Patti Smith-Easter (1978)

Considerada una de las artistas mas influyentes de la música rock de los últimos 40 años, Patti Smith no solo era cantante, sino también poeta, escritora y miembro de la capa mas underground del New York mas sofisticado de la década de los 70.
Amante o compañera de algunos de los mas rutilantes astros del rock, en 1975 había publicado su primer album que ya la coloco de entrada en lo mas alto de la escena rock, en este disco Patti muestra el carácter de una mujer descarnada, dura, tremenda, rockera y desatada. Mujer carente de belleza física, pero con un gran fondo personal, que llego a ser comparada en sus comienzos con la Janis Joplin por su lado salvaje, si bien es cierto que Janis cantaba realmente bien y Patti Smith no.
En directo y en medio de sus climax llego a romperse las cervicales y algunas costillas producto del frenesí de sus actuaciones.
Sin embargo en el estudio y en sus grabaciones, la calidad de los textos y la pasión de su música que envolvía la hicieron triunfar situando a la altura de un Lou Reed femenino.
Después de sus dos primeros álbumes "Horses" (1975) y "Radio Ethiopia" (1976), publico el que es sin duda su mejor obra titulado "Easter" (1978), con el cual también consigue su mayor éxito comercial debido en parte a su single "Because The Night", que fue escrita junto a Bruce Springsteen.
"Easter" tuvo una gran acogida por la critica del momento por la gran cantidad de géneros que contiene, también es destacado las muchas referencias religiosas que tanto en las canciones como en lo estético de la portada del album están presentes.

Kingdom Come-Kingdom Come (1988)

Si alguna vez existió una banda que se acercara al sonido de Led Zeppelin, (salvando unas enormes distancias como es obvio) fueron Kingdom Come, una banda formada por el vocalista y guitarrista alemán afincado en Estados Unidos, Lenny Wolf.
Kingdom Come fue la continuación de otra formidable banda liderada por el propio Wolf, llamada Stone Fury.
Su debut fue el álbum homónimo publicado en 1988, y seria producido por Bob Rock. La banda en este primer álbum demuestra a la perfección sus increíbles influencias de Led Zeppelin, hasta el punto que aquellos que no les conocían al escuchar sus canciones en las radios FM estadounidenses, creyeron que Led Zeppelin se habían reunido y tenían un nuevo álbum.
En este primer disco destacaban los temas “Now Forever After”, “Shout it out” y “Living out of touch”, que les llevan a alcanzar una gran éxito, consiguiendo un disco de oro semanas después de su publicación y una gran popularidad en los siguientes meses.
Sin embargo esto les granjeo muchos problemas con la prensa estadounidense, al tacharlos de meros imitadores e incluso Gary Moore y Ozzy Osbourne les dedicaron la canción “Led Clones”, para atacarlos algún tiempo después.
Con todo ello, la polémica provocada no impidió que Kingdom Come tuvieran un lugar privilegiado en la gira “Monsters of Rock” del año siguiente, siendo cabezas de cartel junto a Metallica, Scorpions y Van Halen.

Love-Forever Changes (1967)

Love es considerada una de las bandas más importantes de la historia de la música contemporánea, icono de la cultura hippie y símbolo de las jóvenes generaciones de los sesenta.
Fundados por Arthur Lee y Johnny Echols en la primera mitad de la década de 1960, comenzaron como American Four, pero pronto cambiaron su nombre a "Grass Roots". La banda fue formada, además de Lee y Echols, por el baterista Don Conka y el bajista John Fleckenstein. En ese momento, los sonidos de la invasión británica, junto con el Folk Rock de los Byrds, hicieron que Lee cambiara de dirección y se alejara del sonido R&B de sus primeros días.
Después de ganarse la reputación de tocar en bares y clubes de Los Ángeles, se convirtieron en el primer grupo de rock en firmar con Elektra Records. En ese mismo año (1966) grabaron "Love", su primer disco.
Para su segundo disco, "Da Capo" (1967), su estilo ya se mueve entre el folk y el rock, entre la psicodelia y el jazz, entre el pop y los ritmos latinos, como dejando entrever lo que vendría un año después con su tercer álbum.
Casi a finales de ese mismo año se publicó "Forever Changes", un álbum con canciones magistrales de tembloroso folk-rock acústico / jangle pop y texturas psicodélicas con tramos de rock ácido eléctrico, canciones como "A House Is Not A Motel", "The Red Telephone", "Andmoreagain" o la eterna "Alone Again Or", que conforman un disco magistral con amplios y sugerentes arreglos orquestales y una notable presencia de guitarras acústicas, una fascinante obra en donde logran crear una música con colorido, sosegada y una atmósfera intensa.
Sin embargo, debido a la mala planificación comercial del sello Elektra, más centrado en la carrera de The Doors (banda que les había presentado el propio Lee), el disco pasó bastante desapercibido para el gran público y la crítica de la época, pero con el paso y a lo largo de los años se ha convertido en una pieza clásica de la música moderna.
Luego de grabar el disco, actuaron en el mítico Festival de Monterrey en 1967, para posteriormente y debido a la adicción a la heroína de la mayoría de los integrantes de la banda y a las tensiones internas, provocaría la desintegración definitiva del grupo.

Curved Air-Second Album (1971)

Curved Air fueron una banda inclasificable con un estilo en donde el folk ácido interpolado con tintes de fusión y academicismo sonoro, psicodélica y glam rock con matices de música barroca, era su característica principal. Esa principal característica de la banda al menos en sus tres primeros discos, comprendian el violín eléctrico y por supuesto la voz de Sonja Kristina, vocalista principal del grupo y una de las primeras voces femeninas del rock progresivo.
Curved Air se formó a finales de los sesenta por las mentes creativas de Darryl Way (violín) y Francis Monkman (teclados), estos individuos tomaron las dos últimas palabras de la famosa obra minimalista de Terry Riley, "A Rainbow in Curved Air" para nombrar el grupo.  En "Vivaldi", composición que aparece en “Air Conditioning”, el álbum debut de Curved Air, se perciben ciertos matices minimalistas y barrocos, quien haya escuchado a Philip Glass o Terry Riley notará su influencia.
Con este segundo disco, el grupo se siente más maduro en las composiciones, aunque sus letras siguen siendo algo fastuosas, están mucho más orquestadas y también hacen uso del sintetizador VCS3 y el piano eléctrico, cambiando el sonido que los caracterizó en su primera grabacion. El hit más conocido de la banda es sin duda "Back street luv".
Aún es importante resaltar la figura de Sonja en la escena progresiva de aquellos años en los que prácticamente la mujer no tenía un papel vocal importante, aunque si en la ejecución de instrumentos.

Derek & The Dominos-Layla and Other Assorted Love Songs (1970)

El paso de la legendaria formación Derek & The Dominos por la música sería breve pero intensa, y con este "Layla and Other Assorted Love Songs" se aseguraron su lugar en la historia del rock.
Estamos ante un disco especial, considerado uno de los más grandes de la historia del rock y realizado por músicos de una calidad inigualable, con Eric Clapton, a la guitarra, Bobby Whitlock (órgano, piano), Carl Radle (bajo y percusión) y Jim Gordon (batería). Y como pieza de culto que está dentro de los llamados genios de la música, se coloca aún con más firmeza en lo más alto de los altares del rock and roll, gracias a la colaboración estelar del virtuoso guitarrista de los Allman Brothers y maestro del slide, Duane Allman, quien ayudo decisivamente a que esta obra de arte, se cubriera aún más de gloria.
"Layla and Other Assorted Love Songs" es simplemente un álbum perfecto de principio a fin, tanto en producción, letras, grabación o factores como el componente sentimental. Además tiene una particularidad que lo hace único: la absoluta complicidad de sus componentes en todos y cada uno de los temas. Clapton, Gordon, Allman, Whitlock y Radle exponen una fuente de recursos inagotables, elevando ese arte como es el blues al infinito.
Suele decirse que la música es un estado de ánimo y la prueba se puede encontrar en temas como la balada "Bell Bottom Blues", llena de melancolía y emoción, o "I Am Yours" que se vuelve suave, tranquila y llena de sensibilidad, hasta que suena "Layla", violenta, salvaje y llena de ira. "Layla" sería el himno que acompañaría a Eric Clapton a lo largo de su carrera y una de sus canciones más famosas y recordadas. La primera vez que se lanzó en todo el mundo fue en este "Layla And Other Assorted Love Songs".
Con otras canciones como la fantástica versión de "Little Wing" de Jimi Hendrix, o las espléndidas "Have You Ever Loved a Woman?", "Key To The Highway", o "Tell The Truth", o el clásico "Anyday", muestran una y otra vez el increíble potencial que poseía esta colosal formación.
Apenas hicieron poco mas que este disco, pero no se fueron sin antes dejarnos esta joya de incalculable valor que permanece inalterable en el tiempo.

