The Electric Prunes-Mass In F Minor (1968)

En el campo de la experimentación, Electric Prunes jugó un papel decisivo en la segunda mitad de la década de los 60. Sus discos llenos de enérgica intensidad sonora, fueron probablemente uno de los preludios del underground y el progresivo, abriendo nuevas líneas musicales a los grupos que más tarde dieron el salto definitivo a los sonidos de vanguardia.
Formada en los Ángeles en 1965, dejaron tras de si una interesante y ambiciosa colección de grandes discos dignos de estudio, como "The Electric Prunes" (1967), su primer álbum, que sirvió de base para el siguiente "Underground", su segundo LP, que ya mostraba en su nombre cuáles eran los caminos musicales del grupo.
En este “Underground” (1967) se observó la creciente visión psicodélica y experimental del grupo, que a pesar de todo pasaría desapercibida para el gran público.
"Mass In F Minor", su tercer trabajo es aún más experimental, un álbum conceptual más cercano a una misa de rock que a un disco de rock convencional, que para hacerlo aún más complicado fue cantado en latín. Este trabajo inédito, incomprendido e inusual casi termina con la desintegración de la banda. Sin embargo, en 1968 se publicaría el siguiente "Release Of An Oath", que continuando el tono del anterior, no tiene mucha repercusión comercial, pero curiosamente quedó inmortalizado en la famosa película "Easy Rider", gracias al tema " Kyrie Eleison".
"Just Old Good Rock and Roll" fue el epitafio de Electric Prunes, que a pesar de volver a los sonidos de sus orígenes fue otro completo desastre comercial.
Años más tarde la banda se reencontraría para algunos conciertos y se publicaron varios recopilatorios y grabaciones en vivo de su época de esplendor, como el magnífico "Stockholm 67" grabado en 1967 durante una gira europea, publicado más de 30 años después, en una histórica grabación considerada uno de los mejores shows en vivo de la era psicodélica.

 

Alfonso XII-Charles Darwin (2012)

Alfonso XII es una banda francesa de rock inclasificable, que fundada en 1988 ha lanzado una docena de discos, la mayoría de ellos de carácter conceptual. Durante los 22 años de su existencia, XII Alfonso ha creado un estilo que esta compuesta por multitud de géneros sin que ninguno de ellos sea predominante. Este grupo se ha caracterizado desde el principio por su imaginativo enfoque musical (progresivo sinfónico como una de sus mejores referencias). Su estilo musical es muy variado y ecléctico gracias a la intervención de diferentes músicos y cantantes en cada canción y cada tema, pero sobre todo gracias a una instrumentación complementaria que se desvía de lo habitual. A las guitarras acústicas y eléctricas se le añaden mandolinas, bouzouki e instrumentos vietnamitas como koto o dar bao (laúd de cuerda), instrumentos de Madagascar como vali (cítara-gaita) o kraar Etiopía, balafón, xilófono, arpa de Burkina Faso paja, batería, ptithécophone (mono cráneo) y delfinófono, (huesos de delfín), theremin, E-Bow, palo de lluvias, etc.
Ya bien entrado el siglo 21 y durante dos años, el proyecto musical Alfonso XII
estuvo componiendo, arreglando, grabando y mezclando un nuevo disco. Compuesto por tres álbumes de una hora de duración cada uno, dedicados a la vida y obra del biólogo e investigador Charles Darwin, el eterno genio curioso, que amaba la vida en todas sus formas y que intentó, hasta el día de su muerte, descifrar los misterios de la misma. Estos tres discos relatan, en orden cronológico, los hechos más importantes de su vida. Con 22 canciones y 30 piezas instrumentales, XII Alfonso intenta ilustrar su biografía con diferentes notas y estilos, tonos, sonidos, ritmos, atmósferas y palabras. Todos los temas hablan de sus inicios, juventud, hogar, sueños y dudas. Las piezas instrumentales son un intento de reflejar los conceptos más importantes de su pensamiento. En este álbum, colaboraron muchos músicos al margen de la banda como John Helliwell, saxofonista de Supertramp, Maggie Reilly, cantante de Mike Oldfield, Tim Renwick, guitarrista de directos de Pink Floyd, Mickey Simmonds (teclados), Terry Oldfield y John Hackett (flauta), Raphael Ravenscroft (saxo), Robin Boult Fish guitarrista, los componentes de The Alan Parsons Project Ian Bairnson y David Paton, Francis Dunnery, guitarrista de It Bites, Elliott Murphy (voz), Huong Thanh (voz)...entre otros muchos.
Mientras XII Alfonso esta formado por los hermanos Philippe (bajo, guitarras) François Claerhout (teclados), Thierry Moreno (batería) y Stéphane Ducasse (flautas), logrando entre ellos y todas las colaboraciones, este ambicioso álbum. Para esta compleja obra se utilizaron mas de 70 instrumentos creando con ello una música muy variada y rica en matices, llena de emoción. Su espectro cubre prácticamente todos los géneros con los que se emparentó el rock progresivo. Los puntos de referencia podrían ser Most Autumn, Pink Floyd, Andreas Vollenweider, el progresivo romántico de Camel o los mencionados The Alan Parsons Project más sofisticados en algunas de las canciones vocales. Hay sonidos acústicos y clásicos, solos de guitarra épicos, muchos sintetizadores y teclados, mellotrones, voces masculinas y femeninas e influencias folclóricas, con frecuentes elementos de la world music.

Finch-Glory Of The Inner Force (1975)

Este grupo holandés fundado bajo el núcleo del bajista Peter Vink y el batería Beer Klaasse basaría su música en un estilo instrumental melódico de progresivo sinfónico con grandes desarrollos orquestales. Establecido como Finch en 1974 a la falta de un cantante que pudiera satisfacer las necesidades de la banda, optaron por seguir un repertorio de música instrumental, para ello reclutaron al guitarrista Joop Van Nimwegen, y al teclista Cleem Determeijer y graban su primer álbum "Glory Of The Inner Force" en 1975 bajo el sello holandés Negram y distribuido internacionalmente por Atlantic Records. Un álbum que consta de cuatro extensas piezas, todas ellas de gran complejidad y con una instrumentación enérgica, con un alarde de virtuosismo por parte de su teclista y su arsenal de sintetizadores, órganos Hammond y Moogs. El tema de apertura "Register Magister" es una composición muy inspirada con grandes riffs guitarreros de mucha intensidad, mientras "Paradoxical Moods" nos traen a la mente los Pink Floyd mas prog, "Pisces" y "Bridge To Alice" sin llegar a la plenitud de los dos primeros temas, mantienen un altísimo nivel que en parte recordaban a los desarrollos de sus compatriotas Focus.

Dream Theater-Images And Words (1992)

Dream Theater es una de las bandas mas prestigiosas del metal progresivo en la actualidad, que fue creada por antiguos estudiantes de la prestigiosa escuela de Berklee en Massachusetts. Ellos eran Mike Portnoy batería, John Myung bajo y John Petrucci guitarra a los que se les unieron James Labrie vocalista y Jordan Rudess teclados. Con esta formación grabarían su primer álbum publicado en 1989 "When Dream and Day Unite". Dos años después llegaría este "Images And Words", en el cual ya no aparecería el teclista Jordan Rudess que seria sustituido por Kevin Moore. Este segundo trabajo fue el salto definitivo de la banda a los altares del Hard Progresivo, un disco de asombroso metal complejo, con unos riffs de guitarras agresivos, unos teclados espectaculares y unas estructuras musicales perfectas. Desde la suave y melódica "Another Day", hasta la progresiva "Metropolis", la banda consigue un trabajo extenso con un impresionante despliegue de poderío, melodía, virtuosismo y gran precisión, en los cuales cada integrante de la banda demuestra el por que son la vanguardia del genero del metal progresivo en la actualidad.

Dixie Dregs-What If (1978)

Bajo la influencias de bandas como Return To Forever o la Mahavishnu Orchestra, Dixie Dregs fue una de las mas interesantes bandas que combinaron el jazz rock con sonidos progresivos y el country con elementos de la música clásica mas vanguardista.
Formados en 1970 en Georgia por el guitarrista Steve Morse y el bajista Andy West, no seria hasta la mitad de esta década cuando publicaron su primer álbum “The Great Spectacular” (1976) en donde ya demostraban su sabia mezcla de estilos.
“What If” el tercer álbum, saldría en 1978 y aquí la banda incluso se adentra en terrenos mas duros con acercamientos al hard rock pero conservando su estilo original con rock progresivo y el jazz fusión y influencias de la música tradicional americana.
Para este álbum además de Morse y West, la banda la conformaban Allen Sloan al violin, Rod Morgenstein a la batería y Mark Parrish a los teclados. Temas como las enormes “Take It Off The Top”, “Ice Cakes” o “Night Meets Light” colocaron a Dixie Dregs a la vanguardia del jazz rock progresivo de finales de los años 70.

