismo pop alcanzara niveles difíciles de igualar.
A lo largo de su carrera esta banda logró colocar más de 30 canciones en el UK Singles Chart y 22 en el Billboard Hot 100 USA, todas ellas magníficas canciones que llevaron a una especie de "Hollesmania" en los años 60 y 70.
Guiados por el genio Graham Gouldman, luego fundador de 10CC, Allan Clarke y Graham Nash, hasta que este último se largo para formar CSN&Y, la banda lanzó una impresionante serie de singles como "Bus Stop", "Carrie Anne", "Stop, Stop, Stop","Look Through Any Window”,"Long Cool Woman in Black Dress”, "He Ain´t Heavy, He´s My Brother”, "Just One Look”, "King Midas In Reverse”, "The Air That I Breathe” o "On a Carousel"
Todos ellos aparecen en numerosos álbumes recopilatorios que se han lanzado en las últimas cuatro décadas.

Talk Talk-The Colour Of Spring (1985)

"The Colour Of Spring" es el tercer álbum de la banda británica Talk Talk, considerado por muchos como su mejor producción, así como uno de los trabajos de mayor calidad de los años ochenta.
Lejos del sonido inicial donde el synth-pop y new wave eran la base de su estilo, aquí el grupo opta por sonidos más vanguardistas y experimentales, con cierta melancolía, pero conservando ese pop potente y solemne.
Especialmente notable es la participación de Steve Winwood con el órgano Hammond, proporcionándoles un ambiente sonoro que se mueve entre el rock progresivo y el space rock.
En este disco la banda está rodeada por más de quince músicos invitados, entre los que se encuentran entre otros David Rhodes, David Roach, Robbie McIntosh o el propio Steve Winwood, todo lo cual contribuye de forma significativa al enriquecimiento sonoro de una producción tan solemne como rica en matices musicales.
Ese enorme pasaje sonoro fruto de la gran cantidad de instrumentos utilizados, lo tenemos en el denso y maravilloso "I Don´t Believe In You", que se convierte en un clásico de Talk Talk.
También es memorable el ritmo "Living In Another World", donde nos recuerdan su etapa anterior, el íntimo "Chamaleon Day", con ese aura pesimista, la emocionante y tremendamente cautivadora "Give it up", donde se acercan bastante al estilo de Winwood en sus discos de la 80, y el hipnótico "Time it´s Time", como colofón de este impresionante disco que se encuentra entre los mejores de la década de los ochenta.

Iron Butterfly-In-A-Gadda-Da-Vida (1968)

Iron Butterfly son considerados para muchos como uno de los pioneros del Heavy Metal, para otros unos precursores del Rock Progresivo por sus largos desarrollos, fuera como fuera ambas fracciones tienen su parte de razón, su estilo esta repleto de atmósferas que discurren entre lo sofisticado y lo visceral, con connotaciones progresivas en muchos de sus temas y la pura exquisitez sonora, pero al mismo tiempo eran experimentales y vanguardistas, desarrollando un estilo único que mezcla las composiciones lisérgicas con el rock y el pop de los sesenta.
Formados en San Diego en plena costa oeste del ácido en boga en 1966, se trasladaron a Los Ángeles, el territorio de los reyes del blues blanco por aquel entonces, Canned Heat y su acid boggie que enloquecían a la comunidad hippie, allí empezaron a componer y en 1967 fichan por el sello Atlantic y graban su primer álbum con el título irónico de “Heavy”, un disco donde predomina un blues rock bastante potente con poderosos riffs fuzzeados y convirtiéndose en uno de los pilares en lo que será después llamado heavy blues junto con los Blue Cheer y su disco debut.
Un año después la banda publica su segundo trabajo “In-A-gadda-da-vida”, la obra cumbre de la banda, y versionada y reproducida en películas y series de televisión hasta la saciedad.
El álbum en sí se ve aupado por el tema que le da título, enorme ejercicio de rock psicodélico de diecisiete minutos que ocupaba toda la cara B del vinilo original. Una letra sencilla y un desarrollo instrumental complejo en el que destaca un increíble riff de guitarra y un solo de batería tremendo, ambos de los más recordados del rock, que se mantienen a lo largo de casi todo junto al riff de un bajo antológico, sobre el que los diferentes músicos hacen sus desarrollos y solos instrumentales.
El álbum vendió en sus dos primeros años más de 3 millones de copias, hasta llegar a los 20 millones en la actualidad, declarándose entonces como la primera banda de la historia en obtener un disco de oro/platino oficial, llegando al puesto número uno en numerosos países durante 1968.
Ya 1969 se publicaría el tercer Lp "Ball", una maniobra de la Atlantic Records que se apresuro rápidamente a publicarlo, debido al éxito de los anteriores álbumes con apenas varios meses de diferencia.
Este nuevo álbum volvía a ser disco de oro, e incluso superó en las lista a "In-a-gadda-da-vida", llegando al puesto número 3 de lo álbumes más vendidos del 1969, y al número 75 en las lista de  Billboard.
La banda mostraba en este nuevo trabajo un sonido más experimental que el anterior, basándose en mejoras de armonías vocales, acercándose poco a poco a tintes del acid-soul con ciertos toques gospel, sin dejar de lado la progresión también presente en bases de jazz-blusero.
Ya en 1971 publicaron su último álbum, el interesante, "Metamorphosis", que lejos de sus influencias hippies y lisérgicas de sus primeras obras, conforman un disco de hard blues rock con ligeros desarrollos progresivos.
Un año después la banda se disolvería definitivamente, aunque en 1975 harían un tímido intento de reflotar el legado con dos mediocres trabajos que pasarían totalmente desapercibidos.