The Doors-The Doors (1967)

Entre los años 1967 y 1971 The Doors polarizaron la atención mundial sobre su música, su enorme sonido y la gran vitalidad del grupo.
En todo ello brillaba por encima de todo su carismático cantante Jim Morrison, un símbolo juvenil cuya capacidad lírica, emocional y su atrayente físico lo hacían el frontman y sex symbol por excelencia en una época en donde Elvis Presley había perdido esa condición por sus excesos.
Jim Morrison lo daba absolutamente todo sobre el escenario, volcándose en cada canción, llegando a lo mas alto en cada nota pero que también se pasaba de la raya en muchas ocasiones.
Las consecuencias de sus constantes desvaríos fueron sus detenciones por sus excesos poco éticos en escena, sin embargo el motivo real de sus actuaciones "poco decorosas", era el enorme trance que en el despertaba la música sobre un escenario.
Musicalmente la influencia del primer album titulado "The Doors" estaba basada en el R&B, el jazz y el rock con pinceladas psicodélicas, "Break On Through" es un ejemplo claro de la mezcla de poemas revolucionarios y la psicodelia, mientras la hipnótica "Soul Kitchen" demuestra los sutiles cambios en la dinámica musical del grupo.
Pero son los extensos "Light My Fire", un himno a la sexualidad en clave jazz y en "The End" un apocalíptico y épico tema los que encumbran a The Doors y los elevan al podium de los grandes grupos de los 60 dando comienzo así a la teatralidad en el rock.

Pat Metheny Group-Offramp (1982)

"Offramp" es el tercer album de Pat Metheny Group, ganador del Grammy a la mejor interpretación de jazz, el primero de los diez que el grupo ha conseguido y que escalo hasta el primer puesto de las listas del Billboard jazz álbum.
Aclamado unánimemente por la critica, "Offramp" es uno de los mas soberbios álbumes del jazz rock que se hayan grabado jamás, su amplia variedad de sonidos e influencias que van desde el rock, hasta el folk y la música tradicional norteamericana que incluyo en las composiciones y el enorme equilibrio en la instrumentación acústica y electrónica, dotan a este trabajo de altas cotas de popularidad y comercialidad por igual.
Con una sobria producción se van sucediendo los temas como la hipnótica y fantástica "Are You Going With Me", la sutil  "Au Lait" o la alegre "James" dedicada a James Taylor.
Con este album Metheny se coloco a la vanguardia de la escena del jazz contemporáneo, perdurando como un clásico de la carrera del mítico guitarrista y una de las obras capitales del jazz fusión.

Mike Oldfield-Amarok (1990)

En 1990 Mike Oldfield publicaba uno de sus álbumes menos accesibles y mas complejos de toda su carrera, y es que escuchar “Amarok" es una tarea ardua y hasta cierto punto desequilibrante.
Concebido como una obra conceptual, es en realidad un retorno a los mejores momentos de Mike Oldfield con su característico estilo.
Sin embargo ya desde la contraportada nos pone en aviso de lo traumático que puede ser el escuchar este album, ya que se incluye de manera impresa una advertencia medica sobre las posibles consecuencias en nuestros oídos. 
Si nos paramos a pensar, cualquiera se lo pensaría dos veces antes de adquirir este disco, siempre que no fuéramos un fan incondicional de Oldfield, después de haber leído tal advertencia. Un album que habría que escucharlo en pleno equilibrio emocional, o se corre el riesgo no entender nada y pensar que se trata de un disco que no tiene ni pies ni cabeza, sin embargo lo que se podría identificar como un proyecto que se excede en lo experimental, es la esencia real del estilo progresivo y único de Mike Oldfield. Sin embargo y siendo totalmente sinceros y objetivos, estamos ante el mejor trabajo de Mike Oldfield, o por lo menos el que mejor lo define como creador de este tipo de música, con permiso de obras tan capitales como "Tubular Bells" o "Ommadawn". Como definió el propio Oldfield tiempo después, este podría ser una secuela del grandioso “Ommadawn”, y es fácil identificarlo así, aquí Oldfield incluye al igual que en aquel, elementos étnicos, aunque en este "Amarok" no sigue una línea de movimientos como en aquel, todo lo contrario, el caos y las extrañas y sorprendentes mezclas de melodías y ritmos conducen a este album a una sucesión de piezas de difícil catalogación musical. Es tal el lío de sonidos y efectos sonoros que es sumamente complicado reseñar un album de tal magnitud, simplemente es escucharlo detenidamente sin interrupciones, es verdaderamente una obra de arte musical de un genio como Mike Oldfield, al que solo nos queda rendirle devoción.

Julie Driscoll, Brian Auger & Trinity-Streetnoise (1969)

Julie Driscoll fue una cantante muy influenciada por el rhythm and blues y el jazz, géneros en cierto modo minoritarios o muy estilistas a nivel comercial y muy probablemente aún mas difíciles para una mujer en los sesenta, que a veces estaba supeditada de alguna manera para llegar a los rankings mayoritarios con temas como "Road To Cairo" o "Take Me To The Water".
Ella era una cantante con grandes sentimientos arraigados, con una tonalidad vocal de fuerte acento, que mas se parecía a una voz negra que a una blanca. Con ella la música pop obtuvo una de las mas fascinantes y singulares cantantes de toda su historia.
Pero hablar de Julie Driscoll es hablar de Brian Auger, sus carreras corrían en paralelo hasta 1969, año en que ambos se separaron. Juntos sin embargo y con el grupo Trinity llegaron a crear una fuerte unión musical.
Durante un tiempo fueron la mejor agrupación que jamás existió en ese estilo, la voz de Julie, el órgano magistral de Auger y el magnetismo de la banda crearon obras sumamente importantes, principalmente un doble album, catalogado hoy en día como una obra maestra absoluta; "Streetnoise" (1969), el cual es sin duda alguna el trabajo en donde mejor se puede catalogar o descubrir los genios de ambos artistas.
En este album, Driscoll alcanza la madurez inigualable con poesías llenas de humanidad, tristeza, dolor, respeto y gentileza que se manifiestan en magnificas canciones como "When I Was a Young Girl" o en la magistral "Checoslovaquia".
El album contiene una amalgama selección de estilos que van desde el jazz al gospel, pero sin renunciar al rock, con guiños al soul e incluso a experimentales sonidos progresivos.
Compuesto por temas originales y versiones de grandes como The Doors, Richie Havens, Nina Simone o Miles Davis, conforman un disco complejo pero sorprendente y único.

Great White-Great Zeppelin: A Tribute to Led Zeppelin (1998)

Great White nunca ocultaron sus gustos por las versiones de temas de otros artistas, ahí están por ejemplo las soberbias "Substitute" de The Who, "Gime Some Lovin" de The Spencer Davis Group, "Once Bitte, Twice Shy" de Ian Hunter, "Afterglow" de los Small Faces o "Red House" del gran Jimi Hendrix.
Por lo tanto no era nada de extrañar que tarde o temprano la banda le rindiera tributo a una de sus grandes influencias como son Led Zeppelin y por ello en 1998 publicaron "Great Zeppelin a Tribute to Led Zeppelin", un directo grabado en el Galaxy Theatre de Santa Ana en California.
Sin entrar en innecesarias comparaciones con los mencionados Led Zeppelin, la banda aquí no intenta ni siquiera imitar lo mas mínimo a las huestes de Plant y Page, sino que bajo su estilo inconfundible se atreven a interpretar algunas de sus mas celebres composiciones como "No Quarter", "Ramble On", "Inmigrant Song", "Since I´ve Been Loving You", "All my Love" o la mítica "Stairway To Heaven",
A diferencia de su coetánea Kingdom Come, ellos no intentaron emular jamás el sonido de la mítica banda, simplemente llevaron la esencia zeppeliana a su terreno, obteniendo un resultado que se nos antoja tan sobresaliente como majestuoso.