Dead Can Dance-The Serpent´s Egg (1988)

Para cuando fue publicado el cuarto álbum de la banda australiana Dead Can Dance, su estilo había evolucionado radicalmente del sonido oscuro y gótico de sus principios hasta uno mucho mas ambient con tonalidades étnicas y medievales.
Formados en los albores de los 80 en Melbourne, esta banda estaba formada por básicamente dos músicos como Lisa Gerrard y Brendan Perry los cuales ya habían explorado con diferentes álbumes como su debut homónimo, “Spleen And Ideal” (1985) y el siguiente “Whitin The Realm of a Dying Sun” (1987) los sonidos del post punk tenebroso con un estilo enfocado hacia el rock gótico.
Con “The Serpent´s Egg” (1988), la banda abandona por completo las instrumentaciones clásicas del pop y el rock por las procedentes de otras culturas musicales, mayormente étnicas, pero sin abandonar los sintetizadores y los teclados. Sin embargo a pesar de que también desaparecen los sonidos de vientos, la banda consigue lograr una dimensión colosal con este trabajo repleto de dramatismo y en cierta medida la amargura con resonancias tenebrosas como queda plasmado en cortes como la fúnebre “Severance”, la hipnótica “Chant of the Paladin” o la compleja “Ullyses”.

Bruce Cockburn-Sunwheel Dance (1973)

Bruce Cockburn es otro gran músico desconocido en Europa que realizaría su larga carrera principalmente en Canadá obteniendo una gran reputación como compositor y cantante en el mundo de los cantautores con diferentes inquietudes musicales.
Nacido en 1945 en Ottawa, desde muy joven asistió a clases de guitarra y piano y se interesaría por el jazz e incluso cuando se gradúo dio una serie de conciertos en Paris.
De vuelta a su Canadá natal, en 1967 se unió a un grupo llamado The Esquires y mas tarde formaría su primera banda The Flying Circus, con los que grabaría algunas canciones que nunca fueron publicadas. Ya en 1967 y 1969 participo en el festival de folk Butterfly y su primer tema “Goung to the Country” obtuvo cierta notoriedad en las listas de su país. Por aquella época Cockburn mostraba en sus composiciones sus inquietudes religiosas con referencias al cristianismo así como imágenes rurales y metáforas bíblicas. A partir de su segundo álbum “High Winds, White Sky”, su popularidad le llevaría a ser nominado el mejor cantante folk canadiense durante varios años seguidos, algo que conseguiría en 1972 y 1973. Sin embargo a diferencia de otros grandes músicos canadienses como Joni Mitchell y Neil Young, que cruzaron la frontera hacia los Estados Unidos para hacerse famosos, Bruce Cockburn se convirtió en una estrella al permanecer en su tierra natal, aprovechando una ley canadiense que le beneficiaba de los royalties de sus discos transmitidos por las radios de todo el Canadá. Así pudieron difundirse sus canciones que fascinaban al público tanto por su letra como por su música, en un claro paso adelante del folk rock de finales de los sesenta.
En 1973 llegaría la verdadera característica musical del artista con su tercer álbum "Sunwheel Dance", un trabajo donde logra una sabia fusión entre la música acústica y el rock eléctrico en un trabajo en donde conviven elementos del jazz, el rock y sonidos acústicos definiendo un estilo muy original. Su carrera posterior ha sido bastante prolífica, publicando alrededor de treinta álbumes de los cuales 22 han sido discos de oro o platino en Canadá.

Roy Buchanan-Second Album (1973)

Roy Buchanan es uno de los grandes bluesman blancos de la historia, y como decía una celebre frase emitida en una televisión norteamericana en los años 70, “El mejor guitarrista desconocido del mundo". Nacido en 1939 en Ozark, Arkansas, este guitarrista haría su debut discográfico en 1957 en un disco de Dale Hawkins, algunos años mas tarde se mudaría a Canada donde formaría parte de la banda de Ronnie Hawkins, entre otras bandas hasta finales de los sesenta. Ya en 1971 debuta con el disco auto producido “Buch And The Snakestretchers” al que le seguirá su debut en solitario “Roy Buchanan” (1972). Un año después llegaría “Second Album", el segundo que haría bajo el sello Polydor y con el cual llegaría a conseguir un disco de oro. Utilizando una técnica llamada “picking”, Buchanan consigue un sonido desgarrador, solos de guitarra muy brillantes, grandes melodías y unos pirotécnicos sonidos de una gran creatividad.
Temas como la country blues “Filty Teddy”, el blues melancólico “After Hours”, “Five String Blues” otro gran blues, la blues rock “Threat Her Right”, la jazzistica “I Won´t Tell  You No Lies” o la R&B “Tribute To Elmore James”, conforman un gran disco de unos de los genios indiscutibles de las seis cuerdas del genero del blues.

Asia-Asia (1982)

Entre finales de los setenta y principios de los ochenta bandas punteras del progresivo como Yes o EL&P daban sus últimos coletazos, al menos por unos años, esto llevaría a que varios de sus miembros quedaran a expensas de un futuro si no incierto si de expectación, por lo que el batería Carl Palmer, el guitarrista Steve Howe y el teclista del ultimo álbum de Yes Geoff Downes decidieron unir fuerzas junto a otro grande del progresivo como era John Wetton para fundar la super banda Asia. Parte importantísima de esta reunión la tendrían el dueño de la Geffen Record David Geffen y John Kalonder un manager y ejecutivo de la propia compañía, que trabajaron concienzudamente para que esta unión se llevara a cabo.
En 1982 llegaría el debut de Asia que se convertiría en uno de los discos referentes de la música de los años 80, creando un sonido exuberante y apoteósico de rock progresivo con elementos del rock melódico. Estos cuatro talentosos músicos lograron asombrar al mundo del rock con un trabajo repleto de sonidos épicos de teclados, de punzantes riffs de guitarras, una poderosa sección rítmica con una batería portentosa y la voz melódica de Wetton. Desde la monumental “Heat Of The Moment” hasta la deliciosa “One Step Closer”, mostraba el sonido grandilocuente de este formidable álbum, el resto de temas son todos ellos tan adictivos como portentosos, como las tremendas “Only Time Will Tell” o “Soul Survivor”, la enérgica “Wildest Dreams”, la épica “Without You” o la progresiva “Here Comes The Feeling”. Esta monumental obra obtuvo grandes criticas y un enorme éxito a nivel mundial y lograría unas ventas superiores a los 10 millones de copias.

Commander Cody And His Planet Airmon-Lost In The Ozone (1971)

Commander Cody And His Planet Airmon fueron una banda de country y folk con múltiples influencias entre las que estaban el rock and roll, R&B, el boogie y el bluegrass y que durante los años 70 publicaron gran parte de su discografía. Formados en 1967 por el vocalista y teclista George Frayne en Michigan, durante todos esos años la banda sufriría innumerables cambios de formación, siendo Frayne junto a vocalista Billy C. Farlow y Bill Kirchen guitarrista, el núcleo principal de la banda.
En 1971 llegaría su primer álbum “Lost In The Ozone”, el cual es el que mejor resume el estilo de esta banda y a la postre se convertiría en su mejor obra. Combinando versiones con temas propios es un delicioso álbum de country, folk y rock´n´roll donde destacan la espléndida “20 Flight Rock” de Eddie Cochran y “Family Bible" de Willie Nelson, además de canciones de calidad firmados por la banda como la western “Back To Tennessee” o la melódica country “Seeds and Stems Again Blues”. Sin embargo seria la versión de Charlie Ryan “Hot Rod Lincoln” el hit de este disco, un tema que es un homenaje sobre las carreras de coches y se había convertido en un éxito tremendamente popular a principios de los 60.

Mike Oldfield-Tubular Bells (1973)

"Tubular Bells" es una de las obras musicales mas grandes del siglo XX, producto del impetuoso debut de un jovencísimo Mike Oldfield. Este músico británico contaba con veinte años cuando compuso, arreglo, interpreto y grabo esta ambiciosa y grandiosa obra de 50 minutos que se convertiría en la obra cumbre de un genio.
Publicado por la Virgin Récords en 1973, este seria el primer y mas exitoso álbum de la que hasta entonces solo era una cadena de tiendas de discos de Gran Bretaña. En esta obra Mike Oldfield logro crear una estructura musical tan increíble como antológica, utilizando una amplia gama de instrumentos que de manera autodidacta había aprendido a tocar. Este sin duda es uno de los conceptos mas inspiradores que jamás se haya visto, si es que alguna vez hubo alguno mas. Sin embargo Oldfield además de tocar todos los instrumentos de cuerda y teclados, tuvo la ayuda de tres músicos que colaboraron en algunas partes de la obra, el batería Steve Broughton, el flautista John Field y la vocalista Viv Stanshall. El complejo y complicadísimo proceso de grabación supuso que se necesitaran mas de mil sobre grabaciones, (grabar encima de lo grabado, pero conservando ambas grabaciones). El resultado de todo ello es una música  atemporal, evocadora, y fascinante que llega al oyente sumergiéndolo en un mundo sonoro que lo atrapa de manera apabullante.
Tiempo después de ser publicado, partes de esta obra se utilizarían en la película "El Exorcista", lo que contribuyo significativamente para ampliar el éxito de este soberbio álbum, que ha vendido la friolera de mas de veinte millones de copias alrededor del mundo.
Es difícil de creer que un solo hombre podría alguna vez crear algo como esto, pero lo hizo un genio de nuestro tiempo que cuando lo ejecuto, aún estaba empezando a gestar su fascinante carrera.