21 Guns-Salute (1991)

El ex-guitarrista de Thin Lizzy, Scott Gorham fundó en 1991 una banda llamada 21 Guns con la que publicaría tres discos siendo "Salute", publicado en 1992, uno de los mejores y más subestimados discos de rock melódico de los noventa.
Junto al fantástico vocalista Thomas La Verdi, crearon temas electrizantes y potentes como "Walking", "Little Sister" o la pegadiza "Knee Deep", que fue todo un éxito entre los amantes del AOR más exquisito.
Grandes medios tiempos como "These Eyes", "Marching in Time" o "Just A Wish", conforman un elegante y sublime álbum de guitarras y grandes melodías vocales, que sin embargo paso desapercibido para el gran publico, aunque no así para los fanáticos del genero del AOR y el rock melódico.

10cc-The Original Soundtrack (1975)

En 1975, 10 CC publicó su tercer álbum titulado “The Original Soundtrack”, el cual es sin duda la gran obra maestra de esta mítica banda.
Con un inicio abrumador, este sorprendente álbum ya nos ofrece desde el primer minuto la mini ópera “Une Nuit A Paris”, que pronto fue comparada con el tema de Queen, Bohemian Rhapsody, lanzada muchos meses después.
Esta composición demostró la enorme creatividad de esos dos genios llamados Godley y Creme.
Sin embargo sería la canción “I´m Not In Love”, la que se convierte en el estandarte de este disco, que al final se convertiría en la obra de coronación de la banda y su compositor Gouldman, tema que define a la perfección el estilo de 10 CC.
Otra canción muy destacada es “Blackmail”, con su espectacular solo de guitarra final, la cual cierra la primera cara del disco cargada de música sublime.
La segunda cara del disco, sin estar a la altura de la primera, completa un trabajo donde la creatividad y la originalidad son el máximo exponente del mismo.
Este disco es un verdadero placer para los oídos escucharlo por su exquisito sabor en todas sus composiciones y la elegancia de su desarrollo instrumental.

Camel-Breathless (1978)

"Breathless" es un álbum controvertido para los fans de Camel. Hay que tener en cuenta que el disco sigue a los grandes "The Snow Goose", "Moonmadness" y "Rain Dances", por lo que a muchos de sus fans les pareció un álbum que no cumplía con las expectativas, con ciertos toques comerciales, pero con todo sin embargo es un digno trabajo que tiene piezas muy rescatables y de gran calidad.
Para este nuevo trabajo se repite la formación de su anterior álbum, aunque seria el ultimo disco de Peter Bardens con Camel. De hecho, la última pista, Rainbow's end, es David Sinclair quien toca los teclados. Durante la gira para presentar el disco, por primera vez encontramos seis componentes en lugar de los cinco originales: fuera ya Bardens del grupo, tenemos a Andy Latimer, Andy Ward, Mel Collins, Richard Sinclair, David Sinclair y Jan Schelhaas, que fue incorporado como apoyo a la banda.
El álbum contiene momentos memorables como la intensa y compleja "Echoes", el jazz progresivo "Wing and Prayer", el pastoral y delicioso "Starlight Ride", el rítmico y emocionante "Summer lightning" (con uno de los mejores solos de guitarra de Andy Latimer y uno de los más espectaculares que se hayan escuchado jamás), y el dinámico y progresivo "The Sleeper".
En definitiva, un disco elegante y de gran calidad con fragmentos progresivos de gran valor siempre llenos de sensibilidad y el toque especial que Latimer sabe poner en todo lo que crea y hace.