Kin Ping Meh-Kin Ping Meh (1971)

Kin Ping Meh fue una importantísima banda germana que estaba mas cercana al hard rock barroco que hacían bandas coetáneas como Uriah Heep o Deep Purple, que al estilo en donde estaban encuadrados con la etiqueta Krautrock, entre otras cosas por su procedencia alemana y por la época en la que fue fundada.
Fuera como fuera ellos son unos de los ejemplos germinales de la influencia del estilo progresivo alemán y el único que tenia nombre chino, (su traducción es cuanto menos surrealista; "rama de ciruelo en flor en un jarrón dorado!!").
Pero mas allá de esta curiosidad, Kin Ping Meh fueron unos impulsores de los largos desarrollos, con interminables solos de guitarra y teclados progresivos, mezclando el hard rock y el rock progresivo con tintes psicodélicos.
Su primer album, es todo un ejercicio de excelsos temas progresivos como "Fairy Tales" con sus nueve minutos de ritmos frenéticos y solos de todos sus integrantes, o la hipnótica "Everything", con dobles juegos de riffs y solos de guitarras y órgano.
En contrapunto “My Future” es una aproximación al folk rock de Crosby Stills and Nash y “Don´t You Know”, un claro guiño a los jams instrumentales progresivos y psicodélicos de los años 60.

Vanilla Fudge-Vanilla Fudge (1967)

La fantasía sonora que los Vanilla Fudge desarrollaron en su corta pero intensa vida profesional, constituyen una de las obras mas solidas que la historia del rock recuerde con ese rock libre y barroco que ellos expresaron.
Vanilla Fudge la constituían cuatro auténticos líderes, cuatro músicos en plena formación, en pleno desenvolvimiento de sus facultades, y estas se desarrollaron al máximo durante los cuatro años en los que fueron uno de los centros vitales de todo un amplio sector de los Estados Unidos, un área que ellos no solo dominaban a placer, sino también que llegaron a influenciar a toda la música que se produjo en gran parte del país.
El bajista Tim Bogert y el tecladista Mark Stein, unos músicos ya consagrados por la época, fueron los impulsores de Vanilla Fudge, ambos habían abandonado el grupo a quienes pertenecían y decidieron formar una banda para la cual reclutaron al guitarrista Vinnie Martell y al batería Carmine Appice.
Tanto Martell como Appice ya eran expertos instrumentistas y tenían tras de si mucha experiencia y un gran reconocimiento a un alto nivel
Con semejante plantel  en plena creatividad era difícil que fallaran y su primer album publicado en 1967 "Vanilla Fudge", sorprende a medio mundo , por su música violenta, expresiva y expansiva. Un torrente multicolor  lleno de fantasías de vitalidad que desborda en un caudal de notas aparentemente incontroladas.
En plena efervescencia aparecería el segundo album "Beat Goes On" (1968), en donde vuelven a expresar su explosión sonora, y luego vendrían los álbumes "Renaissance" (1968) y "Near The Beginning" (1969), en el cual aparece una sinfonía barroca repleta de fuerza que dura 24 minutos en una cara del disco.
Con su quinto LP "Rock & Roll", vuelven a conquistar la cima, pero entonces e imprevistamente se termina Vanilla Fudge, el grupo se termina disolviendo, para dos de sus integrantes fundar Cactus (Bogert y Appice), quedando para la posteridad unos álbumes totalmente revolucionarios y una de las mejores y mas completas obras de la década de los sesenta.

Keef Hartley Band-Halfbreed (1969)

Keef Hartley es mas conocido por ser un constante miembro en las formaciones de John Mayall, que como líder de su propia banda que deshacía y rehacía siempre según le llamara o no el propio Mayall para algunos de sus discos.
Considerado uno de los mejores baterías de blues británico, su talento natural se forjaría al lado de mencionado John Mayall, en cuyos Bluesbreakers milito en diferentes ocasiones. Posiblemente uno de los mas duros golpes que sufriera Keef Hartley fuera cuando Mayall decidió suprimir la batería de sus formaciones habituales para el álbum “Turning Point”.
Pero posteriormente Mayall busco nuevas fronteras a su música y volvería a llamarle para grabar el fantástico “Back to the roots” junto a Eric Clapton y en 1972 para que formara parte de su ultimo grupo conocido en el que incorporo a músicos de jazz.
En referencia a la Keef Hartley Band, la que mas fama alcanzaría entre llamada y llamada de Mayall, fue la que grabaría el doble álbum “Halfbreed”, (1969), un Lp que ponía de manifiesto la gran calidad y la personalidad de Hartley, dentro de un blues sugestivo y muy vibrante. En este álbum Hartley incorporaría al violinista Henry Lowther, y significaría el punto de arranque para la decisión de John Mayall de añadirlo a su amplia gama de sonoridades en el álbum “USA Union” de 1970.

Affinity-Affinity (1970)

Affinity fue un grupo de gran calidad y prestigio dentro de la música pop rock británica, pero cuya suerte a nivel popular fue mas bien escasa en el plano internacional. Su exquisita sonoridad estaba basada principalmente en el órgano de Lynton Naiff y la voz de Linda Hoyle, respaldados por el guitarra Michael Jopp. Estos tres músicos son la principal fuerza de este quinteto formados a finales de los 60.
Lynda Hoyle con su extraordinaria vocalización y Lyndon Naiff con unos fabulosos trances que consigue con el órgano lograron prácticamente toda la fama del grupo, con su enorme primer album, un disco que ofrecía una extraordinaria interpretación de "All Along The Watchtower de Bob Dylan, con un asombroso desarrollo de mas de 12 minutos de duración.
Temas propios junto versiones de artistas como Laura Nyro y John B. Sebastián dieron forma a este primer Lp que les consagro entre los mejores de 1970, pero que no llegaría al gran publico debido a la gran cantidad de grupos de altísima calidad que en aquella época existían, convertidos para la posteridad como una de las grandes bandas de culto de la historia del rock.

Ginger Baker's Air Force-Ginger Baker´s Air Force (1970)

Tras las disolución de Blind Faith, Ginger Baker crearía su Air Force, o lo que es lo mismo, y lo que intento crear; una escuela de rock.
La escuela de rock de Ginger Baker comenzó casi ocasionalmente con motivo de un concierto para el que se reunieron varios músicos de gran renombre, además de Baker, Steve Winwood, Rick Grech, Denny Laine, Harold McNair, Graham Bond o Chris Wood entre otros.
Sin embargo lo que habría de ser solo una actuación se convirtió en algo mas. Todos ellos salieron encantados con lo conseguido, con aquella sonoridad a gran súper banda.
Fue entonces cuando Baker pensó en dar forma a su escuela de rock, y mantuvo las riendas esa fenomenal banda cuyo único patrón era que en ella podía entrar y salir quien quisiera.
Evidentemente la idea partía de un genio como era John Mayall y sus Heartbreaker tiempo atrás, pero Baker ni tenia la formación musical ni el temperamento para ser un líder solido, sobre todo por su carácter agrio.
El primer LP, fue un doble album que resulto una genialidad. La formación de aquel insólito album era Baker a la batería, Steve Winwood a las voces y órgano, Janette Jacobs a la voz, Danny Laine a la guitarra, Chris Wood al saxo tenor, Rick Grech al violin, Remi Kabaka a la segunda batería, Graham Bond al saxo alto, Harold McNair a la flauta y Phil Seamen a las percusiones.
Una formación increíble que lograría un clímax indescifrable, sobre todo con la aportación de dos baterías que llegaban a hacer un dialogo de enorme tensión y poderío.
Pero pronto Winwood y Wood se largan a resucitar de nuevo a su antigua banda,  Traffic, junto a Jim Capaldi, Laine haría lo mismo para ingresar en los Wings de Paul McCartney y poco a poco el resto de la banda harían lo mismo.
Poco después llegaría un segundo album pero sin la expectación ni la frescura de este primer trabajo.
Finalmente la Air Force desaparecería por falta de voluntarios, pero no sin antes haber dejado impreso su pase por la faz musical con un disco magistral.