Jean-Michel Jarre-Oxygene (1976)

Este es sin duda el disco de música electrónica más influyente e importante de la historia, además de ser el más vendido a nivel mundial del genero electrónico con más de 25 millones de copias alrededor del mundo. Hijo del compositor de bandas sonoras Maurice Jarre y destacado alumno de uno de los mas grandes músicos vanguardistas del siglo XX, como es Pierre Schaeffer, Jean Michel Jarre se inicio muy joven en el uso de sintetizadores y otros instrumentos electrónicos.
"Oxygene" fue el tercer álbum de Jean-Michel Jarre, (de los dos primeros casi nadie sabe de su existencia). En esta obra, los omnipresentes efecto wah-wah de manera cadenciosa y los sostenidos aplicados a los teclados intensamente de manera flotante son la nota predominante de Jean-Michel Jarre, un trabajo que se basa en las coordenadas de la música contemporánea repetitiva, utilizando estructuras cíclicas, Jarre se aferra a patrones melódicos y sonidos emulados de percusión que son capaces de competir con cualquier estribillo de música pop. Para esta magna obra Jarre se rodeo de un impresionante arsenal de sintetizadores, teclados, mellotrones y mini moogs, además de otros instrumentos de alta tecnología, todo ello usado de manera revolucionaria y sobre todo utilizando todos estos recursos de manera inteligente, logrando encontrar todas las posibilidades para producir un sonido con múltiples efectos envolventes, con patrones melódicos, atmósferas perturbadoras y sonidos apocalípticos y en cierta medida dramáticos.
Con esta obra monumental, Jarre lograría captar la atención de millones de seguidores alrededor del mundo e incluso hoy en día esta obra sigue siendo admirada y motivo de asombro.

SBB-Memento Z Banalnym Tryptykiem (1980)

La Silesian Blues Band, mas conocidos posteriormente como SBB son una legendaria banda polaca que tiene tras de si 18 álbumes publicados desde 1974 hasta el 2016 cuando publicaron su ultimo trabajo "Za linią horizonte". Sus orígenes se remontan a principios de la década de los setenta cuando el vocalista y multiinstrumentista Jozef Skrzek, el guitarrista Apostolis Anthimos y el batería Jerzy Piotrowski. fundan esta banda en la localidad polaca de Siemianowice. A finales de 1971 se unirían en colaboración con uno de los mejores músicos polacos Czesaw Niemen y durante algun tiempo actuaron como SBB & Niemen por toda Europa. Durante este tiempo grabaron tres importantes álbumes de rock progresivos que tuvieron muy buena acogida. Mas tarde y ya como SBB en solitario grabarían su primer álbum publicado en 1974, con un estilo bastante inmaduro con improvisaciones rock que tuvo un gran éxito en Polonia.
A partir de aquí la banda iría grabando una serie de buenos trabajos enfocados  al progresivo con unas letras políticas que lo convierten en logros históricos. En sus álbumes los grandes arreglos sinfónicos, las atmósferas espaciales, la teatralidad vocal y los largos pasajes son la característica de SBB.
Casi a finales de los setenta la banda publicaría algunos álbumes mas enfocados hacia sonidos mas accesibles y el funk progresivo y el jazz rock, además que empezaron a utilizar el ingles como idioma en sus letras cantadas. Un gran arsenal de sintetizadores y otros equipos de alta tecnología que irían recopilando durante estos años le dieron la oportunidad a la banda para hacer grabaciones de alto nivel. En 1979 se ampliaban con el guitarrista Slawomir Piwowar con el que graban uno de sus discos de rock progresivo mas convencional "Memento Z Banalnym Tryptykiem", publicado en 1980. Con este álbum el grupo amplia sus fronteras comerciales con un estilo mucho mas accesible para los fans del progresivo británico. Este trabajo contiene solo cuatro temas, dos de ellos superan los 7 minutos y uno ocupa toda la cara B de vinilo original. Desde la inicial  jazz rock progresiva "Moja Ziemio Wysniona", la banda demuestra un estilo pegadizo con ritmos contagiosos en donde el funk, el jazz y los sonidos progresivos se unen con constantes cambios rítmicos, la instrumental y mágica "Trójkat Radosci" incluye solos de guitarra española, sintetizadores y guitarra eléctrica, y para acabar esta primera cara el tema mas corto "Strategia Pulsu", es un funk pegadizo con pesados sonidos de guitarras.
La segunda cara esta compuesta por el extenso tema "Memento Z Banalnym Tryptykiem", una pieza con constantes cambios de ritmo, en donde hay influencias eslavas, folk americano, sonidos floydianos, y grandes melodías. Después de la posterior gira presentando este álbum, la banda se da un respiro de casi 10 años retirados del mundo de la música.
Después de algunas reapariciones cortas en 1991, 1993 y 1998, la banda tuvo su resurrección en el año 2002 con una formación constante compuesta por Józef Skrzek, Antymos Apostolis y el batería Paul Wertico, famoso por haber participado en la Pat Metheny Group durante muchos años y han seguido publicando álbumes con relativa frecuencia hasta el año 2016.

Quatermass-Quatermass (1970)

Quatermass fueron otra efímera banda de hard rock y sonidos progresivos que con solo un álbum fueron muy reconocidos y aclamados por su sonido innovador. Sus orígenes se encuentran a finales de los sesenta cuando varios de sus miembros pertenecían a la banda Episode Six, en donde por cierto también estaba el futuro cantante de Deep Purple, Ian Gillan. Estos músicos eran el teclista Pete Robinson, el batería Mick Underwood y el bajista y cantante John Gustafson.
Este power trío publicaba su primer y único álbum bajo el sello Harvest en 1970, en donde sobresalía el tema “Black Sheep of The Family”, un disco en el que la energía de su música residía en los poderosos teclados, como queda demostrado en temas como la extensa “Post War Saturday Echo”, la hard progresiva “Up On The Ground”, en la jazzistica “Punting”, o en la experimental “Laughin´Tackle”.
Sin embargo el álbum se pierde en la inmensidad de tantos otros discos de gran calidad y alejados del éxito que merecieron, terminando por convertirse en un lanzamiento de culto para la posteridad.
Después de este álbum, la banda se termina separando, Gustafson algún tiempo después se dedicaría a trabajar como músico de sesión para Kevin Ayers, Steve Hackett o Ian Hunter entre otros, mientras que Robinson entraría a formar parte en la banda de jazz progresivo Brand X. 

Quatermass resuena hoy en día tan vigente como lo hizo en 1970, y uno solo puede preguntarse cómo tantísima calidad fue ignorada después de su publicación.

John Denver-An Evening With John Denver (1975)

En 1975 John Denver se encontraba en uno de los mejores momentos de su carrera.

Ya desde su tercer álbum “Poems, Prayers & Primises” (1971), este mítico cantante era un habitual de las listas del folk y el country y todos sus lanzamientos habían obtenido discos de oro o platino por sus ventas. Con los exitosos álbumes como precedente ("Rocky Mountain High” y “Farewell Andromeda”), Denver había llegado a tener la confianza de creer en sus propias composiciones, grandes canciones acústicas, las cuales eran fruto de sus días de soledad en los espacios abiertos de las montañas del Colorado donde residía habitualmente.
En “Back Home Again” (1974), John Denver ofrecía una serie de canciones muy inspiradas, alegres y líricamente muy ingeniosas, con unos arreglos que fueron instrumentalmente muy bien ejecutadas por su banda, combinando sabiamente el folk con acercamientos al country. Su banda de apoyo en aquel momento estaba formada por excelentes músicos como el batería Jim Gordon, el harmonicista Hal Blaine, el pianista Glenn Hardin o el bajita David Jackson, entre otros. Entre las 12 canciones que componen este álbum destacan la humorística “Grandman´s Feather Bed”, la conmovedora “Matthew”, y la alegre “Thank God i´m a Country Boy”. Sin embargo seria la canción dedicada a su esposa Annie el gran éxito de este disco “Annie Song´s”, una lacrimosa balada que se convertiría en una de sus mejores composiciones. Para la segunda cara del álbum Denver nos dejaba otra serie grandes temas como la melódica “Cool an´Green An´Shady”, la amable “Sweet Surrender” y la melancólica “This Old Guitar”.   
Ese mismo año de 1975 llegaría el doble directo “An Evening With John Denver”, grabado en vivo en el California Universal Amphitheatre, la noche del 26 de agosto de 1974, con un acompañamiento orquestal completo, y un John Denver en un gran estado de gracia, combinando a la perfección el pop ligero con el folk y sutiles sonidos country.
Este se convertiría en su mayor éxito comercial y también en una de sus obras cumbres, un doble álbum que cuenta con un excelente repaso a lo mejor de su carrera hasta aquel momento, “Farewell Andromeda (Welcome to My Morning”, “Rocky Mountain Suite”, “Take Me Home” o “Take Me Home, Country Roads”.