Atlanta Rhythm Section-A Rock´N´Roll Alternative (1976)

 

"A Rock´N´Roll Alternative", fue el primer gran disco de la Atlanta Rhythm Section, luego de haber publicado cinco meritorios y atractivos trabajos, el primero en 1972, con poca cobertura mediática que pasaron sin pena ni gloria, sin embargo todos ellos eran de gran factura y de notable calidad.
Enmarcados dentro del género del rock sureño, sería este sexto disco el que catapultaría su carrera convirtiéndose definitivamente en uno de los mejores exponentes del género.
Este trabajo incluyó uno de sus grandes éxitos, como es "So Into You", así como una serie de grandes canciones como la poderosa "Sky High", la melódica "Hitchhiker's Hero", la maravillosa balada retrospectiva "Georgia Rhythm" y la country "Neon Nites".
El álbum escalaría las listas de éxitos en los Estados Unidos con grandes ventas y muy buenas críticas.
El tremendo éxito de este disco supuso el inicio de la época dorada del grupo, que posteriormente se tradujo en varios discos de altísima calidad y de enorme éxito como "Champagne Jam" y "Underdog".

Johnny Rivers-John Lee Hooker At Whiskey a Go Go (1969)

Johnny Rivers es uno de los músicos legendarios del rock and roll por su estilo incomparable e inconfundible, pionero en el auge de los álbumes en vivo y dando la verdadera importancia a los músicos que lo acompañaban en vivo, haciéndolos notar en las portadas de sus álbumes.
Este guitarrista, compositor y productor estadounidense, nacido en 1942, comenzó actuar a los 14 años y pocos años después fue un habitual en el mítico local "Whisky a Go Go" de Los Ángeles, donde grabó varios discos en directo.
Uno de ellos fue este "John Lee Hooker At Whiskey a Go Go", grabado en 1967, y publicado en 1969, donde Johnny Rivers interpreta versiones de temas míticos de la época como "Sunny", "I Can´t Get No Satisfaction", "Got My Mojo Workin´", "CC Ryder", o la fantástica "Oda a John Lee Hooker / Satisfaction", un jam atípico del mejor blues.
Johnny Rivers ganó 16 discos de oro y ganó dos premios Grammy a lo largo de su carrera y aunque hoy es un músico olvidado por las nuevas generaciones, su legado es incuestionable como uno de los más grandes del rock de todos los tiempos.

Can-Tago Mago (1971)

Can es un caso extraño en la música rock, porque a pesar de ser una de las bandas de referencia del estilo progresivo, nunca han gozado de la popularidad que se merecen. Los alemanes son unos de los máximos exponentes del movimiento Krautrock y ávidos músicos a la hora de utilizar diversos trucos experimentales y empaparnos de su hipnótica música psicodélica.
Este álbum compite seriamente en popularidad con su trabajo "Future Days" publicado dos años después, pero "Tago Mago" es el responsable de descubrir el frasco de las esencias. No ha envejecido como lo hacen las grandes obras y sigue sonando maravillosamente bien, y lo demuestra directamente con grandes temas como  "Paperhouse", "Mushroom" o el extremadamente experimental "Aumgn".

Barclay James Harvest-Berlin A Concert For The People (1982)

El 30 de agosto de 1980 la Barclay James Harvest ofreció un concierto gratuito en la ciudad de Berlín, frente al Reichstag y muy cerca del famoso muro de Berlín.
En ese momento la banda estaba presentando su trabajo "Turn Of The Tide" y hay que recordar que en Alemania eran igual de populares que otras grandes bandas como Yes, Genesis o ELP.
Para muchos, este concierto tuvo algunas connotaciones políticas, como la recepción por parte de las autoridades de la ciudad y el inicio con el emblemático tema "Berlín".
Como anécdota, en este concierto, que sería prácticamente diez años antes de la caída del Muro, parte de los altavoces se situaron concienzudamente para que la gente detrás del muro también pudieran escuchar el concierto. Esa parte de la ciudad era el Berlin Oriental o lo que es lo mismo la Alemania del Este, que estaba detrás del muro, pero su confinamiento era eterno, o eso se pretendía.
Para entonces, la banda ya se había reducido a un trío (Holroyd-Lees-Pritchard), y fueron apoyados por Kevin McLea y Colin Browne tanto en teclados como en otros instrumentos.
El concierto fue todo un espectáculo con una banda que sonaba perfectamente compenetrada y con un sonido abrumador y con un magnífico repertorio de canciones protagonizadas por el precioso "Living Is Easy", el nostálgico "Mockingbird", el épico "Hymn" o el emocionante "Children of the Universe". Dos años después fue publicado un álbum en directo donde recogía gran parte de ese concierto y el cual obtuvo un gran éxito, principalmente en Alemania y en toda Europa. Esa tarde memorable ante más de 250 mil personas, la Barclay James Harvest, entró en la historia de Berlín por la puerta grande para siempre.