The Butterfield Blues Band-East West (1966)

Paul Butterfield fue para los Estados Unidos lo que John Mayall lo fue para Inglaterra; el máximo exponente del blues blanco, bajo cuya premisa desarrollaría una intensa labor que le consagro tanto en los medios como entre el publico a nivel internacional.
Popularmente sin embargo Butterfield nunca ha tenido la fama de Mayall. Su calidad y talento era casi el mismo, pero sus trabajos se diferenciaban bastante, mientras John Mayall practico siempre un blues muy libre con una gran base en la investigación y el vanguardismo, Butterfield fue eminentemente un músico tradicional y académico, que empleo los métodos clásicos del blues y los perfecciono sin querer ir mucho mas allá.
Indudablemente fue un purista total, y ello le resto posibilidades de cara al publico al que Mayall llegaría tras muchos años de lucha, cuando sus ideas revolucionarias fueron aceptadas y utilizadas por una gran mayoría de músicos de su época.
Sin embargo aún dentro de ese tradicionalismo, Paul se supo rodear siempre de los mejores músicos que tuvo a su alcance, sus diferentes bandas al igual que ocurriría con Mayall contaron con nombres de gran talla, descubiertos por el o ya consagrados nombres que escribirán posteriormente paginas de oro en la historia de la música.
Desde 1959 Paul fue haciendo contactos con los grandes bluesman de Chicago, que le irán definiendo su estilo, fueron nombres como Jimmy Cotten, Junior Wells, o Sonny Boy Williamson.
Para mediados de los sesenta Paul Butterfield ya era un maestro consagrado, un cantante magnifico y una armónicista que llego a dominar el instrumento cómo nadie.
Desde entonces trabajaría intensamente realizando álbumes antológicos para la historia del blues blanco.
Junto a el se desarrollaron músicos como Mike Bloomfield, Al Kooper o Elvin Bishop, considerados como grandes figuras del genero y unas carreras exitosas posteriormente.
Su calidad y su pureza le llevaría a realizar álbumes legendarios como "Firts", "East West" o "The Resurrection Of Pigboy Crabshaw", todos ellos pilares básicos de la historia del blues.

UFO-Strangers In The Night (1979)

UFO han estado siempre entre la delgada línea que separa el hard rock y el heavy metal, ellos han sido fuente de inspiración de múltiples bandas que durante décadas han aprovechado su legado, como Iron Maiden o Metallica, quienes han admitido sus enseñanzas.
Una banda que tuvo en el marcado carácter de su vocalista Phil Moog y el bajista Pete Way, su gran baza, sin embargo seria con el guitarrista Michael Schenker cuando despertarían su mejor creatividad facturando sus mejores discos "Phenomenon" (1974), "Force It" (1975), "No Heavy Petting" (1976) y "Lights Out" (1977), todos ellos constituyen una serie apabullante de gran hard rock, aunque nada equiparables a su majestuoso doble directo "Strangers In The Night (1979), un álbum donde la banda muestra su poderío y su fuerza con un apoteósico registro ya histórico.
Con un elenco de grandes canciones, el repertorio es de antología pura; "Doctor Doctor", Shoot Shoot", "Only You Can Rock Me" o "Too Hot To Handle" que hacen de este directo uno de los mas reivindicados en la historia de la música rock.

T. Rex-The Slider (1972)

Otro artista que se venia moviendo entre el rímel y las plataformas era Marc Bolan, el genial líder de T. Rex, otro de los grandes grupos de la era del glam rock británico.
Había empezado su carrera años atrás como un duo de folk llamado Tyrannosaurus Rex con los que publicarían cuatro álbumes desde 1968 hasta 1970.
A partir de 1970 acortan su nombre convirtiendo a Bolan en un guerrero eléctrico capaz de susurrar sensualmente o disparar electricidad con su guitarra, con una gran picardía pop que hacia que sus canciones deliciosas fueran imposibles de no ser adictivas al gran publico.
Con su tema “Get It On” obtuvo un gran reconocimiento en los Estados Unidos, y el album “Electric Warrior” conquistaría los mercados gracias a un puñado de grandes canciones que el propio Bolan era capaz de crear con esa sencillez con la que interpretaba bajo el aparente artificio visual.
Sus siguientes trabajos tuvieron mucha repercusión “The Slider” (1972), “Tanx” (1973) o “Zinc Alloy and The Hidden Riders of Tomorrow” (1974).
“The Slider” fue grabado entre los estudio Chateau d´Hérouville en Francia, Strawberry Studios en Inglaterra, Elektra Studios en los Angeles, California y en Copenhague, en unas maratonianas sesiones debido a tan tamaño despliegue geográfico para completar el album.
El resultado seria un disco sobresaliente en donde destacaban temas de tendencia hard rock, por la distorsión de los riffs de guitarras y la actitud de la música, sobresaliendo "Telegram Sam", “Buick Makane”, “Metal Guru” o la explosiva “Children of the Revolution”.
“The Silder” y el posterior “Tanx”, revelaban la cúspide creativa de Marc Bolan, pero cuando empezaba a interesarse por el movimiento punk fallecía a causa de un accidente de trafico truncando así un carrera que aun estaba en ciernes.

David Bowie-The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders Of Mars (1972)

El fenómeno del Glam Rock fue un movimiento ambiguo que tras unos estrafalarios maquillajes, lentejuelas y zapatos de tacón se escondían unos rockeros que no solo vendían una actitud si no también un estilo que era la pura esencia del rock, que lejos de las etiquetas o clasificaciones solo estaban al servicio de una música con mucho riffs y melodías, no exenta de provocación y una falta de complejos con una gran afán por la libertad.
David Bowie fue uno de los pioneros de esta excéntrica tendencia, desde ya de por si, su notable ambigüedad entre lo masculino y lo femenino y con la particularidad de tener un ojo de cada color se convertiría en el paradigma del gay power, para posteriormente seguir su camaleonica carrera y transformarse en un artista inclasificable, vanguardista y sorprendente.
Ya desde su album “Space Oddity” de 1969, Bowie mostraba esa tendencia con un trabajo donde las piezas acústicas son relevantes, tesitura que sigue en “The Man Who Sold The World” (1970) y en “Honky Dory” de 1971, en donde ya muestra un sonido mas electrificado gracias a su banda The Spiders From Mars y sobre todo a su guitarrista Mick Ronson, pieza fundamental en la carrera de David Bowie de esos años.
Posteriormente junto a su banda Bowie crea al personaje que será el icono del glam rock, Ziggiy Stardust, un ser de ciencia ficción llegado del espacio exterior con el pelo anaranjado en cresta (algo que será uno de los precedentes de punk rock) y un rayo pintado en el rostro.
Ziggy atrapa a Bowie hasta el punto de que uno es parte del otro y representa su función hasta que tiempo después se vería obligado a acabar con su propia creación.
Pero antes había creado un universo de fantasía, rock galáctico y con pluma, construido sobre joyas como “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders Of Mars” (1972) y “Aladdin Sane” (1973).
“The Rise And Fall...” es sin duda la obra maestra del glam y de David Bowie en particular
en donde fue capaz de orientar ese estilo hacia derroteros mas hard rock, una obra conceptual apocalíptica y visionaria, con un repertorio repleto de temas clásicos como las sublimes “Moonage Daydream”, “Suffragette City”, la hermosa “Starman”, la rock “Five Years” o la soberbia “Ziggy Stardust”.
Pero el 3 de julio de 1973 encima del escenario del Hammersmith Odeon de Londres, Bowie o mejor dicho Ziggy comete su particular “rock ´n´ roll suicide” ante la perpleja mirada de la audiencia y acaba con el rey del glam.
Comenzaba así una nueva etapa en la siempre diversa carrera del a partir de ahora “duque blanco” que le convertirá  en uno de los artistas mas respetados e influyentes de todos los tiempos, todo un clásico para cualquiera de las facetas que exploro en toda su carrera.

Judas Priest-Sin After Sin (1977)

En 1977 Judas Priest estaba aún encontrando el camino a seguir y pese a haber publicado los meritorios "Rocka Rolla" (1974) y "Sad Wings of Destiny" (1976), estos estaban lejos de definir el estilo que los encumbraría años después.
Para su siguiente album titulado "Sin After Sin" se alejan el oscurísimo y melancólico disco anterior, subiendo el tono y añadiendo mucha mas agresividad que sentaría las bases para sus futuros trabajos, alejándose de las influencias del Blues en que se habían basado los grandes como Black Sabbath, Led Zeppelin o Deep Purple, provocando con sus duelos incendiarios del mejor tándem de guitarras de la historia (con permiso de otras legendarias bandas como Wishbone Ash o Thin Lizzy ) y la aceleración de los ritmos en algunos temas que el Heavy Metal comenzase a crecer y a tomar forma. Temas entre los que hay auténticos himnos como "Sinner" o la alucinante versión del "Diamonds And Rust" de Joan Baez.