IQ-The Wake (1985)

IQ siempre permanecieron a la sombra de Marillion e incluso tuvieron la mala suerte de que uno de sus grandes logros, el álbum “The Wake”, fuera publicado casi al mismo tiempo que la grandiosa obra del neo progresivo "Misplaced Chilhood", y ello fuera ápice para ser lastrado como una pesada losa. Considerado uno de los mejores trabajos del estilo, "The Wake", es el segundo álbum de IQ y sigue la línea de su antecesor "Tales From Lush Attic", pero con una infinita mejor producción y con unos arreglos más cuidados y complejos.
En esta ocasión la banda crea un disco conceptual que trata sobre el hombre cruzando el umbral de la muerte, para lo que musicalmente se destila un sonido oscuro, misterioso y funesto.
Siguiendo la estela del sonido de Genesis en la era de Peter Gabriel, “The Wake” es un disco que claramente esta inspirado en su esencia progresiva, los temas desarrollados aquí son producto de una formación de músicos muy talentosos que lejos de imitar, aprovechan sus habilidades tomando como base las cualidades de cada uno de ellos.
Desde la intro “Outer limits”, con esa grandiosidad atmosférica, la melancólica y melodramática “Headlong”, con un final apoteósico o la excepcional “Magic Roundabout”, nos transporta a los surcos de obras magnas como “Nursery Cryme” o “Foxtrot” con esos a veces rudimentarios y a la vez armónicos tratamientos de muchas partes de la guitarra, las texturas de los teclados y los sonidos tenebrosos, los cuales están hechos así para recrear una densidad emocional y lúgubre, todo ello refrendado por la voz teatral y a veces densa de su cantante Nicholls.

Klaus Schulze-Timewind (1975)

En 1975 Klaus Schulze publicaba su quinto álbum “Timewind”, con el que alcanza su perfección sónica que ya había comenzado a experimentar en su trabajo de un año antes “Blackdance”. Pero para llegar hasta aquí, Schulze ya había recorrido un larguísimo camino junto a Tangerine Dream, Ash Ra Temple, The Cosmic Jokers o Stomu Yamashita en el grupo Go, por lo tanto no era nada extraño que con semejante curriculum, Schulze tuviera la suficiente experiencia para hacer cosas muy grandes con sus discos en solitario.
Concebido a modo de álbum conceptual, Schulze dedica esta obra a su admirado Richard Wagner, utilizando para ello por primera vez los secuenciadores para crear muros sonoros con efectos hipnóticos, logrando con ello sonidos cósmicos muy depurados.
Como era habitual en el músico, Schulze toco todos los instrumentos y la duración de álbum era de una hora de duración, algo complicado de hacer para los formatos de vinilo en aquella época, dividido en dos temas de 30 minutos cada uno. Con una magnifica portada de arte surrealista, al mas puro estilo de Dali, Schulze va agregando a la perfección una música electrónica y un rock espacial con unos desarrollos magníficos. Su pieza de apertura “Bayreuth Return”, es una enorme epopeya de exploraciones musicales donde el músico alemán exprime todas las posibilidades del sintetizador Moog, mientras que en la segunda cara del vinilo “Wannfried”, se mantiene en una línea parecida con un aura misteriosa, algo de pomposidad y ricos fragmentos melódicos.
La recepción de este álbum fue enormemente bien recibida por el publico y la critica, que llego a definirlo como la obra definitiva de la Kosmiche Muzik, en su vertiente electrónica.

Renaissance-Turn Of The Cards (1974)

Después del álbum de Renaissance "Illusion" de 1971, varios de sus miembros fundadores como Keith Relf y Jim McCarty abandonan la banda para acometer otros proyectos, el primero fundaría la banda Steamhammer y el segundo Shoot. A partir de aquí este grupo se reformaría con Annie Haslam como voz principal, Michael Dunford en las guitarras acústicas, John Tout teclista, Jon Cap bajista y el batería Terence Sullivan. Con esta formación en 1974 se publicaría "Turn Of The Cards", álbum que es la confirmación de la madurez estilística de Renaissance. Temas como la extensa "Running Hard" se presenta como una formula renacentista con mas arreglos orquestales y sonidos elegantes, pero sobre todo donde sobresale la voz de Annie Haslam, una de las vocalistas femeninas mas importante de la historia del progresivo británico. Las potentes líneas melódicas de "Cold Is Being" y "Mother Russia", esta ultima un clásico indiscutible de la banda, son un claro ejemplo de su musicalidad, alcanzando la cohesión perfecta con los aportes de los teclados de Tout, el estilo guitarrístico de Dansford y el canto refinado de Haslam. Mientras la tensa "Black Flame" y la lírica "Things I Don´t Understand", concluyen un álbum inolvidable que seria la antesala de su obra cumbre con el siguiente "Scheherazade And Other Stories (1975).

Kaipa-Kaipa (1975)

Kaipa fueron una banda sueca que durante el periodo comprendido entre los años 1975 hasta principios de los 80, lideraron la escena progresiva de su país, con cinco álbumes que tomaban como referencias el folk escandinavo fusionado con un complejo estilo sinfónico. Formados originalmente como Ura Kaipa, su formación la comprendían el teclista Hans Lundin, Tomas Eriksson como bajista, Ingemar Bergman como batería y un jovencísimo Roine Stolt como guitarrista. En 1975 hicieron su debut discográfico bajo el sello Decca, en el cual banda mostraba una fluidez musical prodigiosa y unos ingeniosos cambios rítmicos con complejos arreglos y una sofisticación digna de los mejores grupos punteros del genero progresivo. Su único lastre es tal vez el cantante Lundin que canta en sueco, algo que para muchos en su momento les resultaba "extraño" acostumbrados a la "anglofonia" habitual. En este primer álbum destacan la inicial y sinfónica "Musiken ÄR Ljuset", la hard rock progresiva “Shaker Har Tva Sidor”, la compleja con aires folk “Ankaret”, la progresiva con un sonido cercano a Yes “Se Var Morgon Gry” o la apoteósica “Oceaner Foder Liv”.
Este fue un buen álbum debut que fue publicado cuando la mayoría de las grandes obras del progresivo habían sido ya expuestas, sin que esto sea ningún impedimento para que este disco se encuentre dentro de los parámetros del mejor rock progresivo de la época. Sus siguientes publicaciones seguirán teniendo un alto nivel, consolidando su estilo, aunque bastante alejados de sus coetáneos  británicos. Roine Stolt formaría años mas tarde, parte de bandas como The Flower Kings o Transatlantic, además de colaborar en múltiples proyectos con Jon Anderson o The Tangent y haber publicado varios discos en solitario muy valorados por la critica y los fans.

 

Novalis-Banished Bridge (1971)

Novalis fue una banda vital en el desarrollo del krautrock formada en 1971 en la ciudad alemana de Hamburgo. Su primera formación estaba compuesta por el vocalista Jürgen Wentzel, el bajista Heino Schünzel, el teclista Lutz Rahn, el batería Hartwing Biereichel y el guitarrista Carlo Karges. En 1971 bajo el sello alemán Brain Records publican su primer álbum “Banished Bridge", una de las grabaciones esenciales del genero. Novalis es una de las bandas que mejor ha resistido el paso de los años y que ha superado en longevidad a casi todas las demás formaciones progresivas alemanas de los años 70. “Banished Bridge" esta conformado por 4 largos desarrollos de rock progresivo sinfónico exuberante e indispensable con melodías profundas. Muchas de las letras de la banda se basan en la poesía del siglo XVI de Friedrich Freiherr von Hardenberg ("Novalis" era su seudónimo). Ya desde el primer tema de 17 minutos que da título al álbum, es un interesante desarrollo de órgano y sintetizador, con unas atmósferas al mas puro estilo de los Pink Floyd mas psicodélicos con todo tipo de efectos de sonido. El resto la componen “High Evolution” con unos magníficos órganos y un mellotrón galopante, “Laughing” es una epopeya soberbia y tensa donde el teclista Rahn emula con gran acierto a músicos de gran renombre como Ken Hensley o Vincent Crane y el álbum acaba con la convencional barroca “Inside Of Me”.
Aunque el disco no fue pionero a nivel artístico dentro del genero, (en Alemania si fueron uno de los percusores), este ha sido uno de los discos más respetados por los críticos. La mencionada y épica “Banished Bridge”, es una de sus mejores composiciones y es sin duda la base del sonido de Novalis, además de uno de los temas cumbre del krautrock y el rock progresivo en general.
En lo sucesivo la banda publicaría otros grandes trabajos como “Novalis” (1975), “Sommerabend” (1976) o “Konzerte” (1977), en una carrera discográfica que duraría hasta mediados de los años 80 cuando publicaron su ultimo trabajo “Nach Uns Die Flut” (1985).