Pink Floyd-Atom Heart Mother (1970)

Para muchos este disco supuso el inicio del fin de la era psicodélica de Pink Floyd, para otros es un mero disco de transición que fue bastante despreciado por los fans, e incluso por la propia banda, y es que la ausencia de Syd Barrett todavía pesaba mucho como una losa y socavó en parte las ideas de los miembros del grupo.
Aún así, el grupo nos deja una suite enorme, la que le da título al disco y que se convierte en una de las piedras angulares del rock progresivo.
Mención especial es el trabajo a los controles de ingeniería de Alan Parsons, que logra un sonido glorioso, con todos los instrumentos sonando de manera sublime.
En "Fat Old Sun", ya se podía intuir hacia dónde iría la banda cuando componía David Gilmour, y en "Alan's Psychedelic Breakfast", encontramos a los Pink Floyd que sonaran unos años después con una pieza soberbia, donde Wright y Gilmour están increíbles, con un sonido excelso que dejaba claro el futuro de Pink Floyd.
El álbum fue un gran éxito en los Estados Unidos y en el Reino Unido, así como en muchos otros países, logrando ventas que superaron con creces el millón de copias.

Atlantic-Power (1995)

En 1995 una banda novel llamada Atlantic debutaba con un sorprendente y soberbio álbum titulado "Power", el cual pronto fue catalogado como uno de los grandes álbumes del rock melódico. La tristemente desaparecida compañía "Music For Nations" fue la encargada de publicar este imprescindible trabajo lleno de inmensas melodías que hicieron disfrutar a los fans del genero de medio mundo y que hoy en día siguen sorprendiendo a todo el que los descubre por primera vez.
Grandes canciones como "Power Over Me", "Nothing to Lose", o "Every Beat of My Heart" son más que suficientes para definir lo que Atlantic hizo en ese álbum. Si no fuera por la producción del disco, algo justa, sería una grabación considerada una obra maestra. Aún así, entra en el grupo de bandas que habiendo editado un solo disco alcanza la categoría de mitos dentro del estilo.
Un disco que mantiene la magia después de 25 años y que con toda seguridad perdurará en el tiempo.

John Waite-No Brakes (1984)

Cuando a principios de los 80 John Waite abandonaba la banda The Babys, con los que había grabado cinco álbumes de irregular éxito, comenzó una carrera en solitario publicando algunos de los mejores álbumes de AOR de esa década. Así el tema "Change", perteneciente a su debut Ignition (1982), se colocaría en los puestos altos de las listas y llamaría la atención de los fans del AOR (Album-Oriented Rock) y las emisoras de todo el país sobre este género.
Dos años después publica su segundo trabajo titulado "No Brakes" (84), este trabajo tuvo un gran interés a nivel mundial, especialmente en Europa y Estados Unidos, principalmente por el tema "Missing you", que llegó al número uno en el "Billboard Hot 100." Este corte, un medio tiempo magnífico interpretado con fuerza y sensibilidad a partes iguales, vendió casi dos millones de copias en todo el mundo y con el tiempo acabaría siendo versionado por destacados intérpretes entre los que destacan Tina Turner o Rod Stewart.
En 1988, Waite reunió a antiguos miembros de "The Babys" para formar el super grupo "Bad English". En 1989, la balada de Bad English "When I see you smile" (escrito por Diane Warren), también alcanzó un éxito importante, aunque poco tiempo después John Waite volvería a trabajar en solitario. Desde 1995, ha producido cinco álbumes como solista, algunos de ellos muy celebrados por los fans y la crítica especializada.
Algunos de esos álbumes como "Temple Bar" (1995), "When You Were Mine" (1997), "The Hard Way" (2004), o "Downtown Journey of a Heart" (2007) tuvieron muy buenas acogidas en el ámbito del AOR.

Absolute Elsewhere-In Search Of Ancient Gods (1976)

Absolute Elsewhere fue una efímera banda británica de rock progresivo que tenía entre sus filas al famoso baterista Bill Bruford, con quien grabaron en 1976 el disco "In Search of Ancient Gods", que estaba basado en un libro de Erik Von Daniken. Un álbum íntegramente instrumental, sin complejidades, bastante melódico y claramente progresivo.
Considerado un disco de culto hoy en día, con el podemos deleitarnos con temas como el planeador "Earthbound", el experimental "Moon City" o el gran "Miracles of the Gods", una suite compuesta por 5 partes con un comienzo clónico al estilo King Crimson, que da paso a una parte más romántica con un piano de cola y un par de momentos extraordinarios de Mellotrón como la experimental "The Gold Of the Gods" o "Toktela", donde encontramos magníficas instrumentaciones de teclados y sintetizadores barrocos.
Un gran álbum instrumental que combina pasajes sencillos y accesibles con muchos teclados con interludios experimentales y electrónicos, y que tiene el incentivo de escuchar y disfrutar del siempre presente baterista Bill Bruford.