The Rolling Stones-Sticky Fingers (1971)

"Sticky Fingers", publicado en 1971, sería el primer álbum de The Rolling Stones fuera de la Decca Records y grabado bajo el sello de la propia banda, también fue el álbum en el que Mick Taylor estuvo presente desde el principio como miembro oficial del grupo.
Cronológicamente este álbum hacia el decimoprimer trabajo del grupo, disco que recoge muchos momentos de inspiración, creatividad y genialidad únicos, quizá solo comparable a las sesiones en Francia en las que se grabó "Exile on Main St." (1972) y con canciones que son historia viva del rock e historia viva de los propios Rolling Stones. “Brown Sugar”, el tema más emblemático y el buque insignia de "Sticky Fingers", ha sido desde su edición un tema que jamás ha desaparecido del set-list de los conciertos de la banda y es típicamente stoniana. Es uno de los temas más genuinamente rockeros del disco junto a “Bitch”, dentro de un álbum en el que por otra parte, hay una presencia importante del blues más clásico, y aunque continuista con el sonido creado en “Let It Bleed” publicado dos años antes, los Stones añadieron como parte fundamental del mismo, la generalización de los riff de guitarra de Richard y de las referencias oscuras en sus letras. El sonido y la actitud que se había alcanzado en este álbum, está en la sección de cómo debe ser y sonar una banda de rock moderno de cualquier manual de rock que se precie.  
"Sticky Fingers", no pudo ser adquirido en España con su portada original hasta el año 1979. La censura franquista consideró que su portada, en la que aparecía un pantalón vaquero con una cremallera que se podía bajar y tras la cual se simulaba un calzoncillo era una “obscenidad” que no podía bajo ningún pretexto ser mostrada a la juventud de aquella España. Del mismo modo, la censura franquista tampoco permitió que la edición española del disco de 1971, incluyera la canción “Sister Morphine” que fue sustituida por una versión en directo de “Let It Rock” grabada en la gira inglesa de marzo de 1971, que sería la cara b del single “Brown Sugar” en varios países.

Chicago-Chicago 16 (1982)

De banda de jazz rock multimillonaria en ventas, a banda exitosa de rock melódico, así es la historia de Chicago que en 1982 publicaba su décimo sexto álbum "Chicago 16", el cual los colocaba entre los mejores grupos del genero.
Sin embargo Chicago había saboreado las mieles del éxito en muchísimas ocasiones anteriores, todos sus álbumes habían sido discos de platino hasta entonces, algunos de ellos incluso alcanzaron el primer puesto en las listas norteamericanas y otros estuvieron entre los 10 primeros.
Su estilo basado en influencias jazzisticas y de rhythm & blues les había labrado una gran reputación, con soberbios trabajos como "Chicago Transit Authority" (1969), "Chicago" (1970), "Chicago III" (1971), "Chicago IV" (1972) o "Chicago IV" (1973), incluso el recopilatorio "Chicago IX Greatest Hits" (1975), había conseguido unas ventas cercanas a los seis millones de copias.
Si bien en los últimos "Hot Streets" (1978) y "Chicago 13" (1979) y "Chicago XIV" (1980) la banda había empezado a derivar su sonido hacia derroteros menos complejos y entonar melodías mas comerciales, grandes estribillos y ampulosos arreglos.
Para empezar la sección de viento quedaba relegada a un segundo plano en favor de baterías poderosas, guitarras rock con mas peso especifico y una música intensa y efectiva.
"Chicago 16" contiene joyas como la hermosa "Hard To Say I´m Sorry", las rock "Waiting You´re Missing", "Chains" y "Waiting For You To Decide" o la tierna y adictiva "Love Me Tomorrow".

Foreigner-4 (1981)

Si en un principio Foreigner fueron emparentados en el estilo hard rock con un sonido muy cercano a Bad Company, con el paso de los años fueron adquiriendo su propia personalidad con un rock que se alimentaba de la poderosa y extraordinaria voz de Lou Gramm y las efectivas y solidas muestras de talento de su guitarrista Mick Jones.
Álbumes como "Double Vision" (1978) o "Head Games" de 1979, tuvieron un gran impacto comercial gracias a la contundencia de unas efectivas composiciones que estaban repletas de estribillos contagiosos y espectaculares riffs de guitarra.
Sin embargo seria a partir de su cuatro álbum titulado simplemente como "4", cuando obtienen el estrellato definitivo gracias a la inclusión de sintetizadores, sonidos sugerentes y unas guitarras mas depuradas y contenidas.
"4" esta repleto de grandes himnos de rock melódico como "Urgent", un tema pesado y contundente pero a la vez adictivo, "Break It Up" es la perfecta canción AOR con rellenos de teclados, además de la espectacular "Night Life", la hermosa balada "Waiting For A Girl Like You" o la antológica "Juke Box Hero", todo un manual de como hacer una canción de rock melódico perfecta.
La exquisita producción de Robert "Mutt" Lange también seria crucial para que este álbum lograra un primer puesto en las listas norteamericanas y mas de 8 millones de copias vendidas a nivel mundial.

Styx-Cornerstone (1979)

Entre 1977 y 1981, Styx habían publicado cuatro magistrales álbumes en donde la banda había explorado un estilo único y original entre el rock progresivo y teatral y el rock.
Álbumes como "The Grand Illusion", "Pieces of Eight", "Cornerstone" y "Paradise Theater", son trabajos indispensables dentro del panorama AOR.
"Cornerstone" (1979), era el noveno disco cronológicamente del grupo y supuso el acercamiento a los sonidos mas profundos de la música de raíces norteamericana, con guiños al folk y al country, siempre desde la lejanía que podemos oír en los matices que se perciben, que alejándose de la complejidad de sus anteriores trabajos, consiguen crear grandes líneas rítmicas y melódicas comerciales de gran calidad.
Todo ello se puede apreciar en temas como "Boat on the river" o "Love In The Midnight" todas ellas melodías perfectas, versátiles e inteligentemente ejecutadas, como también lo son la bella "Never say Never", la eterna balada "Babe", o la soberbia "Lights".

Toto-Seventh One (1988)

Después de dos álbumes que no tuvieron la acogida esperada como fueron "Isolation" (1984) y "Fahrenheit" (1986), Toto se empeñaron en volver a la senda del éxito con un nuevo trabajo que siguiera la línea de su aclamado "Toto IV", publicado seis años antes.
Y lo consiguieron con "Seventh One", obteniendo un gran recibimiento por parte de sus fans, gracias a un trabajo que contenía una serie de temas que los volverían a poner en el candelero entre los mejores del rock melódico de finales de los ochenta.
Para este nuevo trabajo, David Paich toma las riendas del grupo dándole un mayor  protagonismo a los teclados, y una mayor relevancia, aún mas si cabe, en los juegos de voces de Joseph Williams y Steve Lukather y del propio Paich, en detrimento de las guitarras.
"Seventh One" contiene un irresistible repertorio cargado de sobresalientes temas como la pegadiza "Pamela", la desenfadada "You Got Me", la rock "Stay Away", la épica con aires progresivos "Home of the Brave", la espectacular "Stop Loving You" o las extraordinarias baladas "Anna" y "Mushanga".