Triana-Hijos del Agobio (1977)

Vamos a situarnos dos años después de acabarse los 40 años de franquismo en España, por lo tanto estamos en 1977 y el país vive una gran convulsión generalizada tras ese régimen.

En aquellos momentos los españoles esperaban con impaciencia la entrada en vigor de la nueva Constitución Española, y ello generaría una cierta impaciencia del lado de los sentimientos de esperanza y liberación de los ciudadanos.

En todo este extraño contexto, Triana publicó su segundo disco "Hijos del Agobio", con claras alegorías hacia esos momentos trascendentales.
Triana se había formado cuatro años antes en la ciudad de Sevilla por el teclista Jesús de la Rosa que junto al baterista Juan José Palacios y al guitarrista Eduardo Rodríguez deciden fundir una de sus pasiones como es el rock progresivo con los elementos del flamenco. Ya desde su debut “El Patio”, publicado en 1975, la banda muestra un estilo único en donde la cadencia del jazz rock y la experimentación del rock progresivo se fusiona con la mística del flamenco, con antológicos fraseos de guitarra, unas impecables orquestaciones y unos teclados sublimes.
Ya situados en 1977 con su segundo álbum “Hijos del Agobio”, la banda sevillana reafirma la propuesta que ofrecieron en su anterior disco con un rock progresivo sinfónico con esas citadas reminiscencias flamencas.
Y es que desde un principio la banda nunca ocultó su intención de sonar como las grandes formaciones británicas de la época del estilo progresivo (King Crimson, Genesis, Yes o Pink Floyd), pero tampoco quisieron ir a remolque y ser una mera copia “made in spain” de estas, sino que la dotaron de la esencia del folk andaluz.
"Hijos del Agobio" contiene momentos memorables como la canción arrolladora y hiriente que da título al disco, un mensaje alentador al régimen posfranquista, la poética con base de fandango "Rumor", por otra parte las complejas "Sentimiento de Amor" y "Recuerdos de Triana", nos conducen a las mejores canciones del disco, mientras que "Ya Esta Bien" y "Necesito", poseen claras influencias de los primeros King Crimson.
"Hijos del Agobio" es un disco espeluznante, una de las obras maestras del rock hispano y que marcó una época en todo un país como España.

Tale Cue-Voices Beyond My Curtain (1991)

Tale Cue es una banda desconocida para el gran publico que cuando publico su único álbum fue la sensación en los circuitos del rock progresivo con un trabajo enorme, repleto de calidad y que esta considerado una de las obras cumbres del neo progresivo europeo de los años 90.
Formados a finales de los ochenta en Milán, su formación estaba compuesta por Silvio Masanotti a las guitarras, Filippo Oggioni a la batería, Davide Vicchione al bajo, Laura Basla a la voz principal y Giovanni Porpora en los teclados.
En 1991 publicaron el álbum que se convertiría en su única grabación y que lleva por titulo "Voices Beyond My Curtain", en el retoman la esencia del lirismo italiano del clásico rock progresivo de los 70, pero adaptándolo a los nuevos tiempos. Con un sonido que por momentos nos recuerdan a los Marillion de Fish, la banda desarrolla oscuros pasajes instrumentales con grandes sonidos de los teclados clásicos y las excelentes guitarras que llevan el peso de una música espectacular.
Los apasionados y asombrosos toques de guitarra de Masantti (influenciado por guitarristas como David Gilmour o Steve Rothery), se alternan con momentos emocionantes y partes agresivas, así mismo los teclados se suman dando el toque al ambiente oscuro y de misterio general del disco. Mención aparte es la cantante Laura Basla, que con un timbre de voz original encaja perfectamente en el tapiz instrumental del grupo. En definitiva un álbum que combina una serie de paletas paisajísticas con constantes cambios rítmicos entre los sinfónico y lo metálico, con momentos también pastorales y extraordinarias melodías que no dejan indiferente a los seguidores del buen rock progresivo y del rock en general.

David Sanborn-Voyeur (1981)

David Sanborn es uno de los saxofonistas más aclamados y admirados de la historia, un músico que ha inspirado a miles de músicos de rock, jazz, pop y blues.
De niño y como parte del tratamiento y rehabilitación a modo de terapia contra la polio y por consejo médico, el pequeño David comienza a tocar el saxofón.
Sus primeras influencias fueron los bluesmen de Chicago y antes de terminar sus estudios ya había colaborado con grandes estrellas del blues como Albert King o Little Milton.
Luego de pertenecer a la Butterfield Blues Band con la que participó en el famoso Woodstock, colaboraría en el disco de Stevie Wonder "Talking Book", iniciando así una brillante carrera como músico de sesión para muchos artistas; The Rolling Stones, David Bowie, James Brown, Don McLean, Ian Hunter, Michael Bolton o Bruce Springsteen entre muchos otros.
En 1975 publicó su primer disco en solitario "Taking Off", en el que destacaba la canción "Butterfat" con un toque de saxo con wha-wha, contribuyendo que las grandes discográficas se fijasen en él.
En 1979 tuvo su primera nominación al Grammy por su disco "Hideway", donde ya había ampliado su sección de vientos que fueron muy bien recibidas por la crítica. Ya en 1981 llegaría "Voyeur", su mejor trabajo y al mismo tiempo el más exitoso en ventas, y ganador de su primer premio Grammy, el primero de seis que obtendría a lo largo de su carrera.
Con un estilo entre el jazz suave y el jazz convencional con ciertos toques pop, Sanborn lanzaba álbumes con regularidad, algunos de ellos muy exitosos como "As We Speak" (1981), "Backstreet" (1983) o "Straight to the Heart" (1984).
Su carrera ha continuado hasta el día de hoy con muchas colaboraciones para otros artistas o publicando regularmente obras que son bien recibidas por el circuito de fans del jazz fusión y del jazz en general.

Bruce Springsteen-Born To Run (1975)

En 1974 Bruce Springsteen estaba al borde del abismo, sus dos primeros álbumes “Greetings from Asbury Park, N.J.” y “The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle”, aunque de notable calidad apenas habían tenido unas ventas ni siquiera decentes, así pues su discográfica estaba a punto de darle una patada en el trasero y finiquitar su contrato unilateralmente. Seria el productor y critico musical Jon Landau quien intercediera con la discográfica para que le diera una nueva oportunidad, la cual Bruce esta vez no dejaría escapar.
A partir de aquí Jon Landau se convertiría en el productor y manager de Bruce Springsteen durante al menos sus tres siguientes trabajos.
“Born To Run” (1975) seria el titulo de este tercer álbum y fue el que lo catapultara definitivamente con un repertorio de legendarias canciones como la emotiva “Thunder Road”, la desenfadada “Tenth Avenue Freeze-Out”, la épica “Born To Run” o la intensa “Backstreets”, en todas ellas Bruce capturaba por fin la esencia del rock, con una letras que trataban temas como la homosexualidad, el compañerismo, la pasión, la desesperación o los sueños de cualquier persona  muchas veces incumplidos.
Musicalmente se mostraría como un disco cohesionado y muy efectivo entrelazado gracias a su sólida banda, la E Street Band, que se convirtieron en los verdaderos protagonistas de esas composiciones. El repertorio de sus rock aquí es espectacular, con temas vibrantes, poderosos arreglos con un estilo directo, trascendiendo mucho más allá de su época. “Born To Run” supuso el primer gran éxito de Bruce Springsteen a nivel mundial, una obra que agrada a cualquier fan de cualquier genero desde los mas puristas al rock hasta los mas cercanos al pop y que se ha convertido en una de las obras esenciales de la década de los 70.