Bob Dylan-Slow Train Coming (1979)

En 1979 Bob Dylan estuvo cinco meses asistiendo a la escuela Bible y renació espiritualmente y se convierte al cristianismo, y posteriormente publicaría los álbumes "Slow Train Coming" (1979), "Saved" (1980) y "Shot of Love" (1981), en una época la cual fue denominada los años cristianos del músico.
Tras erigirse en los años 60 en uno de los  emblemas del folk y la canción protesta, para causar posteriormente una conmoción al electrificar su sonido y acercarlo al rock, en la década de los 70 Dylan osciló entre notables patinazos y algunos trabajos soberbios como "Blood on the Tracks" (1975), "Desire" (1976) o "Street Legal" (1978)
Sin embargo, Bob Dylan dejó prácticamente a todos sus fans atónitos al editar en 1979 "Slow Train Coming", un disco en el que el músico de origen judío manifestaba a corazón abierto a esa conversión al cristianismo y en el que la fe era el sorprendente motor narrativo de todas las canciones.
“Slow train coming” incluye la colaboración de Mark Knopfler y la producción del veterano productor de R&B Jerry Wexler.
El álbum consiguió llegar a lo mas alto de las listas en Estados Unidos logrando un disco de platino y consiguiendo el Grammy con el tema “Gotta Serve Somebody”.

Gilbert O´Sullivan-Back To Front (1972)

Gilbert O'Sullivan era un joven irlandés que pasó buena parte de la segunda mitad de los 60 intentando sobrevivir de la música, llegando incluso a grabar algunas canciones para pequeños sellos independientes ingleses sin apenas fortuna.
En un momento dado, una de sus demos fue escuchada por Gordon Mills,  manager de Tom Jones y dueño de la compañía MAM Records. A Mills le convence lo que escuchó, y concierta una cita con el joven O'Sullivan.
Sin embargo este encuentro estuvo a punto de dar al traste con su carrera, Gilbert se presentó con una especie de uniforme escolar: pantalón corto, pelo cortado a cepillo, una corbata ridícula, calcetines de colores y una gorra de "teddy boy".
Mills horrorizado, insistió en que aquella imagen no podía hacerle ningún bien, pero Gilbert no se bajó del burro, y así fue como empezó a actuar tanto en los locales que le proporcionaba Mills, como en sus primeras actuaciones televisivas (en las que también lució alguna vez un jersey de lana con una inmensa "G" bordada en colores chillones).
A partir de entonces Gilbert O'Sullivan empezó a ser conocido más por su ridícula indumentaria que por sus canciones, pero ese solo era el primer paso.
El segundo fue mostrar su talento en una serie de composiciones que iban a formar parte de su disco de debut, en 1971. Una de ellas fue la excelente "Nothing rhymed", que hizo que el público empezara a tomarse en serio a aquel chico raro que vestía de forma tan graciosa y tocaba el piano al estilo de Elton John.
Ganada la atención del público, Gilbert O'Sullivan adopta una imagen algo más seria, y se centra en crear unas composiciones que le llevaran a ser aceptado también por la crítica. Entonces llegó 1972, su año mágico. "Alone again (naturally)", primero, y posteriormente "Claire", dedicada a la hija de Gordon Mills, le llevaron al estrellato internacional absoluto.
Con un estilo pop con sofisticados arreglos orquestales y soft-rock de fácil escucha, conquistó las listas de ventas británicas y norteamericanas con su meloso y elegante proceder melódico y su aguda capacidad como letrista.
En 1980 su nombre volvió a estar en boca de todos gracias al melodioso y pegadizo tema "What's in a kiss", su último gran éxito.

America-Hearts (1975)

La primera mitad de la década de los setenta fue la mas fructífera para la banda anglo-americana America, sin embargo con 3 discos publicados y un nº1 con "A Horse With No Name" (1971) el sencillo de su primer álbum, decidieron dar un giro de 90 grados a su carrera en el año 1974. Escogieron como productor al mítico George Martin, famoso por sus trabajos con los Beatles, y el cual estuvo a cargo de la producción de sus 7 discos posteriores.
Por aquella época la banda se había colocado a la vanguardia del folk rock junto a coetáneos como CSN&Y, Bob Dylan, The Byrds o Simon and Garfunkel.
El segundo álbum producido por Martin fue "Hearts", (el primero había sido "Hat Trick" del año 1974 ), y fue grabado en Sausalito (California) y publicado en 1975. Eran tiempos en los que los grupos sacaban un disco cada año, algo impensable hoy en día. En él se incluyó el segundo nº1 de la banda, "Sister Golden Hair", que a lo largo del tiempo se ha convertido en una de sus canciones más míticas y famosas de todos los tiempos y que firmó Beckley.
Además de "Sister Golden Hair", los sencillos "Daisy Jane" y "Woman Tonight" relanzaron este álbum hasta el numero cuatro de Billboard y un disco de oro por sus ventas en los Estados Unidos.

George Harrison-George Harrison (1979)

En 1979 George Harrison llevaba tres años de silencio discográfico después de su "Thirthy & Three" de 1976, y es justo en la gira después de ese álbum cuando empieza a componer temas los cuales pasarían a engrosar este nuevo disco, titulado homónimamente "George Harrison".
El álbum fue publicado justo después del single "Blow Away", que lo relanzaría exitosamente llegando al Top-20 en los Estados Unidos y convirtiéndose en uno de su mayores éxitos.
Para esta grabación conto con la colaboración de Eric Clapton, Stevie Winwood, Gary Wright, Ray Cooper o Andy Newmark entre otros y fue grabado en los estudios de su propiedad en Friar Park. Compuesto por una amalgama selección de piezas eclécticas, aquí aparecen cortes de pop brillante como "Love Comes to Everyone", añejos guiños al pasado Beatle con la jazzistica "Not Guilty" y la melódica "Here Comes the Moon", la ragtime "Hard Hearted Hannah", la mencionada y exquisita "Blow Away" o las optimistas y alegres "If You Believe" y "Faster".

AOR-The Colors Of L.A. (2012)

Frédéric Slama es un guitarrista, compositor, productor y periodista musical de nacionalidad francesa pero afincado en Los Ángeles desde los años 80, donde durante todo este tiempo hizo grandes amistades con los mejores músicos de la costa oeste norteamericana.
Ya en la década de los 80 publicó varios discos en solitario en los alrededores de la ciudad de Los Ángeles, además de coproducir algunos artistas también en la zona de California.
A principios de 2000, Slama decidió formar el proyecto AOR, que publicará regularmente álbumes con un solo miembro regular, el propio Frédéric Slama, y ​​en cada nuevo álbum una serie de músicos invitados.
Después de un primer álbum publicado solo como demostración promocional titulado "L.A. Consession", publica su segundo álbum "Next Stop L.A." donde colaborarían Michael Thompson, Jim Horn o Richard Page, entre otros.
Con este segundo disco, el proyecto y el propio Slama adquieren un gran respeto en el panorama musical de la costa oeste y eso lo refuerza para publicar una de sus obras más aclamadas "L.A. Reflection" en el 2002 en la que cuenta con grandes músicos de la escena del west coast y el AOR como los miembros de Toto; Steve Lukather, Mike Porcaro, Jeff Porcaro y David Paich, además de Tommy Denander, Michael Landau o Vinnie Colaiuta.
Este nuevo trabajo fue un éxito rotundo no solo en los Estados Unidos sino también a nivel internacional.
En 2003 el álbum "Dreaming Of L.A.", obtuvo un reconocimiento aún mayor, con colaboraciones estelares de Steve Overland, Bill Champlin o David Roberts.
A partir de aquí, álbum tras álbum, todos ellos con considerable éxito, como "L.A. Attraction" donde Slama endurece el sonido hacia el hard rock, "Journey L.A.", una obra soberbia donde destacaron Fergie Frederiksen, David Williams, Steve Overland o Steve Lukather, o "The Colors Of L.A." en donde el elenco de colaboradores es aún más impresionante.
Este último álbum significa la combinación perfecta de rock melódico y música de la costa oeste con una producción exquisita, excelentes composiciones y arreglos sublimes.

Jethro Tull-Crest of a Knave (1987)

Con este trabajo Jethro Tull volvió a encontrar el camino correcto que había dejado ligeramente a mediados de los 80 con discos tan dispares como "A" o "Under Wraps", los cuales mostraban una faceta demasiado electrónico y sin mucha inspiración. Sin embargo, y sin Peter-John Vetesse (a quien se  considera el principal culpable y una mala influencia musical para Ian Anderson), el grupo en parte se acerca al sonido clásico y tradicional de la banda y logrando crear un puñado de grandes canciones, como siempre magníficamente acompañado por Martín Barre, quien también realiza un trabajo muy notorio con las guitarras. Sorprendentemente se aprecia el parecido con Dire Straits en temas como "Budapest", "Said she was a dancer" o "The Waking Edge", especialmente en el aspecto vocal, ya que Anderson sufrió una operación de garganta y se asemeja mucho a la voz de Mark Knopfler. Este trabajo recibió un Grammy al mejor disco de Hard Rock-Metal en 1989, aunque ciertamente fue más en reconocimiento a su dilatada carrera, la cual fue relanzada y fortalecida que al genero del metal en si. En definitiva, es un disco muy atractivo con ese estilo exquisito mezclando elementos de Blues, Rock y Folk para crear una obra deliciosa.