Max Middleton & Robert Ahwai–Another Sleeper (1979)

"Another Sleeper" y "Cape Wrath" son dos fantásticos álbumes de jazz funk editados en los años setenta por el sello progresivo británico Harvest, una subsidiaria de Emi-Odeon. Firmado por los músicos Max Middleton, Robert Ahwai, Dick Morrissey y Jim Mullen. Aunque para la gran mayoría de seguidores del genero del funk-jazz es algo exclusivo de músicos norteamericanos como George Benson, Bob James o The Crusaders, algo que por otro lado es cierto, no debemos olvidar que en Gran Bretaña a finales de la década de los setenta también hubo una pujante escena de jazz-funk, que fue liderada por bandas como Shakatak y Level 42. Estos dos lanzamientos  son de los mejores discos del género realizados en Gran Bretaña, con un sonido encantador y romántico de West Coast sound, aunque con la sensibilidad pop que los británicos sabían darle. En gran parte de la música de "Another Sleeper", particularmente en los ritmos fluidos de "Dance by the Light of the Moon" de Robert Ahwai y "Partial Eclipse / Total Madness" de Max Middleton, el piano Fender Rhodes y los exuberantes arreglos de cuerdas se combinan con unos efectos relajantes y hermosamente embaucadores. "Another Sleeper" está asociado con "Cape Wrath", el segundo álbum de Morrissey & Mullen, que se convirtió en uno de los grupos de jazz-funk más exitosos del Reino Unido en la década de 1980. "Cape Wrath" también se grabó para el sello discográfico Harvest de EMI y contó con muchos de los músicos que habían aparecido en "Another Sleeper", incluidos Max Middleton y Robert Ahwai, lo que ayudó a dar una gran consistencia y equilibrios instrumentales y con un peculiar estilo en ambos álbumes.
Junto a las composiciones originales del saxofonista Dick Morrissey; "Return to Tooting Broadway" y "Cape Wrath" o "Night Song" del guitarrista Jim Mullen, también incluyeron versiones soul como "Lovely Day" de Bill Withers o el jazz "Soul Eyes" de Mal Waldron.
Estos trabajos demostraron que en el mejor de los casos, el jazz-funk británico se podía equiparar fácilmente al jazz estadounidense y de hecho, tenía su propia identidad y un sonido único y particular.

Bo Hansson-Lord of the Rings (1972)

Bo Hansson es una de las primeras y reconocidas figuras de la escena progresiva de Suecia. Cuando ya tenia publicados cuatro álbumes a finales de los 60 junto a la baterista Janne Karlsson (como el dúo Hansson & Karlsson), incluso telonearon a Jimi Hendrix durante una gira europea, se embarcaría en una carrera en solitario. Para su primer proyecto decidió grabar un álbum basado en "El señor de los anillos" de JRR Tolkien. El álbum fue lanzado originalmente en Suecia con el sello Silence bajo el titulo "Sagan Om Ringen" (1971). Un año después en 1972, el sello británico especializado en el rock progresivos Charisma Records conseguiría los derechos de este álbum y lo publico a nivel mundial bajo el título y la obra en inglés (el álbum sueco original tenía todos los créditos de las canciones en el idioma sueco).
Bo Hansson había grabado este álbum en una cinta de 4 pistas en una pequeña isla en el Mar Báltico, en pleno invierno por lo que el ambiente nórdico está presente en todas las pistas y esa es su principal característica. Hay rumores sobre una presencia no acreditada de Jimi Hendrix en varios cortes (está escrito en un comentario en la parte posterior de la portada de vinilo), aunque nunca esto fue verificado ni confirmado oficialmente.
El disco en sí contiene grandes momentos de órganos y sintetizadores, con espacio para guitarras y elementos de jazz , así como influencias hindúes, con muy buenas estructuras musicales e incluso con acercamientos a la psicodelia de la época. Un buen álbum que como otros muchos del rock progresivo se ha basado en fuentes como la poesía, la literatura, la pintura, las guerras épicas o como es en este caso en las novelas de fantasía épica.

B.B.King-Completely Well (1969)

B.B.King es una de las leyendas del blues y a estas alturas no creo que exista alguien que no haya oído hablar de el alguna vez. Nacido en una plantación de algodón en 1925 en la plena evolución de lo que algunos años después desembocaría en la Gran Depresión. Sus primeros pasos serian en el coro gospel de su iglesia, y con el tiempo se convertiría en el primer corista y al mismo tiempo formaría su propia banda: The Famous St.John Gospel Singers. A partir de aquí se interesaría por el blues y gracias a su primo Bukka White, uno de los primeros músicos talentosos del Blues del Delta, consigue su primer trabajo como disc-jokey en una radio local. Poco después ya comienza su andadura actuando en pequeños clubs de jazz y blues en Bale Street, un centro neurálgico y cuna de la música negra en Memphis. Con el paso del tiempo fue conocido como “Beale Street Blues Boy”, mas tarde “Blues Boy” y finalmente B.B.King.
Ya desde la década de los cuarenta B.B. King captura la esencia de los grandes maestros del blues como Elmore James, T-Bone Walker o Lowell Fulson y con su carismática personalidad, su talento y su original estilo se va convirtiendo poco a poco en una celebridad del estilo.
En los sucesivos años B.B. King se iría labrando una carrera muy fructífera con una discográfica descomunal con muchos éxitos y también cierta perdida de popularidad debido al auge de otros sonidos imperantes, hasta que las bandas británicas y americanas de los años sesenta empiezan a reivindicar el blues como unas de sus fuentes e influencias principales y tanto B.B.King como otros grandes bluesman vuelven a ser considerados y sus legados retoman el primer plano musical.
En 1969 lograría uno de los mayores éxitos en su carrera con el fabuloso disco "Completely Well", en donde se incluye el hit "The Thrill is Gone", unos de sus grandes blues compuesto por el pianista y cantante Roy Hawkins en 1951. “Completely Well” contiene nueve temas blues y fue producido por el joven ingeniero Bill Szymczyk, el cual unos años mas tarde se haría tremendamente famoso por producir a emblemáticos grupos y artistas como Joe Walsh, The James Gang, The Eagles, Edgar Winter, Wishbone Ash, The Outlaws, The Who o la J. Geils Band entre otros muchos.
De la mano de Szymczyk, B.B. King dio un giro casi radical a su música, mejorando notablemente su sonido, dándole más paletas de colores y una mayor profundidad fusionando otros géneros, como soul o funky, pero sin renunciar al blues puro, como en "No Good", "What Happened" o el corte que abre el álbum "So Excited".
En "Crying Won't Help You Now / You're Mean", King acompañado de una segunda guitarra consigue una extensa jam y el resto de la banda se ve involucrada sonando de manera espectacular.
En otros temas fundamentales como "Confessin´The Blues" o en "Key To My kingdom", destaca el peculiar estilo de B.B.King, con buenos arreglos de vientos, pianos y envuelto por su potente voz.
Con los años, se convirtió en un bluesman único por méritos propios, poseyendo una voz inconfundible, guitarrista especial y excelente compositor, que hizo que su mítica Gibson ES-335 fuera mundialmente famosa desde los años sesenta a la cual llamaría "Lucille".
En su dilatada carrera obtendría multitud de galardones y premios como ganar 15 Grammys o la Medalla Nacional de las Artes, entre muchas otras y estar entre los mejores 100 guitarristas de la historia.

Paul Simon-Graceland (1986)

A principios de la década de 1980, Paul Simon había lanzado dos álbumes mediocres y en parte decepcionantes que le había relegado a niveles de popularidad muy por debajo de su estatus como estrella del pop.
Hacia mediados de la década, Paul Simon escucho una recopilación en cassette de grupos sudafricanos de los suburbios de Soweto.
A partir de ese momento, Simon se interesó por esa música y consideró grabar un disco donde mezclara esas canciones africanas y su creatividad personal.
El resultado fue un increíble trabajo interracial que mezcló las raíces de la música estadounidense, el pop, la música a Capella, el rock y los sonidos tradicionales como isicathamiya y mbaqanga, además de recibir fuertes influencias de músicos sudafricanos como Johnny Clegg.
El grupo vocal Ladysmith Black Mambazo, y otros grandes músicos africanos y norteamericanos participan activamente en el disco como Youssou N´Dour, Randy Brecker, Steve Gadd o Adrian Belew entre muchos otros.
"Graceland" ganó cuatro discos de platino por sus ventas y el premio Grammy al mejor álbum de 1986, además de poner a Paul Simon en el camino del prestigio luego de unos años desaparecido de las listas de éxitos.

Karthago-Live At The Roxy (1976)

Karthago fue una banda encuadrada dentro del movimiento krautrock y que estuvieron activos desde 1971 hasta 1976. Fundados en Berlín por el guitarrista Joey Albrecht y el bajista Gerald Luciano Hartwig. Estos dos músicos ya llevaban varios años actuando en diferentes clubs de Berlin como dúo llamado Blues Machine. En 1970 se les uniría el percusionista Thomas Goldschmitt, y logran conseguir un contrato con el sello alemán BASF para grabar un álbum. Poco antes de dicha grabación se les uniría el batería Wolfgang Brock y el teclista Ingo Bischof. Con esta formación grabarían su primer álbum en octubre de 1971. Con una portada espectacular plegable que recuerda a los diseños multicolores de los primeros álbumes de Santana, Karthago ofrecía un espectacular sonido de pesadas guitarras con acercamientos al funk progresivo "I Give You Everything You Want", o "Why Don´t You Stop Buggin´Me Babe", al estilo de Jimi Hendrix en "I Don´t Live Tomorrow", y "I Know What You Can Do My Babe" o acercamientos a los sonidos latinos como en el tema "Nos vamos".
En 1973 saldría "Second Step", en donde reforzaban el trabajo instrumental al estilo de Carlos Santana, con un sonido mas equilibrado entre los teclados y las guitarras pesadas con aires latinos y un estilo mas enfocado hacia el jazz.
A partir de 1974 la banda sufre diferentes cambios de formación entre los que destacan la inclusión del ex bajista de Jethro Tull, Glenn Cornick. Con una renovada formación se trasladaron a Inglaterra donde grabaron su tercer álbum "Rock´n´Roll Testament", en donde la banda muestra un cambio de imagen y sonido hacia derroteros mas sinfónicos y progresivos y un rock mas duro. En 1976 la banda ofrece una serie de conciertos en diferentes ciudades alemanas como Berlín y Hamburgo que quedaron reflejadas en el doble álbum en directo "Live At The Roxy", que fue publicado casi a finales del mismo año, justo cuando la banda ya había desaparecido, quedando este disco como un testamento póstumo de Karthago.
En este directo la banda muestra su gran labor en el escenario con grandes solos de guitarras, grandes teclados y unas poderosas percusiones. En temas como "Rock´n´Roll Testament" y "We Gonna Keep It Together" su sonido nos hace recordar a los Allman Brothers, mientras "Thema In C", parece sacado del "Lotus" del guitarrista mexicano Santana, por otro lado la esencia funk del grupo se manifiesta en "We Give You Everything You Need", con una gran trabajo de la sección rítmica de la banda, para acabar con el clásico blues de Freddie King "Going Down" de manera apabullante.

The Outlaws-Bring It Back Alive (1978)

The Outlaws son una de las grandes bandas del rock sureño formada en 1972.

Sin embargo no sería hasta 1975, cuando publicaron su primer y fabuloso debut “The Outlaws”.
Formados en Tampa, Florida por los guitarristas Hughie Thomasson, Henry Paul y Billy Jones, el batería Monte Yoho y el bajista Frank O´Keefe. Sus orígenes estaban en la banda de country rock The Four Letter Words que fue formada a finales de los sesenta.
Algunos años mas tarde ya como The Outlaws empezaron a tener mucha reputación como banda de rock sureño e incluso giraron con los Lynyrd Skynyrd con quienes trabaron mucha amistad y fueron los que les ayudaron a conseguir un contrato con el sello Arista Records publicando su primer álbum en 1975.
En este tremendo álbum debut de The Outlaws, ya aparecen algunas de las mejores canciones de la banda. Un trabajo sorprendente, lleno de vitalidad y composiciones tan grandiosas como "Song for You", "There Goes Another Love Song", y por supuesto, "Green Grass & High Tides", que es sin duda la mejor canción del grupo, y uno de los temas mas emblemáticos del genero sureño más prominente. Desde el principio este tema no deja indiferente a nadie y, poco a poco va ganando intensidad hasta que llegan unas guitarras incesantes e incendiarias, imprescindibles para todo amante de la guitarra.
A partir de aquí se irán sucediendo muy buenos trabajos como “Lady in Waiting” (1976), “Hurry Sundown” (1977) o “Playin´To Win” (1978).
Es precisamente después del álbum “Hurry Sundown” y en su gira posterior cuando se grabaría el doble álbum en directo "Bring it Back Alive" entre septiembre y noviembre de 1977.
Durante esa gira el 20 de octubre de 1977 tuvo lugar el fatídico accidente de aviación donde varios miembros del grupo Lynyrd Skynyrd perdieron la vida. La relación de The Outlaws con ellos había sido muy cordial y muy amigable, por lo que cancelaron durante algún tiempo todos sus conciertos por respeto y admiración.
Una vez retomada la gira y desde ese momento hasta el final del tour, los Outlaws les dedicaron palabras de recuerdo cada noche de concierto y la canción "Green Grass And High Tides".
“Bring It Back Alive” fue lanzado en 1978 y reflejaba a la perfección el rock sureño de alto voltaje de la banda con temas incendiarios como "Stick Around For Rock & Roll", "Lady In Waiting", la armoniosa "There Goes Another Love Songs", el clásico del género sureño "Freeborn Man", el contundente rock "Holiday" y la larga y épica "Green Grass And High Tide", que se terminaba convirtiendo en una fantástica jam de diecisiete minutos de éxtasis de guitarra. El álbum tendría un gran éxito en los circuitos del southern rock y en las listas estadounidenses Top 20.

Pantheon-Orion (1972)

Como ya hemos comentado en diferentes ocasiones, la historia tiene cientos de bandas olvidadas, magníficas bandas que hoy serían la vanguardia en cualquier género.
Una de ellas que ni siquiera es conocida por muchos eruditos en la materia son Pantheon, una banda que fue muy destacada dentro del importantísimo movimiento Canterbury. Originarios de Holanda, este cuarteto no tuvo el mismo impacto que sus compatriotas Supersister, a pesar de que su propuesta musical fue realmente excelente. La música de este conjunto se constituyó en un espléndido trabajo con los instrumentos de viento, saxofón y flauta, y una magnífica dirección de jazz, destacando la combinación de saxo y teclados, un sintetizador muy bien adaptado a las necesidades musicales de la banda y sobre todo, sonidos limpios, coros solemnes y hasta cierto punto clericales, que le daba a su música una dimensión muy particular.
La historia de esta efímera banda comienza cuando el sello holandés Pseudonym Records les publica su primer álbum, sorprendiendo a los fans del rock progresivo por este lanzamiento por parte de una banda totalmente desconocida en aquellos momentos y por un sello que hasta ese momento se caracterizaba por publicar trabajos de grupos consagrados (Kayak, Earth & Fire o Finch).
Gracias al apoyo del sello incluso giran con bandas como Focus, Solution o Steve Miller Band, consiguiendo con ello el punto culminante de su popularidad.
Las cinco composiciones originales de su álbum “Orion” de 1972, son bastante elaboradas, melódicas y variadas con frecuentes cambios de ritmo. El colorido de las canciones esta bastante equilibrado con órgano, flauta, saxofón, guitarras acústicas y eléctricas, y el sintetizador Moog. Las influencias musicales son obvias en Ekseption y Solution (en los metales), pero también en Focus (por los sonidos de órgano y el trabajo de guitarra similar a Jan Akkerman), sin embargo ello no quiere decir que sean meros imitadores. Su estilo es muy original, una sabia mezcla de música progresiva, con rock, jazz y clásica, pero bastante accesible y muy melódica.

Ian Dury-New Boots And Panties!! (1977)

Ian Dury fue un personaje extravagante y único, formado musicalmente durante la primera mitad de los años 70 en los pubs londinenses, se convertiría en una de las figuras principales de la new wave germinal, un musico que siempre fue considerado la antítesis perfecta de la estrella de rock que desde su niñez sufriría la polio, hecho este que le condicionaba su físico, además de una presencia poco tranquilizadora y rodeado de unos colaboradores nada atractivos.
Ya en los primeros años de la década con casi treinta años, había formado su primera banda, Kilburn and The High Roads, con la que se hizo muy popular en el circuito de locales y pubs de los bajos fondos londinense y garitos de mala muerte. Su colaborador de confianza en ese momento para la composición de sus canciones, fue el pianista Russell Hardy, quien dejó la banda justo después del álbum "Handsome", lanzado en 1974.
En 1975 la banda se disolvió después de que Ian diera conciertos bajo el nombre de Ian Dury y The Kilburns, reemplazando a Hardy por el teclista Chaz Jankel. Con este último Ian había comenzado a preparar el esperado regreso con un nuevo álbum.
El disco titulado "New Boots and Panties", saldría a finales de 1977, con poca promoción por parte del sello discográfico Stiff Records, que sin embargo no fue ningún obstáculo para vender la friolera de más de 400 mil copias, un récord inusual para un disco grabado en una semana y con poca o mejor seria decir nula promoción comercial.
Apodado desde ese momento como "El padrino del punk", Ian Dury tenía poco que ver con la filosofía punk, excepto por su ropa desastrosa y su look poco agraciado, pero su mensaje absolutamente positivo era la antítesis de cualquier forma de nihilismo.
Este y el siguiente disco, el también exitoso "Do It Yourself", contenía un atractivo y excitante estilo jazz-funk y pub rock con irresistibles arreglos donde destacaban los temas "Sex and Drugs", "Rock'n'Roll", "What a taste", "Hit me With Your Rhythm Stick" o "Reasons to be Cheeful part 3".