King Crimson-Islands (1971)

Islands fue el cuarto álbum de King Crimson (1971), el cual presentaría una formación diferente a su anterior trabajo Lizard (1970).
En este nuevo disco destacan de forma abrumadora vocalista Boz Burrell (que luego pasó a formar parte de la mítica Bad Company), y al que Robert Fripp se vio obligado enseñarle a tocar el bajo, al no encontrar a ninguno que reuniera las características que requería el propio Fripp para este proyecto.
Así mismo el nuevo batería Ian Wallace reemplazaría a Andy McCulloch.
Islands es un álbum casi perfecto de principio a fin, que a diferencia de "Lizard", esta repleto de calma aunque hay dosis de sobresaltos en algunos momentos muy concretos a lo largo del disco.
La bella "Formentera Lady" y el gran "Sailor´s Tale", dan buena cuenta de ello y "The Letter´s" conjuga esa fuerza y tranquilidad con una naturalidad asombrosa con el estilo inconfundible del Rey Carmesi.
Incluso en ese momento la sombra de los Beatles era larguísima y ni siquiera a Robert Fripp se le escapa, así tenemos a "Ladies on the Road", con melodías evocadoras hacia los de Liverpool, con la formula característica de los Crimson de bajo y saxo.
En este disco Fripp hace un trabajo impresionante en las seis cuerdas, demostrándolo en el barroco preludio de "Song of The Galls", y en el destacado "Islands", en donde aparece las acostumbradas lecciones de guitarra a cargo del guitarrista y que cierran este soberbio disco.

The Law-The Law (1991)

Paul Rodgers es uno de los cantantes más prolíficos que han existido, líder de los míticos Free a finales de los sesenta y principios de los setenta y posteriormente durante esta misma década de los incombustibles Bad Company, para más tarde ya en los ochenta unirse a Jimmy. Page y juntos formar The Firm.

Años después en el 2008 se uniría a los miembros de Queen para hacer un álbum y una gira alrededor del mundo.
Todo esto se ha combinado con su dilatada carrera en solitario con más de media docena de discos.
En 1991 uniría fuerzas con el ex baterista de Small Faces, Faces y The Who, Kenny Jones, para fundar el proyecto llamado The Law, con el que Rodgers desataría su faceta más melódica, publicando uno de los discos más admirados del panorama del rock melódico.
Un trabajo que conjuga fuerza, calidad y sentimiento, en un disco en el que intervienen un puñado de grandes músicos invitados como Chris Rea, David Gilmour, Pino Palladino o Bryan Adams, entre otros.
Canciones geniales como el blues "Stone", el sureño "Nature of the beat", la melodía de hard rock "For a Little Ride", el AOR "Come Save Me (Julianne)", el extraordinario y dinámico "Laying Down The Law" o la precioso balada "Miss You in A Heartbeat", nos muestra la genialidad de uno de los mas grandes vocalistas de la historia del rock, en uno de los mejores discos del género.

The Ozark Mountain Daredevils-Men From Earth (1976)

Con un sonido exquisito y una sabia mezcla de country, rock y pop perfectamente equilibrados de manera sutil armoniosa y delicada, y a la vez que sofisticada, llevarían a The Ozark Mountain Daredevils, a ser considerado los Steely Dan del country y un duro contrincante para los Eagles.
Con una serie de discos de una belleza fuera de lo común, y es que cuando esta banda se proponía componer una balada y temas íntimos, plácidos y evocadores (todos sus discos están llenos de ellos), dejan atrás lo mas granado de la época como The Eagles, America, Poco o Jackson Browne. Una afirmación de este calibre puede parecer gratuita, o una exageración, pero no lo es en absoluto. Su juego vocal causo asombro, por su perfección, su destreza y su finura instrumental que es pura antología y su talento como arreglistas simplemente portentoso.
En 1976 editarían su cuarto disco "Men From Earth", que tendría el éxito que había cosechado en sus tres primeros trabajos y donde destacaron el exquisito "You Know Like I Know" y el clásico "Homemade Wine".

Bread-The Best Of (1973)

A finales de los 60 un guitarrista llamado David Gates era muy conocido en los circuitos del pop californiano, músico de sesión, cantante y productor, pero sin embargo tanto trasiego le quedaba pequeño y decide ampliar fronteras por lo que junto a otro músico de sesión, el también guitarrista James Griffin, idean formar un grupo. Se llamaron Bread, y aunque tuvieron una corta carrera de 7 años, les daría tiempo a dejar tras de sí una larga lista de canciones inolvidables, de las cuales algunas de ellas han pasado a la historia del rock.
Tuvieron gran éxito entre 1970 y 1977, logrando situar durante ese tiempo 13 canciones en la lista de éxitos del Billboard Hot 100, convirtiéndose en unos de los pioneros de lo que más tarde se iba a llamar Soft Rock o Rock melódico (AOR), un estilo con fáciles melodías y letras poco o nada comprometidas, como se puede apreciar en uno de sus grandes éxitos: "Guitar man".
Su primer álbum "Bread" (1969), contenía un pop californiano elegante y soleado al estilo de lo que mucha gente hacía por entonces, “California dreaming”, que decía la canción. Gates, sin embargo, tendía más a la introspección y al sentimentalismo que a la euforia pop/folk de sus contemporáneos. Ello le llevó a crear un buen puñado de baladas sofisticadas que iría publicando en años posteriores, en los correspondientes álbumes que consiguieron unas buenas ventas y unos altos puestos en las listas de éxitos.
Un año después publicaron su quinto álbum "Guitar Man", con la canción homónima y la mas famosa mundialmente del grupo, logrando como todos sus discos anteriores la certificación de disco de oro.
Es sin embargo en sus recopilatorios, como "The Best Of” de 1973, (álbum que alcanzo cinco discos de platino), donde mejor se aprecia su poder de seducción, dando cabida a lo mejor de toda su carrera "If", "Make it with you", "Guitar man", "It don't matter to me", o "Everything I own", entre otras grandes canciones de esta mítica banda.

Donald Fagen-The Nightfly (1982)

A finales de la década de 1970, Steely Dan se vio inmerso en la grabación del disco "Gaucho", con en el perfeccionismo obsesivo de su líder Donald Fagen y su compañero de banda Walter Brecker. Cerca de 50 músicos participarían en esta grabación y duraría nada menos que dos años, durante los cuales surgieron múltiples diferencias creativas, personales y profesionales, que acabarían por finiquitar definitivamente la banda y el final de la primera etapa de Steely Dan.
Pero Donald Fagen lejos de abandonar el negocio de la música, seguiría solo y varios años más tarde publicaría la que sin duda es su obra maestra "The Nightfly", en la que mostró el espíritu de Steely Dan pero con sonidos renovados y actualizados.
Este álbum fue uno de los primeros discos de la historia en ser grabado en sistema digital, a pesar de que causó numerosos problemas técnicos a Donald y su ejército de expertos durante el proceso de registro extremadamente meticuloso, y es que una de las demandas de Fagen en su nueva compañía (Warner Bros), iba a convocar a casi toda una disciplinada legión de músicos que ya habían trabajado con él en su ex-banda (productores, ingenieros, músicos de estudio, etc.), además de otras colaboraciones de lujo adicionales. Como siempre, los más de treinta colaboradores vivieron los lentos martirios chinos a los que Fagen los sometió en los ensayos. Nadie escapó a la obsesión del "Millimetric Man" , solo la difícil grabación duró 8 meses, comandada por ese obsesivo amante de las vanguardias tecnológico-musicales que es el mismísimo Donald Fagen, y que a nadie de su equipo de lujo se le ocurriera cometer el error más insignificante de cualquier acorde.
El álbum contiene un repertorio antológico con canciones como "I.G.Y (What a Beautiful Day)", "New Frontier", "The Goodbye Look" o "Walk between the Raindrops".
Este ya mítico álbum logró el disco de platino, entró en el Top 20 de Estados Unidos e Inglaterra, además de obtener varios reconocimientos internacionales, entre los que destacan las 7 nominaciones a los Grammy en 1983.