Pallas-The Sentinel (1984)

Pioneros del neo progresivo, Pallas son junto a grupos coetáneos como IQ, Pendragon o Marillion, los principales impulsores de renacimiento del rock progresivo de finales de los 70 y principios de los ochenta. Formados en Aberdeen, Escocia en 1980, por el vocalista Euan Lowson, el guitarrista Niall Mathewson, el teclista Ronnie Brown, el batería Derek Forman y el bajista Graeme Murray, sus inicios estuvieron plagados de actuaciones por clubs y pubs de Escocia e Inglaterra, hasta que en una de sus actuaciones en el Marquee de Londres consiguieron firmar una actuación antológica que llamaría la atención del público y la prensa especializada británica.
Tiempo después, Emi Records se interesó por la banda y les ofrece un contrato para posteriormente ingresar en los estudios para grabar el que sería su primer LP, que sería editado en 1984 bajo el sello progresivo Harvest.
Combinado con una espectacular portada diseñada por Patrick Woodroffe, este primer álbum titulado “The Sentinel”, esta concebido como una obra conceptual sobre el Atlantis, y responde a los cánones más típicos del rock progresivo de los 70 junto a los nuevos sonidos progresivos de los 80, temas melódicos con sonidos fuertes que en ocasiones llegan al hard rock y dosis de sinfonismo con atmósferas cósmicas, con una sabia mezcla de los elementos mas épicos de los primeros Rush. Esas atmósferas pesadas y oscuras son lideradas por la portentosa voz de Lawson, mas los acentuados ritmos de bajo de Murray y que junto a la pomposidad de los teclados y las guitarras solidas y efectivas, cubren un amplio espectro musical progresivo que lo convierten en una de las joyas mas emblemáticas del genero.

Santana-Inner Secrets (1978)

Este disco marca el inicio de una etapa en la que Carlos Santana comienza a desvincularse un poco de las influencias del Jazz y el Blues, pero sobre todo de los elementos latinos para empezar a crear algo más orientado hacia el Rock clásico. Sin embargo fue decepcionante para muchos fans acérrimos a su sonido clásico, pero también ganaría un segmento de publico muchísimo mas amplio; los seguidores a los sonidos mas clásicos del genero.
Ello se vio traducido en que este nuevo álbum se mantuviera muy bien en las listas debido a algunos de sus sencillos como "Open Invitation" o el fantástico "One Chain (Don’t make no prison)", muchísimo más tiempo que cualquier otro álbum de Santana desde 1971.
Pero además de estos dos relevantes y magníficos temas, Santana se atrevió a interpretar varios clásicos de los sesenta como el inaugural "Dealer/Spanish Rose", de los míticos Traffic y el eterno "Well All Right” de los no menos míticos Blind Faith, reviviendo así el espíritu de un Steve Winwood en horas bajas en aquellos años.
Pero es la irresistible y mencionada “One Chain ( Don´t Make no Prison), el tema estrella de este álbum, con un ritmo continuo, unos sutiles riffs de guitarra, unos teclados sinuosos, la atractiva voz de Greg Walker, una sección rítmica juguetona y unos solos de Santana inconfundibles lo que hacen de este “Inner Secrets” un álbum inolvidable.
En el resto del disco el sonido clásico de la guitarra de Santana vuelve a deleitar con el tema "Open Invitation”, o en la instrumental "Life Is a Lady/Holiday” con esos arabescos solos característicos del músico mexicano, mientras en “The Facts Of Love”, Santana muestra su lado mas amable con una melodía bañada en unos sutiles teclados con un guiño a su pasado latino y en “Stormy” los sonidos jazzisticos tiene un hueco de manera discreta pero efectiva.
“Inner Secrets” supone uno de sus grandes trabajos, que enterrados en la memoria colectiva de manera injusta, ha resistido mejor el paso del tiempo que otros posteriores, como una de sus obras mas reconocidas, por mucho que sus fans mas puristas se empeñen en decir lo contrario.
Este sin ninguna duda, fue uno de sus últimos grandes discos, ya que durante la década siguiente Carlos Santana bordeó continuamente el desastre con discos que nunca llegaron a destacar de forma especial, a pesar de su innegable calidad.
Y es que si observamos detenidamente la carrera de Santana, hay cosas que nunca entenderemos, como después de comenzar una carrera con una serie de fabulosos álbumes como “Santana” (1969), “Abraxas” (1970), “Caravanserai” (1972) , “Welcome” (1973),  o incluso este “Inner Secrets”, se fue perdiendo en proyectos mas ambiguos y en meandros infinitos que dejaban descolocado al mas fiel de sus seguidores.

The Highwaymen-Highwayman 2 (1990)

A mediados de la década de los ochenta, cuatro de los mas grandes músicos del country y el rock´n´roll norteamericano como son Johnny Cash, Waylon Jennings, Willie Nelson y Kris Kristofferson se unieron y formaron el supergrupo The Highwaymen.
Formado inicialmente como un proyecto de un solo disco, este supergrupo se convirtió en una de las principales bandas country del cambio de siglo.
Estas cuatro leyendas tienen tras de si unas carreras tan largas como grandes son sus contribuciones a la música norteamericana.
Willie Nelson, Waylon Jennings, Johnny Cash y Kris Kristofferson son leyendas individuales en los Estados Unidos, entre todos ellos reconocidos activistas o impulsores de innumerables reindivicaciones, actores en películas o como importantes personajes en la vida civil norteamericana. Enumerar sus carreras discográficas y sus logros serian llenar cientos y cientos de paginas.
En 1985 lanzaron un álbum asombroso pero al mismo tiempo clásico, canciones míticas como "The last cowboy song", una canción del viejo oeste de Ed Bruce, "Deportee" de Woody Guthrie, "Jim, I Wear Tie today" de Eddy Arnold, "Big River" de Johnny Cash o "Against the wind" de Bob Seger, sin mencionar el tema "Highwayman" de Jimmy Webb, los cuales forman parte de esta joya del country, folk y rock´n´roll.
Cinco años después volverían a repetir la formula de versiones con el álbum “Highwayman 2”, aunque en esta ocasión se alternaban con temas compuestos por todos los miembros del grupo, otro soberbio disco en donde la melódica y fantástica “Silver Stallion” de Lee Clayton da comienzo a otro recital inigualable de temas míticos y composiciones antológicas “Born and Raised in Black and White”, “American Ramains” , “Living Legend” o “Texas”. Pasarían otros cinco años para que volvieran a reunirse y grabar el álbum “The Road Goes On Forever”, a la postre el ultimo de esta extraordinaria reunión de talentos debido a que Waylon Jennings, fallecería en el 2002 y un año después Johnny Cash.
Curiosamente un año después de su primera reunión, participaron los cuatro músicos en la misma película “Stagecoach”, un remake de la mítica película de John Ford.

John Miles-Rebel (1976)

En 1976, el primer álbum de un joven John Miles, se convierte en uno de los mayores logros de la década, "Rebel" fue un monumental trabajo que le catapultaría a la fama mundial, pero también le lastraría en lo sucesivo al no poder superar en adelante, una obra de esta magnitud. Nacido en 1949 en Durham al nordeste de Inglaterra, su carrera había empezado a principios de los setenta en las bandas The Influence y The John Miles Set, que pasan sin pena ni gloria, hasta que en 1975 consigue un contrato con el sello Decca el cual le facilita la grabación de su primer álbum. Con la producción de Alan Parsons y los arreglos orquestales de Andrew Powell, mas la colaboración de Barry Black a la batería y el bajista Bob Marshall, Miles se encargaría de los demás instrumentos, desde las guitarras, los teclados, sintetizadores y voces. "Rebel" es un disco excepcional, con un sonido grandilocuente, debido al registro de secciones de sintetizadores, guitarras y pianos, así como potentes baterías y arreglos orquestales con sabor a neoclasicismo gracias a la labor de Andrew Powell.
Sin embargo, "Rebel" fue tremendamente exitoso gracias en parte a una canción, "Music", una epopeya musical que alcanzaría un éxito abrumador y un impacto a nivel mundial. El resto del álbum esta compuesto por un repertorio variado que va desde temas pomposos como "You Have It All", hasta temas de rock melódico "Highfly" y "Rebel" o aproximaciones al pop sinfónico "Everybody Wants Some more".
A partir de aqui John Miles publicaría una decena de discos pero sin alcanzar el ímpetu creativo de este "Rebel" o incluso del siguiente disco "Stranger In The City" de 1977. Sin embargo Miles seguirá siendo un cantante y músico cotizado para otros artistas, así desde Jimmy Page hasta The Alan Parsons Project, pasando por Joe Cocker entre otros, han requerido de sus servicios para las grabaciones de una docena de álbumes.