Kitaro-Ten Years (1988)

Kitaro es uno de los músicos más admirados y respetados a nivel mundial, su carrera ha estado marcada por grandes discos que han sido una referencia obligada en las llamadas nuevas músicas o la new age.
Su breve estancia en el grupo de rock progresivo Far East Family Band y su asociación algún tiempo después con Klaus Schulze y su escuela de electrónica, le valieron la experiencia suficiente para luego demostrar su inagotable talento con los sintetizadores y la composición.
Sin embargo, sería la banda sonora de "Silk Road", de principios de los ochenta, la que lo haría mundialmente famoso y como consecuencia el sello Geffen Records le firma un contrato para distribuir toda su discografía a nivel mundial.
"The Best of Ten Years", es un doble álbum recopilatorio que recorre sus creaciones desde sus primeros discos en 1976 hasta 1986, aquí Kitaro nos muestra una gran colección de melodías hipnóticas y elegantes, interpretadas con sintetizadores y sonidos sinfónicos muy profundos y con mucho dramatismo.

Frank Zappa-Guitar (1988)

Frank Zappa nunca fue políticamente correcto, tanto en sus afirmaciones sociales, políticas o musicales, así como en el concepto y la forma de publicar sus obras.
En 1988 publica el doble álbum "Guitar", que incluye exclusivamente solos de guitarra del propio Frank Zappa extraídos de algunos de sus trabajos anteriores.
Si se publicó para demostrar sus habilidades guitarrísticas para aquellos que siempre decían que se rodeaba de grandes guitarristas o no, nunca lo sabremos, pero este es un claro ejemplo para aquellos que pensaron en lo primero, para que de alguna manera cambiaran de opinión.
Aparte de todo esto, Frank Zappa fue uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos y en este disco tanto el musico como su banda, destilan virtuosismo, técnica y sentimientos.
Rodeado de grandes instrumentistas entre los que se encuentran Steve Vai, Vinnie Colaiuta, Ike Willis o Bobby Martin, entre otros, hace que sea mucho más interesante este trabajo, donde podemos escuchar los diferentes géneros que interpretó a lo largo de su carrera.
"Guitar" este repleto de ecléticos sonidos que van desde temas de rock puro "Hot Rats", hasta blues psicodélicos "Sexual Harassment in the Workplace", pasando por el rock and roll "Sunrise Redeemer", el reggae "That´s Not Really Reggae", las baladas "Do Not Pass Go", los delirios musicales "That Ol´G" Minor Thing Again" o los magníficos solos de guitarra de "Watermelon in Easter Hay".

Al Di Meola-Elegant Gypsy (1977)

Inmediatamente después del lanzamiento del álbum de Return to Forever "Romantic Warrior" (1976), Al Di Meola dejó la banda para comenzar su propia carrera en solitario y ese mismo año grabaría su primera obra "Land of the Midnight Sun".
Un año después, el virtuoso guitarrista publicó su segundo disco de larga duración titulado "Elegant Gypsy", donde continuó mostrando su gran potencia con las seis cuerdas rodeandose de un elenco de grandes músicos.
Entre esos músicos invitados se encontraban Jan Hammer, Lenny White, Steve Gadd o Paco de Lucía, es precisamente este último quien pone su guitarra española para tocar el tema “Sundance Mediterráneo” a dúo con Meola, con un toque flamenco maravilloso.
La influencia del Return to Forever se escucha en el primer corte "Flight Over Rio", con un soberbio trabajo de Jan Hammer en los teclados y de Anthony Jackson al bajo.
Destaca también la enérgica "Race With Devil on Spanish Highway", sin duda una de las mejores composiciones en toda la carrera de Al Di Meola.
"Elegant Gypsy" es uno de los mejores álbumes del jazz rock clásico, que terminaría con el ascenso de Al Di Meola como uno de los grandes del género.

Average White Band-AWB (1974)

Corría el año 1973 cuando un antiguo componente de Oblivion Express, la banda de Brian Auger decidió unirse a otros músicos, todos apasionados por el soul y el funk, para formar un sexteto que llamarían Average White Band, un nombre un tanto humorístico por ser todos blancos y hacer una música eminentemente negra.
Este músico fue el baterista Robbie Mcintosh, quien junto al guitarrista Hamish Stuart, el bajista Onnie McIntyre y los saxofonistas Roger Ball y Malcolm Molly Duncan, iniciaron una carrera que pronto les traería grandes éxitos a ambos lados del Atlántico.
Este grupo escocés elegiría para su presentación el regreso a los escenarios de Eric Clapton después de sus tumultuosos episodios con las drogas, actuando como telonero del mítico guitarrista.
Poco después se publicaría su primer disco "Show Your Hand" (1973), bajo el sello MCA, que a pesar de no entrar en las listas de éxitos confirmó el ascenso del grupo con un estilo que fusionaba el rhythm & blues británico con el soul.
Un año después el grupo consigue un contrato con Atlantic Records, en parte gracias a la mediación de Bruce McCaskill, manager de Eric Clapton quien también los dirige a partir de ese momento.
"Average White Band" (1974), producido por Arif Mardin (responsable del éxito de los grandes artistas del soul del sello Atlantic), sería el elogio definitivo y un gran boom comercial, logrando escalar a los primeros puestos en EE.UU y a un sexto en el Reino Unido.
En este disco el grupo mostraba una sólida base de rock fusionada con elementos soul, blues e incluso pop, un estilo que comenzaba a tener miles de seguidores en todo el mundo gracias a grupos de moda como Sly Family Stone, Temptations o Kool and the Gang entre otros contemporáneos.
El álbum contenía grandes éxitos como "Pick up the pieces", "Nothing You can do" o "You got it".
Pero la desgracia se cebaría con el grupo poco tiempo después, ya que ese mismo año McIntosh fallecería por una sobredosis de heroína.
A pesar de esta desgracia el grupo seguirá adelante y reclutará a otro ex-Oblivion Express, Steve Ferrone con quien publican "Cut the Cake" (1974), que sin alcanzar el éxito del álbum anterior logran mantenerlos en lo más alto del ranking con varios éxitos como "School boy Crush" o "If I Ever Lose This Heaven".
"Soul Searchin" (1976), sería el último gran álbum de la banda, que contenía el hit "Queen of my Soul" y que iniciaría el declive del grupo, publicando trabajos de menor impacto comercial, algunos de ellos de buena factura pero muy alejados de los logros conseguidos con sus primeros discos.

Canned Heat-Boogie With Canned Heat (1968)

Canned Heat fue una de las mejores bandas de Boogie and Blues de todos los tiempos, liderada por la gran voz Bob Hite-The Bear ("El Oso", debido a su apariencia física y su grasa corporal) y el virtuoso minimalista Alan Wilson-Blind Owl, ("búho ciego", debido a su gran falta de vista y sus grandes anteojos).
Canned Heat fue una banda que verdaderamente marcó un antes y un después en la evolución de un género que habría que recordar que se hallaba estancado a mediados de los años sesenta, y gracias a músicos como Bob y Alan lograron regenerarlo de nuevo con fuerza otorgándoles la autoría del género.
Fueron grandes no solo por su capacidad de interpretación, sino por su superioridad sobre los demás a la hora de adaptar el género y fusionarlo con lo más eléctrico y lisérgico de la época y en ocasiones con el virtuosismo acústico-minimalista de sus autores.
Canned Heat se formaron en 1965, cuando Alan y Bob se conocieron en Los Ángeles en 1965 en una tienda de discos, específicamente en la sección de jazz-blues, ambos eran fanáticos del género, (se sabe que el Bob Hite poseía una enorme colección de vinilos, Eps y singles de 45 rpm de boogie y blues, que fue adquiriendo poco a poco hasta su muerte en 1981).
En 1967, grabaron su tercer álbum en el sello "Liberty" y en 1968 fue lanzado bajo el título "Boogie with Canned Heat" producido por "Skip Taylor", lanzando el sencillo "On the Road Again" de Floyd Jones, que a los pocos meses ya era número uno en ventas en muchos países, siendo un éxito mundial y un verdadero clásico del boogie blues y del blues rock.